Jean-Étienne Liotard (1702-1789) - Portrait de Joseph II

 

Jean-Étienne Liotard (1702-1789)
Portrait de Joseph II, Empereur du Saint Empire Romain Germanique et Roi de Hongrie, Croatie et Bohême
Huile sur toile, 1762
Musée d'Art et d'Histoire de Genève

Rappel biographique : Le peintre genevois Jean-Etienne Liotard (1702-1789) a voyagé à Naples, à Rome, à Constantinople, à Vienne, en Hollande et à Londres. Surnommé le peintre turc à cause du costume oriental qu'il avait choisi de porter depuis son passage à Constantinople, il a peint beaucoup de portraits (dont celui d'un pape) et un nombre très restreint de natures mortes. Collectionneur, expert en peintures pour les anciens maîtres, il est également l'auteur d'un Traité des principes et des règles de la peinture (1781). Son œuvre varié et prolifique est reconsidéré depuis les années 2000 à travers de nombreuses rétrospectives. Jean-Étienne Liotard est né en république de Genève le dernier né d'une fratrie, dont un frère jumeau, Jean-Michel (1702-1796), sera un célèbre dessinateur et graveur. Peu de détails semblent nous être parvenus sur son enfance. En 1720, Antoine, son père est en partie ruiné à la suite du krach du système de Law3. Malgré tout, Jean-Étienne Liotard reçoit l'enseignement du miniaturiste et professeur de dessin genevois Daniel Gardelle (1673-1753), qu'il surpasse au bout de quelques mois dans l'art de la copie1. Puis, il entre au service de Jean-Louis Petitot (1692-1730), dont il copie les émaux et des miniatures avec une remarquable compétence. Par la suite, il mèna une vie de voyages et d'aventures toujours abondamment nourrie de portraits des célébrités ou des anonymes qu'il croisait et qui le conduisirent à devenir un des peintres les plus célèbres de son temps.
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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 131 - Gustave Courtois despathe la tige

 

 

Gustave Courtois (1852-1923)
 Le Trieur de Maïs
Musée d'art et d'histoire de Pontarlier, France

Rien ne prédestinait vraiment Gustave Courtois, fils d'un garçon charcutier et d'une blanchisseuse à devenir artiste peintre. A ceci près que sa mère qui lui était totalement dévouée, remarqua très vite l' intérêt pour l'art que le jeune Gustave développa dès qu'il fut scolarisé au lycée de Vesoul, Et, en femme intelligente, elle le poussa dans cette voie selon l’expression consacrée, préférant que son fils peigne des petites cutottes plutôt que de les nettoyer.
Donc entré en 1869 à l’Ecole des beaux-arts de Paris. Gustave devint l’ami très proche de Pascal Dagnan-Bouveret, avec lequel il partagea longtemps son atelier. Et comme Paris le qualifia très vite de l’appellation péjorative de « peintre provincial », et bien il s’en retourna dans sa province et dans d’autres où il fit merveille. Adieu Paris.
Le modèle est un paysan. Comtois ? Basque ? Savoyard ? On ne sait pas trop. En tout cas il ne s’agit pas de Maurice Deriaz qui fut le modèle favori du peintre (consultez notre podcast N° 56 donné en lien.) 

 

Pour connaitre la suite écoutez ce podcast 

 

 

 

 

Nikiforos Lytras (1832–1904) - Galatas the milkman

Nikiforos Lytras (1832-1904)
Galatas the milkman
National Gallery of Greece, 1895
Alexandros Soutzos Museum

Nikifóros Lýtras (Νικηφόρος Λύτρας)  était un peintre grec, fils d'un sculpteur de marbre d'une grande popularité. Il fut d'abord élève de l'Académie royale des beaux-arts de Munich puis professeur à l'École des beaux-arts d'Athènes. Il conserva ce poste toute sa vie. Durant l'été 1873, il voyagea en Asie Mineure en compagnie de son ami Nikólaos Gýzis. Il resta le défenseur d'un académisme pictural appris à Munich, s'intéressant aux thèmes ethnographiques et aux portraits. Son portrait le plus célèbre était celui du couple royal, Othon 1er et Amalia,  mais aujourd'hui il est plus connu pur des portraits  dits "ethniques"comme celui de  Christos le Nigérien (1873-74).

 
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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°130 - Franz Liszt, agent 007 ?

 

 

Friedrich von Amerling (1803 -1887)  
Portrait de Franz Liszt en 1838
Collection privée

Franz Liszt était-il la Mata Hari des salles de concert et le James Bond du clavier ? Les histoires d’espions sont toujours compliquées et par essence secrètes, mais il semblerait que dans le cas précis la réponse soit positive … et d’autant plus que Liszt n’a laissé aucune trace de cette activité parallèle.
Donc chapeau l’artiste pour avoir si bien fait le job, si on peut dire !  

Célèbre compositeur et pianiste, d’une célébrité équivalente à celle des Beatles ou de Mickael Jackson en leur temps, Liszt n’était pas célèbre a priori pour avoir été un espion, même si de son vivant on l’appelait le « pianiste au doigts d’or ». (Goldfingers donc!) … non je plaisante.   
Mais justement… il n’est sans doute le premier de son espèce ni le dernier d’ailleurs, je veux dire un artiste au sommet de sa gloire qui met cette gloire au service de sa patrie ou d’une autre ouvrant la route précisément la route aux Mata Hari, Josephine Baker et autre Wolfgang Amadeus Mozart en personne qui aurait, dit on, été un agent pétaradant du Vatican… 

Si vous voulez connaitre la suite, écoutez le podcast....

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Frank Albert Rinehart (1861-1928) - Cheyenne Chief Wolf Robe.

Frank Albert Rinehart (1861-1928)
Cheyenne Chief Wolf Robe.
Photo, Color halftone reproduction of a painting , 1898

Frank Albert Rinehart était célèbre pour ses photographies de  personnalités amérindiennes, en particulier pour ses portraits de dirigeants et de membres des délégations qui ont assisté au Congrès indien de 1898 à Omaha. D'origine germanique, Rinehart est né à Lodi  Illinois). Dans les années 1870, il déménagea dans à Denver (Colorado) pour trouver un emploi dans le studio de photographie Charles Bohm. En 1881, les  Rinehart  et son frère formèrent un partenariat avec le célèbre photographe William Henry Jackson, réputé pour ses photos prises en Europe. Sous son enseignements Rinehart perfectionna ses compétences professionnelles développa son intérêt pour la culture amérindienne. En 1898, et à l'occasion du Congrès indien, Rinehart fut chargé de photographier les personnalités amérindiennes qui assistèrent à l'évènement. Avec son assistant Adolph Muhr (qui sera plus tard employé par le célèbre photographe Edward S. Curtis et sera chargé de la colorisation des photos de Rinehart ), ils ont produit ce qui est maintenant considéré comme « l'une des meilleures  sources documentaires  photographiques des dirigeants indiens au tournant du siècle ».
Après le Congrès indien, Rinehart et Muhr ont parcouru les réserves indiennes pendant deux années, décrivant des dirigeants amérindiens qui n'avaient pas assisté à l'événement, ainsi que des aspects généraux de la vie quotidienne et de la culture autochtone.
La collection de photographies indiennes Rinehart est actuellement conservée à la Haskell Indian Nations University. Depuis 1994, la collection est organisée, conservée, copiée et cataloguée dans une base de données informatique, financée par le Bureau of Indian Affairs et la Fondation Hallmark. Il comprend des images de l'Exposition de 1898, de l'Exposition de la Grande Amérique de 1899, des portraits en studio de 1900 et des photographies de Rinehart prises à la Crow Agency dans le Montana également en 1900. 

