vendredi 24 juin 2022

Rosalba Carriera 1675-1757) - Portrait de Philip Wharton, 1er Duc de Wharton


Rosalba Carriera 1675-1757)  Portrait de Philip Wharton, 1st Duke of Wharton, 1720. National Portrait Gallery, London

 

Rosalba Carriera 1675-1757) 
Portrait de Philip Wharton, 1er Duc de Wharton, 1720.
National Portrait Gallery, London 


Philip Wharton (1698–1731), 1er duc de Wharton, futun important homme politique jacobite, un libertin célèbre et l'un des premiers grands maîtres de la franc-maçonnerie. 
Fidèle à Jacques François Stuart, fils de Jacques II détrôné en 1688, il se dit Jacobite. Selon lui, ce prétendant est fidèle, comme l'était son père, aux principes Whig que trahissaient le libéral Robert Walpole et le nouveau monarque. Il s'oppose activement à Walpole en 1722, en particulier en finançant un périodique nommé « The True Briton». Il commence à accumuler les dettes, au point qu'il vend ses propriétés d'Irlande pour investir dans la South Sea Company. Quand celle-ci s'effondre dans le Krach de 1720, il perd la somme considérable de 120 000 £ et s'en amuse en organisant un simulacre de riches funérailles publiques pour la compagnie en faillite. En 1725, ne pouvant plus faire face à ses dettes, il quitte la Grande-Bretagne pour l'Espagne.  En 1730, totalement ruiné, banni hors de Madrid à la suite d'une rixe, il renonce à la cause jacobite et trouve refuge en compagnie de sa seconde épouse au Monastère de Poblet, Catalogne, où il meurt des conséquences de son alcoolisme le 31 mai 1731. Sa veuve retourne alors à Londres avec l'aide du prétendant et parvient à y faire valoir ses droits en 1736, s'assurant ainsi une vie confortable.
Membre de la loge maçonnique King's Arms de Londres, le duc de Wharton devient le sixième grand maître de la Grande Loge de Londres du 22 juin 1722 au 24 juin 1723. En 1724, après s'être brouillé avec elle, il aurait constitué les Gormogons, une  parodie  de la première Grande Loge d'Angleterre. Il est à l'origine de la création de la première loge d'Espagne: French Arms, située n°50 Calle de San Bernardo, à Madrid. Cette loge envoie une demande de reconnaissance à la Grande Loge de Londres qui y est reçue le 17 avril 1728. La même année 1728, les francs-maçons français décident de le reconnaître comme « grand maître des francs-maçons en France », à l'occasion de son séjour à Paris et à Lyon de 1728 à 1729. Les jacobites James Hector MacLean (1703-1750) puis Charles Radclyffe, comte de Derwentwater (1693-1746), lui succèdent. Sa nomination à la tête des francs-maçons de France, antérieure à la transformation de la « Grande Loge de Londres et de Wesminster4 » en « Grande Loge d'Angleterre » en 1738, est considéré par une partie des historiens comme le point de départ d'une franc-maçonnerie française indépendante de celle de Grande-Bretagne.

Rosalba Giovanna Carriera,  est une peintre vénitienne qui lança la mode du pastel en France lors de son passage à Paris en 1720. Elle fut  aussi l’une des premières miniaturistes européennes dès 1698, en décorant des  tabatières  alors très à la mode, de sujets galants. Sa véritable notoriété naît des portraits au pastel auxquels elle se consacre exclusivement à partir de 1708. Et lorsqu'on regarde ces pastels , on comprends leur succès  ! Ses pastels, précédés de croquis à la plume ou à la pierre, furent très largement connus. Le 26 octobre 1720, elle est reçue à l'Académie royale de peinture, sur présentation d'un portrait du roi Louis XV au pastel, confirmée le 9 novembre 1720.  "La Rosalba" ,  comme on l'appelait à Paris ,sa mère et sa sœur Giovanna, descendirent chez Crozat, dont l’hôtel était situé rue de Richelieu. À peine installée, l’artiste, spécialiste de portraits de la noblesse européenne de son époque, fut accablée de visites, et, pour ainsi dire, persécutée par les plus grandes dames et par les principaux seigneurs de la cour : tous voulaient leurs portraits de sa main. Elle fit ceux du jeune roi Louis XV, du Régent, de Mesdames ; de Law, de sa femme et de sa fille, des princesses de Conti, de la duchesse de Clermont... et de beaucoup d’autres. Ses dons séduisent l'Europe entière, de Venise - où vivaient alors la majorité de ses mécènes - à Paris, de Dresde à Londres.
Son activité diminua à partir de 1747, quand elle commença à être atteinte de cécité. ____________________________________________
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mercredi 22 juin 2022

Rudolf Swoboda (1859-1914) - Sir Pratap Singh of Idar (1845-1922)

Rudolf Swoboda (1859-1914) Sir Pratap Singh of Idar (1845-1922) Huile sut toile, 57.2 x 39.5 cm, 1888 The Royal Trust Collection

Rudolf Swoboda (1859-1914)
Sir Pratap Singh of Idar (1845-1922)
Huile sut toile, 57.2 x 39.5 cm, 1888
The Royal Trust Collection


Sir Pratap Singh, était un officier de l'armée indienne britannique, maharajah de l'État princier d'Idar (Gujarat), administrateur et régent de Jodhpur et héritier d'Ahmednagar rebaptisé plus tard Himmatnagar de 1902 à 1911.
Il se rendit très souvent en Europe et était proche de la reine Victoria et de sa famille, servant comme aide de camp d'Edouard VII de 1887 à 1910. Il était particulièrement proche de son fils, le futur George V. Toujours à la tête de ses regiments, même à  l'âge de 70 ans, Sir Pratap les commanda pendant la Première Guerre mondiale en France et en Flandres de 1914 à 1915 puis pendant le mandat palestinien à Haïfa et à Alep. Il a dirigé les Jodhpur Lancers, une unité de cavalerie, en France. Il fut promu lieutenant-général en 1916 En 1911, Pratap abdiqua le gadi (trône) d'Idar en faveur de son fils adoptif et neveu, Daulat Singh. Après  une dernière mission n tant que régent de Jodhpur, Sir Pratap Singh mourut à Jodhpur le 4 septembre 1922.

Rudolf Swoboda Jr. est un artiste peintre autrichien, qui connut une popularité certaine en tant que peintre orientaliste. En 1886, la reine Victoria, Reine d'Angleterre et Impératrice des Indes, lui commanda une peinture d’un groupe d’artisans indiens qu'elle avait invités à Windsor à l’occasion du Golden Jubilee. La reine apprécia tellement le travail de Swoboda, qu’elle lui paya le voyage en Inde pour qu’il réalise des portraits de ses habitants.
En Inde, Swoboda rencontra Rudyard Kipling, lequel écrivit une lettre apparemment très critique sur lui l'accusant de "ne rechercher que le pittoresque et de ne choisir pour que des personnages caricaturaux de l'Inde" . C'est ignoré que la Reine Victoria avait laissé des instructions très directives à Swoboda : "Les croquis que Sa Majesté souhaite avoir - représenteront les différents types de nationalités qui composent les Indes. Ils devront être constitués de têtes de même taille que celles déjà réalisées pour La Reine, ainsi que de petits portraits en pieds. Sa Majesté ne souhaite pas que les images soient trop grandes, et vous propose plutôt de rapporter des croquis d'apres lesquels vous peindrez vos tableaux apres votre retour. "
Lorsque la reine Victoria reçut les peintures, elle en fut très satisfaite et les considéra comme , "de si belles têtes… de belles choses". Swoboda travailla ensuite pour la reine pendant onze ans, produisant plus de 40 portraits de ses sujets du sud-asiatiques, (dont celui ci dessus) qui sont conservés aujourd'hui à Osborne House.et dans les collections du Royal Trust.

