Georg Pencz (1500-1550) - Portrait d'un jeune homme

 

Georg Pencz 1500-1550)
Portrait d'un jeune homme 1544
Huile sur panneau, 91x 70 cm
Musée des Offices, Florence

Georg Pencz, ou Jörg Pencz, né probablement à Westheim près de Bad Windsheim , est un peintre, dessinateur et graveur allemand de style maniériste. En 1523, il rejoint l'atelier d'Albrecht Dürer. Comme Dürer, il visite l'Italie où il est profondément influencé par l'art vénitien. Il est fort probable qu'il a travaillé avec Marcantonio Raimondi. En 1525, avec les frères Barthel et Sebald Beham, il est jugé à Nuremberg et qualifié de « peintre impie ». Les trois hommes sont bannis de la ville pour avoir répandu les idées de Thomas Müntzer, affirmant ne croire ni au baptême, ni au Christ, ni à la transsubstantiation. Pardonnés peu après, ils font partie du groupe des Kleinmeister (petits maîtres) en raison du petit format des gravures qu'ils produisent pour les vendre à la pièce. En 1539, Pencz retourne en Italie, pour un bref séjour, visitant Rome pour la première fois. Puis il revient l'année suivante à Nuremberg, où il reçoit le titre de peintre et obtient un grand succès comme portraitiste. En 1550, il est nommé peintre de cour par Albert de Brandebourg, duc de Prusse, mais il meurt avant de rejoindre son poste.

Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Portrait d'un jeune homme de Besançon

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Portrait d'un jeune homme de Besançon, 1976
Aquarelle
Collection privée 

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une véritable icône de "l'art gay"

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Joaquin Sorolla (1863-1923) - La vuelta de la pesca

 

Joaquin Sorolla (1863-1923)
La vuelta de la pesca (détail), 1894
Huile sur Toile , 265 x 325 cm.
Musée d'Orsay, Paris

Tout long de sa carrière Sorolla a peint aussi bien des portraits et des paysages que des œuvres monumentales à thèmes sociaux et historiques. Après sa mort, sa veuve a fait don de plusieurs peintures à l'Etat espagnol. Les peintures sont conservées aujourd'hui dans la propre maison de l'artiste à Madrid qui a pris le nom de Museo Sorolla. Le musée a ouvert ses portes en 1932.
En 1911, Sorolla se rend les États-Unis pour la deuxième fois de sa vie et expose 152 nouvelles peintures au Saint Louis Art Museum et 161 à l'Art Institute of Chicago quelques semaines plus tard. Plus tard la même année, Sorolla rencontre Archie Huntington à Paris et signe avec lui un contrat pour une série de toiles sur la vie en Espagne. Ces 14 magnifiques peintures murales gigantesques sont conservées aujourd'hui dans le bâtiment de l'Hispanic Society of America à Manhattan. Huntington avait envisagé dans la commande que l'œuvre peigne une histoire de l'Espagne, mais le peintre a préféré une vision de l'Espagne qui privilégie les paysages de chaque région. Il l' appela Provinces d'Espagne. Malgré l'immensité des toiles, Sorolla les a toutes peintes (sauf une) en plein air, et s'est rendu dans chaque région pour peindre sur le motif : Navarre, Aragon, Catalogne, Valence, Elche, Séville, Andalousie, Estrémadure, Galice, Guipuzcoa, Castille, Léon, et Ayamonte, sur chaque site, des personnages locaux posaient en costume regional. Chacune des peintures murales célébrait le paysage mais aussi la culture de chaque région, des panoramas composés d'une foule d'ouvriers et d'habitants. En 1917, à l'achèvement de ce travail harassant et colossal, Sorolla était de son propre aveu, épuisé. Il a terminé son dernier panneau en juillet 1919.
Sorolla a subi un accident vasculaire cérébral en 1920, alors qu'il peignait un portrait dans son jardin à Madrid. Paralysé pendant plus de trois ans, il est décédé le 10 août 1923.

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Jacques Mauny (1893-1962) - Autoportrait

Jacques Mauny (1893-1962)
Autoportrait
Collection Privée

Peintre français, autodidacte, sculpteur sur bois, illustrateur et écrivain,  il n'y a aucune biographie rédigée sur le web dle concernant i et pourtant ses oeuvres sont présentes dans les plus grands musées du monde du Centre Pompidou au MoMa  ! De même aucun de ces musées n'a publié de biographies de Mauny ! 

Tout ce que l'on peut savoir de lui est qu'il  exposa en 1920 au Salon d'Automne et qu'après un voyage à New York, il exposa en 1926 au Salon des Indépendants à Paris. Mauny expposa aussi à la Galerie Cheron  et Cie ouverte en 1913 au 56, rue de la Boétie, sous le nom de Galerie des Indépendants, qui fut un lieu clé pour l’avant-garde artistique du premier tiers du 20e siècle. Georges Chéron y expose en effet des œuvres d’artistes de l’Ecole de Paris, tels que Foujita, Modigliani et Soutine mais aussi des peintres aujourd’hui moins connus comme Dorignac, Bando ou Mauny.  La galerie ferma à la mort de Chéron en 1931. Jacques Mauny a aussi eu des expositions personnelles dans des galeries à New York en 1930 et 1931. Il a conseillé son ami Albert E Gallatin dans la création de la Living Art Gallery à l'Université de New York.

