jeudi 22 août 2019

Emile Antoine Bayard (1837-1891) - De la terre a la lune



Emile Antoine Bayard (1837-1891) 
Illustration pour "De la terre a la lune " de  Jules Verne,1870. 
Editions Hetzel, Paris 

Emile Antoine Bayard, est  un peintre, décorateur, dessinateur et illustrateur français.
Ce sont principalement ses dessins pour des commandes éditoriales qui retiennent aujourd'hui l'attention des amateurs. Sans être aussi audacieux que Paul Gavarni, il savait harmoniser les gestes aux expressions des visages, rendant ainsi ses personnages particulièrement expressifs.
Élève de Léon Cogniet, Émile Bayard est un contemporain de Gustave Doré. Il commence sa carrière à 15 ans et expose des dessins au fusain entre 1853 et 1861. Il s'agit en majorité de portraits et d'études de chevaux.
Son talent est alors régulièrement mis à contribution pour illustrer journaux et périodiques de l'époque. Ses dessins se retrouvent dans Le Journal de la jeunesse, Le Tour du monde, L'Illustration, Le Journal pour rire et le Journal des voyages.
L'éditeur Louis Hachette, qui l'apprécie beaucoup, fait souvent appel à lui pour mettre en image des romans, notamment ceux de la Bibliothèque rose. Il illustre ainsi Les Misérables de Victor Hugo, François le bossu et Le Général Dourakine de la comtesse de Ségur, La Case de l'oncle Tom de Harriet Beecher Stowe, L’Immortel d’Alphonse Daudet, De la Terre à la Lune et Autour de la Lune de Jules Verne. Pour Hetzel, il se charge d'illustrer Romain Kalbris, d'Hector Malot.

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mercredi 21 août 2019

Jack Kerouac (1922-1969)



Vintage photo of men 
Jack Kerouac (1922-1969)
Naval Reserve Enlistment photograph, 1943
National Archives - Us Gov 


Au printemps 1942, Jack Kerouac s'engage dans la marine marchande au printemps. Il embarque aussitôt à Boston sur le USS Dorchester, à destination de Mourmansk en mer Blanche soviétique.
Kerouac croit ainsi renouer avec ses origines de marin breton, mais la traversée le déçoit. Seule sune escale au Groenland et une rencontre avec un Inuit dans un fjord l'interesse. C'est au cours de cette période qu'il écrit son premier roman, The Sea Is My Brother (La Mer est mon frère). Le manuscrit de ce roman  longtemps onsidéré comme perdu a finalement été retrouvé par le beau-frère de Jack Kerouac et  édité en 2011
En décembre 1942, est de retour à New York mais comme il a   signé un contrat d'engagement avec l'US Navy avant son départ, il doit effectuer un temps sur un navire militaire.  LA photo ci dessus est extraite de cet engagement signé. 
Pour tenter de s'extraire de la Marine qu'il ne  supporte déjà plus, il simule la folie et  va jusqu'à passer quelques semaines dans un  hôpital psychiatrique. 
Il est finalement renvoyé de la marine pour cause d'« indifférence caractérisée »
De retour à la vie civile, il dépense sa solde entière dans les bars. 

mardi 20 août 2019

Anthony van Dyck (1599-1641) - Portrait of George Digby


Anthony van Dyck (1599-1641)
George Digby, 2nd Earl of Bristol, c.1638 
Oil on canvas 103.2 x 83.2 cm 
Dulwich Picture Gallery London 

George Digby (1612-1677)  était plus âgé des fils connus de John Digby (1580-1653), 1er comte de Bristol, ambassadeur anglais en Espagne, et de sa femme Beatrice ou Beatrix Walcot (1574?-1658)
Il fut d'abord f célèbre pour avoir été un adversaire déclarés do roi  Charles Ier. 
Attaqué par ceux de son parti pour avoir refusé de voter le bill d'attainder, il passe dans le parti opposé et devient tout d'un coup, un des royalistes les plus fougueux !  Mais il porte un coup funeste à la cause royale, qu'il croyait pourtant servir, en conseillant à Charles Ier l'arrestation de six membres du Parlement accusés de haute trahison. 
Après avoir porté les armes pour la défense de Charles Ier, il appuie, auprès son successeur, le projet de rétablir la religion catholique et ce faisant, se rend si impopulaire, qu'il est obligé de prendre la fuite. 
La fougue de ce  personnage  très versatile (voir même opportuniste !),  sa confiance en lui (voir meme son orgueil démesuré) sont très bien  rendus dans ce magnifique portrait de van Dyck qui finit par rendre presque sympathique un personnage qui ne l 'était sans doute pas du tout ! 

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lundi 19 août 2019

Jean Clouet (1475/85-1541) - Portrait de Jean de la Barre



Jean Clouet (1475/85-1541) 
Portrait de Jean de la Barre, 1520
Musée Condé,  Chantilly, France


Jean II de la Barre (né vers 1480 ? -† mars 1534), comte d'Étampes en 1526, sire de Véretz en 1525, vicomte de Bridiers , seigneur de Jouy, fut prévôt-bailli de Paris de 1523 à 1533 et lieutenant-général au gouvernement de Paris.  Fidèle du roi  François 1er qu'il suivit à Pavie en 1525 et dans sa captivité madrilène en 1525-1526, il fut nommé successivement Premier maître de la Garde-robe et Premier gentilhomme de la Chambre, prévôt de Paris, lieutenant du roi à Paris et en Ile-de-France, capitaine-bailli de Rouen, capitaine de Plessis-lez-Tours. 
Il reçut le comté d'Étampes à titre viager en 1526, marque insigne de la faveur royale.
Il posa, le 19 août 1532, la première pierre de l'église Saint-Eustache à Paris, telle que  l'on peut la voir encore aujourd'hui.

dimanche 18 août 2019

Paul Cadmus (1904-1999) - Sleeping nude

https://menportraits.blogspot.com/2019/08/paul-cadmus-1904-1999-sleeping-nude.html

Paul Cadmus (1904-1999)
Sleeping nude 
Conte crayon on hand toned paper, 1954
Private collection 

Paul Cadmus  est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et reçoit de nombreuses commandes.
Dans les années 1960, son œuvre révèle plus franchement aux yeux du public une forme d'homoérotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins, tandis que son style évolue vers le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donne plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nu masculins, et de filles et garçons du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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samedi 17 août 2019

Anon. antique sculptures - Cavalier


Cavalier
Marbre -  Epoque  Hellénistique tardive  - 1es. av. J.C.  
The MET Museum

Ce cheval et son cavalier nu constituent un tour de force, caractérisé à la fois par une texture d'une grande sensibilité et par le recours à l'exagération systématique de certains détails anatomiques. 
La volonté décorative prime sur la vérité anatomique, dans un style assez caractéristique des œuvres classiques grecques de cette période du 1er siècle avant l'ère chrétienne. 
Il se peut que cette pièce soit elle -même une copie d'une célèbre pièce de  l'Antiquité, car deux autres ont  pu parvenir jusqu'à nous montrant un cavalier presque identique suivi d'un autre cavalier sur un cheval. 

