LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 125 - NUMÉRO SPÉCIAL "NOËL 2024" - Où est.passé le Saint Prépuce?

 

Guido Reni ( 1575- 1642)
La Circoncision  ca. 1600, détail
Collection privée 

Le corps du christ n’ayant jamais été retrouvé puisque selon les Ecritures saintes chrétiennes, Christ est ressuscité d’entre les morts emportant avec lui dans les limbes son corps terrestre, le prépuce de l’enfant qu’il fut et qui lui fut ôté lors du rite de la circoncision  8 jours après sa naissance, c’est a dire le 1 janvier, serait donc la seule partie de son divin corps  qu‘il aurait laissé sur terre.  
L'Évangile selon Luc évoque ainsi cette circoncision de Jésus :
« Et lorsque furent accomplis les huit jours pour sa circoncision, il fut appelé du nom de Jésus, nom indiqué par l'ange avant sa conception » (Lc 2:21).
Etrange ironie de ce destin divin et de ce que Jesus choisit de laisser aux mécréants comme seul preuve physique de son passage sur terre. -

Toujours est il que la convoitise que ce petit bout de « p’tit bout, » connut sous le nom de Saint Prépuce,  suscita pendant les deux derniers millénaires est incommensurable. Loin de moi l’idée de blasphémer, ce n’est pas du tout le genre de la maison et c’est sans aucun interêt mais,  il se trouve que si  on rassemblait tous les saints prépuces revendiqués comme tels  en 2024, il constituerait en un organe qui pourrait aller de la Terre à la Lune.
Dieu est grand certes, mais enfin tout de même, sans compter que le prépuce même saint à ses ses limites !  
Bref nous avons mener l’enquête et en la menant,  nous nous sommes aperçus de deux ou trois choses particulièrement stupéfiantes que ce podcast a choisi de retenir parmi toutes les autres?

Edvard Munch (1863–1944) - Jørgen Sørensen

 

 

 

Edvard Munch (1863-1944)

Jørgen Sørensen (1885)

Oil on canvas, 36 x 31 cm.

Nasjonalgalleriet, Oslo

Henry Lamb (1883-1960) - Corporal Fowler

Henry Lamb (1883-1960)
Corporal Fowler
War Museum, London

Henry Taylor Lamb est un peintre britannique né en Australie qui fut un élève de Augustus John et un membre fondateur du Camden Town Group.
Henry Lamb est connu pour ses portraits de soldats et son rendu inhabituel des silhouettes, comme l'illustre son portrait le plus connu, celui de Lytton Strachey exagérément allongé. Il a été élu membre associé de la Royal Academy en 1940 puis membre permanent en 1949. Il fut administrateur de la National Portrait Gallery en 1942 et de la Tate Gallery de 1944 à 1951.
Outre The Imperial Museum of Warn des œuvres de Lamb sont conservées dans des musées régionaux en Grande-Bretagne, dans la British Government Art Collection et au Musée des beaux-arts du Canada qui conserve la majorité des portraits des troupes canadiennes ayant participer à la Seconde guerre mondiale.
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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 124- Les sacs de Rome

 

Jean -Noel Sylvestre (1847-1926)
Le Sac de Rome par les Wisigoths le 24 Aout 410
Huile sur toile ,197cm x130cm, 1890
Musée Paul Valéry, Sète. 

 

Alors non… ce n’est ni un sac Prada, ni un sac Gucci, ni un sac Armani, pas même un sac Chanel…
et d’autant plus qu’il y a eu deux sacs de Rome - eh oui - celui de 410 par les Wisigoths un petit sac en osier qui dura 3 jours du 24 au 28 Août 410 et celui de 1527 appelé le « Grand Sac » car il dura pas loin de 10 mois de Mai 1527 à Février 1528… une sorte de gros cabas… à roulette même !

Hendrick ter Brugghen (1588-1629) - Le joueur de fifre

Hendrick ter Brugghen (1588-1629)
Le joueur de fifre
Staatliche Museen, Cassel.

Hendrick Jansz. ter Brugghen, ou Terbrugghen  est un peintre néerlandais  du siècle d’or et l'un des chefs de file de l’École caravagesque d'Utrecht.

Comme beaucoup de  peintres caravagesques, il a réalisé  plusieurs scènes de genre, souvent des musiciens ou des buveurs représentés seuls, à mi-corps. Les peintures de ter Brugghen qui ont été préservées sont toutes postérieures à 1619 ; avant cette date, on ne connaît tout simplement rien de sa carrière d’artiste.  

Pendant son séjour en Italie, Hendrick ter Brugghen n'a sans doute pas subi seulement l' influence du Caravage, dont son œuvre porte la marque (contraste  entre ombre et lumière et caractère spectaculaire de ses sujets).  Il semble  aussi  avoir emprunté à Bartolomeo Manfredi le goût pour la représentation de musiciens à mi-corps, comme  ci-dessus. 

Bien qu'il disparût prématurément, son œuvre semble avoir été très appréciée de son vivant, et elle exerça une grande influence sur ses contemporains. Malgré cette renommée, ter Brugghen tomba dans l’oubli au siècle suivant. Aujourd’hui « réhabilité », il est devenu le peintre utrechtois du 17e siècle le plus estimé. 

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Horst P. Horst (1906-1999) - Steve-McQueen