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Giovanni Battista Salvi (1609-1685) - Hercules

 

Giovanni Battista Salvi (1609-1685)
Hercules
Huile sur toile
Collection privée (Christie's)

Giovanni Battista Salvi dit il Sassoferrato du nom du village où il est né, est un peintre italien, connu principalement pour ses sujets religieux et mythologiques.  Très estimée pendant la plus grande partie du 19e siècle, son œuvre, que l'on pensait parfois contemporaine de celle des élèves de Raphaël, souffrit en Angleterre de la critique menée par John Ruskin à la fin du siècle à l'encontre de la peinture de dévotion. Néanmoins, la fin du xxe siècle marqua un regain d'intérêt pour le baroque italien autour de Guido Reni et ses suiveurs, dont Sassoferrato. Au-delà de cet héritage, ce qui fait aujourd’hui pourtant la spécificité des oeuvres de Sassoferrato tient en des plans rapprochés, des compositions simples à la très grande douceur formelle et gestuelle qui confinent à l’icône hyperréaliste ou l’ex-voto mondain. Ses peintures s’inscrivent dans une époque où le culte marial, aujourd’hui oublié, de Notre Dame de Lorette est à son comble en Occident, et où les reliques de la sainte Vierge sont vénérés avec grande intensité et les images votives de la Madone très prisées. En cela, la peinture de Sassoferrato excèdent la fonction traditionnelle de la peinture religieuse qui tend à présenter un personnage ou un épisode des Evangiles ou de la Bible. Elle devient une icône moderne propre à provoquer de manière excessive le sentiment d’adoration voire à susciter l’idolâtrie. Le style de Sassoferrato pourrait annoncer le kitsch des images d’adoration qui cherchaient, au XIX°siècle, a représenté la foi par le halo lumineux et l'expression caricaturale de douceur extatique ; mais la force du clair-obscur, la délicatesse de l’équilibre entre figure et fond obscur, ainsi que la très grande rigueur de la technique picturale le maintient paradoxalement du côté des très grands peintres classiques.

 

 

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Vladimir Evgrafovich Tatlin (1885-1953) - Le marin. Autoportrait, 1911

Vladimir Evgrafovich Tatlin (1885-1953)
Le marin. Autoportrait, 1911.
Musée d'Etat Russe, Saint-Pétersbourg

Vladimir Ievgrafovitch Tatline ( Владимир Евграфович Татлин), est un peintre et sculpteur soviétique constructiviste. Vladimir Tatlin est né le 16 (28) décembre 1885 à Moscou dans la famille d'un ingénieur ferroviaire. Après la mort de sa mère, la famille a déménagé à Kharkiv. Il s'enfuit de chez lui à 14 ans et s'engage comme mousse pour deux ans à bord d'un vapeur de la Mer Noire : il découvre la France, la Palestine, la Turquie et le Maroc. En 1902, il fréquente l'Ecole des Beaux Arts de Penza puis en 1907–1908 celle de Moscou, où il est l'élève de Michel Larionov. En 1912, il expose des peintures et des dessins dont il trouve l'inspiration dans les pays traversés (Égypte, Turquie, Grèce). Il joue du bandoura dans un orchestre folklorique ukrainien en 1913, à Berlin, puis vient à Paris avec une seule idée en tête : rencontrer Picasso. Pour pouvoir rester à Paris, Tatline demande au maître espagnol de l'engager comme domestique ; mais Picasso refuse et Tatline rentre en Russie où il exécute son premier relief peint : La Bouteille. Le peintre est dès lors sculpteur. Ce sens de l'espace, il l'a découvert dans les scénographies auxquelles il a travaillé entre 1911 et 1913. L'objet est représenté d'une manière dissociée en trois éléments métalliques : le premier, une plaque de métal pour la forme ; le deuxième, un morceau de métal arrondi en cylindre pour le volume, et le troisième, un grillage métallique pour la transparence. La suppression du cadre attribue dès lors à l'espace réel la fonction de "contre-relief ".  En 1914, il s'engage ainsi dans la réalisation de tels « contre-reliefs », premiers jalons de la sculpture abstraite, qui s'appuie sur les principes de la construction et la culture des matériaux dans laquelle la masse et le volume s'éclipsent, pour laisser place à une intersection de plans où l'air circule. « De vrais matériaux dans le vrai espace », telle est sa devise. À la sculpture, classique et académique par la taille et la fonte s'est substitué l'art de coller, de souder, d'emboîter des pièces les unes dans les autres. Il passe par plusieurs mouvements artistiques, fasciné particulièrement par le fauvisme et le cubisme. Mais il veut selon son expression que « l'art soit descendu de son piédestal ». Il transpose le cubisme dans l'espace et abandonne bientôt la peinture de chevalet. Il participera à la fameuse exposition suprématiste de décembre 1915 à janvier 1916, intitulée « Exposition 0,10 », avec un de ses premiers « contre-reliefs ». Il voulait matérialiser l'art avec des montages, des assemblages. Il recherchait la mort de l'œuvre d'art de musée : l'œuvre doit participer à la vie et à la construction du monde. Son œuvre la plus célèbre est son projet pour un Monument à la Troisième Internationale, datant de 1919-1920 mais qui ne sera jamais construit (ce devait être une véritable tour habitée). Elle constitue également l'œuvre la plus emblématique du constructivisme, dont Tatline fut le principal inspirateur. Dan Flavin a rendu hommage à cette œuvre dans sa série Monuments for V. Tatlin, qui comprend une cinquantaine de pièces constituées de sept néons blancs. En 1920, l'artiste dadaïste Raoul Hausmann, pionnier du photomontage, réalise un portrait intitulé Tatlin at home, un collage composé de photos, papiers et gouache considéré comme une œuvre emblématique du mouvement dada, conservé au musée national de Stockholm. Il s'agit de représenter le portrait intime de Vladimir Tatline, lui-même spécialiste du collage.  Entre 1925 et 1928, Tatlin est professeur à l'Institut d'art de Kiev (maintenant NAOMA), à la tête de la faculté des disciplines formelles et techniques.
En 2012, le musée Tinguely à Bâle consacre à l'œuvre de Tatline une exposition intitulée Tatlin. Un nouvel art pour un monde nouveau.