Visible Galerie 164 du musée 

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vendredi 16 août 2019

Arthur Mole (1899-1983) - The Living Uncle Sam






Arthur Mole (1899-1983)
 The Living Uncle Sam, 1918 
The Library of Congress 

Arthur Samuel Mole était un photographe américain, devenu célèbre ses  "photographies vivantes"  ou " photographies humaines " presque toutes réalisées pendant la Première Guerre mondiale, dans lesquelles des dizaines de milliers de soldats, de réservistes et d'autres membres de l'armée étaient disposés pour former des images à  très grande échelle. 
Dans le domaine  précis des mises en scènes de compositions gigantesques engageant des foules  comme medium, Arthur Mole est considéré comme un pionnier.   Il fut en effet le tout premier à réaliser  ces impressionnantes images, qui firent plus tard  (et continuent de faire d'ailleurs!) des émules dans certains pays communistes lors des grandes célébrations nationales...   
Ces  photographies avec des milliers de  figurants, s'appuyant sur des lignes de perspective de plusieurs de cent mètres, nécessitaient au moins une semaine de préparation et des heures de mises en place  pour positionner les formations.  Pour ce faire, Mole ne disposait que de moyens terrestres , pas d'avions ni de drones,  mais une simple tour surélevée sur laquelle il se tenait, criant ses ordres dans un mégaphone et utilisant un poteau avec un drapeau blanc pour disposer ces dizaines de milliers de soldats.
Ses dix images les plus célèbres datent de la période 1914-1918.  Il s'agit de la reconstitution du portrait du President des Etats Unis Woodrow Wilson (21.000 personnes), de la Cloche de la Liberté  humaine (25 .000 personnes)  de la Statue de la Liberté  (18.000 personnes), de l'Aigle américain (12.500 personnes) ainsi que des emblèmes du YMCA et des drapeaux alliés.  
Le travail de Mole est aujourd'hui conservé dans les collections de la Historical Sociey of  Chicago,  du Metropolitan Museum of Art , du Museum of Modern Art of San Francisco et de la Library of Congress. 

Cette image gigantesque de l'Oncle Sam était formée par 15. 000 officiers et hommes de Camp Lee pour rendre hommage à l'engagement des Etats-Unis dans la Première guerre mondiale et aux pertes que le pays avait subi.

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jeudi 15 août 2019

Corneille de Lyon (1500-1575) - Portrait of James V of Scotland



Corneille de Lyon (1500-1575)
Portrait of James V of Scotland (c. 1536) 
Oil on canvas 
Private Gallery, London

Les portraits de Corneille de Lyon sont généralement de très petit format. 
Schéma familier dans ses compositions, les personnages et la tête principalement sont reproduits la tête orientée à gauche ou à droite. La lumière provient souvent de gauche.
On peut imaginer que les modèles posaient dans l'atelier de Corneille.

Le portrait cu dessus n'est pas celui d'un anonyme comme souvent chez Corneille de Lyon mais
celui de de James V of Scotland (Jacques V d'Ecosse)  fils de Jacques IV d'Écosse et de Marguerite Tudor. Il régna sur l'Écosse de 1513 à 1542 et fut, avec son père, l’un des derniers rois d'Écosse dont le gaélique écossais était la langue maternelle.
En 1536, Jacques V se rendit en France pour épouser Marie de Bourbon, une fille du duc de Vendôme. Arrivé à destination, il tomba amoureux de Madeleine, l'aînée des deux filles de François Ier et de Claude de France âgée de 16 ans. Devant l'obstination de Jacques, le mariage fut célébré à la cathédrale Notre-Dame de Paris le 1er janvier 1537. De santé fragile, Madeleine mourut le 7 juillet 1537, deux mois après leur retour en Écosse.
Toujours attaché à l'alliance française, Jacques V épousa, le 12 juin de l'année suivante à St Andrews, Marie de Lorraine-Guise, fille de Claude de Lorraine, duc de Guise et d'Antoinette de Bourbon et veuve de Louis d'Orléans, duc de Longueville.

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mercredi 14 août 2019

Ralph Earl (1751-1801) - Portrait of Jacob Isaacs



Ralph Earl (1751-1801)
 Portrait of Jacob Isaacs, 1788
Dayton Art Institute (?)

Ralph Earl était un peintre de portraits itinérant. Il allait de ville en ville, armé de son chevalet, de sa palette et de quelques toiles,  tel un représentant de commerce et proposait aux notables locaux et  à tous ceux qui en avaient les moyens de faire leur portrait moyennant quelques dollars. Parmi ses  clients : des hommes politiques mais aussi des mères ou pères de famille qui voulait se faire immortaliser avec leur progéniture...
Sur la toile ci-dessus, Earl a peint Jacob Isaacs, qui d'apres les archives que l'on peut trouver devait être agriculture dans le Connecticut. les Isaacs était une des plus anciennes lignées juives implantées au Etats-unis puisque leur  présence   est avéré dès le milieu du 17e siècle vers 1660 -1670.  Sur la toile ci dessus Jacob Isaacs est représenté sur un fauteuil typiquement américain en bois en tourné,  issu des meubles  de style Jacques 1er, importés d'Angleterre par les premiers colons. Sa canne  atteste de sa qualité de fermier, d'agriculteur ou de marchand de bétails.  A l'arrière plan un paysage déchirant le fond abstrait donne un idée de ce que pouvait être ses possessions dans la toute nouvelle colonie anglaise des Amériques.  Son visage,  d'un stupéfiante modernité fait beaucoup penser  à celui de l'acteur contemporain du même nom ! 
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mardi 13 août 2019

Gregorio di Lorenzo (1436-1504) - Aurelius Antoninus Pius


Gregorio di Lorenzo (1436-1504) 
Aurelius Antoninus Pius 
Marble Late 1400s
Casa Romei de Ferrara

