Giovanni Francesco Barbieri dit Le Guerchin (1591-1666) - Etude de jeune homme

 

Giovanni Francesco Barbieri dit Le Guerchin (1591-1666)

Etude de jeune homme

Collection privée

Autodidacte, Giovanni Francesco Barbieri se perfectionne en dessin par l'étude des tableaux des Carrache, soit au travers d'oeuvres conservées à Cento, soit par l'intermédiaire de Bononi et de Scarsellino qui réalisèrent des retables dans la région. En 1608, à 17 ans, il rencontre Benedetto Gennari, peintre de l'école de Bologne. Installé  à Bologne, i il entre en contact  avec le cercle  artistique des Carrache, grêce à G. B. Cremonin. Attiré par le style de Louis Carrache, il développa son usage de la lumière. Il étudie le Caravage à Venise et l’œuvre de Rubens à Mantoue.
En 1616 à Ferrare il a, à travers Scarsellino, un premier contact avec la peinture vénitienne, qu'il peut approfondir pendant son séjour à Venise (1618) avec l'étude des grands maîtres vénitiens du XVIIe siècle.

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Glyn Warren Philpot (1884 -1937) - Portrait of Frank Coombs

 

 Glyn Warren Philpot (1884 -1937)

Frank Coombs, 1930

Victoria Art Gallery

Frank Coombs (1906 -1941) fut un peintre, architecte et marchand d'art britannique. Il faisait partie des  artistes du London Group .

Glyn Warren Philpot, est un peintre et sculpteur anglais, surtout connu pour ses portraits à l'huile.
Il étudie à la Lambeth School of Art en 1900, puis à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens.

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Hans Holbein le Jeune (1497-1543) - Portrait d'un homme inconnu

 

Hans Holbein the Younger (1497-1543)

Portrait d'un homme inconnu 

Collection Privée 

Hans Holbein le Jeune est un peintre et graveur allemand, l'un des peintres les plus importants de la Renaissance.Spécialisé dans les portraits, il devint à partir de 1536peintre-valet de chambre d'Henri VIII, puis très rapidement peintre officiel de la cour d'Angleterre. Entre 1538 et 1539, il voyagea en Europe afin de faire le portrait des princesses candidates au mariage avec Henri VIII après la mort de Jeanne Seymour. En 154, c'est Anne de Clèves que le roi épouse. En 1543, entre le 7 octobre et le 29 novembre, en pleine gloire, Holbein Le Jeune meurt de maladie à l'âge de 46 ans environ. Beaucoup de ses œuvres se trouvent encore dans les collections royales britanniques. Recherchant derrière les apparences les expressions marquantes des visages, il fait lsouvent a synthèse entre les traditions gothiques et les nouvelles tendances humanistes.

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Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548) - Berger à la flûte

 

Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548)

Berger à la flûte, 1525
Paul Getty Museum

Giovanni Gerolamo Savoldo est un peintre lombard de la haute Renaissance. Quoique surtout actif à Venise, où il vit durant une longue période, il est toujours resté fidèle à la fibre naturaliste de l'art lombard, finissant par être considéré comme l'un des trois grands maîtres de la première Renaissance bresciane avec Il Romanino et Il Moretto.
Ses « nocturnes » (scènes de nuit avec une source de lumière intérieure à la peinture) furent une source d'inspiration et probablement un point de départ dans la formation du Caravage.

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Giandomenico Tiepolo (1727-1804) - Tête de jeune homme s'appuyant sur main gauche

 

Giandomenico Tiepolo (1727-1804)

Tête de jeune homme s'appuyant sur main gauche 

Craie rouge, rehaussée de blanc sur papier bleu

The Fitzwilliam Museum, U. K.

Giandomenico est le fils aîné de Giambattista Tiepolo .C'est le frère de Lorenzo Tiepolo et le neveu de Francesco Guardi et de Gianantonio Guardi.
Formé dans l'atelier de son père, il est remarqué pour ses prouesses en dessin à l'âge de seize ans, et devient bientôt l'un de ses plus proches collaborateurs. Il se consacre à la gravure (1748-1749) et reproduit des peintures de son père.
À l'âge de 23 ans, il accompagne son père auprès du Prince-évêque Carl Philipp von Greiffenklau, pour travailler à la Résidence de Würzburg entre 1750 et 1753. Il impressionne le prince-évêque qui lui commande deux dessus de porte pour Kaiseraal, puis une série de tableaux historiques et religieux.
À la mort de son père en 1770, il retourne seul à Venise, laissant son frère Lorenzo à Madrid. En 1772 il est nommé maître de l'Académie de Venise dont il avait été un membre fondateur en 1756, et en devient le président en 1783.
En 1783 il est engagé dans la décoration du palais ducal à Gênes, où il peint la fresque de La Gloire de saint Jacques Giustiniani, aujourd'hui perdue, mais dont il subsiste l'esquisse au Metropolitan Museum de New York.
En 1791, retourné dans la villa familiale à Zianigo (frazione de Mirano), il en reprend les fresques commencées en 1759 et terminées en 17972, qui, détachées en 1906, sont conservées aujourd'hui à la Ca' Rezzonico de Venise.

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George Platt Lynes (1907-1955) - Self Portrait

 

George Platt Lynes (1907-1955)

Self Portrait

National Portrait Gallery, Washington DC

George Platt Lynes est un photographe de mode et de publicité américain.
Tout en poursuivant sa carrière de photographe de mode et en travaillant pour des clients aussi importants que Bergdorf Goodman et Saks Fifth Avenue dans les années 1930 et 1940, il perd peu à peu le goût pour ce travail et entreprend une série de photos sur des personnages et des histoires de la mythologie grecque.
Vers le milieu des années 1940, désabusé, il quitte New York pour Hollywood, où il devient photographe en chef des studios Vogue. Il photographie Katharine Hepburn, Rosalind Russell, Gloria Swanson et Orson Welles, ainsi que d'autres artistes parmi lesquels Aldous Huxley, Igor Stravinski et Thomas Mann. C'est un succès artistique mais un échec financier.
Ses amis l'aident à rentrer à New York, en 1948. Mais d'autres photographes tels que Richard Avedon, Edgar de Evia et Irving Penn ont pris sa place dans le monde de la mode. Le travail commercial ne l'intéresse plus et il ne parvient pas renouer avec le succès.
Il consacre alors sa vie photographique à l'imagerie homoérotique (cf. portrait ci-dessus). Il avait commencé dans les années 1930 à photographier des nus dans son cercle d'amis et d'artistes, dont le jeune Yul Brynner, mais ces tirages n'étaient connus que par des intimes. Il commence à travailler avec le docteur Alfred Kinsey et son institut à Bloomington (Indiana), qui de nos jours renferme la plus grande collection de nus masculins.
ll se déclare deux fois en faillite.
En mai 1955, on lui découvre un cancer des poumons en phase terminale. Il ferme son studio de photographie, détruit la plupart de ses tirages et de ses négatifs, principalement des nus masculins. Après un dernier voyage en Europe, Lynes revient à New York où il meurt.

