LES TABLEAUX QUI PARLENT N°168 - Vanessa Bell et son étrange modèle

James Chapin (1887-1975) - Nine Workmen

 

James Chapin (1887-1975)

Nine Workmen
1942
Delaware Art Museum 

James Ormsbee Chapin, et un peintre américain et un illustrateur. Il a étudié à Cooper Union, l'Art students League de New York, et à l'étranger à l'Académie Royale d'Anvers, en Belgique. Au début de sa carrière, il a gagné leTemple Gold Medal de la Pennsylvania Academy pour ses portraits de la famille Marvin.
Il a réalisé de nombreux portraits de personnalités reconnues, au moins cinq de ses portraits ont été commandées par TIME en tant que couverture. Ses œuvres ont été acquises par de nombreux collectionneurs privés et pour les collections permanentes de nombreuses institutions. Il a eu un impact significatif sur les débuts de l'histoire des  régionalistes Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, et de Grant Wood avec ses séries de portraits des années 1920 de la famille Marvin.
En grande partie en raison de son opposition à la politique étrangère américaine en Asie du Sud-Est, il a déménagé au Canada en 1969, et est décédé à Toronto en 1975.
Le James Ormsbee Chapin Papers, qui contient la correspondance, des croquis, des articles, des reproductions et des épreuves, ont été donnés au Delaware Art Museum en 1994.


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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 166 - Jean-Dominique Ingres et l'art de la pose

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 164 - Eugène Delacroix et son modèle polonais

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 163 - Jacques-Louis David peint la mort d'Hector

Gabriel Morcillo Raya (1887 -1973 - Dios de la Fruta

 

Gabriel Morcillo Raya (1887 -1973)
Dios de la Fruta
(Le dieu des fruits) 
Collecion Banco de España

Gabriel Morcillo Raya (1887 -1973), est un peintre espagnol. lIlcommença sa formation artistique en famille, dans l'atelier de broderie de sa tante Paquita Raya, puis à l'École des Beaux-Arts de Grenade, avec Miguel Vico Hernández et José de Larrocha González comme professeurs. En 1907, il s'installa temporairement à Madrid pour poursuivre ses études auprès de Cecilio Plá, mais des raisons financières le forcèrent à retourner à Grenade. En 1910, il reçut une bourse du Conseil provincial de Grenade qui lui permit de poursuivre sa formation interrompue à Madrid jusqu'en 1914.
De retour à Grenade, il entra comme professeur à l'Académie royale des Beaux-Arts de San Fernando, à l'Académie royale des Beaux-Arts de Grenade et à l'Académie royale des Beaux-Arts de Malaga. En 1918, il obtint une bourse pour l'Académie de peinture de Rome, mais il y renonça, inaugurant une période d'isolement atypique pour les autres peintres de sa promotion. [citation nécessaire]
En 1927, il fut admis, par concours, à un poste de professeur de peinture décorative et de figure naturelle à l'École des Arts et Métiers de Grenade, poste qu'il exerçait déjà comme professeur intérimaire depuis 1922. 
Son œuvre se compose principalement de paysages et de portraits où l'orientalisme et la sensualité jouent un rôle important. Il remporta un vif succès lors d'expositions à New York, Buenos Aires ou Venise.[
Certaines de ses toiles sont exposées au Musée des Beaux-Arts de Grenade, comme celle intitulée « El enano de Puerto Real » (1916).

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 161 - François-Xavier Fabre mis à nu

Ravi Verma (1848-1906) - Portrait du Maharaja Serfoji

Ravi Verma (1848-1906)
Portrait du Maharaja Serfoji
Musée Napier

Ravi Varmâ est un peintre indien qui a obtenu une certaine notoriété en particulier en illustrant des scènes des épopées du Mahabharata et du Ramayana.
Ravi Varmâ naît dans le palais royal de Kilimanoor, à une quarantaine de kilomètres de Thiruvananthapuram (Trivandrum), la capitale du Kerala. Ravi Varmâ fait preuve d'un certain talent dès son plus jeune âge. À 14 ans, il est remarqué par le mahârâja Ayilyam Thirunal de Travancore et il reçoit l'enseignement du peintre du palais, Râma Svâmî Nâidû, puis celui du peintre britannique Theodor Jenson, venu à Travancore en 1868 à l'invitation du mahârâja, qui lui enseigne la peinture à l'huile. Ravi Varmâ est fasciné par la puissance et l'expression de la peinture occidentale. Ravi Varmâ connaît une certaine notoriété en 1873, année où il remporte le premier prix lors d'une exposition à Madras et où ses œuvres sont présentées à Vienne. L'année suivante, il remporte à nouveau la médaille d'or de l'exposition de Madras. En 188, il gagne le grand prix, la médaille d'or Gâekwâr dans une exposition à Poona, puis son succès dépasse les frontières de l'Inde et en 1892, il expose à Chicago.Il est alors invité par les râja de Mysore et de Baroda pour faire leur portrait, et c'est dans cette dernière principauté que le régent Madhav Râo lui souffle l'idée d'utiliser l'imprimerie pour diffuser son œuvre et toucher les plus pauvres. Il installe alors un atelier de chromolithographie à Bombay.
Il voyage dans toute l'Inde à la recherche de sujets pour ses peintures. Il représente souvent les déesses hindoues sous les traits de femmes de l'Inde du Sud, qui correspondent à son idéal de beauté. À l'époque où il réside à Bombay, il peint les femmes du Maharashtra sous forme de beautés en sari.
Mais il se fait connaître surtout pour ses peintures illustrant différents épisodes du Mahâbhârata, tels que l'histoire de Dushyanta et Shâkuntalâ ou de Nala et Damayanti. Ces peintures touchent un large public, au point que les personnages mythologiques tels que Ravi Varmâ les dépeint envahissent l'imaginaire indien. Pendant le dernier quart du xixe siècle, les reproductions de ses œuvres inondent le pays : on les retrouve accrochées aux murs des moindres demeures villageoises et parfois même vénérées au même titre que les mûrti traditionnelles représentant les divinités. Aussi, au début du xxe siècle, les artistes de la « renaissance du Bengale », en particulier Abanindranath Tagore et Nandalal Bose, critiquent-ils sévèrement le style « occidentalisant » de Ravi Varmâ, qu'ils jugent vulgaire et sentimental, dépourvu de valeur et de signification.



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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 159 - Tom of Finland : un certain art de l'emphase

 

TOM OF FINLAND (1920-1991) 
Portrait of Eric, 1985 
Tom of Finland Foundation, Los Angeles,

Tom of Finland, ou TOF pour les intimes, de son vrai nom Touko Valio Laaksonen, est un dessinateur et peintre finlandais, qui a, comme aime à l’écrire Wikepedia, je cite « durablement influencé la culture gay par ses représentations fantasmatiques et fétichistes d'hommes » .
C’est en effet le moins que l’on puisse dire ! devant ses braguettes gonflées comme des chambres air de 5 tonnes  et ses musculatures  exacerbés, à faire pâlir les dieux de l’Olympe ou plutot du Whallala d’ailleurs !  
Ce  style qu’il se découvre, sur le front en pleine seconde guerre mondiale et qu’il qualifie « de style dépravé »  qu’il n’ose alros montrer a personne va pourtant  ouvrir grande la porte  du genre homo- érotique au Robert Mapplethorpe et autres Bruce Weber,  qui lui succèderont dans l’apologie de l’hypervirilité 
De quoi s ‘agit il ? Comme on peut le voir,  de représentations de  "superhommes", tout de cuir vêtu, avec des organes génitaux la plupart du temps surdimensionnés et proéminents, et des crânes tout petits et casquettés à la mode de Munich,  saisis dans des positions explicites.   