Horst P. Horst (1906-1999)
Steve-McQueen,1957

Horst P. Horst, est un photographe de mode américain d'origine allemande. Il est surtout connu pour les photographies de mode qu'il fit pour le magazine Vogue. Horst P. Horst, de son vrai nom Horst Paul Albert Bormann,l étudie l'art à Hambourg avant de s'installer à Paris pour suivre une formation avec Le Corbusier. Contrairement à beaucoup d'artistes de l'époque, il ne fréquente pas la bohème à Montparnasse. Il préfère les milieux bourgeois attirés par l'art. Il rencontre alors le baron George Hoyningen-Huene qui dirige les studios de Vogue France.
Il devient son modèle, puis son amant et son élève. Encouragé par Hoyningen-Huene, il se lance dans la photographie.
En 1931, il réalise ses premiers clichés pour l'édition française de Vogue puis pour l'édition américaine l'année suivante.
En 1935, il prend la tête des studios à la suite du départ de Hoynigen-Huene chez Harper's Bazaar, le magazine concurrent de Vogue et réalise une série « test » de photographies de Lisa Fonssagrives l'année suivante.
Présenté à Luchino Visconti par Coco Chanel, il devient son amant. Ils voyagent ensemble en Tunisie en 1936. Quand la guerre éclate en Europe, il part vivre aux États-Unis. Il obtient la nationalité américaine en 1943. Il travaille pour Vogue jusqu'en 1951, année de fermeture des studios. Il ouvre alors son propre atelier. Il réalise de nombreuses photos d'intérieur chez des personnalités pour le compte de House & Garden , dont il fera la dernière couverture au milieu des années 1980. Il complète son œuvre avec des photos de nus et des natures mortes. En 1971, paraît The beautiful thirties, un livre sur les années 1930 avec ses propres images et celles de Hoynigen-Huene. En 1984, le Centre international de la photographie de New York lui consacre une rétrospective. Horst P Horst, surommé  le « photographe de l'élégance », décède en 1999.
Photographe de studio, aimant préparer minutieusement ses prises de vue, il fut très influencé par la sculpture grecque. Combinant des éclairages dramatiques, le souci du détail et des poses théâtrales, il donne une image de la femme pleine de sensibilité et de grâce.
On a dit de lui qu’« il photographiait les femmes comme des déesses : inaccessibles et d'un calme Olympien ».

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 123 - Torralba et son nu sans queue ni tête

 

 Gerardo Sacristán Torralba (1907 -1964)
Nu. Crayon et gouache
Collection privée.

Torralba comme tous ceux qui ont voulu éviter le sujet qui fâche - la représentation du sexe masculin - ne fait évidement qu’amplifier l’attention portée au sujet. Une tendance très présente au milieu du 20e siècle, surtout aux Etats Unis, en réaction des ligues de vertus contre la prédominance du nu académique sexué, humanisé, issue de la Renaissance et remis au gout du jour par des artistes comme Paul Cadmus, entre autres, car il est loin d’être le seul. (liens de podcasts données en lien )
Ceci dit, Le phénomène n’est pas vraiment possible à circonscrire (oups!) dans une époque ; il s’est déjà produit de nombreuses fois dans le passé depuis l’antiquité pour laquelle pourtant la nudité n’avait pas le même contenu du tout. En effet chez les grecs et les Romains, le sexe menu des ) la plupart des dieux Apollon le dieu de la beauté en tête, symbolisait pureté, vertu et rationalité alors que seul le phallus en érection du Dieu Priape exprimait l’animalité et le vice.

L’association né sous le Moyen age et faite par la chrétienté du sexe au péché originel va laisser des scories jusqu’au 18e siècle chez le peintre français François Boucher par exemple (écouter notre podcast donné en lien) et même au 19e et au 20e siecle.
Ainsi le Le peintre russo-américain Pavel Tchelichew, en peignant ses nus avait choisi de ne pas en dissimuler le sexe mais… le visage....

Pour connaitre la suite, écoutez le pdocast .

Henri-Achille Zo (1873-1933) - Corrida, le patio de caballos

 

Henri-Achille Zo (1873-1933)
Corrida, le patio de caballos
Huile sur toile signée, 60 x 91 cm
Collection privée

Henri-Achille Zo est un peintre et illustrateur français, né à Bayonne. Il signe parfois ses dessins sous le nom d'Henri Zo. Henri-Achille Zo est d'abord l'élève de son père Achille Zo, qui dirigeait l'école des beaux-arts de Bordeaux, puis est admis en 1894 dans les ateliers des peintres Léon Bonnat et Albert Maignan à l'École des beaux-arts de Paris.
Avec son père, qui fut le co-initiateur de l'école de Bayonne, il partage une thématique commune : des scènes d'Espagne et de tauromachies.
Il obtient une médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1900 et l’État lui octroie une bourse de voyage en 1901. Il expose au Salon des artistes français à partir de 1897 et remporte le prix national en 1905. Il expose régulièrement des œuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1896 à 1934. Il travaille à Paris aux peintures du théâtre national de l'Opéra-Comique, à celles de la chapelle Notre-Dame-de-Consolation construite en hommage aux victimes de l'incendie du Bazar de la Charité, et devient professeur à l'Académie Julian à Paris.  En 1903, il reçoit le prix Rosa Bonheur, puis le prix Trémont décerné par l'Institut. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1910, sous le parrainage de son maître Léon Bonnat.  Il a illustré le Ramuntcho de Pierre Loti et les Nouvelles Impressions d'Afrique de Raymond Roussel (1932).
Henri-Achille Zo est mort le 9 septembre 1933 dans un accident de la route près d'Onesse-Laharie.

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lya Repin (1840-1930) - Portrait de Pavel Tretiakov

 

llya Repin (1840-1930)
Portrait de Pavel Tretiakov (1901)
Huile sur toile, 111x134 cm
Tretiakov Gallery, Moscou

Pavel Mikhaïlovitch Tretiakov ( Павел Михайлович Третьяков),(1832 -1898)  est un entrepreneur russe, mécène et collectionneur d'art figuratif russe et créateur de la galerie Tretiakov de Moscou. Il est issu d'une famille de marchands. Il commence sa carrière dans le commerce au côté de son père. Tout en développant l'affaire familiale, Pavel et son frère Sergueï construisent une filature, qui emploie quelques milliers de personnes. Dans les années 1850, Tretiakov commence à collectionner des œuvres d'art russes qu'il voulait au tout début remettre à la ville de Moscou. En 1856, il achète ses premiers tableaux à de jeunes peintres moscovites.
Vers la fin des années 1860, il avance l'idée de créer une galerie de portraits d'éminents hommes russes de la culture : peintres, musiciens, écrivains et autres personnalités artistiques. Elles devaient être une sorte de musée dans un musée, une galerie de portraits nationaux dans une galerie de peinture nationale. Tretiakov était guidé par l'idée civilisatrice, très en vogue dans ces années, sur le rôle de la personnalité dans l'histoire, idée qui reçut une large résonance à Londres, après l'ouverture en 1856, de la Galerie nationale de portraits. L'existence de ce musée unique était bien connu de Tretiakov, qui à partir de 1860 avait effectué plusieurs voyages en Angleterre.  En 1874, il fait construire pour abriter sa collection une galerie qui ouvre au public en 1881. Jusqu'à la fin de sa vie, Tretiakov porte le titre de conseiller commercial, il est également membre du conseil du commerce et de la manufacture, ainsi que membre actif de l'Académie pétersbourgeoise de peinture, à partir de 1893. Il meurt en 1898, à l'âge de 65 ans.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°122 - La mort du jeune Bara

