jeudi 17 janvier 2019

Jacques- Emile Blanche (1861-1942) - Portrait de Percy Grainger


Jacques- Emile Blanche (1861-1942)
Portrait de Percy Grainger, 1906
Collection Privée

Percy Aldridge Grainger (1882-1961) était  un pianiste, saxophoniste et compositeur australien à la personnalité difficile a cerner encore aujourd'hui.  Il a  suivi une démarche évolutive assez personnelle, participant d'une recherche de l'insolite et d'un goût de l'étrange. Son étude approfondie de la musique traditionnelle est à la base de la structure mélodique et rythmique de sa propre musique. De l'Irlande à Bali, en passant par la Scandinavie, sa curiosité n'avait pas de limites.
Il a cultivé la polytonalité, les micro-intervalles et les rythmes complexes. L'expérimentation d'instruments inhabituels a été l'une des préoccupations constantes de sa vie. Il a également mis en pratique sa conception de la « musique libre », une musique dans laquelle le temps, le rythme et la structure sont libérés des limites habituelles de la gamme, du battement de la mesure et de l'harmonie. Sa musique à part, Grainger était un personnage difficile à saisir, un provocateur qui aimait  choquer en toutes circonstances par des propos faisant publiquement l'éloge du sado-masochisme ou de  théories raciales  pour le moins contestables, affirmant la primauté de la race blanche.  Dans le même temps, il admirait Duke Ellington qui n'était pas a proprement parlé un " blond aux yeux bleus"  et ne tarissait pas d 'éloges sur Georges Gershwin qui  ne partageait en rien ses sombres théories raciales. Il défendit  également un  nationalisme étymologique assez ridicule en rejetant la terminologie italienne musicale au profit d'expressions anglaises telles que loudensoften et holding back en lieu et place  de crescendodiminuendo et meno mosso  


Le peintre français Jacques-Emile Blanche est né, selon l'expression,  "avec une cuillère en argent dans la bouche " ! Elevé à Passy dans une maison qui avait appartenu à la princesse de Lamballe, acquise par son grand-père, le psychiatre Esprit Blanche, qui  comptait parmi ses patients Gérard de Nerval, il bénéficia d'une éducation cosmopolite et raffiné. Son père, Emile Blanche, lui même aliéniste, exerça dans cette maison qui avait su gardé l' atmosphère élégante des demeures du 18e siècle. Excellent pianiste, Jacques Emile Blanche  hésita un certain temps entre la peinture et la musique. Bien qu'ayant  reçu l'enseignement d'Henri Gervex, Jacques-Emile Blanche peut être considéré comme un peintre autodidacte qui fit ses premiers pas dans le milieu mondain grâce à  la haute protection du comte Robert de Montesquiou. Il  acquit  ainsi une grande réputation de portraitiste au style à la fois vivant et raffiné qui plaisait énormément. 
 Parmi ses chefs-d'œuvre  : les portraits de son père, du poète Pierre Louïs, du peintre Audrey Beardsley et de la chanteuse Yvette Guilbert. Fréquentant  assidument le salon de Geneviève Bizet, (la future Madame Strauss) et le salon de la comtesse Potocka,  bien connu du Tout-Paris littéraire et artistique il rencontra Edgar Degas, Marcel Proust, etc...
Il fut élu membre de l'Académie des beaux-arts en 1935.

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mercredi 16 janvier 2019

Jean Decourt (1530-1584) - Henri III, roi de France et de Pologne



Jean Decourt (1530-1584) 
(anciennement attribué à Étienne Dumonstier)
Portrait d 'Henri III, roi de France et de Pologne    
Fusain et sanguine sur papier, 23, 1 x 14, 8cm, après 1578 
Bibliothèque nationale de France 
Département des Estampes et de la Photographie 

Les dessins des rois de la dynastie des Valois - peut être plus que d'autres - ont été  l'objet d'identifications et d'attribution souvent erronées,  principalement à cause  de travaux d'archivage négligents menés au 19e siècle. Au 21e sicèle, la Bnf et la plupart des grands musées français et Etranger qui possèdent dans leur collection, les dessins de ses princes, rois et princesses Valois, ont   entamé un travail de ré- attribution et d'identifications beaucoup plus fouillé et plus sérieux.
C'est ainsi qu'il apparait que ce portrait du roi Henri III, adulte, réalisé une dizaine d'années avant sa mort, est l'oeuvre de Jean Decourt et non d'Etienne Dumonstier ou de François Clouet comme précédemment estimé.  

Le roi Henri III est représenté ici avec toque garnie d'aigrette et cordons de diamants. Son emblème était constitué de trois couronnes symbolisant les royaumes de France et de Pologne ainsi qu'une devise qui explique la troisième couronne : « Manet ultima cælo »   (La dernière se trouve au ciel).
En dépit de sa personnalité particulière et de l'explosion de haine qu'il a pu susciter, Henri III avait su démontrer de nombreuses qualités de monarque  comme le laisse penser cet avis du chroniqueur  Pierre de L'Estoile publié a à la mort du roi :   « Ce Roy étoit un bon prince, s’il eût rencontré un meilleur siècle. » .
Homme élégant, il incarna la grâce et la majesté d'un roi,  appréciant  dans sa jeunesse la mode et ses extravagances. Homme d'une grande douceur, abhorrant la violence, il évitait toute confrontation et avait peu de goût pour les sports  bien qu'il fut une des plus fines lames du Royaume. 
Son dégoût de la chasse et des activités guerrières, privilèges des nobles, et surtout son goût pour la propreté et l'hygiène, lui valurent des critiques acerbes de la part de ses contemporains qui le considèrent comme un roi efféminé.
Formé dans un milieu humaniste, le roi encouragea le monde des lettres en protégeant des écrivains (Desportes, Montaigne, Du Perron). Il s'adonna lui-même à la philosophie et, malgré son opposition politique aux protestants, il fit venir l'imprimeur Estienne à Paris.
Les contemporains d'Henri III nous ont décrit le roi comme un homme appréciant les femmes. Parmi ses maîtresses, les plus célèbres figurent Louise de La Béraudière  Françoise Babou de La Bourdaisière (mère de Gabrielle d’Estrées) et Renée de Rieux, issues de la moyenne noblesse. Il fréquenta également lors de son périple italien en juin 1574, Veronica Franco, une courtisane vénitienne fort renommée ! À la même date, il entretint aussi une relation platonique avec la princesse de Condé, Marie de Clèves, pour qui il éprouva une passion démesurée. Sa mort survenue brutalement en 1574 conduit le roi à prendre un deuil particulièrement ostensible qui étonna la cour.
Longtemps, l'image véhiculée d'Henri III a été indissociable de celle de ses favoris plus couramment appelés mignons, terme pourtant déjà en vogue au 15e siècle. Au 19e siècle, c'est un thème à la mode et plusieurs peintres et auteurs romantiques s'y sont essayés. Henri III est alors décrit de manière caricaturale, représenté en compagnie d'éphèbes aux costumes excentriques et  passe leur temps à jouer au  bilboquet !
Les écrivains de son temps comme L'Estoile ou Brantôme, pourtant connus pour leur goût des informations scabreuses,  n'accordent aucun crédit à ces rumeurs et mettent en exergue, au contraire, la passion du roi pour les femmes. D'Aubigné et Ronsard, en revanche, n'hésitent pas  à brocarder le roi sur ce sujet dans leurs vers. En l'état actuel des recherches, il est  impossible de conclure à la seule homosexualité du roi, de même qu'à sa stricte hétérosexualité au sens moderne de ces termes. 
Les malheurs qui accablèrent  Henri III à la fin de son règne ont exacerbé le goût qu'il portait au macabre. Son apparence devient austère, il quitte rarement l'habit noir, et s'adonne de manière ostentatoire aux processions des pénitents. Séduit par la piété des confréries de pénitents lorsqu'il avait  séjourné en Avignon à son retour de Pologne en 1574, il institue le 20 mars 1583 la Confrérie des Pénitents blancs de l'Annonciation Notre-Dame dont il est  un  membre actif. Il passe alors  son temps à se mortifier dans des monastères où  il va prendre souvent  une retraite spirituelle.