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Károly Ferenczy (1862-1917) - Acrobats, 1913.

Károly Ferenczy (1862-1917)
Acrobats, 1913
Galerie nationale hongroise

Le peintre hongrois Károly Ferenczy, membre et figure majeure de la communauté d'artistes Nagybánya, a peint plusieurs fois dans sa vie, le thème des lutteurs et d'une façon générale des métiers du cirque.
Ferenczy est considéré comme le "père de l'impressionnisme et du post-impressionnisme hongrois" et le "fondateur de la peinture hongroise moderne". On trouve une cinquantaine de ses oeuvres à la Galerie nationale hongroise ; d 'autres sont répartis entres diverses institutions régionales, notamment le Musée Ferenczy Károly, fondé dans sa ville natale de Szentendre, et des collectionneurs privés.
En 1966, la Galerie nationale hongroise organisa une grande exposition sur le travail de la communauté Nagybánya,: The Art of Nagybánya. En novembre 2011, cette même institution consacrait une grande rétrospective de Ferenczy.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 129 - Un Freud peut en cacher un autre

 

 

Lucian Freud (1922-2011)
Naked Man on Bed 1989
Huile sur toile
Collection privée.

Un Freud peut en cacher un autre. ici le grand père Sigmund inventeur de la psychanalyse est oblitéré par le petit fils, Lucian, considéré comme le plus grands portraitiste britannique du 20e siècle (consulter le podcast N° 54 : La Reine et Freud)
Ici il s’agit de nus ou plutôt de « sujets dénudés » comme il les appelait. Le moins que l’on puisse dire est que les nus que Lucian Freud a peint nous confrontent à l’évidence que la nudité est une chose troublante, voir même dérangeante.
Certains pourraient même penser que Lucian Freud prend un certain plaisir (malin peut être a rendre le nu, tous ses nus, particulièrement dérangeant. Celui que nous voyons la, est sans doute l’un des plus sobres ! Dans cette toile, pas de chiens (on oublie qu’il a été un très grand peintre animalier aussi ) vautrer sur le lit ou de rats cachés dans la main comme des objets sexuels, qui viennent ajouter à la vision de l’appareil génital présenté avec détail, les jambes écartées. comme d’habitude dans ses nus masculins. Seul accessoire si on peut dire, ce sujet dénudé très cru, une plongée , peu discrète, sur sa région anale et une chaussette à moitié enlevée qui viennent esquisser une autre histoire et distraire un peu sujet principal.
Le personnage à la pilosité fournie, à la peau très blanche par endroit grise, doit avoir entre dans la quarantaine et la cinquantaine . On ne peut dire plus puisqu’il cache le haut du visage avec sa main, comme si il voulait se protéger de la lumière pour mieux dormir. L’autre main par contre est proche du pénis et saisi dans un mouvement de grattage des poils qui sont au dessus dans cette partie que l’on appelle assez bizarrement les Monts de Venus....

 

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John Minton (1917- 1957) - Jamaican Street Scene

John Minton (1917- 1957)
Jamaican Street scene

Francis John Minton était un peintre, illustrateur, scénographe et enseignant anglais. Après des études en France, il devint professeur à Londres tout en maintenant une production importante d'œuvres. En plus des paysages, portraits et autres peintures, dont certains peints à une très grande échelle , il s'est forgé une réputation d'illustrateur de livres. Au milieu des années 1950, Minton s'est retrouvé en désaccord avec la tendance abstraite qui devenait alors à la mode et se sentait de plus en plus marginalisé. Souffrant de problèmes psychologiques, il se soigna lui-même avec de l'alcool avant de suicider en 1957.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 128 - Mozart et ses ponctuations très sonores !

 

 

Louis Carrogis dit Carmontelle (1717-1806)
Portrait du jeune Wolfgang Amadeus Mozart jouant à Paris avec son père  Leopold et sa soeur Nanerl  
Musée Condé, Chantilly, France

Et oui bien que s’agissant du divin Mozart, et que je sois , plutôt « prout ma chère que prout pas cher »,  ce podcast est déconseillé aux oreilles sensibles.
Le délicat Mozart, celui là même  qui  a donné a l’expression « C’est du Mozart « pour exprimer  la éelicatesse et le bon goût était il en réalité  un horrible petit diable scatologique ? Eh bien… ’il y a de fortes présomptions dans ce sens.
Et cette constatation ne se base  seulement sur le Canon numero de Catalogue Keuchel 231  qu’il écrivit en 1977 et dont le titre est en toute simplicité  « Leck Mich im Arsh  ce qui signifie pour les noms germanophones « Lèche  moi  le cul » le texte ajoutant  « vite, vite ».
En voici  un extrait… je veux dire du canon, bien sûr !  

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 124 - Royales maitresses - Pince moi je rêve !

 

 

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 127
 Une série de podcast par Francis Rousseau


Ecole de Fontainebleau
Gabrielle d’Estrée et une des ses soeurs, vers 1594-1595
Huile sur panneau de chêne, 96 cm x 125
Musée du Louvre, Paris