Gregorio di Lorenzo (vers 1436 - 1504 ) était un sculpteur italien très tôt réputé et classé comme le "maître des madones en marbre ".
Documenté à Florence de 1455 à 1495 il fut actif dans la production des reliefs et en particulier d'élégantes Madones à l'Enfant, inspiré de Mino da Fiesole et du Desiderio da Settignano.
Son identité n'a été clairement établie que récemment (après avoir proposé les noms de Domenico Rosselli , Tommaso Fiamberti et Giovanni Ricci ) et diverses œuvres lui sont aujourd'hui attribuées dans divers musées italiens et étrangers. On retrouve ses Madone et enfant principalement dans l' église de Santo Stefano al Ponte à Florence, au Musée national du Bargello (2) , dans la Galerie nationale des Marches (3) d' Urbino, au Louvre(1) Paris, à,la Galerie nationale d'Australie(1) à Canberra, au Museum of Art de Columbia (1) en Caroline du Sud ), au Musée des beaux-arts du Canada (1) à Ottawa et au Bode-Museum (6) de Berlin .
Il a également travaillé à Urbino, où il a sculpté des bas reliefs avec sphinx, chérubins et chérubins pour Federico da Montefeltro et à Venise où il a orné deux pièces de l'appartement des invités dans le Palais des Doges
Les bas-reliefs avec le profil d'Antonino Pius (ci dessus) et Marco Agrippa à la Casa Romei de Ferrara, ceux d' Adriano au musée du Louvre à Paris et de Sulpicio Galba au séminaire épiscopal de Rovigo lui sont également attribués 

Aurelius Antoninus Pis ou Antonin Le Pieux (86 -161) est un empereur romain, qui régna de 138 à 161. Par son père Titus Aurelius Fulvus, consul en 89, et son grand-père Titus Aurelius Fulvus, consul en 85, il est originaire de Nemausus (Nîmes). Il avait épousé Faustina (Faustine l'Ancienne), nièce de la femme de l'empereur Hadrien,... qui l 'adopta, mais n'en  son successeur qu'à condition qu'Antonin adopte à son tour Marcus Aurelius Antoninus (futur Marc Aurèle) et Lucius Verus. Ce qu'il fit. Hadrien pensait qu'Antonin, âgé de 52 ans à son avènement, ne règnerait pas longtemps, mais il régna 23 ans.
Antonin doit son surnom de « Pieux » au Sénat. Il semble que sa dévotion et son respect envers son père, le Sénat, les lois et les dieux en aient été la raison. Comme Auguste avant lui, il fut honoré d'un bouclier proclamant sa « pietas erga deos patriamque » ( piété envers les dieux et la patrie).
On considère traditionnellement que l'empire atteignit son apogée durant son règne du fait de l'absence de guerre et de révolte majeure dans les provinces.  Il renforça  le Mur d'Hadrien en Grande Bretagne en le doublant pour le rendre infranchissable. Pourtant, cette politique défensive et attentiste est réputée avoir précipitée  les difficultés financières et militaires de l'Empire, la richesse de Rome reposant avant tout  sur les conquêtes et les guerres, souvent défensives, que les empereurs menèrent. Ainsi l'empereur Trajan ramena de ses guerres daciques contre le roi dace Décébale d'immenses richesses, ainsi que l'ajout de la province de Dacie romaine (actuelle Roumanie et Serbie). Rien de tels avec Antonin le Pieux. 
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lundi 12 août 2019

Tancrède Bastet (1858-1942) - L'atelier de Cabanel à l'Ecole des beaux-arts de Paris


Tancrède Bastet (1858-1942)
L'atelier de Cabanel à l'Ecole des beaux-arts de Paris
Huile sur toile, 1883 
Musée de Grenoble 

Le peintre français Tancrède Bastet suivit d'abord les cours de l'Ecole des beaux-arts de Grenoble (sous Aimé Charles Irvoy), avant de suivre ceux   de l'Ecole des beaux-arts de Paris, (sous Cabanel).  Il fut admis à concourir en 1885 pour le prix de Rome. Il utilisa toutes les techniques (dessin, aquarelle, pastel, huile). Il fut surtout connu comme portraitiste d'un académisme rigoureux. Il voyagea à l'étranger (Afrique du Nord, Inde) ce qui lui permit de renouveler son inspiration. Il fut aussi auteur de scène de genre, de nus et de paysages.
En 1919 il est candidat au poste de conservateur du Musée de Grenoble en succession de Jules Bernard, mais on lui préfère Andry-Farcy.
Ami de Théodore Ravanat, il fit partie du groupe de peintres se réunissant à Proveysieux, où il peignit plusieurs paysages  parfois rattaché à l'école dauphinoise. On trouve ses tableaux aux Musée de Grenoble, Musée dauphinois, Musée de l'Ancien Évêché de Grenoble, Musée de Bourgoin-Jallieu et au Musée des beaux-arts de Lyon.
Il forma de nombreuses élèves dont Henriette Deloras.

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dimanche 11 août 2019

Théodore Géricault (1791-1824) - Portrait d'un Naufragé ou" Le Père", 1819



Théodore Géricault (1791-1824)
Portrait d'un Naufragé ou "Le Père", 1819 
Huile sur toile (46,5 x 37,3 cm )
Musée des beaux-arts et d'archéologie de Besançon

Ce portrait en buste, qui concentre toute l’attention sur l’expression accablée du personnage, s’inscrit
parfaitement dans la série de têtes d’études peintes par Géricault au cours de l’élaboration de son grand tableau d’histoire contemporaine, le Radeau de « La Méduse ». 
L’artiste a longuement préparé cette ambitieuse composition qu’il destine au Salon de 1819. 
Après avoir étudié le fait divers en réunissant une documentation considérable et en interrogeant directement certains rescapés de « La Méduse », il prépare sa composition à l’aide d’une maquette du radeau et de figurines de cire, hésitant entre différents épisodes. Il étudie les corps en décomposition à la morgue sur des cadavres et des membres coupés, et recherche les attitudes et les expressions justes pour ses naufragés en faisant poser une grande variété de modèles, des rescapés réels de « La Méduse » aux modèles professionnels en passant par ses amis et les artistes qui l’entourent.
Le jeune peintre Eugène Delacroix pose ainsi pour le cadavre d’homme couché sur le ventre, face contre le radeau, au premier plan du grand tableau
D’après Lorenz Eitner, Gericault aurait également fait poser un malade de  l’hôpital Beaujon pour l’étude de la  figure dite du père, conservée au musée  de Besançon (ci dessus)
L’air hagard du barbu, son teint olivâtre et son visage émacié, modelé par un violent clair-obscur, évoquent cette même figure du « père » dans le grand tableau du Radeau de « La Méduse ». 

