Collection virtuelle sur le thème du portrait masculin en peinture, dessin, sculpture et photographie. Chaque portrait est analysé et commenté en français et, quelquefois, détaillé dans un podcast. Biographie de peintres, sculpteurs, photographes et artistes. Portraits historiques, autoportraits, Nus académiques, portraits officiels, Histoire de la mode, Histoire du costume, Histoire de l'art.
jeudi 2 mai 2024
Felix Vallotton (1865-1925) - Vuillard dessinant à Honfleur
Felix Vallotton (1865-1925)
Vuillard dessinant à Honfleur, 1902
Huile sur carton, 81.7 x 59.9. cm
Musée des Beaux Arts de Montréal, Canada
Félix Vallotton a produit un très grand nombre d’œuvres : 1 704 peintures répertoriées, 237 gravures et des centaines d'illustrations de livres ou revues. C'est vraisemblablement à l’instigation de son ami Charles Maurin que Félix Vallotton s’engage en 1891 dans la gravure sur bois, à une époque où la lithographie en couleur était très en vogue. La xylographie lui permet de réaliser des estampes expressives, en aplats francs de noir sur blanc, qui lui confèreront une renommée internationale. Celles-ci se caractérisent par leurs thèmes singuliers et un style minimaliste très synthétique, incisif, renforcé par l'absence de dégradé : on y voit des scènes de vie marquantes surgir dans un environnement d'un noir profond, exprimant des tensions latentes. Dès 1894, le graveur s’oriente vers des sujets plus intimes où l’arabesque ornementale et l’expansion du noir se déploient.
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dimanche 28 avril 2024
LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 108 - JÉHANNE, PRINCESSE ROYALE ? BERGÈRE ?
Jean Pichore (peintre enlumineur actif de 1502 à 1521)
Portrait de Jeanne La Pucelle d’Orléans, vers 1504 -1505
Miniature ornant « Les vies des femmes célèbre »s d'Antoine Dufour,
Musée Dobrée, Nantes,
Podcast culturel, éducatif et ludique pour francophones
Plus de 600 ans après sa mort, la vie de la plus figure la plus marquante de l’Histoire de France reste toujours un mystère. Celle qui a gagné toutes les batailles décisives pour sauver la France a la seule force de son étendard et sans jamais avoir tué le moindre soldat ennemi - car Jeanne n’a jamais occis un seul de ses semblables - était-elle la gentille bergère un peu schizophrène de la légende ou, comme le pense certains, une princesse du sang, la demi sœur même de ce roi qu’elle veut sauver à tout prix ? Pour le savoir écouter ce podcast...
Autres podcast a consulter en rapport avec ce sujet :
• LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 105 - Gil...
• LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 70 - Jea...samedi 27 avril 2024
Antoine Fort-Bras (?-1690) -Trompe-l’oeil au nu académique
Antoine Fort-Bras (?-1690)
Trompe-l’oeil au nu académique
Collection privée
Antoine Fort-Bras ou Forbera est un artiste peintre français ou vénitien, connu pour ses trompe-l'œil. Peu d'éléments de la carrière d'Antoine Fort-Bras sont connus. Il serait d'origine vénitienne et serait venu à Avignon pour travailler. Il est mort en 1690 à Avignon, sur le chantier de la construction de la basilique métropolite Notre-Dame des Doms, à la suite d'une chute d'un échafaudage. D'autres sources le disent condamné à mort. L'œuvre la plus importante du corpus d'Antoine Fort-Bras, Le Chevalet du peintre, datée et signée « A. F. B. pinx., A. 1686 » est conservée au musée Calvet, à Avignon. Il s'agit d'un trompe-l'œil figurant un chevalet, sur lequel est présenté une copie en contre-partie de Au royaume de Flore de Nicolas Poussin. Un autre petit tableau, ainsi que trois estampes, sont également figurés. L'une des estampes, en sanguine, est une interprétation du tableau de Poussin. Les deux autres estampes sont probablement des eaux-fortes de Sébastien Leclerc et de Gabriel Pérelle. D'autres toiles en trompe-l'œil attribuées à Antoine Fort-Bras sont connues : Trompe-l'œil du marquis de Mauny, en collection privée et Les trois âges de la vie, conservé au musée Massey de Tarbes.
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mardi 23 avril 2024
Jean Lurçat (1892-1966) - Solitaire au café
Solitaire au café (1921)
Gouache et crayon sur papier, 39.8 x 28.2 cm
Collection privée.
Le peintre, céramiste et créateur de tapisseries monumentales français, Jean Lurçat doit
principalement sa notoriété à ses travaux de tapisserie dont il rénova
en profondeur le langage. Après des études dans l'atelier de Victor
Prouvé, le chef de l'Ecole de Nancy, Jean Lurçat s'installe à Paris où
s'inscrit à l'académie Colarossi puis à l'atelier du graveur Bernard
Naudin. Il découvre alors Matisse Cézanne, Renoir. l devient ensuite
apprenti auprès du peintre fresquiste Jean-Paul Lafitte avec lequel il
mène, en 1914, un premier chantier à la faculté des sciences de
Marseille.
En 1917, Jean Lurçat fait exécuter par sa mère, ses
premiers canevas : Filles vertes et Soirées dans Grenade. Dès la fin de
la guerre, en 1918, il revient en Italie où il passe, en 1919 des
vacances en compagnie de Rilke, Busoni, Hermann Hesse et Jeanne Bucher.
Sa deuxième exposition se tient à Zurich cette année-là.
En 1920, il
s'installe à Paris avec Marthe Hennebert (qui avait été, à partir de
1911, la muse de Rainer Maria Rilke). C'est elle qui tisse au petit
point deux tapisseries : Pêcheur et Piscine. Il expose cette année-là au
Salon des indépendants deux tapisseries et quatre toiles. En 1927, il
décore le salon de la famille David Weill : il s'agit de quatre
tapisseries au petit point et réalise L'Orage pour Georges Salles (Musée
d'art moderne) ). En 1928. il fait sa première exposition à New York.
En 1930, il expose à Paris, Londres, New-York, Chicago.