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Glyn Warren Philpot (1884-1937)- Acrobats Waiting to Rehearse (detail)

 

Glyn Warren Philpot (1884-1937)
Acrobats Waiting to Rehearse (detail) 1936
Brighton & Hove Museums and Art Galleries

Glyn Warren Philpot, est un peintre et sculpteur anglais, surtout connu pour ses portraits à l'huile.
Il étudie à la Lambeth School of Art en 1900, puis à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens.
Sa première exposition a lieu à la Royal Academy en 1904 ; il y est élu en 1923.
Il est membre de l'International Society à partir de 1913 et reçoit cette même année une médaille d'or du Carnegie Institute de Pittsburgh.
Fort de toutes ses récompenses et reconnaissances, Philpot se spécialise dans les portraits qu'il peint au rythme d'un par mois, ce qui lui assure des honoraires de plus en plus confortables à mesure que ses portraits gagnent en notoriété... ce qui arrive assez rapidement.
ette relative aisance financière lui permet de voyager en France, en Italie aux États-Unis ou en Afrique du Nord, où il a le loisir de trouver des sujets à sa guise dans un style parfois symboliste.
En août 1915, Philpot fait la connaissance du jeune officier Vivian Forbes pendant qu'ils suivent ensemble leurs classes militaires aux Royal Fusiliers à Aldershot. Ils parviennent tous deux au grade d'officier et sont démobilisés en 1917.
Forbes débute alors une carrière de peintre, conseillé par Philpot, et leur relation devient intime au point qu'ils se lient d'une amitié amoureuse qui durera 20 ans.
Entre 1923 et 1935, dans leurs années de bonheur, les deux peintres partagent un appartement et un atelier à Londres à Lansdowne House (Lansdowne Road).
Le 18 décembre 1937, Philpot meurt d'une attaque cardiaque.
Le 22 décembre 1937, ses funérailles ont lieu à la cathédrale de Westminster.
Le 23 décembre 1937, Forbes se suicide par surdose de somnifères.
Philpot est enterré dans une tombe de granite rose au cimetière de l'église Saint-Pierre de Petersham (Grand Londres). Il était membre de l'International Society of Sculptors, Painters and Gravers.

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Leendert van der Cooghen (1632–1681) Mars, 1644

 

Leendert van der Cooghen (1632–1681) 

Mars, 1644

Leendert van der Cooghen (1632-1681) était un peintrede l'âge d'or hollandais originaire de Haarlem. Surtout connu comme un peintre de paysages, de portraits et de scène de genre, il fut formé par Jacob Jordaens. Descendant de la riche famille Beresteyn, il avait assez d'argent pour envisager la peinture comme un passe-temps plutôt que comme une profession. C'est sans doute une des raisons pour lesquelles, sa production ne fut pas assez conséquente pour franchir les frontières de Haarlem.

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Joseph Chinard (1756-1813) - Eros endormi

 

Joseph Chinard (1756-1813)

Eros endormi, ca 1798-1813

Collection privée

Le sculpteur lyonnais Joseph Chinard,  qui appartient  au courant néoclassique français fait partie des premiers artistes  française que l'on peut qualifier dire réellement politisé tant le rôle qu'il a joué  sous la Révolution française fut iportant.
D'origine modeste, naturellement acquis aux nouvelles idées, il s'en fit rapidement le défenseur acharné. Ainsi en 1791, il entreprit un voyage en Italie dans le but de créer deux groupes d’inspiration révolutionnaire, commandés avant son départ par M. Van Risambourg pour un trépied de candélabre : Jupiter foudroyant l’Aristocratie et le Génie de la Raison foulant aux  pieds la Superstition (c'est-à-dire la Religion). Dans la nuit du 22 au 23 septembre 1792,  il est dénoncé et arrêté puis jeté au château Saint-Ange avec son  jeune élève den architecture, sur ordre du pape pour ouvrages subversifs.
Dès que la nouvelle de son incarcération parvient à l'Assemblée, il y eut une forte mobilisation de l'élite française d'alors autour de sa libération, Les membres du Conseil exécutif provisoire (MM.Lebrun, Roland, Monge, Clavière, Prache, Garat) signèrent une lettre pour faire libérer les deux hommes et ipso-facto pour défendre les valeurs et les symboles révolutionnaires en Europe. La lettre aurait même été « tracée secrètement par une femme », en l’occurrence Manon Roland, la femme du ministre de l'Intérieur.
Finalement  le pape accepta de libérer  le deux artistes le 13 novembre sous condition qu’il quitte l’État ecclésiastique en laissant l’ensemble de leurs biens et œuvres, sans aucune ressource. À leur retour, ils devinrent évidement, des symboles de la lutte révolutionnaire face à la tyrannie monarchique et religieuse.  Accueillis en héros comme on peut le lire dans l’exposé Les faits patriotique du citoyen Chinard, rédigé par Joseph Antoine Boisset.
Plus tard, l a période du Consulat s’avéra très propice pour lui et l’avènement du Directoire lui ouvrit une période de stabilité. Il exposa aux Salons parisiens de 1798 à 1812. Les faveurs de Napoléon entraînèrent  une hausse des commandes : portraits de la famille Bonaparte,  participation aux décors de l’arc de triomphe du Carrousel à Paris (1812), sollicitation pour celui de Bordeaux ou encore création d’une statue pour la fontaine de la place de la Douane à Marseille...