 

 

LES TABLEAUX QUI PARLENT N°122 - La mort du jeune Bara

Jacques-Louis David (1748-1825) La mort du jeune Bara, 1794 Huile inachevée sur toile Musée Calvet, Avignon Un des tableaux les plus étonnants du peintre classique Jaques Louis David, habituellement plutôt coutumier des scènes mythologiques ou des grandes fresques officielles, Qui n’a pas pas en mémoire son célèbre » Sacre de Napoleon »? Il en va tout autrement avec cette « Mort de Bara », ne pas confondre avec » la Mort de Marat « qu’il peignit aussi, de même que les « Derniers instants de Michel Le Peletier », ces trois toiles faisant toute partie d'une série consacrée aux martyrs de la jeune République naissante. « La Mort de Bara «  fut une toile que David n ‘acheva jamais et qui fit partie de celle que fit partie de celle que tout peintre garde jalousement toute sa vie durant, dans son atelier. Il fallut que le peintre Horace Vernet en hérita à la fin de la vie de David et la vende au duc de Pourtalès que rien ne prédisposait à acquérir un tel sujet, avant qu’elle ne soit acquise par la fièvre acheteuse de l’antiquaire Marcel Puech qui en fit don à la ville d’Avignon et qu’elle ne finisse sur les murs du Musée Calvet de la même ville. Le tableau représente donc le jeune Joseph Bara - âgé de 14 ans à peine, engagé comme tambour, hussard ou ordonnance on ne sait pas trop dans l'armée républicaine révolutionnaire. Le 7 décembre 1793, il trouve la mort dans une embuscade près dans un trou paumé de Vendée. Selon la légende, encerclé par des Vendéens qui le sommaient de crier « Vive le roi », il aurait répondu « Vive la République « et pour cela donc il aurait été massacré. Pauvre enfant !  

Pour connaitre la suite, écoutez ce podcast...

 

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Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783) - Portrait de Bonaventure Journu

 

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783)
Portrait de Bonaventure Journu,
huile sur toile 1767,
Harvard Art Museums

Fils de Claude Journu, Bonaventure Journu est un richissime négociant et armateur. Il est consul en 1762, et juge en 1776, à la Bourse de Bordeaux. Il épouse une « fille de la famille de gros négociants Fonfrède, ce qui ouvre la voie à une coopération étroite entre les deux sociétés familiales. Ils essaiment dans plusieurs ports qui participent au grand commerce de produits coloniaux avec tout un réseau de commissionnaires représentant la maison : Marseille, Nantes, Amsterdam, Le Cap français à Haïti (Cap-Haïtien) ». Il fait construire par les architectes Durand, en 1782, un hôtel particulier sis Fossés du Chapeau-Rouge (aujourd'hui 3 cours du Chapeau Rouge), doté d’une riche collection de peintures. Bonaventure et son frère Jean-Baptiste font partie des plus grands négociants de la ville et figurent être les deux plus imposés à la capitation à Bordeaux en 17773. Sa fortune est telle qu'Oudot de Dainville la décrit en ces termes : « Le vent qui poussait ses navires sur la mer des Indes ou vers les Antilles semblait abattre les pluies d’or sur sa demeure ».
Il s'ennoblit en achetant une charge de conseiller-secrétaire du roi « en la chancellerie près le parlement de Dijon ».

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°121 - Marcel Duchamp et sa créature Rrose Selavy.

Man Ray (1890-1976)
Portrait de Rrose Sélavy, 1921
MoMA New York En 1921

Agé de 31 ans, Man Ray que le monde des arts connait à peine pour avoir al branche américaine du mouvement Dada, débarque à Paris en provenance de son New York natal. Sitôt débarqué, il déclare «  Dada ne peut pas vivre a New York ». Marcel Duchamp l’accueille et lui propose d’habiter chez lui au 22 rue de la Condamine. Le soir même de son arrivée Duchamp lui présente tous les surréalistes, Louis Aragon, André Breton, Paul Eluard, Gala Dali, Philippe Soupault et Meret Oppenheim (écouter notre podcast sur le sujet). Au cour de cette première année Parisienne il ouvre un studio rue Campagne Première à Montparnasse et réalise trois portraits de Marcel Duchamp travesti en Rrose Selavy, son double féminin que ce dernier utilise de façon volontairement outrancière pour faire passer ses messages sexuels que d’aucun aujourd’hui diraient sexiste.... Pou en savoir plus écouter ce podcast... Liens à consulter en complément

• Meret Openheim et sa tasse à poil    • LES TABLEAUX QUI PARLENT N°104 - Mere...  

• Dali et l'œuvre pain    • LES TABLEAUX QUI PARLENT N°57 - Dali ...  

• Magritte et sa saucisse casquée    • LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 34 - Une ...  

• Les mannequins d'art de Clovis Trouille et Pierre Imans    

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Jacques Majorelle (1886-1962) - Portrait d'un jeune homme

 

 

Jacques Majorelle (1886-1962)
Portrait d'un jeune homme, 1958

Jacques Majorelle, est un peintre orientaliste français.  Fils de l’ébéniste Louis Majorelle, Jacques baigne, dès son enfance, dans le courant art nouveau de l'École de Nancy. Il accompagne fréquemment son père dans ses ateliers. Il s'inscrit en 1901 à l'École des beaux-arts de Nancy en section Architecture et Décoration. Dès 1903, Jacques Majorelle s’éloigne peu à peu de Nancy et de son père. Il préfère devenir peintre et part à Paris. Il s'inscrit à l’Académie Julian où il suit des cours à l'atelier de Schommer et Royer. Au début des années 1930, il produit des nus de personnes Noires : son trait est aussi précis que celui d’Émile Friant, mais ce qui fait leurs succès, c'est le traitement des couleurs cuivrées de la peau, grâce à l'utilisation de poudres métalliques rehaussant la peinture. Ces peintures le rendent célèbres à Paris, où elles s'intègrent dans une mode plus vaste qui célèbre Joséphine Baker ou le jazz.
Le travail pictural et urbaniste de Jacques Majorelle s'inscrit dans le projet du maréchal Lyautey qui cherche à « construire un monde nouveau » dans les colonies françaises.

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Helmut Kolle ( 1899 - 1931) - Matelot

Helmut Kolle (1899 - 1931)
Matelot, Um 1928-1930.