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samedi 10 août 2019

Tadeusz Makowski (1882-1932) - Le cordonnier


Tadeusz Makowski (1882-1932) 
Le cordonnier, 1930 
Pinakoteka Zascianek

Józef Tadeusz Makowski, connu en France sous le nom de Tadé Makowski, est un peintre polonais ayant principalement exercé son art en France. Il étudie à l'Académie des beaux-arts de Cracovie de 1903 à 1908 auprès de Jan Stanisławski et Józef Mehoffer. Il part à Paris en 1909 et  y demeure jusqu'à la fin de sa vie. Peintre paysagiste, il évolue vers le postimpressionnisme et le cubisme au cours de sa carrière. Il réalise plus de 600 peintures à l'huile et des milliers de dessins et aquarelles, dont les thèmes principaux sont les enfants, le monde du travail et la nature.
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vendredi 9 août 2019

Winslow Homer (1836-1910) - Mountain Climber Resting (1869)





Winslow Homer (1836-1910)
Mountain Climber Resting 

1. Drawing - Study for "Mountain Climber Resting"
black and white crayon on brown laid paper, blackened on verso for transfer, 19, 5 x 35 cm, 1868, 
Cooper Hewitt Collection

2. Mountain Climber Resting, oil on canvas, 1869, Private collection

Le peintre américain Winslow Homer (1836-1910) est surtout connu aujourd'hui pour ses marines. Bien qu'en grande partie autodidacte, il est considéré comme étant l'un des peintres majeurs du 19e siècle américain et l'une des figures principales du réalisme américain.
Né à Boston, il entre d'abord dans un atelier de lithographie de sa ville natale en tant qu'apprenti. C'est en 1859 qu'il commence sa carrière de peintre à New York, en ouvrant son premier studio. Durant la guerre de Sécession, il travaille comme illustrateur pour le Harper's Weekly, et réalise de nombreux dessins de batailles et scènes de guerre, croqués sur le vif, alors qu'il suit les armées nordistes.
Il se rend en voyage en France en 1867 et rencontre les peintres de l'Ecole de Barbizon par lesquels il est influencé. De retour en Amérique, il peint, surtout dans les années 1870, des paysages ruraux et des scènes idylliques de la vie campagnarde. Le rendu des couleurs somptueuses (ciel et mer) et l'exactitude des détails techniques, dont le petit key et ses cocotiers à l'horizon, sont des traits distinctifs de l'art du peintre.
Son œuvre pleine de vigueur et de réalisme utilise principalement deux techniques : l'huile et l'aquarelle.

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jeudi 8 août 2019

Franz Hals (1580/83-1666) - Jeune Homme tenant un crâne



Franz Hals (1580/83-1666) 
Jeune Homme tenant un crâne v.1626-1628, 
Huile sur toile, 92,2 x 80,8 cm 
The National Gallery, London 

Frans Hals fut un peintre baroque néerlandais  considéré, avec Rembrandt et Johannes Vermeer, comme l'un des plus importants du siècle d’or.
Bien que sans doute d'origine flamande, c'est dans la ville hollandaise de Haarlem qu'à partir de 1591 au plus tard, il passe le reste de sa vie et fait carrière.
« C'est un enfant de famille magnifiquement doué et qui fait de la peinture pour vivre, cavalièrement, en gentilhomme, pressé de faire vite et d'en finir : le reste du temps en bon vivant, compagnon de la loge Liefde boven al (L'amour par-dessus tout), avec des turbulences de conduite et d'humeur qui expliquent celles de sa brosse et lui donnent parfois affaire avec la police. » 
Ces lignes écrites en 1921 par Louis Gillet, décrivent bien l'image que l'on pouvait se faire alors de Frans Hals. Elles disent aussi la sympathie, un peu condescendante, à l'égard d'un homme dont les frasques présumées font sourire autant que la gaieté si souvent exprimée sur les visages de ses modèles.
Artiste majeur, considéré comme l'un des grands maîtres du portrait, il a également réalisé, surtout au début de sa carrière, plusieurs scènes de genre.
Ses tableaux se distinguent par leur expressivité. Les coups de pinceau détachés sont caractéristiques de sa manière, et il participa à l'introduction de cette vivacité de style dans l'art néerlandais. Hals contribua aussi, avec ses portraits de garde civile et de régents, à l’évolution du portrait de groupe au 17 e siècle.
Son style devait par ailleurs exercer une influence considérable, plus de deux siècles après lui, sur les représentants des courants réaliste – comme Gustave Courbet –, et impressionniste – comme Vincent Van Gogh.

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mercredi 7 août 2019

George Caleb Bingham (1811-1879) - Fur Traders Descending the Missouri



George Caleb Bingham (1811-1879)
Fur Traders Descending the Missouri
oil on canvas 1845 
The Metropolitan Museum of Arts
Visible Gallery 758


Le 4 juin 1845, Bingham rentre d'un séjour d'hiver à Saint-Louis dans le centre du Missouri , en ramenant avec lui plusieurs peintures et de nombreux croquis. Cette toile fait partie de l’une de ces oeuvres qu’il avait ramenées de son séjour et qu'il envoya plus tard dans l’année pour qu'elle soit vendue à   l'American Art-Union.
La toile fut d'abord appelée "French Trader & Half Breed Son" (Négociant français et son beau-fils) mais Art-Union préféra lui donner le titre sous lequel nous la connaissons maintenant  (Négociants de fourrures descendant le Missouri) qui était plus commercial à leurs yeux. .
Avec cette toile, Bingham, qui était plutôt connu pour ses portraits ,a produit un véritable chef-d’œuvre de la peinture de genre. La composition étonnamment géométrique et la lumière de luminaire rappellent les peintures de William Sidney Mount, en particulier "Eel Spearing at Setauket" (New York State Historical Association, Cooperstown). La scène solennelle et immobile immortalise ce monde disparu qui existait à  la frontière américaine. La silhouette intrigante de l'animal noir à l'avant de la pirogue ajoute à sérénité de la composition.
Cette oeuvre particulièrement sereine a été soumise à l'Art-Union comme "pendant" possible de "The Concealed Enemy"(L'ennemi caché)  (Stark Museum of Art, Orange, Texas), dans laquelle un guerrier indien Osage armé guette derrière un rocher.
Cette opposition de la sérénité et de la sauvagerie, illustration des dangers qui guettaient les visiteurs qu'i s'aventuraient aux limites de la frontière américaine, séduisait au plus haut point les  spectateurs citadins.
Bingham a peint en 1851 un tableau similaire, mais bien moins extraordinaire, appelé The Trapper's Return" (Le retour du trappeur") conservé au Detroit Institute of Arts.