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 157 - Tamara de Lempicka et son mâle castré

LES TABLEAUX QUI PARLENT N0¨156 - BARBETTE ET LES PHOTOS INTERDITES DE MAN RAY

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 155 - Réattu aux nus

 

Jacques Reattu (1760-1833)  
Etude de nu masculin 
Musée Réattu, Arles, 

Qui était Jacques Réattu, l’homme qui peignait des hommes nus et auquel tout un Musée est consacré dans la ville d’Arles ? Oui qui ?  Un drôle de zig  ? Un sacré opportuniste en tout cas.… 
Ponctuation sonore 
Le personnages présenté  (Argos) sur ce dessin préparatoire  est  Argos « Panoptès » (c'est-à-dire " celui qui voit tout ") car il avait cent yeux, répartis sur toute la tête, ou même sur tout le corps selon certains auteurs. Il y en aurait eu cinquante qui dormaient en permanence et cinquante qui veillaient en permanence, de sorte qu'il était impossible de tromper sa vigilance. 
Ponctuation sonore 
Une sorte de super capera de surveillance olympienne. Ne pas confondre avec Argos tout court qui désigne le chien d’Ulysse. Rien que de très banal dans la panoplie des dieux, dont les  querelles perpétuelles et les histoires compliquées tentent ainsi toujours d’expliquer de façon onirique aux humains  les prodiges de de la nature qu’ils se font un plaisir et un devoir d’incarner pour mieux faire comprendre comment  marche l’amour et toutes ces choses là. 
Ponctuation sonore 
Cette étude se situe au moment où Zeus ou Jupiter (chez les romains)  ait envoyé Hermès jouer de la flûte de pan pour charmer et endormir Argos aux fins de le tuer en lui tranchant la tête, pour tromper sa vigilance et délivrer ainsi Io qu’il gardait à la demande d’Hera. 
Bref ..une histoire de babysitting qui a mal tourné en somme ! 

Pour connaitre la suite écoutez le podcast

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https://www.youtube.com/@lestableauxquiparlent

 

John Singer Sargent (1856-1925) ) Portrait of William George Simmonds.

 

 

 

John Singer Sargent (1856-1925),
Portrait of William George Simmonds., 1911. 
Private collection.

 

Au cours de sa carrière,  John Singer Sargent peignit environ 900 toiles et plus de 2000 aquarelles, ainsi que d'innombrables croquis et dessins. Il fut actif en France et en Angleterre et peignit des compositions à personnages, compositions religieuses, scènes de genre, figures, portraits, intérieurs, paysages, marines, des compositions murales, à la gouache, à l'aquarelle. Ce fut aussi un dessinateur. Il est proche du courant de l'impressionnisme américain.
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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 154 - L"'homme de Vitruve

 Leonardo da Vinci (1452-1519
El uomo vitruviano 
L’Homme vitruvien 1490
Gallerie dell'Accademia, Venezia

 

Si le  dessin de Léonard de Vinci, » l'homme de Vitruve », est si célèbre, ce n’est pas parce qu’il y a deux hommes imbriqués dont on se demande bien c e que celui qui est derrière - dont on ne voit ni la tête ni le corps - fait à celui qui est devant l’un  (non je plaisante ! ).
 Ce dessin est surtout célèbre parce qu’ il illustre la volonté de définir un homme idéal.  Cela signifie-t il qu’il faut deux hommes pour faire un homme Idéal ?  Ah petit coquinou va ! Je vois qu’on est d’humeur badine avec les chef d’oeuvre aujourd’hui…. et bien non  !    La position des bras et des jambes de l'homme dans deux positions différentes et néanmoins superposées symbolise simplement  la dualité de l'existence humaine, prise entre le matériel et le spirituel et soulève un certain nombre de questions sur la place de l’humain dans l'univers et sa compréhension de lui même.
Masi il y a plus… eh oui il a toujours plus chez Leonardo … Les proportions de cet homme qui s'inscrit à la fois dans un cercle et un carré, en respectant le rapport du nombre d'or ( je rappelle1,6180 ect)  constituerait  rien de moins qu’une allégorie géométrique de I’lnter connexion entre l'homme et l'univers entier.
On est bien loin du camarade de jeu qui joue à cache cache derrière de popotin de son copain !  
En réalité, Léonard de Vinci a utilisé cette œuvre pour démontrer que les principes de l'architecture et plus loins de l’architecture des sphères et donc d’ l’univers et  l'anatomie humaine sont interconnectés.. il  suggère ainsi  que l'univers est construit sur des principes communs, à ceux du corps humains. 
 L'idée que l'homme est l’exacte  réduction  d’un  l'univers plus vaste, où chaque élément du corps  reflète des aspects et des modes de fonctionnement de l'univers entier, n’ est pas  concept philosophique nouveau (Pythagore et Platon en sont les pères ) mais c’est la première fois qu’il  trouve écho dans une œuvre d’art. 
Hippocrate dans ces principes de la  médecine avait déjà utilisée aussi l'idée que le corps humain était un reflet de l'univers et l’avait appliquée à  la santé et la maladie. n’hésitant pas à établir des correspondances entre les maladies humaines et les déséquilibres dans l'univers. Une idée qui a été abandonnée depuis.
 Au Moyen Âge, les alchimistes et les philosophes hermétiques étaient  également partisan de cette idée, affirmant que l'homme et l'univers étaient interconnectés et que comprendre l'un aidait à comprendre l'autre.
Sous la Renaissance : des penseurs comme Marsile Ficin et Giordano Bruno ont également développé cette idée en ma poussant si loin qu’ l’und eux y laissa sa vie.     
C’est donc dans cette tradition multi séculaire, que le dessin de Leonard de Vinci puise son inspiration et pourrait on dire, c’est cette tradition de pensée corrélant le fonctionnement de l’homme et l’univers qu’il matérialise    

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Léonard de Vinci (1452-1519) - Tête de vieil homme

 

Léonard de Vinci (1452-1519)
Tête de vieil homme 

Léonard de Vinci n'a pas été un peintre prolifique (seule une quinzaine de peintures de Leonard de Vinci sont parvenues jusqu'à nous) mais il l'a été comme dessinateur, remplissant ses journaux de petits croquis et de dessins détaillés afin de garder une trace de tout ce qui avait attiré son attention.
Son premier dessin daté est un paysage, Paysage de la vallée de l'Arno (1473), qui montre la rivière, les montagnes, le château Montelupo et les exploitations agricoles au-delà de celui-ci dans le plus grand détail.
Il existe de nombreuses études de beaux jeunes hommes, souvent associées à Salai, avec le visage rare, très admiré et caractéristique que l'on appelle le « profil grec » . Ces visages sont souvent en contraste avec ceux d'un guerrier. Salai est souvent dépeint dans des costumes et des déguisements. Léonard est connu pour avoir conçu des décors pour des processions traditionnelles. D'autres dessins, souvent minutieux, montrent des études de draperies. Le Musée Léon-Bonnat de Bayonne conserve un dessin de Léonard de Vinci représentant Bernardo di Bandino Baronchelli (l'un des assassins de Julien de Médicis lors de la conjuration des Pazzi), après sa pendaison à l’une des fenêtres du Palazzo del Capitano di Giustizia à Florence...