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Antonio Mancini (1851-1930) - Portrait d'un homme

 

Antonio Mancini (1851-1930) 

 Portrait d'un homme

Collection privée

Antonio Mancini est un peintre italien rattaché au mouvement pictural des Macchiaioli.

Sa précocité et son habilité artistique lui permettent d'être admis à l'âge de douze ans à l'Académie des beaux-arts de Naples, où il est l'élève de Domenico Morelli, de Stanislao Lista et de Filippo Palizzi. Il se consacre au portrait et à la peinture de genre anecdotique. Son art s'identifie avec le courant du vérisme.
Pendant son séjour parisien, il fait la connaissance des impressionnistes Edgar Degas et Édouard Manet. Il devient aussi l'ami de John Singer Sargent qui le considère comme le meilleur peintre vivant.

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Noël Coypel (1628-1707) - Apollon

 

Noël Coypel (1628-1707)
Apollon, 1665.
Collection privée

L'artiste-peintre français de l’école classique. Noël Coypel,  étudia d’abord à Orléans chez un élève de Simon Vouet, du nom de Poncet, qu’il quitta à l’âge de 14 ans pour monter à Paris.
A partir  1655, il peignit  plusieurs tableaux pour les appartements du roi, au Louvre, du cardinal Mazarin, et lors du mariage de Louis XIV, les plafonds de l’appartement de la reine, ceux de la salle des machines (l’opéra) aux Tuileries, et d’autres compositions à Fontainebleau.
Il devint très rapidenent officiel de son époque et exerça le poste de directeur de l'Académie de France à Rome de 1673 à 1675.
 En 1705, âgé de 77 ans, il entreprit les peintures à fresque qui sont au-dessus du maitre-autel de l’église des Invalides et représentent une Assomption de la Vierge. Ce pénible ouvrage lui causa une longue maladie, dont il mourut la veille de Noël, jour même de sa naissance. Il fut enterré à Saint-Germain-l'Auxerrois. Ses compositions ont été gravées par Poilly, Boulanger, Regnesson, Château, Picart le Romain, Dupuis, Duchange et Cochin.

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Photographie anonyme - Détente dans une courette Perse c.910.

 

 Photographie anonyme

Détente dans une courette Perse  c. 1910.

Dans la lignée de l'orientalisme mis au goût du jour par Pierre Loti, ces messieurs se détendent ! 

L'un fume le narguilé, l'autre sirote un (bon?) vin local, un troisième au déguisement vaguement turc et au turban assuré fume un cigare ; un quatrième enfin, déguisé en pseudo geisha s'évente de tous côtés !!!

Tous portent la moustache. 

Le chien caché sous le sofa, pressant le pire !

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Baccio Bandinelli (1493-1560) - Hercule Endormi

 

Baccio Bandinelli (1493-1560)

Hercule endormi, 1550s  

Marbre, 13 cm x 56 x27 cm

The State Hermitage Museum 

Acquis par le musée de l' Hermitage de Saint Petersbourg en193, ce petit marbre se trouvait auparavant dans les collections de la famille Stroganoff. Bandinelli a sculpté et dessiné Hercule à de nombreuses reprises, la plus célèbre de ces sculptures étant celle qui se trouve toujours aujourd'hui  dans l'espace public sur la Piazza della Signoria à Florence : Hercules et Caccus

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Gustave Doré (1832-1883) - Taverne à Whitechapel

 

Gustave Doré (1832-1883)  

Taverne à Whitechapel, 1869

The State Hermitage Museum, St. Petersburg

Avec cette magnifique gouache de Gustave Doré, on est assez éloigné de l’atmosphère feutré des clubs anglais ! C’est dans une taverne du quartier mal très famé de White Chapel, dans une ambiance proche des romans de Charles Dickens, que Gustave Doré entraine le spectateur.
La lumière est si absente que l’on ne distingue presque rien si ce ne sont quelques silhouettes de miséreux qui de détachent de chaque boxe. Rangés là comme dans une écurie, ils regardent entrer les « chapeautés » de la société Victorienne en plein essor industriel.
Accompagné de policiers de Scotland Yard, Doré fit, lors d’un séjour de travail a Londres, le tour complet de la ville, du quartier ouvrier de l’East End à ce quartier des mendiants et des marginaux de Whitechapel, réalisant de nombreux croquis sur le motif .
Ces croquis et gouaches seront utilisés comme illustrations dans l’ouvrage « Londres, un pèlerinage " (1872) de Blanchard Jerrold.

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Frederic Leighton (1830–1896) - Dédale et Icare

 

Frederic Leighton (1830–1896)

Dédale et Icare, c.1869

Collection Privée

Frederic Leighton ou Lord Leighton fut un peintre et sculpteur britannique de l'époque victorienne qui fut très à la mode et exerça une forte influence sur son époque, si bien qu'il fut élu en 1878 président de la Royal Academy.
Ses peintures convenaient parfaitement à l'esprit nostalgique de l'époque victorienne : elles reflètent sa quête de l'« âge d'or » remontant aux périodes de la Grèce et de la Rome antiques ou évoquant les grands moments de la Renaissance florentine.
Grand coloriste, Leighton n'hésitait jamais  à rassembler des couleurs contrastées  dans un même espace. Ici on remarque le bleu de cape d'Icare, le blanc de la falaise et le rouge du reste de la cape jeté au sol alors qu'Icare chausse son aile fatale !

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Paul Cézanne (1839-1906) - Le Baigneur

 

Paul Cézanne (1839-1906) 

Le Baigneur, c. 1885 

Huite sur toile , 127 x 96.8 cm

 MoMA, New York

Visible au 5 étage,  501, du Moma, ce Baigneur  a été entièrement réalisé par Cézanne dans son atelier.  Aucune séance en extérieur  n'a été nécessaire. Il a réalisé le paysage d'après une  photographie puis il a colle l'image du modèle qui a posé en atelier comme pour un nu classique. 

 Le contour  au trait noir du corps du baigneur  semble désolidariser  le sujet du paysage au dessus duquel il semble voler.

C'est dans les années 1870, que Cézanne a commencé à peindre des scènes de baigneurs - des groupes d'hommes et de femmes se prélassant, nageant et se tenant debout dans et autour de points d'eau boisés. Ce genre de sujet est assez en vogue chez les peintres de son époque. 