Mais que font ces 3 dames ? Qui étaient elles? Où vivaient elles ? D’où venaient elles ? et autres questions existentielles. du même acabit  
 (ponctuation sonore)
A la première question : que font elles  ? eh bien cela parait clair :  elles se pincent le téton  dans une baignoire pendant que la troisième  rapièce des vieux chiffons derrière un rideau rouge,  devant une cheminée rougeoyante mais presque éteinte, détail qui a son importance symbolique… Il faut dire qu’étant donné la tenue des premières deux dames  (si je peux dire) , il n’a pas pas l’air de faire très froid dans la pièce.
(ponctuation sonore)
Donc deux de ces dames prennent un bain. Eh oui, car on prenait aussi des bains au Moyen Age. Moins que sous l’Antiquité certes, mais tout de même.  Même si les hommes étaient moins délicats et sentaient souvent le bouc,
une dame de qualité, elle,  se devait  de ne pas sentir la chèvre, mais la rose.
Bref en se baignant  dans la même baignoire, notera-t-on,  il y a en a une qui en profite pour pincer le téton de l’autre. Ouh la coquine!  Mais là encore il y a une raison précise qui n’a  vpour unique but d’activer l’algorythme censure de  BIP  !  Truandaille !
(ponctuation sonore)
Qui sont elles?  Alors là,  ça se corse un peu.
Pour les uns il s’agirait de deux soeurs : la belle Gabrielle d’Estrée duchesse de Beaufort à droite et  sa soeur Julienne-Hyppolyte d’Estrée,  duchesse de Villars. à gauche.
Deux dames de  très haut rang  puisque que Gabrielle d’Estrée  resta dans l’Histoire comme était la favorite du roi Henry IV  dit » le vert galant » , c’est à dire le vieux cochon en langage moderne !
 Elle en eut même quatre enfants, dont César de Vendôme auquel il est fait allusion ici fut l’ainé.  En effet le symbole de ce  tableau  qui serait en réalité un allégorie,  ne serait rien de moins que l’annonce de sa naissance le 7 juin 1594,  d’où l’attention portée au téton. Diantre ! Corne de bouc  !
Ce tableau aurait donc été peint peu après l’accouchement  donc, au mois de  Juillet  ou d’Août  ce qui explique le peu de vaillance du feu dans la cheminée, sachant que dans les châteaux royaux, il était d’usage d’entretenir un feu dans l’âtre tout au long de l’année, hiver comme été.
 (ponctuation sonore)

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) - Arlequin, Pierrot et Scapin

.Jean-Antoine Watteau (1684-1721)
Arlequin, Pierrot et Scapin

Absolument adulé de son époque par un petit groupe d'admirateurs, auréolé d'une légende romantique au 19e siècle, Watteau demeure  "un accident dans l'Histoire de l 'art" et un inconnu pour la plupart des hommes du 21e siècle, malgré les prix fabuleux atteints par ses toiles ou le moindre de ses dessins. Les biographes se perdent et nous perdent souvent dans les détails assez contradictoires de sa vie, dans l'histoire complexe de ses relations, parfois orageuses, avec ses amis, ses condisciples, ses maîtres et ses protecteurs, complexité qui reflète l'instabilité de son caractère et de son humeur que tous  ses contemporains sans exceptions définissent comme sombre et souvent mauvaise. 

Quant à la chronologie de son œuvre, elle demeure - pour le moins - peu assurée...

Selon l'Encyclopédie Larousse, le nombre de ses toiles est évaluée aujourd'hui à 200 environ, toujours d'un format assez restreint, presque jamais datées et jamais signées, comme la plupart de ses dessins et études préparatoires souvent empreintes de mélancolie et d'inquiétude.

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Jan Preisler (1872-1918) - Le Lac noir 1900

Jan Preisler (1872-1918)
Le Lac noir 1900

 Jan Preisler commence à peindre dans un style néo-romantique, mais plus tard, il en vient à préférer l’approche allégorique du symbolisme. À la fin des années 1890, sous l'influence d’Alfons Mucha et de Vojtěch Preissig, il se lance dans l’Art nouveau. Au début du siècle suivant, il tente d’exprimer les profondeurs ineffables et mystérieuses de l’âme, remplie de mélancolie et de désir, et trouve son inspiration dans la poésie. En plus de ses toiles, il contribue, en collaboration avec l’architecte Jan Kotěra, à la décoration de plusieurs bâtiments, dont la Maison municipale et l’Hôtel Central. 

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Adriaen Brouwer (1605/1606–1638 )- Homme endormi

 

 

Adriaen Brouwer (1605/1606–1638)
Homme endormi
Huile sur bois
Wallace Collection

 

Reprenant des sujets chers à Pieter Brueghel l'Ancien (vie paysanne), qu'il traite dans le style influencé par Frans Hals, et Pierre-Paul Rubens par l’intensité lumineuse et la transparence de ses couleurs, Adriaen Brouwer excella dans les scènes de genre. Il peignit exclusivement des scènes de la vie paysanne et de tavernes – danses paysannes, joueurs de cartes, fumeurs, buveurs et bagarres –, caractérisése par une grande vivacité des caractères et par un sens de l’observation remarquable. Il exerça une influence significative non seulement sur Josse van Craesbeeck, que Brouwer aurait connu en prison et formé, mais également sur David Rijckaert, David Teniers le Jeune et les Hollandais Adriaen Van Ostade, Cornelis et Herman Saftleven. Rubens estimait hautement ses peintures au point d’en acheter un certain nombre pour sa collection d’œuvres d’art. Plusieurs dizaines de tableaux ainsi que plusieurs dessins sont à l'heure actuelle attribués à Adriaen Brouwer. Ces attributions sont la plupart du temps incertaines, étant donné que l'artiste ne signait et ne datait qu'extrêmement rarement ses œuvres – elles portent éventuellement ses initiales : un monogramme (qui ne constitue pas pour autant une garantie d'authenticité) –, et que bon nombre d'artistes de cette époque ou des suivantes ont donné dans le même genre. Ces attributions font parfois l'objet de révision.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 126 - Le Faune endormi dit Le Faune Barberi...

 

Le Faune Barberini
Sculpture en  marbre,  2, 15m, époque hellénistique,  220 avant J.C.
Glyptothèque de Munich



Cette sculpture est âgée de près de 2250 ans et elle les porte plutot bien .
Elle évoque la part animal de l’homme à travers le portrait d’un faune (appelé satyre chez les grecs), une créature mythologique hybride, mi homme mi bête, à tronc humain et habituellement à pattes de bouc, assez rieur, toujours prêt à prendre une bonne cuite avec ses copains dans le sillage de Bacchus, à jouer de la flute de pan dans les bois et aussi à faire pan pan ou tac tac comme on voudra avec son propre flûtiau aussi d’ailleurs.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 125 - NUMÉRO SPÉCIAL "NOËL 2024" - Où est.passé le Saint Prépuce?

 

Guido Reni ( 1575- 1642)
La Circoncision  ca. 1600, détail
Collection privée 

Le corps du christ n’ayant jamais été retrouvé puisque selon les Ecritures saintes chrétiennes, Christ est ressuscité d’entre les morts emportant avec lui dans les limbes son corps terrestre, le prépuce de l’enfant qu’il fut et qui lui fut ôté lors du rite de la circoncision  8 jours après sa naissance, c’est a dire le 1 janvier, serait donc la seule partie de son divin corps  qu‘il aurait laissé sur terre.  
L'Évangile selon Luc évoque ainsi cette circoncision de Jésus :
« Et lorsque furent accomplis les huit jours pour sa circoncision, il fut appelé du nom de Jésus, nom indiqué par l'ange avant sa conception » (Lc 2:21).
Etrange ironie de ce destin divin et de ce que Jesus choisit de laisser aux mécréants comme seul preuve physique de son passage sur terre. -

Toujours est il que la convoitise que ce petit bout de « p’tit bout, » connut sous le nom de Saint Prépuce,  suscita pendant les deux derniers millénaires est incommensurable. Loin de moi l’idée de blasphémer, ce n’est pas du tout le genre de la maison et c’est sans aucun interêt mais,  il se trouve que si  on rassemblait tous les saints prépuces revendiqués comme tels  en 2024, il constituerait en un organe qui pourrait aller de la Terre à la Lune.
Dieu est grand certes, mais enfin tout de même, sans compter que le prépuce même saint à ses ses limites !  
Bref nous avons mener l’enquête et en la menant,  nous nous sommes aperçus de deux ou trois choses particulièrement stupéfiantes que ce podcast a choisi de retenir parmi toutes les autres?