En juillet 1937, à Angers La vision de L'Apocalypse (14e siècle)
provoque chez lui un choc esthétique et artistique annonciateur de
l'œuvre à venir. En 1938, Moisson (2,75 × 5,50 m) est tissée chez
Tabard. La manufacture de Beauvais tisse les tapisseries pour quatre
fauteuils, un divan et un paravent destinés à accompagner la tenture
d'Icare. En 1939, il expose à New-York et Paris . En septembre, il
s'installe à Aubusson avec Gromaire et Dubreuil pour essayer de redonner
vie à la tapisserie qui, à l'époque, subit une grave crise. Il met au
point un nouveau langage technique : carton numéroté, palette réduite,
tissage robuste à large point. Et désormais, il abandonne le travail à
l'huile au profit de la gouache
En 1944, ses tapisseries sont exposées à Paris et ses peintures à New-York.
Comblé d'honneur et au fait de la gloire, Jean Lurçat meurt subitement
en janvier 1966 à Saint Paul de Vence. Sur sa tombe un soleil gravé dans
la pierre avec une devise : « C'est l'aube ». Ces deux mots sont le
début de la phrase, écrite par lui, qu'il avait fait graver sur son épée
d'académicien :
« C'est l'aube d'un temps nouveau où l'homme ne sera plus un loup pour l'homme… ».
Il semble qu'il se soit trompé sur ce point !
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vendredi 19 avril 2024
Nicolas de Staël (1914-1955) - Les Musiciens, souvenir de Sidney Bechet
Nicolas de Staël (1914-1955)
Les Musiciens, souvenir de Sidney Bechet
Huile sur toile, 162 x 114 cm, 1952-1953,
Centre Pompidou, Paris
Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine» alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère : " on y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son oeuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.
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lundi 15 avril 2024
Christian Bérard (1902-1949) - Portrait de Cecil Beaton, 1937
Christian Bérard (1902-1949)
Portrait de Cecil Beaton, 1937
National Portrait Gallery London
Christian Jacques Bérard,
couramment surnommé « Bébé » car il était assez joufflu, est un
peintre, illustrateur, scénographe, décorateur et créateur de costumes
français, Après des études au Lycée Janson-de-Sailly à Paris, il entre
en 1920 à l'Académie Ranson. Très tôt dans sa vie, il est attiré par le
théâtre dont il deviendra l'un des principaux créateurs de décors et de
costumes au cours des années 1930 et 1940. Il travaille dès 1930 en
étroite collaboration avec Jean Cocteau et Louis Jouvet, pour lesquels
il réalise entre autres les costumes et/ou les décors de La Machine infernale (1934), L'École des femmes (1935), La Folle de Chaillot (1945) de Jean Giraudoux, Les Bonnes (1947) de Jean Genet et Dom Juan
de Molière (1948), sa contribution la plus célèbre demeurant en 1946 la
conception des décors et des costumes du film de Jean Cocteau, La Belle et la Bête.
Avec Boris Kochno, il formait un couple très en vue dans l les milieux
mondains parisiens. En 1945, tous deux assurèrent la direction
artistique du mythique Théâtre de la Mode.
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dimanche 14 avril 2024
LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 107 - Toutankhamon ou les horreurs de l'inceste
Le célèbre masque funéraire en or du jeune pharaon Toutankhamon laisse supposer un être d’une égale majestueuse beauté majestueuse. Or il n’en est rien. En effet une récente autopsie menée virtuellement car il n’est pas question de toucher physiquement à une momie de plusieurs millénaires, a révélé que ce qui cachait sous les bandelettes n’avait rien a voir avec l’image sculpté des ses multiples sarcophages gigognes. En gros il y a tromperie sur la marchandise et le contenu ne ressemble pas du tout mais alors pas du tout à l’étiquette de la boite ! Podcast culturel, éducatif et ludique pour francophones
vendredi 12 avril 2024
Alfred Courmes (1898-1993) - Les Cantonniers
Alfred Courmes (1898-1993)
Les Cantonniers
Collection privée
Élève
de Roger de La Fresnaye dont il sera le seul disciple, Alfred Courmes
s'installe à Paris en 1925, et expose au Salon des indépendants et au
Salon d'automne. Il réalise des toiles cubistes : Nature morte cubiste
au pinceau, en 1921, peint des portraits comme celui de Peggy
Guggenheim. Il s'installe à Ostende l'année suivante et fait la
connaissance de Ensor, Constant Permeke, et Félix Labisse. Il s'imprègne
en même temps de la peinture de Van Eyck, Hans Holbein, Dürer,
Brueghel… en visitant les musées de Bruges, de Gand.
En 1929, il peint l'Homme blessé en hommage à Roger de La Fresnaye et expose au Salon des Tuileries Portrait de Mme Elvira de Hidalgo et Pêcheur à la raie.
Cette
confrontation entre le classicisme et cette vision surréaliste et
expressionniste seront des références permanentes pour Courmes. Surnommé L'Ange du mauvais goût
par ses détracteurs, il détourne souvent dans ses tableaux des thèmes
mythologiques ou chrétienneà des fins humoristiques ou à consonances
sexuelles, parfois nettement homoérotiques. Il n'est pas rare que des
objets modernes (bicyclettes, haltères) ou des vêtements contemporains
(bas de soie, shorts, habits de marins) soient associés à des univers de
l'Antiquité ou du Moyen Âge. Il emprunte également à l'imagerie des
publicités de son temps (fillette et logo des Chocolats Menier, Bibendum
de Michelin, paquets de lessive, étiquettes de Camembert) et à la
photographie des journaux à sensations (meurtres sanglants, criminels,
détachements de militaires) pour susciter des anachronismes cocasses ou
blasphématoires. Les décors de ses tableaux sont très souvent liés au
canal Saint-Martin, à la place du Colonel-Fabien ou à l'avenue Secrétan.
En
1946, il participe à l'Exposition surréaliste de Lille avec Magritte et
son ami Clovis Trouille, à partir de 1957, il expose régulièrement au
salon de mai et en 1971 lors de l'exposition Les Autres organisée par
Yves Hamon à Bordeaux. Courmes est reconnu comme précurseur d'une
génération de jeunes peintres qui exposent avec lui, à la Galerie
nationale du Grand Palais en 1972 dans l'exposition 12 ans d'art
contemporain, et reçoit le prix Panique. Il sera présent à l'exposition
Mythologies Quotidiennes au musée d'art moderne de la ville de Paris en
1976, ainsi qu'à l'exposition Les Réalismes entre révolution et réaction
1919-1939 au Centre Georges-Pompidou.