Dans ce tableau, Cézanne s'est concentré sur la figure d'un jeune homme solitaire, qu'il a placé au centre del a composition, debout, les mains sur les hanches, un pied devant l'autre et les yeux baissés. Rien d'athlétique ou d'extraordinaire chez ce baigneur  qui semble  bien maladroit  et timide - à la fois physiquement malingre et psychologiquement distant.  

Quelques décennies plus tard, on retrouvera ce type d'attitude chez certains personnages de Picasso (période bleue)

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Charles Bargue (1827-1883) - Tête de jeune homme, étude pour La Sentinelle Albanaise

 

Charles Bargue (1827-1883) 

Tête de jeune homme, étude pour La Sentinelle Albanaise, 1876

Stockholm, Nationalmuseum

Cette tête de jeune homme réalisé en 1876 est une étude pour La Sentinelle albanaise, une huile sur toile (ci-dessous) réalisé la même année et qui présente un jeune soldat accompagné de son chien. La composition est tout à fait dans le goût orientaliste des  peintures de Jean-Léon Gérôme dont il fut  l'élève et avec lequel il travailla en étroite collaboration, notamment sur la série des Bashi Bouzouks.  Vers 1864, il produisit avecle même  Jean-Léon Gérôme un cours de dessin, publié à partir de 1866 par Goupil & Cie, société dont Gérôme était actionnaire. Les cours, qui étaient composés de 197 lithographies imprimées sur des feuilles individuelles, servaient à guider les étudiants en art dans l'étude et la découverte des grands maîtres de la peinture pour se préparer à la peinture et au dessin. Parmi les artistes qui ont fait appel aux cours de Bargue, Vincent van Gogh, qui a copié l'intégralité des cours entre 1880 et 1881, et à nouveau en 1890. 

 

Charles Bargue (1827-1883) 

La Sentinelle Albanaise, 1876

Collection particulière




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Albrecht Dürer (1471-1528) - Hommes au bain

 

Albrecht Dürer (1471-1528),

Hommes au bain,  1497 

Albertina, Vienne

Cette gravure sur bois de Dürer, représente des hommes au bain.
Les deux jeunes hommes coiffés de turban  au premier plan devisent aimablement (on va dire!),  un autre boit, un autre rêvasse près d'un robinet judicieusement disposé et les deux du centre font de la musique. D'ailleurs, celui qui joue de la flûte en tenue légère au centre de la gravure n'est autre que Durer lui même dont on connait la passion presque pathologique des autoportraits (presque égal à celle  d'Egon Schiele !) . On remarque aussi l'arbre et ses curieuses formes qui le font ressembler à une sorte de Saint Sébastien végétal et néanmoins alangui !
Visiblement Dürer s'est beaucoup amusé dans cette gravure, sans doute lassé des commandes d'œuvres religieuses qu'il réalisa en nombre pendant les années précédentes..
Il s'agit donc aussi, au passage, d 'un autoportrait nu,  si l'on fait abstraction du bout de ficelle et la moitié de mouchoir qui lui servent de cache sexe. C'est même le premier portrait nu qu'il fit de lui bien avant celui de 1505 (Portrait d'un homme nu) où il se représente presque titubant et vieux.

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Giovanni Lanfranco (1582-1647) - Jeune homme sur un lit avec un chat

 

Giovanni Lanfranco (1582-1647)    

Jeune homme sur un lit avec un chat,1620-1622,

 Huile sur toile, 60 x 113 cm, 

Collection particulière (U.K)

Cette toile intrigante dans la production  principalement religieuse de  Giovanni Lanfranco a figuré dans la très intéressante exposition «Les Bas-fonds du Baroque, la Rome du vice et de la misère » présentée dans dans les Grandes Galeries du Petit Palais et à la Villa Medicis a Rome.  Elle incarne bien le visage sombre et violent de la Rome baroque du XVIIe siècle, et ses excès de toutes sortes, alors que la Ville Eternelle est souvent célébrée pour ses fastes et sa grandeur, symboles du triomphe de la Papauté. Elle évoque  l’univers clandestin et interlope de la capitale représentant un aspect inédit de cette étonnante production artistique romaine du Seicento.  Cette production artistique a pour point commun de dépeindre une Rome du quotidien privilégiant la vision « d’après nature » plutôt que celle louant le « beau idéal ». 

Les peintre comme Lanfranco  ou Caravaggio  participent à la vie nocturne de la cité et trouvent dans ses bas-fonds, ses tavernes, dans ce monde de misère, violent et grossier, où l’on boit et où l’on joue, une source inépuisable d’inspiration. Bon nombre de ces artistes, ceux venant d’Europe du Nord, se retrouvent au sein d’une société secrète, la « Bentvueghels » (les « Oiseaux de la bande »), placée sous la protection de Bacchus, dieu du vin et de l’inspiration artistique. Une vie de Bohême dont les peintres livrent parfois aussi des représentations empruntes de mélancolie, tirant des bas-fonds des toiles sublimes.
La Rome de cette époque est entière dans cette dualité  entre la violence de ses bas-fonds et les fastes des palais de la Papauté incitant des peintres comme Caravage à prendre de jeunes délinquants comme modèles pour ses Christs et des putains pour modèles de  ces vierges Marie. 

 

 

En 1631, Lanfranco, reconnu comme l'un des plus grands peintres du moment, est nommé Principe (Prince) de l'Accademia di San Luca. De 1634 à 1646, il est à Naples. Dans celle qui est alors la plus grande ville d'Italie, précédé par sa réputation, il est chargé de grandes décorations à fresque dans les principales églises de la cité. Il entreprend les décorations de la coupole de l'église jésuite Gesù Nuovo (1634-1637) puis s'attelle aux fresques de la nef de la chartreuse de San Martino (1637-1638) puis à la décoration, toujours à fresque, de la nef de l'église des Santi Apostoli (1638-1646) ainsi que de la coupole de la chapelle royale San Gennaro de la cathédrale (1641-1643), chantier prestigieux où il collabore à nouveau avec Le Dominiquin. Le décor qu'il réalisa pour l'église de l'Annunziata a été perdu à la suite de l'incendie qui provoqua l'écroulement d'une grande partie de l'église . Lanfranco rentre à Rome en 1646 et trouve encore le temps de réaliser des fresques pour l'église San Carlo ai Catinari avant de mourir dans la cité papale en 1647.
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Tête de Jupiter (Zeus) couronné de lauriers et de lierre

 

Tête de Jupiter (Zeus) couronné de lauriers et de lierre

Camée en sardonyx

Musée du Louvre, Paris 

Ce célèbre camée en Sardonyx conservé au Louvre ) Paris représente le dieu Jupiter couronné de lauriers et de lierre et portant une armure d'écailles  appartitnt à un empereur romain avant de faire partie des collections royales française.