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Lovis Corinth (1858-1925) - Autoportrait avec squelette

Lovis Corinth (1858-1925)
Autoportrait avec squelette 
(Selbstporträt mit Skelett) 1896 (66 × 86 cm) 
Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich

 

Franz Heinrich Louis Corinth, dit Lovis Corinthest un artiste peintre, graveur et illustrateur allemand.
On considère généralement son œuvre comme une synthèse réussie entre l'impressionnisme et l'expressionnisme. 
Comme la plupart des productions du courant moderniste, nombre des œuvres de Corinth ont été très critiquées sous le Troisième Reich, en particulier ses œuvres tardives que le gouvernement nazi jugeait « dégénérées » (Entartete Kunst). En 1937, le régime hitlérien confisque dans les musées allemands plus de 21 000 sculptures, peintures, dessins et gravures faisant partie de ce qu'il considère comme de l'« art dégénéré », dont 295 tableaux de Lovis Corinth; la même année, le gouvernement allemand choisit 730 œuvres d'une centaine d'artistes parmi toutes celles qu'il a confisquées, et organise avec celles-ci, à Munich puis dans onze autres villes allemandes, une exposition sur l'« art dégénéré », dans le but de dégoûter le public allemand de cet art qualifié de corrompu par l’esprit juif et bolchévique. À la suite de cela, afin d'obtenir des devises étrangères, le régime nazi vend à l'étranger, surtout en Suisse, plus de 8 000 parmi ces productions d'« art dégénéré », y compris des tableaux de Corinth (dont, par exemple, la grande huile sur toile Ecce Homo (1925) vendue au Kunstmuseum de Bâle en 1939). Beaucoup des oeuvres que les nazis ne considéraient pas comme « exploitables à l’international » ont été détruites.

 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°152 - Paul Cézanne dans le bain

 

https://www.youtube.com/watch?v=o5Vs14wqHV8

Paul Cézanne (1839-1906)
Le baigneur
Huile sur toile
The Museum of Modern Art, New York 


Ce baigneur solitaire fait partie d’une série de plusieurs toiles représentant des baigneurs, que Cézanne peignit au tournant du 20 siècle, époque où les bains de mer ou de rivière et les activités de plein air étaient en plein essor. 
Mais en réalité baigneurs et baigneuses n'ont jamais cessé d’être représenté en peinture depuis l’antiquité et ceci même au moyen âge et sous la Renaissance. Ce qui est nouveau dans cette représentation ce n’est pas tellement le sujet mais la personnalité du sujet. En effet il ne s’agit ni d’un dieu, ni d’un héros mythologique ni d’un roi  mais de monsieur tout le monde...incitant  par la même tous les autres "messieurs tout le monde à faire de même".  
Le modèle pris par Cézanne est un des militaires du régiment d’infanterie coloniale qui se baignait dans la Durance, la rivière qui passe au pied de leur casernement, à Aix-en-Provence. La Durance a été et est toujours un lieu apprécié de baignade, en été surtout, car elle draine l’eau fraiche des montagnes dont elle arrose la Provence avant de se jeter dans le Rhône, un peu plus loin, en Avignon.
C’est donc une scène banale que peint là Cézanne, qui lui même peut être en profita entre deux coups de pinceaux sur le motif, pour piquer une petite tête dans la Durance.  

Pour connaitre la suite, ecouter le podcast, 

Leonard Limosin (1505-1575) - Portrait de Charles, Comte de Montpensier, Connetable de Bourbon

Leonard Limosin (1505-1575)
Portrait de Charles, Comte de Montpensier, Connetable de Bourbon , c. 1570,
Email sur cuivre 
California Palace of the Legion of Honor.

Léonard I Limosin est un peintre, émailleur, dessinateur et graveur français du XVIe siècle.Émailleur et peintre, Léonard est encore arpenteur et dresse à ce titre des « figures de lieux et tenues », conservées aux Archives de la Haute-Vienne. En 1571, il perd son frère et associé Martin Limosin. Il est nommé consul en même temps que l'émailleur Jean III Penicaud. Les derniers émaux de Léonard sont datés de 1574. Ils n'ont pas la valeur des précédents. Ce sont des plaques figurant Catherine de Médicis en Vénus, faisant suite à deux autres figurant Henri III en Jupiter, et Charles IX en Apollon. L'œuvre de Léonard Limosin est considérable. On peut évaluer à 1840 émaux qu'il signe et date entre les années 1532 et 1574. Ce n'est pas seulement leur nombre qui fait la célébrité du peintre, mais leur qualité et leur variété en général. Avec une grande hardiesse et une grande habileté, il use de tous les procédés jusque-là connus dans l'art de l'émailleur; il les unit souvent avec bonheur dans une même composition.
Léonard interprète ces dessins avec une grande liberté, mais dans ses admirables portraits, il s'applique à rendre toute la sincérité naïve des crayons français de l'époque. Par l'ensemble de ses qualités : sûreté du dessin, merveilleuse entente des ressources de l'émail, aisance de l'exécution, activité qui tient du prodige, Léonard Limosin se place en tête des émailleurs de Limoges et même des émailleurs français de la Renaissance.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 151 - PILE OU/ET FACE ?

 

 

 

Giambologna aussi appelé Jean de Bologne  (1529-1608)
L’enlèvement d’une vierge aussi intitulé L’enlèvement d ‘une Sabine,
Groupe en Marbre, 4, 20m 
Loggia dei Lanzi. Piazza della Signoria, Firenze 


Mais qui est donc cette Sabine là ?   
Et bien si tant est qu’il s ‘agisse vraiment d’une Sabine,  ce n’est pas une personne isolée mais la représentante d’un groupe :  en l’occurrence les Sabines, épouses des Sabins donc. 
Les Sabines illustrent un épisode légendaire de l'histoire de Rome au cours duquel, la première génération des hommes de la cité en manque de femmes alla se les procurer en les enlevant chez plusieurs peuplades environnantes, notamment les Sabins.
Une sorte d’immigration sexuelle organisée donc et sans consentement bien entendu, pour des raisons de survie. 
Une guerre s’en suivit, mais le roi des Sabins et le fondateur de Rome, Romulus donc, vont finir par se réconcilier, grâce à l’entremise ds Sabines  qui, toutes raptées qu’elles étaient,  n’en agirent pas moins en excellentes diplomates, et négocièrent la formation d’une seule nation qui rassembla Romains et Sabins, avec Titus Tatius, le roi des Sabins et Romulus à la tête d’une coalition dirigeante. 
Fortiche les Sabines.
Ainsi tout citoyen futur de Rome fut peu ou prou, mais plutôt prou, descendant d’une Sabine. 

Larry Rivers (1923 - 2002), Art and the Artist- Jean Helion and the Dummies

Larry Rivers (1923 - 2002), 
Art and the Artist- Jean Helion and the Dummies, 1992
Private collection 

Larry Rivers (de son vrai nom Yitzroch Loiza Grossberg) était un artiste américain, musicien, cinéaste,  acteur occasionnel et peintre que certains experts considèrent aujourd'hui comme le parrain du " Pop Art " ou au moins son "Grand père"... si tant qu'Andy Warhol en soit le père !

Fils d'immigrants juifs d'Ukraine, Larry  Rivers a commencé à se faire connaitre comme saxophoniste ans un pub du Bronx, avant d'étudier sérieusement la musique à la Juilliard School of Music avec Miles Davis, avec lequel il fut amis jusqu'à la mort de Miles en 1991.

Rivers a commencé à peindre dès 1947 tout en étudiant à l'Ecole Hans Hofmann. Vivant alors au Chelsea Hotel, connu pour  héberger des artistes qui payaient leur chambre en laissant leurs oeuvres ou leurs droits d'auteurs au patron,  il y croisa  Bob Dylan, Janis Joplin, Leonard Cohen, Arthur C. Clarke, Dylan Thomas, Sid Vicious mais aussi plusieurs personnes associées à la Factory d'Andy Warhol dont Rivers devint vite un ami. Rivers amena d'ailleurs à la Factory  plusieurs de ses amis français comme Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Jean Tinguely, Niki de Saint-Phalle, Christo, Daniel Spoerri... 

En tant qu'artiste peintre, Rivers reste  connu pour un travail sur l'histoire de la révolution russe que sa galerie  la célèbre Marlborough Gallery à  New York promotionna à l'envie, mais surtout pour toute une série d'oeuvres sulfureuses.  Un bon nombre de ses oeuvres sont d'ailleurs toujours plus ou moins interdites d'exposition  dans les musées américains ou de diffusion télévisuelle dans le cas de ses films.

Bisexuel , Rivers eut de nombreuses histoires d'amours avec quelques unes des plus importantes  figures du Village des années 70- 80. Au moment de sa mort en 2002, il vivait avec le poète Jeni Olin qui était devenu son compagnon. 