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lundi 20 juin 2022

Rembrandt (1607-1669) - Homme en costume oriental, 1635


Rembrandt (1607-1669), Homme en costume oriental, 1635 Huile sur panneau de chêne (72 x 54,5 cm) Rijksmuseum, Amsterdam.


Rembrandt (1607-1669)
Homme en costume oriental, 1635
Huile sur panneau de chêne (72 x 54,5 cm)
Rijksmuseum, Amsterdam.

Ici avec la lumière de manière singulière. Il inonde le turban de l'homme et le côté droit de son visage comme un projecteur puissant. Le côté gauche reste dans l'ombre. De telles têtes ressemblant à des personnages - et non des portraits - étaient populaires au 17ème siècle. Appelés «tronies turcs», ils ont été largement copiés et imités dès le début. 

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samedi 18 juin 2022

Robert Mapplethorpe (1946-1989) - Ken Moody

Robert Mapplethorpe (1946-1989) Ken Moody

Robert Mapplethorpe (1946-1989)
Ken Moody


Robert Mapplethorpe est un photographe américain connu pour ses portraits en noir et blanc très stylisés, ses photos de fleurs et ses nus masculins. Le caractère pornographique des œuvres du milieu de sa carrière a déclenché des polémiques sur le financement public de l'art aux États-Unis.

Professeur de stretching, le corps athlétique, affuté, glabre depuis l’enfance,  de Ken Moody devient rapidement l’un des symboles du travail du photographe. Il participe à de nombreuses séances en studio. Au fil de leur relation exclusivement professionnelle, Robert Mapplethorpe et son modèle construisent, avec plus de soixante clichés, un axe majeur dans l'œuvre de l'artiste.

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jeudi 16 juin 2022

Sculpture antique anonyme - Tête de Lucius Aelius


Sculpture antique anonyme Tête de Lucius Aelius Verus (101-138), Marbre, Rome Impériale

 Sculpture antique anonyme
Tête de Lucius Aelius Verus (101-138)
Marbre, Rome Impériale


Lucius Aelius, souvent connu comme Lucius Aelius Verus est né  sous le nom de Lucius Ceionius Commodus, et mort comme étant Lucius Aelius Caesar, est un sénateur romain. Il devient le fils adoptif et héritier de l'empereur Hadrien, mais il décède quelques mois avant l'empereur. Il est le père de Lucius Aurelius Verus, adopté par Antonin le Pieux et qui devient empereur romain de 161 à 169.
Dans son livre Mémoires d'Hadrien, Marguerite Yourcenar en fait un personnage important, allant même jusqu'à insinuer qu'Aelius est un ancien amant de l'empereur. Dans ce même livre, Marguerite Yourcenar affirme qu'Aelius meurt de "phtisie", c'est-à-dire de tuberculose. 

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mardi 14 juin 2022

Jean Jacoby (1891-1936) - Corner


Jean Jacoby (1891-1936) Corner, 1928 Collection privée

Jean Jacoby (1891-1936)
Corner, 1928
Collection privée

Jean-Lucien Nicolas Jacoby est un artiste luxembourgeois. A une époque ou l'art faisait partie des disciplines qui concourrait aux Jeux Olympique, il remporta deux médailles d'or olympiques aux compétitions artistiques aux Jeux olympiques en 1924 pour sa peinture Étude de sport et une autre en 1928 pour son dessin Rugby. Cela fait de lui l'artiste olympique le plus titré de tous les temps.
Jacoby a souvent représenté le sport dans ses œuvres, par exemple dans le cadre des timbres-poste luxembourgeois pour les Jeux olympiques d'été de 1952.
Après avoir passé sa jeunesse à Molsheim en Alsace, Jean Jacoby étudie l'art à l'École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. Il fut ensuite professeur de dessin de 1912 à 1918 à l'école Lewin-Funcke de Berlin, puis travailla à Wiesbaden, avant de reprendre le département d'art d'une imprimerie à Strasbourg.
Il est devenu internationalement connu quand, en 1923, il a remporté le Concours français de l'Auto avec son dessin Hurdle runner, battant 4 000 autres participants. De 1926 à 1934, il travaille comme illustrateur et directeur artistique pour deux journaux de l'Ullstein-Verlag, le Berliner Illustrierte et le Grüne Post. Il a également fondé un guide des programmes de radio pour toute l'Allemagne, appelé Sieben Tage.
En 1934, il s'installe à Mulhouse, où il meurt en 1936 d'une crise cardiaque.
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dimanche 12 juin 2022

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564) - Tête d' homme barbu en train de hurler


Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564) Tête d'homme barbu en train de hurler Sanguine sur papier Ashmolean Museum, University of Oxford



Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564)
Tête d'homme barbu en train de hurler
Sanguine sur papier
Ashmolean Museum, University of Oxford

" La perfection du dessin (clef de l’expression picturale) vous est si familière que vous voyez dans la représentation du corps humain la fin de l’art, c’est-à-dire dans ce qu’il a de particulièrement inaccessible », écrivait le dramaturge Pierre l’Arétin au sujet du « divin » Michel-Ange.
Selon Carmen Bambach, conservatrice des dessins et estampes au Metropolitan Museum of Art :
« Michel-Ange était un puissant dessinateur. Quand il dessinait, c’était avec son œil et sa compréhension de la sculpture. On retrouve parfois chez lui une certaine brutalité parce qu’il voulait repousser certaines idées »

vendredi 10 juin 2022

Nils von Dardel (1888-1943) - Jacques Hébertot et ses chats


Nils von Dardel (1888-1943) Jacques Hébertot. et ses chats, 1914 Collection privée

 

Nils von Dardel (1888-1943)
Jacques Hébertot  et ses chats, 1914
Liljevalchs Konsthall

 
Le peintre suédois Dardel voyageait beaucoup et a toujours vécu une vie nomade sans vraiment jamais s'installer quelque part. Un grand nombre de ses portraits et de ses paysages reflètent ses déplacements. Il était souvent sujet à des crises d'auto-dépréciation, que le peu de succès qu'il rencontra dans son pays de son vivant accentuait quelquefois jusqu'à la dépression. Il fallut attendre les années 1950, pour que le Liljevalchs Konsthall organise une rétrospective, de son oeuvre et pour que le public commence à s'y s'intéresser.
Après avoir habité trois ans à Paris, Dardel et Rolf de Maré tissent des liens d'amitié... et même plus. Maré fonda un peu plus tard à Paris Les Ballets Suédois qui rencontrèrent un grand succès entre 1920 et 1925. Maré devint alors une sorte de mécène pour Dardel et ce dernier lui fournit l'inspiration pour ses ballets. Au début des années 1920, Dardel travailla beaucoup sur des compositions inspirées de drames ou de films et créa des décors pour le théâtre ou le cinéma.
A côté de son propre style très étrange et très personnel, immédiatement reconnaissable, il explora aussi le pointillisme, avec des couleurs fortes et des motifs clairs.
Ses dessins assez académiques à première vue (cf. ci-dessus) comportent toujours des éléments qui interrogent comme ci dessus la grosseur disproportionnée des poings serrés du modèle. par exemple. 