Edvard Munch (1863–1944) - Jørgen Sørensen

 

 

 

Edvard Munch (1863-1944)

Jørgen Sørensen (1885)

Oil on canvas, 36 x 31 cm.

Nasjonalgalleriet, Oslo

Henry Lamb (1883-1960) - Corporal Fowler

Henry Lamb (1883-1960)
Corporal Fowler
War Museum, London

Henry Taylor Lamb est un peintre britannique né en Australie qui fut un élève de Augustus John et un membre fondateur du Camden Town Group.
Henry Lamb est connu pour ses portraits de soldats et son rendu inhabituel des silhouettes, comme l'illustre son portrait le plus connu, celui de Lytton Strachey exagérément allongé. Il a été élu membre associé de la Royal Academy en 1940 puis membre permanent en 1949. Il fut administrateur de la National Portrait Gallery en 1942 et de la Tate Gallery de 1944 à 1951.
Outre The Imperial Museum of Warn des œuvres de Lamb sont conservées dans des musées régionaux en Grande-Bretagne, dans la British Government Art Collection et au Musée des beaux-arts du Canada qui conserve la majorité des portraits des troupes canadiennes ayant participer à la Seconde guerre mondiale.
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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 124- Les sacs de Rome

 

Jean -Noel Sylvestre (1847-1926)
Le Sac de Rome par les Wisigoths le 24 Aout 410
Huile sur toile ,197cm x130cm, 1890
Musée Paul Valéry, Sète. 

 

Alors non… ce n’est ni un sac Prada, ni un sac Gucci, ni un sac Armani, pas même un sac Chanel…
et d’autant plus qu’il y a eu deux sacs de Rome - eh oui - celui de 410 par les Wisigoths un petit sac en osier qui dura 3 jours du 24 au 28 Août 410 et celui de 1527 appelé le « Grand Sac » car il dura pas loin de 10 mois de Mai 1527 à Février 1528… une sorte de gros cabas… à roulette même !

Hyacinthe Rigaud (1659-1743) - Portrait de Jean-Baptiste Monginot

Hyacinthe Rigaud (1659-1743)
Portrait de Jean-Baptiste Monginot, 1688
Collection privée

Hyacinthe Rigaud, né Jacinto Francisco Honorat Matias Rigau-Ros i Serra né dans la province du Roussillon, (et dont l'orthographe du nom fut francisée en Hyacinthe Rigaud) est considéré comme l’un des plus célèbres portraitistes français de la période classique. Pour Jacques Thuillier, professeur au Collège de France : « Hyacinthe Rigaud fut l’un de ces peintres français qui sous l’Ancien Régime connurent comme portraitistes la plus haute célébrité. Cette admiration était méritée à la fois par l’abondance de l’œuvre et par sa constante perfection. » 

Jean-Baptiste de Monginot (1667-1744), était un maitre-chirurgien relativement célèbre en son temps et un gentilhomme provençal.  L’identification du modèle repose autant sur l’ancienne provenance du tableau que sur la vraisemblance d'une correspondance avec la mention des livres de comptes. Le prix plutôt élevé correspond effectivement à une attitude originale et au fait que deux personnages pouvaient être représentés.  Originaires de Langres, les Monginot n'ont laissé que peu d’indices biographiques. La famille se serait établie en Provence dès la fin du 16e siècle ou au tout début du 17e. Mathieu Monginot (av. 1625 – v. 1696), le père, se maria à Lambesc, le 2 février 1643, avec Isabeau Varette. Jean-Baptiste quant à lui, s’unit à Jeanne Viton le 17 septembre 1696. En examinant de près les drapés encore un peu jeunes ainsi que le style tout à fait typique de ces années 1680-1690 du vêtement de Monginot (avec cette boutonnière très ornée), l’attribution à Rigaud ne fait aucun doute. Le traitement déjà très subtil des expressions du visage, les mains fines et expressives, la couleur rouge du manteau bien caractéristique du style Rigaud, corroborent cette paternité. Il restera sans doute à éclaircir la question de la date à laquelle le portrait peint par Rigaud dans une ovale et figurant Monsieur de Monginot, aurait été intégré selon Dominique Brême par François de Troy (1645-1730), dans son propre portrait de Madame de Monginot conservé au musée des beaux-arts de Nantes.

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Hendrick ter Brugghen (1588-1629) - Le joueur de fifre

Hendrick ter Brugghen (1588-1629)
Le joueur de fifre
Staatliche Museen, Cassel.

Hendrick Jansz. ter Brugghen, ou Terbrugghen  est un peintre néerlandais  du siècle d’or et l'un des chefs de file de l’École caravagesque d'Utrecht.

Comme beaucoup de  peintres caravagesques, il a réalisé  plusieurs scènes de genre, souvent des musiciens ou des buveurs représentés seuls, à mi-corps. Les peintures de ter Brugghen qui ont été préservées sont toutes postérieures à 1619 ; avant cette date, on ne connaît tout simplement rien de sa carrière d’artiste.  

Pendant son séjour en Italie, Hendrick ter Brugghen n'a sans doute pas subi seulement l' influence du Caravage, dont son œuvre porte la marque (contraste  entre ombre et lumière et caractère spectaculaire de ses sujets).  Il semble  aussi  avoir emprunté à Bartolomeo Manfredi le goût pour la représentation de musiciens à mi-corps, comme  ci-dessus. 

Bien qu'il disparût prématurément, son œuvre semble avoir été très appréciée de son vivant, et elle exerça une grande influence sur ses contemporains. Malgré cette renommée, ter Brugghen tomba dans l’oubli au siècle suivant. Aujourd’hui « réhabilité », il est devenu le peintre utrechtois du 17e siècle le plus estimé. 