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mardi 15 janvier 2019

Michel Sittow (1468 -1526/27) - A Young Man in a Red Cap


Michel Sittow (1468 -1526/27)
 A Young Man in a Red Cap  c. 1512,  
oil on panel, 16.4 x 12.9 cm (6 7/16 x 5 1/16 in),  
Detroit Institute of Arts

Le peintre estonien Michel Sittow, également connu sous le nom de Maître Michiel et de bien d'autres noms  né vers 1469 à Reval (maintenant Tallinn, Estonie) où il est mort en 1525 ou 1526, est un peintre estonien.
Formé à la peinture à Bruges dans le cercle de Hans Memling avant 1488, il a travaillé   pour Isabelle la Catholique à partir de 1492 et s'était installé à Tolède où il a rencontré Juan de Flandes en 1496. Il était connu à la cour espagnole sous le nom de Melchior Alemán. Il travailla  ensuite pour les Habsbourg, en Espagne et aux Pays-Bas.ou on le connaissait sous le nom de Mychel Flamenco. En 1514, il se rend au Danemark où il fait le portrait de Christian II de Danemark. 
Il est retourné à Reval (maintenant Tallinn en  Estonie)  sa ville natale  à une date indéterminée, entre 1516 et 1518.  Il est mort dans cette même ville au cours d'une épidémie de peste. 

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lundi 14 janvier 2019

Jared French (1905- 1988) - The double



Jared French  (1905- 1988) 
The double, 1950
Private owner 

Jared French  était un peintre américain appartenant au courant dit du Réalisme magique.
 Il faisait partie d’un groupe d’artistes et amis qui s’était spécialisé dans l’utilisation de l’ancienne technique de la tempera à l’œuf, et qui comprenait notamment George Tooker et Paul Cadmus.

De la fin des années 1930 jusqu'au début des années 1940, French réalise des peintures murales pour le Works Progress Administration. Ces peintures  French sont décrites comme sinistres et inquiétantes, avec leur défilé de silhouettes immobiles et silencieuses inspirées des statues grecques de la période archaïque. Par la suite, son travail s'orienta vers une sorte  "de bio-morphisme classique"  avec des formes organiques étranges, colorées, suggestives.
En 1937, French se maria à Margaret Hoening. Pendant 8 ans,  Paul Cadmus et le couple French passent leurs étés sur Fire Island et forment le  collectif de photographe PaJaMa pour Paul, Jared et Margaret. Ils se mettent en scène dans diverses photographies en noir et blanc avec leurs amis, à la fois nus et vêtus. La plupart de ces amis présentés dans les photographies étaient parmi les jeunes artistes, danseurs et écrivains de New York, et la plupart étaient beaux et gays.
French et Cadmus posent en 1938 pour une série du photographe George Platt Lynes, qui ne ne sera publiée qu'après la mort de Lynes.
À la fin des années 1940, French et sa femme ont une relation avec Cadmus et son compagnon George Tooker. Quand les French achètent une maison à Hartland dans le État du Vermont, ils offrent à Cadmus une maison sur leur propriété.
French la reprendra plus tard pour l'offrir à son amant Roberto Gianatta.
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dimanche 13 janvier 2019

Laton Alton Huffman (1854 - 1931) - Spotted eagle, Sans arc


Laton Alton Huffman (1854 - 1931)
 Spotted eagle

Laton Alton Huffman était un photographe américain  qui témoigna de la  vie et des personnalités des Amérindiens. Né dans le comté de Winneshiek, dans l'Iowa, il a passé la majeure partie de sa vie à photographier les environs de sa maison, dans le Montana. Ayant d’abord travaillé à Fort Keogh, il a commencé peu a peu à vendre les images qu'il tirait de ses négatifs sur plaque de verre.

Spotted Eagle fut le nom de plusieurs chefs indiens, dont un célèbre chef sioux(celui qui est représenté ici avec un oiseau naturalisé fixé dans la chevelure. 

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samedi 12 janvier 2019

Henri François Riesener (1767-1828) - Portrait de Pierre-Maurice Quay


Henri-François Riesener (1767-1828) 
 Portrait de Pierre-Maurice Quay c. 1797-99 
Musée du Louvre, Paris 

 Pierre-Maurice Quay, fur à partir de 1800,  le chef de file de La secte des Barbus (nommée aussi les « Primitifs »  ou les « Méditateurs » ou les « Penseurs ») ,  un groupe de peintres, tous élèves de Jacques-Louis David.  Ils entrèrent en dissidence contre les enseignements de leur maître, en voulant radicaliser le style néoclassique alors en vogue dans la peinture française du début du 19e siècle. Le groupe se dissout après la mort de Quay à partir de 1803.

Appartenant à une célèbre d'artiste, le peintre portraitiste français Henri-François Riesener est notamment le fils de l'ébéniste d'origine allemande, Jean-Henri Riesener (1734-1806) et de Françoise-Marguerite Vandercruse (veuve de l'ébéniste Oeben), et le père du peintre romantique Léon Riesener (1808-1878).
Après la révolution, sous l’influence de David, il devient l’un des portraitistes les plus recherchés par les personnages importants de l’Empire et réalise même un Portrait en pied de l’Impératrice Joséphine en 1806 (Rueil-Malmaison, Musée national des châteaux de Malmaison et Bois-Préau) et de son fils Eugène de Beauharnais. Il fait également cinquante copies de son portrait original de Napoléon Ier, dessiné pendant un déjeuner. 
Avec la chute de l'Empire, les commandes se raréfiant, il laisse sa femme et son fils à Paris et part pour la Russie en 1815. Il y reste sept ans, séjournant à Moscou (1816-1823), Saint-Pétersbourg et Varsovie. À Varsovie, il bénéficie de la protection du Grand Duc Constantin Pavlovitch pour lequel il avait réalisé le portrait de sa maîtresse Joséphine Friedrichs en 1813 (Saint-Pétersbourg, Musée de l’Ermitage). Il peint toutes les célébrités de l'aristocratie et exécute, avec Jacques François Joseph Swebach-Desfontaines, un portrait équestre resté célèbre du tsar Alexandre.

