Carel Fabritius (1622-1654), - Portrait d'un jeune homme portant un bonnet de fourrure et une armure

 

Carel Fabritius (1622-1654)
Portrait d'un jeune homme portant un bonnet de fourrure et une armure
(probablement un autoportrait), 1654
Huile sur toile 70,5 × 61,5 cm
National Gallery  London

 

Carel Fabritius est un peintre néerlandais (Provinces-unies) du siècle d’or.
Moins d’une vingtaine de ses œuvres ont été conservées, dont deux autoportraits actuellement au musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam et à la National Gallery de Londres(. Un troisième autoportrait, présumé, figure parmi les collections de l'Alte Pinakothek de Munich. Fabritius était sans nul doute doué de grands talents picturaux. Ses premières œuvres témoignent d’un très nette influence du style de Rembrandt. Aussi n’est-il n’est pas étonnant que beaucoup parmi celles-ci furent d’abord attribuées à ce dernier. Fabritius, cependant, parmi les élèves de Rembrandt, est l’un des rares qui soient parvenus au fil du temps à se dégager de son exemple : il abandonna les couleurs sombres et employa progressivement des teintes plus claires et plus chaleureuses. À côté de cela, il se préoccupa surtout de l’harmonie des couleurs et de la perspective. Ses dernières œuvres, à Delft, montrent une créativité et une recherche exceptionnelles. Il exerça alors une forte influence sur Johannes Vermeer, qui fut probablement son élève, et sur Pieter De Hooch, notamment en ce qui concerne la perspective et la composition ; cependant, c’est surtout son rendu de la lumière qui fascinèrent ces derniers. On ignore comment Fabritius en est arrivé à un changement de style aussi frappant. La force d’attraction de Delft y est sans doute pour beaucoup[: la ville inspira également d’autres peintres talentueux de cette époque, comme Gerard Terborch, Jan Steen et Paulus Potter.  La peinture de Carel Fabritius n'a été redécouverte qu'au 19e siècle par le travail du critique d'art Théophile Thoré-Bürger. 
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Pedro Berruguete ( 1450-1504) - Le prophète Ezechiel

Pedro Berruguete (1450-1504)
Le prophète Ezechiel, 1500
Huile sur panneau de bois rehaussé de feuille d'or.
Santa Eulalia, Paredes de Nava, Espagne

 Pedro Berruguete est un peintre espagnol. Francisco de Holanda le désigne comme l'un des quatre « Aigles » de la Renaissance espagnole, avec Diego de Siloé, Bartolomé Ordóñez et Pedro Machuca.  Pedro Berruguete est né en Castille et ses premières œuvres révèlent cette origine et son rattachement aux modes gothiques qui prédominaient dans l’art espagnol de l’époque. Son apprentissage artistique est dans une large mesure inconnu.  De 1474 à 1483, Pedro Berruguete se trouve dans la capitale de la Renaissance géométrique à Urbino dans les Marches, où il voit les œuvres de Piero della Francesca, Melozzo da Forlì, Luciano Laurana, il collabore avec Juste de Gand à la décoration du palais du duc Frédéric III de Montefeltre. Ce qui a pour conséquence que les oeuvres des deux artistes se confondent et ne permettent pas d’en distinguer les auteurs.  Il y peint en particulier un portrait de Frédéric de Montefeltre avec son fils Guidobaldo et un portrait du pape Sixte IV. De retour en Espagne, il devient peintre à la cour de Ferdinand II d'Aragon et d'Isabelle de Castille où il renoue avec la tradition de préciosité de la peinture espagnole et réalise des œuvres religieuses.  Selon Ceán Bermúdez Berruguete est documenté à Tolède en 1483, où il décore les murs de la chapelle du vieux tabernacle de la cathédrale Primada, bien que la documentation restante renvoie plutôt à l’année 1493. Sa dernière œuvre inachevée, le retable du maître-autel de la cathédrale d'Ávila montre néanmoins son intérêt pour l'Art de la Renaissance Urbinate avec sa maîtrise de la perspective et de la lumière. Il enseigna la sculpture et la peinture à son fils, Alonso (v. 1488-1561), qui deviendra peintre à la cour de Charles Quint.

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Sculpture antique anonyme - Tête d'athlète

 

Sculpture antique anonyme
Tête d'athlète. Marbre
Copie romaine du 2eme siècle d'après un original Grec de 460 avant JC
Musée d'art et d'Histoire, Vienne

 Faute d'acquérir des originaux, les riches Romains en décoraient  leur villas de copies des sculptures grecs les plus célèbres, attirant  ainsi dans la cité des artisans grecs assurés de crouler sous les commandes.Elles arrivaient quelquefois directement de Grèce par navires entiers  entretenant ainsi à  l'illusion qu'elle pourraient être vraies, une des trafics d'antiquités les plus florissants de l'ancien monde. 

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Henry Van der Weyde (1838-1924) - Portrait de Fridtjof Nansen

Henry Van der Weyde (1838-1924)
Portrait de Fridtjof Nansen, explorateur arctique
Photographie, 1897
Collection privée

Henry Van der Weyde (1838–1924) était un peintre et photographe anglais d'origine néerlandaise, surtout connu pour ses portraits photographiques de la fin du XIXe siècle. Il est considéré comme un pionnier photographique dans l'utilisation de la lumière électrique en photographie, ce qui lui a permis de réaliser de nombreux portraits en peu de temps. Né aux Pays-Bas, sa famille a émigré aux États-Unis puis n Angleterre en 1870. Il installe son studio photographique au 182 Regent Street à Londres en 1877, et commence à utiliser le logo "The Van der Weyde Light". En tant que membre fondateur de la Linked Ring Brotherhood, en 1892, il fait connaître son correcteur photo (Rectograph ) qui fit sensation dans le monde de la photographie.

Fridtjof Wedel-Jarlsberg Nansen, est un explorateur polaire, scientifique, homme d'État et diplomate norvégien.  Il acquiert une renommée internationale après avoir atteint un record de latitude nord de 86°13' lors de son expédition au pôle Nord de 1893 à 1896. Bien qu'il prenne sa retraite de l'exploration après son retour en Norvège, ses techniques et ses innovations dans la locomotion, l'équipement et les vêtements adaptés au milieu polaire ont influencé toute une série d'explorations ultérieures de l'Arctique et de l'Antarctique.
Connu comme l'un des plus éminents citoyens de son pays, Nansen s'est prononcé en 1905 pour la fin de l'union de la Norvège et de la Suède et contribua à persuader le prince Charles de Danemark — futur Haakon VII de Norvège — d'accepter le trône de l'État nouvellement indépendant. Entre 1906 et 1908, il sert comme représentant de la Norvège à Londres, où il aide à négocier le traité qui garantit l'intégrité du statut indépendant de la Norvège. Dans la dernière décennie de sa vie, Nansen se consacre essentiellement à la Société des Nations, après sa nomination en 1921 en tant que Haut-commissaire pour les réfugiés. En 1922, il reçoit le prix Nobel de la paix pour son travail au nom des victimes déplacées de la Première Guerre mondiale et des conflits liés. Parmi les initiatives qu'il introduit se trouve le « passeport Nansen » pour les apatrides, un certificat reconnu par plus de cinquante pays. Il travaille pour le compte des réfugiés jusqu'à sa mort soudaine en 1930, après que la Société eut établi l'Office international Nansen pour les réfugiés afin de s'assurer que ses travaux se poursuivent. Cet office reçoit le prix Nobel de la Paix en 1938. Nansen est honoré par de nombreuses nations et par de nombreux toponymes, en particulier dans les régions polaires.

