Adolphe Yvon (1817-1893)
Tableau d'étude d'homme pour une bataille
Huile sur toile, 100 x 60 cm
Collection privée
2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau
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Collection virtuelle sur le thème du portrait masculin en peinture, dessin, sculpture et photographie. Chaque portrait est analysé et commenté en français et, quelquefois, détaillé dans un podcast. Biographie de peintres, sculpteurs, photographes et artistes. Portraits historiques, autoportraits, Nus académiques, portraits officiels, Histoire de la mode, Histoire du costume, Histoire de l'art.
Johann-Justin Preissler (1698-1771)
Académie d’homme allongé
Pierre noire et craie blanche sur papier bleu, 45 x 62 cm.
Collection privée
Peintre et dessinateur allemand, Preissler est né et mort à Nuremberg. Selon le RKD, il était le fils et l'élève de Johann Daniel Preissler et le frère de Georg Martin et Johan Martin. Comme son père avant lui, il avait fait son grand tour lorsqu'il était encore jeune et notamment à Venise, Florence Rome Naples. En 1742, il devint directeur de l'Académie de Nuremberg (fondée par son père) et en 1752 directeur de l'Académie de dessin. Ses copies des plafonds de Rubens et Van Dyck dans la Carolus Borromeuskerk ont été publiés par son frère Georg Martin en 1735. Ils constituent un enregistrement historique de ces peintures, car la foudre a frappé l'église en 1718 et a provoqué un incendie qui a provoqué l'effondrement du toit. Le musée Teylers de Haarlem possède un exemplaire de ce livre ainsi que d'autres œuvres de Preissler.
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Marco Zoppo (1433-1478)
Il Cristo morto sorretto dai santi
Huile sur panneau de bois, 25, 4x 21 cm
National Gallery, London
Marco Zoppo est un peintre rattaché à l'Ecole bolognaise qui commence son apprentissage avec Lippo Dalmasio puis avec celui qui l'a adopté, Francesco Squarcione, chez qui il est apprenti jusqu'en 1455. Il signe ainsi certains tableaux en tant que Zoppo di Squarcione. Entre 1455 et 1473, il est à Venise puis il exécute quelques travaux à Bologne, dont un triptyque au Collegio di Spagna. Contemporain et ami de Andrea Mantegna, il peint plusieurs Vierge à l'Enfant avec saints à Bologne. Francesco Francia a été un de ses élèves. Il meurt à Venise où il était parti travailler avec Squarcione.`
________________________Buste (profil) de Toutankhamon
Calcaire polychrome (c.a.1335 av. J.C)
XVIIIe Dynastie, Amarna
Neues Museum, Berlin
Toutânkhamon (né vers -1345, mort vers -1327) est le onzième pharaon de la XVIIIe dynastie (Nouvel Empire). Selon les dernières études génétiques, il est le fils d'Akhenaton et de la propre sœur de ce dernier, dont l'identité est inconnue, mais désignée comme Younger Lady, dont la momie est répertoriée KV35YL2. Manéthon l'appelle Chebres. On ne sait toujours pas pourquoi ce n'est pas lui qui succède directement à son père. Peut-être est-ce à cause de son trop jeune âge à l'époque, environ 9 ans (on trouve aussi 5 ou 6 ans), dans une période de troubles, de remise en question des religions, de bouleversement des valeurs traditionnelles et de risque de guerre avec les Hittites. Il règne jusqu'à l'âge de 18 ou 19 ans (certains spécialistes, comme Marc Gabolde et Edward Frank Wente, disent 20 ans). Son règne se situe entre les années -1336 / -1335 et -1327 et ce buste (-1335) date donc de la première année de son règne. De son vivant Toutânkhamon ne fut pas considéré comme un grand pharaon, en raison de son court règne. Il doit sa célébrité à la découverte de sa sépulture par l'archéologue britannique Howard Carter le 4 novembre 1922 et au fabuleux trésor qu'elle recèle. La notoriété de la découverte augmenta grâce à une légende reprise par la presse de l'époque et faisant état d'une malédiction du pharaon.
Après diverses hypothèses concernant sa mort allant de la maladie (il en avait plusieurs malgré son jeune âge) à l'assassinat politique, l'égyptologue Chris Naunton et des scientifiques de l'Institut Cranfield Forensic ont réalisé, fin 2013, une « autopsie virtuelle » du roi, révélant des blessures sur un des côtés du corps. Après avoir créé des simulations virtuelles d'accident de char, ils émettent l'hypothèse que Toutânkhamon aurait été renversé par un char lancé à vive allure. Le cœur aurait été écrasé par l'impact. Une hypothèse de plus !