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vendredi 11 janvier 2019

George Richmond (1809 - 1896) Self-portrait, 1840



George Richmond  (1809-1896)
Self-portrait, 1840
 oil on canvas, 
The Fitzwilliam Museum


 Le peintre et portraitiste britannique George Richmond a fait partie ans sa jeunesse du célèbre  du groupe d'admirateurs de William Blake, The Ancients qu'il fonda apres avoir rencontré 
le peintre poète alors qu'il n'avait que 16 ans.  Cet autoportrait date de la période romaine du peintre, ville dans l quelle il se lia d'amitiés avec  M. Gladstone, Henry Acland, les Severn, Thomas Baring , Lord Farrer et John Sterling et transforma sa maison de la Roche Tarpéienne en veritable lieu de rencontre pour jeunes artistes anglais.  Ce séjour à Rome faisait suite à un épisode tragique de la vie de Richmond où il perdit trois de ses enfants. La main posé sur le front et  le regard porté  vers le lointain illustre sans doute sa préoccupation dans l'avenir. 
Son immense succès en tant que portraitiste fut  dû à sa capacité à tirer le meilleur parti de ses modèles  en les mettant en confiance pendant les séances de poses.  A ses talents de  dessinateur très habile et rapide, s'ajoutait cette capacité de mettre le modèle en confiance et de saisir les meilleures  expressions sur son  visage. 

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jeudi 10 janvier 2019

Henri-Pierre Danloux (1753-1809) - Le comédien Thénard dans le rôle de Figaro de Beaumarchais


Henri-Pierre Danloux (1753-1809)  
Le comédien Thénard dans le rôle de Figaro de Beaumarchais
Comédie Française, Paris 

Le peintre, dessinateur et graveur français Henri-Pierre Danloux fut l’élève de Nicolas-Bernard Lépicié puis de Joseph-Marie Vien qu’il suivit à Rome où fit la connaissance de Jacques-Louis David.
Marié à Antoinette de Saint-Redan, fille adoptive de l'intendant Antoine Mégret d'Étigny, il commença une carrière de peintre de genre et de portraitiste notamment pour sa belle-famille et ses proches les Thomas de Pange : portrait du baron d'Étigny, de son frère et de sa belle-sœur, le comte et la comtesse de Sérilly avec leurs enfants, de François de Pange. En compagnie de son épouse, il retourne en Italie juste avant la Révolution.
D'un milieu libéral, il condamne rapidement les débordements jacobins et émigre en Angleterre en 1792 où il réside jusqu'en 1802. Durant ce séjour il connaît un succès indéniable qui dépasse largement les cercles français.Une grande partie de sa belle famille est guillotinée le 10 mai 1794 avec la sœur du roi qui s'entremet pour permettre à la comtesse de Sérilly de garder la vie sauve.
Influencé par John Singleton Copley et par Henry Raeburn, il peint le portrait de nombreux anglais et écossais. Il expose régulièrement à la Royal Academy et devient le peintre attitré du comte d'Artois en émigration à Holyrood.
De retour en France, il expose de nouveau au Salon, mais ne rencontre pas le succès qu'il espérait.
Pour le Baron Portalis  qui publia son journal « Distinguée, sincère, de couleur harmonieuse, encore parée des dernières élégances d’un siècle enchanteur, telle s’affirme, dans son incontestable originalité, la peinture de Danloux… Sous son pinceau, les coiffures prennent une ampleur qui ajoutent à la beauté… Son goût des attitudes imprévues propres à donner l’illusion de la vie, sa recherche du geste, la préoccupation d’animer la physionomie de ses modèles, sont autant de signes qui le font reconnaître à première vue. 

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mercredi 9 janvier 2019

Henri Matisse (1869-1954) - Jeune marin 1 et Jeune Marin II


Henri Matisse (1869-1954)
Jeune Marin  1, 1906
Private collection 


Henri Matisse (1869-1954)
Jeune Marin  II, 1906
Huile sur toile (101, 3 x 82, 9 cm) 
The MET, New York 

En 1906, à très peu de temps de distance, Matisse peignit deux fois ce jeune  marin dans deux styles extrêmement différents, Il a peint  ces Jeune marin I et Jeune Marin II  à l'apogée de son engagement avec les Fauves. Le modèle des deux tableaux lui fut  fourni par un jeune pêcheur de 18 ans pêcheur; Germain Augustin Barthélémy Montargès, originaire du petit port de Collioure, près de la frontière espagnole. 
Alors que dans  Jeune Marin 1, Matisse représente le pêcheur de façon plutôt réaliste avec une palette assez restreinte, une touche généreuse et un style qui en résume beaucoup d'autres et peut faire penser (entre autre) à certains Van Gogh, il change radicalement de façon de voir dans Jeune Marin II.
Dans cette toile, actuellement dans les collections de MET à New York, sur un fond plat et rose vif, le costume typique du pêcheur avec sa vareuse  bleu marine, sa casquette, son pantalon vert bouffant, et chaussettes à carreaux vert et blanc s'impose avec simplicité et évidence dans le style qui sera celui du peintre pendant une grande partie de sa vie. Le large visage du pêcheur, plat mais tout aussi   expressif que dans la premiere toile, ressemble à un sur lignage de la bouche et des yeux en ... vert ! L'aspect plutôt théâtral du pêcheur et la palette audacieuse de l'œuvre, dans laquelle le costume vert et bleu du personnage est placé contre un  fond rose aux couleurs de bonbons acidulés  font de ce Jeune Marin II l'un des portraits les plus typiques de la manière fauve de Matisse et si on le rapproche du Jeune Marin I  , un véritable manifeste de son évolution picturale.

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mardi 8 janvier 2019

Gustave Caillebotte (1848-1894) - Portrait d'Henri Cordier


Gustave Caillebotte (1848-1894)
 Portrait d'Henri Cordier
Musée d'Orsay, Paris 

Il s 'agit là d'une des très rares oeuvres de Caillebotte qui se trouvent dans un grand musée français, la plupart étant dans des collections privées principalement américaines. 
On ignore comment Caillebotte et Cordier se sont rencontrés, mais ils furent sûrement amis car l'artiste, qui n'avait pas besoin de vendre sa peinture pour vivre, n'a jamais réalisé de portrait de commande.  Henri Cordier (1849-1925), spécialiste de la Chine, professeur d'histoire, de géographie et de législation des états d'Extrême-Orient à l'Ecole des Langues Orientales de Paris. avait
vécu en Chine entre 1869 et 1876. Il rédigea une bibliographie des ouvrages consacrés à l'empire chinois, sa Biblioteca sinica, publiée entre 1878 et 1895 et  il est l'un des fondateurs, en 1882, de la Revue d'Extrême-Orient. La Grande Encyclopédie nous apprend aussi qu'il fut honoré du grade de mandarin chinois de 3e classe.
Ici, le peintre choisit d'insister sur la dimension intellectuelle de Cordier. Il est représenté en pleine concentration, entouré de livres, occupé à écrire dans une position mal définie. La mise en page insolite qui coupe la figure à mi-corps en la combinant avec les éléments du décor qui ferment complètement l'espace est très représentative des recherches de Caillebotte. Il se montre à cet égard proche de Degas. Les effets de matière, la palette aux reflets violacés se retrouvent dans les autres oeuvres peintes par Caillebotte au cours de cette période.