Traduction de Men Portraits de la notice du MET museum concernant cette oeuvre 

mardi 6 août 2019

Hongi Hika (1772 -1828) - Self-portrait




Hongi Hika (1772 -1828)
Self-portrait 
wood, 1814
National Gallery of Australia

Hongi Hika (1772 -1828), est un chef de guerre maori de la période pré-coloniale de Nouvelle-Zélande. Principal responsable des guerres des mousquets qui ont fait quelque 20 000 morts parmi les Maoris, il encourage l'implantation de commerçants et de missionnaires européens sur ses terres, pour bénéficier de leurs savoirs et de leurs technologies. Il a ainsi contribué à refaçonner la Nouvelle-Zélande à un moment clef de son histoire. Il sculpta cette effigie de lui meme dans une pièce de bois.

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lundi 5 août 2019

John Koch (1909 -1979) - The window washers


John Koch (1909 -1979)
The window washers
Private collection 

John Koch fut l’un des principaux peintres réalistes américains du 20e siècle. Il peignit des tableaux issus de son univers personnel aussi bien que des représentations fidèles du quotidien de la vie américaine  peuplées de modèles, de musiciens, de vues de son atelier ou de son appartement de New York. À travers ses oeuvres  Koch fut un porte aussi discret que possible du mouvement réaliste, tout en assurant une présence constante et  respectée.
Les compositions de Koch étaient élégantes. Ses tons chauds et ses couleurs invitent à entrer dans son monde où l'on peut découvrir de véritables  trésors. Les objets eux-mêmes sont choisis avec un soin soin particulier.

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dimanche 4 août 2019

Santiago Rusiñol i Prats (1861-1931) - Portrait of Miquel Utrillo


Santiago Rusiñol i Prats  (1861-1931) 
Portrait of Miquel Utrillo, 1890 
Museu Nacional d'Art de Catalunya

Santiago Rusiñol est un peintre espagnol symboliste et post-impressionniste, aussi auteur et dramaturge. Fils rebelle d'un riche industriel, il se tourne très tôt vers le milieu artistique et part pour Paris. À la fin des années 1880, il revient à Barcelone pour développer la vie culturelle de la ville en créant, entre autres, le cabaret Els Quatre Gats, avec Pere Romeu, Ramon Casas et Miquel Utrillo, qui ouvre ses portes en 1897. Dans ce café se regroupent de jeunes artistes dont Pablo Picasso. Rusiñol exerce, à l'époque, une grande influence sur Picasso qui commence sa carrière, en lui définissant la place de l'artiste moderne dans le monde.
 Entre 1899 et 1903, Picasso fait 21 portraits de Santiago Rusiñol.
Rusiñol est aussi un organisateur d'événements comme le Festival modernista dans le port de pêche de Sitges où il a laissé de nombreux bâtiments, dont le Musée Cau Ferrat
Artiste complet, il a écrit aussi des nouvelles et joué dans des pièces.

Miquel Utrillo i Morlius (1862-1934) (ne pas confondre avec le peintre français Maurice Utrillo- Valadon fut un ingénieur, peintre, décorateur et critique d'art espagnol d'origine catalane, proche à ses débuts du modernisme catalan.

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samedi 3 août 2019

Ralph Earl (1751-1801) - Portrait of Elijah Boardman



Ralph Earl (1751-1801) 
Portrait of Elijah Boardman, 1789 
Oil on canvas, 211 x 130 cm. 
The Metropolitan Museum of Art, New York 
(Susan W. Tyler Bequest).

Ralph Earl était un peintre de portraits itinérant. Il allait de ville en ville, armé de son chevalet, de sa palette et de quelques toiles,  tel un représentant de commerce et proposait aux notables locaux et  à tous ceux qui en avaient les moyens de faire leur portrait moyennant quelques dollars. Parmi ses  clients  : des hommes politiques mais aussi des mères  ou pères de famille qui voulait se faire immortaliser avec leur progéniture...
Sur la toile ci-dessus, Earl a peint le riche commerçant Elijah Boardman (1760-1823), un marchand de vêtements et d'accessoires, élégamment vêtu, dans son magasin de New Milford, Connecticut. 
Devant décor de boutique non conventionnel pour un portrait en pied, cette œuvre offre à Elijah Boardman l’occasion de présenter le vaste choix qu'offre sa boutique. Une porte ouverte à gauche du cadre révèle les stocks de textiles du commerçant, constitués principalement de soieries, de pieces de  laines, de cotons imprimés et de linge de maison  qu'il a importé d’Inde, de Chine et d’Europe via des ports anglais.  Une véritable publicité avant la lettre ! 
Bien que non représentés sur cette toile, Boardman vendait également des produits de luxe en provenance des Antilles espagnoles, comme du sucre, du rhum, de la mélasse et de l'indigo, reliant les clients de son magasin du Connecticut aux vastes réseaux de commerce de l'Atlantique. Les livres présents à ses pieds sont ses livres de comptabilité.  

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vendredi 2 août 2019

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) - Le Joueur de flûte



Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)
Le Joueur de flûte, c. 1884. 
Oil on canvas, 40 x 32.2 cm. 
Private collection   (Sotheby's Images, London)


