Sculpture antique anonyme - Portrait d'un roi égyptien de la I ère dynastie (-3150 à -2850)

 

Portrait d'un roi égyptien de la Ière dynastie (-3150 à -2850)

Tête en Calcaire. 

Petrie Museum of Egyptian Archeology, London 

La Ire dynastie égyptienne, à la fin du quatrième millénaire avant l' ère chrétienne marque le début de près de trois millénaires d'institution pharaonique avec l'unification de l'Égypte antique, jusqu'alors divisée en deux royaumes distincts, celui du Nord et celui du Sud, et dure de -3150 à approximativement -2850...
La tradition attribue cette réunification au roi Narmer, même s'il ne fait pas partie de la Ire dynastie et est généralement classé dans la période prédynastique.
La première dynastie ouvre la période thinite, du nom grec de la capitale des deux premières dynasties, Thinis (Tjene en égyptien).
D'emblée, la double utilisation des signes, pour leur valeur image (idéogramme) et pour leur valeur son (phonogramme) est attestée (le nom du roi est noté par deux signes utilisés comme phonogrammes : le poisson nâr et le ciseau de sculpteur mer).
Le système hiéroglyphique, complexe avec plus de 700 signes, apparaît totalement constitué dès les premiers exemples répertoriés. Au début, il n'apparaît qu'en rapport immédiat avec l'institution royale (« énoncés-titres » ne se développant pas en phrases complexes, essentiellement à usage administratif ou à finalité idéologique).

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John F. Folinsbee (1892-1972) - Selfportrait

 

John F. Folinsbee (1892-1972)

Self-portrait, 1919

Private collection 

John Fulton "Jack" Folinsbee était un peintre américain de paysages, marines et portraits, membre du groupe artistique New Hope en Pennsylvanie qui prônait la peinture en plein air, en s'inspirant directement au contact de la nature, plutôt que la peinture en atelier ou d'après photo.
 Il est surtout connu aujourd'hui pour ses scènes impressionnistes de New Hope et Lambertville, New Jersey, en particulier les usines, les carrières et les canaux le long de la rivière Delaware.
Au début de sa carrière, Folinsbee peignait  dans un style tonaliste, avec un intérêt pour la lumière et l'atmosphère. À la fin des années 1900, il s'éloigna du tonalisme pour un style impressionniste plus structuré. Au milieu des années 1920, Folinsbee commença à étudier le travail de Cézanne, ce qui l'a conduit à  voyager en France en1926.
Les peintures qui ont résulté de ce voyage, et celles qui ont suivi plus tard dans la décennie, reflètent une profonde influence de Cézanne surtout ans leurs stratégies de composition et la révélation de  la structure sous-jacente des formes. Cela le conduisit à un style  expressionniste analytique très personnel qu'il adopta pour tout le reste de sa carrière. Sa palette s'assombrit, ses coups de pinceau se desserrèrent davantage et son sens de la lumière et de l'atmosphère devint plus dramatique.


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Walter Molino (1815-1987) - In citta gireremo cosi?

 

Walter Molino (1815-1987)
In citta gireremo cosi?
(Nous déplacerons- nous ainsi dans les villes ?) 
Couverture du magazine La Domenica del Corriere, 1962

Walter Molino est un dessinateur de bande dessinée et illustrateur italien
Il a notamment illustré en 1939-1940 dans L'Audace les deux premiers épisodes de Virus, il mago della foresta morta, (Virus, le mage de la forêt morte) une des meilleures bandes dessinées italiennes d'avant-guerre.
Il dessina plusieurs couvertures pour le magazine  La Domenica del Corriere, notamment dans le domaine des faits divers et des sports.

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Ferdinand Gueldry (1858-1945) - L'écluse

 

Ferdinand Gueldry (1858-1945)

L'écluse

Musée de Beaux Arts de Reims

Il aurait été plus lus juste de titrer Encomberments à l'écluse  tant cette écluse semble embouteillée d'embarcations de toutes sortes.  Il en était ainsi le dimanche quand  les citadins envahissaient les fleuves des environs de Paris  et se précipitaient pour faire des sports nautiques alors très en vogue.
Ferdinand Gueldry  est un artiste peintre et illustrateur français, spécialisé dans les scènes sportives d'aviron, cofondateur de la Société nautique de la Marne en 1876.

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Francesco Salviati (1510-1563) - Portrait masculin

 

Francesco Salviati (1510-1563)

Portrait of a man 1540

The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Ce gentilhomme florentin n’a pas été identifié. L’affectation du geste et le soin apporté aux vêtements et au rideau en arrière-plan caractérisent le portrait du milieu du XVIe siècle,mais il n'est pas possible de donner plus de détails sur son identité. Il restera encore longtemps le bel anonyme dont le roux de la chevelure et de l'habit s'accorde si bien au vert du rideau de fond.
Vasari considérait Salviati comme l'une des rares personnalités artistiques polyvalentes parmi les maniéristes. Devenu célèbre comme peintre, il était aussi un grand dessinateur ; il créa également des modèles pour des œuvres relevant d'autres techniques : gravures, médailles et emblèmes, cartons de tapisseries destinés à de somptueuses tentures."

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Fayoum - Antinoopolis

 

Fayum (or Faiyum) -  Portraits de momies

 1er siècle av. JC.