La peintre allemande et suédoise Lotte Laserstein est considérée comme une femme indépendante ne voulant pas suivre le destin classique des femmes de son époque. Il était important pour elle de réussir sa vie avec son art et d’être reconnue en tant qu’artiste peintre. De nombreux autoportraits la montrent devant son chevalet, pinceau et palette de peinture à la main, habillée d’une blouse blanche. Lotte a réussi à vivre de son art d'une aprt en créant sa propre école, et d’autre part en vendant ses tableaux. Elle a participé à de nombreux concours et ses œuvres ont été choisies pour illustrer des articles dans des revues féminines comme son tableau "Russisches Mädchen mit Puderdose“ paru dans la revue Die Woche du 15.11.1928 ou encore son tableau « Tennisspielerin (1929) » paru dans la revue Der Bazaar, numéro 19, année 1930. Lotte s’est appliquée à représenter une nouvelle image de la femme. Cheveux courts, pantalon souple, la femme est libérée du corset du 19e siècle, elle fait du sport et elle fume. Son modèle préféré est son amie Traute Rose qu’on voit sur la plupart de ses tableaux. Mais son œuvre la plus connue est le tableau « Abend über Potsdam » L’ambiance y est mélancolique, les personnages assis à table ne discutent pas, ils sont pensifs et tristes, ils pressentent peut-être que la crise et la guerre changeront leur vie...
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Frank Albert Rinehart (1861-1928)
Colorisé à la main par Adolph Muhr (18??-1913)
Isto Nawege (Broken arm), clan des Oglala Lakota, 1898.
Haskell Indian Nations University.
Les Oglalas ou Oglala Lakota sont l'un des sept clans indiens qui forment la tribu des Lakotas. Cette entité est apparue auXVIIIe siècle. Au début du XIXe siècle, les Oglalas se séparent des autres Sioux dakotas : vers 1830, ils rassemblent quelque 3 000 membres. Oglala signifie « ils se dispersent » en langue lakota. Tashunca-Uitco (Crazy Horse) était l'un des chefs de ce clan au XIXe siècle. Bien que né d'un père Brûlé, Red Cloud fut aussi un célèbre chef Oglala qui réussit à fédérer les sioux et organiser une résistance contre l'armée américaine en menant ce qu'il est convenu d’appeler la guerre de Red Cloud de 1866 à 1868.
Les Oglalas ont participé à la bataille de Little Bighorn.
Les Oglalas vivent désormais dans la réserve indienne de Pine Ridge (Dakota du Sud, aux États-Unis), à la frontière avec le Nebraska et à moins de 100 km du Wyoming. C'est la deuxième plus grande réserve indienne des États-Unis. Au recensement de 2000, 15 221 Oglalas y résident et en 2008, on compte 42 357 membres de cette tribu.
Frank Albert Rinehart était célèbre pour ses photographies de personnalités amérindiennes, en particulier pour ses portraits de dirigeants et de membres des délégations qui ont assisté au Congrès indien de 1898 à Omaha. D'origine germanique, Rinehart est né à Lodi Illinois). Dans les années 1870, il déménagea dans à Denver (Colorado) pour trouver un emploi dans le studio de photographie Charles Bohm. En 1881, les Rinehart et son frère formèrent un partenariat avec le célèbre photographe William Henry Jackson, réputé pour ses photos prises en Europe. Sous son enseignements Rinehart perfectionna ses compétences professionnelles développa son intérêt pour la culture amérindienne. En 1898, et à l'occasion du Congrès indien, Rinehart fut chargé de photographier les personnalités amérindiennes qui assistèrent à l'évènement. Avec son assistant Adolph Muhr (qui sera plus tard employé par le célèbre photographe Edward S. Curtis et sera chargé de la colorisation des photos de Rinehart ), ils ont produit ce qui est maintenant considéré comme « l'une des meilleures sources documentaires photographiques des dirigeants indiens au tournant du siècle ».
Après le Congrès indien, Rinehart et Muhr ont parcouru les réserves indiennes pendant deux années, décrivant des dirigeants amérindiens qui n'avaient pas assisté à l'événement, ainsi que des aspects généraux de la vie quotidienne et de la culture autochtone.
La collection de photographies indiennes Rinehart est actuellement conservée à la Haskell Indian Nations University. Depuis 1994, la collection est organisée, conservée, copiée et cataloguée dans une base de données informatique, financée par le Bureau of Indian Affairs et la Fondation Hallmark. Il comprend des images de l'Exposition de 1898, de l'Exposition de la Grande Amérique de 1899, des portraits en studio de 1900 et des photographies de Rinehart prises à la Crow Agency dans le Montana également en 1900.
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Un oplite était un athlète qui participait à certains jeux de la Grèce et disputait le prix de la course pesamment armé.
On désignait de même les soldats athéniens ayant de lourdes armes. Ils avaient des valets pour porter celles-ci ainsi que leurs vivres.