Ce portrait de Jacques Hebertot  a été peint Alors qu'il était  journaliste à Gil Blas, peu de temps avant  d'être mobilisé en août 1914. Affecté au 81e régiment d'artillerie lourde - 5e groupe, il est maréchal des logis. Chargé de commander les convois de munitions sur des routes bombardées et mitraillées par les avions ennemis, jusqu'aux batteries de son groupe. Il se manifeste sur la Somme, en Champagne et à Verdun. Son courage au feu lui vaut d'être cité à l'ordre du régiment le 15 septembre 1917. Immatriculé sous le numéro 012195, il est décoré de la Croix de Guerre. Durant toute sa période sur le front, il écrit ses carnets de guerre, notes diverses, articles pour le journal Le Matin, réflexions politiques, description des horreurs de la guerre et des poèmes...

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mercredi 8 juin 2022

David Park (1911-1960) - Man in a T-Shirt


David Park (1911-1960) Man in a T-Shirt, 1958 Huile sur toile, 151.8 × 126.4 cm SFMoMA (San Francisco Museum of Modern Art)

David Park (1911-1960)
Man in a T-Shirt, 1958
Huile sur toile, 151.8 × 126.4 cm
SFMoMA (San Francisco Museum of Modern Art)



David Park est un peintre américain, membre fondateur du mouvement figuratif de la Baie de San Francisco, connu pour ses portraits aux couleurs intenses et à la peinture épaisse. Park déménage à Los Angeles en 1928 pour étudier à l’Otis Art Institute pendant un an avant d’abandonner. Il enseigne ensuite au San Francisco Art Institute pendant de nombreuses années et rencontre les peintres Richard Diebenkorn et Elmer Bischoff, avec qui il devient ami.
David Park va se lancer dans la peinture figurative de 1950 à la fin de la décennie. C'est à ce moment-là qu'il apprend être atteint d'un cancer.
Travaillant essentiellement de mémoire, il peint d'abord ce qu'il voit, les enfants qui jouent dans la rue, les musiciens, ses copains, les gens chez eux. Plus tard, il se lance dans de plus classiques nus, des baigneuses, mais dans un style monumental. Lorsque la maladie l'empêche de peindre à l'huile, il continue de travailler à l'aquarelle jusqu'au dernier moment. Il meurt en 1960.

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lundi 6 juin 2022

Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Homme assis sur un rocher

Yannis Tsarouchis (1910-1989), Homme assis sur un rocher , c.1973 Collection privée

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Homme assis sur un rocher, c.1973
Collection privée 


Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une vertiable icône de "l'art gay"

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samedi 4 juin 2022

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) - Jeune étudiant dessinant

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) Un Jeune étudiant dessinant (c. 1738), Huile sur panneau, 21 x 17.1 cm Kimbell Art Museum.


Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779)
Un Jeune étudiant dessinant (c. 1738),
Huile sur panneau, 21 x 17.1 cm
Kimbell Art Museum.

Adaptant au goût français les sujets des tableaux de cabinet hollandais et des natures mortes du siècle précédent,Chardin. élève ces genres au plus haut niveau. Ses œuvres sont exceptionnelles dans leur représentation sensible de l'expérience quotidienne et de la réalité observée. Peu d'artistes ont jamais égalé la subtilité de sa vision ou la sensibilité de sa technique.
Bien que de petite taille,  " Un Jeune étudiant dessinant "était l'une des œuvres les plus célèbres de Chardin. Le fait qu'il soit revenu  à plusieurs reprises sur ce tableau  sur une période de vingt ans, peignant pas moins de douze versions, indique la popularité du sujet et son importance pour lui.

La netteté de la surface de peinture à la texture unique de Chardin est magnifiquement préservée dans cette œuvre. L'artiste a ajouté de la consistance à sa peinture en y adjoignant de la craie pour gonfler la matière. L'artiste gardait jalousement le secret sur ses méthodes de travail et n'avait ni élèves ni disciples pour observer et prendre des notes sur sa technique. Le coup de pinceau rugueux et empâté de ce panneau masque le fait qu'il est peint sur une image antérieure. Une composition horizontale d'une femme assise de profil se distingue à peine sur la radiographie. Chardin a conçu ce tableau comme l'un d'une paire. Son pendant, La Brodeuse, aujourd'hui à Stockholm, montre une femme assise de profil. 

 Il est peut-être ironique que Chardin représente un jeune dessinateur puisqu'il a lui-même travaillé directement d'après nature, renonçant au processus intermédiaire d'un dessin préparatoire. Néanmoins, Chardin se rappelle comment, jeune apprenti, il a passé cinq ou six ans à dessiner d'après modèle. 

Selon une étiquette  conservée au dos du panneau, cette œuvre a été acquise à Paris en 1848 par Isambard Kingdom Brunel, le célèbre ingénieur franco-britannique et concepteur de ponts.

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jeudi 2 juin 2022

Vlaho Bukovac (1855-1922) - Portrait de Gustav Pongratz.

 

Vlaho Bukovac (1855-1922) , Portrait de Gustav Pongratz. 1893 Private Collection Zagreb

Vlaho Bukovac (1855-1922) ,
Portrait de Gustav Pongratz. 1893
Private Collection Zagreb

Le peintre croate Vlaho Bukovac a été formé à l'école des Beaux-Arts de Paris avec Alexandre Cabanel, et exposa au Salon des artistes français. Médaille de bronze de l'Exposition universelle de Paris de 1889, il retourne dans son pays en 1893, et enseigne à l'Académie des beaux-arts de Prague.

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lundi 30 mai 2022

Sebastiano del Piombo (1485-1547) - Anton Francesco degli Albizzi (c. 1525-26)


Sebastiano del Piombo (1485-1547), Anton Francesco degli Albizzi (c. 1525-26) Huile sur toile 147.3 x 98.8 cm. The Houston Museum of Fine Arts (Samuel H. Kress Collection).

Sebastiano del Piombo (1485-1547)
Anton Francesco degli Albizzi (c. 1525-26)
Huile sur toile 147.3 x 98.8 cm
The Houston Museum of Fine Arts (Samuel H. Kress Collection).


Ce portrait représente Anton Francesco degli Albizzi (1486-1537), une personnalité politique qui a participé à l'établissement de la République florentine. Il a été décrit comme autoritaire, hautain et passablement agité et a été décapité pour trahison par Cosimo I de Medici, grand-duc de Toscane.
La grandeur rhétorique dont Sebastiano del Piombo a imprégné le portrait montre pourquoi il est considéré comme l'une des figures majeures de la peinture de la Haute Renaissance. Selon le célèbre biographe du XVIe siècle Giorgio Vasari, Sebastiano s'est formé avec le peintre de la Renaissance Giovanni Bellini à Venise et a également été influencé par le peintre de la Renaissance Giorgione. En 1511, Sebastiano se rendit à Rome, où il noua à la fois une amitié et une relation professionnelle avec Michel-Ange, sous la direction duquel Sebastiano développa un style personnel distinctif, puissant et original. Vasari a fait l'éloge de ce travail particulier, écrivant que l'artiste l'a fait apparaître "non peint mais vraiment vivant... La tête et les mains du portrait étaient des choses vraiment merveilleuses, sans parler de la belle exécution des velours, des doublures , les satins, et toutes les autres parties de l'image. . . toute Florence fut émerveillée par ce portrait d'Anton Francesco."