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Wilho Sjöström (1873- 944) - Le Joueur de tennis

 

Wilho Sjöström (1873- 944) 

 Le Joueur de tennis, 1909

 Collection privée

Un joueur de tennis et un spectateur regardent sans doute en direction du cours de tennis de cette villa d'été qui semble tout à fait cossu. L'uniforme blanc pour joueur au tennis fut de mise jusque dans les années 1990 au moment ou le tennis quitta le domaine des sports élégants pour devenir plus populaire. Le short avait déjà remplacé le pantalon au début des années 50.
Wilho Sjöström est un peintre finlandais qui a étudié à l'Ecole de dessin de l'association des arts d'Helsinki. De 1893 à 1894, il est l'élève de Akseli Gallen-Kallela à Sääksmäki.
De 1894 à 1897, il étudie aussi à l'Académie Julian à Paris. En 1899, il est l'élève de Peder Severin Krøyer à Copenhague. En 1903-1904, il étudie à la Scuola libera del Nudo de Florence. Il pratiquera aussi à Rome et à Londres. Wilho Sjöström exposa ses oeuvres pour la première fois à Paris en 1897 et l'année suivante à Helsinki.

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MPS n° 6 - A LA MER - Août 2020

MPS n° 6 - Août 2020 est sorti

A LA MER

La mer : loisirs et travail, joies et deuils...

Veuillez cliquer sur l'image ci-dessus pour avoir accès au magazine lisible sur ISSUU

(Une version PDF est disponible sur demande par mail)

John Singer Sargent (1856-1925) - A bedoin

 

John Singer Sargent (1856-1925) 

A bedoin 

Private collection 

Au cours de sa carrière, John Singer Sargent peignit environ 900 toiles et plus de 2000 aquarelles, ainsi que d'innombrables croquis et dessins. Il fut actif en France et en Angleterre et peignit des compositions à personnages, compositions religieuses, scènes de genre, figures, portraits, intérieurs, paysages, marines, des compositions murales, à la gouache, à l'aquarelle. Ce fut aussi un dessinateur. Il est proche du courant de l'impressionnisme américain.

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Joseph Christian Leyendecker (1874-1951) - Football players

 

 

Joseph Christian Leyendecker (1874-1951)

Football players 

Private collection 

Joseph Christian Leyendecker fut l'un des plus importants illustrateurs américains du début du xxe siècle. Il est surtout connu pour ses affiches, livres, illustrations publicitaires, ainsi que la création de la figure du « Arrow Collar Man » pour la marque Arrow, et ses couvertures pour The Saturday Evening Post 

Entre 1896 et 1950, Leyendecker a peint plus de 400 couvertures de magazines. Pendant l'âge d'or de l'illustration américaine, pour The Saturday Evening Post seul, J. C. Leyendecker a produit 322 couvertures, ainsi que plusieurs publicités pour ses pages intérieures. Aucun autre artiste jusqu'à l'arrivée de Norman Rockwell deux décennies plus tard, ne fut plus étroitement identifié avec cette revue3. Leyendecker a pratiquement inventé l'idée du concept moderne de l'illustration de magazine. 

Il a beaucoup collaboré aussi au magazine  hebdomadaire Collier's  dont il réalisé de très nombreuses et célèbres couvertures... comme celle ci. Le magazine Collier's  fut fondé en 1888 par  le journaliste  Peter Fenelon Collier (1849-1904) qui y développa pour la première fois de l'Histoire le journalisme d'investigation.  Le magazine continua de paraitre longtemps après la mort de son créateur  ruiné, puis cessa toute parution   en janvier 1957. Une  brève tentative de réédition eut lieu en 2012, en vain. 

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John Minton (1917- &957) - Portrait of Norman

 

John Minton (1917- 1957)

Portrait of Norman

Tate London

Francis John Minton était un peintre, illustrateur, scénographe et enseignant anglais. Après des études en France, il devint professeur à Londres tout en maintenant une production  importante d'œuvres. En plus des paysages, portraits et autres peintures, dont certains peints à une très grande échelle , il s'est forgé une réputation d'illustrateur de livres. Au milieu des années 1950, Minton s'est retrouvé en désaccord avec la tendance abstraite qui devenait alors à la mode et se sentait de plus en plus marginalisé. Souffrant  de problèmes psychologiques,  il se soigna lui-même avec de l'alcool avant de suicider en 1957.

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John Koch (1909-1979) - Masculin nude (Self Portrait)

 

John Koch (1909-1979)

Masculin nude (Self Portrait)

Private collection

John Koch fut l’un des principaux peintres réalistes américains du 20e siècle. Il peignit des tableaux issus de son univers personnel aussi bien que des représentations fidèles du quotidien de la vie américaine peuplées de modèles, de musiciens, de vues de son atelier ou de son appartement de New York. À travers ses oeuvres Koch fut un porte parole aussi discret que possible du mouvement réaliste, tout en assurant une présence constante et respectée.
Les compositions de Koch étaient élégantes. Ses tons chauds et ses couleurs invitent à entrer dans son monde où l'on peut découvrir de véritables trésors. Dans ces tableaux, les objets eux-mêmes sont choisis avec un soin soin particulier.