Antinoopolis (Egypte )

Sont-ils toujours vivants ?
C’est la question que posent ces visages surgis avec intensité d’un passé très lointain, ces
« portraits du Fayoum », un ensemble de peintures remontant à l'Égypte romaine,
exécuté entre le 1er et le 4e siècle de l’ère chrétienne. Ils sont ainsi appelés à cause du
lieu de leur première découverte, en 1888, dans la région de Fayoum en Egypte.
Ce sont en effet des portraits funéraires peints sur une écorce de figuier-sycomore et
insérés dans les bandelettes de la momie au niveau du visage. (cf. ci-dessous).
Ces défunts, plus vivants que morts, sont toujours représentés en buste, le visage de
face. Les « portraits du Fayoum » qui nous regardent ainsi droit dans les yeux du fond
de l’antiquité égypto-romaine, poursuivent la tradition funéraire de l'Égypte antique de
la momie et du sarcophage décoré. Ils l’enrichissent toutefois des influences
concernant la représentation du corps, liées aux invasions et immigrations, notamment
grecque puis romaine. Le parement de la momie ne fut pas l’unique fonction des
« portraits du Fayoum ». Ils avaient surtout la capacité d’aider les vivants à se souvenir
du défunt comme il était de son vivant et auquel le portrait devait ressembler le plus
possible, selon la tradition romaine. Cela s’accordait parfaitement avec la culture
égyptienne et son propre culte de l’imagerie liée au corps du défunt développé tout au
long de l’époque pharaonique. Dans la culture égyptienne, le défunt devait survivre
physiquement et spirituellement, et son corps servait d’attache physique aux parties
immatérielles qui le composaient (ka et ba).
La tradition égyptienne allait plus loin que la tradition romaine dans le doute vis-à-vis
de la condition du mort. Les égyptiens allaient jusqu’à conserver  la momie du défunt à
l’intérieur de la maison et la faisaient participer à chaque repas. Avec un Fayoum à sa
table, certains pouvaient presque douter qu’il était mort. C’est d’ailleurs bien le même
doute vis-à-vis de la mort qui persiste encore aujourd’hui dans ces portraits et les rend
encore si troublants et fascinants, 20 siècles après leur création…

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Eustache Le Sueur (1616-1655) - Portrait d’un jeune homme

 

Eustache Le Sueur (1616-1655)

Portrait d’un jeune homme, vers 1640 

Huile sur toile, 64 x 52 cm  

Hartford, Wadsworth Atheneum

Eustache Le Sueur ou Lesueur  est un peintre et dessinateur français de style baroque parfois surnommé « le Raphaël français ". 

Son art reflète une volonté de dépouillement fort rare pour son époque, et sans doute voulue pour marquer la différence avec la  peinture décorative de ses contemporains. Il est aujourd'hui considéré comme un des peintres les plus personnels du XVIIe siècle, un de ceux qui surent échapper, du moins en partie, à l'empire de l'académisme issu du baroque italien.

En tant que dessinateur, il est connu entre autres pour ses illustrations du Songe de Polyphile.

Considéré comme l'un des fondateurs du classicisme français, aux côtés de Poussin et de Le Brun, il fut néanmoins très critiqué au XIXe siècle, où il passait pour un peintre pieux, mièvre et académique. Sa redécouverte récente par les historiens de l'art du XVIIe siècle français a permis de lui rendre sa juste place parmi les peintres majeurs de cette époque en montrant la variété de son art, toujours très réfléchi et en constante évolution.

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Felix Bonfils (1831-1885) - Chef de bédouins-pasteurs

 

Felix Bonfils (1831-1885)

Chef de bédouins-pasteurs, 1880
University of Pennsylvania Museum - The Bonfils Collection

Félix Bonfils fut d'abord relieur à Saint-Hippolyte-du-Fort dans les Cévennes. Il déménagea à Beyrouth en 1867 où il ouvrit avec sa femme Marie-Lydie Cabanis Bonfils et son fils Adrien, l'atelier photographique Maison Bonfils, qu'il renomma en 1878 Bonfils et Cie.
Bonfils photographia au Liban, en Égypte, Palestine, Syrie et Grèce ainsi qu'à Constantinople à partir de 1876.
Quatre ans plus tard, il confie à la Société française de photographie le résultat de sa stupéfiante activité : 15 000 épreuves d'après 591 négatifs de l'Égypte, la Palestine, la Syrie et la Grèce, ainsi que 9 000 vues stéréoscopiques. Malgré le climat très chaud de ces pays, ses clichés sont réalisés à l'aide de collodion humide qui doit être développé très rapidement.
En 1872, Bonfils publie Architecture antique, un album composé de 22 planches. Ces photographies sont largement diffusées par des agents au Moyen-Orient, dans les pays anglophones et en France. Ces vues pouvaient être achetées à l'unité, mais elles étaient également proposées sous forme d’albums.
À partir de 1876, Bonfils, de retour à Alès, se consacre à la publication de son Catalogue des vues photographiques de l'Orient : Constantinople, l'Égypte, la Palestine, la Syrie et la Grèce.
Bonfils propose 545 images numérotées en une grande diversité de formats. Le catalogue se termine par une liste de 133 numéros de Costumes divers disponibles en 33 épreuves de moyen format (18 × 24 cm) et en 100 vues stéréoscopiques.
Ses œuvres devinrent célèbres grâce aux touristes du Moyen-Orient qui rapportaient ses photographies en souvenir.
Ces photographies, produites par l'atelier, pouvaient parfois être l'œuvre de son fils Adrien ou des assistants de l'entreprise.
En 1876, il revint à Alès où il ouvrit un autre atelier vers 1881.
Celui de Beyrouth n'en fut pas fermé pour autant. Sa femme Marie-Lydie et son fils en assurèrent la conduite après la mort de Félix en 1885. Cet établissement ne cessa qu'en 1905, quand un incendie le détruisit. L'activité de l'entreprise Bonfils se poursuivit plusieurs décennies après la mort de son fondateur.
Elle fut rachetée en 1918 par Abraham Guiragossian, associé depuis 1909, qui en conserva le nom. Elle est mentionnée dans le Guide bleu en 1932.
Bonfils est très présent dans les grands Musées américains (The MET) et surtout au Musée de l'Université de Pennsylvanie.
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Eugène Burnand (1850-1921) - Ange Orsi

 

Eugène Burnand  (1850-1921) 

Ange Orsi

Musée Eugène Burnand, Moudon, Suisse

Eugène Burnand est un peintre suisse dont le style réaliste servit une œuvre picturale principalement consacré à des scènes religieuses et de paysages de campagne. Son tableau le plus célèbre se trouve au Musée d'Orsay à Paris : Pierre et Jean courant vers le tombeau de Christ ressuscité.

C'est à Marseille et à Montpellier qu'il réalise en 1917 un série de magnifique portraits, Les portraits de guerre, (ci dessus) des soldats alliés venant de tous les continents.