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samedi 28 mai 2022

Annibale Carracci (1560-1609) (attribué à) - Autoportrait à l'âge de 20 ans


Annibale Carracci (1560-1609) (attribué à) Autoportrait à l'âge de 20 ans Collection privée


Annibale Carracci (1560-1609) (attribué à)
Autoportrait à l'âge de 20 ans
Collection privée 

 

La grande œuvre d'Annibale Carracci (dit aussi Le Carrache) à Rome est un travail à fresque, exécuté pour le décor du Camerino et de la galerie du palais Farnese. La plupart des historiens d'art estiment que cette galerie pose réellement le premier jalon de la peinture moderne.
L'iconographie de cette galerie est inhabituelle au regard des règles de l'époque. En effet dans ce lieu d’honneur des demeures romaines, qu'est la galerie, on décore habituellement les plafonds par de grands moments de la famille, ou des légendes héroïque. Rien de tout cela dans le Palazzo Farnese dont le propriétaire est alors un cardinal, mais un thème totalement décalé, en l'occurrence : le pouvoir universel de l'amour. Une des interprétations de cette iconographie la lie au mariage entre le duc de Parme et Marguerite Aldobrandini en 1600, mais d'autres interprétations ont cours.
Plusieurs références peuvent être identifiées, comme Michel-Ange (Chapelle Sixtine) pour la monumentalité et Raphaël (Villa Farnesina) pour la grâce des nus féminins. De nombreux procédés illusionnistes, comme la « quadratura » (système proprement Bolonais, prolongeant l’espace réel par un espace fictif dans les angles), ou le « quadririportati » (« tableaux rapportés », avec un cadre, donnant l’impression de toiles de chevalet accrochées) sont utilisées. De même, bien que tout soit entièrement peint, des Hermès et des Atlantes donnent l'illusion de stucs, des médaillons évoquent des bronzes, et l'accumulation d’éléments sur les parois comme les sculptures antiques situées dans des niches participent encore de l'illusion…
La bacchanale qui constitue le tableau central montre clairement plusieurs sources d'inspiration, telles que la Bacchanale de Titien, les Noces de Psyché de Raphaël et des sarcophages antiques (qualités sculpturales, frise, fluidité, jeu de contraposto). On y note la présence d’humour et de sarcasme, comme dans les léopards un peu ridicules, et une complexité savante. Cette galerie inspirera fortement de nombreux peintres dont Poussin et Rubens.
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jeudi 26 mai 2022

Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914) - Sikander Mallik


Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914) Sikander Mallik, 1886-88 The Royal Trust collection, London


Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914)
Sikander Mallik, 1886-88
The Royal Trust collection, London

Rudolf Swoboda Jr. est un artiste peintre autrichien, qui connut une popularité certaine en tant que peintre orientaliste. En 1886, la reine Victoria, Reine d'Angleterre et Impératrice des Indes, lui commanda une peinture d’un groupe d’artisans indiens qu'elle avait invités à Windsor à l’occasion du Golden Jubilee. La reine apprécia tellement le travail de Swoboda, qu’elle lui paya le voyage en Inde pour qu’il réalise des portraits de ses habitants.
En Inde, Swoboda rencontra Rudyard Kipling, lequel écrivit une lettre apparemment très critique sur lui l'accusant de "ne rechercher que le pittoresque et de ne choisir pour que des personnages caricaturaux de l'Inde" . C'est ignoré que la Reine Victoria avait laissé des instructions très directives à Swoboda : "Les croquis que Sa Majesté souhaite avoir - représenteront les différents types de nationalités qui composent les Indes. Ils devront être constitués de têtes de même taille que celles déjà réalisées pour La Reine, ainsi que de petits portraits en pieds. Sa Majesté ne souhaite pas que les images soient trop grandes, et vous propose plutôt de rapporter des croquis d'apres lesquels vous peindrez vos tableaux apres votre retour. "
Lorsque la reine Victoria reçut les peintures, elle en fut très satisfaite et les considéra comme , "de si belles têtes… de belles choses". Swoboda travailla ensuite pour la reine pendant onze ans, produisant plus de 40 portraits de ses sujets du sud-asiatiques, (dont celui ci dessus) qui sont conservés aujourd'hui à Osborne House.et dans les collections du Royal Trust.

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mardi 24 mai 2022

Raphaël /Rafaello Sanzio (1443-1520 ) - Etude de tête d'ange

Raphaël /Rafaello Sanzio (1443-1520), Etude pour une ange de la fresque " Héiodore chassé du temple" Musée du Louvre, Paris

Raphaël /Rafaello Sanzio (1443-1520),
Etude pour une ange de la fresque " Héiodore chassé du temple"
Musée du Louvre, Paris 

Raphael est sans aucune doute l'un des meilleurs dessinateurs de l'histoire de l'art occidental et utilise beaucoup le dessin pour organiser ses compositions. Selon un quasi-contemporain, lorsqu'il commence à élaborer une composition, il dispose un grand nombre de ses dessins sur le sol, et dessine « rapidement », empruntant des figures ici et là. Plus de quarante esquisses ont survécu pour la Dispute dans la Chambre de la Signature, et il y en a peut-être eu beaucoup d'autres à l'origine ; au total, plus de quatre cents feuilles nous sont parvenues. Il utilise différent dessins pour affiner ses poses et compositions, apparemment plus que la plupart des autres peintres, à en juger par le nombre de variantes qui survivent : « . . . C'est ainsi que Raphaël lui-même, qui était si riche en inventivité, avait l'habitude de travailler, en proposant toujours quatre ou six façons de montrer un récit, chacune différente des autres, et toutes pleines de grâce et bien faites. » a écrit un autre écrivain après sa mort. Pour John Shearman, l'art de Raphael marque « un déplacement des ressources de la production vers la recherche et le développement » Lorsqu'une composition est finalement réalisée, des cartons à grande échelle à la taille réelle sont souvent réalisés, qui sont ensuite piqués avec une épingle et « sautés » avec un sac de suie pour laisser des lignes pointillées sur la surface comme un guide. Il fait également un usage inhabituellement important, tant sur papier que sur plâtre, d'un « stylet aveugle », grattant des lignes qui ne laissent qu'une empreinte, mais aucune marque. Celles-ci sont visibles sur le mur de l'École d'Athènes et dans les originaux de nombreux dessins. Les Cartons de Raphaël, en tant que motifs de tapisserie, sont entièrement colorés dans un médium à la détrempe, avant d'être envoyés à Bruxelles, pour être suivis par les tisserands.

Dans les œuvres ultérieures peintes par l'atelier, les dessins sont souvent plus attrayants que les peintures. La plupart des dessins de Raphaël sont plutôt précis - même les esquisses initiales sont soigneusement dessinées -, et les dessins de travail ultérieurs présentent souvent un haut degré de finition, avec des ombres et parfois des surbrillances en blanc. Ils manquent de la liberté et de l'énergie de certains des croquis de Léonard de Vinci et de Michel-Ange, mais sont presque toujours très satisfaisants d'un point de vue esthétique. Il est l'un des derniers artistes à utiliser largement la pointe d'argent (littéralement une pièce pointue en argent ou d'un autre métal), bien qu'il fasse également un excellent usage du médium plus libre de la craie rouge ou noire. Dans ses dernières années, il est l'un des premiers artistes à utiliser des modèles féminins pour les dessins préparatoires - les élèves masculins (« garzoni ») étaient normalement utilisés pour les études des deux sexes.
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dimanche 22 mai 2022

Peinture chinoise anonyme - Portrait de Ho Bun / 何斌


Peinture chinoise anonyme Portrait de Ho Bun / 何斌,( c.1590-1610) Musée de Nankin,  Chine.


Peinture chinoise anonyme
Portrait de Ho Bun / 何斌   (c.1590-1610)
Musée de Nankin, Chine. 


Ho Bun (何斌),  était un érudit-officiel pendant la période  Ming. Ce portrait est l'un des nombreux portraits Ming tardifs inclus dans l'Album des portraits du peuple Ming (明人肖像冊). 