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Lorenzo Lotto (1480-1557) - Giovane malato

 

Lorenzo Lotto (1480-1557)

 Giovane malato, c.1530

 Gallerie dell'Accademia, Venetia

Ce tableau est connu sous le nom de Giovane malato, littéralement Le jeune homme malade. La fleur effeuillée en pétales gisant sur la table est un symbole de déception amoureuse, ce qui expliquerait la maladie dont souffre ce jeune homme, en l'occurrence dla mélancolie, la forme ancienne de la dépression nerveuse. Le jeune homme  tourne également le dos aux plaisirs mondains, symbolisés par un cor de chasse, un oiseau mort et un luth. Rien ne semble l'intéresser vraiment même le grand livre vers  lequel il se contorsionne pour se plonger, relevant ainsi sa chausse qui laissant apparaitre étrangement un fragment de sa cuisse.
 Plus que dans d'autres œuvres produites à peu près à la même époque par l'artiste comme son Portrait d'Andrea Odoni,  Lotto dépasse dans celui ci  l'influence de Titien avec une définition plus précise des détails et des contours.

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Jean-Marc Nattier (1685- 1766) - Deux lutteurs

 

Jean-Marc Nattier (1685- 1766) 

Académie, deux lutteurs

Collection privée

Fils du portraitiste Marc Nattier et de la miniaturiste Marie Courtois, et frère du peintre Jean-Baptiste Nattier, Jean-Marc Nattier eut un talent précoce : à quinze ans il remporta le premier prix de dessin de l’Académie. Nattier est particulièrement célèbre pour ses portraits, eu  genre dans lequel il se fit de son vivant une grande réputation. Portraitiste officiel de la famille d’Orléans puis de la cour de Louis XV en 1748, il peignit tous les personnages marquants de son temps, et parmi eux le maréchal de Saxe (musée de Dresde), l’impératrice Marie-Thérèse d'Autriche (musée de Bruxelles), la reine Marie Leszczyńska ; mesdames Henriette et Adélaïde, filles du roi, qui figurèrent au salon de 1758 et sont au musée de Versailles ; le Dauphin ; la Dauphine ; mesdemoiselles de Beaujolais, de Chartres, de Clermont,  etc.... Il est moins connu pour ses académies masculines dans lesquelles pourtant il excella tout autant.

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Felix Michał Wygrzywalski (1875-1944) - Nad ciepłym morzem

 

Felix Michał Wygrzywalski (1875-1944)

"Nad ciepłym morzem"

(Au bord de la mer chaude)

Narodowe Mizeum Morskie w Gdańsku 

Dans cette toile Wygrzywalski a volontairement utilisé des effets d'éclairage et une gamme de couleurs plus riches et plus vives que dans le reste de son oeuvres. Ce type  de peinture d'atelier se caractérise par une légèreté exceptionnel qui résulte du savoir-faire de ce grand peintre polonais . La bonne humeur et le réalisme de ces toiles donnaient au spectateur la quasi illusion d'être lui aussi réchauffé par les rayons du soleil du sud et de sentir le souffle de la  douce brise marine.
Installé à Rome,  Feliks Michał Wygrzywalski (1875-1944) était fasciné par le climat de l'Italie, ses paysages et ses beaux arts. Une fascination particulière le liait était la chaleur de la  mer, un thème qui apparaît très souvent dans ses toiles, à la fois comme arrière-plan de scènes mythologiques et de genre, mais aussi comme thème à part entière.
Wygrzywalski a  volontiers peint la baie de Naples, et en particulier  Capri.


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Francis Cadell ( 1883- 1937) - Portrait of naked man

 

Francis Cadell ( 1883- 1937)
Portrait of naked man
Private collection

Francis Cadell (de son nom complet Francis Campbell Boileau Cadell) est un peintre coloriste écossais, célèbre pour ses représentations d'intérieurs élégants ainsi que pour ses paysages de l’Ole de Iona et... pour ses portraits d'hommes !
Encouragé par le peintre Arthur Melville à partir dès l'âge de 16 ans, il part étudier à Paris à l'Académie Julian où il entre rapidement en contact avec l'avant-garde française et découvre Matisse. Ce dernier exerça sur lui une influence durable, bien qu’il se soit aussi intéressé à la technique de James Abbott McNeill Whistler et d’Édouard Manet. Après son retour en Écosse, il a régulièrement exposé à Édimbourg et à Glasgow — notamment au Royal Glasgow Institute of the Fine Arts — ainsi qu'à Londres.
Cadell était un peintre gaucher. Lorsqu’il était étudiant à l'Académie royale écossaise, le président avait tenté de l'empêcher de peindre avec sa main gauche sous prétexte qu' « aucun artiste gaucher n'était devenu génial ». Cadell répliqua « Monsieur et n'y a-t-il pas la grande peinture de Michel-Ange ? » Le président ne répondit pas et quitta la salle . Un camarade demanda alors à Cadell comment il savait que Michel-Ange était gaucher. Et Cadell d' avouer « Je ne savais pas, mais le président non plus ».
Entre octobre 2011 à mars 2012, la Galerie nationale écossaise d'art moderne a réalisé une rétrospective majeure du travail de Cadell, la première depuis celle tenue à la Galerie nationale d'Écosse en 1942.

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Joaquin Sorolla y Bastida (1863-1923) - En la yola

 

Joaquin Sorolla y Bastida  (1863-1923)

En la yola (1910)

Private collection  

Même si ce tableau fait immanquablement penser a Caillebotte et à ses rameurs, il s'agit d'une coïncidence car Sorolla n'a jamais imité personne et a forgé son propre style au point d'être  à la tête du mouvement dit "Sorolliste". Tout long de sa carrière il a peint aussi bien des portraits et  des paysages que des œuvres monumentales à thèmes sociaux et historiques. Après sa mort, sa veuve a fait don de  plusieurs peintures à l'Etat espagnol. Les peintures sont conservées   aujourd'hui dans la propre maison de l'artiste à Madrid qui a pris le  nom de Museo Sorolla.  Le musée a ouvert ses portes en 1932.