Le bas-relief représentant un oplite athénien celui ci a été retrouvé dans le Théséion ou temple d'Héphaïstos, un temple dorique périptère en marbre pentélique, situé à l'ouest de l'agora d'Athènes, sur une colline appelée Colonos Agoraios. lIl est très bien conservé (c'est même le mieux conservé de tous les temples grecs), car il a servi d'église orthodoxe grecque à partir du VIIe siècle et jusqu'en 1834.
Paul Cadmus (1904-1999)
Nude
Private collection
William Sidney Mount (1807-1868)
Dance of Haymakers
The Long Island Museum
Souvent comparée à celle de Chardin et de Greuze la peinture de Lépicié a connu une grande vogue au XVIIIe siècle. À partir des années 1760, tout en continuant à peindre des sujets d’histoire, il se met à peindre des scènes de genre intimiste dans le style flamand qui rappellent Teniers le vieux et Ter Borch. Dans les dernières années de sa vie, il se retire souvent à la campagne où il peint des scènes rustiques à la suite d’une crise religieuse qui l’amènera à modifier ou à supprimer certaines de ses œuvres contraires à sa nouvelle sensibilité. Malade de la poitrine, il meurt avant sa cinquantième année, loué pour sa piété au moins autant que pour ses talents. Dans son testament, il demande qu'on détruise ses études de femmes trop dénudées.
Fils de deux graveurs, François-Bernard Lépicié (secrétaire perpétuel et historiographe de l’Académie royale de peinture et de sculpture) et Renée-Élisabeth Marlié, Nicolas-Bernard Lépicié étudie la gravure avec son père avant d’être forcé de quitter cet art, à cause de la faiblesse de sa vue, et de se tourner, vers 1751, vers la peinture qu’il étudie sous la direction de Charles van Loo.
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Hans Holbein the Younger ( 1497-1543)
Portrait de Sir Nicholas Poyntz, vers 1535
Dessin, craies de couleur et noir, plume et encre de chine sur papier rose (28,4 x 18,3 cm)
Collection Royale, Château de Windsor
Sir Nicholas Poyntz (1510-1556) fut un célèbre courtisan anglais de la dernière partie du règne d' Henri VIII. Ce portrait dessiné par Hans Holbein le Jeune est le pendant à d'un portrait à l'huile qui se trouve aujourd'hui à la National Portrait Gallery de Londres. Un autre portrait existe également peint après Holbein.
Le samedi 21 août 1535, Henry VIII et Anne Boleyn rendirent visite à Nicholas Poyntz à Acton Court, Iron Acton, Gloucestershire. Poyntz avait fait construit un logement spécial pour ses invités royaux qui survit encore. Il contenait trois salles d'apparat au premier étage et l'une d'entre elles a encore une décoration peinte par un artiste de la cour Tudor. Ces salles d'apparat étaient reliées à l'ancienne maison par une passerelle couverte appelée «pentice». Les fouilles archéologiques ont trouvé des fragments de verre vénitien précieux et de majolique que Nicolas a probablement achetés pour la visite. Au delaà de l'anecdote de la visite royale, historiquement, les longs préparatifs de Nicholas à Acton pour recevoir le roi, démontre que la progression d'Henri dans l'ouest de l'Angleterre était planifiée très longtemps à l'avance !
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Le Train bleu est un ballet en un acte de Bronislava Nijinska, musique de Darius Milhaud, livret de Jean Cocteau, décors d'Henri Laurens, costumes de Coco Chanel. Le rideau de scène a été peint d'après Deux femmes courant sur la plage, un tableau de Pablo Picasso.
Créé par les Ballets russes de Serge de Diaghilev au Théâtre des Champs-Élysées de Paris le 20 juin 1924, il a pour interprètes principaux Bronislava Nijinska, Lydia Sokolova, Anton Dolin et Léon Wojcikowski. Le Train Bleu, critique sociale des années folles, sera assez peu apprécié du public à sa création.
Ce dessin, communiqué par Silvia Catan est san doute une copie d'un original de Chanel, postérieur de 6 ans a la date de création.
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Paul Cézanne (1839-1906)
"Le Nègre Scipion", 1866-1868
Huile sur toile, 107 x 83 cm
Musée d'art de São Paulo, Brésil.
Le Nègre Scipion (en portugais O Negro Cipião) titre transformé depuis peu en "Le Noir Scipion" par Wikipedia, est une peinture de Cézanne faite une vingtaine d'années après l'abolition de l'esclavage dans les colonies françaises, abolition décrétée le 27 avril 1848 sous le régime de la Deuxième République.