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Austin Osman Spare (1886 - 1956) - Self Portrait

Austin Osman Spare (1886 - 1956)
Self Portrait, 1935.
V&A (Victoria and Albert Museum) 

Austin Osman Spare est le fils d'un policier de Londres. À l'âge de 13 ans, il quitte l'école afin de devenir l'apprenti d'un artisan vitrier, Powell. Durant ses jeunes années, sa fascination pour l'occulte grandit influençant fortement ses propres œuvres. En mai 1904, un de ses dessins est présenté et montré à l'exposition annuelle de la Royal Academy de Londres.
En octobre 1907, Spare expose ses dessins à la Bruton Gallery de Londres. Les critiques rapprochent alors ses œuvres de celles de Aubrey Beardsley, mais les images de Spare sont pleines de visages humains grotesques et sexuels et de symboles magiques. Ces éléments attirent les regards des éléments de l'avant-garde londonienne ainsi que d'Aleister Crowley. Il est initié en tant que Probationer de l'ordre de Crowley, l'Astrum Argentum (« Étoile d'Argent ») en juillet 1909, mais sans être jamais initié en tant que membre à part entière, bien qu'il ait contribué par ses œuvres aux publications de Crowley, et plus particulièrement à The Equinox, la revue magique de Crowley. Son nom magique était Yihoveaum. Plus tard, Crowley surnomme Spare un « Frère Noir » signifiant par là qu'il désapprouve son œuvre. Son iconoclasme, destiné à la propagande et au symbolisme de la magie cérémonielle, et son aversion du moralisme ainsi que son utilisation des sceaux distinguent son style personnel de la magie que son ami Kenneth Grant appelle Zos Kia Cultus. Spare dit plus tard avoir beaucoup appris d'une certaine Madame Paterson, une descendante d'une sorcière de Salem. Son œuvre The Focus of Life comprend un dessin au crayon de cette dernière.

En 1917, durant la Première Guerre mondiale, Spare est incorporé dans l'armée britannique, et sert comme médecin au sein du Royal Army Medical Corps dans les hôpitaux de Londres.  Bien que considéré comme un artiste de grand talent, Spare a vécu en reclus, et a été oublié à partir du milieu des années 1920. Spare a été l'un des créateurs, si ce n'est le créateur, de l'art magique des sigils (ou sceaux). Il a mis au point une technique basée sur l'intention magique et la création d'un sceau dans lequel l'intention est projetée par la volonté du magicien afin de produire des effets dans le monde réel.Les techniques magiques développées par Spare comprennent également la création d'un « alphabet du désir » qui sera, plus tard, adopté, adapté et popularisé par Peter J. Carroll dans son livre Liber Null & Psychonaut. Carroll et d'autres écrivains, comme Ray Sherwin, sont considérés comme les personnages clés dans l'émergence de la Magie du Chaos, qui utilise certaines des techniques développées par Spare.

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Davide Ghirlandaio (1452- 1525) - Portrait de jeune homme, 1490

Davide Ghirlandaio  (1452- 1525)
Portrait de jeune homme, 1490 

Tempera sur panneau de bois
Detroit Institute of Art 

David di Tommaso Curradi di Doffo Bigordi, dit Davide Ghirlandaio est un peintre italien, enlumineur, fresquiste et mosaïste. Il est le frère de Domenico Ghirlandaio, son cadet de trois ans. Davide Ghirlandaio travaille sur de nombreuses œuvres avec Domenico et reprend l'atelier familial à la mort de celui-ci en 1492, un atelier qu'a fréquenté Michel-Ange et où il forme son neveu Ridolfo del Ghirlandaio.

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William Blake (1757-1827) - Adam Naming the Beasts

William Blake (1757-1827)
Adam Naming the Beasts, 1810
Tempera on wood painting
Pollock House in Glasgow.

 

William Blake,  à la fois peintre et poète, est l'auteur d'une œuvre inspirée de visions bibliques à caractère prophétique qu'il réalise dans un style halluciné  et très  moderne qui le distingue notablement de ses contemporains,  bien que ses thèmes d'inspiration soient d'un grand classicisme.
William Blake fut longtemps considéré comme fou par ses contemporains aussi bien qu'après sa mort, en grande partie à cause des visions qu'il revendiquait avoir eues dès  son plus jeune âge . La première intervint dès l'âge de 4 ans quand il vit Dieu et qu'il en hurla de peur.
Vers 9 ans, il aurait vu à Londres un arbre empli d'anges aux ailes resplendissantes comme des étoiles. Plus tard, il vit également des figures angéliques parmi des fermiers. L'une de ses peintures est l'évocation de la vision du fantôme d'une puce (The Ghost of a Flea, 1819–1820).
Il était persuadé que ses œuvres lui étaient dictées par des archanges qu'ils se faisaient un devoir d'analyser et de critiquer par la suite.
En outre, il écrit dans une lettre de condoléance à William Hayley, datée du 6 mai 1800 :
« Je sais que nos amis décédés sont davantage avec nous que de leur vivant. Il y a treize ans j'ai perdu un frère avec l' esprit  duquel je m'entretiens quotidiennement de longues heures et que je peux voir en imagination. J'entends ses conseils et j'écris sous sa dictée»
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Andrea Mantegna (c. 1431 – 1506) - Portrait de vieil homme

 

Andrea Mantegna ( c. 1431 – 1506)
Portrait de vieil homme
Encre sur papier
Pinacothèque de Brera 

 

Un certain nombre de dessins de la main d'Andrea Mantegna ont été retrouvés : certains sont des scènes préparatoires à des compositions peintes, des esquisses donc, et d'autres non. Ceux-ci témoignent d'une précision de trait, d'une ligne assurée, d'une maîtrise parfaite des volumes, par l'emploi de l'encre et parfois du fusain. Leur statut pose problème dans la mesure où certains ont été interprétés en gravure, d'autres ont servi comme modèle préparatoire à des objets de décoration. 

Sa propre technique et celle de son ou ses collaborateurs se caractérisent par les formes puissamment marquées du dessin, et par les hachures de forme oblique pour marquer les ombres, l'utilisation des tailles parallèles et du zigzag, héritée de la manière large florentine et notamment de Pollaiuolo. 