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lundi 7 janvier 2019

Gerardo Sacristán Torralba (1907-1964) - Boceto


Gerardo Sacristán Torralba (1907-1964)
 Boceto, 1945
Private collection 

Considéré comme l'un des grands portraitistes espagnols du 20e siècle, Gerardo Sacristán Torralba, participa cependant à très peu d'expositions de son vivant.  Il n'aimait pas l'exercice et préférait ne pas montrer ses commandes de portraits au public. 

On les retrouve aujourd'hui dans des collections privées en Espagne et dans le sud de la France. 

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dimanche 6 janvier 2019

Girolamo di Romano detto Il Romanino (1484-1566) - Ritratto di uomo


Girolamo di Romano detto Il Romanino  (1484-1566)
Ritratto di uomo, c.1515-17  
oil on panel ( 58,2 x 47,4cm) 
Royal Collection Trust (Windsor Castle - King's Closet)

Girolamo di Romano, dit Romanino est un peintre italien de Venise et de Brescia dont la longue carrière lui a permis d'expérimenter plusieurs styles différents. A l'époque ou il peint ce portrait, actuellement dans les Collections Royales du Château de Windsor, depuis son acquisition par le  Prince Albert (époux de la reine Victoria) en 1848, le style d'Il Romanino est influencé par Giorgione et Dürer.  A tel point que lorsque le Prince Albert a acquis ce portrait il lui a été vendu comme étant peint par Giorgione  ;  le Prince l'a inclus immédiatement dans la collection de peintures italiennes  de son cabinet privé puis dans son bureau à Osborne House. Il fallut attendre 1909,  pour que Lionel Cust attribue cette oeuvre  à Girolamo Romanino, dont le travail n 'était pas très connu au Royaume Uni et non à Giorgone.  
Dans cette oeuvre de jeunesse, le jeune homme porte un chapeau à larges bords couvrant un bonnet décoré d'or, le scuffiotto, tout en rubans et plumes d’autruche, généralement porté par les soldats au début du XVIe siècle pour éviter d'avoir à se couper les cheveux. Mais plutôt qu'un soldat qui aurait été représenté avec cette époque en armure,  il semblerait que ce jeune homme passé à la postérité, de façon anonyme, ait été un jeune aristocrate du nord de l'Italie.
La médaille qu'il porte sur la manche  n'a - pour l'instant - pas permis de l'identifier.  
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samedi 5 janvier 2019

François-Édouard Picot (1786-1868) - Portrait de Nicolas-Pierre Tiolier, 1817


François-Édouard Picot (1786-1868)
Portrait de Nicolas-Pierre Tiolier, 1817
Collection privée. 

François Édouard Picot  est un peintre néo-classique français, élève de Jacques-Louis David à l'École des beaux-arts de Paris. En 1811,  il reçoit le second grand prix de Rome, puis le prix d'honneur en 1813. De retour à Paris après son séjour romain à la Villa Médicis, il expose L'Amour et Psyché au Salon de 1819  et peint la même année La Mort de Saphire pour l'église Saint-Séverin de Paris.
 Il décore avec Hippolyte Flandrin l'église Saint-Vincent-de-Paul de Paris et peint à la cire la fresque figurant Les Pèlerins d'Emmaüs pour l'église parisienne de Saint-Denys-du-Saint-Sacrement. Il réalise également des tableaux et des fresques pour le musée du Louvre, le château de Versailles et le palais du Luxembourg. À la fois peintre d'histoire, peintre de genre et portraitiste, François-Édouard Picot fut  plus apprécié pour les mérites de son enseignement que pour ses talents de peintre.

Nicolas-Pierre Tiolier (1784 -1843) fils du médailleur Pierre-Joseph Tiolier (1763-1819) est un sculpteur et médailleur  formé sous le Premier Empire, et qui l devint le 16e graveur général des monnaies. En 1805, il avait obtenu le premier Prix de Rome en gravure de médaille et pierre fine avec Le Génie de la gravure présente un cachet à l'Empereur.


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vendredi 4 janvier 2019

François Boucher (1703-1770) - Etude d'homme assis



François Boucher  (1703-1770) 
Etude d'homme assis
Ecole des Beaux Arts de Paris 

Le peintre français François Boucher, représentatif du style rococo fut un maître particulièrement prolifique,  qui aborda tous les genres : peinture religieuse, sujets mythologiques, scènes rustiques, paysages, animaux, décorations de monuments et de maisons particulières, modèles de tapisserie. C’est peut-être le plus célèbre peintre et artiste décoratif du XVIIIe siècle, dont on a pu dire qu’il était l’un des génies les plus purs. Il estimait lui-même, un an avant sa mort, avoir produit plus de 10.000  dessins, mais trouvait encore le temps de travailler dix heures par jour à des représentations idylliques et voluptueuses de thèmes classiques, mythologiques et érotiques, d’allégories décoratives et de scènes pastorales. Il était peintre de la cour de Louis XV et le favori de la marquise de Pompadour, dont il a peint plusieurs portraits.
Boucher ne chercha pas à reproduire la réalité. C'était un peintre précieux et sensuel, utilisant des coloris brillants, des lignes serpentines et une profusion d'accessoires pittoresques. Sa prédilection pour les nus féminins lui vaut, de son vivant, le surnom de « peintre des Grâces » mais il dessina  cependant quelques magnifiques nus masculins comme celui-ci...

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jeudi 3 janvier 2019

Jean Decourt (1530-1584) - Portrait d'Henri, duc d'Anjou


Jean Decourt (1530-1584)  
anciennement attribué à  François Clouet  (1510–1572)
Portrait d'Henri, duc d'Anjou, 
Crayon, 1570
BnF, Département des estampes,  Paris 

Henri, duc d'Anjou, futur roi Henri III   se fait remarquer par son élégance  et l'entretien de son apparence. Ce portrait au crayon a longtemps été identifié comme étant celui de son frère cadet François d'Alençon, en raison de l'inscription erronée le duc d'Alençon portée en haut du dessin.De meme il fut longtemps attribué à François Clouet alors que la BnF  l'attribue désormais formellement   à Jean Decourt, appelé aussi Jehan De Court, successeur de François Clouet en tant que portraitiste de la cour de France.