 Le peintre allemand Helmut Kolle, connu aussi sous le pseudonyme d'Helmut von Hügel, passa une grande partie de sa vie en France. À Paris, il visita le Louvre, étudia les grands maîtres, Géricault, Manet et on peut reconnaitre dans son travail les influences de Pablo Picasso, Georges Braque et même Henri Rousseau. Ses peintures figuratives sont la combinaison d'une tradition française classique, du cubisme et de l'expressionnisme allemand agrégé par son pinceau d'une façon très personnelle. Kolle a surtout peint des portraits de hommes jeunes forts et en bonne santé sans doute en réaction à son état maladif. Picasso ne tarissait pas d'éloges sur " la grande vitalité et la beauté de sa peinture. "
Kolle fut sans doute le peintre allemand le plus exposé dans les galeries parisiennes pendant l'entre-deux-guerres, et acheté régulièrement pour alimenter les collections des avant-gardes françaises et allemandes : Cocteau, Noailles, Rothschild, René Gaffé, Hessel, Roques, Uhde, Hürlimann, Waldemar George, H.P. Roché... furent ses collectionneurs.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 120 - George Bellows peint la face noble de la mafia americaine

 

George Bellows (1882–1925)
Dempsey and Firpo, 1924
Whitney Museum of American art

Ce tableau Dempsey et Firpo de George Bellows est apparu dans de nombreux films dont "Les Affranchis" de Matin Scorsese, et à la télévision dans "Les Simpsons" avec Homer Simpson dans le rôle de Firpo. On voit Firpo envoyer Dempsey hors du ring pr dessus les cordes ; Certains l'appellent « la peinture sportive la plus influente de tous les temps ». Mais Qui se souvient aujourd'hui de Dempsey and Firpo ? Eh bien peu de gens même dans le milieu très fermé des spécialistes de la boxe.... 

 

Ecouter le podcast pour en savoir plus 

 

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Gustave Moreau (1826-1898) - Le chanteur arabe

Gustave Moreau (1826-1898)
Le chanteur arabe, 1884
Musée Gustave Moreau, Paris

Gustave Moreau  est un peintre, graveur, dessinateur et sculpteur français. Encouragé par son père architecte, il bénéficie d'une éducation classique et s'initie dès l'enfance aux arts graphiques. Ses années de formation sont marquées par les enseignements de François-Édouard Picot et sa rencontre avec le style de Théodore Chassériau, qui le pousse vers une approche non académique de la peinture d'histoire. En 1852, il expose pour la première fois au Salon et emménage dans le quartier de la Nouvelle Athènes. La mort de Chassériau le pousse à s'interroger sur son art et à effectuer un second voyage en Italie en compagnie d'Alexandre-Frédéric Charlot de Courcy et d'Edgar Degas, après un premier effectué à l'âge de 15 ans. Il apprend à copier les maîtres de la Renaissance dans plusieurs villes italiennes, imitant avec ferveur Michel-Ange à Rome, mais ne réalise alors presque pas d’œuvres originales. À la fin des années 1850, il se lance dans des projets monumentaux qu'il laisse inachevés et entame une liaison avec Alexandrine Dureux. Sa carrière débute véritablement avec Œdipe et le Sphinx, exposée en 1864, ainsi que les Salons de 1865 et 1869. Il apparaît progressivement comme un rénovateur de la tradition grâce à son approche irréaliste des sujets mythologiques. Son activité diminue dans les années 1870, quoiqu'il développe une activité d'aquarelliste. Il reçoit une consécration officielle en recevant la légion d'honneur. Son goût pour la sculpture, nourri par son second voyage italien, l'inspire essentiellement pour son œuvre peinte. Il est l'un des principaux représentants en peinture du courant symboliste, imprégné de mysticisme. Son style se caractérise par son goût du détail ornemental, imprégné de motifs antiques et exotiques.
La plupart de ses œuvres sont conservées au musée Gustave-Moreau à Paris.

 

Frederic Remington (1861-1909) - The Courrier du Bois and the Savage

Frederic Remington (1861-1909)
The Courrier du Bois and the Savage, 1891
Oil black and white,
Sid Richardson Museum

Frederic Sackrider Remington fut un peintre, dessinateur et sculpteur américain qui se spécialisa dans la description de l'Ouest américain. Né à Canton, dans l'Etat de New York, il passa son enfance à chasser et à monter à cheval tout en commençant à réaliser quelques croquis et dessins. Il a suivi des cours d'art à l'université de Yale, où il trouvait le football et la boxe plus intéressants que l'art. А la mort de son père, il devient employé de bureau et s'établit à Albany. Puis il fait son premier voyage dans l'Ouest et devient "homme d'affaires" à Kansas City. Dans la foulée, il publie ses illustrations et ses dessins dans des publications telles que le Collier's Weekly et Harper's Magazine.
Alors qu'il est devenu mondialement célèbre pour ses descriptions de la vie dans l'Ouest américain, en peignant aussi bien les cow boys que les indiens et leurs chevaux, Remington n'a visité la région qu'à deux ou trois reprises, en y restant quelques mois seulement. Ces descriptions de la vie des pionniers avant que le Far West ne soit mis en valeur par le cinéma et que ce genre de vie ne disparaisse, sont des documents inestimables.
En 1892, il part en voyage en Russie et tombe en admiration devant les bronzes de Lanceray, dont il avait pu découvrir des œuvres exposées à Philadelphie en 1876. Il s'en inspira pour créer sa célèbre série de bronzes Bronco Buster.
En 1898, il se fait engager par William Randolph Hearst, pour devenir correspondant de guerre et illustrateur du conflit hispano-américain de 1898. Il s'ennuie très vite dans ce travail, mais il rend tout de même compte de la bataille de San Juan Hill et dessine l'assaut des forces américaines menées par Theodore Roosevelt.
Obèse, victime d'une très mauvaise hygiène alimentaire et d'une déplorable hygiène de vie, Frederic Remington meurt d'une appendicite aggravée en péritonite.
Son oeuvre sur l'Ouest américain a influencé la photographie du film La Charge héroïque de John Ford. Frederic Remington fut aussi le personnage central du tome 40 des Aventures de Lucky Luke, L'Artiste peintre dans lequel le cowboy qui tire plus vite que son ombre assure la protection dans l'ouest américain. C'est dans cet album que l'on apprend d'ailleurs que Frederic Remington avait la mauvaise habitude de brûler les toiles qui ne lui plaisaient plus. Et c'était vrai ! Bon nombre de témoignages sans doute fabuleux ont ainsi disparu à tout jamais.