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Pisanello (1395-1455) - Portrait de Sigismond de Luxembourg

 

 

Pisanello (1395-1455)

Portrait de Sigismond de Luxembourg, 1433
Kunsthistorisches Museum, Vienna

L'harmonie entre l'art de Pisanello et les idéaux et l'esprit de son époque et de la société dans laquelle il vivait, se manifeste dans les éloges très élevés et presque unanimes que le peintre reçoit durant sa vie, émis par de nombreux écrivains, poètes et humanistes. Flavio Biondo lui décerne une mention honorable, tandis que les poètes humanistes Leonardo Dati, Guarino de Vérone, Basinio, Tito Vespasiano Strozzi, Angiolo Galli et Ulisse degli Aleotti lui écrivent des élégies et des poèmes, en latin et en langue vernaculaire31. Dans son De Viris illustribus (1456), Bartolomé Facio le nomme parmi les grands peintres contemporains32. Il est l'artiste contemporain honoré par l'ekphrasis humaniste du début du Quattrocentro qui s'est développé dans le milieu humaniste rassemblé autour de Guarino et qui lui dédie des poèmes descriptifs et panégyriques : sa peinture, par sa composition et son abondance anecdotique, est particulièrement appréciée pour le discours descriptif qu'elle autorise33. A l'inverse, dans son De Pictura, Alberti reproche à Pisanello, sans le nommer, sa conception relâchée (dissoluta) de l'élégance oratoire, celle qui est justement pratiquée autour de Guarino.

Giorgio Vasari, au moment de la première édition des Vies (1550) en savait peu sur Pisanello, mais, dans la deuxième édition (156 ), grâce au correspondant Véronais fra Marco de' Medici, il peut écrire une biographie documentée et relativement précise. Cependant, deux erreurs importantes ont influencé toutes les critiques ultérieures pendant des siècles : la première est liée à son prénom, qu'il indique comme étant Vittore (l'erreur est découverte en 1902 et son vrai prénom, Antonio, retrouvé) ; la seconde est liée à l'attribution d'un « brevet florentin » assez peu honnête, l'indiquant comme élève d'Andrea del Castagno, ce qui valut à l'historien d'Arezzo de furieuses moqueries de la part des historiens véronais des siècles suivants. A l'époque de Vasari, certaines des œuvres les plus importantes de Pisanello avaient déjà disparu, formant ce « vide historique » qui concerne de longues années de la biographie de l'artiste31.

Sa popularité chute avec la diffusion des manières de la Renaissance, provoquant une longue éclipse de l'artiste qui dura pratiquement jusqu'au siècle des Lumières. Dal Pozzo et Scipione Maffei le réhabilitent, critiquant durement Filippo Baldinucci pour avoir ignoré l'illustre peintre véronais. À la fin du siècle, Luigi Lanzi exprime également une opinion positive sur l'artiste. Les critiques du début du xixe siècle demeurant dans l'entourage des écrivains véronais locaux, tels que Zannandreis et Bernasconi, parlent de Pisanello en termes romantiques et apologétiques. Dans l'Histoire de la peinture italienne (1839-1847), G. Rosini mentionne un grand nombre d'erreurs accumulées depuis Vasari. Giovanni Battista Cavalcaselle, lui-même véronais, fait rarement référence à son concitoyen.