Un musée est consacré à Eugène Burnand à Moudon (Suisse).

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Fairfield Porter (1907-1975) - Don Schrader

 

Fairfield Porter (1907-1975)

Don Schrader 1962

The MET 

Fairfield Porter était un peintre et critique d'art américain. Il était le quatrième des cinq enfants issu d'une famille d'artistes, en l'occurrence l'architecte James Porter et la poétesse de Ruth Furness.
Pendant ses études à Harvard, Porter se spécialisa en beaux-arts. il poursuivit ses études à la Art Students' League après son déménagement à New York en 1928. Ses études à la Art Students' League l'auraient prédisposé à produire un "art socialement pertinent" et, bien qu'il ait bordé de nombreux thèmes dans sa vie, il resta fidèle au style réaliste pendant toute sa carrière. Il fuit à la fois critiqué et vénéré pour être resté fidèle à ce style tout en faisant partie du mouvement expressionniste abstrait.
Ses sujets furent principalement des paysages , des intérieurs et des portraits de famille, d'amis et de collègues artistes, dont beaucoup étaient affiliés à la New York School of Writers School, notamment John Ashbery, Frank O'Hara et James Schuyler.
Beaucoup de ses peintures ont été conservées dans et autour de la maison d'été familiale de Great Spruce Head Island, dans le Maine, et dans la maison familiale située au 49 South Main Street, à Southampton, dans l'État de New York.
Sa vision picturale qui englobait une fascination pour la nature et une capacité à relever dans la vie quotidienne, les détails extraordinaires, devait beaucoup aux peintres français Pierre Bonnard et Édouard Vuillard qui'l admirait.
Porter a dit un jour: "Quand je peins, je pense que ce qui me satisferait le plus serait d'exprimer ce que Bonnard disait avoir entendu dire à Renoir :" Rends tout plus beau. "

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Eugène Delacroix (1798-1863) - Torse d'Homme nu de dos

Eugène Delacroix (1798-1863)

Torse d'Homme nu de dos

Musée du Louvre, Paris

En 1832, Eugène Delacroix accompagne la mission diplomatique française auprès du sultan Abd Al-Rahman. Au fil du voyage, il emplit ses carnets de croquis et d'aquarelles. Un répertoire inépuisable des formes et des couleurs qui embraseront plus tard toutes ses toiles inspirées par la passion de l'Orient. Delacroix a utilisé plusieurs carnets dispersés lors de la vente de l’atelier en 1864. Le plus remarquable d’entre eux (RF 1712 bis), qui a appartenu à Philippe Burty et au docteur Charcot, est à la fois un journal de voyage et un admirable carnet de croquis. Ce chef-d’œuvre de la collection du département des Arts graphiques est le premier carnet de l’artiste entré dans les collections du Louvre,

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Zinaida Serebriakova (1884-1967) - Portrait of Sergei Rostislavovich Ernst,

 

Zinaida Serebriakova  (1884-1967)

Portrait of Sergei Rostislavovich Ernst, 1921

Private collection

La peintre russe Zinaida Serebriakova a peint à plusieurs reprise l'historien d'art et critique 
Sergey Rostislavovich Ernst, associé aux membres de "Mir iskusstva" ("World of Art").
C'est en tant que tel qu'il fit la connaissance de  Serebriakova alors qu'il  fut le premier à écrire les monographies des principaux artistes de "l'âge d'argent" russe dont  Serebriakova  faisait partie avec  Benua et  Rerikh.
Sergei Rostislavovich Ernst  rencontra son amant et partenaire de toujours Dimitri Bouchène  alors qu'ils étaient tous deux étudiants à Saint-Pétersbourg. 
En 1925,  Dimitri obtint l'autorisation de passer trois mois de vacances à Paris. Dimitri et Sergey voyagèrent ensemble via Tallinn (Estonie) et ne revinrent plus jamais en Union soviétique.

Sans le sous et trainant sur un marché aux puces parisien,  par chance, Sergey acheta un Delacroix à un prix ridiculement bas !!! La revente du tableau permit au couple d'acheter une maison.
Dimitri travailla pour l'Opéra de Paris et La Scala de Milan en tant que scénographe.
 Pendant l'occupation nazie, Sergei et Dimitri prirent une  part active à la Résistance française .
Les amants ont vécu ensemble toute leur vie et sont enterrés dans une tombe au cimetière du  Montparnasse. Sur leur tombe on peut lire : "Quelle joie / Tu es arrivé" - se référant aux treize années equi séparèrent la mort de Sergei en 1980 de celle de Dimitri en 1993.
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Stanley Spencer (1891- 959) Autoportrait, 1914

 

Stanley Spencer (1891- 959) 

Autoportrait, 1914

Tate London

Stanley Spencer est un artiste britannique. Souvent comparé à Blake, Füssli ou Palmer par la critique britannique, l'œuvre singulier de Stanley Spencer s'est élaboré à l'écart des grands courants de l'art moderne. On peut y trouver  aussi bien de scènes inspirées de la Première Guerre mondiale, que des scènes bibliques, satiriques ou érotiques et forme un ensemble significatif de l'art britannique de l'entre-deux-guerres.
Spencer a utilisé trois styles différents, chacun lié à une technique et une iconographie particulières :
Le premier style est académique et s'inspire de l'art allemand du XHIe siècle ainsi que du réalisme de Courbet. On en trouve des exemples dans ses dernières œuvres comme le portrait de Dame Mary Cartwright (1958), un autoportrait tardif, les paysages de Cookham, ses natures mortes et des peintures érotiques utilisées pour un cycle de sujets religieux.
Le second style est d'inspiration médiévale. Il reflète, parmi d'autres, les influences de Giotto et Cimabue. C'est le style le plus connu. Il l'utilise dans les peintures murales de la chapelle de Sandham, les résurrections, les scènes de village et les scènes domestiques et dans une œuvre inachevée comme Christ Preaching at Cookham Regatta. Dans ses sujets religieux, outre la forme du triptyque, la composition est conçue sur un principe de juxtaposition évoquant parfois le collage avec une grande abondance de détails attestant une imagination visionnaire et débordante.
Le troisième style est le plus personnel. C'est un style légèrement caricatural et teinté d'humour noir. On le retrouve dans des sujets comme les Béatitudes, les Tentations, les sujets autobiographiques tels que Love Letters et The Dustbin, Cookham et dans les peintures à connotations sexuelles. N'hésitant pas à sacrifier l'exactitude anatomique pour mieux exprimer ses obsessions, 
La critique a également souligné son rendu très particulier de la chair humaine à la texture flasque, relâchée et l'aspect livide de la peau qui anticipent largement les portraits et les nus de son compatriote Lucian Freud.