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mardi 9 avril 2024
Alfredo Ramos Martínez (1872-1946 - Deux amis
Alfredo Ramos Martínez (1872-1946)
Deux amis
Collection privée
Alfredo Ramos Martínez était un peintre, muraliste et éducateur, qui a vécu et travaillé au Mexique, à Paris et à Los Angeles. Considéré par beaucoup comme le «père du modernisme mexicain », Ramos Martínez est surtout connu pour ses peintures sereines et empathiques de personnes et de scènes mexicaines traditionnelles. Comme pour les autres grands modernistes mexicains, les peuples autochtones étaient les principaux sujets des œuvres matures de Ramos Martínez. Ces dernières années, plusieurs de ces peintures ont atteint des prix élevés sur le marché international de l'art. Son tableau Flowers of Mexico de 1938 a été vendu plus de 4 millions de dollars chez Christie's à New York en mai 2007, ce qui a soudainement attiré l'attention sur ce peintre jusque là très peu connu.
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vendredi 5 avril 2024
Antoine de Favray (1706-1798) - Portrait d'un gentilhomme ottoman
Antoine de Favray (1706-1798)
Portrait d'un gentilhomme ottoman c. 1760
Musée Pera, Istanbul
Antoine
Favray, est un peintre français de l'ordre de Saint-Jean de Jérusalem
et commandeur de l'OrdrePendant son premier séjour à Malte, il peint
plusieurs tableaux représentant des dames maltaises et a aussi des
commandes pour les églises et établissements religieux de l'île. Le
grand maître Manoel Pinto da Fonseca (1741-1773) lui fait réaliser son
portrait où Favray réussit à rendre la volonté qu'avait le grand maître
d'apparaître en monarque plus qu'en chef d'un ordre religieux. Favray
obtient ce résultat, grâce à la position du grand maître qui désigne de
la main une couronne fermée, signe de royauté, et en utilisant en
abondance la couleur pourpre. Par la suite, il fera aussi les portraits
officiels de ses deux successeurs, Francisco Ximenes de Texada
(1773-1775) et Emmanuel de Rohan-Polduc (1775-1797). Le premier portrait
met l'accent sur le côté religieux de Ximenes, celui de Rohan est très
peu « officiel » : il est en mouvement pour monter sur son trône, les
pages derrière lui ne lui prêtent nulle attention et discutent entre
eux. Par la fenêtre, on voit le peuple de Malte, et un oranger qui
rappelle que les oranges de Malte sont appréciées par toutes les cours
d'Europe. Favray accompagne l'équipage de la Couronne ottomane, bateau
qui retourne à Constantinople. Ce navire, capturé par des esclaves
chrétiens réfugiés à Malte, est racheté par le roi de France pour
l'offrir au sultan en gage d'amitié. Il arrive à Constantinople le 19
janvier 1762, est bien reçu par Vergennes, ambassadeur de France, fait
son portrait ainsi que celui de son épouse, peint de nombreuses scènes
d'intérieur, ainsi que des paysages. Il semble s'être parfaitement
intégré à la communauté française. Il restera huit ans avant de revenir à
Malte où il arrive le 29 septembre 1771.
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mardi 2 avril 2024
Joos van Craesbeeck (c. 1605 – c.1654/1661) - Trois jeunes hommes jouant de la musique
Joos van Craesbeeck (c. 1605 – c.1654/1661)
Trois jeunes hommes jouant de la musique
Huile sur panneau, 64 x 54 cm
Musée des Beaux-Arts Tournai
Josse van Craesbeeck ou Joos van Craesbeeck, est un boulanger et peintre baroque flamand. Il a joué un rôle important dans le développement de la peinture flamande au milieu du xviie siècle à travers ses scènes de tavernes et ses portraits dissolus. Ses scènes de genre représentent des personnages du peuple dans des des scènes de leur vie quotidienne. Joos van Craesbeeck a peint aussi des ompositions à thème religieux. La chronologie de son œuvre est difficile à établir, une seule peinture, un autoportrait aujorud'hui disparu, étant signé. En plus de l'unique peinture signée avec son nom complet, il y a environ 30 autres peintures avec le monogramme cb ou jvcb. Malgré la difficulté à dater ses peintures, on pense que dans ses premières œuvres il s'appuyait sur les types de Brouwer. Il suit aussi la palette de Brouwer dans ses harmonies subtiles avec des reflets occasionnels étincelants. Comme Brouwer, il applique une couleur très fine laissant des parties de la toile de fond visibles. Après la mort de Brouwer en 1638, van Craesbeeck se tourne vers d'autres artistes pour s'inspirer et emprunte des idées à des peintres hollandais contemporains. Les peintres anversois restent cependant sa principale source d'inspiration. Il est capable de trouver sa propre interprétation individuelle des sujets quotidiens, qui formaient l'essentiel de sa production. Sa palette est dominée par les bruns et les gris.
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Arabie préislamique - Masque funéraire en or, Ier s.
Masque funéraire en or, Ier s. ap. J.C.,
Thâj, tombe de Tell al Zayed,H. 15, L. 4,5 cm,
Musée national de Riyad (Arabie Saoudite)
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dimanche 31 mars 2024
samedi 30 mars 2024
Boris Taslitzky (1911-2005) - Fatigue, Camp de Buchenwald
Fatigue, Camp de Buchenwald, 1945
Crayon sur papier 20,3 x 12,9 cm
Musée de la Résistance nationale, France
Dès les premières heures, Boris Taslitzky s'engage dans la Résistance. Mobilisé, il est fait prisonnier et s'évade. Coupable d'avoir réalisé des dessins engagés, il est à nouveau arrêté. Son activité de subversion ne faiblit pas au cours de son incarcération dans les prisons de Vichy, à la centrale de Riom, puis au camp de Saint-Sulpice-La -ointe où, avec la complicité des autres prisonniers, il peint un ensemble de fresques qui, après un article d'Aragon publié dans Regards, lui vaut le titre de « Maître de Saint Sulpice ».