La maison de Valois est la branche cadette de la dynastie capétienne qui régna sur le royaume de France de 1328 à 1589. Elle succèda aux Capétiens directs et précèda les Bourbons.
Elle tire son nom du comté de Valois, apanage donné à Charles, fils de Philippe III le Hardi et père du roi Philippe VI. La branche aînée s'est éteinte en 1498, mais elle compte plusieurs rameaux cadets :
- celui des ducs d'Alençon, éteint en 1549, issu de Charles II, second fils de Charles de Valois
- celui des ducs d'Anjou, éteint en 1481, issu de Louis, second fils de Jean II le bon
- celui des ducs de Berry, éteint en 1416, issu de Jean, troisième fils de Jean II le bon
- celui des ducs de Valois-Bourgogne, éteint en 1477, issu de Philippe le Hardi, quatrième fils de Jean II le bon. Ce rameau eut lui-même deux autres sous-rameaux :
- celui des ducs de Brabant, éteint en 1430, et issu d'Antoine, fils de Philippe le Hardi
- celui des comtes de Nevers, éteint en 1491, et issu de Philippe, fils de Philippe le Hardi
- celui des ducs d'Orléans, éteint en 1515 après avoir accédé au trône et issu de Louis, second fils de Charles V. Ce rameau eut lui-même un autre sous-rameau :
- celui des comtes d'Angoulême, éteint en 1589 après avoir accédé au trône et issu de Jean, second fils de Louis.
Il y a également plusieurs rameaux illégitimes :
- les Longueville
- les Valois-Saint-Remy
- les ducs d'Angoulême

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mercredi 2 janvier 2019

François-Emile Barraud (1899-1934) - Le découragé


François-Emile Barraud (1899-1934)
Le découragé, 1918
Huile sur toile (33,5 x18, 5cm) 
Coninx Museum, Zurich 


François-Emile Barraud est un artiste peintre suisse, aussi dessinateur, graveur et sculpteur. Issu d'une fratrie de quatre enfants et d'un père graveur sur boîtiers de montres, François Barraud a œuvré à Paris dans les Années folles, multipliant natures mortes et portraits dans l'esprit pictural de Balthus. 
Il meurt de la tuberculose à l'âge de 34 ans, à Genève.
Ses frères, Aurèle, Aimé et Charles, sont également peintres.

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mardi 1 janvier 2019

Filippo Lippi (1406–1469) - Les Funérailles de Saint Etienne




Filippo Lippi  (1406–1469)
Les Funérailles de Saint Etienne (detail)
Basilique de Prato, Italie

Dans la chapelle principale, de la cathédrale de Prato,  Fra Filippo Lippi et Fra Diamante ont peint a fresco les Vies de saint Étienne et de saint Jean-Baptiste.
Sur le mur inférieur nord sont représentés Les Funérailles de Saint-Étienne, dans lesquelles Lippi décrit le pape Pie II et se peint lui même ( ici a droite)  sur les murs de cette imposante basilique paléo-chrétienne.

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lundi 31 décembre 2018

Francis Cadell (1883- 1937) - In the navy


Francis  Cadell (1883- 1937)
 In the navy

Francis Cadell  (de son nom complet Francis Campbell Boileau Cadell)  est un peintre coloriste écossais, célèbre pour ses représentations d'intérieurs écossais élégants ainsi que pour ses paysages de l’оle de Iona et pour ses portraits d' hommes.
Encouragé par le peintre Arthur Melville à partir dès l'âge de 16 ans, il part  étudier à Paris à l'Académie Julian où il entre rapidement en contact avec l'avant-garde française et découvre Matisse. Ce dernier exerça sur lui une  influence durable, bien qu’il se soit  aussi intéressé à la technique  de James Abbott McNeill Whistler et  d’Édouard Manet. Après son retour en Écosse, il a régulièrement exposé à Édimbourg et à Glasgow — notamment au Royal Glasgow Institute of the Fine Arts — ainsi qu'à Londres. Cadell était un peintre gaucher. Lorsqu’il était étudiant à l'Académie royale écossaise, le président avait  tenté de l'empêcher de peindre avec sa main gauche sous prétexte qu' « aucun artiste gaucher n'est devenu génial ». Cadell répliqua « Monsieur et n'y a-t-il pas la grande peinture de Michel-Ange ? » Le président ne  répondit pas et quitta la salle . Un camarade  demanda alors à Cadell  comment il savait que Michel-Ange était gaucher. Et Cadell d' avouer « Je ne savais pas, mais le président non plus ».
Entre octobre 2011 à mars 2012, la Galerie nationale écossaise d'art moderne a réalisé une rétrospective  majeure du travail de Cadell, la première depuis celle tenue à la Galerie nationale d'Écosse en 1942.

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dimanche 30 décembre 2018

Alfons Walde (1891-1958) - Bauernsonntag


Alfons Walde (1891-1958) 
Bauernsonntag, 1937
Kitzbühel museum  


Alfons Walde  était un artiste et architecte autrichien, célèbre pour ses paysages d’hiver, ses compositions représentant des paysans au travail  ou des sportifs (notamment  des skieurs comme ci dessus). Ces toiles sont peintes à à l’huile,  a tempera ou empâtée. A Vienne, il fut beaucoup influencé par ses fréquentations : Egon Schiele, Gustav Klimt et surtout  Ferdinand Hodler.
On peut voir beaucoup de ses peintures dans la galerie du musée à Kitzbühel.
Dans les années 1920, Il participa largement et régulièrement aux expositions de la Sécession et du Künstlerhaus de Vienne . A partir de 1926, il se tourna vers le graphisme et conçu de nombreuses affiches publicitaires.
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samedi 29 décembre 2018

Glyn Warren Philpot (1884 -1937) - Portrait of Henry Thomas

https://menportraits.blogspot.com/2018/12/glyn-warren-philpot-1884-1937.html

Glyn Warren Philpot  (1884-1937)
Portrait of Henry Thomas
Private owner

Glyn Warren Philpot, est un peintre et sculpteur anglais, surtout connu pour ses portraits à l'huile.
Il étudie à la Lambeth School of Art en 1900, puis à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens.  Fort de toutes ses recompenses et reconnaissances, Philpot se spécialise dans les portraits qu'il peint au rythme d'un par mois, ce qui lui assure des honoraires de plus en plus confortables à mesure que ses portraits gagnent en  notoriété... ce qui arrive assez rapidement. 
Cette relative aisance financière lui permet de voyager en France, en Italie aux États-Unis ou en Afrique du Nord, où il a le loisir de trouver des sujets à sa guise dans un style parfois symboliste. 
En août 1915, Philpot fait la connaissance du jeune officier Vivian Forbes pendant qu'ils suivent  ensemble leurs  classes militaires aux Royal Fusiliers à Aldershot. Ils parviennent tous deux au grade d'officier et sont démobilisés en 1917.
Forbes débute alors une carrière de peintre, conseillé par Philpot, et leur relation devient intime au point qu'ils se lient d'une amitié amoureuse qui durera 20 ans.  