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2022- A Still Life Collection
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vendredi 20 mai 2022

Piet Mondrian (1872–1944) - Autoportrait


Piet Mondrian (1872–1944) Auto portrait Collection privée

Piet Mondrian (1872–1944)
Autoportrait
Collection privée


Malgré l'opposition farouche de son père à le laisser s'inscrire aux Beaux arts, Piet Mondrian  a déjà été initié par son oncle à la peinture de plein air, une innovation dans les années 1880, héritage de Johan Barthold Jongkind et de l'Ecole de La Haye. Plus généralement après 1900, les tableaux de Mondrian cherchent à faire voir des idées, et semblent proche du mouvement symboliste.
Connu pour être un des pionniers de l'abstraction, il écrit dès janvier 1914 écrit : « Je construis des lignes et des combinaisons de couleurs sur des surfaces planes afin d'exprimer, avec la plus grande conscience, une beauté générale. La nature (ou ce que je vois) m'inspire, me met, comme tout peintre, dans un état émotionnel qui me pousse à créer quelque chose, mais je veux rester aussi près que possible de la vérité et à tout extraire, jusqu'à ce que j'atteigne au fondement (qui ne demeure qu'un fondement extérieur !) des choses […]. Je crois qu'il est possible, grâce à des lignes horizontales et verticales construites en pleine conscience, mais sans ‘‘calcul’’, suggérées par une intuition aigüe et nées de l'harmonie et du rythme, que ces formes fondamentales de la beauté, complétées au besoin par d'autres lignes droites ou courbes, puissent produire une œuvre d'art aussi puissante que vraie »

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mercredi 18 mai 2022

Art Egyptien - IVe Dynastie - Tête du Roi Menkaouré ou Mykérinos

Quatrième Dynastie (2613–2494  av.J.C.) Tête du Roi Menkaura (2532–2503 av. J.C.) Sculpture en travertin, 29.2 x 19.6 x 21.9 cm. The Boston Museum of Fine Arts.

IVe Dynastie (2613–2494  av.J.C.)
Tête du Roi Menkaouré  ou Mykérinos (2532–2503 av. J.C.)
Sculpture en travertin, 29.2 x 19.6 x 21.9 cm.
The Boston Museum of Fine Arts.


La IVe dynastie de l'Ancien Empire d'Égypte est la dynastie qui a laissé les plus célèbres de tous les monuments égyptiens : les pyramides de Gizeh et le Sphinx.
Elle couvre une période allant d'environ -2670 à -24501, est fondée par Mérésânkh et débute sous le règne de Snéfrou le fils de cette dernière, père de Khéops.
La construction des pyramides serait devenue une nécessité économique, occupant les paysans pendant la crue du Nil, et politique, induisant la création du premier État centralisé. Sous Snéfrou, à la pyramide de Meïdoum, abandonnée en cours de construction à la suite de son effondrement, succède la construction de celles de Dahchour, (rhomboïdale et rouge). Des papyrus datant du règne de Khéops, dont le journal de bord d'un inspecteur nommé Merer qui approvisionnait en pierre le chantier de la pyramide, ont été découverts par Pierre Tallet au Ouadi el-Jarf en 2013.
Le « style memphite » se distingue par un classicisme altier qui se manifeste dans l'harmonie des lignes droites et de larges masses symétriques.
C'est durant cette dynastie qu'officie Peseshet, première femme médecin connue au monde.
Sur le site de Gizeh, on érige les pyramides des trois reines de la dynastie.

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lundi 16 mai 2022

Pablo Picasso (1881-1973) - Torero. Etude pour "Le Tricorne"


Pablo Picasso (1881-1973), Torero. Etude pour "Le Tricorne" Gouache, 1919 Collection privée

Pablo Picasso (1881-1973),
Torero. Etude pour "Le Tricorne"
Gouache, 1919
Collection privée

Une étude à mi-chemin entre l'arlequin, figure emblématique de l'oeuvre de Picasso au début du 20e siècle et le Torero.

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samedi 14 mai 2022

Michele Gordigiani (1835-1909) - Portrait d'Alfredo Muller


Michele Gordigiani (1835-1909) Portrait d'Alfredo Muller en compagnie Eduardo Gordigiani et Egisto Paolo Fabbri (Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Roma

 

Michele Gordigiani (1835-1909)
Portrait d'Alfredo Muller en compagnie Eduardo Gordigiani et Egisto Paolo Fabbri
Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Roma


Michele Gordigiani (1835 -1909), est un artiste peintre italien connu pour ses portraits. Michele Gordigiani est le fils de Luigi Gordigiani, un célèbre musicien florentin. Il étudie d'abord à l'Académie de Florence sous Giuseppe Bezzuoli, puis chez Luigi Norcini et Silvestro Lega ; il a également travaillé dans les ateliers de Luigi Mussini et Adolph Sturler. En 1855, il fréquente le Caffè Michelangiolo avec son frère Anatolio, où il rencontre de nombreux peintres du mouvement Macchiaioli.  Il est invité à Paris, en 1860, par son amie Virginia Oldoini, comtesse de Castiglione dont il fait un portait devenu célèbre. Il était très recherché en tant que portraitiste, et parmi ses sujets figurent le roi Victor-Emmanuel II, sa belle-fille, la reine Margherita et le comte de Cavour. En 1867, à Londres, il peint les portraits de la reine Victoria et de son époux, le prince Albert.  Parmi ses élèves figuraient Fosco Tricca, Francesca Magliani, Pompeo Massani et Alfredo Müller dont il peint le portrait ci dessus devant un chevallet en 1895.

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jeudi 12 mai 2022

Nils Gustav Wentzel (1849 -1927) Les Joueurs d'échecs




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Nils Gustav Wentzel (1849 -1927) Les Joueurs d'échecs, 1886 Collection privée


Nils Gustav Wentzel (1849 -1927)
Les Joueurs d'échecs, 1886
Collection privée

Cet artiste descend d'une famille de verriers de Bohème installée en Norvège en 1750. Il étudie à l'Ecole d'Art de Knud Bergslien (1879-81) et à l'École Royale de Christiania. En 1883, il est élève de Frits Thaulow, qui l’initie à la peinture de plein air. Wentzel fait un court séjour à Paris la même année et y séjourne de nouveau en 1884 en qualité d’élève de William Bouguereau, à l'Académie Julian.  En 1888-89, Wentzel étudie avec Alfred Roll et Léon Bonnat à l'Académie Colarossi. Pendant cette période, il peint principalement des intérieurs, des figures. Ses sujets sont la bourgeoisie urbaine et les artisans dans leurs intérieurs et les studios d’artistes. Ses premières peintures comme le Petit-déjeuner I (1882), possèdent un rendu méticuleux de détail sans égal dans le naturalisme norvégien. Le travail de Wentzel adopte progressivement l’influence de la peinture française contemporaine avec une observation subtile des effets de lumière et d’atmosphère sur la couleur, comme Le Jour d’après (1883) et Petit-déjeuner II (1885). Les scènes de campagne norvégienne sont devenues plus fréquentes, comme Vieux (1888). La Danse à Setesdal (1891) représente une note plus romantique de son travail, qui prédomine au début des années 1890. Plus tard, il préfère exécuter des paysages de neige, des scènes rurales avec sujets, bien qu'il n'ait pas entretenu cette norme dans son précédent travail.