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Frans Masereel (1889-1972) - Matelot et fille au comptoir

Frans Masereel (1889 - 1972)
Matelot et fille au comptoir, 1931

Frans Masereel est un graveur, peintre et illustrateur belge qui a principalement travaillé entre la Suisse, l'Allemagne et la France. Artiste engagé, humaniste, libertaire, pacifiste antimilitariste, marqué par le tourment sanglant de la Première Guerre mondiale, ses œuvres dénoncent sans concessions les horreurs de la guerre, de l'oppression et de l'injustice sociale.

Auteur d'une œuvre abondante, illustrateur infatigable, pédagogue, son travail graphique le plus connu est sans doute Mon livre d'heures (1919) : il est considéré à ce titre comme le précurseur du roman graphique.
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Jared French (1905-1988) - The Rope

Jared French (1905-1988)
The Rope, 1954
Whitney Museum of American ar, NYC

Le tableau représente une scène dans une piscine avec trois jeunes hommes nus attachés par des cordes à des hommes plus âgés. Il s'agit d'une allégorie d'un certain type de relation homosexuelle. Les cordes pourraient bien être les allotropes des fils de marionnettes, même si les mannequins dépendants de deux nus debout et de l'homme moustachu au prmeier paln ne sont pas manipulés par des ficelles.

Jared French était un peintre américain appartenant au courant dit du Réalisme magique.
Il faisait partie d’un groupe d’artistes et amis qui s’était spécialisé dans l’utilisation de l’ancienne technique de la tempera à l’œuf, et qui comprenait notamment George Tooker et Paul Cadmus.
De la fin des années 1930 jusqu'au début des années 1940, French réalise des peintures murales pour le Works Progress Administration. Ces peintures de French sont souvent décrites comme sinistres et inquiétantes, avec leur défilé de silhouettes immobiles et silencieuses inspirées des statues grecques de la période archaïque. Par la suite, son travail s'orienta vers une sorte de " bio-morphisme classique" avec des formes organiques étranges, colorées, suggestives.
En 1937, French se maria à Margaret Hoening. Pendant 8 ans, Paul Cadmus et le couple French passent leurs étés sur Fire Island et forment le collectif de photographe PaJaMa pour Paul, Jared et Margaret. Ils se mettent en scène dans diverses photographies en noir et blanc avec leurs amis, à la fois nus et vêtus. La plupart de ces amis présentés dans les photographies étaient parmi les jeunes artistes, danseurs et écrivains de New York, et la plupart étaient beaux et gays.
French et Cadmus posent en 1938 pour une série du photographe George Platt Lynes, qui ne sera publiée qu'après la mort de Lynes.
À la fin des années 1940, French et sa femme ont une relation avec Cadmus et son compagnon George Tooker. Quand les French achètent une maison à Hartland dans le État du Vermont, ils offrent à Cadmus une maison sur leur propriété.
French la reprendra plus tard pour l'offrir à son amant Roberto Gianatta. 

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Bernard Perlin (1918-2014) - Airmen in the South Pacific

Bernard Perlin (1918-2014)
Airmen in the South Pacific,1945
Leslie Lohman Museum of Gay and Lesbian Art, NYC. 

Bernard Perlin était un peintre américain, principalement connu pour ses œuvres sur la vie militaire pendant la Seconde Guerre mondiale mais aussi pour ses peintures de la vie quotidienne urbaine américaine.
Né à Richmond (Virginie) de parents juifs immigrants de Russie, il s' inscrit à la New York School of Design où il étudie entre 1934 et 1936.
En 1938, il reçut le prix de la Fondation Kosciusko pour étudier en Pologne.
Sa première oeuvre connue date de 1939 et représente une scène champêtre peinte en fresque sur les murs d’un bureau de poste à la demande du Trésor américain.
En 1942, Perlin entre dans la section des arts graphiques du Service de l’Information de guerre ‘ (Office of War Information) pour créer des images de propagande militaire, très populaire aux États-Unis. Après la fermeture de l'OWI pour des raisons budgétaire en 1943 Perlin continue de peindre la guerre mais en en tant qu'artiste-correspondant pour Life Magazine, puis en 1945 pour Fortune Magazine. Après la guerre, son travail s’oriente vers le « réalisme magique » , un mouvement qui vise à saisir des moments particuliers de la vie quotidienne. Son œuvre la plus célèbre, dans ce genre est sans doute Orthodox Boys, en 1948, qui décrit deux garçons juifs orthodoxes sur fond de graffiti de métro.
Des exemples de son travail peuvent être vus à la Smithsonian Institution, au MOMA, au Whitney Museum of American Art, à l'Art Institute of Chicago et à Pritzker Military Museum & Library.

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Auguste Rodin (1840-1917) - Buste d'un homme nu

Auguste Rodin (1840-1917)
Buste d'un homme nu, 1880
Plume encre, lavis d'encre, gouache.
Musée Rodin

Auguste Rodin a créé quelques 10.000 dessins parmi lesquels plus de 7000 sont conservés au musée Rodin. Il est très rare que le dessin serve d'étude, de projet pour une sculpture ou un monument. L'œuvre du dessinateur se développe parallèlement à celle du sculpteur. Si, pour des raisons de conservation, les œuvres sur papier ne peuvent être montrées que très ponctuellement, elles ne sont pas pour autant une part mineure de l’art de Rodin, qui affirme à la fin de sa vie : « C’est bien simple, mes dessins sont la clef de mon œuvre » (Benjamin, 1910).

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Domenico Capriolo (1494-1528) - Autoportrait

Domenico Capriolo (1494-1528)
Autoportrait ?, 1512
Hermitage Museum 

Domenico Capriolo est un peintre de la Renaissance italienne.  Il commence très tôt sa carrière de peintre, et semble très proche du style de Giorgione, au moins pour les sujets de ses œuvres. Très rapidement il s'établit à Trévise (1517), et épouse Camilla, fille du peintre Pier Maria Pennacchi. Dans sa phase de maturité, Capriolo semble coincé dans un goût provincial, incapable de toute innovation se bornant à ce qu'il appris dans sa phase de jeunesse. Il oublie peu à peu son giorgionismo pour trouver d' autres références telle que Giovanni Gerolamo Savoldo ou Pordenone. Sa mort prématurée a empêché nouvelle évolution dans son style. Capriolo périt assassiné par son beau-père, à la suite d'une querelle concernant la dot de sa femme.

LES TABLEAUX QUI PARLENT N°117- Mais que font donc Hercule et Caccus ?