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Valdemar Irminger (1850-1938) - Le naufrage

 

Valdemar Irminger (1850-1938)

Le naufrage 

Collection privée 

Né à Copenhague, il fait partie de l'Académie Royale danoise des Beaux-Arts de 1867 à 1873,c e qui lui permet de  se rendre en Italie de  1884 à 1887.
En 1888, il remporte la médaille de l'Académie pour Motiv fra Børnehospitalet ved Refsnæs et l'année suivante pour Fra et Børnehospital.
Il peint d'abord dans un style réaliste, à partir des années 1890 il se tourne vers le romantisme. Ses œuvres comprennent des portraits, des sujets religieux, des portraits de soldats, des animaux et des enfants.
 En 1915 il est décoré de l'Ordre du Dannebrog et en 1925 il obtient la Croix d'Honneur.

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Eugène Burnand (1850-1921) - Portraits de guerre : Tirailleur tonkinois

 

Eugène Burnand (1850-1921)

Portraits de guerre : Tirailleur tonkinois

Lé Tiep de la province de Thua Thien, armée  française.

Collection privée 

Eugène Burnand est un peintre suisse dont le style réaliste servit une œuvre picturale principalement consacré à des scènes religieuses et de paysages de campagne. Son tableau le plus célèbre se trouve au Musée d'Orsay à Paris : Pierre et Jean courant vers le tombeau de Christ ressuscité.
C'est à Marseille et à Montpellier qu'il réalise en 1917 un série de magnifique portraits, Les portraits de guerre, (ci dessus) des soldats alliés venant de tous les continents.
Un musée est consacré à Eugène Burnand à Moudon (Suisse).

Les tirailleurs tonkinois  faisaient partie des  les tirailleurs indochinois  recrutés dans l'Indochine française, au Laos, au Tonkin, en Annam et au Cambodge à partir des années 1880 lors de l'expédition du Tonkin.
Leurs sous-officiers formèrent les cadres des futures armée cambodgienne, armée laotienne et armée de la République du Vietnam. De même, certains choisirent les rangs du Viet-Minh et du Pathet Lao. Ils furent dissous en 1945.

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William Etty (1787-1849) - The Wrestlers

 

William Etty (1787-1849)

The Wrestlers

Private collection

Le peintre anglais William Etty est surtout connu pour ses tableaux de nus et ses grandes compositions historico- mythologiques. Il fut fait Membre extraordinaire de la Royal Academy en 1834 grâce à sa grande composition Pandore couronnée par les Saisons, achetée par son ancien professeur, Thomas Lawrence. Grand voyageur, il s'inspira largement de ce qu'il put voir dans les grans musées européens à Florence, Rome, Venise ou Paris. Son nom est passé a la postérité surtout grâce à son grand père, un meunier qui inventa un pain d 'épices encore largement commercialisé de nos jours !

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Ernest Biéler (1863-1948) - L'homme roux

 

Ernest Biéler (1863-1948)

L'homme roux

Collection privée 

Après ses études à Lausanne, Ernest Biéler suit, dès 1880, les cours de l’Académie Julian à Paris. Il obtient une médaille d’argent à l’Exposition universelle de 1900 à Paris. Il appartient, avec Raphaël Ritz, Édouard Vallet, Albert Chavaz et d’autres, à l’Ecole de Savièse. Biéler fut d’ailleurs fait bourgeois d’honneur de cette localité valaisanne.
 Très attaché au  Canton du Valais, il est surtout connu  pour les magnifiques portraits de paysans (ci-dessus) et d'habitants de Savièse qu'il peignit tout au long de sa vie. Fier de son appartenance valaisanne, il a  également créé  pour bons de monuments locaux, des vitraux, des fresques,  et pour notamment La Feêe des Vignerons, des costumes, des chars et des décors tout a fait étonnants.
Il passa les dernières années de sa vie dans sa maison du Monteiller (Rivaz).
Ses portraits se trouvent aujourd'hui dans de nombreuses prestigieuses collections privées en Suisse et a travers le monde.

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Norman Rockwell (1894-1978) - Final impossibility

 

Norman Rockwell  (1894-1978) 

Final impossibility

Two men on the moon

NASA Art Program.

Le Programme d'art de la NASA a été créé en 1962 par le gouvernement des  États-Unis  de cette époque en vue de passer commande à des artistes contemporains plus ou moins célèbres  des œuvres dont le but devait être de porter témoignage dsur  l'histoire de l'exploration spatiale à travers les yeux des artistes.Norman Rockwell et Robert Rauschenberg furent ainsi  par exemple sollicités parmi de nombreux autres artistes américains.
Le premier directeur du programme artistique a été James Dean (NASA). Il privilégia les artistes qui s'exprimaient sur  différents médiums (peintures, photos, etc...)  Pour donner aux artistes la meilleure expérience possible, la NASA leur a permis un accès unique aux sites et aux matériaux des missions spatiales. Les participants étaient présents sur les sites de lancement.
Toutes les œuvres, des croquis aux produits finis, ont été données à la NASA pour être utilisées dans les musées et les expositions. La collection comprend désormais 2500 œuvres de plus de 350 artistes.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Ζειμπέκικος (1972)

Yannis Tsarouchis (1910-1989)

Ζειμπέκικος (1972)

(Zeibekikos)

Collection privée 

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.

Il affectionnait particulièrement les portraits des marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit.