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mardi 10 mai 2022

Achille Zo (1826-1901)- La Pelote Basque à Pasajes de San Juan



Achille Zo (1826-1901)
La Pelote Basque à Pasajes de San Juan
Huile sur toile 95 x 130 cm
Collection privée


Henri-Achille Zo est d'abord l'élève de son père Achille Zo, qui dirigeait l'Ecole des beaux-arts de Bordeaux, puis est admis en 1894 dans les ateliers des peintres Léon Bonnat et Albert Maignan à l'École des beaux-arts de Paris. Avec son père, qui fut le co-initiateur de l'Ecole de Bayonne, il partage une thématique commune : des scènes d'Espagne et de tauromachies. Il obtient une médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1900 et l’État lui octroie une bourse de voyage en 1901. Il expose au Salon des artistes français à partir de 1897 et remporte le prix national en 1905. Il expose régulièrement des oeuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1896 à 1934. Il travaille à Paris aux peintures du théâtre national de l'Opéra-Comique, à celles de la chapelle Notre-Dame-de-Consolation construite en hommage aux victimes de l'incendie du Bazar de la Charité, et devient professeur à l'Académie Julian à Paris. En 1903, il reçoit le prix Rosa Bonheur, puis le prix Trémont décerné par l'Institut. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1910, sous le parrainage de son maître Léon Bonnat. Il a illustré le Ramuntcho de Pierre Loti et les Nouvelles Impressions d'Afrique de Raymond Roussel (1932).

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samedi 7 mai 2022

Alexander Deïneka (1899-1969) - Joueurs de football

 

Alexander Deïneka (1899-1969) Joueurs de football Aquarelle, 1965 Collection privée

Alexander Deïneka (1899-1969)
Joueurs de football
Aquarelle, 1965
Collection privée 


Alexandre Alexandrovitch Deïneka (Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка) est un peintre, graphiste et sculpteur soviétique. Membre fondateur des groupes Ost (Être) et Octobre, il réalisa la première grande œuvre historique révolutionnaire en 1928 : La Défense de Petrograd.
Vers 1931, il devient membre de l'Association des artistes prolétariens (AKhRR).
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il réalise des peintures monumentales et dramatiques, dont Banlieue de Moscou. Novembre 1941 constitue la première œuvre. Il parvient à transmettre une grande souffrance à travers son travail (Le Village brûlé, 1942), autant que l'enthousiasme héroïque (La Défense de Sébastopol, 1942).
Après la guerre, il continue de peindre et reprend son travail de mosaïque, notamment pour le palais des congrès du Kremlin.
Pour Les Joueurs de hockey (1960), il est récompensé du prix Lénine en 1964.
Certaines de ses oeuvres, notamment ses représentations de sportifs ou de soldats, comme dans Après la Bataille , sont d'une étonnante liberté et légèreté malgré le contexte répressif de l'URSS.

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jeudi 5 mai 2022

Ubaldo Gandolfi (1728-1781) - Caïn et Abel


Ubaldo Gandolfi (1728-1781) Caïn et Abel Museo Civicci Reggio Emilia


Ubaldo Gandolfi (1728-1781)
Caïn et Abel
Museo Civicci Reggio Emilia

Ubaldo Gandolfi est un peintre italien du baroque tardif, appartenant à l'école bolonaise.
Avec son frère Gaetano, Ubaldo Gandolfi fait partie d'une famille d'artistes prolifiques : ses fils Giovanni Battista et Ubaldo Lorenzo, et ses neveux Mauro, Democrito (élève d'Antonio Canova) et sa nièce Clementina furent les derniers représentants de la peinture bolonaise, née deux siècles après les Carracci.
Il a pient des toiles à sujets mythologiques du Palazzo Marescalchi à Bologne, dont deux sont conservées aujourd'hui aux États-Unis, au Museum of North Carolina. Il a laissé de nombreux dessins et sanguines conservées en Italie ou au MET à New York
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lundi 2 mai 2022

Winslow Homer (1836-1910) - Shark Fishing

Winslow Homer (1836-1910), Shark Fishing Watercolour, 1885 Private collection
 
Winslow Homer (1836-1910),
Shark Fishing
Watercolour, 1885
Private collection 
 
Le peintre américain Winslow Homer (1836-1910) est surtout connu aujourd'hui pour ses marines. Bien qu'en grande partie autodidacte, il est considéré comme étant l'un des peintres majeurs du 19e siècle américain et l'une des figures principales du réalisme américain.
Né à Boston, il entre d'abord dans un atelier de lithographie de sa ville natale en tant qu'apprenti. C'est en 1859 qu'il commence sa carrière de peintre à New York, en ouvrant son premier studio. Durant la guerre de Sécession, il travaille comme illustrateur pour le Harper's Weekly, et réalise de nombreux dessins de batailles et scènes de guerre, croqués sur le vif, alors qu'il suit les armées nordistes.
Il se rend en voyage en France en 1867 et rencontre les peintres de l'Ecole de Barbizon par lesquels il est influencé. De retour en Amérique, il peint, surtout dans les années 1870, des paysages ruraux et des scènes idylliques de la vie campagnarde.
Il passe ensuite deux années de sa vie dans le nord de l'Angleterre (1881-1882).
Il peint de nombreuses marines. Le critique d'art Françoise Dargent écrivit à propos de ses tableaux : « C'est comme si on invitait l'océan dans son salon. » Dans Key West, Hauling Anchor (1903), par exemple, le sujet est l'appareillage d'une goélette aurique à Key West, en Floride. Le rendu des couleurs somptueuses (ciel et mer) et l'exactitude des détails techniques, dont le petit key et ses cocotiers à l'horizon, sont des traits distinctifs de l'art du peintre.
Son œuvre pleine de vigueur et de réalisme utilise principalement deux techniques : l'huile et l'aquarelle. Dans ses portraits, il peint aussi souvent et surtout des enfants insouciants.
Il est enterré dans le cimetière de Mount Auburn, à Cambridge au Massachusetts.

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samedi 30 avril 2022

Charles-Joseph Flipart (1721-1797) - Le castrat Carlo degli Scalzi

Charles-Joseph Flipart (1721-1797) Le castrat Carlo Scalzi, dans le role de Sirbace dans Rosbale de Porpora, c.173 Wadsworth Atheneum Museum of Art


Charles-Joseph Flipart (1721-1797)
Le castrat Carlo degli Scalzi, dans le rôle de Sirbace dans Rosbale de Porpora, c.173
Wadsworth Atheneum Museum of Art

Charles-Joseph Flipart  est issu d'une dynastie d'artistes parisiens . Son père le graveur français Jean-Charles Flipart lui apprend l'art de la gravure. Son frère aîné est Jean-Jacques Flipart également graveur. À dix-huit ans il se rend à Venise où il travaille dans l'atelier de Jacopo Amigoni. Il se forme ensuite dans l'atelier de Joseph Wagner où il reproduit plusieurs composition de Pietro Longhi. En 1748 il se rend en Espagne probablement avec Jacopo Amigoni. Il est nommé peintre-graveur de Ferdinand VI. Le musée du Prado conserve plusieurs de ses toiles.


Carlo degli Scalzi (vers 1700 - après 1738) est un castrat italien dont la carrière se déroula dans les grands opéras en Italie à partir de 1718 jusqu'en 1738. Il a également été entendu à Londres en 1733-1734 où il a notamment créé le rôle d'Alceste dans la première mondiale d'Arianna in Creta pour Haendel. Le librettiste Métastase a décrit Scalzi comme un « très unique chanteur » et a comparé sa voix à celle du célèbre castrat Farinelli.
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jeudi 28 avril 2022

Médaille d'or olympique à l'effigie d'Alexandre Le Grand



Médaille d'or olympique à l'effigie d'Alexandre Le Grand Recto-verso, entre 215-243, 5.34 x 0.75 cm The Walters Art Museum
 
Médaille d'or olympique à l'effigie d'Alexandre Le Grand
Recto-verso, entre 215-243, 5.34 x 0.75 cm
The Walters Art Museum 
 

Cette médaille a été découverte en Égypteà Aboukir. Elle fait partie d'un trésor qui comprenait une vingtaine de médailles similaires aujourd'hui dispersés dans divers musées) dix-huit lingots d'or et six cents pièces d'or émises par les empereurs romains de Severus Alexander à Constantin Ier. L'un des médaillons, maintenant au musée Calouste Gulbenkian à Lisbonne, porte une inscription qui  peut être traduite comme ;  "Jeux olympiques de l'année 274", une date correspondant à 242-243 de notre calendrier actuel. 