Fils du comte Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa  et d'Adèle Tapié de Céleyran, Henri de Toulouse-Lautrec,  est né dans l'une des plus illustres familles nobles de France, qui s'enorgueillisait de descendre en droite ligne des comtes de Toulouse,  les plus puissants seigneurs féodaux du royaume jusqu'au XIIIe siècle.  
Malgré son nom illustre, cette famille vit au XIXe siècle comme une famille de la noblesse plus ou moins aisée de province.
Les mariages dans la noblesse se faisaient couramment entre cousins afin d'éviter la division des patrimoines et l'amoindrissement de la fortune. Ce fut le cas des parents d'Henri, cousins au premier degré, c'est à  dire issus de germains. Ils eurent deux garçons, Henri, l'aîné et, quatre ans plus tard, son frère Richard-Constantin, qui mourut un an après. L'incompatibilité d'humeur entre les deux parents entraîna leur séparation et Henri resta sous la garde de sa mère. Il grandit entre Albi, le château du Bosc (demeure de ses grands-parents paternels) et le château de Celeyran (demeure de la famille de sa mère) où il a peint quelques magnifiques portraits,  très éloignés des peintures de cabarets et de la vie parisienne qui le rendirent célèbre à travers le monde. 
Henri de Toulouse-Lautrec a eu, de son propre aveu, une enfance plutôt heureuse, jusqu'au moment où se révèle, en 1874, une maladie qui affecte le développement des os, la pycnodysostose, maladie génétique, due sans doute à la consanguinité de ses parents. Ses os sont fragiles et, le 30 mai 1878, il trébuche et tombe. Le médecin diagnostique le fémur gauche brisé et, en raison de sa maladie, la fracture se réduit mal. Entre mai 1878 et août 1879, il souffre de cette fracture du fémur bilatérale qui aggrave son retard de croissance : il ne dépassera pas la taille de 1,52 m. On essaye de le guérir au moyen de décharges électriques et en lui plaçant à chaque pied une grande quantité de plomb. 
Ce traitement qui se révèlera inutile, lui infligera d'atroces souffrances...
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jeudi 1 août 2019

Cecilia Beaux (1855-1942) - Posthumous portrait of Howard Houston Jr.




Cecilia Beaux (1855-1942)
Posthumous portrait of Howard Houston Jr.
The Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia


La peintre portraitiste américaine impressionniste. Cecilia Beaux fut d'abord élève de William Sartain, avant de venir à Paris en 1889, où elle fréquenta l'Académie Julian et l'académie Colarossi ou elle reçut les conseils de Tony Robert-Fleury et de William-Adolphe Bouguereau. 
Si, en 1891 elle retourne à New York où elle devient membre de la National Academy, elle n'en reste pas moins en contact avec la France puisqu'en 1902 elle est membre associée de la Société nationale des beaux-arts de Paris, où elle expose en 1913 et 1923. Elle participe aussi au Salon des artistes français à partir de 1900, date à laquelle une médaille d'or lui a été décernée.
De la génération de Mary Cassatt, Cecilia peint des portraits qui ont un grand succès aussi bien aux  Etats Unis qu'en France.  Elle fit entre autres portraits célèbres celui de Georges Clemenceau en 1920, une oeuvre très en marge des portraits officiels de cette époque. Sa mise en cadre audacieuse doit certainement beaucoup à l'Art japonais, alors très en vogue. C'est avec une sensibilité proche de l'abstraction, qu'elle joue volontiers du blanc sur du blanc.

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mercredi 31 juillet 2019

John La Farge (1835-1910) - Portrait of the Painter



John La Farge (1835-1910) 
Portrait of the Painter (1859) 
Oil on wood panel, 40.8 x 29.2 cm.
The Metropolitan Museum of Art, New York
(On view Gallery 774) 


Cet autoportrait, que La Farge a peint en octobre 1859 sur le domaine familial de Glen Cove, à Long Island, témoigne de  plusieurs des techniques picturales auxquelles il avait fréquemment recours comme :  
- l'utilisation d'une photographie comme source documentaire du tableau 
- son appréciation des formes non modulées et de l'espace aplati à la façon des des estampes japonaises
-   son goût pour les larges masses tonales à la manière de ses professeurs, Thomas Couture et William Morris Hunt
- ses expériences dans la peinture de paysage en plein air. 
L'artiste se présente ici comme un paysagiste prêt à se lancer dans une  nouvelle "expédition de peinture sur site"

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mardi 30 juillet 2019

Nils von Dardel (1888-1943) - Sicilian man (1)


Nils von Dardel (1888-1943)
Sicilian man (1) 
Private collection 


Le peintre suédois Dardel voyageait beaucoup et a toujours vécu une vie nomade sans vraiment jamais s'installer quelque part. Un grand nombre de ses portraits et de ses paysages reflètent ses déplacements. Il était souvent sujet à des crises d'auto-dépréciation, que le peu de succès qu'il rencontra dans son pays de son vivant accentuait quelquefois jusqu'à la dépression.  Il fallut attendre les années 1950, pour que le Liljevalchs konsthall organise une rétrospective, de son oeuvre et  pour que le public commence à s'y s'intéresser. 
Après avoir habité trois ans à Paris, Dardel et Rolf de Maré tissent des liens d'amitié... et même plus. Maré fonda un peu plus tard  à Paris Les Ballets Suédois qui rencontrèrent un grand succès entre 1920 et 1925. Maré devint alors une sorte de mécène pour Dardel et ce dernier lui fournit l'inspiration pour ses ballets. Au début des années 1920, Dardel travailla beaucoup sur des compositions inspirées de drames ou de films et créa des décors pour le théâtre ou le cinéma.
A côté de son propre style très étrange et très personnel, immédiatement reconnaissable, il explora aussi le pointillisme, avec des couleurs fortes et des motifs clairs. 
Ses dessins assez académiques à première vue (cf. ci-dessus)  comportent toujours des éléments qui interrogent comme ci dessus  la grosseur  disproportionnée des poings serrés du modèle. par exemple.  

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lundi 29 juillet 2019

James Abbott McNeill Whistler (1834-1903) - Portrait of the Artist's Brother


James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)
Portrait of the Artist's Brother (c. 1871-73) 
Oil on panel, 43.7 x 34.8 cm. 
The Art Institute of Chicago (Gift of Mary T. Wentworth)


William McNeill Whistler (1836-1900) dont le portrait est reproduit ci dessus était le jeune frère de l'artiste, James Abbott McNeill Whistler. Il étudia la médecine et obtint son diplôme de l'Université de Pennsylvanie en 1860. Il servit comme chirurgien dans l'armée confédérée pendant la guerre de Sécession au sein du 1er régiment de carabiniers de la Caroline du Sud, dans le régiment d'Orr's Rifles, sous les ordres du colonel James Lawrence Orr. Il participa à de nombreux combats, notamment Seven Days, Beaver Dam Creek, Gaines Mill, Frayser's Farm, Cedar Mountain, Manassas Station Ops, Second Manassas et Ox Hill. , Harpers Ferry, Sharpsburg, Shepherdstown, Fredericksburg, Chancellorsville, Gettysburg, Station Bristoe, Mine Run, Wilderness, le Palais de justice de Spotsylvania, North Anna, Cold Harbour, le Siège de Jérusalem, Plank Jerusalem Road, Fussell's Mill, Boydton Plank Road et Third Petersburg....
Après avoir servi dans toutes ces batailles et avoir vu les pires horreurs, le Dr Whistler finit par fuir les lignes et se frayer un chemin à travers les lignes ennemies pour fuir vers l'Angleterre.
Il arriva en Angleterre en 1865 et livra des dépêches de la Confédération aux alliés britanniques.
La mère de Whistler, Anna, et son frère, James, vivaient en Angleterre à cette époque.
Le Dr Whistler est resté à Londres et a fondé un hôpital spécialisé dans les soins de la gorge. Il a exercé les fonctions de médecin principal au London Throat Hospital et a été président de la British Laryngological, Rhinological and Otological Association. En avril 1877, William a épousé Helen Ionides. Whistler n'avait pas d'enfants.
Il est décédé le 27 février 1900