En 2002, une grande rétrospective du travail de Rivers a eu lieu à la Corcoran Gallery of Art à Washington. L' Université de New York a acheté des correspondances et d'autres documents de la Fondation Larry Rivers pour les conserver dans ses archives. 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 150 - Picasso et les censeurs

 

Pablo Picasso (1881-1973)
Les adolescents 1906
Huile sur toile 157 x 117cm
Musée de l’Orangerie, Paris

Picasso, dans ses périodes bleues et roses a beaucoup peint les enfants, de façon “sentimentale” selon sa propre expression, faisant référence au fait qu'il s'agissait souvent de ses propres enfants et en particulier de son fils Paulo. 
Ce n'est pas le cas de cette oeuvre réalisée quinze ans exactement avant qu'il n'ait son premier enfant avec Olga, Paulo, justement en 1921. 
Nous sommes donc très éloignés ici de toute idée de paternité.
L’idée dans cette oeuvre, qui appartient à la période dite rose du peintre,  est de se livrer à une représentation archétypale, hors du temps, de la jeunesse en générale et plus précisément de ce moment fragile et trouble qui sépare l’enfance de la jeunesse et que l'on appelle l'adolescence. 
C’est du voyage que Picasso fit en 1906 avec sa compagne et modèle d’alors Fernande Olivier, à Gosol dans les Pyrénées catalanes, que naît cette monochromie à la tonalité ocre rouge-rose, caractéristique de  "la période rose". 
La rencontre avec Fernande Olivier va tirer le peintre d’un longue période dépressive. En venant vivre avec Picasso  au Bateau Lavoir, Fernande allait réveiller son inspiration. Picasso, alors âgé de 25 ans, s’intéresse  à cette époque  au  « primitivisme ». C'est  un mouvement pictural apparu dans la Russie encore tsariste, chez les peintres des groupe dits du  "Valet de Carreau" privilégiant les formes naïves et primitives de l’art issu de l'imagerie populaire et de la culture paysanne. 
Les deux principaux fondateurs de ces mouvements, Michael Larionov et Natalia Goncharova avaient inventé ce mouvement en réaction contre l'influence de la peinture française alors prépondérante. Le jeune Picasso va donc puiser chez ces peintres russes la réaction qu’il entend lui-même porter contre la peinture postimpressionniste.  
Ces deux silhouettes adolescentes aux contours presque maladroits et aux modelés rapides, esquissés sur ce fond monochrome, illustrent ce primitivisme dont Picasso se fait désormais le chantre dans une période très précise entre 1904 et 1906. Vaguement présentés comme les membres d’une fratrie, les deux modèles offrent un caractère sculptural et antiquisant, dénué de toute sophistication ou de tout réalisme excessif mais accentués par des poses soigneusement choisies pour évoquer à la fois l’antiquité grecque et les civilisations méditerranéennes. 
A cette époque Picasso n'a pas encore découvert l'Afrique et son art. 

 

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Wilho Sjöström (1873-1944) - Joueurs de tennis

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Wilho Sjöström (1873-1944)
Joueurs de tennis, 1909.
Collection privée

 

 

Un joueur de tennis et un spectateur regardent sans doute en direction du cours de tennis de cette villa d'été qui semble tout à fait cossu. L'uniforme blanc pour joueur au tennis fut de mise jusque dans les années 1990 au moment ou le tennis quitta le domaine des sports élégants pour devenir plus populaire. Le short avait déjà remplacé le pantalon au début des années 50.
Wilho Sjöström est un peintre finlandais qui a étudié à l'Ecole de dessin de l'association des arts d'Helsinki. De 1893 à 1894, il est l'élève de Akseli Gallen-Kallela à Sääksmäki.
De 1894 à 1897, il étudie aussi à l'Académie Julian à Paris. En 1899, il est l'élève de Peder Severin Krøyer à Copenhague. En 1903-1904, il étudie à la Scuola libera del Nudo de Florence. Il pratiquera aussi à Rome et à Londres. Wilho Sjöström exposa ses oeuvres pour la première fois à Paris en 1897 et l'année suivante à Helsinki.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 149 - Arno Breker, sculpture, politique et propagande

 

Arno Breker (1900-1991)
« Le Guerrier blessé », 1938, bronze 
147 x 125 x 118 cm.
Jardin du musée Arno Breker, Dusserldorf

« Le Guerrier blessé » est une œuvre troublante. Sculpté par un des artistes le plus controversé du 20e siècle qu’il a traversé au plus fort de son tumulte.  Sa période la plus sulfureuse étant celle de sa collaboration avec le régime National socialiste du 3eme Reich dont il a toujours clamé ne pas épouser les idées racistes mais dont il a tout de même dit je cite,  « accepter le principe par opportunisme et mégalomanie ».   
Cocteau qui ne manquait jamais un bon mot sur ces contemporains aurait dit de lui :  « Breker était peut être le premier des  génie en sculpture mais c’était à coup sûr le premier des idiots en politique «  
Ayant été proclamé en 1937 artiste officiel d’Adolf Hitler, il fut dénazifié  après guerre au motif qu’il  n’avait  jamais été membre  du Parti Nazi et qu’il avait sauvé plus d’un condamné par le régime. Pas de quoi devenir un « Juste » et d’autant 
qu’il refusa toujours d'exprimer le moindre regret ou la moindre  excuse pour avoir servi par son art la propagande Nazi, estimant que les artistes n'avaient rien à voir avec la politique. 
Il reste vrai cependant que pendant la guerre, sa position d’artiste officiel du régime, lui a permis d’intervenir plusieurs fois en faveur de nombreux artistes que les nazis poursuivaient, soit parce qu’ils étaient juifs, soit pour leur homosexualité, soit pour de simples raisons d’opposition à leur politique, comme les membres des partis communistes européens, par exemple. Ainsi à Paris, Arno Breker protégea réellement  Pablo Picasso, qui était alors communiste et lui évita des confrontations - on va dire pénibles pour de pas dire fatales -  avec la Gestapo de la Rue Lauriston. 

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Chez le coiffeur

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Chez le coiffeur 
Collection privée 

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une véritable icône de "l'art gay"

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LES TABLEAUX QUI PARLENT n° 148 - Daniel Boone et " le lavage du sang blanc"...

 

Jared French (1905-1988)
'Washing the White Blood from Daniel Boone
Lavez le sang blanc de Daniel Boone, 1950  
Tempera  à l’oeuf sur masonite, 51 x 77, 5 cm
The Cleveland Museum of Art

Daniel Boone (1734- 1820), ne pas confondre avec Dany Boone, 
Daniel Boone, au centre de ce tableau,  fut un explorateur américain, le  pionnier de la colonisation de l'Amérique du Nord,  l'un des héros les plus populaires des Etats Unis pour l'exploration et la colonisation de ce qui est aujourd’hui le Kentucky, qui se trouvait alors au-delà des limites occidentales des treize colonies britanniques. 
Cette région appartenait  légalement  à la France  sous le nom de « Nouvelle-France » avant que les  « droits » n’en soient abandonnés à la Couronne britannique par la cession de la Grande Louisiane au Traité de Paris de 1763. 
C’est un traité passé entre la France, l’Espagne, le Portugal et la Grande Bretagne qui met fin à la guerre de 7 ans que  Winston Churchill qualifiera de Première Guerre mondiale, et comme assez souvent dans ces analyses historiques il avait  raison d’ailleurs. 
Par ce traité la France donc perdait définitivement son statut de plus grande puissance mondiale,( eh oui ça ne date pas d’aujourd’hui ) au profit de la Grande-Bretagne qui le conservera jusqu'à la Seconde Guerre mondiale.
Les historiens estiment que la situation nouvelle ainsi créée, jettera les fondations des révolutions américaine puis française.
Et précisément Daniel Boone fait partie des tous premiers héros de la jeune nation américaine naissante. Boone de lança dès lors dans l’exploration de nouveaux territoires, encore propriété des amérindiens et y créa de nouvelles routes vers l'ouest… 

Pur connaitre la suite écoutez le podcast...