Il est possible que ces médailles aient été conçues exactement comme c'est le cas de nos jours omme des prix à remettre lors de cet événement. Alternativement, ils peuvent avoir été émis par l'empereur Caracalla  qui est représenté sur certains d'entre eux. Caracalla aimait être comparé au grand roi et conquérant Alexandre de Macédoine. Comme Alexandre, cet empereur romain fit la guerre en Orient et mourut au cours de sa campagne contre les Parthes. 

Ce médaillon particulier montre Alexandre le Grand regardant vers le ciel et portant un bouclier orné de signes du zodiaque. Ce portrait le montre les cheveux tirés en arrière. Il porte une armure décorée avec une figure d'Athéna sur la bandoulière et, sur la poitrine, une scène de la Gigantomachie (Guerre des Géants). Le verso représente Alexandre et Niké, déesse de la victoire, montés sur un char, flanqués des divinités Roma et Mars.

Alexandre le Grand ( Ἀλέξανδρος ὁ Μέγας) ou Alexandre III  (356 av. J.-C. -  323 av. J.-C.) fut un roi de Macédoine et l'un des personnages les plus célèbres de l'Antiquité. Fils de Philippe II, élève d'Aristote et roi de Macédoine à partir de 336, il devient l'un des plus grands conquérants de l'Histoire en prenant possession de l'immense empire perse et en s'avançant jusqu'aux rives de l'Indus.

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mardi 26 avril 2022

Art arabe Arabie du Sud - Visage masculin Stèle en albâtre


Art arabe Visage Masculin Stèle en albâtre, 20.3 cm Arabie du Sud, 1e millénaire av. J.C.


Art arabe
Visage Masculin
Stèle en albâtre, 20.3 cm
Arabie du Sud, 1e millénaire av. J.C.


Existe-t-il un art « arabe » ?  c'est la question que se pose l'Institut du monde Arabe de Paris ! Au tournant du XIXe et du XXe siècle, alors que l’histoire de l’art commence à s’intéresser au monde arabe, la question passionne les savants européens. Un art a-t-il pu naître « du sol stérile de l’Arabie » (Henry Wallis), où vivaient de frustes populations bédouines, de « race » sémite ? Si le sujet fait autant débat, c’est sans doute que le terme « arabe » lui-même est polysémique. Pour certains, il ne s’applique qu’aux habitants « originels » de la péninsule Arabique, c’est-à-dire essentiellement des Bédouins nomades, peuples du désert, dont la principale tradition artistique est poétique. Pour d’autres, il englobe, de manière plus vaste, toutes les populations, à l’origine de productions riches et diversifiées, qui ont adopté l’arabe comme langue vernaculaire.

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dimanche 24 avril 2022

Henriette Wyeth (1907-1997) - Portrait de Peter Hurd, 1936


Henriette Wyeth (1907-1997) Portrait de Peter Hurd, 1936 Hurd La Rinconada Gallery, San Patricio

 

Henriette Wyeth (1907-1997)
Portrait de Peter Hurd, 1936
Hurd La Rinconada Gallery, San Patricio

 
Henriette Wyeth(1907-1997) était une artiste américaine connue pour ses portraits et ses natures mortes . Fille aînée de l'illustrateur NC Wyeth, elle a étudié la peinture avec son père et son frère Andrew Wyeth dans leur maison et leur studio à Chadds Ford, en Pennsylvanie .
Après son mariage avec l'artiste Peter Hurd  (ci-dessus), ils ont déménagé à San Patricio, au Nouveau-Mexique, au milieu des années 1930 et y ont élevé leurs trois enfants dans un ranch. Ils ont tous deux été inspirés par le paysage. L'une de ses citations bien connues est : " Comme je ne sais pas ce qui est important et ce qui ne l'est pas, alors j'econsidère que tout est immensément important."

Une grande partie de son travail est conservée au Roswell Museum and Art Center , à Roswell et à la Hurd La Rinconada Gallery à San Patricio, tous deux au Nouveau-Mexique. Ses peintures se trouvent également dans les collections permanentes du Brandywine River Museum en Pennsylvanie, du Los Angeles Athletic Club  de la National Portrait Gallery,  du New Mexico Museum of Art à Santa Fe et du Texas Tech University Fine Art Museum.  Le travail de Wyeth a également été exposé dans des institutions aussi remarquables que le Metropolitan Museum of Art de New York, le Carnegie Institute de Pittsburgh, Art Institute of Chicago et Roswell Museum of Art du Nouveau-Mexique. 

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vendredi 22 avril 2022

Achille Zo (1826-1901) - Vendeur de fruits à Séville

Achille Zo (1826-1901) Vendedor de fruta en Sevilla, 1864. Huile sur toile 116.3 x 89.6 cm Colección BBVA

Achille Zo (1826-1901)
Vendeur de fruits à Séville, 1864.
Huile sur toile 116.3 x 89.6 cm
Colección BBVA, Espagne

Achille Zo, est considéré comme l'un des peintres hispano-orientalistes les plus remarquables de la seconde moitié du XIXe siècle. Ses voyages dans le sud de l'Espagne ont contribué à consolider sa carrière car, en plus de lui fournir un important répertoire iconographique, ils lui ont permis de façonner son style personnel. Au cours de son voyage à travers l'Andalousie en 1860, l'artiste visita Séville, Cordoue et Grenade et dessina des croquis d'après nature qu'il utilisera plus tard pour ses peintures. Son œuvre était essentiellement composée de scènes de genre traditionnelles, ce qui lui a valu un succès et un prestige considérables tout au long de sa carrière.
C'est le cas de vendeur de fruits à Séville, un superbe exemple de sa période de mi-carrière, définie par l'équilibre compositionnel et les prouesses techniques. Tout dans ce travail a été minutieusement exécuté : de l'agencement de la scène à l'emplacement de la signature. Il révèle un intérêt pour l'étude de la figure et de ses éléments environnants, définis par une palette colorée et une grande luminosité, très en phase avec la gamme de couleurs locale. L'artiste tire le meilleur parti de la simplicité de la scène, créant un ensemble harmonieux avec une touche romantique qui s'intensifie encore à l'image du marchand de fruits andalou. On peut retrouver l'influence de Dominique Ingres (1780-1867) dans la maîtrise du dessin de la figure et dans sa qualité technique. Exécuté avec un coup de pinceau affirmé, c'est un exemple évident de portrait réaliste qui capture non seulement la physionomie du personnage, mais aussi son charisme et sa psychologie individuelle.
Exposé pour la première fois au 1864 Salon de Paris, ce tableau est devenu populaire après que Théophile Gautier en ait fait l'éloge dans sa critique de l'exposition. L'écrivain français, également épris d'Espagne, considérait Zo comme l'un des peintres qui traduisait le mieux l'essence de l'Espagne. Dans son rapport sur le salon, le critique d'art Edmond About a également salué la qualité de ce travail et mentionné le numéro d'inventaire (1992), dont l'étiquette est conservée sur le devant du cadre. Après sa présentation à Paris, l'œuvre fut exposée à l'Exposição Internacional do Porto en 1865, où elle fut achetée par le roi Ferdinand II du Portugal (1816-1885) pour sa collection privée et exposée dans la salle de musique de Palácio das Necessidades à Lisbonne. Le roi était fasciné par ce type de composition, très en phase avec le pittoresque Post- romantisme