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Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) - Un natif de la région de la Volga

   

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009)
Un natif de la région de la Volga, 1990
Private collection

Né dans la région de Volgograd, il reçoit son diplôme de l'Ecole d'art de Stalingrad en 1939
Il participe activement à ce que les Russes appellent alors la grande guerre patriotique du 2 juillet 1941 et que nous appelons la Seconde guerre mondiale, en tant que commandant au département des communications, batterie 544 du régiment d'artillerie. Il continua à servir dans la 117e brigade d'artillerie RVGK, au quartier général du Département des renseignements avec le grade de sergent. Il a pris une part active aux batailles de Moscou, de Vyazma et à la terrible et légendaire bataille de Stalingrad. Il a participé à la libération de Smolensk, Minsk, s'est battu en Lituanie, en Prusse, a participé à l'assaut de Koenigsberg.
Pour ses hauts faits militaires, il reçut l'ordre de Patriotes de guerre I degré, l'Etoile rouge et les médailles "Pour le courage", "Pour le mérite militaire", "Pour la défense de Moscou", "Pour la capture de Koenigsberg" et bien d'autres encore.
Après la guerre, il fut membre de l'Union des artistes de l'URSS. Il a été élu à deux reprises président du conseil d'administration de la branche de Volgograd de l'Union des artistes et passa l'essentiel de sa vie à Volgograd.
Il fait partie des artistes qui ont magnifié, à travers ses tableaux typiques du style Réalisme Soviétique, toutes une époque de l'histoire de la Russie principalement dans les actions quotidiennes de ses héros anonymes.

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Otto Greiner (1869-1916) - Etude de nu

  

Otto Greiner (1869-1916)

Etude de nu

Kupferstich-Kabinett, Dresden

Otto Greiner fut le premier artiste allemand à utiliser la technique de la lithographie non seulement pour la reproduction, mais aussi pour la conception originale de ses œuvres. Ses représentations naturalistes, assez caractéristiques de son époque trouvent moins d'échos parmi le public d'aujourd'hui. Ses quelques peintures monumentales de grand format comprennent : Ulysse et les sirènes, sur laquelle il a travaillé à Rome pendant trois ans (généralement considéré comme perdu depuis la Seconde Guerre mondiale) a en réalité été coupé en morceaux par les troupes russes au moment de la libération de Leipzig pour servir de bâche de transport) ; Prometheus,  Hercule à Omphale (créé à Rome en 1905), L'école des sorcières est sa seul grande toile consacrée aux femmes. Otto Greiner à réalisé également de nombreux portraits et traita de sujets mythologiques et fantastiques. Ces thèmes constituent l'essentiel de ses 112 œuvres graphiques et quelques grandes peintures.

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Joseph DeCamp (1858-1923) - Le maître d'hôtel

 

Joseph DeCamp (1858-1923) 

 Le maître d'hôtel  

 Collection privée

Le peintre impressionniste américain Joseph DeCamp était membre des Ten American Painters. The Ten American Painters appelés aussi plus simplement  The Ten était une association de dix peintres américains impressionnistes du XIXe siècle qui démissionnèrent fin 1897 de la Société des artistes américains pour protester contre le mercantilisme de leurs expositions et leur ambiance de cirque. La Société s'est détachée vingt ans plus tôt de l'Académie nationale d'esthétique sous l'impulsion de Mary Cassatt, James Whistler, Thomas Eakins et Winslow Homer.
The Ten sont : Childe Hassam, Julian Alden Weir, John Henry Twachtman (remplacé par William Merritt Chase), Robert Reid, Willard Metcalf, Frank Weston Benson, Edmund Charles Tarbell, Thomas Wilmer Dewing, Joseph DeCamp et Edward Simmons. Les Tens furent actifs à New York et Boston et furent considérés comme les représentants de l'impressionnisme américain dont ils organisèrent pendant vingt ans des expositions.
Joseph DeCamp quant à lui,  après avoir étudié les arts plastiques avec Frank Duveneck, part avec lui et quelques camarades d'études à l'Académie royale de Munich au milieu des années 1870. Il reste quelque temps à Florence en Italie et en 1883 revient à Boston. Il devient membre de la Boston School dirigée par Edmund Charles Tarbell et Emil Otto Grundmann et se concentre sur la peinture de portrait. Dans les années 1890 il adopte le tonalisme.

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MPS n°5 - DORMIR

 

Le n° 5 du magazine MPS - MEN PORTRAITS SERIES est en ligne.

Dans ce numéro Une vingtaine de portraits  masculins regroupés autour du thème du sommeil. 

Dormir : que reste -t-il d’autres à faire ?  

Comme les précédents numéros, ce n° 5 gratuit peut constituer une documentation en ligne

 pour les étudiants en Histoire de l'art, histoire de la mode et du costume 

ou simplement pour les passionnés d'Histoire en général.

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Akseli Gallen Kallela (1865 - 1931) - Midsommarnatt

 

Akseli Gallen Kallela (1865 - 1931) 

Midsommarnatt,  1889

Collection privée

Akseli Gallen-Kallela de son vrai nom Axel Waldemar Galléno est un peintre et graveur finlandais de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Il fut l'un des artistes finlandais les plus connus internationalement. Son œuvre est associée aux styles nationaliste romantique, symboliste et réaliste. Après avoir débuté par une peinture réaliste en puisant ses sujets dans la vie rurale, Akseli Gallen-Kallela se forge un style personnel d'inspiration néo-romantique, caractérisé notamment par des contours marqués et des couleurs vives. Il est célèbre pour ses grands tableaux illustrant des épisodes du Kalevala, l'épopée nationale finlandaise (La Défense du Sampo, 1896 ; La Mère de Lemminkäinen, 1897).

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Christian Krohg (1852-1925) - Marin aspirant une bouffée

 

Christian Krohg (1852-1925)

Losen Tar Seg en Røyk, 1912 

(Marin aspirant une bouffée)

 Lillehammer Kunstmuseum, Norway 

Christian Krohg, est un peintre, illustrateur, écrivain et journaliste norvégien. Fils d'un homme politique important de son pays, il choisit de s'évadertrès tôt  dans les arts.  Il se forme pendant cinq ans à différentes techniques picturales en Allemagne et adhère au courant naturaliste, pendant du réalisme littéraire. Il choisit alors les thèmes de la vie de tous les jours, autrefois considérés comme triviaux et vulgaires. Patient pédagogue, l'étudiant gagne sa vie comme enseignant. 