Nikolai Ivanovich Feshin (1881-1955) - Portrait of my father

Nikolai Ivanovich Feshin (1881-1955)
Portrait of my father 1912
The Philbrook Museum of Art, Tulsa.

Nikolaï Fechine (Николай Иванович Фешин), est un peintre, graphiste, sculpteur, graveur russe, soviétique nationalisé ensuite américain. C'est un représentant, par sa peinture, de l'impressionnisme et de l'Art nouveau. Il entre à l'école des beaux-arts de Kazan à 13 ans, puis poursuit sa formation à Saint-Pétersbourg, où il est diplômé de l'académie impériale des beaux-arts, après y avoir été formé dans l'atelier d'Ilia Répine. Après ses études, il retourne à Kazan où il enseigne à l'école des beaux-arts qui porte aujourd'hui son nom : école des beaux-arts de Kazan N. Fechine. En 1916, il est nommé académicien à l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg.  À 42 ans, en 1923, Fechine émigre aux États-Unis avec sa famille, où il réside jusqu'à sa mort à l'âge de 73 ans, en 1955. En 1976, sa fille Iya Fechina (1914-2002), ballerine et critique d'art, fait transférer les cendres de son père de Californie à Kazan. Fechine était connu en Russie et en URSS, mais aux États-Unis il est considéré comme un artiste américain. Il a créé plus de 2 000 œuvres qui se trouvent dans plus de trente musées aux États-Unis sans compter les collections privées. La plus grande collection de ses œuvres se trouve au Musée des arts figuratifs du Tatarstan (plus précisément exposée dans la filiale du musée : la galerie d'art Khazine au Kremlin de Kazan). Ses toiles sont aussi présentées dans les musées de Saint-Pétersbourg, Tcheboksary, Kozmodemiansk, Kirov, et dans des collections privées.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 147- Le Mercure de Hans Baldung et ses plumes

 

 

LES TABLEAUX QUI PARLENT 
Une série de podcasts par Francis Rousseau 

Hans Baldung Grien (1485-1545)  
Merkurius, 1530
Huile sur panneau de bois, 1m 94 sur 64cm
National Museum de Stockholm

C’est tout de même fascinant cette façon qu’ont  les notices explicatives des musées de ne pas traiter du sujet qui saute aux yeux. 
Ainsi concernant cette oeuvre, la description du musée où il se trouve dit :  
« Le messager Mercure, l'un des dieux de l'Olympe, porte un bâton de héraut, un casque ailé et des sandales. Ce tableau ornait probablement le boîtier d'une horloge astronomique, Mercure symbolisant l'un des sept corps célestes de la cosmologie antique, censés influencer le caractère humain. Le lion contemplant son reflet pourrait représenter le tempérament colérique, et peut-être aussi le signe astrologique des Gémeaux. Les proportions allongées sont typiques de la peinture maniériste du XVIe siècle.
Bon… mais Pas un mot  par contre de la  seule chose qui saute aux yeux et intrigue le spectateur : le plumage  multicolore  d’oiseau de paradis ou le perroquet qui remplace la zigounette de ce Mercure et la libellule qui ne lui lâche pas la hanche.
C’est pourtant suffisamment intriguant pour que l’on s’y penche un peu (enfin pas trop non plus tout de même)  
Ne reculant devant aucun sacrifice  « Les Tableaux qui Parlent » le font donc, puisque apparement il n’y a personne au Musée pour s’en occuper ! 

Pour en savoir plus écoutez le podcast....  

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) - Male -Portrait, 1970_

 

 

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) 
Male - Portrait, 1970_

LES TABLEAUX QUI PARLENT N°146 -Les Lutteurs au corps à corps

Sir William Orpen (1878-1931) - Self-Portrait

Sir William Orpen (1878-1931),
Self-Portrait, 1917

 

Cet autoportrait fait référence à l'époque où Orpen étaot sur le front de la Premiere guerre mondiale

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 144 - HERCULE & ANTÉE : HIRSUTES ?

 

 

Lucas Cranach l’Ancien (1472-1553)
Hercules et Antée,
tempera sur panneau de bois,  1530 
Compton Verney Art Gallery


L’histoire est simple : Hercule défia un jour le géant Antée fils de la Terre et de la Mer (en toute simplicité) qu'il rencontra pendant sa quête des pommes d'or du Jardin des Hespérides situé en Libye dont Antée était roi, la Libye antique englobant l’actuelle Tunisie et même une partie de ce qui s’appelle aujourd’hui l’Algérie.
Lutteur acharné, Antée obligeait les voyageurs qu’il croisait sur le chemin des Hespérides à se mesurer à lui, sachant que, si l'un d'eux réussissait à lui faire toucher la terre, sa mère, Gaia donc, en profitait pour décupler les forces de son cher fils. Ainsi plus Antée touchait terre plus il devenait fort. 
Tous ces ennemis se laissèrent abuser en pensant qu’en le plaquant au sol, ils obtenaient la victoire, alors que c’était exactement le contraire qui se passait et que sitôt a terre il les pulvérisait sans qu’ils sachent même ce qui leur était arrivé. 

Ecoutez le podcast ...

© Les Tableaux Qui Parlent

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 143 - Degas et son homme nu allongé

 

 

Edgar Degas (1834-1917)
Homme nu allongé, 1856
 The MET, New York

Cette peinture  inachevée fait partie des toutes  premières oeuvres  d’Edgar Degas, qui n’a pas peint que des danseuses et des jockeys…
  Ce tableau a été peint  en manière d’esquisse  d’on ne sait pas trop quelle œuvre d’ailleurs, à l’époque où il était qu'étudiant en art à Paris sous Louis Lamothe, (et oui c’est l’expression consacrée) Lamothe  presque totalement inconnu aujourd’hui mais qui avait été lui même élève sous Ingres et sous les  frères Flandrin. 

Ecoutez le podcast pour savoir la suite  

Valentin de Zubiaurre (1879-1963) - Portrait d'un berger basque

Valentin de Zubiaurre (1879-1963)
Portrait d'un berger basque
Bilbao Fine arts Musuem

 

Valentín de Zubiaurre Aguirrezábal  était un peintre espagnol. Il est né sourd et muet, un état qui affectait également son frère Ramón de Zubiaurre, également peintre, de trois ans son cadet. Tous deux étaient fils du compositeur Valentín de Zubiaurre UrionabarrenecheaIl cultive une peinture de genre, dans laquelle prédominent les thèmes basques et castillans, où la solidité des figures se mêle à un sens profond de la couleur. Il ne lui a pas été facile d’obtenir une reconnaissance officielle. À une époque où le naturalisme et l'impressionnisme étaient les tendances dominantes, Zubiaurre produisit un style de peinture plus intellectuel, combinant la maîtrise de son art avec l'élaboration intellectuelle de l'idée. On lui reprochait également d'être tombé dans le vice de répéter sans cesse certains types et compositions une fois qu'ils avaient atteint un certain niveau de popularité, développant sans cesse les mêmes formules.
Pendant des années, on a cru à tort que les frères Zubiaurre partageaient la création de leurs peintures, travaillant tous deux sur la même pièce. Il n’existe aucune preuve objective de cela. Il est vrai qu’ils partaient d’un standard esthétique similaire et traitaient d’une variété de thèmes similaire, mais les résultats des deux frères étaient sensiblement différents. Dans la peinture de Valentín, il y a moins de sarcasme et une certaine mélancolie prédomine qui n'est pas présente dans les peintures de Ramón. Selon les mots de José Ortega y Gasset, son œuvre est « un inventaire lyrique de l'existence basque ».
L'œuvre du peintre est présente dans plusieurs musées espagnols, comme le Musée National Centre d'Art Reina Sofía, le Musée des Beaux-Arts de Bilbao et le Musée Carmen Thyssen de Malaga, où sont exposés Côte Basque au Crépuscule (1949) et Paysage au Crépuscule avec Dantzaris (sans date), un exemple de peinture régionaliste basque, résolue par une composition plate et l'utilisation de couleurs froides, caractéristiques du style de Zubiaurre.
Ces dernières années, la première étude détaillée de sa vie et de son œuvre a été réalisée grâce à la thèse de doctorat intitulée Valentín de Zubiaurre. Vie et œuvre, par l'historienne de l'art Rebecca Guerra Pérez (Université du Pays Basque, Bilbao ; 2012). Grâce à cet ouvrage, non seulement un catalogage exhaustif de l'œuvre considérable du peintre a été réalisé, mais il a également ouvert des perspectives historiographiques renouvelées qui mettent l'accent sur la considération individuelle de sa contribution artistique par rapport à celle de son frère Ramón de Zubiaurre.