Même dans l'enfer concentrationnaire nazi de Buchenwald, il ne désarme pas : grâce à la solidarité et à l'organisation de résistance clandestine, Boris Taslitzky produit près de 200 croquis et dessins (dont celui ci-dessus), ainsi que cinq aquarelles. Rendant hommage au talent et au courage de son ami peintre, Aragon fait publier dès 1946 l'album, 111 dessins faits à Buchenwald. Après une réédition en 1978 de l'Association française Buchenwald-Dora, l'ensemble très largement enrichi est récemment paru chez Biro Editeur.
Le Musée d'Art et d'Histoire du Judaïsme a consacré à ce témoignage graphique exceptionnel une exposition en 2006.
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lundi 25 mars 2024
Antonis Mor (1516–1576) - Portrait d'un homme en Saint Sébastien
Antonis Mor (1516–1576)
Portrait d'un homme en Saint Sébastien
The Fitzwilliam Museum, Cambridge
Antonio Moro, ou Anthonis Mor est un peintre flamand. On le connait sous divers noms : son prénom est tantôt Anthonis, Antoon, Antonis, Anthony, Anthonius ou Antonio, son nom est tantôt Mor, More ou Moro, et il est également identifié par son titre acquis au cours de sa vie : Van Dashorst. Portraitiste très apprécié, il fait une carrière internationale, qui le mène à Bruxelles, Madrid, Lisbonne, Londres, Utrecht et Anvers.
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jeudi 21 mars 2024
Alice Néel (1900-1984) At the White Chapel
Alice Néel (1900-1984)
At the White Chapel
Alice Néel est une artiste visuelle américaine, particulièrement connue pour sa peinture à l'huile et pour ses portraits nus. Il s'agit d'une peinture sans fard, qui ne cède pas à la tentation des mouvements picturaux en vogue (l'impressionnisme dans ses années de formation, le surréalisme dans l'entre-deux-guerres, le pop art ... puisqu'elle a traversé à peut près tous le 20e siècle, et qui se démarque des canons habituels sur la représentation aussi bien de la féminité que de la virilité.
Les peintures d'Alice Neel sont remarquables pour leur utilisation expressionniste de la ligne et de la couleur, la perspicacité psychologique et l'intensité émotionnelle.
Communiste des le milieu des années 1930, elle réalise dans les années 1940 des illustrations pour la publication communiste, Masses & Mainstream, tout en continuant à peindre. Cependant, en 1943, la Work Projects Administration cesse de travailler avec elle, ce qui lui réduit ses revenus. Elle en vient à voler à l’étalage.
Dans les années 1950, l'amitié de l’acteur Mike Gold et son admiration pour son travail lui valent un spectacle au New Playwrights. En 1959, elle fait une apparition avec le jeune Allen Ginsberg dans un film beatnik, Pull My Daisy, de Robert Frank.
L'année suivante, son travail est présenté dans le magazine ARTnews. C’est essentiellement dans les années 1960 que sa notoriété se renforce. Son portrait de Kate Millet pour la une de Time Magazine le 31 août 1970 contribue aussi à la faire connaître.
En 1974, le Whitney Museum of American Art lui a consacré une rétrospective.
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dimanche 17 mars 2024
LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 105 - Gilles de Rais, le maréchal abominé !
Miniature représentant le procès de Gilles de Rais(1405 - 1440)
Armes du président Bouhiais
Bibliothèque nationale de France
Dès l'âge de 20 ans, celui lui qui mourut a 35 ans avec titre de
Marechal de France (le plus jeune maréchal de toute l'Histoire de
France) , fut un Héros militaire d'un indicible courage, compagnon
d'armes et proche conseiller de Jeanne D'arc, mais aurait été aussi
infanticide, mangeur de chair crue d'enfant, prédateur sexuels
sanguinaire, quid épousait ses victimes en morceaux alors qu'iel étaient
encore envie et le regardait lentement agoniser, bref l'incarnation
absolue du mal, un suppôt de Belzebuth arrivé sur terre...
Ou bien
ne fut il rien de tout cela. Tout simplement victime de la jalousie de
ses contemporains - grosse jalousie alors ! - et des féroces campagne
politiques de dénigrement qui - déjà sous l'ancien régime, aimait
présenter la chevalerie comme un ramassis de brutes sanguinaires à la
mystique douteuse.
Pour savoir la suite regardez le podcast
© LES TABLEAUX QUI PARLENT
https://studio.youtube.com/channel/UCkVsZ_ZO4FQGO8bwihHGdag/videos
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jeudi 14 mars 2024
Pavel Tchelitchew (1898-1957) - Le collier de Roses
Pavel Tchelitchew (1898-1957)
Le collier de Roses, 1931
Collection Privée
D'origine aristocratique, Pavel Tchelitchew suivit sa famille à Kiev après la révolution de 1917 avant d'émigrer en France en1923. C'est à Paris qu'il fit ses débuts de portraitiste. Au Salon d'automne de 1925, Gertrude Stein remarqua son talent et lui acheta tout le contenu de son atelier. C'est par son intermédiaire d'ailleurs qu'il fit la connaissance de René Crevel et Christian Bérard mais aussi d' Edith Sitwell, dont Tchelitchew réalisa le portrait. C'est chez Gertrude Stein aussi que Tchelitchew rencontra celui qui allait devenir son compagnon pendant de nombreuses années, le poète et écrivain américain Charles Henri Ford (1908-2002) dont il a très souvent fait le portrait. A Paris, Pavel Tchelitchew travailla ensuite pour Serge de Diaghilev en créant des décors et des costumes des Ballets russes en 1928. En 1930, Tchelitchew présenta ses oeuvres dans le cadre d'une exposition collective au Museum of Modern Art de New York, tout juste ouvert depuis un an seulement.
En 1933, il décide de s'installer avec son compagnon Charles Henri Ford à New York où il continue à travailler pour des metteurs en scène et des chorégraphes, comme George Balanchine ou A. Everett Austin (Wadsworth Atheneum de Hartford).