En 1911, Sorolla se rend  les États-Unis pour la deuxième fois de sa vie et expose 152 nouvelles peintures au Saint Louis Art Museum et 161 à l'Art Institute of Chicago quelques semaines plus tard. Plus tard la même année, Sorolla  rencontre Archie Huntington à Paris et signe avec lui  un contrat pour une série de toiles sur la vie en Espagne. Ces 14 magnifiques peintures murales gigantesques sont conservées aujourd'hui dans le bâtiment de l'Hispanic Society of America à Manhattan. Huntington avait envisagé dans la commande que l'œuvre peigne une histoire de l'Espagne, mais le peintre a préféré une vision de l'Espagne qui privilégie les paysages de chaque région. Il l' appela Provinces d'Espagne. Malgré l'immensité des toiles, Sorolla les a toutes peintes  (sauf une)  en plein air, et s'est rendu dans chaque région pour peindre sur le motif  : Navarre, Aragon, Catalogne, Valence, Elche, Séville, Andalousie, Estrémadure, Galice, Guipuzcoa, Castille, Léon, et Ayamonte, sur chaque site, des personnages locaux posaient en costume regional. Chacune des peintures murales célébrait le paysage mais aussi la culture de chaque région, des panoramas composés d'une foule d'ouvriers et d'habitants. En 1917, à l'achèvement de ce travail harassant et colossal, Sorolla était de son propre aveu, épuisé. Il a terminé son  dernier panneau en juillet 1919.
Sorolla a subi un accident vasculaire cérébral en 1920, alors qu'il peignait un portrait dans son jardin à Madrid. Paralysé pendant plus de trois ans, il est décédé le 10 août 1923.

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Sculpture antique anonyme - Portrait d'un roi égyptien de la I ère dynastie (-3150 à -2850)

 

Portrait d'un roi égyptien de la Ière dynastie (-3150 à -2850)

Tête en Calcaire. 

Petrie Museum of Egyptian Archeology, London 

La Ire dynastie égyptienne, à la fin du quatrième millénaire avant l' ère chrétienne marque le début de près de trois millénaires d'institution pharaonique avec l'unification de l'Égypte antique, jusqu'alors divisée en deux royaumes distincts, celui du Nord et celui du Sud, et dure de -3150 à approximativement -2850...
La tradition attribue cette réunification au roi Narmer, même s'il ne fait pas partie de la Ire dynastie et est généralement classé dans la période prédynastique.
La première dynastie ouvre la période thinite, du nom grec de la capitale des deux premières dynasties, Thinis (Tjene en égyptien).
D'emblée, la double utilisation des signes, pour leur valeur image (idéogramme) et pour leur valeur son (phonogramme) est attestée (le nom du roi est noté par deux signes utilisés comme phonogrammes : le poisson nâr et le ciseau de sculpteur mer).
Le système hiéroglyphique, complexe avec plus de 700 signes, apparaît totalement constitué dès les premiers exemples répertoriés. Au début, il n'apparaît qu'en rapport immédiat avec l'institution royale (« énoncés-titres » ne se développant pas en phrases complexes, essentiellement à usage administratif ou à finalité idéologique).

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John F. Folinsbee (1892-1972) - Selfportrait

 

John F. Folinsbee (1892-1972)

Self-portrait, 1919

Private collection 

John Fulton "Jack" Folinsbee était un peintre américain de paysages, marines et portraits, membre du groupe artistique New Hope en Pennsylvanie qui prônait la peinture en plein air, en s'inspirant directement au contact de la nature, plutôt que la peinture en atelier ou d'après photo.
 Il est surtout connu aujourd'hui pour ses scènes impressionnistes de New Hope et Lambertville, New Jersey, en particulier les usines, les carrières et les canaux le long de la rivière Delaware.
Au début de sa carrière, Folinsbee peignait  dans un style tonaliste, avec un intérêt pour la lumière et l'atmosphère. À la fin des années 1900, il s'éloigna du tonalisme pour un style impressionniste plus structuré. Au milieu des années 1920, Folinsbee commença à étudier le travail de Cézanne, ce qui l'a conduit à  voyager en France en1926.
Les peintures qui ont résulté de ce voyage, et celles qui ont suivi plus tard dans la décennie, reflètent une profonde influence de Cézanne surtout ans leurs stratégies de composition et la révélation de  la structure sous-jacente des formes. Cela le conduisit à un style  expressionniste analytique très personnel qu'il adopta pour tout le reste de sa carrière. Sa palette s'assombrit, ses coups de pinceau se desserrèrent davantage et son sens de la lumière et de l'atmosphère devint plus dramatique.


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Walter Molino (1815-1987) - In citta gireremo cosi?

 

Walter Molino (1815-1987)
In citta gireremo cosi?
(Nous déplacerons- nous ainsi dans les villes ?) 
Couverture du magazine La Domenica del Corriere, 1962

Walter Molino est un dessinateur de bande dessinée et illustrateur italien
Il a notamment illustré en 1939-1940 dans L'Audace les deux premiers épisodes de Virus, il mago della foresta morta, (Virus, le mage de la forêt morte) une des meilleures bandes dessinées italiennes d'avant-guerre.
Il dessina plusieurs couvertures pour le magazine  La Domenica del Corriere, notamment dans le domaine des faits divers et des sports.

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Ferdinand Gueldry (1858-1945) - L'écluse

 

Ferdinand Gueldry (1858-1945)

L'écluse

Musée de Beaux Arts de Reims

Il aurait été plus lus juste de titrer Encomberments à l'écluse  tant cette écluse semble embouteillée d'embarcations de toutes sortes.  Il en était ainsi le dimanche quand  les citadins envahissaient les fleuves des environs de Paris  et se précipitaient pour faire des sports nautiques alors très en vogue.
Ferdinand Gueldry  est un artiste peintre et illustrateur français, spécialisé dans les scènes sportives d'aviron, cofondateur de la Société nautique de la Marne en 1876.

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Francesco Salviati (1510-1563) - Portrait masculin

 

Francesco Salviati (1510-1563)

Portrait of a man 1540

The J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Ce gentilhomme florentin n’a pas été identifié. L’affectation du geste et le soin apporté aux vêtements et au rideau en arrière-plan caractérisent le portrait du milieu du XVIe siècle,mais il n'est pas possible de donner plus de détails sur son identité. Il restera encore longtemps le bel anonyme dont le roux de la chevelure et de l'habit s'accorde si bien au vert du rideau de fond.
Vasari considérait Salviati comme l'une des rares personnalités artistiques polyvalentes parmi les maniéristes. Devenu célèbre comme peintre, il était aussi un grand dessinateur ; il créa également des modèles pour des œuvres relevant d'autres techniques : gravures, médailles et emblèmes, cartons de tapisseries destinés à de somptueuses tentures."

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Fayoum - Antinoopolis

 

Fayum (or Faiyum) -  Portraits de momies

 1er siècle av. JC.