Il faut attendre la troisième dernière décennie du xixe siècle pour qu'apparaissent de véritables études sur Pisanello, lorsque les différents aspects de la vie et de l'œuvre pisanellienne commencent à être analysés avec une approche philologique lors de leur redécouverte qui se fait progressivement. L'importance de Pisanello en tant que dessinateur et médailleur prend de l'importance. Une première contribution scientifique fondamentale provient d'Adolfo Venturi dans le commentaire raisonné sur les Vies (1896), qui est suivie en 1905 par une monographie fondamentale de Hill. Entre 1908 et 1913, Biadego rédige la chronologie de la vie et de l'œuvre de l'artiste, reprise et développée par Dagenhart, avec une monographie décisive publiée en 1940, suivie par d'importantes études de Venturi (1940), Thijs (1941), Brenzoni (1952), Coletti (1953), Sindona (1961). Pour l'activité de Pisanello en tant que médailleur, le Corpus des médailles de la Réanissance de Hill (1930) est le texte principal qui a ouvert la voie aux chercheurs ultérieurs, tandis que pour les dessins, le mérite revient aux travaux de Fossi Todorow (1966).
Au fil des décennies, les travaux sur l'artiste se sont accrus, impliquant de nombreux critiques majeurs du xxe siècle, tels que Longhi, Arslan, Salmi, Fiocco, Popham, Pallucchini, Ragghianti, Zeri, Lionello Venturi, Coletti, Boskovits, etc. Dans l'ensemble, les études modernes se concentrent sur deux tendances principales : l'une dirigée par Dagenhart et des amateurs enclins à rassembler le plus grand nombre de peintures et de dessins autour du nom de Pisanello, en s'appuyant sur une prétendue capacité de l'artiste à absorber les nouveautés de la Renaissance ; l'autre, lié surtout au jugement de Berenson qui, tout en ventant ouvertement les mérites exceptionnels de Pisanello, réaffirme son exclusion des rangs des artistes de la Renaissance, le confinant, quoique dans une position prééminente et définitive, dans le monde du gothique tardif.
Daniel Arasse considère que de la rencontre à Ferrare, en 1429, dans le Studio de Lionel d'Este, de Guarino qui le dirige, son précepteur, élève du grec Chrysoloras, et de Pisanello, est née l'école de peinture qui compte vers 1470-1490, parmi les plus grandes d'Italie.

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Camée de l'empereur Auguste

 

Camée de l'empereur Auguste

Sardonyx à deux couches, 1er siècle
BnF. France

Le camée est une technique de gravure, voire de sculpture en bas-relief, de la glyptique utilisée essentiellement sur les matériaux présentant des strates de couleurs contrastées (camaïeu). Il s'agit de tirer parti de cette structure en faisant apparaître ces couleurs à des endroits voulus pour créer des formes. Cette technique connaît des applications dans le travail de la pierre dure, du verre et même du mortier comme dans le sgraffite. Le terme, tiré de l'italien cameo, est, probablement lié à « camaïeu » et, comme ce dernier, d'origine incertaine.
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Giacomo Antonio Melchiorre Ceruti (1698-1767) detto Il Pitocchetto - Le pèlerin endormi

Giacomo Antonio Melchiorre Ceruti (1698-1767) detto Il Pitocchetto
Le pèlerin endormi
Collection privée.

Giacomo Ceruti, dit aussi Il Pitocchetto est un peintre italien du 18e siècle, qui se rattache au courant de la peinture baroque. Il Pitocchetto est le principal représentant du style « paupériste » du 18e siècle, à travers ses scènes décrivant la vie de gens misérables, caractérisées par une grande intensité émotionnelle et une expressivité peu commune des personnages. En dehors de ces portraits, il réalisé aussi de très étonnantes natures mortes, relativement en rupture par rapport au style convenu que ce genre adoptait à son époque en Italie. Il est souvent considéré comme un précurseur, dans l'art pictural, des préoccupations morales et sociales des Lumières.

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John Luke (1906-1975) Self Portrait "The Tipster", 1928

John Luke (1906-1975)
Self Portrait "The Tipster", 1928
The Ulster Museum, Belfast, Northern Ireland

John Luke est un artiste irlandais,  né à Belfast au 4 Lewis Street. Il a fréquenté la Hillman Street National School et, en 1920, il  alla travailler à la York Street Flax Spinning Company. Peu de temps après, il devint riveteur au chantier naval Workman Clark et, tout en y travaillant, il inscrivit à des cours du soir au Belfast College of Art. En 1927, il remporta la très convoitée bourse Dunville qui lui permit de fréquenter la Slade School of Art de Londres  où il étudia la peinture et la sculpture auprès d'Henry Tonks, qui l'influença grandement. Luke  resta à la Slade School jusqu'en 1930, année où il remporta la bourse Robert Ross. Apreè avoir quitté le Slade, il séjourna à Londres, résolu à s'établir dans le monde de l'art. Il commence à exposer son travail et présente en octobre 1930 deux toiles, La Mise au tombeau et Carnaval, dans une exposition d'art contemporain tenue à la  Galerie Léger. Luke a passé sa vie à Belfast, sauf pendant la la Seconde Guerre mondiale où il s'est refugié à Killylea, dans le comté d'Armagh.