On trouve souvent les épreuves en deux tirages différents. Pour le premier, les épreuves ont été réalisées au rouleau, ou même par pression manuelle, et elles sont faiblement teintées ; pour le second, a été employé la presse, et l'encre apparaît plus marquée sur le papier. Au moins six plaques de cuivre sont travaillées des deux côtés. La plupart des dessins originaux sont peut-être perdus à jamais, sauf Le Christ ressuscité entre saint André et Longin et La Descente aux limbes. Les épreuves qui nous sont parvenues, souvent tirées de plaques usées, regravées, ne permettent pas d’apprécier pleinement l’art du graveur. Quelques excellentes épreuves sont cependant conservées.

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Richard Gerstl (1883–1908) - Autoportrait demi-nu, 1904

Richard Gerstl (1883–1908)
Autoportrait demi nu (c. 1904-05)
Huile sur toile, 159 x 109 cm.
The Leopold Museum, Vienna 

 

Richard Gerstlest un peintre autrichien expressionniste. On ne lui connaît que 60 tableaux, dont la plupart sont exposés en Autriche. Né dans une riche famille bourgeoise, Richard Gerstl suit une scolarité difficile à Vienne à cause de ses problèmes disciplinaires. Il étudie à l'académie des beaux-arts de Vienne, mais son individualisme l'empêche de continuer dans cette institution.  Sa peinture est influencée par Gustav Klimt, Van Gogh et surtout Edvard Munch, qu'il peut étudier lors d'expositions viennoises. Il peint essentiellement des portraits et des paysages
Intéressé par la musique et la philosophie, il est en contact avec Gustav Mahler, et entretient, à partir de 1906, une grande amitié avec Arnold Schönberg, qu'il pousse à se mettre à la peinture. Dans le même temps, il a une relation amoureuse avec la femme de son ami, Mathilde Schönberg, sœur d'Alexander von Zemlinsky. Cette relation a une grande influence sur sa peinture qui devient moins précise et plus abstraite. Après que Schönberg ait découvert la relation adultérine durant l'été 1908, Gerstl menace de se donner la mort et le couple Schönberg décide de rester ensemble pour les enfants.
Gerstl finit par se pendre devant un miroir, à 25 ans, après avoir détruit des dossiers personnels et quelques peintures.
L'œuvre de Gerstl tomba alors en oubli et fut redécouverte 20 ans plus tard par le marchand d'art viennois Otto Kallir. La plus grande collection de Richard Gerstl est aujourd'hui en possession du musée Leopold.

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Rosalba Carriera 1675-1757) - Portrait de Philip Wharton, 1er Duc de Wharton

 

Rosalba Carriera 1675-1757) 
Portrait de Philip Wharton, 1er Duc de Wharton, 1720.
National Portrait Gallery, London 

Philip Wharton (1698–1731), 1er duc de Wharton, futun important homme politique jacobite, un libertin célèbre et l'un des premiers grands maîtres de la franc-maçonnerie. 
Fidèle à Jacques François Stuart, fils de Jacques II détrôné en 1688, il se dit Jacobite. Selon lui, ce prétendant est fidèle, comme l'était son père, aux principes Whig que trahissaient le libéral Robert Walpole et le nouveau monarque. Il s'oppose activement à Walpole en 1722, en particulier en finançant un périodique nommé « The True Briton». Il commence à accumuler les dettes, au point qu'il vend ses propriétés d'Irlande pour investir dans la South Sea Company. Quand celle-ci s'effondre dans le Krach de 1720, il perd la somme considérable de 120 000 £ et s'en amuse en organisant un simulacre de riches funérailles publiques pour la compagnie en faillite. En 1725, ne pouvant plus faire face à ses dettes, il quitte la Grande-Bretagne pour l'Espagne.  En 1730, totalement ruiné, banni hors de Madrid à la suite d'une rixe, il renonce à la cause jacobite et trouve refuge en compagnie de sa seconde épouse au Monastère de Poblet, Catalogne, où il meurt des conséquences de son alcoolisme le 31 mai 1731. Sa veuve retourne alors à Londres avec l'aide du prétendant et parvient à y faire valoir ses droits en 1736, s'assurant ainsi une vie confortable.
Membre de la loge maçonnique King's Arms de Londres, le duc de Wharton devient le sixième grand maître de la Grande Loge de Londres du 22 juin 1722 au 24 juin 1723. En 1724, après s'être brouillé avec elle, il aurait constitué les Gormogons, une  parodie  de la première Grande Loge d'Angleterre. Il est à l'origine de la création de la première loge d'Espagne: French Arms, située n°50 Calle de San Bernardo, à Madrid. Cette loge envoie une demande de reconnaissance à la Grande Loge de Londres qui y est reçue le 17 avril 1728. La même année 1728, les francs-maçons français décident de le reconnaître comme « grand maître des francs-maçons en France », à l'occasion de son séjour à Paris et à Lyon de 1728 à 1729. Les jacobites James Hector MacLean (1703-1750) puis Charles Radclyffe, comte de Derwentwater (1693-1746), lui succèdent. Sa nomination à la tête des francs-maçons de France, antérieure à la transformation de la « Grande Loge de Londres et de Wesminster4 » en « Grande Loge d'Angleterre » en 1738, est considéré par une partie des historiens comme le point de départ d'une franc-maçonnerie française indépendante de celle de Grande-Bretagne.

Rosalba Giovanna Carriera,  est une peintre vénitienne qui lança la mode du pastel en France lors de son passage à Paris en 1720. Elle fut  aussi l’une des premières miniaturistes européennes dès 1698, en décorant des  tabatières  alors très à la mode, de sujets galants. Sa véritable notoriété naît des portraits au pastel auxquels elle se consacre exclusivement à partir de 1708. Et lorsqu'on regarde ces pastels , on comprends leur succès  ! Ses pastels, précédés de croquis à la plume ou à la pierre, furent très largement connus. Le 26 octobre 1720, elle est reçue à l'Académie royale de peinture, sur présentation d'un portrait du roi Louis XV au pastel, confirmée le 9 novembre 1720.  "La Rosalba" ,  comme on l'appelait à Paris ,sa mère et sa sœur Giovanna, descendirent chez Crozat, dont l’hôtel était situé rue de Richelieu. À peine installée, l’artiste, spécialiste de portraits de la noblesse européenne de son époque, fut accablée de visites, et, pour ainsi dire, persécutée par les plus grandes dames et par les principaux seigneurs de la cour : tous voulaient leurs portraits de sa main. Elle fit ceux du jeune roi Louis XV, du Régent, de Mesdames ; de Law, de sa femme et de sa fille, des princesses de Conti, de la duchesse de Clermont... et de beaucoup d’autres. Ses dons séduisent l'Europe entière, de Venise - où vivaient alors la majorité de ses mécènes - à Paris, de Dresde à Londres.
Son activité diminua à partir de 1747, quand elle commença à être atteinte de cécité. ____________________________________________
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Rudolf Swoboda (1859-1914) - Sir Pratap Singh of Idar (1845-1922)