 

 

 

BARTOLOMEO  BANDINELLI  dit BACCIO (1493–1560)
Hercules & Cacus, 1534  
Marbre, Hauteur 5, 05 m
Piazza della Signoria (Firenze)

C’est une parabole très personnelle de la soumission que livre le bien nommé Baccio  Bandinelli dans cette statue d’Hercule et Cacus qui s’offre au public  sur la Piazza de la Signoria a Florence  depuis plus d’un demi millénaire. Bandinelli s’est amusé des perspectives et des angles de vues pour créer une statue à double voir triple signification.
 
Visible de face pour tous ceux qui traversent la Piazza della Signoria déjà riche en statues célèbre son devrait dire richissime même, puisque que Hercule est  implanté à l’angle opposé  du David de Michel Ange, ignorant tous deux les merveilles qui ponctuent la Loggia dei Lanzi avec ses Benvenuto Cellini et autres Giambologna.

Les deux sculptures monumentales sont en effet  liée dès la commande , attisant une rivalité supposée entre Bandinelli et Michel Ange. L’un aurait admiré l’autre d’abord pour mieux le jalouser ensuite voir lui porter préjudice.  

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Bartolomeo Passarotti (1529–1592) - Jeune courtisan des Medicis

Bartolomeo Passarotti (1529-1592)
Jeune courtisan des Medicis
Musée Condé- Château de Chantilly

Bartolomeo Passarotti ou Passerotti est un peintre et graveur italien maniériste de la Renaissance tardive connu surtout pour ses peintures sacrées et ses portraits. Membre de la Compagnie des Quatre Arts, il participa а la « querelle » pour la séparation des peintres et des membres de la corporation des Bourreliers, Gainiers et Fourbisseurs, octroyée en 1569. Portraitiste de plus en plus réputé, il s'intéressa à la fin des années 1580 à la peinture de scènes de genre. Sensible aux recherches contemporaines du naturaliste Aldovrandi, il fut un collectionneur passionné d'antiquités et de curiosités, allant jusqu'à constituer un « musée », enrichi par la suite par son fils Tiburzio. Il mourut en 1592.

 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 116 - Singer Sargent : une passion inavouable.

 

 

John Singer Sargent (1865-1925) Etude de nu de Thomas E. Mc Keller, 1917-20 Museum of Fine Arts Boston C’est fou le nombre de sujets différents que John Singer Sargent a pu peindre au cours de sa carrière. (fou). Des dames de la haute sociétés anglaise américaine, italienne et française célèbres ou anonymes, aux navigateurs élégants et solitaires sur leur yacht splendide, en passant par les nonnes dans leur couvent, les moins japonais, les montagnards aguerris, les danseuses de flamencos, les gondoliers vénitiens, les barbiers turcs, les pêcheurs, les enfants sages, les confrères artistes, les Touareghs en habits bleus, les beaux jeunes hommes en élégants costumes ou nus….. et justement puisque l’on n’en parle, arrêtons nous sur ce portrait nu de Thomas Eugène McKeller, garçon d’ascenceur à l’Hotel Vendôme de Boston…. 

 

Liens vers la documentaion : 

- LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 42 - Qui était Joseph, le modèle de Géricault ?    • LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 42 - Qui ...   

 

- DESSINS PRÉPATOIRES DU PLAFOND DU MUSÉE https://www.apollo-magazine.com/thoma...

Eugenio de Blaas (1843-1931) - Un soldat

 

Eugenio de Blaas (1843-1931)
Un soldat, 1884

Eugen(e) de Blaas, ou Eugen(e) von Blaas, ou Eugenio de Blaas est un peintre académique italien d'origine autrichienne, qui a été actif à la fin du 19e et au début du 20e siècle.
Fils du peintre d'histoire autrichien Karl von Blaas, qui sera aussi son premier professeur, Eugen de Blaas apprend son art dans les académies de Venise, Vienne et Paris. Il s'installe à Venise et peint des monuments et des paysages de la région vénitienne, mais surtout des portraits de femmes, genre dans lequel il excelle et auquel il doit sa notoriété. Son frère Julius von Blaas est un peintre animalier réputé.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°115 - Joujou le nain

 

 Le destin du célèbre nain de cour Joujou, Joseph Burowlaski de son vrai nom est tout simplement hors du commun. Né en 1739 dans une famille de petits aristocrates polonais, Joseph a cinq frères et sœurs, dont deux lilliputiens comme lui mais un autre frère plutôt très grand puisqu'il qui atteindra la taille de1m91.Mesurant à la naissance un peu plus d'une vingtaine de centimètres, Joseph en atteindra 50 cm à l'âge de 9 ans, puis 99cm à l'âge de 30 ans, fixant ainsi sa hauteur définitive qu'il gardera jusqu'à mort à l'âge très avancé de 97ans. Parfaitement proportionné, n'ayant aucune difformité, il est fort probable que Joseph ait été un nain hypophysaire c'est à dire atteint d'un déséquilibre hormonale et non pas un nain atteint d'achondroplasie une malformation osseuse, si bien physiquement, il ne vieillira quasiment pas..... (Pour connaitre la suite cliquez sur la vidéo)

Wilho Sjöström (1873-1944) - Joueurs de tennis

Wilho Sjöström (1873-1944)
Joueurs de tennis 1909
Collection privée 

Frans Wilhelm (Wilho) Sjöström est un peintre et professeur finlandais. Durant les années 1891-1893, Wilho Sjöström étudie à l'école de dessin de l'association des arts d'Helsingfors. De 1893 à 1894, il est l'élève de Akseli Gallen-Kallela à Sääksmäki. De 1894 à 1897, il étudie aussi à l'Académie Julian à Paris. En 1899, il est l'élève de Peder Severin Krøyer à Copenhague. En 1903-1904, il étudie à la Scuola libera del Nudo de Florence. Il pratique aussi son art à Rome et à Londres. Wilho Sjöström expose ses œuvres pour la première fois à Paris en 1897 et l'année suivante à Helsingfors.