Pour représenter ce torse d'homme nu, Paul Cézanne a du faire un certain nombre de recherches. Ainsi pour obtenir la couleur de la peau de Scipion, il a essayé plusieurs mélanges et a travaillé les pigments de façon à rendre très perceptibles es reflets de la lumière sur la peau. Il utilise ici une pâte plus diluée et moins sombre que celle habituellement utilisée dans ses tableaux pendant cette période. En représentant cet homme, prostré par la fatigue, les experts contemporains pensent que Cézanne a voulu montrer que " l'abolition de l'esclavage n'avait pas supprimé l'oppression" . C'est une œuvre d'une considérable puissance, mais qui nous laisse malheureusement avec une méconnaissance totale de l'identité du modèle qui a posé pour l'artiste... ce qui ne fut le cas ni pour les portraits de qu'avaient réalisé Géricault ou Adolphe Brune fait de leur Joseph dont ils firent une célébrité parisienne.
En 2019, Le Nègre Scipion fit partie au Musée d'Orsay, de l'exposition Le modèle noir, de Géricault à Matisse, un évènement co-organisé par les Musée d'Orsay et l'Orangerie, avec The Miriam and Ira D. Wallach Art Gallery, l'Université Columbia de New York, le Mémorial ACTe de Pointe-à-Pitre et avec le concours de la Bibliothèque nationale de France.
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Sandro Boticelli (1445-1510)
ou
Domenico Ghirlandaio (1448-1494)
ou
Mariano d’Antonio (??-??)
Portait de Jeune Homme, vers 1480-85
Huile sur panneau de bois, 50 x 30 cm
Musée du Louvre, Paris
Le
Louvre précise que cette œuvre peut être de Botticelli ou de son
atelier, mais... le musée offre également la possibilité qu'elle ait
été réalisée par quelqu'un de l'entourage de Domenico Ghirlandaio, ou
par un artiste moins connu du quattrocento comme Mariano d'Antonio.
L'idée
de cette triple attribution est excellente non seulement parce qu'elle va pourrir la vie des robots de recherche ce qui me ravit par avance, mais surtout parce que Domenico Ghirlandaio,
a été un maître du portrait aussi important que Sandro Botticelli !
Elle augure aussi surtout d'un tournant dans la façon dont les grands
musées considèrent les œuvres dont ils sont les propriétaires et d'un
tournant encore plus radical dans la façon dont les experts doivent considérer leur travail.
L'identité du modèle par contre reste inconnue.
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Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898)
Étude préparatoire pour Le Travail - Les Forgerons, vers 1863
Sanguine et rehauts de gouache blanche, sur esquisse au crayon noir, mis au carreau au crayon noir
Musée Bonnat-Helleu Bayonne
Le
dessin est une étude pour “Le Travail” présenté par Pierre Puvis de
Chavannes (1824-1898) au Salon de 1863, avec son pendant, “Le Repos”.
Les deux œuvres ornent aujourd’hui l’escalier d’honneur du musée de
Picardie à Amiens, formant un ensemble avec “Concordia” (”La Paix”) et
“Bellum” (”La Guerre”), exposés pour leur part au Salon de 1861.
William Dring (1904 -1990)
Group Captain AG Miller DFC, Order of Lenin, 1944
Pastel, 60,3x 47,6cm
Imperial War Museum
Ce portrait en demi-longueur représente du capitaine Anthony Miller portant l'uniforme de la RAF. Il représenté est debout, les bras croisés, devant un avion de chasse Hawker Hurricane stationné sur une base aerienne non identifiable avec un hangar d'avions en arrière plan.
Au début de la Deuxième guerre mondiale, William Dring exécuta plusieurs commandes de portraits pour le Comité consultatif des artistes de guerre (War Artists' Advisory Committee).
En 1942, il travaille à temps plein pour le Comité et se spécialise dans les "portraits d'Amirauté ".
A partir de ce moment là, toute sa carrière se peintre s'oriente autour des faits de guerre et de ses héros, une spécialisation " artistique " tout à fait anglo-saxonne.
Soixante-quatre desportraits que Dring à peint en temps de guerre, principalement des pastels, font partie de la collection de l'Imperial War Museum, qui possède également 5 peintures à l'huile, sans parler de la quarantaine de portraits au pastel conservés au National Maritime Museum.
Le portrait ci-dessus porte le numéro de commande LD 4836
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Wojciech Weiss (1875-1950)
Melancholik, 1894
Collection particulière
Wojciech Weiss,est artiste peintre polonais. qui étudia à l'Académie des beaux-arts de Cracovie, puis à Paris, à Rome et à Florence. Membre du mouvement artistique "Jeune Pologne", il fut à partir de 1907, professeur et recteur de l'Académie des beaux-arts de Cracovie. Il a peint, entre autres des paysages autour de Strzyżów où il vécut, des portraits et des nus. Sa peinture fut influencée par les travaux de Edvard Munch et Jacek Malczewski et il est resté, surtout dans sa jeunesse, sous l'influence des conceptions philosophiques de Stanisław Przybyszewski. Il fut apprécié de son vivant, reconnu et exposé aussi bine en Pologne qu'à l’étranger.