Tchelitchew acquit la nationalité américaine en 1952.
Un peu moins de 150 de ses peintures sont conservées au MoMA à New York.
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samedi 9 mars 2024
Alex Colville (1920-2013) - Sailing
Alex Colville (1920-2013)
Sailing
Private collection
Le peintre canadien Alex Colville fut l'un des artistes de guerre canadiens les plus célèbres, surtout durant ses quatre années de service en Europe où il a peint entre autres le débarquement à Juno Beach lors de l'Opération Neptune. Représentant le réalisme américain, il devient après la guerre, membre de la faculté des Arts de la Mount Allison University où il enseigne de 1946 à 1963. Puis, Colville quitte l'enseignement pour se consacrer à la peinture et à l'estampe à plein temps dans un studio de la rue York. Les œuvres d'Alex Colville oaujourdh'uii comme un peintre canadien majeur ont été souvent exposées au Canada, mais aussi à travers le monde plus précisément à la Tate Gallery de Londres et au Centre d'exposition de Pékin. En 1983, une rétrospective itinérante internationale fut organisée par le Musée des beaux-arts de l'Ontario.
L'œuvre d'Alex Colville est présent dans plusieurs collections incluant : Art Gallery of Nova Scotia, Cape Breton University Art Gallery à Sydney, MOMA à New York, le Musée national d'art moderne à Paris, le Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa, le Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou à Paris, le Wallraf-Richartz Museum à Cologne et le Kestnergesellschaft à Hanovre.
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mercredi 6 mars 2024
Laton Alton Huffman (1854-1931) - Snake Whistle, Cheyenne
Laton Alton Huffman (1854-1931)
Snake Whistle. Cheyenne. Fort Keogh, Montana. 1880.
Montana State Library
Laton Alton Huffman était
un photographe américain qui témoigna de la vie et des personnalités
des Amérindiens. Né dans le comté de Winneshiek, dans l'Iowa, il a passé
la majeure partie de sa vie à photographier les environs de sa maison,
dans le Montana. Ayant d’abord travaillé à Fort Keogh, il a commencé peu
a peu à vendre les images qu'il tirait de ses négatifs sur plaque de
verre.
Snake Whistle fut un chef Cheyenne une nation
amérindienne des Grandes Plaines, proche alliée des Arapahos et
alliée des Lakotas (Sioux). Elle est l'une des plus
célèbres et importantes tribus des Plaines. Dans leur langue maternelle,
ils se nomment « Tsitsistas » ou « Sutai ». La nation Cheyenne est
composée de l'union de deux tribus, les Tsitsistas et les Sotaae'o. Elle
incluait dix bandes, dont les territoires s'étendaient sur l'ensemble
des Grandes Plaines, du sud du Colorado aux Black Hills dans le Dakota
du Sud. Au début du 19e siècle, la tribu s'est séparée en deux groupes :
celui du sud restant près de la Platte River et celui du nord vivant
près des Black Hills à proximité des tribus Lakotas.
Les Cheyennes du
Montana et de l'Oklahoma parlaient tous deux la langue cheyenne, avec
seulement quelques éléments de vocabulaire différenciant les deux
groupes. La langue cheyenne est une langue tonale faisant partie du
grand groupe des langues algonquiennes.
Les Cheyennes occupaient
autrefois une grande partie des États-Unis. Aujourd'hui, ils vivent en
ville ou bien dans des réserves. On recensait en 2013, 22 970 Cheyennes,
dont 10 840 Cheyennes du Nord et 12 130 Cheyennes du Sud.
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samedi 2 mars 2024
Jan Gossaert (1479-1532) dit Mabuse - Portrait d'un homme
Jan Gossaert (1479-1532) dit Mabuse
Portrait d'un homme, 1525
On ne sait rien du début de la vie de Jan Gossaert si ce n'est qu'il est né à Mabeuge d'où son surnom. Il apprend probablement son art à Bruges, mais on ne sait pas où il a fait son apprentissage. Il exerce ensuite à Anvers où sa première trace date de 1503. Il y est reçu cette année-là, franc-maître à la guilde de Saint-Luc, sous le nom de « Jennyn Van Henegouve ».
Les œuvres de sa première période montrent une influence d'artistes familiers avec les modèles plastiques, ce qui incite à penser qu'il vécut près de la frontière avec la France.
Il travaille pour Philippe de Bourgogne, futur évêque d'Utrecht et l'accompagne en Italie, lors de sa mission, qui avait pour objectif de rencontrer le pape à Rome (1508-1509). Après plusieurs étapes à Trente, Vérone, Mantoue et Florence, il se trouve à Rome au moment où Michel-Ange et Raphaël travaillent au Vatican, et au milieu de la ferveur suscitée par de sensationnelles découvertes archéologiques. Il y fait divers croquis sur des antiques. À son retour d'Italie, il est un des premiers à oser dessiner des nus mythologiques, sans doute à l'instigation du duc de Bourgogne.
Il retourne en Flandres avec son mécène vers le début des années 1510 et y est accaparé par des commandes de compositions religieuses, dans lesquelles il allie l'héritage technique des primitifs flamands aux nouveautés de la Renaissance italienne. Il peint plusieurs tableaux à l'église Sint-Adriaansabdij à Grammont, ainsi que le triptyque de Malvagna vers 1513-1515 (palais Abatellis à Palerme).
Au château de Suiburg, appartenant à son mécène, il peut exploiter pleinement ses acquis italiens. Fin 1515, il décore ce palais avec un certain nombre de nus profanes, grandeur nature3 comportant une dimension érotique. L'année suivante, sur les indications de Philippe de Bourgogne, il décorera le char funèbre de Ferdinand le Catholique, de personnages nus et de trophées guerriers à l'antique. Il travaille également pour Charles Quint, Marguerite d'Autriche ainsi que d'autres commanditaires.
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mardi 27 février 2024
Giovanni da Oriolo (14?? - 14??) - Leonello d'Este
Giovanni da Oriolo (14?? - 14??)
Leonello d'Este (1447c.)