Rudolf Swoboda (1859-1914)
Sir Pratap Singh of Idar (1845-1922)
Huile sut toile, 57.2 x 39.5 cm, 1888
The Royal Trust Collection

Sir Pratap Singh, était un officier de l'armée indienne britannique, maharajah de l'État princier d'Idar (Gujarat), administrateur et régent de Jodhpur et héritier d'Ahmednagar rebaptisé plus tard Himmatnagar de 1902 à 1911.
Il se rendit très souvent en Europe et était proche de la reine Victoria et de sa famille, servant comme aide de camp d'Edouard VII de 1887 à 1910. Il était particulièrement proche de son fils, le futur George V. Toujours à la tête de ses regiments, même à  l'âge de 70 ans, Sir Pratap les commanda pendant la Première Guerre mondiale en France et en Flandres de 1914 à 1915 puis pendant le mandat palestinien à Haïfa et à Alep. Il a dirigé les Jodhpur Lancers, une unité de cavalerie, en France. Il fut promu lieutenant-général en 1916 En 1911, Pratap abdiqua le gadi (trône) d'Idar en faveur de son fils adoptif et neveu, Daulat Singh. Après  une dernière mission n tant que régent de Jodhpur, Sir Pratap Singh mourut à Jodhpur le 4 septembre 1922.

Rudolf Swoboda Jr. est un artiste peintre autrichien, qui connut une popularité certaine en tant que peintre orientaliste. En 1886, la reine Victoria, Reine d'Angleterre et Impératrice des Indes, lui commanda une peinture d’un groupe d’artisans indiens qu'elle avait invités à Windsor à l’occasion du Golden Jubilee. La reine apprécia tellement le travail de Swoboda, qu’elle lui paya le voyage en Inde pour qu’il réalise des portraits de ses habitants.
En Inde, Swoboda rencontra Rudyard Kipling, lequel écrivit une lettre apparemment très critique sur lui l'accusant de "ne rechercher que le pittoresque et de ne choisir pour que des personnages caricaturaux de l'Inde" . C'est ignoré que la Reine Victoria avait laissé des instructions très directives à Swoboda : "Les croquis que Sa Majesté souhaite avoir - représenteront les différents types de nationalités qui composent les Indes. Ils devront être constitués de têtes de même taille que celles déjà réalisées pour La Reine, ainsi que de petits portraits en pieds. Sa Majesté ne souhaite pas que les images soient trop grandes, et vous propose plutôt de rapporter des croquis d'apres lesquels vous peindrez vos tableaux apres votre retour. "
Lorsque la reine Victoria reçut les peintures, elle en fut très satisfaite et les considéra comme , "de si belles têtes… de belles choses". Swoboda travailla ensuite pour la reine pendant onze ans, produisant plus de 40 portraits de ses sujets du sud-asiatiques, (dont celui ci dessus) qui sont conservés aujourd'hui à Osborne House.et dans les collections du Royal Trust.

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Rembrandt (1607-1669) - Homme en costume oriental, 1635

Rembrandt (1607-1669)
Homme en costume oriental, 1635
Huile sur panneau de chêne (72 x 54,5 cm)
Rijksmuseum, Amsterdam.

Ici avec la lumière de manière singulière. Il inonde le turban de l'homme et le côté droit de son visage comme un projecteur puissant. Le côté gauche reste dans l'ombre. De telles têtes ressemblant à des personnages - et non des portraits - étaient populaires au 17ème siècle. Appelés «tronies turcs», ils ont été largement copiés et imités dès le début. 

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Robert Mapplethorpe (1946-1989) - Donald Cann

Robert Mapplethorpe (1946-1989)
Donald  Cann

Robert Mapplethorpe est un photographe américain connu pour ses portraits en noir et blanc très stylisés, ses photos de fleurs et ses nus masculins. Le caractère pornographique des œuvres du milieu de sa carrière a déclenché des polémiques sur le financement public de l'art aux États-Unis.

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Sculpture antique anonyme - Tête de Lucius Aelius

 Sculpture antique anonyme
Tête de Lucius Aelius Verus (101-138)
Marbre, Rome Impériale

Lucius Aelius, souvent connu comme Lucius Aelius Verus est né  sous le nom de Lucius Ceionius Commodus, et mort comme étant Lucius Aelius Caesar, est un sénateur romain. Il devient le fils adoptif et héritier de l'empereur Hadrien, mais il décède quelques mois avant l'empereur. Il est le père de Lucius Aurelius Verus, adopté par Antonin le Pieux et qui devient empereur romain de 161 à 169.
Dans son livre Mémoires d'Hadrien, Marguerite Yourcenar en fait un personnage important, allant même jusqu'à insinuer qu'Aelius est un ancien amant de l'empereur. Dans ce même livre, Marguerite Yourcenar affirme qu'Aelius meurt de "phtisie", c'est-à-dire de tuberculose. 

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Jean Jacoby (1891-1936) - Corner

Jean Jacoby (1891-1936)
Corner, 1928
Collection privée

Jean-Lucien Nicolas Jacoby est un artiste luxembourgeois. A une époque ou l'art faisait partie des disciplines qui concourrait aux Jeux Olympique, il remporta deux médailles d'or olympiques aux compétitions artistiques aux Jeux olympiques en 1924 pour sa peinture Étude de sport et une autre en 1928 pour son dessin Rugby. Cela fait de lui l'artiste olympique le plus titré de tous les temps.
Jacoby a souvent représenté le sport dans ses œuvres, par exemple dans le cadre des timbres-poste luxembourgeois pour les Jeux olympiques d'été de 1952.
Après avoir passé sa jeunesse à Molsheim en Alsace, Jean Jacoby étudie l'art à l'École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. Il fut ensuite professeur de dessin de 1912 à 1918 à l'école Lewin-Funcke de Berlin, puis travailla à Wiesbaden, avant de reprendre le département d'art d'une imprimerie à Strasbourg.
Il est devenu internationalement connu quand, en 1923, il a remporté le Concours français de l'Auto avec son dessin Hurdle runner, battant 4 000 autres participants. De 1926 à 1934, il travaille comme illustrateur et directeur artistique pour deux journaux de l'Ullstein-Verlag, le Berliner Illustrierte et le Grüne Post. Il a également fondé un guide des programmes de radio pour toute l'Allemagne, appelé Sieben Tage.
En 1934, il s'installe à Mulhouse, où il meurt en 1936 d'une crise cardiaque.
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Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564) - Tête d' homme barbu en train de hurler

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564)
Tête d'homme barbu en train de hurler
Sanguine sur papier
Ashmolean Museum, University of Oxford

" La perfection du dessin (clef de l’expression picturale) vous est si familière que vous voyez dans la représentation du corps humain la fin de l’art, c’est-à-dire dans ce qu’il a de particulièrement inaccessible », écrivait le dramaturge Pierre l’Arétin au sujet du « divin » Michel-Ange.
Selon Carmen Bambach, conservatrice des dessins et estampes au Metropolitan Museum of Art :
« Michel-Ange était un puissant dessinateur. Quand il dessinait, c’était avec son œil et sa compréhension de la sculpture. On retrouve parfois chez lui une certaine brutalité parce qu’il voulait repousser certaines idées »