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Francesco Furini (1603-1646)
Tête de jeune homme
Uffizi
L’œuvre de Furini reflète la tension du style maniériste conservateur florentin face au nouveau style baroque de l’époque. Il a peint des sujets bibliques et mythologiques à l’aide de la technique du sfumato, superposition de couches picturales délicates et estompées, comme Vinci. Selon certains experts le style de Furini se caractérait par une « sensualité obtinée ». Son utilisation fréquente de femmes nues s'accordant difficilement à son mysticisme puisqu'il finit par devenir prêtre à la fin de sa vie. S Un de ses chefs-d’œuvre, qui ne reflète pas le style de ses toiles, est la fresque d'un plafond due Palazzo Pitti, où sur ordre de Ferdinand II de Médicis, il a peint, deux grandes lunettes représentant l’Académie platonicienne de Careggi et l’Allégorie de la mort de Laurent le Magnifique. Furini a été redécouvert au début du xxe siècle par Arturo Stanghellini. Sa carrière mal documentée a été esquissée par Elena Toesca et mise en lumière avec une exposition de ses dessins à la Galerie des Offices.
Claude-Marie-Paul Dubufe (1790–1864)
Apollo et Cyparisse, 1821
Huile sur toile, 188 x 228 cm
Musée Calvet, Avignon
Cyparisse, désespéré d’avoir tué son cerf favori, vient de se donner la mort. Apollon le soutient et le métamorphose en cyprès !
Claude-Marie-Paul Dubufe, né pendant la Révolution française, devint élève consul en 1809. Destiné par son père à embrasser une carrière diplomatique, c'est un amateur de peinture qu'il pratique avec talent, fréquentant l'atelier de Jacques-Louis David depuis 1804 environ, qui voit en lui un véritable artiste et, selon la tradition familiale, persuade le père de ne pas détourner son fils des arts alors que celui-ci était sur le point de partir en Amérique. Son père lui coupa les vivres et il dut jouer le soir du violon dans un orchestre pour payer ses cours de peinture à l'atelier de David. Il part en Italie en 1811 et est présenté à la famille d'Orléans. Il commence alors une longue et brillante carrière de portraitiste de la noblesse et de la haute bourgeoisie.
En 1824, sous la Restauration, Dubufe est honoré de deux commandes officielles, la première pour La Naissance du duc de Bordeaux, et la seconde, pour commémorer Le Passage de la Bidassoa. En 1826, il ouvre un atelier et fonde, avec le baron Taylor et Duzats, une association pour venir à l'aide des artistes.Dubufe est nommé chevalier de la Légion d'honneur par décret du 9 août 1837.
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Casque d'apparat de la cavalerie romaine
Bronze, Asie Mineure, 75-125 A.D, 28 × 17.8 cm
Paul Getty Museum
Le casque romain (galea) est un élément très
représentatif de la Légion. Il est le produit d'une sélection et
d'une évolution qui accompagne les progrès de l'art militaire. Il en
existe au moins une vingtaine de types, très différents selon les
époques et les corps dans lesquels ils ont été utilisés. Ici il s
'agit d'un casque dit « à visages » qui était porté de préférence
par l'élite de la cavalerie. Le casque qui faisait partie d'une armure
complète, pouvait être en fer avec des parties en laiton décorées de
faux cheveux, de lauriers ou de serpents se rejoignant au sommet. La
protection du cou était en bronze plaqué d'argent. Il pouvait être
aussi en cuivre et le diadème comportait alors des figures
représentant le plus souvent des divinités guerrières (la Victoire,
Mars, Minerve...). Sur celui ci le visage pourrait être celui
d'Aphrodite, d'Artémis, voire même selon le Getty Museum qui le
possède, celui d'un Apollon aux traits féminins. Ce qui est frappant
dans celui ci ,c'est qu'il comporte deux fins cerclages de fer
destinés à entourer l'iris des yeux (réels ou de verre) du combattant,
lançant sous le soleil, des éclats foudroyants en direction du public ou
de l'ennemi !
C'est le dieu ou la déesse protecteur d'une unité
militaire ou d'une légion entière qui déterminait quelle divinité
serait représentée sur le masque facial porté par les membres de
l'unité. Un masque aussi élaboré - les bandes dans les cheveux étaient à
l'origine incrustées de matériaux précieux et le cerclage des iris -
en fait sans doute un casque d'apparat utilisé lors de cérémonies
commémoratives de batailles, ou des triomphes plutôt que pendant le
combat.
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René Lalique (1860-1945)
Vase palestre, 1928 (Marcilhac1012)
Verre dépoli moulé, 39, 7 cm de hauteur
Collection particulière
Ce Vase palestre en verre dépoli ,avec effet "satiné Lalique", une technique inventée par ce maître français dans son usine de Wingen-sur-Moder, est moulé d'une frise faisant tout le tour du vase. La frise présente des athlètes masculins nus debout dans diverses poses. Dans la Grèce antique, la palestre était une arène publique d'entraînement et de pratique de la lutte et de la boxe. Son utilisation était limitée aux hommes libres qui s'y entrainaient totalement nus. Au fil du temps, la palestre a également été utilisée comme espace éducatif et social.