Artiste, il fait des portraits de gens simples et inconnus, peint des prostituées qui acceptent une rémunération pour poser, brossent des paysages sans connotation historique. Il rejoint déjà les peintres des rivages ouverts et lumineux de la péninsule danoise de Skagen  dont il fera partie.

Il termine sa carrière artistique en tant que directeur de l'Académie des beaux-arts d'Oslo.

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Gottfried Lindauer (1839- 1926) - Self Portrait

 

Gottfried Lindauer (1839- 1926)

Self Portrait, 1862

Gallery of Western Bohemia

Gottfried Lindauer qui peignit les magnifiques portraits de chefs maori publiés dans ce blog valait bien que l'on publia aussi son propre portrait . Ici il est âgé de 23 ans et se représente lui même sous des traits plutôt sévères. D'origine tchèque, Lindauer commença à étudier la peinture dès 1855, à  l'Académie des beaux-arts de Vienne (Autriche).
Après avoir commencé une honnête carrière de peintre de sujets religieux en Autriche, il quitte soudainement la Bohême où il résidait pour aller s'installer en Moravie pendant trois ans. De là, pour éviter d'être enrôlé dans les troupes de l'empire austro-hongrois, il part pour l'Allemagne et, en 1874, embarque sur un bateau en partance pour... la Nouvelle-Zйlande, une terre lointaine et réputée sauvage dont l 'éloignement suffisant lui convient.
C'est sur cette terre de Nouvelle Zélande, que Lindauer va devenir célèbre en peignant les portraits de tous les grands chefs Maoris de son temps. Les chefs maoris appréciant hautement que Lindauer, peignent avec une précision jamais atteintes jusqu'alors leur tatouage rituels (les mokos) aussi bien que leur costumes, leurs ornements et leurs armes, défilèrent littéralement dans son atelier lui passant commande de ce qui allait devenir la plus grande collection de portraits maoris de tous les temps.
Cette série de spectaculaires portraits grandeur nature des chefs maoris et des guerriers fut exposée par Sir Walter Buller à l' Exposition coloniale et indienne de 1886, propulsant ainsi Lindauer sur la scène artistique coloniale comme le spécialiste incontesté des "Maoris at home", qui devint un sujet d'étude particulier.
L'un de ces portraits représentant un jeune danseur Poi (sans moko sur le visage), était tellement admiré par le prince de Galles que Sir Walter Buller le lui offrit.
Les portraits maoris de Lindauer, comme beaucoup de ceux que peignirent aussi Ellen von Meyern et Frances Hodgkins, ne représentaient pas seulement des hommes mais aussi des femmes symbolisant souvent une maternité primitive heureuse. Son portrait de femme maori le plus célèbre est celui de Heeni Hirini, aussi connue sous le nom d’Ana Rupene, portant un bébé sur le dos et que Lindauer a peint plus de 30 fois !
Après être revenu une seule fois dans son pays natal en 1886–1887, Lindauer choisit de retourner s'installer définitivement en Nouvelle Zélande et de s'établir à Woodville, près de Wellington, après qu'il eut épousé Rebecca, fille de Benjamin Prance Petty.
Lindauer est est enterré dans le cimetière Old Gorge de Woodville en Nouvelle Zélande.
Depuis son décès ses portraits maoris ont fait le tour du monde et l'ont établi comme un portraitiste sans équivalent des maori au tournant des 19 et 20e siècle.

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William Larkin (1580-1619) - Portrait of Sir William Pope

 

William Larkin (1580-1619) 

Portrait of Sir William Pope

Yale Center for British Art

William Larkin était un peintre anglais actif de 1609 jusqu'à sa mort en 1619, connu pour ses portraits  de membres de la cour de Jacques Ier d'Angleterre qui ont su capturer, avec une foule de détails, la superposition opulente de textiles, broderies, dentelles et bijoux caractéristiques de la mode à l'époque jacobéenne, ainsi que de nombreux beaux exemples de tapis orientaux dans la peinture de la Renaissance.
Une quarantaine de portraits de Larkin ont été identifiés, de courtisans et de gentilshommes, mais il ne semble jamais avoir peint des membres de la famille royale. Une série de neuf portraits en pied de Larkin, anciennement propriété des Earls of Suffolk et maintenant connue sous le nom de Suffolk Collection, est hébergée à Kenwood House, Londres.
Bien que le rôle de Larkin en tant que peintre de portraits soit enregistré dans des documents contemporains, aucune œuvre ne peut lui être attribuée avant 1952, année où  James Lees-Milne  identifia Larkin comme le peintre de deux portraits à l'huile sur cuivre qui était jusque là faussement attribués  à Isaac Oliver.

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Johann Eleazar Schenau (1737-1806) - Etude académique d'un nu masculin

 

Johann Eleazar Schenau (1737-1806)

Étude académique d'un nu masculin assis sur un bloc avec un bas-relief antique, 1779-81

 Collection privée

Dessin à  la craie noire rehaussée de craie blanche sur papier brun clair.

Le peintre allemand Johann Eleazar Zeissig dit Scheneau ou Schönau, futl'un des fondateurs de l'École allemande de peinture.  Grâce au peintre français Louis de Silvestre, directeur de l'Académie de Dresde où Schenau fut élève, le jeune Johann put aller à Paris, où il fut accueilli et formé par son compatriote le graveur Johann Georg Wille (1715-1808).
En 1770, Schenau fut appelé par l'électeur de Saxe pour diriger l'Académie de Dresde
Il fut, entre autres, interprété par les graveurs Louis Michel Halbou et Heinrich Guttenberg, ses contemporains.