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vendredi 28 décembre 2018

Eero Nelimarkka (1891- 1977) - Self portrait 1922 (2)



Eero Nelimarkka (1891 – 1977) 
Self portrait 1922.
Private owner

Le peintre finlandais Eero Aleksander Nelimarkka est connu pour ses paysages plats d' Ostrobotnie (les Lakeus), mais également pour ses nombreux autoportraits,  portraits de notables finlandais et de membres de leur famille et pour ses natures mortes aux sujets souvent inhabituels. 
En 1912, Nelimarkka vient étudier à Pari à l'Académie de la Grande Chaumière et à l'Académie Julian. En 1945, devenu un artiste connu, il se consacre à l'enseignement et crée la "Fondation Nelimarkka"avec mission de préserver et de promouvoir la production et le travail de la vie d'Eero Nelimarkka. En 1964, la fondation construit  le Musée Nelimarkka dans la ferme de son père à Alajärvi, dans le sud de l'Ostrobotnie. Sa collection est riche d'environ 1700 œuvres.



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2018 - A Still Life Collection
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jeudi 27 décembre 2018

Otto Dix (1891-1969) - Self-Portrait Smoking



Otto Dix (1891-1969)
Self-Portrait Smoking, O.J., n/d
 Oil on canvas
 Kunstmuseum Bern.

Le peintre et graveur allemand Otto Dix est issu d'un milieu ouvrier (son père, Franz Dix, travaillait dans une mine de fer), mais reçoit une éducation artistique grâce à sa mère, Pauline Louise Dix, qui s'intéressait à la musique et à la peinture. 
Après avoir suivi les cours du professeur de dessin Ernst Schunke pendant sa jeunesse, Otto Dix prend des cours à Gera de 1905 à 1909 auprès de Carl Senff, qui doute de l'avenir de son élève en tant que peintre. Une bourse d'étude fournie par le prince de Reuss lui permet d'entrer à l'École des arts appliqués de Dresde, où il étudie entre 1909 et 1914.  C'est de cette époque là que date cet autoportrait à l'oeillet alors que ses professeurs sont Johann Nikolaus Türk et Richard Guhr. 
Un peu plus tard Otto Dix s'essaya au cubisme, au futurisme et plus tard au dadaïsme.

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mercredi 26 décembre 2018

Eliseu Visconti (1866-1944) - Homem com gorro vermelho


Eliseu Visconti (1866-1944) 
Homem com gorro vermelho, 1894
Museu Dom João VI , Rio de Janeiro

Eliseu Visconti était un peintre, dessinateur et un enseignant brésilien d'origine italienne. Il est considéré comme l'un des rares peintres impressionnistes du Brésil et comme l'introducteur de l' art nouveau dans ce pays. qu'il découvrit à Paris pendant ses études à l' Académie Julian.


En 1913, alors qu'il se trouvait en Europe, il reçut la commande de grands panneaux pour le "foyer" du Théâtre municipal de Rio de Janeiro. Son projet fut interrompu par la Première Guerre mondiale pendant laquelle il il resta en France a partir d'où il envoya au Brésil toute les les peintures du foyer. Les premiers envois commencèrent en 1915, en pleine guerre mondiale et s'achevèrent en 1920. ____________________________________________ 2018 - Men Portraits Un blog de Francis Rousseau




mardi 25 décembre 2018

Boris Kustodiyev (1878 - 1927) - Portrait of Nicholas Roerich


Boris Kustodiyev (1878 - 1927)
Portrait of Nicholas Roerich, 1913
pastel on cardboard,( 60 x 52.5,cm)
State Russian Museum


Le peintre russe et décorateur de theatre Boris Mikhaïlovitch Koustodiev (Борис Михайлович Кустодиев) devient paraplégique en 1916. « Maintenant ma chambre est mon monde entier. » écrit-il. Sa capacité de rester joyeux et vif en dépit de sa paralysie est étonnante. Ses peintures pleines de couleurs joyeuses ne révèlent pas sa souffrance physique ; au contraire, elles donnent l'impression d'une vie heureuse et sans soucis. Son Mardi de Maslenitsa (Mardi gras) (1916) et Fontanka (1916) sont peints à partir de ses souvenirs. Il restaure méticuleusement son enfance dans la grande ville sur les rives de la Volga.  Repin avait dit de lui  : « J'ai beaucoup d'espoir pour Koustodiev. C'est un artiste talentueux et un homme pensif et sérieux, avec un grand amour pour l'art ; il fait de soigneuses études de la nature... » 

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lundi 24 décembre 2018

Almada Negreiros (1893-1970) - Retrato de Fernando Pessoa


Almada Negreiros (1893-1970)
Retrato de Fernando Pessoa, 1954
oleo sobre tela (201 x 201cm)
Private collection

José Sobral de Almada Negreiros est un artiste portugais lié au mouvement moderniste. Il s'est illustré aussi bien comme peintre, écrivain, poète, essayiste, dramaturge ou encore comme romancier. Il fut l'un des principaux collaborateurs de la revue Orpheu avec Fernando Pessoa.

"Si après ma mort, quelqu'un veut écrire ma biographie
Ce sera très simple.
Il a seulement deux dates :
celle de ma naissance et celle de ma mort.
Entre des deux, chaque jour m'appartient. "-
Fernando Pessoa

"Si después de yo morir quisieran escribir mi biografía
no hay nada más sencillo.
Tiene sólo dos fechas
la de mi nacimiento y la de mi muerte.
Entre una y otra todos los días son míos."
Fernando  Pessoa

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dimanche 23 décembre 2018

Edward Hopper (1882-1967) - Male Nude


Edward Hopper (1882-1967)
Male Nude, 1902-04
Private collection 

C'est à notre connaissance, le seul nu qu'Edward Hooper ait peint, étant plutôt connu pour ses paysages urbains et ruraux, ses descriptions architecturales, et sa peinture de la société américaine. 
Ce nu  date du tout début de sa carrière, avant même qu'il ne fasse son premier séjour à  Paris en 1906, avant de s'y installer comme dessinateur publicitaire.  Il est contemporain de son premeir tableau généralement répertorié  "Painter and model " qui se trouve au Whitney Museum of American Art.   On décèle déjà dans cette toile de jeunesse, où les influences de Velasquez, de Manet et de Degas sont perceptibles à des degrés divers, une  volonté de figurer des personnages anonymes. Le silence, la tension, l’exclusion, la mélancolie dans lesquels les biographes ont lu la conséquence de sa surdité, sont aussi perceptibles dans cette toile baigne de cette lumière transversale caractéristique des intérieurs de Hopper. 