Nils von Dardel (1888-1943) - Jacques Hébertot et ses chats

 

Nils von Dardel (1888-1943)
Jacques Hébertot  et ses chats, 1914
Liljevalchs Konsthall

 
Le peintre suédois Dardel voyageait beaucoup et a toujours vécu une vie nomade sans vraiment jamais s'installer quelque part. Un grand nombre de ses portraits et de ses paysages reflètent ses déplacements. Il était souvent sujet à des crises d'auto-dépréciation, que le peu de succès qu'il rencontra dans son pays de son vivant accentuait quelquefois jusqu'à la dépression. Il fallut attendre les années 1950, pour que le Liljevalchs Konsthall organise une rétrospective, de son oeuvre et pour que le public commence à s'y s'intéresser.
Après avoir habité trois ans à Paris, Dardel et Rolf de Maré tissent des liens d'amitié... et même plus. Maré fonda un peu plus tard à Paris Les Ballets Suédois qui rencontrèrent un grand succès entre 1920 et 1925. Maré devint alors une sorte de mécène pour Dardel et ce dernier lui fournit l'inspiration pour ses ballets. Au début des années 1920, Dardel travailla beaucoup sur des compositions inspirées de drames ou de films et créa des décors pour le théâtre ou le cinéma.
A côté de son propre style très étrange et très personnel, immédiatement reconnaissable, il explora aussi le pointillisme, avec des couleurs fortes et des motifs clairs.
Ses dessins assez académiques à première vue (cf. ci-dessus) comportent toujours des éléments qui interrogent comme ci dessus la grosseur disproportionnée des poings serrés du modèle. par exemple. 

Ce portrait de Jacques Hebertot  a été peint Alors qu'il était  journaliste à Gil Blas, peu de temps avant  d'être mobilisé en août 1914. Affecté au 81e régiment d'artillerie lourde - 5e groupe, il est maréchal des logis. Chargé de commander les convois de munitions sur des routes bombardées et mitraillées par les avions ennemis, jusqu'aux batteries de son groupe. Il se manifeste sur la Somme, en Champagne et à Verdun. Son courage au feu lui vaut d'être cité à l'ordre du régiment le 15 septembre 1917. Immatriculé sous le numéro 012195, il est décoré de la Croix de Guerre. Durant toute sa période sur le front, il écrit ses carnets de guerre, notes diverses, articles pour le journal Le Matin, réflexions politiques, description des horreurs de la guerre et des poèmes...

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David Park (1911-1960) - Man in a T-Shirt

David Park (1911-1960)
Man in a T-Shirt, 1958
Huile sur toile, 151.8 × 126.4 cm
SFMoMA (San Francisco Museum of Modern Art)

David Park est un peintre américain, membre fondateur du mouvement figuratif de la Baie de San Francisco, connu pour ses portraits aux couleurs intenses et à la peinture épaisse. Park déménage à Los Angeles en 1928 pour étudier à l’Otis Art Institute pendant un an avant d’abandonner. Il enseigne ensuite au San Francisco Art Institute pendant de nombreuses années et rencontre les peintres Richard Diebenkorn et Elmer Bischoff, avec qui il devient ami.
David Park va se lancer dans la peinture figurative de 1950 à la fin de la décennie. C'est à ce moment-là qu'il apprend être atteint d'un cancer.
Travaillant essentiellement de mémoire, il peint d'abord ce qu'il voit, les enfants qui jouent dans la rue, les musiciens, ses copains, les gens chez eux. Plus tard, il se lance dans de plus classiques nus, des baigneuses, mais dans un style monumental. Lorsque la maladie l'empêche de peindre à l'huile, il continue de travailler à l'aquarelle jusqu'au dernier moment. Il meurt en 1960.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Homme assis sur un rocher

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Homme assis sur un rocher, c.1973
Collection privée 

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une vertiable icône de "l'art gay"

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Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) - Jeune étudiant dessinant

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779)
Un Jeune étudiant dessinant (c. 1738),
Huile sur panneau, 21 x 17.1 cm
Kimbell Art Museum.

Adaptant au goût français les sujets des tableaux de cabinet hollandais et des natures mortes du siècle précédent,Chardin. élève ces genres au plus haut niveau. Ses œuvres sont exceptionnelles dans leur représentation sensible de l'expérience quotidienne et de la réalité observée. Peu d'artistes ont jamais égalé la subtilité de sa vision ou la sensibilité de sa technique.
Bien que de petite taille,  " Un Jeune étudiant dessinant "était l'une des œuvres les plus célèbres de Chardin. Le fait qu'il soit revenu  à plusieurs reprises sur ce tableau  sur une période de vingt ans, peignant pas moins de douze versions, indique la popularité du sujet et son importance pour lui.

La netteté de la surface de peinture à la texture unique de Chardin est magnifiquement préservée dans cette œuvre. L'artiste a ajouté de la consistance à sa peinture en y adjoignant de la craie pour gonfler la matière. L'artiste gardait jalousement le secret sur ses méthodes de travail et n'avait ni élèves ni disciples pour observer et prendre des notes sur sa technique. Le coup de pinceau rugueux et empâté de ce panneau masque le fait qu'il est peint sur une image antérieure. Une composition horizontale d'une femme assise de profil se distingue à peine sur la radiographie. Chardin a conçu ce tableau comme l'un d'une paire. Son pendant, La Brodeuse, aujourd'hui à Stockholm, montre une femme assise de profil. 

 Il est peut-être ironique que Chardin représente un jeune dessinateur puisqu'il a lui-même travaillé directement d'après nature, renonçant au processus intermédiaire d'un dessin préparatoire. Néanmoins, Chardin se rappelle comment, jeune apprenti, il a passé cinq ou six ans à dessiner d'après modèle. 

Selon une étiquette  conservée au dos du panneau, cette œuvre a été acquise à Paris en 1848 par Isambard Kingdom Brunel, le célèbre ingénieur franco-britannique et concepteur de ponts.

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Vlaho Bukovac (1855-1922) - Portrait de Gustav Pongratz.

 

Vlaho Bukovac (1855-1922) ,
Portrait de Gustav Pongratz. 1893
Private Collection Zagreb

Le peintre croate Vlaho Bukovac a été formé à l'école des Beaux-Arts de Paris avec Alexandre Cabanel, et exposa au Salon des artistes français. Médaille de bronze de l'Exposition universelle de Paris de 1889, il retourne dans son pays en 1893, et enseigne à l'Académie des beaux-arts de Prague.

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Sebastiano del Piombo (1485-1547) - Anton Francesco degli Albizzi (c. 1525-26)

Sebastiano del Piombo (1485-1547)
Anton Francesco degli Albizzi (c. 1525-26)
Huile sur toile 147.3 x 98.8 cm
The Houston Museum of Fine Arts (Samuel H. Kress Collection).