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Boris Kustodiev (1878-1927)- Piotr Kapitsa (de face) et le Pr.Emenov (de profil)

 

Boris Kustodiev (1878-1927)
 Le Professeur Piotr Kapitsa (de face) et le Pr.Emenov (de profil), 1921
Collection Kapitsa, Moscou  Russie

Piotr Leonidovitch Kapitsa (Пётр Леонидович Капица, (1894-1984) (à gauche) est un physicien soviétique d'origine, lauréat de la moitié du prix Nobel de physique de 1978.
En 1946, son refus de travailler sur l'arme atomique soviétique lui vaut d'être démis de ses fonctions, qu'il ne reprend qu'en 1955, deux ans après la mort de Staline. À sa mort, en 1984, Kapitsa est le seul membre de l'Académie des sciences de Russie qui ne soit pas membre du Parti communiste. L'instabilité de type Kapitsa qu'il a décrit et analysé en 1948 porte son nom. La résistance de Kapitsa est la résistance du flux de chaleur entre l'hélium liquide et un solide produisant une discontinuité de température au niveau de l'interface. En dehors de ses travaux scientifiques, Kapitsa est devenu une figure publique très respectée pour son courage. Même dans les pires périodes de répression, il est parvenu au péril de sa vie à défendre ses collègues L.D. Landau et V.A. Fock, leur épargnant une mort certaine dans les prisons staliniennes. Il a également pris position sur divers sujets comme l'organisation de la science et les échanges scientifiques internationaux. Mais aussi dans d'autres domaines tel que l'économie et l'écologie.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°114 - Nijinky à la plage

 

 

Léon Bakst (1866-1924)
Nijinsky à la plage,1909
Collection privée

Vaslav Nijinsky (1889-1950), surnommé le « Dieu de la danse » et le véritable inventeur de la danse moderne, apparait ici presque nu, à peine recouvert d’une linge rouge attaché très haut sur la taille juste au-dessous du nombril. Cette quasi nudité d’un esthétisme presque maladif, dévoile des cuisses d’athlètes et un corps très long, idéalisé par le peintre …beaucoup plus long et effilé que ce qu’il ne parait sur la plupart des photos de son temps. Nijinsky forgea sa fabuleuse légende en à peine 10 années. Entre 1909 et 1919 exactement. En effet il ne dansa plus jamais après 1919 et arrêta toute activité à l’âge de 30 ans. C’est précisément en 1909 que nous le voyons ici, à l’âge de 20 ans , l’année où fut créé le premier ballet qu’ il dansa, Cléopâtre dans une chorégraphie de Michel Fokine. Dix ans et à peine 20 ballets, sans mauvais jeux de mots, pour devenir un mythe avec Schérazade, Le Talisman, Carnaval, Petrouchka, l’Oiseau de Feu et Le Spectre de la Rose en 1911. Il y aussi Le Dieu Bleu ou il incarne Krishna, Daphnis et Chloé puis sur ses propres chorégraphies "L’Après Midi d’un Faune "en 1912 , Jeux en 1913, le fabuleux "Sacre du Printemps "la même année.... Pour connaitre la suite, écoutez ce podcast.

 

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Frans Pourbus the Elder (1545 - 1581) ou Adriaen Thomasz Key (c. 1544 - 1589) - Portrait d'homme

 

Аttributions à  Frans Pourbus the Elder (1545 - 1581) ou Adriaen Thomasz Key (c. 1544 - 1589) 

Portrait d'homme (détail), 1580
The Kremer Collection, The Hague, The Netherlands

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 113 - Bonaparte et son dircom Tante Urlurette

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)
Portrait de Bonaparte, Premier Consul, 1803
Château de Versailles

 

Joli portrait mais vilaine posture. Si l'on croit l'abbé Jean Baptiste de la Salle, maitre des élégances de son temps : «Il est assez courant et recommandé de poser le bras droit sur la poitrine ou sur l'estomac, en mettant la main dans l'ouverture de la veste, à cet endroit, et de laisser tomber la gauche en pliant le coude. En général, il faut tenir les bras dans une situation qui soit honnête et décente.» La main dans le gilet fut donc une posture honnête et décente que Napoleon Bonaparte adopta lui aussi mais ce n'est pas celle qu'on lui voit sur ce portrait. Plusieurs autres postures d'ailleurs précéderont celles de la main dans le gilet. Pour connaitre la suite, écoutez ce podcast...

Jakob Seisenegger (1505-1567) - Portrait de Ferdinand II, archiduc d'Autriche,

 

Jakob Seisenegger (1505-1567)
Portrait de Ferdinand II, archiduc d'Autriche, comte de Tyrol et de l'Autriche, 1548
Huile sur toile (184,5 x 89 cm)
Kunsthistorisches Museum, Gemäldegalerie, Vienne


Jakob Seisenegger (1505-1567) était un peintre autrichien au service de Charles Quint. Il s'acquit une réputation internationale par ses portraits en pied, dont la mise en scène devait être reprise par de nombreux artistes comme François Clouet.
 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 112- Les JAKUSA du Baron Raimund von Stillfried

 

 

Baron Raimund von Stillfried (1839-1911) Deux hommes tatoués du Japon féodal Photographie de 1870 colorisée par Kusakabe Kimbei (1841-1934) Paul Getty Museum, Los Angeles Ces deux hommes tatoués photographiés par le baron autrichien Raimund von Stillfried en rupture de banc avec l’empire austro-hongrois, font partie de toute une série de portraits qu’il immortalisa dans son atelier de Yokohama qui fut actif jusqu’en 1877 avant qu’il n’en cède le fond, à son fils spirituel et coloriste favori, Kusakabe Kimbei. Parmi les portraits du baron Raimond von Stillfried colorisés par Kimbei, qui compte nombres de Geishas, de kimonos à l’éventail, de scènes de maisons de thés et autres voyages pittoresques en palaquins, ceux des hommes sont les plus troublants de vérité malgré les temps de pose très longs d’alors. Et parmi ces portraits d’hommes, ceux des samouraïs et des hommes tatoués que l’on appelait les 8,9,3, chiffres qui se prononcent respectivement en japonais Ya-ku-sa, restent encore aujourd’hui, 150 ans plus tard, les plus extraordinaires. Liens complémentaires à consulter : 

-  LES TABLEAUX QUI PARLENT n° 30 - Mishima, athlète de sa propre vie ?

 https://www.youtube.com/watch?v=u1Gw2... 

- Photos du Baron Raimund von Stillfried (1839-1911)

  https://www.getty.edu/art/collection/... 

- Photos de Kusakabe Kimbei https://www.getty.edu/art/collection/...

Camée - Souverain hellénistique assimilé à Arès.