Tempera e uovo su tavola (57,6 x 39,5 cm)
National Gallery. London
Giovanni da Oriolo est connu pour ce portrait de Lionel d'Este (1447, National Gallery, Londres) similaire à celui réalisé par Pisanello (vers 1441, Galerie Carrara, Bergame). Il existe un paiement à l'ordre de Magistro Johanni de Faventia en date du 21 juin 1447 qui pourrait se référer à ce portrait. En 1449, il retourna à Faenza où il fut commissionné pour la réalisation des portraits (disparus) des deux filles (Elisabetta et Barbara) d'Astorre II Manfredi. Il était référencé comme peintre à la cour et était décrit pictor publicus et magister en 1461. En 1452, on lui donna Marcius comme deuxième nom et plus tard le nom familier de Savoretti.
Dans un document du 24 septembre 1474, il est donné pour décédé.
Leonello d'Este 1407-1450) est un condottiere et homme politique italien membre de la Maison d'Este, marquis de Ferrare de 1441 à 1450. De son vivant, Lionel bénéficie d'une réputation de sage et d'homme d'état avisé. Ayant reçu une éducation soignée, le marquis de Ferrare continue à fréquenter son mentor, Guarino Veronese, et invite à sa cour des érudits et des humanistes réputés, les soutenant dans leurs recherches et participant même à leurs débats. Leon Battista Alberti, qui lui dédie de nombreux ouvrages, affirme avoir rédigé son De re aedificatoria sous l'impulsion de Lionel. Il le conseille pour le piédestal du monument équestre dédié à son père qui est la première statue équestre de bronze fondue en Occident depuis l'Antiquité. Pieux et érudit, il développe une véritable réflexion sur les arts et l'humanisme qui est exposée dans le dialogue imaginaire écrit par Angelo Decembrio, De politia litteraria, qui le met en scène parmi un cercle d'humanistes. Le 17 janvier 1442, il fait rouvrir le Studio ferrarese, lui donne les moyens financiers de fonctionner et y attire des enseignants de renom qui drainent bientôt des étudiants venus de toute l'Europe.
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samedi 24 février 2024
Jacob-Ferdinand Voët (1639-1700) - Portrait du Comte Dominik Ondřej Kounic
Portrait du Comte Dominik Ondřej Kounic (1698)
Huile sur toile, 73,5 x 60 cm”
Chateau d'Auzterlitz, Slavkov u Brna, Republique Tchèque
Dominik Ondřej I. Comte de Kounice 1654 -1705) était un noble morave , diplomate et homme d'État au service des Habsbourg. Il fut àl 'origine de la montée en puissance de la lignée morave de Kounice, qui fut complétée deux générations plus tard par l'acquisition du titre princier (Václav Antonín de Kounic-Rietberg). Diplomate à succès, il s'établit à Munich Londres et La Haye, avant de devenir vice-chancelier du Reich (1696-1705). En 1687, il reçut l'Ordre de la Toison d'Or. Dans ses terres du sud de la Moravie et de la Slovaquie, il s'est rendu célèbre pars es commandes d"édifices de style baroque. Entre autres, il a construit un château à Slavkov comme principale résidence de la famille.
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mercredi 21 février 2024
Alexandre Lafond (1815-1901) - Pêcheur Endormi
Alexandre Lafond (1815-1901)
Pêcheur Endormi
Collection privée
François Henri Alexandre Lafond, est un peintre et chef d'établissement scolaire français. Fils de Marie Rose Lafond (1786-1874), François Henri Alexandre Lafond est reçu le 27 septembre 1830 à l'École des beaux-arts de Paris dans l'atelier de Jean-Auguste Dominique Ingres et échoue au prix de Rome de 1838 lors de la dernière épreuve, le sujet étant Saint Pierre guérissant un boiteux aux portes du temple. Il se lie d'amitié avec son condisciple Paul Flandrin et ses deux frères Auguste et Hippolyte.
Il participe au Salon dès 1836 et obtient une médaille de 2e classe en 1857.
En 1867, il est nommé professeur à l'école des beaux-arts de Limoges dont il prendra la direction un an plus tard, poste qu'il quitte en 1873.
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samedi 17 février 2024
Albert Edelfelt (1854 - 1905) - Male Model
Albert Edelfelt (1854 - 1905)
Male Model, 1873
Oil on paper laid on canvas, 91.5 x 72 cm.
Private collection
Fils d’un architecte suédois, Albert Edelfelt suit les cours de dessin de Carl Eneas Sjöstrand puis étudie à
l’université d'Helsingfors. En 1873, il entre à l'académie des
Beaux-Arts d'Anvers et il s'y lie d'amitié avec Émile Claus. En 1874, il
entre à l'école nationale des Beaux-Arts de Paris et y suit les cours
de Jean-Léon Gérôme. Son intérêt pour la peinture naturaliste va grandissant. En 1881, lors de son deuxième séjour à Paris, il rencontre Gustave Courtois, puis Jules Bastien-Lepage
pour qui il éprouve une véritable admiration, le considérant comme un
merveilleux coloriste. Il est alors bien introduit dans le milieu
artistique parisien et est souvent invité à des dîners, où il rencontre
Émile Zola, Alphonse Daudet ou Pierre Puvis de Chavannes.
Il participe notamment au Salon du Champ-de-Mars, présentant trois
tableaux en 1890. Son succès incitera d’autres artistes finlandais à
venir s’installer à Paris. Vers la fin du siècle, il illustre des récits
patriotiques finlandais en réponse à une expression toujours croissante
venue de Russie, dont le grand-duché de Finlande dépendait. Il a eu
pour élève Léon Bakst.
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mardi 13 février 2024
Tahir Salahov (1928-2021)- At the Caspian Sea
Tahir Salahov (1928-2021)
At the Caspian Sea, 1967
Collection privée
Tahir Salahov est un peintre soviétique, azerbaïdjanais et russe, artiste de théâtre, enseignant et professe. L’ensemble des œuvres consacrées aux pétroliers azerbaïdjanais occupe une place prépondérante dans la créativité du peintre. Parmi les tableaux les plus connus de Salakhov on peut citer « Échelon matinal » (1958), « Réparateurs » (1960), « Au-dessus de la Caspienne » (1961), « Femmes d’Absheron » (1967), « Le matin sur la Caspienne » (1986), etc. Sa galerie des portraits y compris les tableaux comme « Aïdan » (1967), les portraits de la mère, « Le portrait de Dana » (1983), ainsi que la galerie des personnalités connues parmi lesquelles : le compositeur Chostakovitch, le peintre R. Rauschenberg,
l" écrivain Mirza Alakbar Sabir, le violoncelliste M.L. Rostropovich, etc.