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Simone Martini (1280-1344) - Saint Martin ressuscite un jeune homme

Simone Martini (1280-1344)
Saint Martin ressuscite un jeune homme 

Simone Martini, parfois aussi appelé Simone Senese ou Simone Memmi, est un peintre et enlumineur siennois, contemporain d'Ambrogio Lorenzetti et élève de Duccio, qui utilise les techniques de la fresque et de la tempera sur bois. Son œuvre a exercé une influence considérable sur le gothique international. Considéré comme l'un des maîtres de l'école siennoise et certainement l'un des artistes les plus grands et les plus influents du 14e siècle italien, il est le seul capable de concurrencer Giotto. Sa formation a probablement eu lieu dans l'atelier de Duccio di Buoninsegna.

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Anonyme (Ecole anglaise ) - Sir Henry Unton

Anonyme (Ecole anglaise)
Sir Henry Unton, 1586
Tate Britain

Sir Henry Unton (ou Umpton) (vers 1557 – 23 mars 1596) était un diplomate anglais de l'époque élisabéthaine. Unton naquit à Wychwood et était le deuxième fils de Sir Edward Unton (décédé en 1583) de Wadley House, près de Faringdon, dans le Berkshire (aujourd'hui Oxfordshire). Sa mère, Lady Anne Seymour (décédée en 1588), était la fille du duc de Somerset, Lord Protecteur sous Édouard VI. Son frère aîné, Edward Unton, mourut en 1589.
Étudiant à l'Oriel College d'Oxford, Unton devint député de New Woodstock en 1584. Il servit avec les forces anglaises aux Pays-Bas en 1585 et 1586, et participa à l'escarmouche de Zutphen.  En 1586, il fut anobli par Robert Dudley, comte de Leicester.
En 1591, grâce aux bons offices du comte d'Essex, Unton fut envoyé comme ambassadeur auprès d'Henri IV de France ; il se lia d'amitié avec ce roi et l'accompagna lors d'une campagne en Normandie avant d'être rappelé en Angleterre en juin 1592.
Obtenant de nouveau un siège au Parlement en 1593 comme chevalier du comté de Berkshire, il perdit brièvement la faveur de la reine Élisabeth, mais fut envoyé la même année comme ambassadeur en France. Il mourut au camp français de La Fère le 23 mars 1596. Un recueil de vers latins fut publié à sa mémoire à Oxford plus tard dans l'année. Ce recueil fut édité par son chapelain, Robert Wright (1560-1643), futur évêque de Lichfield et de Coventry.
Après sa mort, son corps fut rapatrié en Angleterre et inhumé à l'église All Saints de Faringdon.  En son honneur, John Dowland composa « Les Funérailles de Sir Henry Umpton », l'une des pièces de la suite « Lachrimæ ou Sept Larmes ».
Sa veuve, Dorothy (née Wroughton), épousa plus tard Sir George Shirley, 1er baronnet, et fut connue sous le nom de Dame Dorothy Shirley.

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Rosalba Carriera (1675-1757) - Sir John Reade Bart

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Rosalba Carriera (1675-1757)
Sir John Reade Bart

Rosalba Giovanna Carriera, est une peintre vénitienne qui lança la mode du pastel en France lors de son passage à Paris en 1720. Elle fut aussi l’une des premières miniaturistes européennes dès 1698, en décorant des tabatières alors très à la mode, de sujets galants. Sa véritable notoriété naît des portraits au pastel auxquels elle se consacre exclusivement à partir de 1708. Et lorsqu'on regarde ces pastels , on comprends leur succès ! Ses pastels, précédés de croquis à la plume ou à la pierre, furent très largement connus. Le 26 octobre 1720, elle est reçue à l'Académie royale de peinture, sur présentation d'un portrait du roi Louis XV au pastel, confirmée le 9 novembre 1720. "La Rosalba" , comme on l'appelait à Paris ,sa mère et sa sœur Giovanna, descendirent chez Crozat, dont l’hôtel était situé rue de Richelieu. À peine installée, l’artiste, spécialiste de portraits de la noblesse européenne de son époque, fut accablée de visites, et, pour ainsi dire, persécutée par les plus grandes dames et par les principaux seigneurs de la cour : tous voulaient leurs portraits de sa main. Elle fit ceux du jeune roi Louis XV, du Régent, de Mesdames ; de Law, de sa femme et de sa fille, des princesses de Conti, de la duchesse de Clermont... et de beaucoup d’autres. Ses dons séduisent l'Europe entière, de Venise - où vivaient alors la majorité de ses mécènes - à Paris, de Dresde à Londres.
Son activité diminua à partir de 1747, quand elle commença à être atteinte de cécité.

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Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823) - Nu académique

 

 

 

 

Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823)
Nu académique.

Pierre Prudon, dit Pierre-Paul Prud'hon est un peintre et dessinateur préromantique français.
Privilégiant les nudités allégoriques il adopte une touche vaporeuse et un modelé fondu inspiré de Léonard de Vinci et du Corrège. À l'opposé du néoclassicisme de David, usant d'une ligne nette, ces traits témoignent de l'émergence de la sensibilité romantique.
Entre 1804 et 1806, Prud'hon travaille à une commande officielle du préfet de la Seine Frochot, pour le palais de justice, La Justice et la Vengeance divine poursuivant le Crime (Musée du Louvre). Parallèlement il peint le portrait de Talleyrand en 1807 et Psyché enlevée par les zéphyrs (Salon de 1808, Louvre) pour le comte Sommariva, riche amateur milanais et mécène de Prud'hon.
Il fait le portrait de l'impératrice Joséphine en 1805, (conservé à Paris au musée du Louvre), et grâce à Frochot, réalise d'importantes commandes de décorations éphémères pour des fêtes et des évènements tels que le couronnement de Napoléon en 1805 et le mariage de l'empereur avec Marie-Louise d'Autriche en 1810. C'est encore à lui que la ville s'adresse pour fournir les modèles du mobilier de vermeil destiné à la jeune impératrice Marie-Louise en 1810 et du berceau du roi de Rome en 1811. Ses dessins nous en conservent la trace.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°141- Le peuple libre des Noubas

 

 