Camée,
Souverain hellénistique assimilé à Arès.
Sardonyx à deux couches,
IIe siècle av. J.-C.
BnF Cabinet des médailles, Paris

Le scarabée égyptien était la forme primitive et embryonnaire du camée proprement dit. Ce sont les Égyptiens et les Orientaux qui ont appris aux Grecs à graver en relief des gemmes de cristal, de cornaline et de jaspe ; mais, si le procédé technique du camée est issu de la glyptique pharaonique, c'est aux Grecs qu'il appartiendra, en s'affranchissant des modèles égyptiens, de devenir des novateurs dans l'art de graver les pierres fines. Aux carapaces de scarabées, les Grecs substituaient des masques de Silène, des têtes de Gorgone, de nègre, des animaux, qui rappelaient, par le galbe général seulement, la forme scarabéoïdale traditionnelle. Du VIIe au IVe siècle avant notre ère les camées furent monochromes ; au IVe siècle, la gravure des pierres fines, participant à la période de splendeur qui s'ouvrait pour la Grèce, subit une transformation ; le lithoglyphe grava sur des agates de plusieurs couleurs de véritables bas-reliefs en miniature, sur lesquels il multiplia les personnages, traduisant les épisodes les plus compliqués de la mythologie. Les dimensions, la forme des gemmes, le style et le choix des sujets se transformèrent. Le plus habile des graveurs en pierres fines fut Pyrgotèle. Bien que, dès le VIe siècle, les lithoglyphes grecs aient signé leurs œuvres, il n'est resté aucune gemme signée de cet artiste.

Les Romains avaient connu de toute antiquité les gemmes taillées, mais ce ne fut qu'au cours du Ier siècle avant notre ère qu'ils recherchèrent les gemmes gravées en relief, dont les premières furent connues grâce à la dactyliothèque (écrin de pierres gravées et de camées) de P. Aemilius Scaurus, beau-fils de Sylla, et à la collection de joyaux et de camées de Mithridate, déposée par Pompée dans le temple de Jupiter Capitolin.

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Édouard Manet (1832-1883) - Le vieux musicien

Édouard Manet (1832-1883)
Le vieux musicien (1862)
Huile sur toile, 186 x 247 cm.
National Gallery, Washington DC (Chester Dale Collection).

Édouard Manet, est un peintre et graveur français majeur de la fin du 19e siècle. Précurseur de la peinture moderne, qu'il affranchit de l'académisme, Édouard Manet est à tort considéré comme l'un des pères de l'impressionnisme: il s'en distingue en effet par une facture soucieuse du réel qui n'utilise pas (ou peu) les nouvelles techniques de la couleur et le traitement particulier de la lumière. Il s'en rapproche cependant par certains thèmes récurrents comme les portraits, les paysages marins, la vie parisienne ou les natures mortes, tout en peignant de façon personnelle, dans une première période, des scènes de genre : sujets espagnols notamment d'après Vélasquez et odalisques d'après Le Titien.
Il refuse de suivre des études de droit et il échoue à la carrière d'officier de marine militaire. Le jeune Manet entre en 1850 à l'atelier du peintre Thomas Couture où il effectue sa formation de peintre, le quittant en 1856. En 1860, il présente ses premières toiles, parmi lesquelles le Portrait de M. et Mme Auguste Manet.
Ses tableaux suivants, Lola de Valence, La Femme veuve, Combat de taureau, Le Déjeuner sur l'herbe ou Olympia, font scandale. Manet est rejeté des expositions officielles et joue un rôle de premier plan dans la « bohème élégante ». Il y fréquente des artistes qui l'admirent, comme Henri Fantin-Latour ou Edgar Degas, et des hommes de lettres comme le poète Charles Baudelaire ou le romancier Émile Zola, dont il peint un portrait, Portrait d'Émile Zola. Zola prend activement la défense du peintre au moment où la presse et les critiques s'acharnent sur Olympia. À cette époque, il peint Le Joueur de fifre (1866), le sujet historique de L'Exécution de Maximilien (1867) inspiré de la gravure de Francisco de Goya. Son œuvre comprend des marines comme Clair de lune sur le port de Boulogne (1869) ou des courses : Les Courses à Longchamp en 1864, qui valent au peintre un début de reconnaissance. Après la guerre franco-allemande de 1870, à laquelle il participe, Manet soutient les impressionnistes, parmi lesquels il a des amis proches comme Claude Monet, Auguste Renoir ou Berthe Morisot, laquelle devient sa belle-sœur et dont sera remarqué le célèbre portrait, parmi ceux qu'il fera d'elle, Berthe Morisot au bouquet de violettes (1872). À leur contact, il délaisse en partie la peinture d'atelier pour la peinture en plein air à Argenteuil et Gennevilliers, où il possède une maison. Sa palette s'éclaircit, comme en témoigne Argenteuil de 1874. Il conserve cependant son approche personnelle faite de composition soignée et soucieuse du réel, et continue à peindre de nombreux sujets, en particulier des lieux de loisirs comme Au Café (1878), La Serveuse de Bocks (1879) et sa dernière grande toile, Un bar aux Folies Bergère (1881-1882), mais aussi le monde des humbles dans Paveurs de la Rue Mosnier ou des autoportraits (Autoportrait à la palette, 1879).
Manet parvient à donner des lettres de noblesse aux natures mortes, genre qui occupait jusque-là dans la peinture une place décorative, secondaire. Vers la fin de sa vie (1880-1883), il s'attache à représenter fleurs, fruits et légumes en leur appliquant des accords de couleur dissonants, à l'époque où la couleur pure meurt, ce qu'André Malraux est un des premiers à souligner dans Les Voix du silence. Le plus représentatif de cette évolution est L'Asperge, qui témoigne de sa faculté à dépasser toutes les conventions. Manet multiplie aussi les portraits de femmes (Nana, La Blonde aux seins nus, Berthe Morisot) ou d'hommes qui font partie de son entourage. À partir des années 1880, il est de plus en plus reconnu. Il reçoit la Légion d'honneur le 1er janvier 1882. Cependant, victime de syphilis et de rhumatismes, il souffre, depuis 1876, de sa jambe gauche, qu'il faudra finalement amputer.
En 1883, Édouard Manet meurt à 51 ans de la syphilis et d'une gangrène qu'il a contractée à Rio de Janeiro, et laisse plus de quatre cents toiles, des pastels, des esquisses et des aquarelles. Ses plus grandes œuvres sont visibles dans la plupart des musées du monde, particulièrement au musée d'Orsay à Paris.
Ni impressionniste, ni réaliste, Manet adresse aux critiques d'art des questions restant sans réponse

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