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Jan Mankes (1889-1920) - Autoportrait

Jan Mankes (1889-1920)
Autoportrait
Museum MORE, Pays-Bas

Jan Mankes est un peintre néerlandais. Il réalisa environ deux cents peintures, une centaine de dessins et une cinquantaine de copies d'œuvres, avant de mourir de la tuberculose à l'âge de trente ans. Il s'exerça à des genres picturaux variés : autoportrait, paysages et peinture animalière. Son œuvre est aujourd'hui essentiellement exposée aux Pays-Bas, dans le Musée d'art moderne d'Arnhem, le Musée du Belvédère de Heerenveen et le Musée MORE à Gorssel. Il est parfois rattaché au courant réaliste symbolique, bien que l'historien de l'art Carol Peeters estime que le caractère abstrait de certaines œuvres n'en fait ni un peintre réaliste, ni un peintre symboliste. En utilisant la peinture à l'huile, il parvenait à créer une impression de transparence, notamment en travaillant avec le blanc, en donnant un lustre perlé à la couleur par des touches au pinceau doux. Des critiques d'art ont notamment remarqué que, dans ses autoportraits, cette technique donne à sa peau blanchâtre une apparence maladive (comme dans la portrait ci dessus). Mankes étudiait longuement et dessinait des esquisses de ses sujets (le plus souvent des animaux et des oiseaux), « jusqu'à les connaître par cœur et les peindre de mémoire ». L'un de ses animaux préférés était un hibou empaillé envoyé par Pauwels, qu'il conservait dans sa chambre.

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Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) - Autoportrait avec une pipe

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938)
Autoportrait avec une pipe, 1907
Courtesy of Sotheby's

Ernst Ludwig Kirchner, est un peintre expressionniste allemand et l'un des fondateurs de l’association Die Brücke. En 1911, Ernst Kirchner s'installe à Berlin mais il ne s'y plaît guère dans un premier temps. Il y peint de nombreuses scènes de rue et de la vie nocturne, dans un style expressionniste. Il y rencontre Erna Schilling, une danseuse de cabaret, qui devient son modèle puis sa compagne, jusqu'à la mort du peintre. Il se délasse de la vie berlinoise en faisant de fréquents séjours à l'île de Fehmarn, découverte en 1908. Il y peint souvent des corps de baigneurs nus, insérés dans un ordre cosmique de vagues, de nuages et de végétation, s'opposant à l'univers de la grande ville. En 1937, les nazis déclarent son art dégénéré et beaucoup de ses toiles sont détruites. Terrassé par la douleur physique et mentale, Ernst Kirchner se suicide en 1938.

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Michael Sweerts (1624-1664) - Hommes se baignant dans la lumière du soir

Michael Sweerts (1624-1664)
Hommes se baignant dans la lumière du soir, 1655
Huile sur toile,, 63,7 × 87 cm
Musée de Strasbourg

Il existe un autre peinture de Sweerts dépeignant des hommes aux bains qui se trouve au Musée de Strasbourg et devait dans être le pendant de celle ci.
Michael Sweerts, né à Bruxelles en 1618 et mort dans le Goa en 1664, est un peintre et graveur flamand de l'époque baroque, connu pour ses peintures allégoriques et de genre, ses portraits et ses tronies. L'artiste menait une vie itinérante et a travaillé à Rome, à Bruxelles, à Amsterdam, en Perse et en Inde (Goa).

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Sir Cedric Morris (1889-1982) - Self-portrait, 1930

Sir Cedric Morris (1889-1982)
Self-portrait, 1930
National Portrait Gallery, London

Sir Cedric Lockwood Morris, 9e baronnet était un artiste britannique, professeur d'art et planteur. Il est né à Swansea dans le sud du Pays de Galles, mais a travaillé principalement en East Anglia. Il est surtout connu pour ses portraits, ses peintures de fleurs et ses paysages. Cedric Morris avait un style postimpressionniste souvent qualifié de "primitif. Dans son analyse des peintures de Morris, Richard Morphet a suggéré que «la force inhabituelle des peintures de Cédric découle de la projection du sujet à travers une économie dynamique de moyens en combinaison avec un sens aigu du réalisme pictural». En tant que portraitiste, il a produit nombre d'études remarquables de ses contemporains dont John Banting (1923), Rupert Doone (vers 1923), Mary Butts (1924), Barbara Hepworth (1931), Arthur Elton (1931), Rosamond Lehmann (1932), Les Sœurs [F. Byng Stamper et C. Byng Lucas] (1935), Lucian Freud (1940), Richard Hacher (1941), Mrs Ernest Freud (1942 ?), Belle of Bloomsbury (1948), ainsi que plusieurs saisissants autoportraits.