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Horst P. Horst (1906-1999) - Steve-McQueen

Horst P. Horst (1906-1999)
Steve-McQueen,1957

Horst P. Horst, est un photographe de mode américain d'origine allemande. Il est surtout connu pour les photographies de mode qu'il fit pour le magazine Vogue. Horst P. Horst, de son vrai nom Horst Paul Albert Bormann,l étudie l'art à Hambourg avant de s'installer à Paris pour suivre une formation avec Le Corbusier. Contrairement à beaucoup d'artistes de l'époque, il ne fréquente pas la bohème à Montparnasse. Il préfère les milieux bourgeois attirés par l'art. Il rencontre alors le baron George Hoyningen-Huene qui dirige les studios de Vogue France.
Il devient son modèle, puis son amant et son élève. Encouragé par Hoyningen-Huene, il se lance dans la photographie.
En 1931, il réalise ses premiers clichés pour l'édition française de Vogue puis pour l'édition américaine l'année suivante.
En 1935, il prend la tête des studios à la suite du départ de Hoynigen-Huene chez Harper's Bazaar, le magazine concurrent de Vogue et réalise une série « test » de photographies de Lisa Fonssagrives l'année suivante.
Présenté à Luchino Visconti par Coco Chanel, il devient son amant. Ils voyagent ensemble en Tunisie en 1936. Quand la guerre éclate en Europe, il part vivre aux États-Unis. Il obtient la nationalité américaine en 1943. Il travaille pour Vogue jusqu'en 1951, année de fermeture des studios. Il ouvre alors son propre atelier. Il réalise de nombreuses photos d'intérieur chez des personnalités pour le compte de House & Garden , dont il fera la dernière couverture au milieu des années 1980. Il complète son œuvre avec des photos de nus et des natures mortes. En 1971, paraît The beautiful thirties, un livre sur les années 1930 avec ses propres images et celles de Hoynigen-Huene. En 1984, le Centre international de la photographie de New York lui consacre une rétrospective. Horst P Horst, surommé  le « photographe de l'élégance », décède en 1999.
Photographe de studio, aimant préparer minutieusement ses prises de vue, il fut très influencé par la sculpture grecque. Combinant des éclairages dramatiques, le souci du détail et des poses théâtrales, il donne une image de la femme pleine de sensibilité et de grâce.
On a dit de lui qu’« il photographiait les femmes comme des déesses : inaccessibles et d'un calme Olympien ».

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 123 - Torralba et son nu sans queue ni tête

 

 Gerardo Sacristán Torralba (1907 -1964)
Nu. Crayon et gouache
Collection privée.

Torralba comme tous ceux qui ont voulu éviter le sujet qui fâche - la représentation du sexe masculin - ne fait évidement qu’amplifier l’attention portée au sujet. Une tendance très présente au milieu du 20e siècle, surtout aux Etats Unis, en réaction des ligues de vertus contre la prédominance du nu académique sexué, humanisé, issue de la Renaissance et remis au gout du jour par des artistes comme Paul Cadmus, entre autres, car il est loin d’être le seul. (liens de podcasts données en lien )
Ceci dit, Le phénomène n’est pas vraiment possible à circonscrire (oups!) dans une époque ; il s’est déjà produit de nombreuses fois dans le passé depuis l’antiquité pour laquelle pourtant la nudité n’avait pas le même contenu du tout. En effet chez les grecs et les Romains, le sexe menu des ) la plupart des dieux Apollon le dieu de la beauté en tête, symbolisait pureté, vertu et rationalité alors que seul le phallus en érection du Dieu Priape exprimait l’animalité et le vice.

L’association né sous le Moyen age et faite par la chrétienté du sexe au péché originel va laisser des scories jusqu’au 18e siècle chez le peintre français François Boucher par exemple (écouter notre podcast donné en lien) et même au 19e et au 20e siecle.
Ainsi le Le peintre russo-américain Pavel Tchelichew, en peignant ses nus avait choisi de ne pas en dissimuler le sexe mais… le visage....

Pour connaitre la suite, écoutez le pdocast .

Henri-Achille Zo (1873-1933) - Corrida, le patio de caballos

 

Henri-Achille Zo (1873-1933)
Corrida, le patio de caballos
Huile sur toile signée, 60 x 91 cm
Collection privée

Henri-Achille Zo est un peintre et illustrateur français, né à Bayonne. Il signe parfois ses dessins sous le nom d'Henri Zo. Henri-Achille Zo est d'abord l'élève de son père Achille Zo, qui dirigeait l'école des beaux-arts de Bordeaux, puis est admis en 1894 dans les ateliers des peintres Léon Bonnat et Albert Maignan à l'École des beaux-arts de Paris.
Avec son père, qui fut le co-initiateur de l'école de Bayonne, il partage une thématique commune : des scènes d'Espagne et de tauromachies.
Il obtient une médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1900 et l’État lui octroie une bourse de voyage en 1901. Il expose au Salon des artistes français à partir de 1897 et remporte le prix national en 1905. Il expose régulièrement des œuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1896 à 1934. Il travaille à Paris aux peintures du théâtre national de l'Opéra-Comique, à celles de la chapelle Notre-Dame-de-Consolation construite en hommage aux victimes de l'incendie du Bazar de la Charité, et devient professeur à l'Académie Julian à Paris.  En 1903, il reçoit le prix Rosa Bonheur, puis le prix Trémont décerné par l'Institut. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1910, sous le parrainage de son maître Léon Bonnat.  Il a illustré le Ramuntcho de Pierre Loti et les Nouvelles Impressions d'Afrique de Raymond Roussel (1932).
Henri-Achille Zo est mort le 9 septembre 1933 dans un accident de la route près d'Onesse-Laharie.

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lya Repin (1840-1930) - Portrait de Pavel Tretiakov

 

llya Repin (1840-1930)
Portrait de Pavel Tretiakov (1901)
Huile sur toile, 111x134 cm
Tretiakov Gallery, Moscou

Pavel Mikhaïlovitch Tretiakov ( Павел Михайлович Третьяков),(1832 -1898)  est un entrepreneur russe, mécène et collectionneur d'art figuratif russe et créateur de la galerie Tretiakov de Moscou. Il est issu d'une famille de marchands. Il commence sa carrière dans le commerce au côté de son père. Tout en développant l'affaire familiale, Pavel et son frère Sergueï construisent une filature, qui emploie quelques milliers de personnes. Dans les années 1850, Tretiakov commence à collectionner des œuvres d'art russes qu'il voulait au tout début remettre à la ville de Moscou. En 1856, il achète ses premiers tableaux à de jeunes peintres moscovites.
Vers la fin des années 1860, il avance l'idée de créer une galerie de portraits d'éminents hommes russes de la culture : peintres, musiciens, écrivains et autres personnalités artistiques. Elles devaient être une sorte de musée dans un musée, une galerie de portraits nationaux dans une galerie de peinture nationale. Tretiakov était guidé par l'idée civilisatrice, très en vogue dans ces années, sur le rôle de la personnalité dans l'histoire, idée qui reçut une large résonance à Londres, après l'ouverture en 1856, de la Galerie nationale de portraits. L'existence de ce musée unique était bien connu de Tretiakov, qui à partir de 1860 avait effectué plusieurs voyages en Angleterre.  En 1874, il fait construire pour abriter sa collection une galerie qui ouvre au public en 1881. Jusqu'à la fin de sa vie, Tretiakov porte le titre de conseiller commercial, il est également membre du conseil du commerce et de la manufacture, ainsi que membre actif de l'Académie pétersbourgeoise de peinture, à partir de 1893. Il meurt en 1898, à l'âge de 65 ans.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°122 - La mort du jeune Bara