George Rodger (1908- 1995)
Noubas,  vers 1950
Agence Magnum

Le peuple  Nouba fait  partie d’une tribu africaine qui vivent dans les monts Nouba au Soudan. Leur nombre, 2003, est d'environ 2 millions de personnes, mais les estimations varient beaucoup, car les massacres silencieux et exactions de toutes sortes continue toujours aujourd’hui à être perpétré sur cette légendaire tribu   
 Au début des années 1990, lorsque la  seconde guerre civile soudanaise s'étend aux monts Nouba, la population subit une islamisation forcées avec notamment l'imposition de la charia. Le gouvernement d'Omar el-Bechir utilise alors les populations arabes de la zone comme supplétifs contre les Noubas, reconduisant ainsi une histoire génocidaire  très ancienne qui remonte aux origines de la traite négrière orientale, amplifiée au moment de l’apparition d’lslam dans le monde arabe, au 7e siècle.    
La traite orientale négrière est beaucoup moins encore connue que l'occidentale, bine qu’elle fut tout aussi importante, sinon plus.  
Pour certains le manque de statistiques fiables ou de recensement en Afrique au Moyen Âge, en serait responsable et surtout la susceptibilité bien contemporaine celle là de certains États musulmans pour les représentants desquels le simple fait d'évoquer le passé négrier de leurs pays revient à vouloir banaliser ou minimiser la traite transatlantique aux  archives très fournies. En matière de honte esclavagiste, l’Orient et l’Occident continuent de se renvoyer aujourd’hui encore, la balle.
Concernant la concomitance de l’accélération de la traite négriere orientale et l’apparition de l’iIslam, Il faut savoir  et comprendre que dans l'Islam, l’esclavage est  je cite une « institution inscrite dans l'ordre du monde et des réalités humaines telles que voulues et créées par Dieu ».
Le prophète Mahomet lui-même a eu plusieurs esclaves et le Coran légitime parfaitement cette pratique, par exemple, dans les versets 5-6 de la sourate 23, ou encore au verset 24 de la sourate 4, qui autorise le fait d’avoir les relations sexuelles avec ses esclaves, même si elles ou ils sont mariées.
Il faut se souvenir qu’en  référence à la malédiction de Canaan, consécutives à l’ivresse de Noé  (consulter notre podcast n° 61 sur je sujet), les noirs censés descendre de Cham selon la « Table des peuples »,  étaient réputés voués à être asservis par les descendants de Sem et de Japhet.
Cette dévalorisation biblique servit ni plus ni oins qu’à légitimer la traite négrière dont les sociétés islamiques avaient besoin.
Selon l’historien et homme d’Etats Ibn Khaldoun, (1332-1406) : « Les nations nègres sont en règle générale dociles à l'esclavage, parce qu'ils ont des attributs tout à fait voisins à ceux d'animaux stupides »

Pompeo Batoni (1708-1787) - Vulcain dans sa Forge

 
Pompeo Batoni (1708-1787)
Vulcain dans sa Forge. 1750 

 
Pompeo Girolamo Batoni, est un peintre italien. Il a fait la synthèse, dans son œuvre, d'éléments du classicisme bolonais, du rococo français et du néo-classicisme naissant. Il fut l’un des premiers à rechercher une alternative au style rococo et vénitien alors au goût du jour en s’inspirant de l’antiquité, des peintres classiques français, comme Nicolas Poussin, et de Raphaël et fut en cela l’un des précurseurs de la peinture néo-classique. Il était l'ami de Johann Joachim Winckelmann, le théoricien et historien d’art.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 140 - Œdipe, son complexe, son sphinx et son petit doigt

 

 

Jean Auguste Dominique Ingres .(1780-1867)
Oedipe explique l’énigme  the Sphinx (version de 1827).
Musée du  Louvre.

Mais ? Mais  que vois je ? Qu’est-ce que c’est que ce doigt ? Ben oui !
Ce doigt tendu vers le Sphinx genre doigt d’honneur. Non mais je rêve ou quoi?  Oedipe lui fait un doigt d’honneur ?  Au Sphinx.
Il est gonflé cet Oedipe. Cela serait il possible ?

 Eh bien oui,  on ne rêve pas, on pourrait le croire en tout cas. Même si il y  a peu de chances que Jean Auguste Dominique Ingres ai t voulu donné cette signification à ce geste, les codes gestuelles - qui évoluent sans cesse  - n’étant plus tout a fait les mêmes depuis le début du 19e. Ne pratiquons pas l’anachronisme gestuelles…. ouh non surtout pas  !
Même si en donnant au Sphinx la  bonne réponse à la fameuse énigme qui ouvre le passage vers la ville de Thèbes, et que je ne vous ferai pas l’injure de vous la rappeler… c’est sans conteste une sorte de doigt d’honneur intellectuel qu’Oedipe fait au Sphinx.
Contentons nous de constater ce doigt d’honneur au Sphinx que nous interprèterons, en se rapportant à sa signification à l’époque ou il fut peint,  c’est  un doigt tendu entre autorité et manque d’assurance au moment de la réponse…du style  « mais est ce que ce ne serait pas… par hasard » .    A défaut o n peut aussi le ranger dans la catégorie chaffouine des chatouilles sous le menton pour ne pas dire entre les deux tétons, une signification intemporelle ! .  

En réalité bien entendu, c’est une posture  qui  cherche l’approbation de son interlocuteur.
Sauf que là, si Oedipe ne répond pas, ben il n’aura pas de seconde chance et la créature à la poitrine en obus de grossen  Bertha, aux  ailes d’aigle et aux griffes de lions le déchiquètera comme un vulgaire…. machin à trois balles.
En témoigne le pied coupé du pauvre bougre qui git dans le charnier au  bas de la toile à gauche et l’air effrayé du compagnon d’Oedipe qui n’ose même pas s’approcher et file doux dans le lointain
(ah bon alors il avait un compagnon oedipe?…)   
Ce geste du doigt reproduit sur plusieurs représentations mme anciennes d’œdipe et du Sphinx peut aussi signifier « J’ai trouvé » montrant ainsi son cheminement  laborieux vers la connaissance.  
Qu ‘elle que soit sa signification exacte en réalité, le geste est indissociable de la posture antique un rien précieuse issu de la tragédie grecque et de Sophocle qui le premier mis en en scène la tragédie dOedipe et des Atrides…
 Pasolini dans son Oedipe ne prendra pas tant de gants, si je peux dire, et même déjà Cocteau avant lui d’ailleurs.
Pour écouter la suite cliquer sur l'image....

 

@lestableauxquiparlent 

Richard Gerstl 1883-1908) - Autoportrait avec palette

Richard Gerstl 1883-1908)
Autoportrait avec palette , 1908
Leopold Museum, Vienna 

Du peintre autrichien expressionniste Richard Gerstl, on ne connaît que 60 tableaux, dont la plupart sont exposés en Autriche

Né dans une riche famille bourgeoise, Richard Gerstl suit une scolarité difficile à Vienne où il étudie à l'Académie des beaux-arts de Vienne. Son individualisme  forcené l'empêche cependant de continuer dans cette institution.
Sa peinture est influencée par Gustav Klimt, Van Gogh et, surtout, par Edvard Munch qu'il peut étudier lors d'expositions viennoises. Il peint essentiellement des portraits et des paysages.
Intéressé par la musique et la philosophie, il est en contact avec Gustav Mahler, et entretient, à partir de 1906, une grande amitié avec Arnold Schönberg, qu'il pousse à se mettre à la peinture. Dans le même temps, il a une relation amoureuse avec la femme de son ami, Mathilde Schönberg, sœur d'Alexander von Zemlinsky. Cette relation a une grande influence sur sa peinture qui devient moins précise et plus abstraite. Après que Schönberg a découvert la relation adultérine durant l'été 1908, Gerstl menace de se donner la mort. Le couple Schönberg décide de rester ensemble pour les enfants.
Gerstl finit par se pendre devant un miroir, à 25 ans, après avoir détruit des dossiers personnels et quelques peintures.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 139 - La Liberté va seins nus