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Francesco Hayez (1791-1862) - Autoritratto con Tigre e Leone

Francesco Hayez (1791-1862)
Autoritratto con Tigre e Leone 1830
Olio su tavola,  43 x 51cm
Museo Poldi Pezzoli, Milano

Francesco Hayez est un peintre italien, artiste majeur du romantisme historique italien du milieu du 19e siècle à Milan.  Il est reconnu pour ses grandes peintures d'histoire, inspirées du Moyen Âge et de la Renaissance, ses allégories politiques, et pour la grande finesse de ses portraits. Les Années 1830 u ce portrait a été peint  sont les années où la notoriété d'Hayez gagne le centre de l'Europe ;  le peintre reçoit des commandes venues de la cour de Guillaume Ier de Wurtemberg et surtout du prince Klemens Wenzel von Metternich qui le charge d'exécuter le plafond du Salon des Cariatides au Palais royal de Milan, pour commémorer le couronnement de l'empereur Ferdinand Ier. Le peintre se rend ensuite à Vienne, à la cour, pour présenter ses esquisses à Metternich et à François Kolowrat ; il en profite pour visiter les musées et ateliers d'artistes viennois, puis fait un crochet par Munich où il retrouve Peter von Cornelius et Julius Schnorr von Carolsfeld, connus lors du séjour romain. Revenu à Milan en février 1835, Hayez ne dispose plus que de quarante jours avant la date du couronnement impérial pour terminer son travail. Cet auto portrait pourrait  etre une allégorie de ces rapports avec ces commanditaires, le lion étant Guillaume 1er et le tigre, Metternich ... ou l'inverse !

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Tom of Finland (1920-1991) - Timbre d' 1 Couronne

Tom of Finland (1920-1991)
Timbre d' 1 Couronne, 2014
Musée postal de Tampere,  Finlande

Tom of Finland, de son vrai nom Touko Valio Laaksonen, est un dessinateur et peintre finlandais. Il a durablement influencé la culture gay par ses représentations fantasmatiques et fétichistes d'hommes. Tom of Finland a contribué à construire une image virile de l'homosexuel, à rebours du stéréotype de l’homosexuel efféminé qui apparaît par exemple dans L'Escalier ou La Cage aux folles. On peut avancer que l'œuvre de Laaksonen a popularisé et commercialisé une sous-culture S/M qui a émergé après la Seconde Guerre mondiale et qui a atteint son apogée à la fin des années 1970 et au début des années 1980, avant l'apparition du sida dans la communauté gay. L'allure, les looks, les accessoires adoptés par certains gays durant cette période semblent dériver directement de son œuvre (par exemple, les looks des membres du groupe disco Village People). La combinaison moustache-blouson-casquette de cuir s'est imposée dans la culture populaire du monde occidental comme un stéréotype visuel des homosexuels.
Bien que la popularité de ce look ait décliné depuis le milieu des années 1980, les publications gays, les bars, les boîtes de nuit et les sites en ligne continuent de s'y référer de manière considérable.
En 1999, l'Institut finlandais de Paris lui a consacré une exposition. En 2004, le MoMA de New York a fait entrer plusieurs exemples de l'art de Tom dans sa collection permanente.
Entre  2014 et 2015 se tient l’exposition  Au sceau du secret – Correspondance de Tom of Finland)au musée postal de Tampere en Finlande. À cette occasion, trois timbres issus de son œuvre sont mis en vente dont celui ci dessus.
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Józef Pankiewicz (1866-1940) - Portrait de Félix Jasieński au piano

 

Józef Pankiewicz (1866-1940)
Portrait de Félix Jasieński au piano, 1908
Huile sur toile, 115 x 85 cm
Muzeum Narodowe w Krakowie

 
Józef Pankiewicz  est un peintre et graveur polonais, l’un des premiers impressionnistes et symbolistes en Pologne. Il est l'initiateur du colorisme dans la peinture polonaise des années 20, ce qui lui valut le surnom de "Vuillard polonais ". Il est également l'un des pionniers de l'art graphique polonais. 

C'est lui qui, dans les années 1894-1895, entreprend les premières tentatives de créer des graphismes originaux, libérés de leurs fonctions usuelles de reproduction et d'illustration. En 1897, il commence à travailler sur une série d'images coupées à sec capturant les paysages de Polésie, dans lesquelles il adapte la manière de voir et les moyens de représentation graphique de Camille Corot et des réalistes français. En 1899, Pankiewicz publie le premier portfolio de l'histoire de l'art graphique polonais, Quator eaux-fortes, avec des paysages de Paris, Chartres, Rouen, Rome et Venise.
En 1925, il s'établit à nouveau à Paris où il dirige la filiale parisienne de l'Académie cracovienne. Excellent pédagogue, les kapistes sont ses élèves; il exerce une influence considérable sur l'évolution du postimpressionnisme en Pologne, entre autres sur Jan Cybis, Artur Nacht-Samborski, Józef Czapski, Zygmunt Waliszewski et Tadeusz Potworowski.
À cette époque, il désavoue sa production antérieure. Il rejette en bloc toutes les autorités jusqu’à présent très honorées. Il critique les œuvres de ses anciens amis Pierre Bonnard, Gustave Courbet et Paul Cézanne. Il rejette également toute son expérience puisée du cubisme durant son séjour en Espagne. Il s'oriente vers l'esthétique traditionnelle, faisant référence à l'art ancien et basée sur l'observation directe de la nature. Les galeries du musée du Louvre deviennent une source d'inspiration pour lui et ses élèves.
Il reçoit la Légion d'honneur en 1928. L'artiste décède à La Ciotat en 1940.