Ce portrait représente Anton Francesco degli Albizzi (1486-1537), une personnalité politique qui a participé à l'établissement de la République florentine. Il a été décrit comme autoritaire, hautain et passablement agité et a été décapité pour trahison par Cosimo I de Medici, grand-duc de Toscane.
La grandeur rhétorique dont Sebastiano del Piombo a imprégné le portrait montre pourquoi il est considéré comme l'une des figures majeures de la peinture de la Haute Renaissance. Selon le célèbre biographe du XVIe siècle Giorgio Vasari, Sebastiano s'est formé avec le peintre de la Renaissance Giovanni Bellini à Venise et a également été influencé par le peintre de la Renaissance Giorgione. En 1511, Sebastiano se rendit à Rome, où il noua à la fois une amitié et une relation professionnelle avec Michel-Ange, sous la direction duquel Sebastiano développa un style personnel distinctif, puissant et original. Vasari a fait l'éloge de ce travail particulier, écrivant que l'artiste l'a fait apparaître "non peint mais vraiment vivant... La tête et les mains du portrait étaient des choses vraiment merveilleuses, sans parler de la belle exécution des velours, des doublures , les satins, et toutes les autres parties de l'image. . . toute Florence fut émerveillée par ce portrait d'Anton Francesco."

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Annibale Carracci (1560-1609) (attribué à) - Autoportrait à l'âge de 20 ans

Annibale Carracci (1560-1609) (attribué à)
Autoportrait à l'âge de 20 ans
Collection privée 

 

La grande œuvre d'Annibale Carracci (dit aussi Le Carrache) à Rome est un travail à fresque, exécuté pour le décor du Camerino et de la galerie du palais Farnese. La plupart des historiens d'art estiment que cette galerie pose réellement le premier jalon de la peinture moderne.
L'iconographie de cette galerie est inhabituelle au regard des règles de l'époque. En effet dans ce lieu d’honneur des demeures romaines, qu'est la galerie, on décore habituellement les plafonds par de grands moments de la famille, ou des légendes héroïque. Rien de tout cela dans le Palazzo Farnese dont le propriétaire est alors un cardinal, mais un thème totalement décalé, en l'occurrence : le pouvoir universel de l'amour. Une des interprétations de cette iconographie la lie au mariage entre le duc de Parme et Marguerite Aldobrandini en 1600, mais d'autres interprétations ont cours.
Plusieurs références peuvent être identifiées, comme Michel-Ange (Chapelle Sixtine) pour la monumentalité et Raphaël (Villa Farnesina) pour la grâce des nus féminins. De nombreux procédés illusionnistes, comme la « quadratura » (système proprement Bolonais, prolongeant l’espace réel par un espace fictif dans les angles), ou le « quadririportati » (« tableaux rapportés », avec un cadre, donnant l’impression de toiles de chevalet accrochées) sont utilisées. De même, bien que tout soit entièrement peint, des Hermès et des Atlantes donnent l'illusion de stucs, des médaillons évoquent des bronzes, et l'accumulation d’éléments sur les parois comme les sculptures antiques situées dans des niches participent encore de l'illusion…
La bacchanale qui constitue le tableau central montre clairement plusieurs sources d'inspiration, telles que la Bacchanale de Titien, les Noces de Psyché de Raphaël et des sarcophages antiques (qualités sculpturales, frise, fluidité, jeu de contraposto). On y note la présence d’humour et de sarcasme, comme dans les léopards un peu ridicules, et une complexité savante. Cette galerie inspirera fortement de nombreux peintres dont Poussin et Rubens.
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Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914) - Sikander Mallik

Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914)
Sikander Mallik, 1886-88
The Royal Trust collection, London

Rudolf Swoboda Jr. est un artiste peintre autrichien, qui connut une popularité certaine en tant que peintre orientaliste. En 1886, la reine Victoria, Reine d'Angleterre et Impératrice des Indes, lui commanda une peinture d’un groupe d’artisans indiens qu'elle avait invités à Windsor à l’occasion du Golden Jubilee. La reine apprécia tellement le travail de Swoboda, qu’elle lui paya le voyage en Inde pour qu’il réalise des portraits de ses habitants.
En Inde, Swoboda rencontra Rudyard Kipling, lequel écrivit une lettre apparemment très critique sur lui l'accusant de "ne rechercher que le pittoresque et de ne choisir pour que des personnages caricaturaux de l'Inde" . C'est ignoré que la Reine Victoria avait laissé des instructions très directives à Swoboda : "Les croquis que Sa Majesté souhaite avoir - représenteront les différents types de nationalités qui composent les Indes. Ils devront être constitués de têtes de même taille que celles déjà réalisées pour La Reine, ainsi que de petits portraits en pieds. Sa Majesté ne souhaite pas que les images soient trop grandes, et vous propose plutôt de rapporter des croquis d'apres lesquels vous peindrez vos tableaux apres votre retour. "
Lorsque la reine Victoria reçut les peintures, elle en fut très satisfaite et les considéra comme , "de si belles têtes… de belles choses". Swoboda travailla ensuite pour la reine pendant onze ans, produisant plus de 40 portraits de ses sujets du sud-asiatiques, (dont celui ci dessus) qui sont conservés aujourd'hui à Osborne House.et dans les collections du Royal Trust.

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Raphaël /Rafaello Sanzio (1443-1520 ) - Etude de tête d'ange

Raphaël /Rafaello Sanzio (1443-1520),
Etude pour une ange de la fresque " Héiodore chassé du temple"
Musée du Louvre, Paris 

Raphael est sans aucune doute l'un des meilleurs dessinateurs de l'histoire de l'art occidental et utilise beaucoup le dessin pour organiser ses compositions. Selon un quasi-contemporain, lorsqu'il commence à élaborer une composition, il dispose un grand nombre de ses dessins sur le sol, et dessine « rapidement », empruntant des figures ici et là. Plus de quarante esquisses ont survécu pour la Dispute dans la Chambre de la Signature, et il y en a peut-être eu beaucoup d'autres à l'origine ; au total, plus de quatre cents feuilles nous sont parvenues. Il utilise différent dessins pour affiner ses poses et compositions, apparemment plus que la plupart des autres peintres, à en juger par le nombre de variantes qui survivent : « . . . C'est ainsi que Raphaël lui-même, qui était si riche en inventivité, avait l'habitude de travailler, en proposant toujours quatre ou six façons de montrer un récit, chacune différente des autres, et toutes pleines de grâce et bien faites. » a écrit un autre écrivain après sa mort. Pour John Shearman, l'art de Raphael marque « un déplacement des ressources de la production vers la recherche et le développement » Lorsqu'une composition est finalement réalisée, des cartons à grande échelle à la taille réelle sont souvent réalisés, qui sont ensuite piqués avec une épingle et « sautés » avec un sac de suie pour laisser des lignes pointillées sur la surface comme un guide. Il fait également un usage inhabituellement important, tant sur papier que sur plâtre, d'un « stylet aveugle », grattant des lignes qui ne laissent qu'une empreinte, mais aucune marque. Celles-ci sont visibles sur le mur de l'École d'Athènes et dans les originaux de nombreux dessins. Les Cartons de Raphaël, en tant que motifs de tapisserie, sont entièrement colorés dans un médium à la détrempe, avant d'être envoyés à Bruxelles, pour être suivis par les tisserands.