Salakhov est aussi reconnu pour ses nature mortes et ses paysages de l’Absheron, ses décors despectacles, les œuvres créées aux États-Unis, en Italie, au Mexique (La corrida mexicaine, 1969) et dans d'autres pays.
Les tableaux de Salakhov sont exposés dans les plus grands musées de Russie, d'Azerbaïdjan et d'autres pays ex-soviétiques. Ils sont conservés dans les collections privées et de musées partout dans le monde. À partir des années 1950, il participe régulièrement aux expositions artistiques nationales et internationales. Ses expositions personnelles ont lieu à Bakou et à Moscou, ainsi que dans plusieurs autres villes du monde.
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dimanche 11 février 2024
LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 102- Saint-Sebatien, suivez les flèches !
vendredi 9 février 2024
Ubaldo Gandolfi (1728–1881) -Homme nu assis
Ubaldo Gandolfi (1728–1881)
Homme nu assis
The MET, New York
Bel et étrange exemple de puritanisme du 19e siièle avec ce nu purement et simplement privé de ses organes génitaux.
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lundi 5 février 2024
Edouard Vuillard (1868-1940) - Portrait de Henri Colmet et Frederic Henry
Edouard Vuillard (1868-1940)
Portrait de Henri Colmet à gauche) et Frederic Henry
Collection privée
Le peintre, dessinateur, graveur et illustrateur français Jean Édouard Vuillard, est membre fondateur du mouvement nabi, s'illustrant
notamment dans la peinture de figure, de portrait, d'intérieur, de
nature morte, de scène intimiste, de composition murale et de décor de
théâtre.
Cet autoportrait devant le miroir est l'occasion de se souvenir
que tout en peignant des peintures de format intimiste, Vuillard a créé
de nombreux ensembles décoratifs de commande pour orner les
appartements, les hôtels particuliers et les villas, surtout pour ses
patrons-amis, les frères Natanson, créateurs de La Revue blanche. Cette création s’inscrit dans l’esprit nabi, basé sur l’esthétique d'Albert Aurier ou le mouvement de Arts & Crafts,
qui avait pour but d'abolir les frontières entre les arts majeurs et
mineurs et de faire pénétrer l’art dans le cadre de la vie quotidienne.
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vendredi 2 février 2024
Peintre anonyme allemand du 16e siècle - Portrait d'un Chevalier du Saint-Empire (famille Rehlinger)
Anonyme Allemand
actif à Augsburg dans la première moitié du 16e siècle,
Portrait d'un Chevalier du Saint-Empire (famille Rehlinger), 1540
La Noblesse du Saint-Empire (aAdel des Heiligen Römischen Reiches) était sous le Saint-Empire romain germanique, l’ensemble des nobles ayant reçu un titre de noblesse de l'empereur du Saint-Empire, et qui conférait à ses membres, de nombreux privilèges dont l’immédiateté impériale (c'est-à-dire qui ne répondaient qu’à l’empereur en personne); à différencier de la noblesse médiate (ou noblesse ordinaire) qui, elle était subordonnée aux suzerains des différents États de l’empire.
Les titres de noblesse du Saint-Empire (ou dit «noblesse impériale») étaient: noble (Edelfreï), chevalier (Reichsritter), baron (Reichsfreiherr), comte (Reischgraf) et prince (Reichfürst). Par le prestige de ces titres, ils avaient le privilège de préséance sur toute autre noblesse dans le Saint-Empire romain germanique ainsi qu’une voix au sein de la Diète d'Empire. La noblesse du Saint-Empire disparut en 1806 avec la chute du Saint-Empire romain germanique, elle fut ensuite incorporée dans les monarchies actuelles (Pays-Bas, Belgique, Luxembourg, Danemark, etc.) en continuant à porter «et du Saint-Empire» avec leur nom.
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mardi 30 janvier 2024
Frank Albert Rinehart (1861-1928) - American Natives
Frank Albert Rinehart (1861-1928)
American Natives, end of 19th century
Frank Albert Rinehart était
célèbre pour ses photographies de personnalités amérindiennes, en
particulier pour ses portraits de dirigeants et de membres des
délégations qui ont assisté au Congrès indien de 1898 à Omaha. D'origine
germanique, Rinehart est né à Lodi Illinois). Dans les années 1870,
il déménagea dans à Denver (Colorado) pour trouver un emploi dans le
studio de photographie Charles Bohm. En 1881, les Rinehart et son
frère formèrent un partenariat avec le célèbre photographe William
Henry Jackson, réputé pour ses photos prises en Europe. Sous son
enseignements Rinehart perfectionna ses compétences professionnelles
développa son intérêt pour la culture amérindienne. En 1898, et à
l'occasion du Congrès indien, Rinehart fut chargé de photographier les
personnalités amérindiennes qui assistèrent à l'évènement. Avec son
assistant Adolph Muhr (qui sera plus tard employé par le célèbre
photographe Edward S. Curtis et sera chargé de la colorisation des photos de Rinehart ), ils ont produit ce qui est maintenant considéré comme « l'une des meilleures sources documentaires photographiques des dirigeants indiens au tournant du siècle ».
Après
le Congrès indien, Rinehart et Muhr ont parcouru les réserves indiennes
pendant deux années, décrivant des dirigeants amérindiens qui n'avaient
pas assisté à l'événement, ainsi que des aspects généraux de la vie
quotidienne et de la culture autochtone.
La collection de
photographies indiennes Rinehart est actuellement conservée à la Haskell
Indian Nations University. Depuis 1994, la collection est organisée,
conservée, copiée et cataloguée dans une base de données informatique,
financée par le Bureau of Indian Affairs et la Fondation Hallmark. Il
comprend des images de l'Exposition de 1898, de l'Exposition de la
Grande Amérique de 1899, des portraits en studio de 1900 et des
photographies de Rinehart prises à la Crow Agency dans le Montana
également en 1900.