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Carel Fabritius (1622-1654), - Portrait d'un jeune homme portant un bonnet de fourrure et une armure

 

Carel Fabritius (1622-1654)
Portrait d'un jeune homme portant un bonnet de fourrure et une armure
(probablement un autoportrait), 1654
Huile sur toile 70,5 × 61,5 cm
National Gallery  London

 

Carel Fabritius est un peintre néerlandais (Provinces-unies) du siècle d’or.
Moins d’une vingtaine de ses œuvres ont été conservées, dont deux autoportraits actuellement au musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam et à la National Gallery de Londres(. Un troisième autoportrait, présumé, figure parmi les collections de l'Alte Pinakothek de Munich. Fabritius était sans nul doute doué de grands talents picturaux. Ses premières œuvres témoignent d’un très nette influence du style de Rembrandt. Aussi n’est-il n’est pas étonnant que beaucoup parmi celles-ci furent d’abord attribuées à ce dernier. Fabritius, cependant, parmi les élèves de Rembrandt, est l’un des rares qui soient parvenus au fil du temps à se dégager de son exemple : il abandonna les couleurs sombres et employa progressivement des teintes plus claires et plus chaleureuses. À côté de cela, il se préoccupa surtout de l’harmonie des couleurs et de la perspective. Ses dernières œuvres, à Delft, montrent une créativité et une recherche exceptionnelles. Il exerça alors une forte influence sur Johannes Vermeer, qui fut probablement son élève, et sur Pieter De Hooch, notamment en ce qui concerne la perspective et la composition ; cependant, c’est surtout son rendu de la lumière qui fascinèrent ces derniers. On ignore comment Fabritius en est arrivé à un changement de style aussi frappant. La force d’attraction de Delft y est sans doute pour beaucoup[: la ville inspira également d’autres peintres talentueux de cette époque, comme Gerard Terborch, Jan Steen et Paulus Potter.  La peinture de Carel Fabritius n'a été redécouverte qu'au 19e siècle par le travail du critique d'art Théophile Thoré-Bürger. 
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Pedro Berruguete ( 1450-1504) - Le prophète Ezechiel

Pedro Berruguete (1450-1504)
Le prophète Ezechiel, 1500
Huile sur panneau de bois rehaussé de feuille d'or.
Santa Eulalia, Paredes de Nava, Espagne

 Pedro Berruguete est un peintre espagnol. Francisco de Holanda le désigne comme l'un des quatre « Aigles » de la Renaissance espagnole, avec Diego de Siloé, Bartolomé Ordóñez et Pedro Machuca.  Pedro Berruguete est né en Castille et ses premières œuvres révèlent cette origine et son rattachement aux modes gothiques qui prédominaient dans l’art espagnol de l’époque. Son apprentissage artistique est dans une large mesure inconnu.  De 1474 à 1483, Pedro Berruguete se trouve dans la capitale de la Renaissance géométrique à Urbino dans les Marches, où il voit les œuvres de Piero della Francesca, Melozzo da Forlì, Luciano Laurana, il collabore avec Juste de Gand à la décoration du palais du duc Frédéric III de Montefeltre. Ce qui a pour conséquence que les oeuvres des deux artistes se confondent et ne permettent pas d’en distinguer les auteurs.  Il y peint en particulier un portrait de Frédéric de Montefeltre avec son fils Guidobaldo et un portrait du pape Sixte IV. De retour en Espagne, il devient peintre à la cour de Ferdinand II d'Aragon et d'Isabelle de Castille où il renoue avec la tradition de préciosité de la peinture espagnole et réalise des œuvres religieuses.  Selon Ceán Bermúdez Berruguete est documenté à Tolède en 1483, où il décore les murs de la chapelle du vieux tabernacle de la cathédrale Primada, bien que la documentation restante renvoie plutôt à l’année 1493. Sa dernière œuvre inachevée, le retable du maître-autel de la cathédrale d'Ávila montre néanmoins son intérêt pour l'Art de la Renaissance Urbinate avec sa maîtrise de la perspective et de la lumière. Il enseigna la sculpture et la peinture à son fils, Alonso (v. 1488-1561), qui deviendra peintre à la cour de Charles Quint.

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Sculpture antique anonyme - Tête d'athlète

 

Sculpture antique anonyme
Tête d'athlète. Marbre
Copie romaine du 2eme siècle d'après un original Grec de 460 avant JC
Musée d'art et d'Histoire, Vienne

 Faute d'acquérir des originaux, les riches Romains en décoraient  leur villas de copies des sculptures grecs les plus célèbres, attirant  ainsi dans la cité des artisans grecs assurés de crouler sous les commandes.Elles arrivaient quelquefois directement de Grèce par navires entiers  entretenant ainsi à  l'illusion qu'elle pourraient être vraies, une des trafics d'antiquités les plus florissants de l'ancien monde. 