René-Jules Lalique est un célèbre maître verrier, bijoutier et joaillier français qui s'est fait connaitre par ses créations étonnantes de bijoux, de flacons de parfum, de vases, de chandeliers, d'horloges et, à la fin de sa vie, de bouchons de radiateur de voitures. L'entreprise qu'il a fondée fonctionne toujours et possède, à Paris, le même magasin à la même adresse, Rye Royale dont il est l'un des plus beaux fleurons. Le nom de René Lalique est resté attaché à la créativité, à la qualité et au luxe, car il a toujours su dessiner des objets fastueux mais discrets.
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Annibale Carracci (1560-1609)
Nu masculin, 1597-1602
Palazzo Farnese, Roma
La grande œuvre d'Annibal Carrici (dit aussi Le Carrache) à Rome est un travail à fresque, exécuté pour le décor du Camerino et de la galerie du palais Farnese. La plupart des historiens d'art estiment que cette galerie pose réellement le premier jalon de la peinture moderne.
L'iconographie de cette galerie est inhabituelle au regard des règles de l'époque. En effet dans ce lieu d’honneur des demeures romaines, qu'est la galerie, on décore habituellement les plafonds par de grands moments de la famille, ou des légendes héroïque. Rien de tout cela dans le Palazzo Farnese dont le propriétaire est alors un cardinal, mais un thème totalement décalé, en l'occurrence : le pouvoir universel de l'amour. Une des interprétations de cette iconographie la lie au mariage entre le duc de Parme et Marguerite Aldobrandini en 1600, mais d'autres interprétations ont cours.
Plusieurs références peuvent être identifiées, comme Michel-Ange (Chapelle Sixtine) pour la monumentalité et Raphaël (Villa Farnesina) pour la grâce des nus féminins. De nombreux procédés illusionnistes, comme la « quadratura » (système proprement Bolonais, prolongeant l’espace réel par un espace fictif dans les angles), ou le « quadririportati » (« tableaux rapportés », avec un cadre, donnant l’impression de toiles de chevalet accrochées) sont utilisées. De même, bien que tout soit entièrement peint, des Hermès et des Atlantes donnent l'illusion de stucs, des médaillons évoquent des bronzes, et l'accumulation d’éléments sur les parois comme les sculptures antiques situées dans des niches participent encore de l'illusion…
La bacchanale qui constitue le tableau central montre clairement plusieurs sources d'inspiration, telles que la Bacchanale de Titien, les Noces de Psyché de Raphaël et des sarcophages antiques (qualités sculpturales, frise, fluidité, jeu de contraposto). On y note la présence d’humour et de sarcasme, comme dans les léopards un peu ridicules, et une complexité savante. Cette galerie inspirera fortement de nombreux peintres dont Poussin et Rubens.
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Annie Louisa Robinson Swynnerton (1844-1933)
Portrait du Comte Valentin Zubov, 1908-1909
Huile sur toile 1,53 x 1,93 Tate, London
Le comte Valentin Platonovič Zubov (1884-1969) était un aristocrate et historien de l'art russe.
Âgé
d'environ 25 ans, il a passé l'hiver 1908-1909 à Salsomaggiore Terme,
une ville du nord de l'Italie dans laquelle il rencontre la peintre
Annie Louisa Robinson Swynnerton qui peint ce portrait de lui dans la terrasse de sa maison, sur fond de paysage qui - non sans humour - rappelle de celui de la Joconde de Leonardo da Vinci ! Zubov fonda l'Institut russe d'histoire de l'art en 1912.
Annie Louisa Robinson Swynnerton (1844-1933)
est une peintre britannique. Elle est connue pour ses portraits et ses
allégories. Elle est la première femme à avoir intégré la Royal Academy
of Arts en 1922. Annie Swynnerton est également féministe et engagée
pour le droit de vote des femmes.
Elle étudie à la Manchester School
of Art à partir de 1871, où elle bénéficie d'une bourse d'études pour
la peinture à l'huile et l'aquarelle2. De 1874 à 1876, elle prend des
cours d'art à Rome avec son amie artiste Susan Isabel Dacre, puis à
Paris à l'Académie Julian de 1877 à 1880.
En 1883, elle épouse le sculpteur Joseph William Swynnerton, qu'elle rencontra à Rome. Il meurt en 1910.
Le
peintre Edward Burne-Jones l'introduit à la Royal Academy of Arts où
elle expose de 1879 à 1886 puis de 1902 à 1934. Son style est empreint
des influences néo-classiques, préraphaéliques et impressionnistes.