 

 

LES TABLEAUX QUI PARLENT N°122 - La mort du jeune Bara

Jacques-Louis David (1748-1825) La mort du jeune Bara, 1794 Huile inachevée sur toile Musée Calvet, Avignon Un des tableaux les plus étonnants du peintre classique Jaques Louis David, habituellement plutôt coutumier des scènes mythologiques ou des grandes fresques officielles, Qui n’a pas pas en mémoire son célèbre » Sacre de Napoleon »? Il en va tout autrement avec cette « Mort de Bara », ne pas confondre avec » la Mort de Marat « qu’il peignit aussi, de même que les « Derniers instants de Michel Le Peletier », ces trois toiles faisant toute partie d'une série consacrée aux martyrs de la jeune République naissante. « La Mort de Bara «  fut une toile que David n ‘acheva jamais et qui fit partie de celle que fit partie de celle que tout peintre garde jalousement toute sa vie durant, dans son atelier. Il fallut que le peintre Horace Vernet en hérita à la fin de la vie de David et la vende au duc de Pourtalès que rien ne prédisposait à acquérir un tel sujet, avant qu’elle ne soit acquise par la fièvre acheteuse de l’antiquaire Marcel Puech qui en fit don à la ville d’Avignon et qu’elle ne finisse sur les murs du Musée Calvet de la même ville. Le tableau représente donc le jeune Joseph Bara - âgé de 14 ans à peine, engagé comme tambour, hussard ou ordonnance on ne sait pas trop dans l'armée républicaine révolutionnaire. Le 7 décembre 1793, il trouve la mort dans une embuscade près dans un trou paumé de Vendée. Selon la légende, encerclé par des Vendéens qui le sommaient de crier « Vive le roi », il aurait répondu « Vive la République « et pour cela donc il aurait été massacré. Pauvre enfant !  

Pour connaitre la suite, écoutez ce podcast...

 

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Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783) - Portrait de Bonaventure Journu

 

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783)
Portrait de Bonaventure Journu,
huile sur toile 1767,
Harvard Art Museums

Fils de Claude Journu, Bonaventure Journu est un richissime négociant et armateur. Il est consul en 1762, et juge en 1776, à la Bourse de Bordeaux. Il épouse une « fille de la famille de gros négociants Fonfrède, ce qui ouvre la voie à une coopération étroite entre les deux sociétés familiales. Ils essaiment dans plusieurs ports qui participent au grand commerce de produits coloniaux avec tout un réseau de commissionnaires représentant la maison : Marseille, Nantes, Amsterdam, Le Cap français à Haïti (Cap-Haïtien) ». Il fait construire par les architectes Durand, en 1782, un hôtel particulier sis Fossés du Chapeau-Rouge (aujourd'hui 3 cours du Chapeau Rouge), doté d’une riche collection de peintures. Bonaventure et son frère Jean-Baptiste font partie des plus grands négociants de la ville et figurent être les deux plus imposés à la capitation à Bordeaux en 17773. Sa fortune est telle qu'Oudot de Dainville la décrit en ces termes : « Le vent qui poussait ses navires sur la mer des Indes ou vers les Antilles semblait abattre les pluies d’or sur sa demeure ».
Il s'ennoblit en achetant une charge de conseiller-secrétaire du roi « en la chancellerie près le parlement de Dijon ».

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°121 - Marcel Duchamp et sa créature Rrose Selavy.

Man Ray (1890-1976)
Portrait de Rrose Sélavy, 1921
MoMA New York En 1921

Agé de 31 ans, Man Ray que le monde des arts connait à peine pour avoir al branche américaine du mouvement Dada, débarque à Paris en provenance de son New York natal. Sitôt débarqué, il déclare «  Dada ne peut pas vivre a New York ». Marcel Duchamp l’accueille et lui propose d’habiter chez lui au 22 rue de la Condamine. Le soir même de son arrivée Duchamp lui présente tous les surréalistes, Louis Aragon, André Breton, Paul Eluard, Gala Dali, Philippe Soupault et Meret Oppenheim (écouter notre podcast sur le sujet). Au cour de cette première année Parisienne il ouvre un studio rue Campagne Première à Montparnasse et réalise trois portraits de Marcel Duchamp travesti en Rrose Selavy, son double féminin que ce dernier utilise de façon volontairement outrancière pour faire passer ses messages sexuels que d’aucun aujourd’hui diraient sexiste.... Pou en savoir plus écouter ce podcast... Liens à consulter en complément

• Meret Openheim et sa tasse à poil    • LES TABLEAUX QUI PARLENT N°104 - Mere...  

• Dali et l'œuvre pain    • LES TABLEAUX QUI PARLENT N°57 - Dali ...  

• Magritte et sa saucisse casquée    • LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 34 - Une ...  

• Les mannequins d'art de Clovis Trouille et Pierre Imans    

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Jacques Majorelle (1886-1962) - Portrait d'un jeune homme

 

 

Jacques Majorelle (1886-1962)
Portrait d'un jeune homme, 1958

Jacques Majorelle, est un peintre orientaliste français.  Fils de l’ébéniste Louis Majorelle, Jacques baigne, dès son enfance, dans le courant art nouveau de l'École de Nancy. Il accompagne fréquemment son père dans ses ateliers. Il s'inscrit en 1901 à l'École des beaux-arts de Nancy en section Architecture et Décoration. Dès 1903, Jacques Majorelle s’éloigne peu à peu de Nancy et de son père. Il préfère devenir peintre et part à Paris. Il s'inscrit à l’Académie Julian où il suit des cours à l'atelier de Schommer et Royer. Au début des années 1930, il produit des nus de personnes Noires : son trait est aussi précis que celui d’Émile Friant, mais ce qui fait leurs succès, c'est le traitement des couleurs cuivrées de la peau, grâce à l'utilisation de poudres métalliques rehaussant la peinture. Ces peintures le rendent célèbres à Paris, où elles s'intègrent dans une mode plus vaste qui célèbre Joséphine Baker ou le jazz.
Le travail pictural et urbaniste de Jacques Majorelle s'inscrit dans le projet du maréchal Lyautey qui cherche à « construire un monde nouveau » dans les colonies françaises.

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Helmut Kolle ( 1899 - 1931) - Matelot

Helmut Kolle (1899 - 1931)
Matelot, Um 1928-1930.