Henri-Achille Zo est d'abord l'élève de son père Achille Zo, qui dirigeait l'Ecole des beaux-arts de Bordeaux, puis est admis en 1894 dans les ateliers des peintres Léon Bonnat et Albert Maignan à l'École des beaux-arts de Paris. Avec son père, qui fut le co-initiateur de l'Ecole de Bayonne, il partage une thématique commune : des scènes d'Espagne et de tauromachies. Il obtient une médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1900 et l’État lui octroie une bourse de voyage en 1901. Il expose au Salon des artistes français à partir de 1897 et remporte le prix national en 1905. Il expose régulièrement des oeuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1896 à 1934. Il travaille à Paris aux peintures du théâtre national de l'Opéra-Comique, à celles de la chapelle Notre-Dame-de-Consolation construite en hommage aux victimes de l'incendie du Bazar de la Charité, et devient professeur à l'Académie Julian à Paris. En 1903, il reçoit le prix Rosa Bonheur, puis le prix Trémont décerné par l'Institut. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1910, sous le parrainage de son maître Léon Bonnat. Il a illustré le Ramuntcho de Pierre Loti et les Nouvelles Impressions d'Afrique de Raymond Roussel (1932). 


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mercredi 20 avril 2022

Jean Decourt ( 1530-1584) - Portrait de Charles IX

Jean Decourt (1530-1584) Portrait de Charles IX, 1572 Bibliothèque nationale de France (BnF), Paris

Jean Decourt (1530-1584)
Portrait de Charles IX, 1572
Bibliothèque nationale de France (BnF), Paris 
 

Charles IX (1550 -1574) fut roi de France pendant 14 ans, de 1560 à 1574, règne tragique encadré par la régence éclairée de sa mère, Catherine de Medicis.  Quatrième roi de la famille des Valois-Angoulême, fils d'Henri II, il succède à son frère François II à l'âge de 10 ans et meurt sans enfant mâle légitime à même pas 24 ans !
Sous son règne, le Royaume de France est déchiré par les guerres de religions, malgré un grand nombre d' efforts déployés par sa mère Catherine pour les empêcher. Après plusieurs tentatives de réconciliation, son règne déboucha sur le massacre de la Saint-Barthélemy, de sinistre mémoire.
 
 
La première mention dans les archives de Jean Decourt, appelé aussi Jehan De Court, remonte à 1553, dans un contrat d'apprentissage. Il est signalé comme « painctre de Monseigneur le prince de la Rochesurion suyvant la court »
 En 1562, il est mentionné comme peintre ordinaire de la reine Marie Stuart. Il est en effet probable qu'il ait effectué un voyage en Angleterre vers 1565 et se retrouve désigné comme valet de chambre de la reine, en 1566 et 1567. On conserve deux lettres de Jean Decourt adressées à William Cecil, grand trésorier d'Angleterre, datant de 1570 et 1571 dans lesquels il se présente comme peintre de Charles IX. Il a effectivement remplacé François Clouet à cette fonction quelque temps auparavant. En 1574, il prend officiellement la fonction de portraitiste officiel de la cour, toujours en remplacement de Clouet. Il apparaît ainsi dans les comptes royaux en 1578, 1580 et 1584 et disparaît probablement l'année suivante. Plusieurs œuvres de sa main sont mentionnées dans les textes : une miniature représentant Charles IX (1569), une effigie de Catherine de Médicis (1565), une image de Henri de France posée sur le lit de mort de Charles IX notamment, mais sans avoir été conservées. Aucune œuvre actuelle n'est attribuée avec certitude au peintre2. Il n'est sans doute pas apparenté à Jean Court dit Vigier, émailleur à Limoges.
Le fils de Jean Decourt, Charles (1555-1614), également peintre et portraitiste, l’a remplacé en tant que peintre ordinaire du roi en 1574 


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lundi 18 avril 2022

Ilya Repin (1844-1930) - Portrait de Korney Ivanovich Chukovsky


Ilya Repin (1844-1930), Portrait de Korney Ivanovich Chukovsky, 1910. Collection privée


Ilya Repin (1844-1930)
Portrait de Korney Ivanovich Chukovsky, 1910.
Collection privée

Dès le début de son activité créatrice, dans les années 1870, Ilya Repin devient une des figures clés du réalisme russe. Il réussit à refléter dans sa production picturale la diversité de la vie qui l'entoure, à embrasser dans son œuvre toutes les dimensions de son époque, à aborder les thèmes qui traversent la société et à réagir vivement à l'actualité . Son langage pictural a une plasticité qui lui est personnelle, et il s'approprie différents styles, depuis celui des peintres espagnols et hollandais du 17e siècle jusqu'à ceux d'Alexandre Ivanov ainsi que des éléments des impressionnistes français qui lui sont contemporains, mais qu'il n'a jamais vénérés.
L'œuvre de Répine s'épanouit dans les années 1880. Il compose alors une galerie de portraits de ses contemporains, travaille comme peintre d'histoire et de scènes de genre.
Selon Vladimir Stassov, l'œuvre de Répine est ainsi une « encyclopédie de la Russie d'après l'abolition du servage ». Il passe les 30 dernières années de sa vie en Finlande, dans sa propriété des Pénates à Kuokkala. Il continue à y travailler, bien que moins intensément qu'avant. Il écrit des mémoires, dont une partie est publiée dans le livre de souvenir «Далёкое близкое» (Loin et proche). 
 
Korneï Ivanovitch Tchoukovski (Корне́й Ива́нович Чуко́вский),  (1882-1969) est un journaliste, poète, critique littéraire, traducteur et professeur de littérature russe, plutôt célèbre comme auteur de poèmes pour enfants, et père du fameux Docteur Aïbolit. Il a reçu le prix Lénine en 1962 pour ses études critiques sur Nikolaï Nekrassov.

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samedi 16 avril 2022

Candido Portinari (1902-1963) - Portrait de Celso Kelly à Rio de Janeiro


Candido Portinari (1902-1963), Portrait de Celso Kelly à Rio de Janeiro, Huile sur toile, 120 x 120cm Collection privée

Candido Portinari (1902-1963),
Portrait de Celso Kelly à Rio de Janeiro,
Huile sur toile, 120 x 120cm
Collection privée 

Le peintre brésilien Candido Portinari,  qui a réalisé plus de 6000 œuvres, est surtout célèbre pour ses immenses fresques Guerre et paix (1952-1956), conservées au siège des Nations-Unies à New York, inaugurées en 1957 mais en l'absence de l'artiste en raison de ses sympathies pour le Parti communiste, à une époque où les Etats-Unis étaient  marqués par le maccarthysme.

Celso Otavio do Prado Kelly  quant a lui est né à Niterói, Rio de Janeiro, le 6 juin 1906. Avocat diplômé de l'Université Fédérale de Rio de Janeiro (UFRJ) il fut un brillant intellectuel de son temps. C'est à lui que l'on dit la premiere exposition des oeuvre de Portinari en 1929 de même que la  biographie de ce peintre qui fit son ami. Kelly été critique de théâtre pour le journal de Rio de Janeiro "A Noite" pendant plusieurs décennies. Éducateur et homme de grande culture, il fut président du Pen Clube do Brasil entre 1956 et 1961, apportant au pays le XXXIe Congrès mondial du Pen Clube en 1960, qui se tint à Rio de Janeiro. Il est décédé à Rio de Janeiro en 1979 et a été honoré du nom de la Bibliothèque publique d'État située près de la gare centrale du Brésil.


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