Beaucoup de ses œuvres représentent des enfants. En 1879, Swynnerton et
Dacre fondent la Société des femmes peintres de Manchester, qui propose
des formations et des expositions. Elle pense que renforcer les liens
entre femmes peut leur permettre de les extraire des rôles
traditionnellement attribués aux femmes. En 2018, une rétrospective de
son travail est présentée à Manchester Art Gallery.
Zhao Mengfu (1254-1322)
En Baignant les Chevaux
Détail d'un rouleau, 28.1 x 155.5 cm.
Palace Museum, Beijing.
Zhao Mengfu (1254-1322) ( 趙孟頫) était un érudit chinois, peintre et calligraphe, durant la dynastie Yuan. C'est une figure majeure de l'art chinois. Bien qu'il ait pratiqué avec succès la peinture de fleurs et oiseaux il laissa l'image d'un maître dans la peinture de chevaux et de paysages. Il fut l'un des peintres et calligraphes les plus éminents du début des Yuan, et son style exerça une profonde influence sur la génération suivante de paysagistes , jusqu'à ce retournement qui affecta son héritage après la prise du pouvoir par la dynastie des Mandchous (Toungouses), en 1644. À partir de ce moment-là il fut déconsidéré.
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Zinaïda Serebriakova (1884-1967)
Alexander Serebryakov Lisant, 1946.
Collection privée
Zinaïda
Serebriakova se trouvait dans la propriété familiale de Neskoutchnoïe,
lorsqu'éclata la Révolution d'Octobre et sa vie se trouva brutalement
transformée. Son mari Boris mourut en 1919 du typhus contracté dans les
prisons bolchéviques. Ruinée après la confiscation des biens familiaux
et sans argent avec quatre enfants et sa mère malade à charge, elle
abandonna l'huile pour dessiner au fusain et au crayon. Elle refusa de
dessiner dans le style futuriste en vogue ou de faire les portraits de
commissaires politiques puissants. Elle trouva donc un emploi au musée
archéologique de Kharkov où elle était chargée de reproduire les
collections du musée. Elle décida finalement de déménager à Petrograd en
décembre 1920 chez son grand-père. Son grand appartement avait été
divisé en chambres communautaires (les kommunalka), mais
heureusement avaient été attribuées à des artistes et acteurs de
théâtre. Zinaïda en partageant cet appartement communautaire put
dessiner leurs portraits et reprendre des forces morales.
Cependant la situation devenant de pire en pire et la ville souffrant de la faim (suites de la guerre civile entre les communistes et les armées blanches), elle se résolut à émigrer à Paris en 1924.
Arrivée à l'automne 1924 à Paris, où elle reçoit commande de grands panneaux.
Zinaïda Serebriakova ne peut plus retourner en Russie, où sont restés ses enfants et sa mère (ses deux cadets la rejoindront plus tard). Elle profite de voyages en Afrique (sous passeport Nansen) grâce à l'invitation du baron Jean de Brouwer, son mécène belge, en 1928 et en 1930 et se rend au Maroc. Elle est fascinée par les paysages de l'Atlas et dessine des femmes arabes et des paysages aux couleurs vives. Elle séjourne avec son mari à Camaret en 1925 et 1926 et revient en Bretagne en 1934, cette fois-ci à Pont-l'Abbé, puis à Lesconil et à partir de 1937 à Concarneau.
À cette époque, elle peint un cycle de tableaux consacrés à la Bretagne et aux marins, représentant aussi de nombreux portraits de bigoudènes. Elle reçoit la nationalité française en 1947.
Après la mort de Staline, elle arrive à reprendre contact par courrier avec ses proches restés en Russie et plus encore à l'époque de Khrouchtchev. Une grande exposition rétrospective de ses œuvres se tient en URSS en 1960, après 36 ans d'absence, organisée par sa fille Tatiana, décoratrice au théâtre d'art de Moscou. À partir de 1966, ses tableaux sont de plus en plus exposés en Union soviétique, surtout à Moscou, Léningrad et Kiev.
Thomas
Phillips fut était un portraitiste anglais de premier plan. Il a peint
plusieurs des grands hommes de son époque, notamment des scientifique
'comme ci dessus le Professeur de médecine Howard encore jeune), des
artistes, des écrivains, des poètes (Le fameux portrait de Lord Byron en
costume oriental) et des explorateurs.Ayant appris la peinture sur
verre à Birmingham sous Francis Eginton il se rendit à Londres en 1790
avec une introduction àpour Benjamin West, qui lui trouva un emploi sur
le chantier des vitraux en verre peint de la chapelle St George à
Windsor. En 1791, il devint étudiant à la Royal Academy, où, en 1792, il
exposa une vue du château de Windsor, suivi dans les deux années
suivantes par la «Mort de Talbot, comte de Shrewsbury, à la bataille de Castillon», «Ruth et Naomi "," Elijah restaure le fils de la veuve "," Cupidon désarmé par Euphrosyne ", et d'autres thèmes bibliques ou mythologiques.