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jeudi 25 janvier 2024
Francis Cadell (1883- 1937) - On the beach
Francis Cadell (1883- 1937)
On the beach
Private collection
Francis Cadell
(de son nom complet Francis Campbell Boileau Cadell) est un peintre
coloriste écossais, célèbre pour ses représentations d'intérieurs
élégants ainsi que pour ses paysages de l’Ole de Iona et... pour ses
portraits d'hommes !
Encouragé par le peintre Arthur Melville à
partir dès l'âge de 16 ans, il part étudier à Paris à l'Académie Julian
où il entre rapidement en contact avec l'avant-garde française et
découvre Matisse.
Ce dernier exerça sur lui une influence durable, bien qu’il se soit
aussi intéressé à la technique de James Abbott McNeill Whistler et d’Édouard Manet.
Après son retour en Écosse, il a régulièrement exposé à Édimbourg et à
Glasgow — notamment au Royal Glasgow Institute of the Fine Arts — ainsi
qu'à Londres.
Cadell était un peintre gaucher. Lorsqu’il était
étudiant à l'Académie royale écossaise, le président avait tenté de
l'empêcher de peindre avec sa main gauche sous prétexte qu' « aucun artiste gaucher n'était devenu génial ». Cadell répliqua « Monsieur et n'y a-t-il pas la grande peinture de Michel-Ange ? »
Le président ne répondit pas et quitta la salle. Un camarade demanda
alors à Cadell comment il savait que Michel-Ange était gaucher. Et
Cadell d' avouer « Je ne savais pas, mais le président non plus ».
Entre octobre 2011 à mars 2012, la Galerie nationale écossaise d'art
moderne a réalisé une rétrospective majeure du travail de Cadell, la
première depuis celle tenue à la Galerie nationale d'Écosse en 1942.
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dimanche 21 janvier 2024
Ernest Biéler (1863-1948) - Portrait d un vieil homme
Portrait d un vieil homme
Collection privée
Très attaché au Canton du Valais, il est surtout connu pour les magnifiques portraits de paysans (ci-dessus) et d'habitants de Savièse qu'il peignit tout au long de sa vie. Fier de son appartenance valaisanne, il a également créé pour bons de monuments locaux, des vitraux, des fresques, et pour notamment La Fête des Vignerons, des costumes, des chars et des décors tout a fait étonnants.
Il passa les dernières années de sa vie dans sa maison du Monteiller (Rivaz).
Ses portraits se trouvent aujourd'hui dans de nombreuses prestigieuses collections privées en Suisse et a travers le monde.
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jeudi 18 janvier 2024
Aert de Gelder (1645–1727) - Ahimelech remettant l'epée de Goliath à David
Ahimelech remettant l'epée de Goliath à David (c. 1682-88)
Huile sur toile, 91.8 x 132.4 cm.
The J. Paul Getty Museum, Los Angeles
Le sujet du tableau provient de l'Ancien Testament : du premier livre de Samuel, qui décrit le tournant de la relation de David avec le roi Saül. Le prêtre Ahimélec donne l'épée de Goliath au jeune David, qui l'a gagnée au combat. Lorsque le roi Saül apprit que ce symbole de pouvoir avait été donné à David, il fit assassiner Ahimélec.
La manche et la coiffe du prêtre Ahimelech révèlent des rayures et un travail irrégulier du pigment qui capte ainsi la lumière avec des reflets contrastés. Aert de Gelder a réalisé ces rayures avec un couteau à peinture ou le bout d'un pinceau, qu'il utilisait souvent pour mettre en valeur la surface peinte. De Gelder était un élève de Rembrandt, et l'influence du style tardif de Rembrandt est évidente dans son choix de personnages en demi-longueur, grandeur nature, de couleurs sourdes et de coups de pinceau expressifs.
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lundi 15 janvier 2024
Claude Gillot (1673-1722) - Le Tombeau de Maître André
Claude Gillot (1673-1722)
Le Tombeau de Maître André, 1717
Musée du Louvre, Paris
Claude
Gillot, est un peintre, graveur, illustrateur et décorateur de théâtre
français, souvent désigné sous le nom de « maitre de Watteau ». Gillot
était apparenté à plusieurs familles d'artistes les de Langres, les
Lenoir, les Tassel, les Robillon. Il travailla de bonne heure dans
l’atelier paternel où il put étudier particulièrement la décoration et
monta, vers 1691-93, à Paris, où il entra chez Jean-Baptiste Corneille,
qui lui apprit à manier la pointe, et l’initia au genre académique,
qu’il ne tarda pas à abandonner pour suivre sa fantaisie. Gillot eut
bientôt son atelier à lui où il eut comme élève Antoine Watteau, pendant
plusieurs années, jusqu’en 1708.
À peine discernait-on leurs
ouvrages, mais ce ne fut pas son seul disciple : Gillot eut également
pour élèves Nicolas Lancret et François Joullain. Le 26 juillet 1710, il
est agréé à l’Académie royale pour son tableau Don Quichotte, et y est reçu, le 27 avril 1717, avec un morceau de réception d’un style complètement différent, le Christ dans le temps qu'il va être attaché à la Croix.
Il voyagea en Hollande, ce qui peut expliquer l’influence visible des
peintres de ce pays dans plusieurs de ses tableaux de genre, comme la Baraque de l’Empirique, les Apprêts du marché,
ainsi que dans ses dessins à la plume de scènes champêtres et citadines
gravées par le comte de Caylus qu’il initia à l’art de la gravure, dans
ses aquarelles pour des costumes de ballet, tel le Ballet des éléments
où parut le jeune Louis XV, et ses admirables compositions pour les six
tapisseries Bonnier de la Mosson. Le musée de Langres a de lui Le
Cheval de Troie, une peinture dans le genre de la parodie. Il mourut,
ruiné par la banqueroute de Law. Selon le Bulletin de la Société
historique et archéologique de Langres, il montrait une extrême facilité
de pinceau et de burin, une imagination vive et brillante, fantasque,
voire un peu enfantine, un véritable esprit d’observation » et « Toutes ses compositions ont quelque chose de charmant, de fantasque et de primesautier.
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