Reginald Grenville Eves (1876-1941) - The Prophet Hosea

Reginald G. Eves (1876-1941)
The Prophet Hosea, ca 1918 

Reginald Grenville Eves,  est un peintre portraitiste britannique.qui fit ses études à l'University College School puis à la Slade School of Fine Art (1891-1895) où il est élève d'Alphonse Legros, Frederick Brown et Henry Tonks Il travaille dans le Yorkshire pendant cinq ans avant de revenir à Londres. En 1901, il présente ses œuvres à la Royal Academy puis il expose à la Société nationale des beaux-arts et au Salon des artistes français dès 1923. Il y obtient cette année-là une médaille d'argent puis y remporte une médaille d'or en 1926, année où il passe en hors-concours.  Élu membre associé de la Royal Academy en 19313, il devient académicien en 1939. Ses portraits les plus remarqués sont alors Thomas Hard,  Ernest Shackleton, George VI et Max Beerbohm. Lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate, il est un des premiers artistes à devenir salarié à plein temps du War Artists' Advisory Committee avec Barnett Freedman, Edward Ardizzone et Edward Bawden. Il est envoyé en France en 1940 avec le Corps expéditionnaire britannique et peint de nombreux portraits à partir d'un hôtel où il réside à Arras.
Ses œuvres sont conservées, entre autres, à la Tate et à la  National Portrait Gallery.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 138 - NOLI ME TANGERE

Glyn Warren Philpot (1884-1937) - André Eglevsky

Glyn Warren Philpot (1884-1937)
André Eglevsky in 1937

Las de peindre des portraits mondains à Londres, Glyn Warren Philpot, décide de s'installer à Paris où il avait étudié dès le début du siècle à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens. Il commence à changer de style dès avant la Première guerre mondiale opte pour un style plus moderne, plus plat et plus stylisé que son ancienne manière. Ce nouveau style lui vaut un accueil plus que mitigé de la part de ses premiers admirateurs londoniens dont ilv a d'ailleurs s 'éloigner peu à peu. Si bien qu'en avril 1932, on peut lire dans Scotsman : « Glyn Philpot est entrain de tourner au Picasso ». il s'en faut de beaucoup mais la touche moderne ne plait pas. Dommage car elle est superbe et ce dessin qui est le tout premier où il manifeste son intérêt pour les modèles masculins noirs (qui seront récurrents dans toute son œuvre), est d'une grande beauté.

André Eglevsky (1917 -1977 ) est un danseur et professeur de ballet né en Russie. À partir de 1932, il danse pendant plusieurs années avec le Ballet russe de Monte-Carlo, ainsi qu'avec d'autres troupes en Europe et à New York. Il obtient la nationalité américaine à la fin des années 1930 et danse avec l'American Ballet Theatre et le New York City Ballet. Il arrête les représentations en 1958, crée sa propre école de ballet et fonde la Eglevsky Ballet Company à New York. André Eglevsky meurt en 1977 d'une crise cardiaque à New York, peu avant ses 60 ans.

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Pavel Filonov (1883-1941) - Le fermier collectif

Pavel Filonov (1883-1941)
Le fermier collectif

Pavel Nikolaïevitch Filonov (Павел Николаевич Филонов), est un peintre russe du début du 20e siècle.
Il  fonde l'art analytique en 1910. Contrairement à ses contemporains comme Vassily Kandinsky, Kazimir Malevitch, Alexandre Rodtchenko ou Vladimir Tatline, son nom reste très peu connu en dehors de son pays.
En 1897, il déménage à Saint-Pétersbourg où il prend les cours à l'école de dessin de la Société impériale d'encouragement des beaux-arts. En 1903, il manque d'entrer à l'Académie russe des beaux-arts et prend les cours de dessin et d'anatomie dans l'atelier de Lev Dmitriev-Kavkazski. En 1908, admis à l'Académie des beaux-arts, il y étudie, - chez Ian Tsionglinski notamment - jusqu'à son expulsion en 1910. En 1910–1914, il prend part au groupe artistique l'Union de la Jeunesse formé par les artistes Elena Gouro et Mikhaïl Matiouchine. En 1912, paraît son article Le canon et la loi exposant les principes du réalisme analytique également appelé « anti-cubisme ». D'après Filonov, le cubisme représente les objets en utilisant des éléments géométriques de leur surface, mais les réalistes analytiques devrait représenter les objets en utilisant des éléments de leur âme intérieure. Il eut une grande foi en ces principes jusqu'à la fin de ses jours.
Il meurt de faim pendant le siège de Léningrad en 1941 et est enterré au cimetière Serafimovski. Ses œuvres conservées au musée Russe de Saint-Pétersbourg ne seront exposées qu'à la fin des années 1980, car son art est longtemps considéré comme anti-soviétique.

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Patrick Procktor (1936 - 2003) - HRH Prince Charles

 

Patrick Procktor (1936-2003)
HRH Prince Charles (b.1948) 

Patrick Procktor (RA) était un peintre et graveur britannique. Patrick Procktor est né à Dublin, fils cadet d'un comptable d'une compagnie pétrolière, mais a déménagé à Londres lorsque son père est décédé en 1940. Dès l'âge de 10 ans, il a fréquenté la Highgate School - où un de ses professeurs fut le peintre paysagiste Kyffin Williams. Les revenus de sa mère étaient insuffisants pour financer ses études supérieures et après avoir travaillé chez un marchand de matériaux de construction au nord de Londres, Agé de 18 ans, Procktor, se fait enrôlé dans la Royal Navy où, pendant son service national, il apprend à parler russe. Pendant sa période londonienne, Procktor a vécu à Manchester Street, Marylebone où il est vite devenu l'ami de Derek Jarman , Francis Bacon et Cecil Beaton (plusieurs photographies de Procktor apr Beaton sont exposée à la National Portrait Gallery. Malgré ses penchants homosexuels, en 1973, Procktor épouse une veuve, voisine et restauratrice Kirsten Benson. Elle a vendu son restaurant (Odin's) à Peter Langan , et Procktor, Hockney, Bacon et Lucian Freud ont tous fourni des peintures à accrocher sur les murs de la brasserie Odin's et Langan's en échange du gite et du couvert. Porktor apparait en personne edans le biopic tourné sur Hockney en 1974, A bigger Splash.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 137- William Etty : un captif sans filtre

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 136 - Ouille, Origène et Empédocle .

André Derain (1880-1954) - Arlequin et Pierrot

 

André Derain (1880-1954)
Arlequin et Pierrot, 1924,
Huile sur toile.
Musée de l'Orangerie

Le peintre français André Derain est l'un des fondateurs du fauvisme. Peintre de figures, de portraits, de nus, de paysages, de marines, de natures mortes, il emploie diverses techniques : huile, gouaches, aquarelles, pastels. Il est également peintre de décors de théâtre, sculpteur, graveur et illustrateur. Pendant l'occupation allemande de la France, Derain est courtisé par les nazis comme symbole prestigieux de la culture française. Il accepte une invitation pour une visite officielle en Allemagne en 1941, avec, notamment, son ami Maurice de Vlaminck, Kees van Dongen ou le sculpteur Paul Belmondo. Derain est traité de collaborateur et ostracisé après la Libération. Après la guerre, il renonce aux présentations publiques de ses œuvres et finit sa vie dans une solitude volontaire.
Son œuvre est parfois considérée comme un revirement vers la tradition après un engagement dans les avant-gardes mais elle témoigne fortement des préoccupations des artistes de son époque, dont beaucoup, à l'instar de Maurice De Vlaminck ou Félix Valotton suivent ce même itinéraire, qualifié par les historiens de l'art de « retour à l'ordre », auquel même Picasso n'échappe d'ailleurs pas à la fin des années 1910, durant une courte période. L'œuvre de Derain est essentiellement picturale, mais il a également signé les décors et les costumes de nombreux ballets, illustré une trentaine de livres, il est également connu comme sculpteur. Une grande partie de son œuvre (80 peintures, 77 sculptures, des dessins, mais aussi des objets d'art primitif lui ayant appartenu), précédemment dans la collection Pierre et Denise Lévy, est présentée au musée d'art moderne de Troyes. Quelques de ces toiles sont aussi conservées dans les plus prestigieux musées de la planète (le Metropolitan Museum of Art de New York, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, le Museo Rhyssen-Bornemisza de Madrid, la Royal Gallery de Londres, l'Australian National Gallery, le Bunkamura Museum of Art à Tokyo...)  

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