A
partir de 1796, il se concentre sur la peinture de portrait, bien que
le domaine soit plutôt très encombré par des gens comme John Hoppner,
William Owen, Thomas Lawrence ou Martin Archer Shee En 1804, il est élu
associé de la Royal Academy, avec son rival, William Owen. Il devint
académicien royal en 1808, avec l'oeuvre "Vénus et Adonis"
(exposée la même année). Dans le même temps, il gevint de plus en plus
connu et, en 1806, peignit le prince de Galles, la marquise de Stafford
et Lord Thurlow. En 1807, il envoyéaà la Royal Academy le célèbre
portrait de William Blake, maintenant à la National Portrait Gallery de
Londres.
Ses contributions à l'exposition de l'Académie de 1809
comprenaient un portrait de Sir Joseph Banks et à celle de 1814, deux
portraits de Lord Byron. En 1825, il est élu professeur de peinture à la
Royal Academy, succédant à Henry Fuseli, et, afin de se qualifier pour
ses fonctions, visita l'Italie et Rome en compagnie de William Hilton,
ainsi que de Sir David Wilkie, qu'ils rencontrèrent en Florence. Il a
démissionné de la chaire en 1832 et en 1833 a publié ses "Conférences sur l'histoire et les principes de la peinture".
Parmi toutes les personnalités de son temps dont il tira le portrait,
Phillips a également peint une tête de Napoléon Ier, faite à Paris en
1802, non à partir de séances réelles, mais avec le consentement de
l'impératrice Joséphine, qui lui offrit l'occasion d'observer le Premier
Consul pendant plusieurs dîner.
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2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau
Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Φουσταλενοφόρος από την Αράχωβα, 1943
Un Porteur de Fustanelle originaire d'Arachova, 1943
Collection privée
La fustanelle est la jupe plissée traditionnelle de certaines régions des Balkans, en Albanie et surtout en Grèce où elle portée notamment par les evzones, terme qui désigne aujourd'hui les membres de la garde présidentielle issu d'une unité d'élite cérémonielle qui garde la tombe du Soldat inconnu sur la place Syntagma et le palais présidentiel à Athènes. La fustanelle est toujours coupée dans 30 mètres de tissu blanc et comporte les 400 plis, qui représentent les 400 années de l'occupation ottomane.
Ici l'Evzone qui porte la fustanelle et qui est peint par Tsarouchis est originaire de la ville grecque d' Aráchova, située au pied du mont Parnasse, à une dizaine de kilomètres à l'est de Delphes.
Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
______________________________________ Joshua Reynolds (1723-1792)
Sir Banastre Tarleton, 1st Baronet, 1782
Huile sur toile, 236 cm x145 cm
National Gallery (London)
Sir Ivor Henry Thomas Hele (1912-1993)
Sanguine, 1935
Collection privée
L'artiste australien Sir Ivor Henry Thomas Hele
fut surtout célèbre pour ses portraits. Il fut aussi l'un des plus
anciens "peintre de guerre" d'Australie et réalisa à ce tire plus
d'œuvres sur commande que tout autre dans l'histoire de l'art
australien.
En 1927, âgé de 15 ans, il est encouragé par sa tutrice
à s'embarquer pour l'Europe. Il étudia le dessin et la peinture dans
diverses académies privées avant de retourner en Australie au début de
1930.
En 1938, une de ses œuvres majeures, Sturt's Reluctant
Decision to Return remporta le prix du 150e anniversaire du
Commonwealth. La pièce fut achetée par le gouvernement pour la future
Galerie nationale d’Australie, mais se trouve aujourd'hui à la Galerie
d’art d’Australie méridionale.
Encouragé par Thomas Blamey, Hele
s’engagea comme soldat dans le 2nd AIF et partit pour le Moyen-Orient
avec la 9e Division. Il fut promu lieutenant et assuma alors la
responsabilité de peintre de guerre. Il resta avec la 9e Division, qui
fut ensuite transférée en Papouasie-Nouvelle-Guinée. Après la guerre, il
revint en Australie ù, à partir de son vaste portfolio de croquis, il
tira de nombreuses peintures conservées à l'Australian War Memorial.
En 1952, il est nommé peintre de guerre auprès des forces australiennes en Corée.
Outre les études de personnages et les scènes de guerre pour lequel il
est le plus connu, Ivor Hele a peint de nombreux paysages, en
particulier la côte escarpée du sud de l'Australie, ainsi qu'un grand
nombre de dessins érotiques. La National Gallery of Australia abrite
environ 130 de ses œuvres.
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2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau
Émile Friant (1863-1932]
Autoportrait à vingt ans, de trois quarts, 1883
Pointe sèche, à la cuvette, 161 x 118 cm
Musée Lorrain, Nancy