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samedi 22 décembre 2018

Duncan Grant (1885-1978) - Self Portrait


Duncan Grant (1885-1978)  
Self Portrait
Private collection 

Duncan James Corrow Grant est un peintre britannique (écossais), designer de textiles, de poteries, de décors de théâtre et de costumes qui occupa une place centrale dans le Bloomsbury Group principalement composé de Virginia Woolf, E. M. Forster et Mary (Molly) MacCarthy, Lytton Strachey, John Maynard Keynes,  Vanessa Bell, Roger Fry,  Desmond MacCarthy, Clive Bell et Leonard Woolf..
En tant que fils de militaire, il passa une grande partie de son enfance en Birmanie et en Inde, mais pas du tout  dans l'atmosphère exotique et luxueuse de l'armée des Indes que l 'on pourrait imaginer, son père faisant partie des soldats les plus pauvres de l'Empire, ce que l'on appelait, "l'Armée des Pauvres".  
Entre 1899 et 1900, Grant a vécu avec sa tante et son oncle, Sir Richard et Lady Strachey et leurs enfants (Lytton Stachey) découvrant un monde d 'élégance et de raffinements esthétiques qui lui étaient jusqu'alors inconnus. 
Pendant cette année qui fut décisive dans la formation du jeune Grant, il accompagna assidument sa tante Lady Strachey dans ses activités de peintre du dimanche, ce qui lui donna accessoirement l'opportunité de rencontrer toute une série de  peintres assez connus.  Etonnée par les talents de son neveu "pauvre", Lady Strachey réussit à persuader ses parents de l'autoriser à se charger de son éducation artistique.  Ainsi au cours de l'hiver 1904-1905, Grant visita l'Italie où, à la demande de Harry Strachey, il réalisa des copies d'une partie des fresques de Masaccio dans la chapelle de Brancacci. 
En 1909 Grant, rendit visite à Gertrude Stein à Paris et vit sa collection qui comprenait des peintures, entre autres, de Picasso et de Matisse. Pendant l'été de cet même année, Grant rendit visite à Matisse lui-même dans sa maison de Clamart.
Au delà de ses moeurs très libres et de sa vie sentimentale bisexuelle très fournie, à la fois avec  Vanessa Bell, John Maynard Keynes, David Garnett, Roger Fry et Paul Roche (entre autres)... Duncan Grant est surtout connu pour un style de peinture, qui se situe dans le prolongement des post-impressionnistes français, dont  Roger Fry avec lequel il travailla souvent, surtout dans le cadre des Ateliers Omega,  qu'il fonda en 1913 et qui était une véritable entreprise d'art décoratifs mêlant céramiques, textiles et décors peints d'un genre très particulier...
En 1916, la fantaisie lui prend de devenir objecteur de conscience et de s'établir avec son nouvel amant, David Garnett comme fruiticulteurs dans le Suffolk. Leur demande auprès du tribunal pour faire reconnaître leur statut d'objecteurs de conscience n'aboutit pas immédiatement,  le tribunal ne leur faisant droit de leur demande qu'à condition qu'ils s'installent dans des locaux plus décents que ceux qu'ils avaient choisis, entre l'étable et le poulailler de ferme !  Vanessa Bell leur trouve alors la maison, Charleston Farmhouse, située près de Firle, dans le Sussex. Tous trois y emménagèrent formant ce qu'il est convenu d'appeler un "ménage à trois"... augmenter d'une quatrième personne,  en l'occurrence Mary Hutchinson, la maîtresse de Clive Bell. Il faut avouer qu'on s'y perd peu et que cela n'a d'autre interêt que d'afficher une liberté de moeurs assez nouvelle dans une Angleterre toujours très puritaine où l'homosexualité par exemple était considérée comme un crime jusqu'en 1967.
A méditer dans les temps de retour en arrière et d'obscurantisme que nous traversons !   
Vanessa Bell et Duncan Grant continuèrent à vivre ensemble pendant plus de quarante ans, ce qui n'empêcha nullement Grant d'avoir des relations homosexuelles régulières.
Durant les dernières années de la vie de Grant, son ancien amant le poète Paul Roche (1916-2007), qu'il connaissait depuis1946, prit soin de lui et lui permit de maintenir son mode de vie à Charleston, où Angelica s'installa à son tour. En contrepartie, Grant fit de Roche son cohéritier avec sa fille Angelica. 
Grant mourut finalement dans la maison même de Paul Roche en 1978.

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vendredi 21 décembre 2018

Leonard de Vinci (1452-1519) - Study of the Heads of an Old Man and a Youth



Leonardo da Vinci (1452-1519)
Study of the Heads of an Old Man and a Youth Seen in Profile  
William & Mary 's Muscarelle Museum of Art  

Deux grands érudits, Bernard Berenson et Sir Kenneth Clark, ont considéré ce dessin comme l'un des  plus intrigants de Leonard de Vinci,  résumant  à lui seul l’obsession du peintre  pour la destruction naturelle impitoyable que le  temps qui passe inflige à la  beauté.

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jeudi 20 décembre 2018

Pablo Picasso (1881-1973) - Homme Nu Observant une Femme Endormie


Pablo Picasso (1881-1973)
Homme Nu Observant une Femme Endormie, 1922
Collection privée 


Pendant cette période des années 1920, Picasso, dans un climat de reconnaissance mondaine généralisée, fait dans ses tableaux un retour à la figuration et au classicisme : Trois femmes à la fontaine (1921), et certaines œuvres comme les Flûtes de Pan (1923), s'inspirent de la mythologie. Le tableau ci-dessus, inachevée et laissé volontairement en l'état, entre dessin et peinture,  fait partie de ce retour voulu au classicisme.  En décembre, de la meme année 1922,  il réalise le décor pour L'Antigone de Cocteau, créée par Charles Dullin au théâtre de l'Atelier.
Il est alors marié avec Olga depuis 1918 et son fil Paulo est né un ana plus tôt. 

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mercredi 19 décembre 2018

Edvard Munch (1863-1944) - Self Portrait 1882



Edvard Munch (1863-1944) 
Self Portrait, 1882
Oil on canvas (26 x 19cm)
Munch Museum 


Le 8 novembre 1880, alors qu'il a 16 ans, le peintre et graveur expressionniste Norvégien Edvard  Munch, écrit dans son journal : « Ma décision est arrêtée, je serai peintre. »  Son père, patriarche autoritaire, ne l'entend cependant pas ainsi et le contraint à des études techniques d'ingénierie, tout en le laissant s'adonner à ce qu'il considère seulement comme un passe-temps. Il l'inscrit d'office à l'école technique de Christiana. Edvard Munch est un enfant et un adolescent de santé fragile, né d'une mère morte de tuberculose chronique. 
Jeune homme, comme sur ce portrait à l'âge de 18 ans, il continue  à être de faible constitution, accablé de bronchites chroniques et de poussées fiévreuses , mais c'est sa sœur aînée Johanne Sophie  qui est la premiere des enfants victime de la phtisie, une des formes de la tuberculose, en 1877. Celle qui était la jeune artiste de la famille décède à 15 ans dans le fauteuil d'osier que gardera la famille, puis Edvard lui-même jusqu'à sa mort. Une plus jeune sœur, Laura Cathrine, est rapidement diagnostiquée comme souffrant de « mélancolie » (aujourd'hui dépression grave). Laura Cathrine  est internée à l'asile à vingt ans à cause de profondes névroses et y demeure toute sa vie durant. 
Des cinq enfants, seul son frère Andreas  devenu médecin, se marie, mais il meurt brusquement d'une pneumonie quelques mois après son mariage. 
Inger immortalisée dans ces jeunes années dans le tableau Ma sœur Inger exposé avec succès en 1885 à l'exposition universelle d'Anvers reste, comme Edvard, célibataire toute sa vie. 
Munch reviendra très souvent aux impressions de maladie, de mort et de tristesse.... 
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mardi 18 décembre 2018