James Abbott McNeill Whistler (1834-1903) fut   une des figures les plus en vues de la société parisienne de la  fin du 19e siècle, rivalisant en public avec Oscar Wilde dasn des joutes humoristiques restées célèbres.
Whistler a été mondialement connu de son vivant. En 1884, il fut élu membre d'honneur de l'Académie royale des beaux-arts de Munich. En 1892, il est fait officier de la Légion d'honneur en France et devint en Angleterre, membre fondateur et premier président de la Société internationale des sculpteurs, peintres et graveurs  en 1898 
On considère que le personnage du  le peintre Elstir dans À la recherche du temps perdu de Marcel Proust n'est autre que Whistler qui aurait servi de modèle à Proust pour affiner son personnageL.
Malgré ses tentatives répétées pour prouver qu'il n'appartenait à aucune école, Whistler est sans aucun doute l'un des peintres victoriens qui a le plus revitalisé la peinture britannique.
Son  voyage à Venise en 1880 dans le but de réaliser une série de gravures a non seulement renfloué ses finances, mais aussi stimulé  le regard que les artistes et les photographes ont porté sur la ville.
Whistler était persuadé que l'art devrait se concentrer sur l'harmonie des couleurs, ce qui lui valut beaucoup de critiques.
Considéré par  certains  comme un précurseur de l'art abstrait,  il aimait l'harmonie des formes et des couleurs et souhaitait créer un art basé sur des lois précises de composition où le dessin était maîtrisé. Il disait : « l'Art est la science du Beau ».
Vu aussi comme le précurseur de l'impressionnisme anglais, il conçut la peinture comme une  expérience esthétique pure au-delà des valeurs de la représentation et se rapprocha de la culture symboliste des années 1880-1890. Ses contemporains comparaient ses nocturnes et ses symphonies picturales à la musique de  Richard Wagner.
La maison dans laquelle il est né est devenue le musée Whistler

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dimanche 28 juillet 2019

Hans Holbein l'Ancien (c. 1465–1524) Portrait des Fils de l 'Artiste



Hans Holbein l'Ancien  (c. 1465–1524) 
 Portrait des Fils de l 'Artiste (c. 1514-15) 
Pointe d'argent sur papier blanc,  12.3 x 16.3 cm. 
Hermitage Museum, St. Petersburg


Hans Holbein l'Ancien est un peintre allemand des XVe etXVIe siècles.
Lui et son frère Sigmund Holbein ont réalisé des œuvres religieuses dans un style gothique tardif. Hans l'Ancien fut le pionnier et le principal artisan de la métamorphose de l'art allemand depuis le gothique vers le style Renaissance.
Le peintre illustra également quelques livres, le plus célèbre d'entre eux ayant été L'Éloge de la Folie d'Érasme. Ses deux fils (cf. Portrait ci dessus), Hans Holbein le Jeune et Ambrosius Holbein, reçurent leurs premières leçons de peinture directement de leur père.


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samedi 27 juillet 2019

Paul-Gustav Fischer (1860-1934) - Self portrait, Nyrtox in Winter



Paul-Gustav Fischer  (1860-1934) 
Self portrait, Nyrtox in Winter 
Private collection  (Christie's sale)


Paul Gustave Fischer naît à Copenhague dans une famille d’ascendance juive-polonaise. Son père possède un commerce de peinture et de laques et, ayant souhaité devenir peintre dans sa jeunesse, oriente son fils vers cette activité. Il suit les cours de l’Académie royale des beaux-arts du Danemark à Copenhague pendant deux années.
Il débute par des peintures représentant des scènes de rues se déroulant à Copenhague, prises à la tombée de la nuit, lors de journées grises ou par temps de pluie et de neige et qui montrent l’activité des gens et illustrent l’atmosphère du Copenhague d’alors (cf. ci-dessus). Il a signé également plusieurs tableaux montrant des scènes de baignade nue sur des plages ensoleillées.  
Entre 1891 et 1895, il séjourne à Paris, fréquente des impressionnistes et développe la couleur dans ses toiles.
Ses œuvres font partie du mouvement réaliste puis naturaliste. Au cours de sa carrière, Fischer a également développé un intérêt pour les affiches, inspiré en cela par les travaux de Théophile Alexandre Steinlen et Henri de Toulouse-Lautrec, et Jules Chéret le publia dans Les Maîtres de l'affiche (1895-1900).

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vendredi 26 juillet 2019

Lucio Fontana (1899-1968) - Campione olimpionico



Lucio Fontana (1899-1968) 
Campione olimpionico (Atleta in attesa), 1932 
Painted plaster 
Collezione d’Arte e di Storia della Fondazione Casa di Risparmio, Bologna, Italy


Lucio Fontana est un peintre et sculpteur argentin, fondateur du mouvement spatialiste associé à l'Art informel. Le nom de ses  œuvres est généralement écrit en italien comme "Concetto spaziale, Attesa" qui veut dire "Concept spatial, Attente".  
L'oeuvre ci-dessus date de 1932, soit deux années avant qu'il ne rejoigne l'association Abstraction-Création à Paris et réalise des sculptures expressionnistes en céramique et bronze (Scultura spaziale) entre 1936 et 1949.  À la faveur d’un accident qui endommage l’une de ses toiles prévue pour une exposition à Paris, il fixe alors cette intention par un geste souverain consistant à griffer, perforer et inciser le plan du tableau à l’aide d’une lame de rasoir, d’un poinçon ou d’un cutter pour en révéler l’espace tridimensionnel, puis il constellera certaines de ses peintures d'éclats de verroterie ou de petits cailloux. Fontana pratique aussi ce geste de lacération sur des sphères de bronze ou de céramique.