Dans les œuvres ultérieures peintes par l'atelier, les dessins sont souvent plus attrayants que les peintures. La plupart des dessins de Raphaël sont plutôt précis - même les esquisses initiales sont soigneusement dessinées -, et les dessins de travail ultérieurs présentent souvent un haut degré de finition, avec des ombres et parfois des surbrillances en blanc. Ils manquent de la liberté et de l'énergie de certains des croquis de Léonard de Vinci et de Michel-Ange, mais sont presque toujours très satisfaisants d'un point de vue esthétique. Il est l'un des derniers artistes à utiliser largement la pointe d'argent (littéralement une pièce pointue en argent ou d'un autre métal), bien qu'il fasse également un excellent usage du médium plus libre de la craie rouge ou noire. Dans ses dernières années, il est l'un des premiers artistes à utiliser des modèles féminins pour les dessins préparatoires - les élèves masculins (« garzoni ») étaient normalement utilisés pour les études des deux sexes.
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Peinture chinoise anonyme - Portrait de Ho Bun / 何斌

Peinture chinoise anonyme
Portrait de Ho Bun / 何斌   (c.1590-1610)
Musée de Nankin, Chine. 

Ho Bun (何斌),  était un érudit-officiel pendant la période  Ming. Ce portrait est l'un des nombreux portraits Ming tardifs inclus dans l'Album des portraits du peuple Ming (明人肖像冊). 

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Piet Mondrian (1872–1944) - Autoportrait

Piet Mondrian (1872–1944)
Autoportrait
Collection privée

Malgré l'opposition farouche de son père à le laisser s'inscrire aux Beaux arts, Piet Mondrian  a déjà été initié par son oncle à la peinture de plein air, une innovation dans les années 1880, héritage de Johan Barthold Jongkind et de l'Ecole de La Haye. Plus généralement après 1900, les tableaux de Mondrian cherchent à faire voir des idées, et semblent proche du mouvement symboliste.
Connu pour être un des pionniers de l'abstraction, il écrit dès janvier 1914 écrit : « Je construis des lignes et des combinaisons de couleurs sur des surfaces planes afin d'exprimer, avec la plus grande conscience, une beauté générale. La nature (ou ce que je vois) m'inspire, me met, comme tout peintre, dans un état émotionnel qui me pousse à créer quelque chose, mais je veux rester aussi près que possible de la vérité et à tout extraire, jusqu'à ce que j'atteigne au fondement (qui ne demeure qu'un fondement extérieur !) des choses […]. Je crois qu'il est possible, grâce à des lignes horizontales et verticales construites en pleine conscience, mais sans ‘‘calcul’’, suggérées par une intuition aigüe et nées de l'harmonie et du rythme, que ces formes fondamentales de la beauté, complétées au besoin par d'autres lignes droites ou courbes, puissent produire une œuvre d'art aussi puissante que vraie »

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Art Egyptien - IVe Dynastie - Tête du Roi Menkaouré ou Mykérinos

IVe Dynastie (2613–2494  av.J.C.)
Tête du Roi Menkaouré  ou Mykérinos (2532–2503 av. J.C.)
Sculpture en travertin, 29.2 x 19.6 x 21.9 cm.
The Boston Museum of Fine Arts.

La IVe dynastie de l'Ancien Empire d'Égypte est la dynastie qui a laissé les plus célèbres de tous les monuments égyptiens : les pyramides de Gizeh et le Sphinx.
Elle couvre une période allant d'environ -2670 à -24501, est fondée par Mérésânkh et débute sous le règne de Snéfrou le fils de cette dernière, père de Khéops.
La construction des pyramides serait devenue une nécessité économique, occupant les paysans pendant la crue du Nil, et politique, induisant la création du premier État centralisé. Sous Snéfrou, à la pyramide de Meïdoum, abandonnée en cours de construction à la suite de son effondrement, succède la construction de celles de Dahchour, (rhomboïdale et rouge). Des papyrus datant du règne de Khéops, dont le journal de bord d'un inspecteur nommé Merer qui approvisionnait en pierre le chantier de la pyramide, ont été découverts par Pierre Tallet au Ouadi el-Jarf en 2013.
Le « style memphite » se distingue par un classicisme altier qui se manifeste dans l'harmonie des lignes droites et de larges masses symétriques.
C'est durant cette dynastie qu'officie Peseshet, première femme médecin connue au monde.
Sur le site de Gizeh, on érige les pyramides des trois reines de la dynastie.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Torero. Etude pour "Le Tricorne"

Pablo Picasso (1881-1973),
Torero. Etude pour "Le Tricorne"
Gouache, 1919
Collection privée

Une étude à mi-chemin entre l'arlequin, figure emblématique de l'oeuvre de Picasso au début du 20e siècle et le Torero.

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Michele Gordigiani (1835-1909) - Portrait d'Alfredo Muller

 

Michele Gordigiani (1835-1909)
Portrait d'Alfredo Muller en compagnie Eduardo Gordigiani et Egisto Paolo Fabbri
Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Roma

Michele Gordigiani (1835 -1909), est un artiste peintre italien connu pour ses portraits. Michele Gordigiani est le fils de Luigi Gordigiani, un célèbre musicien florentin. Il étudie d'abord à l'Académie de Florence sous Giuseppe Bezzuoli, puis chez Luigi Norcini et Silvestro Lega ; il a également travaillé dans les ateliers de Luigi Mussini et Adolph Sturler. En 1855, il fréquente le Caffè Michelangiolo avec son frère Anatolio, où il rencontre de nombreux peintres du mouvement Macchiaioli.  Il est invité à Paris, en 1860, par son amie Virginia Oldoini, comtesse de Castiglione dont il fait un portait devenu célèbre. Il était très recherché en tant que portraitiste, et parmi ses sujets figurent le roi Victor-Emmanuel II, sa belle-fille, la reine Margherita et le comte de Cavour. En 1867, à Londres, il peint les portraits de la reine Victoria et de son époux, le prince Albert.  Parmi ses élèves figuraient Fosco Tricca, Francesca Magliani, Pompeo Massani et Alfredo Müller dont il peint le portrait ci dessus devant un chevallet en 1895.