 Le peintre allemand Helmut Kolle, connu aussi sous le pseudonyme d'Helmut von Hügel, passa une grande partie de sa vie en France. À Paris, il visita le Louvre, étudia les grands maîtres, Géricault, Manet et on peut reconnaitre dans son travail les influences de Pablo Picasso, Georges Braque et même Henri Rousseau. Ses peintures figuratives sont la combinaison d'une tradition française classique, du cubisme et de l'expressionnisme allemand agrégé par son pinceau d'une façon très personnelle. Kolle a surtout peint des portraits de hommes jeunes forts et en bonne santé sans doute en réaction à son état maladif. Picasso ne tarissait pas d'éloges sur " la grande vitalité et la beauté de sa peinture. "
Kolle fut sans doute le peintre allemand le plus exposé dans les galeries parisiennes pendant l'entre-deux-guerres, et acheté régulièrement pour alimenter les collections des avant-gardes françaises et allemandes : Cocteau, Noailles, Rothschild, René Gaffé, Hessel, Roques, Uhde, Hürlimann, Waldemar George, H.P. Roché... furent ses collectionneurs.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 120 - George Bellows peint la face noble de la mafia americaine

 

George Bellows (1882–1925)
Dempsey and Firpo, 1924
Whitney Museum of American art

Ce tableau Dempsey et Firpo de George Bellows est apparu dans de nombreux films dont "Les Affranchis" de Matin Scorsese, et à la télévision dans "Les Simpsons" avec Homer Simpson dans le rôle de Firpo. On voit Firpo envoyer Dempsey hors du ring pr dessus les cordes ; Certains l'appellent « la peinture sportive la plus influente de tous les temps ». Mais Qui se souvient aujourd'hui de Dempsey and Firpo ? Eh bien peu de gens même dans le milieu très fermé des spécialistes de la boxe.... 

 

Ecouter le podcast pour en savoir plus 

 

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Gustave Moreau (1826-1898) - Le chanteur arabe

Gustave Moreau (1826-1898)
Le chanteur arabe, 1884
Musée Gustave Moreau, Paris

Gustave Moreau  est un peintre, graveur, dessinateur et sculpteur français. Encouragé par son père architecte, il bénéficie d'une éducation classique et s'initie dès l'enfance aux arts graphiques. Ses années de formation sont marquées par les enseignements de François-Édouard Picot et sa rencontre avec le style de Théodore Chassériau, qui le pousse vers une approche non académique de la peinture d'histoire. En 1852, il expose pour la première fois au Salon et emménage dans le quartier de la Nouvelle Athènes. La mort de Chassériau le pousse à s'interroger sur son art et à effectuer un second voyage en Italie en compagnie d'Alexandre-Frédéric Charlot de Courcy et d'Edgar Degas, après un premier effectué à l'âge de 15 ans. Il apprend à copier les maîtres de la Renaissance dans plusieurs villes italiennes, imitant avec ferveur Michel-Ange à Rome, mais ne réalise alors presque pas d’œuvres originales. À la fin des années 1850, il se lance dans des projets monumentaux qu'il laisse inachevés et entame une liaison avec Alexandrine Dureux. Sa carrière débute véritablement avec Œdipe et le Sphinx, exposée en 1864, ainsi que les Salons de 1865 et 1869. Il apparaît progressivement comme un rénovateur de la tradition grâce à son approche irréaliste des sujets mythologiques. Son activité diminue dans les années 1870, quoiqu'il développe une activité d'aquarelliste. Il reçoit une consécration officielle en recevant la légion d'honneur. Son goût pour la sculpture, nourri par son second voyage italien, l'inspire essentiellement pour son œuvre peinte. Il est l'un des principaux représentants en peinture du courant symboliste, imprégné de mysticisme. Son style se caractérise par son goût du détail ornemental, imprégné de motifs antiques et exotiques.
La plupart de ses œuvres sont conservées au musée Gustave-Moreau à Paris.

 

Frederic Remington (1861-1909) - The Courrier du Bois and the Savage

Frederic Remington (1861-1909)
The Courrier du Bois and the Savage, 1891
Oil black and white,
Sid Richardson Museum

Frederic Sackrider Remington fut un peintre, dessinateur et sculpteur américain qui se spécialisa dans la description de l'Ouest américain. Né à Canton, dans l'Etat de New York, il passa son enfance à chasser et à monter à cheval tout en commençant à réaliser quelques croquis et dessins. Il a suivi des cours d'art à l'université de Yale, où il trouvait le football et la boxe plus intéressants que l'art. А la mort de son père, il devient employé de bureau et s'établit à Albany. Puis il fait son premier voyage dans l'Ouest et devient "homme d'affaires" à Kansas City. Dans la foulée, il publie ses illustrations et ses dessins dans des publications telles que le Collier's Weekly et Harper's Magazine.
Alors qu'il est devenu mondialement célèbre pour ses descriptions de la vie dans l'Ouest américain, en peignant aussi bien les cow boys que les indiens et leurs chevaux, Remington n'a visité la région qu'à deux ou trois reprises, en y restant quelques mois seulement. Ces descriptions de la vie des pionniers avant que le Far West ne soit mis en valeur par le cinéma et que ce genre de vie ne disparaisse, sont des documents inestimables.
En 1892, il part en voyage en Russie et tombe en admiration devant les bronzes de Lanceray, dont il avait pu découvrir des œuvres exposées à Philadelphie en 1876. Il s'en inspira pour créer sa célèbre série de bronzes Bronco Buster.
En 1898, il se fait engager par William Randolph Hearst, pour devenir correspondant de guerre et illustrateur du conflit hispano-américain de 1898. Il s'ennuie très vite dans ce travail, mais il rend tout de même compte de la bataille de San Juan Hill et dessine l'assaut des forces américaines menées par Theodore Roosevelt.
Obèse, victime d'une très mauvaise hygiène alimentaire et d'une déplorable hygiène de vie, Frederic Remington meurt d'une appendicite aggravée en péritonite.
Son oeuvre sur l'Ouest américain a influencé la photographie du film La Charge héroïque de John Ford. Frederic Remington fut aussi le personnage central du tome 40 des Aventures de Lucky Luke, L'Artiste peintre dans lequel le cowboy qui tire plus vite que son ombre assure la protection dans l'ouest américain. C'est dans cet album que l'on apprend d'ailleurs que Frederic Remington avait la mauvaise habitude de brûler les toiles qui ne lui plaisaient plus. Et c'était vrai ! Bon nombre de témoignages sans doute fabuleux ont ainsi disparu à tout jamais.

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Frans Masereel (1889-1972) - Matelot et fille au comptoir

Frans Masereel (1889 - 1972)
Matelot et fille au comptoir, 1931

Frans Masereel est un graveur, peintre et illustrateur belge qui a principalement travaillé entre la Suisse, l'Allemagne et la France. Artiste engagé, humaniste, libertaire, pacifiste antimilitariste, marqué par le tourment sanglant de la Première Guerre mondiale, ses œuvres dénoncent sans concessions les horreurs de la guerre, de l'oppression et de l'injustice sociale.