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Pavel Tchelitchew (1898-1957) - Le chapeau vert

 

Pavel Tchelitchew (1898-1957)

Le chapeau vert, 1928

Collection privée

D'origine aristocratique, Pavel Tchelitchew suivit sa famille à Kiev après la révolution de 1917 avant d'émigrer en France en1923. C'est à Paris qu'il fit ses débuts de portraitiste. Au Salon d'automne de 1925, Gertrude Stein remarqua son talent et lui acheta tout le contenu de son atelier. C'est par son intermédiaire d'ailleurs qu'il fit la connaissance de René Crevel et Christian Bérard mais aussi d' Edith Sitwell, dont Tchelitchew réalisa le portrait. C'est chez Gertrude Stein aussi que Tchelitchew rencontra celui qui allait devenir son compagnon pendant de nombreuses années, le poète et écrivain américain Charles Henri Ford (1908-2002) dont il a très souvent fait le portrait. A Paris, Pavel Tchelitchew travailla ensuite pour Serge de Diaghilev en créant des décors et des costumes des Ballets russes en 1928. En 1930, Tchelitchew présenta ses oeuvres dans le cadre d'une exposition collective au Museum of Modern Art de New York, tout juste ouvert depuis un an seulement.
En 1933, il décide de s'installer avec son compagnon Charles Henri Ford à New York où il continue à travailler pour des metteurs en scène et des chorégraphes, comme George Balanchine ou A. Everett Austin (Wadsworth Atheneum de Hartford).
Tchelitchew acquit la nationalité américaine en 1952. Un peu moins de 150 de ses peintures sont conservées au MoMA à New York.

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Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) - Portrait d'un marin de bateau à moteur,

 

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) 

Portrait d'un marin de bateau à moteur,  1962 

 Collection  privée 

Né dans la région de Volgograd, il reçoit son diplôme de l'Ecole d'art de Stalingrad en 1939

Il participe activement à ce que les Russes appellent alors la grande guerre patriotique du 2 juillet 1941 et que nous appelons la Seconde guerre mondiale, en tant que commandant au département des communications, batterie 544 du régiment d'artillerie. Il continua à servir dans la 117e brigade d'artillerie RVGK, au quartier général du Département des renseignements avec le grade de sergent. Il a pris une part active aux batailles de Moscou, de Vyazma et à la terrible et légendaire bataille de Stalingrad. Il a participé à la libération de Smolensk, Minsk, s'est battu en Lituanie, en Prusse, a participé à l'assaut de Koenigsberg.

Pour ses hauts faits militaires, il reçut l'ordre de Patriotes de guerre I degré, l'Etoile rouge et les médailles "Pour le courage", "Pour le mérite militaire", "Pour la défense de Moscou", "Pour la capture de Koenigsberg" et bien d'autres encore.

Après la guerre, il fut membre de l'Union des artistes de l'URSS. Il a été élu à deux reprises président du conseil d'administration de la branche de Volgograd de l'Union des artistes et passa l'essentiel de sa vie à Volgograd.

Il fait partie des artistes qui ont magnifié, à travers ses tableaux typiques du style Réalisme Soviétique, toutes une époque de l'histoire de la Russie principalement dans les actions quotidiennes de ses héros anonymes.

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William Sidney Mount (1807-1868) - The Bone Player

 

William Sidney Mount (1807-1868)

The Bone Player, 1856.

Museum of Fine Arts, Boston 

Né à Long Island, William Sydney Mount a fait ses classes  chez son frère, peintre de portraits et d'enseignes, puis a étudié à la National Academy of Design de New York. En 1856, au moment où il peint The Bone Player (Le Jouerur d'os), Mount était déjà bien établi comme l'un des principaux artistes américains de son temps.
The Bone Player a été peint sur commande des imprimeurs Goupil and Company pour servir de base à deux lithographies de musiciens afro-américains, destinées à être vendues sur le marché européen. En réalité c'est le dernier d'une série de cinq portraits  de musiciens que Mount a exécutés entre 1849 et 1856. Il a intitulé la composition  The Bone Player, indiquant ainsi que c'était plutôt le talent musical de son modèle qui l'intéressait que son identité Afro-Américaine.
Les os sont, joués par deux, un instrument de percussion (ou de concussion) résonnant par lui-même. La technique a été introduite aux Etats-Unis par des immigrants irlandais qui remplaçaient souvent les os par des petites cuillères en métal. Des traces très anciennes de cet instrument se retrouvent un peu partout à travers le monde dans les  civilisations de Chine, d'Égypte, Grèce, Rome impériale, Inde du Nord ou Afrique.  Au 19e siècle, les os ont contribué à l'enrichissement et quelquefois à l'émergence de nombreux genres musicaux, comme les minstrel shows, le blues, la musique irlandaise traditionnelle, le bluegrass, le zarico, la musique québécoise et celle de l'île du Cap-Breton.
Le claquement des os produit un son très sec, beaucoup plus marqué que celui de la planche à laver autre instrument de concussion apparu  plus tard à La Nouvelle-Orléans. Mount  qui lui-même jouait du violon et adorait la musique représenta de nombreux portraits   afro-américains ou non.
Il savait que des représentations de musiciens afro-américains se vendraient mieux que les autres : ces musiciens  séduisaient à la fois les Européens en raison de leur "exotisme" et les Américains parce qu'ils étaient considérés comme distinctement américains.
Mount n'était pas abolitionniste, mais qu'elles qu'aient été ses idées politiques, il a soigneusement éviter de caricaturer le physique de son sujet comme un type et se livre plutôt à une  description de l'individu lui-même avec ses pommettes hautes, ses dents blanches et sa moustache soignée. Ce faisant, il s'inscrit  à l'opposé des représentations des Afro-Américains dans la peinture de genre de son époque qui utilisait souvent la caricature. La taille, grandeur nature, du tableau, facilite encore  un peu plus l' approche humaine individuelle  que peut avoir le spectateur de ses personnages. 