Etienne Dinet ( 1861-1929)- Portrait d'Ahmed Es Seghir


Etienne Dinet ( 1861-1929) 
 Portrait d'Ahmed Es Seghir dit Baba Ahmed
Collection privée

Étienne Dinet (1861-1929) est un peintre orientaliste et lithographe français, qui a vécu une grande partie de sa vie en Algérie  où il a finit sa vie et s'est converti a l'Islam et adopte le patronime musulman de  Nasr-Eddine. 
Après avoir décroché une bourse en 1884, Dinet entreprit son premier voyage dans la région de Bou-Saâda dans le sud de l'Algérie, en compagnie d'une équipe de savants entomologistes. Ce voyage le marqua profondément et le choc de la découverte du désert  le poursuivra toute sa vie. 
Dès l'année suivante, un second voyage algérien le conduit à Laghouat et au Mzab. Il peint ses deux premiers tableaux figurant cette région : Sur les terrasses de Laghouat et L'Oued M'Sila après l'orage. 
De plus en plus fasciné, comme hypnotisé même par la beauté de l'Algérie, il commence  à apprendre l'arabe pour mieux comprendre les cultures du sud algérien. 
En 1887, il effectue son troisième voyage en Algérie.  Dorénavant, il va y passer en moyenne six mois par an. En 1900, il installe son premier atelier algérien à Biskra. 
Son tableau  L'Arabe en prière amorce le mouvement qui le conduit à se convertir à l'Islam. 
En 1905, il achète une maison à Bou-Saâda pour y passer les trois quarts de l'année. En février de la même année, l'artiste  dont le talent commence a être reconnu est fait officier de la Légion d'honneur. 
En 1907, sur ses conseils, est créée à Alger la villa Abd-el-Tif, sur le modèle de la villa Médicis à Rome. Il participe à l'Exposition universelle de Bruxelles en 1908, puis à l'Exposition universelle d'Amsterdam en 1910.  En 1913, il fait savoir à ses amis le choix de son nouveau patronyme musulman : Nasr-Eddine. Il participe à l'exposition universelle de Gand. 
Durant la Première Guerre mondiale, la famille Dinet transforme le château familial d'Héricy en hôpital pour accueillir les blessés de guerre. Il s'inquiète du moral des troupes musulmanes et esquisse des projets de stèles mortuaires pour les combattants musulmans tombés au combat. 
Les premiers tableaux de Dinet sont de facture religieuse (Golgotha, Saint Julien l'Hospitalier...), inspirées par ses maîtres avec lesquels il rompt après sa découverte du désert. Son œuvre s'inspire ensuite, à partir du milieu des années 1880 des traditions, des histoires et de la vie à Bou-Saâda, considérée alors comme la « porte » du Sahara. Sachant capter la lumière et les tonalités du sud, ce peintre orientaliste se consacre d'abord à des portraits de facture ethnographique, à des figures et scènes de la vie quotidienne et à des paysages, mais il est également portraitiste de son entourage familial. 

Le travail de Dinet fut vendu par les galeries Georges Petit, Paul Durand-Ruel et Allard. 
La ville de Bou-Saâda a fondé le musée Nasr-eddine-Dinet en sa mémoire.
Le musée d'Orsay expose les premières toiles de Dinet, ainsi que celles de sa pleine maturité.
Le musée du Louvre, département des Arts graphiques, conserve près de 270  de ses dessins.

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lundi 17 décembre 2018

Dioscoride d'Egée (-1er siecle) - Camée d'Auguste


Dioscoride d'Egée   (-1er siecle) 
Camée d'Auguste 
BnF. Cabinet des Médailles

Ce camée est attribué au sculpteur lithoglyphe grec Dioscoride d'Egée,  si célèbre en son temps qu'il fut invité à venir exercer son  art de graver les pierres fines  à Rome par l'Empereur Auguste dont il illumina le règne par ses oeuvres.
Dans l' art de graver les pierres fines (la glyptique), on distinguait deux techniques : l'une qui consistait à graver les pierres en creux, l'autre qui consistait à les graver en relief.
La première de ces techniques produisit les intailles ou pierres gravées ; la seconde, les camées.

Celui-ci en sardonyx à deux couches, a été réalisé environ en l'an 20 av. JC.  Sa monture de facture parisienne en argent doré, saphirs et perles, a été réalisée à la fin du 14e siècle.
L'Empereur Auguste (63 av. JC - 14) né Caius Octavius, y est  représenté sous son  profil  droit.
Il porte une couronne faite de deux minces branches entrelacées, l’une de chêne, l’autre d’olivier, chacune ornée de feuilles et de fruits, et nouées ensemble sur la nuque par des bandelettes retombantes. Au globe de l’oeil convexe, le bord de l’iris est légèrement incisé; la pupille percée, assez grande, fut peut-être sertie d’une pierre. La monture qui l’entoure est composée de trois saphirs et de trois cristaux sur paillons rouges, alternant avec des troches de trois perles.

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dimanche 16 décembre 2018

Edvard Munch (1863-1944) - Bathing Man


Edvard Munch (1863-1944)
Bathing Man, 1918 
oil on canvas 
Nasjonalgalleriet, Oslo 


Le peintre et graveur norvégien Edvard Munch,  peut  être considéré, après l'exposition berlinoise de 1892, comme le pionnier de l'expressionnisme dans la peinture moderne. Il est très tôt réputé pour son appartenance à une nouvelle époque artistique en Allemagne et en Europe centrale. Son œuvre et son importance sont aujourd'hui reconnues en Europe et dans le monde.
Les œuvres de Munch les plus connues sont celles conçues au début des années 1890, notamment Le Cri. Son œuvre ne connaît véritablement le succès dans les pays nordiques qu'à partir de 1909, grâce à la grande exposition rétrospective organisée par son ami Jappe Nilssen et par Jens Thiis, directeur de la galerie nationale d'Oslo. Le peintre absent est momentanément convalescent dans une clinique privée de Copenhague, après y être entré en état de dépression nerveuse, victime de troubles graves du comportement, physiques et nerveux, en 1908.
Ses techniques de prédilection sont essentiellement la peinture et la tempera sur carton. Il est aussi un pionnier de l'art accessible à tous, un art dévoilé, montré et non caché, dans les rues et les espaces publics, dans les divers lieux de nature
L'artiste, au-delà de ses dessins, peintures, aquarelles, sculptures, laisse plus de 13 000 pages manuscrites, partagées entre journaux intimes, correspondances, carnets de création artistique et annotations, notes et croquis commentés parfois sur feuilles volantes. Les manuscrits sont environnés ou mêlés indissociablement de couleurs, de dessins et d'esquisses.
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