Auteur d'une œuvre abondante, illustrateur infatigable, pédagogue, son travail graphique le plus connu est sans doute Mon livre d'heures (1919) : il est considéré à ce titre comme le précurseur du roman graphique.
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Jared French (1905-1988) - The Rope

Jared French (1905-1988)
The Rope, 1954
Whitney Museum of American ar, NYC

Le tableau représente une scène dans une piscine avec trois jeunes hommes nus attachés par des cordes à des hommes plus âgés. Il s'agit d'une allégorie d'un certain type de relation homosexuelle. Les cordes pourraient bien être les allotropes des fils de marionnettes, même si les mannequins dépendants de deux nus debout et de l'homme moustachu au prmeier paln ne sont pas manipulés par des ficelles.

Jared French était un peintre américain appartenant au courant dit du Réalisme magique.
Il faisait partie d’un groupe d’artistes et amis qui s’était spécialisé dans l’utilisation de l’ancienne technique de la tempera à l’œuf, et qui comprenait notamment George Tooker et Paul Cadmus.
De la fin des années 1930 jusqu'au début des années 1940, French réalise des peintures murales pour le Works Progress Administration. Ces peintures de French sont souvent décrites comme sinistres et inquiétantes, avec leur défilé de silhouettes immobiles et silencieuses inspirées des statues grecques de la période archaïque. Par la suite, son travail s'orienta vers une sorte de " bio-morphisme classique" avec des formes organiques étranges, colorées, suggestives.
En 1937, French se maria à Margaret Hoening. Pendant 8 ans, Paul Cadmus et le couple French passent leurs étés sur Fire Island et forment le collectif de photographe PaJaMa pour Paul, Jared et Margaret. Ils se mettent en scène dans diverses photographies en noir et blanc avec leurs amis, à la fois nus et vêtus. La plupart de ces amis présentés dans les photographies étaient parmi les jeunes artistes, danseurs et écrivains de New York, et la plupart étaient beaux et gays.
French et Cadmus posent en 1938 pour une série du photographe George Platt Lynes, qui ne sera publiée qu'après la mort de Lynes.
À la fin des années 1940, French et sa femme ont une relation avec Cadmus et son compagnon George Tooker. Quand les French achètent une maison à Hartland dans le État du Vermont, ils offrent à Cadmus une maison sur leur propriété.
French la reprendra plus tard pour l'offrir à son amant Roberto Gianatta. 

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Bernard Perlin (1918-2014) - Airmen in the South Pacific

Bernard Perlin (1918-2014)
Airmen in the South Pacific,1945
Leslie Lohman Museum of Gay and Lesbian Art, NYC. 

Bernard Perlin était un peintre américain, principalement connu pour ses œuvres sur la vie militaire pendant la Seconde Guerre mondiale mais aussi pour ses peintures de la vie quotidienne urbaine américaine.
Né à Richmond (Virginie) de parents juifs immigrants de Russie, il s' inscrit à la New York School of Design où il étudie entre 1934 et 1936.
En 1938, il reçut le prix de la Fondation Kosciusko pour étudier en Pologne.
Sa première oeuvre connue date de 1939 et représente une scène champêtre peinte en fresque sur les murs d’un bureau de poste à la demande du Trésor américain.
En 1942, Perlin entre dans la section des arts graphiques du Service de l’Information de guerre ‘ (Office of War Information) pour créer des images de propagande militaire, très populaire aux États-Unis. Après la fermeture de l'OWI pour des raisons budgétaire en 1943 Perlin continue de peindre la guerre mais en en tant qu'artiste-correspondant pour Life Magazine, puis en 1945 pour Fortune Magazine. Après la guerre, son travail s’oriente vers le « réalisme magique » , un mouvement qui vise à saisir des moments particuliers de la vie quotidienne. Son œuvre la plus célèbre, dans ce genre est sans doute Orthodox Boys, en 1948, qui décrit deux garçons juifs orthodoxes sur fond de graffiti de métro.
Des exemples de son travail peuvent être vus à la Smithsonian Institution, au MOMA, au Whitney Museum of American Art, à l'Art Institute of Chicago et à Pritzker Military Museum & Library.

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Auguste Rodin (1840-1917) - Buste d'un homme nu

Auguste Rodin (1840-1917)
Buste d'un homme nu, 1880
Plume encre, lavis d'encre, gouache.
Musée Rodin

Auguste Rodin a créé quelques 10.000 dessins parmi lesquels plus de 7000 sont conservés au musée Rodin. Il est très rare que le dessin serve d'étude, de projet pour une sculpture ou un monument. L'œuvre du dessinateur se développe parallèlement à celle du sculpteur. Si, pour des raisons de conservation, les œuvres sur papier ne peuvent être montrées que très ponctuellement, elles ne sont pas pour autant une part mineure de l’art de Rodin, qui affirme à la fin de sa vie : « C’est bien simple, mes dessins sont la clef de mon œuvre » (Benjamin, 1910).

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Domenico Capriolo (1494-1528) - Autoportrait

Domenico Capriolo (1494-1528)
Autoportrait ?, 1512
Hermitage Museum 

Domenico Capriolo est un peintre de la Renaissance italienne.  Il commence très tôt sa carrière de peintre, et semble très proche du style de Giorgione, au moins pour les sujets de ses œuvres. Très rapidement il s'établit à Trévise (1517), et épouse Camilla, fille du peintre Pier Maria Pennacchi. Dans sa phase de maturité, Capriolo semble coincé dans un goût provincial, incapable de toute innovation se bornant à ce qu'il appris dans sa phase de jeunesse. Il oublie peu à peu son giorgionismo pour trouver d' autres références telle que Giovanni Gerolamo Savoldo ou Pordenone. Sa mort prématurée a empêché nouvelle évolution dans son style. Capriolo périt assassiné par son beau-père, à la suite d'une querelle concernant la dot de sa femme.

LES TABLEAUX QUI PARLENT N°117- Mais que font donc Hercule et Caccus ?

 

 

 

BARTOLOMEO  BANDINELLI  dit BACCIO (1493–1560)
Hercules & Cacus, 1534  
Marbre, Hauteur 5, 05 m
Piazza della Signoria (Firenze)

C’est une parabole très personnelle de la soumission que livre le bien nommé Baccio  Bandinelli dans cette statue d’Hercule et Cacus qui s’offre au public  sur la Piazza de la Signoria a Florence  depuis plus d’un demi millénaire. Bandinelli s’est amusé des perspectives et des angles de vues pour créer une statue à double voir triple signification.
 
Visible de face pour tous ceux qui traversent la Piazza della Signoria déjà riche en statues célèbre son devrait dire richissime même, puisque que Hercule est  implanté à l’angle opposé  du David de Michel Ange, ignorant tous deux les merveilles qui ponctuent la Loggia dei Lanzi avec ses Benvenuto Cellini et autres Giambologna.

Les deux sculptures monumentales sont en effet  liée dès la commande , attisant une rivalité supposée entre Bandinelli et Michel Ange. L’un aurait admiré l’autre d’abord pour mieux le jalouser ensuite voir lui porter préjudice.  

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