Antinoopolis (Egypte )

Sont-ils toujours vivants ?
C’est la question que posent ces visages surgis avec intensité d’un passé très lointain, ces
« portraits du Fayoum », un ensemble de peintures remontant à l'Égypte romaine,
exécuté entre le 1er et le 4e siècle de l’ère chrétienne. Ils sont ainsi appelés à cause du
lieu de leur première découverte, en 1888, dans la région de Fayoum en Egypte.
Ce sont en effet des portraits funéraires peints sur une écorce de figuier-sycomore et
insérés dans les bandelettes de la momie au niveau du visage. (cf. ci-dessous).
Ces défunts, plus vivants que morts, sont toujours représentés en buste, le visage de
face. Les « portraits du Fayoum » qui nous regardent ainsi droit dans les yeux du fond
de l’antiquité égypto-romaine, poursuivent la tradition funéraire de l'Égypte antique de
la momie et du sarcophage décoré. Ils l’enrichissent toutefois des influences
concernant la représentation du corps, liées aux invasions et immigrations, notamment
grecque puis romaine. Le parement de la momie ne fut pas l’unique fonction des
« portraits du Fayoum ». Ils avaient surtout la capacité d’aider les vivants à se souvenir
du défunt comme il était de son vivant et auquel le portrait devait ressembler le plus
possible, selon la tradition romaine. Cela s’accordait parfaitement avec la culture
égyptienne et son propre culte de l’imagerie liée au corps du défunt développé tout au
long de l’époque pharaonique. Dans la culture égyptienne, le défunt devait survivre
physiquement et spirituellement, et son corps servait d’attache physique aux parties
immatérielles qui le composaient (ka et ba).
La tradition égyptienne allait plus loin que la tradition romaine dans le doute vis-à-vis
de la condition du mort. Les égyptiens allaient jusqu’à conserver  la momie du défunt à
l’intérieur de la maison et la faisaient participer à chaque repas. Avec un Fayoum à sa
table, certains pouvaient presque douter qu’il était mort. C’est d’ailleurs bien le même
doute vis-à-vis de la mort qui persiste encore aujourd’hui dans ces portraits et les rend
encore si troublants et fascinants, 20 siècles après leur création…

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Eustache Le Sueur (1616-1655) - Portrait d’un jeune homme

 

Eustache Le Sueur (1616-1655)

Portrait d’un jeune homme, vers 1640 

Huile sur toile, 64 x 52 cm  

Hartford, Wadsworth Atheneum

Eustache Le Sueur ou Lesueur  est un peintre et dessinateur français de style baroque parfois surnommé « le Raphaël français ". 

Son art reflète une volonté de dépouillement fort rare pour son époque, et sans doute voulue pour marquer la différence avec la  peinture décorative de ses contemporains. Il est aujourd'hui considéré comme un des peintres les plus personnels du XVIIe siècle, un de ceux qui surent échapper, du moins en partie, à l'empire de l'académisme issu du baroque italien.

En tant que dessinateur, il est connu entre autres pour ses illustrations du Songe de Polyphile.

Considéré comme l'un des fondateurs du classicisme français, aux côtés de Poussin et de Le Brun, il fut néanmoins très critiqué au XIXe siècle, où il passait pour un peintre pieux, mièvre et académique. Sa redécouverte récente par les historiens de l'art du XVIIe siècle français a permis de lui rendre sa juste place parmi les peintres majeurs de cette époque en montrant la variété de son art, toujours très réfléchi et en constante évolution.

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Felix Bonfils (1831-1885) - Chef de bédouins-pasteurs

 

Felix Bonfils (1831-1885)

Chef de bédouins-pasteurs, 1880
University of Pennsylvania Museum - The Bonfils Collection

Félix Bonfils fut d'abord relieur à Saint-Hippolyte-du-Fort dans les Cévennes. Il déménagea à Beyrouth en 1867 où il ouvrit avec sa femme Marie-Lydie Cabanis Bonfils et son fils Adrien, l'atelier photographique Maison Bonfils, qu'il renomma en 1878 Bonfils et Cie.
Bonfils photographia au Liban, en Égypte, Palestine, Syrie et Grèce ainsi qu'à Constantinople à partir de 1876.
Quatre ans plus tard, il confie à la Société française de photographie le résultat de sa stupéfiante activité : 15 000 épreuves d'après 591 négatifs de l'Égypte, la Palestine, la Syrie et la Grèce, ainsi que 9 000 vues stéréoscopiques. Malgré le climat très chaud de ces pays, ses clichés sont réalisés à l'aide de collodion humide qui doit être développé très rapidement.
En 1872, Bonfils publie Architecture antique, un album composé de 22 planches. Ces photographies sont largement diffusées par des agents au Moyen-Orient, dans les pays anglophones et en France. Ces vues pouvaient être achetées à l'unité, mais elles étaient également proposées sous forme d’albums.
À partir de 1876, Bonfils, de retour à Alès, se consacre à la publication de son Catalogue des vues photographiques de l'Orient : Constantinople, l'Égypte, la Palestine, la Syrie et la Grèce.
Bonfils propose 545 images numérotées en une grande diversité de formats. Le catalogue se termine par une liste de 133 numéros de Costumes divers disponibles en 33 épreuves de moyen format (18 × 24 cm) et en 100 vues stéréoscopiques.
Ses œuvres devinrent célèbres grâce aux touristes du Moyen-Orient qui rapportaient ses photographies en souvenir.
Ces photographies, produites par l'atelier, pouvaient parfois être l'œuvre de son fils Adrien ou des assistants de l'entreprise.
En 1876, il revint à Alès où il ouvrit un autre atelier vers 1881.
Celui de Beyrouth n'en fut pas fermé pour autant. Sa femme Marie-Lydie et son fils en assurèrent la conduite après la mort de Félix en 1885. Cet établissement ne cessa qu'en 1905, quand un incendie le détruisit. L'activité de l'entreprise Bonfils se poursuivit plusieurs décennies après la mort de son fondateur.
Elle fut rachetée en 1918 par Abraham Guiragossian, associé depuis 1909, qui en conserva le nom. Elle est mentionnée dans le Guide bleu en 1932.
Bonfils est très présent dans les grands Musées américains (The MET) et surtout au Musée de l'Université de Pennsylvanie.
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