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Hendrick Goltzius (1558-1617) - Mercure

 

Hendrick  Goltzius (1558-1617) 

Mercure. 1611

Mauritshuis, Den Haag

Hendrik Goltz ou Hendrick Goltz, connu sous la forme latinisée de son nom, Goltzius est un dessinateur, peintre et graveur néerlandais. Ses gravures, très prisées, issues de ses propres dessins ou transposant les œuvres de ses contemporains, contribuèrent efficacement à la diffusion du maniérisme en Europe. Conscient de la valeur de son art et animé de la volonté d'indépendance propre aux créateurs passionnés et désintéressés, Goltzius adopta pour devise Eer boven Golt, ce qui signifie littéralement « l'honneur est au-dessus de l'or » ou, par jeu de mot, « l'honneur est sur Golt[z] ». Il illustra cette devise en 1607, sur la page d'un album conservé à la Bibliothèque royale de La Haye, par un emblème représentant un angelot ou un petit génie ailé couronné de lauriers juché sur un caducée hermétique surmontant des sacs remplis de pièces d'or...
 
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Sébastien Bourdon (1616-1671) - Portrait d'un homme (Nicolas Fouquet jeune)

 

Sébastien Bourdon (1616-1671)

Portrait d'un homme (Nicolas Fouquet jeune)

Musée National du Château de Versailles

Brièvement soldat à 18 ans, son adolescence bohème le conduisit d' abord de ville en ville, avec son père qui était peintre sur verre (itinérant). Après 1634, il est à Rome où il étudie les œuvres de Claude Lorrain, de Caravage, de Pieter van Laer. Sa précocité le rend vite célèbre : à 20 ans, il produit des chefs-d’œuvre d’une rare sensibilité. Menacé par l’Inquisition comme calviniste, il doit rentrer à Paris en 1637. Il peint le Martyre de saint Pierre, tableau qui le plaça au rang le plus élevé parmi ses contemporains. Excellant dans tous les genres, il réalise des bambochades ou des scènes de bataille, au goût d’une clientèle parisienne séduite par sa palette riche en couleurs. Devenu en 1648 l’un des douze membres fondateurs de l'Académie royale de peinture et de sculpture, il rêve de créer à Montpellier, sa ville natale, une académie sœur.
En 1652, il est à Stockholm, invité par la reine Christine de Suède qui le nomme son premier peintre. En 1657, lors d’un ultime séjour dans sa ville natale, Bourdon peint La Chute de Simon le magicien pour la cathédrale Saint-Pierre, où ce grand tableau est toujours visible.

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Le plongeur - Tombe du Plongeur de Paestum

 

Le plongeur

Tombe du Plongeur de Paestum, c.480 av..J.-C

Musée archéologique national de Paestum

La fresque de la Tombe du Plongeur est composée d'une série de scènes peintes dans une tombe à caisson datant de la Grande-Grèce, découverte le 3 juin 1968 par l'archéologue Mario Napoli, pendant les fouilles d'une petite nécropole située à 1,5 km au sud de Paestum (Poseidonia, Italie), cité fondée par des colons de Sybaris. Elle se trouve actuellement exposée au Musée archéologique national de Paestum. Elle daterait de 480-470 av. J.-C.
Une des dalles décrit un motif d'homme plongeant dans l'eau, connu sous le nom de motif du Plongeur..Ce motif, situé sur la voûte céleste et face au mort, peut éventuellement symboliser le saut vers l'inconnu. L'homme plonge vers une étendue d'eau à surface convexe, représentant la mer (Okéanos). On remarque également la récurrence du chiffre 7, présent dans la représentation du jeu de colonnes d'où saute le plongeur ainsi que dans les branches des arbres, qui sont des oliviers. Ce chiffre symbolise la régénération. Les branches des arbres peuvent aussi témoigner d'une possible amélioration de la vie une fois le défunt dans « l'au-delà » (l'Hadès, « l'invisible ») : on peut observer que l'arbre situé à droite et localisé derrière le plongeur, connaît par endroits des cassures au niveau de ses branches tandis que l'autre arbre, situé à gauche, est entièrement redressé. Par ce saut situé sur la face intérieure du couvercle du caisson, l'artiste a voulu peut-être tout à la fois rendre hommage aux qualités athlétiques du défunt et symboliser dans un même geste le passage du temps et le changement d'état, la vie donc. L’au-delà, le monde de l’Hadès, est possiblement représenté par ce qui est sous l’eau (où est le non-visible, l'inconnu), la limite entre le monde des vivants et celui des morts étant représentée par cette colonne d’où plonge le personnage.

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Hans Holbein the Younger (1497 / 1498-1543) - Portrait de Boniface Amerbach

 

Hans Holbein the Younger (1497 / 1498-1543)

Portrait de Boniface Amerbach, 1519

Huile sur panneau de pin

Kunstmuseum Basel

Ce portrait a été l'une des premières commandes reçue par Holbein à Bâle. Le jeune universitaire Bonifacius (ou Boniface) Amerbach (1495-1562) était le fils d'un imprimeur  particulièrement actif dans les cercles humanistes de Bâle, devint  rapidement un ami et un admirateur de Holbein. Amerbach, qui a ensuite enseigné le droit romain à l'Université de Bâle, était également un ami du grand savant humaniste Desiderius Erasmus, qui en a fait son unique héritier.
C'est ainsi que Bonicafe Amerbach put se permettre de collectionner les œuvres d'Holbein. Cette collection élargie après sa mort par son fils Basilius, a formé le noyau de la collection de l'actuel  Musée des beaux arts de Bâle.
Le format presque carré de la peinture est inhabituel. Derrière le personnage, on peut voir  un figuier et l'esquisse d'une chaîne de montagnes enneigées. La tablette d'inscription à gauche contient un vers latin d'Amerbach que l'on peut traduire ainsi  : "Bien que je sois un visage peint, je ne suis pas la simple reproduction du visage vivant ; je me considère comme son égal .... Au moment de ce portrait, j'ai déjà  vécu huit fois trois ans, et à travers moi cette œuvre d'art dépeint avec diligence ce qui appartient à la nature ". Viennent ensuite les noms d'Amerbach et Holbein et une date précise. (Références: Buck, p. 24; Paul Ganz, Holbein. The Paintings: Complete Edition, Londres: Phaidon, 1956, p. 227.) 

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Joueur de Basket

  

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)

Joueur de Basket, 1949

Collection privée

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.

Il affectionnait particulièrement les portraits des marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit.

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