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jeudi 25 juillet 2019

Thomas Eakins (1844-1916) - Portrait of Samuel Murray


Thomas Eakins (1844-1916)

Portrait of  Samuel Murray, 1889
Cedarhurst Center for the Arts, Mt Vernon 


The American sculptor and educator Samuel Aloysius Murray was a protégé of the painter Thomas Eakins. In September 1886, at age 17, he entered the seven-month-old Art Students' League of Philadelphia, where he studied under Eakins.  He soon became a favored student, then Eakins's assistant, and was listed as an instructor in 1892. The two artists shared a studio at 1330 Chestnut Street from 1892 to about 1900, sometimes painting and sculpting from the same model.
The pair spent a great deal of time together: working side by side, bicycling around Philadelphia, attending boxing matches, fishing in Gloucester, New Jersey, and taking trips and vacations together. Murray accompanied Eakins on visits to Walt Whitman in Camden, New Jersey (across the Delaware River from Philadelphia), and, following the poet's death on March 26, 1892, they cast a plaster death mask of his face.]Murray introduced Eakins to Catholic priests at St. Charles Borromeo Seminary, and Eakins painted portraits of a number of them.
Eakins painted an 1889 portrait of Murray  above) and featured him in a number of paintings and photographs. Murray modeled at least three figures of Eakins. The exact nature of their relationship is the subject of speculation, but Murray remained a lifelong friend to Eakins, and helped care for the disabled painter in his old age.

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mercredi 24 juillet 2019

Peter Paul Rubens (1577–1640) - Head of a Moor



Peter Paul Rubens (1577-1640) 
Head of a Moor, ca. 1620, oil on panel,  45.7 x 36.8 cm
The Hyde Collection, Glens Falls



Rubens a beaucoup dessiné et peint des hommes noirs, etudes préliminaire à de plus vastes compositions où ils devaient figurer comme domestiques, mercenaires ou esclaves.
Il existe d'autres versions sur ce même thème conservées au Getty Museum à Los Angeles,  et une copie de l'orignal de Bruxelles attribuée à l'Atelier de Rubens.
Les personnages sont exactement les mêmes, mais ils sont repartis différemment dans le cadrea apparaissant quelquefois seuls quelquefois en nombre.
Voici le lien sur lequel on peut aller voir cette copie réalisée aussi entre 1617 et 1620 :
http://www.getty.edu/.../workshop-of-peter-paul-rubens.../

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mardi 23 juillet 2019

Alexander Golovin (1863-1930) - Portrait de Meyerhold



Alexander Golovin (1863-1930)
Portrait de Meyerhold, 1917
Collection privée 

Le  peintre russe et décorateur de théâtre  Alexandre Iakovlevitch Golovine (Александр Яковлевич Головин) a créé les costumes de ballets d'Alexandre Gorski et a participé aux spectacles de Serge de Diaghilev de Constantin Stanislavski, et de Meyerhold (ci dessus)
Apres des études au  lycée Tsarévitch-Nicolas. Golovine a d'abord étudié l'architecture, puis la peinture. Il a été l'élève de l'Académie Colarossi. Il participe à l'exposition universelle de Paris de 1900 et décore le pavillon russe avec son ami Constantin Korovine. En 1901, il quitte Moscou et s'installe à Saint-Pétersbourg. C'est alors qu'il devient un véritable décorateur de théâtre. Après la révolution de 1917, Golovine reçoit de moins en moins de commande de la scène et s'oriente vers la peinture de chevalet et l'illustration. A l'inverse de ses amis, il n'émigre pas.
Golovine fait les décors du Mariage de Figaro de Beaumarchais pour le théâtre d'art de Moscou. Constantin Stanislavski est l'auteur de la mise en scène, dont la première a lieu le 28 avril 1927, après des répétitions qui ont commencé fin 1925, Stanislavski place l'action de la pièce dans la France pré-révolutionnaire et découpe l'action de cinq actes en onze scènes ; Golovine utilise une scène à changement mécanique pour accélérer les changements de décors. C'est un grand succès, la pièce connaît dix rappels le soir de la première.

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lundi 22 juillet 2019

Winslow Homer (1836-1910) - The Woodcutter




Winslow Homer (1836-1910)
The Woodcutter, 1891
Private collection 

Le peintre américain Winslow Homer (1836-1910) est surtout connu aujourd'hui pour ses marines. Bien qu'en grande partie autodidacte, il est considéré comme étant l'un des peintres majeurs du 19e siècle américain et l'une des figures principales du réalisme américain.
Né à Boston, il entre d'abord dans un atelier de lithographie de sa ville natale en tant qu'apprenti. C'est en 1859 qu'il commence sa carrière de peintre à New York, en ouvrant son premier studio. Durant la guerre de Sécession, il travaille comme illustrateur pour le Harper's Weekly, et réalise de nombreux dessins de batailles et scènes de guerre, croqués sur le vif, alors qu'il suit les armées nordistes.
Il se rend en voyage en France en 1867 et rencontre les peintres de l'Ecole de Barbizon par lesquels il est influencé. De retour en Amérique, il peint, surtout dans les années 1870, des paysages ruraux et des scènes idylliques de la vie campagnarde. Le rendu des couleurs somptueuses (ciel et mer) et l'exactitude des détails techniques, dont le petit key et ses cocotiers à l'horizon, sont des traits distinctifs de l'art du peintre.
Son œuvre pleine de vigueur et de réalisme utilise principalement deux techniques : l'huile et l'aquarelle.

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dimanche 21 juillet 2019

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel-Ange (1475-1564) - Tête idéale



Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel-Ange (1475-1564) 
Tête idéale
Craie rouge sur papier blanc
Ashmolean Museum, University of Oxford 


On  peut rappeler que Michelangelo Buonarroti a été le premier artiste à être reconnu comme un génie par ses contemporains mêmes. Il est né à Caprese dans les années 1470 et a suivi une formation de peintre puis de sculpteur. En 1496, déjà connu comme sculpteur, il se rendit à Rome où il sculpta la Pietà pour Saint-Pierre. 
De retour à Florence en 1501, il commence à travailler sur de nombreux projets, dont la plupart restèrent inachevés en 1505 à son retour à Rome
Les études à la craie rouge se rapportent à ses travaux dans la chapelle Sixtine en 1511-1512. 
Concernant cette étude de tête "idéale" on remarque qu'il est difficile de savoir s'il s'agit d'une femme ou d'un homme.  Certains traits sont très masculins (la bouche, le nez) d'autres très féminins (les yeux, le cou, le menton)...  sans doute "l'ideal" de Michel-Ange se situait-il entre les deux, "hors genre", comme on dirait aujourd'hui.  
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