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Nils Gustav Wentzel (1849 -1927) Les Joueurs d'échecs

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Nils Gustav Wentzel (1849 -1927)
Les Joueurs d'échecs, 1886
Collection privée

Cet artiste descend d'une famille de verriers de Bohème installée en Norvège en 1750. Il étudie à l'Ecole d'Art de Knud Bergslien (1879-81) et à l'École Royale de Christiania. En 1883, il est élève de Frits Thaulow, qui l’initie à la peinture de plein air. Wentzel fait un court séjour à Paris la même année et y séjourne de nouveau en 1884 en qualité d’élève de William Bouguereau, à l'Académie Julian.  En 1888-89, Wentzel étudie avec Alfred Roll et Léon Bonnat à l'Académie Colarossi. Pendant cette période, il peint principalement des intérieurs, des figures. Ses sujets sont la bourgeoisie urbaine et les artisans dans leurs intérieurs et les studios d’artistes. Ses premières peintures comme le Petit-déjeuner I (1882), possèdent un rendu méticuleux de détail sans égal dans le naturalisme norvégien. Le travail de Wentzel adopte progressivement l’influence de la peinture française contemporaine avec une observation subtile des effets de lumière et d’atmosphère sur la couleur, comme Le Jour d’après (1883) et Petit-déjeuner II (1885). Les scènes de campagne norvégienne sont devenues plus fréquentes, comme Vieux (1888). La Danse à Setesdal (1891) représente une note plus romantique de son travail, qui prédomine au début des années 1890. Plus tard, il préfère exécuter des paysages de neige, des scènes rurales avec sujets, bien qu'il n'ait pas entretenu cette norme dans son précédent travail.

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Achille Zo (1826-1901)- La Pelote Basque à Pasajes de San Juan

Achille Zo (1826-1901)
La Pelote Basque à Pasajes de San Juan
Huile sur toile 95 x 130 cm
Collection privée

Henri-Achille Zo est d'abord l'élève de son père Achille Zo, qui dirigeait l'Ecole des beaux-arts de Bordeaux, puis est admis en 1894 dans les ateliers des peintres Léon Bonnat et Albert Maignan à l'École des beaux-arts de Paris. Avec son père, qui fut le co-initiateur de l'Ecole de Bayonne, il partage une thématique commune : des scènes d'Espagne et de tauromachies. Il obtient une médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1900 et l’État lui octroie une bourse de voyage en 1901. Il expose au Salon des artistes français à partir de 1897 et remporte le prix national en 1905. Il expose régulièrement des oeuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1896 à 1934. Il travaille à Paris aux peintures du théâtre national de l'Opéra-Comique, à celles de la chapelle Notre-Dame-de-Consolation construite en hommage aux victimes de l'incendie du Bazar de la Charité, et devient professeur à l'Académie Julian à Paris. En 1903, il reçoit le prix Rosa Bonheur, puis le prix Trémont décerné par l'Institut. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1910, sous le parrainage de son maître Léon Bonnat. Il a illustré le Ramuntcho de Pierre Loti et les Nouvelles Impressions d'Afrique de Raymond Roussel (1932).

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Alexander Deïneka (1899-1969) - Joueurs de football

 

Alexander Deïneka (1899-1969)
Joueurs de football
Aquarelle, 1965
Collection privée 

Alexandre Alexandrovitch Deïneka (Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка) est un peintre, graphiste et sculpteur soviétique. Membre fondateur des groupes Ost (Être) et Octobre, il réalisa la première grande œuvre historique révolutionnaire en 1928 : La Défense de Petrograd.
Vers 1931, il devient membre de l'Association des artistes prolétariens (AKhRR).
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il réalise des peintures monumentales et dramatiques, dont Banlieue de Moscou. Novembre 1941 constitue la première œuvre. Il parvient à transmettre une grande souffrance à travers son travail (Le Village brûlé, 1942), autant que l'enthousiasme héroïque (La Défense de Sébastopol, 1942).
Après la guerre, il continue de peindre et reprend son travail de mosaïque, notamment pour le palais des congrès du Kremlin.
Pour Les Joueurs de hockey (1960), il est récompensé du prix Lénine en 1964.
Certaines de ses oeuvres, notamment ses représentations de sportifs ou de soldats, comme dans Après la Bataille , sont d'une étonnante liberté et légèreté malgré le contexte répressif de l'URSS.

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Ubaldo Gandolfi (1728-1781) - Caïn et Abel

Ubaldo Gandolfi (1728-1781)
Caïn et Abel
Museo Civicci Reggio Emilia

Ubaldo Gandolfi est un peintre italien du baroque tardif, appartenant à l'école bolonaise.
Avec son frère Gaetano, Ubaldo Gandolfi fait partie d'une famille d'artistes prolifiques : ses fils Giovanni Battista et Ubaldo Lorenzo, et ses neveux Mauro, Democrito (élève d'Antonio Canova) et sa nièce Clementina furent les derniers représentants de la peinture bolonaise, née deux siècles après les Carracci.
Il a pient des toiles à sujets mythologiques du Palazzo Marescalchi à Bologne, dont deux sont conservées aujourd'hui aux États-Unis, au Museum of North Carolina. Il a laissé de nombreux dessins et sanguines conservées en Italie ou au MET à New York
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Winslow Homer (1836-1910) - Shark Fishing

 

Winslow Homer (1836-1910),
Shark Fishing
Watercolour, 1885
Private collection 

 

Le peintre américain Winslow Homer (1836-1910) est surtout connu aujourd'hui pour ses marines. Bien qu'en grande partie autodidacte, il est considéré comme étant l'un des peintres majeurs du 19e siècle américain et l'une des figures principales du réalisme américain.
Né à Boston, il entre d'abord dans un atelier de lithographie de sa ville natale en tant qu'apprenti. C'est en 1859 qu'il commence sa carrière de peintre à New York, en ouvrant son premier studio. Durant la guerre de Sécession, il travaille comme illustrateur pour le Harper's Weekly, et réalise de nombreux dessins de batailles et scènes de guerre, croqués sur le vif, alors qu'il suit les armées nordistes.
Il se rend en voyage en France en 1867 et rencontre les peintres de l'Ecole de Barbizon par lesquels il est influencé. De retour en Amérique, il peint, surtout dans les années 1870, des paysages ruraux et des scènes idylliques de la vie campagnarde.
Il passe ensuite deux années de sa vie dans le nord de l'Angleterre (1881-1882).
Il peint de nombreuses marines. Le critique d'art Françoise Dargent écrivit à propos de ses tableaux : « C'est comme si on invitait l'océan dans son salon. » Dans Key West, Hauling Anchor (1903), par exemple, le sujet est l'appareillage d'une goélette aurique à Key West, en Floride. Le rendu des couleurs somptueuses (ciel et mer) et l'exactitude des détails techniques, dont le petit key et ses cocotiers à l'horizon, sont des traits distinctifs de l'art du peintre.
Son œuvre pleine de vigueur et de réalisme utilise principalement deux techniques : l'huile et l'aquarelle. Dans ses portraits, il peint aussi souvent et surtout des enfants insouciants.
Il est enterré dans le cimetière de Mount Auburn, à Cambridge au Massachusetts.

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