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Henry Van der Weyde (1838-1924) - Portrait de Fridtjof Nansen

Henry Van der Weyde (1838-1924)
Portrait de Fridtjof Nansen, explorateur arctique
Photographie, 1897
Collection privée

Henry Van der Weyde (1838–1924) était un peintre et photographe anglais d'origine néerlandaise, surtout connu pour ses portraits photographiques de la fin du XIXe siècle. Il est considéré comme un pionnier photographique dans l'utilisation de la lumière électrique en photographie, ce qui lui a permis de réaliser de nombreux portraits en peu de temps. Né aux Pays-Bas, sa famille a émigré aux États-Unis puis n Angleterre en 1870. Il installe son studio photographique au 182 Regent Street à Londres en 1877, et commence à utiliser le logo "The Van der Weyde Light". En tant que membre fondateur de la Linked Ring Brotherhood, en 1892, il fait connaître son correcteur photo (Rectograph ) qui fit sensation dans le monde de la photographie.

Fridtjof Wedel-Jarlsberg Nansen, est un explorateur polaire, scientifique, homme d'État et diplomate norvégien.  Il acquiert une renommée internationale après avoir atteint un record de latitude nord de 86°13' lors de son expédition au pôle Nord de 1893 à 1896. Bien qu'il prenne sa retraite de l'exploration après son retour en Norvège, ses techniques et ses innovations dans la locomotion, l'équipement et les vêtements adaptés au milieu polaire ont influencé toute une série d'explorations ultérieures de l'Arctique et de l'Antarctique.
Connu comme l'un des plus éminents citoyens de son pays, Nansen s'est prononcé en 1905 pour la fin de l'union de la Norvège et de la Suède et contribua à persuader le prince Charles de Danemark — futur Haakon VII de Norvège — d'accepter le trône de l'État nouvellement indépendant. Entre 1906 et 1908, il sert comme représentant de la Norvège à Londres, où il aide à négocier le traité qui garantit l'intégrité du statut indépendant de la Norvège. Dans la dernière décennie de sa vie, Nansen se consacre essentiellement à la Société des Nations, après sa nomination en 1921 en tant que Haut-commissaire pour les réfugiés. En 1922, il reçoit le prix Nobel de la paix pour son travail au nom des victimes déplacées de la Première Guerre mondiale et des conflits liés. Parmi les initiatives qu'il introduit se trouve le « passeport Nansen » pour les apatrides, un certificat reconnu par plus de cinquante pays. Il travaille pour le compte des réfugiés jusqu'à sa mort soudaine en 1930, après que la Société eut établi l'Office international Nansen pour les réfugiés afin de s'assurer que ses travaux se poursuivent. Cet office reçoit le prix Nobel de la Paix en 1938. Nansen est honoré par de nombreuses nations et par de nombreux toponymes, en particulier dans les régions polaires.

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Austin Osman Spare (1886 - 1956) - Self Portrait

Austin Osman Spare (1886 - 1956)
Self Portrait, 1935.
V&A (Victoria and Albert Museum) 

Austin Osman Spare est le fils d'un policier de Londres. À l'âge de 13 ans, il quitte l'école afin de devenir l'apprenti d'un artisan vitrier, Powell. Durant ses jeunes années, sa fascination pour l'occulte grandit influençant fortement ses propres œuvres. En mai 1904, un de ses dessins est présenté et montré à l'exposition annuelle de la Royal Academy de Londres.
En octobre 1907, Spare expose ses dessins à la Bruton Gallery de Londres. Les critiques rapprochent alors ses œuvres de celles de Aubrey Beardsley, mais les images de Spare sont pleines de visages humains grotesques et sexuels et de symboles magiques. Ces éléments attirent les regards des éléments de l'avant-garde londonienne ainsi que d'Aleister Crowley. Il est initié en tant que Probationer de l'ordre de Crowley, l'Astrum Argentum (« Étoile d'Argent ») en juillet 1909, mais sans être jamais initié en tant que membre à part entière, bien qu'il ait contribué par ses œuvres aux publications de Crowley, et plus particulièrement à The Equinox, la revue magique de Crowley. Son nom magique était Yihoveaum. Plus tard, Crowley surnomme Spare un « Frère Noir » signifiant par là qu'il désapprouve son œuvre. Son iconoclasme, destiné à la propagande et au symbolisme de la magie cérémonielle, et son aversion du moralisme ainsi que son utilisation des sceaux distinguent son style personnel de la magie que son ami Kenneth Grant appelle Zos Kia Cultus. Spare dit plus tard avoir beaucoup appris d'une certaine Madame Paterson, une descendante d'une sorcière de Salem. Son œuvre The Focus of Life comprend un dessin au crayon de cette dernière.

En 1917, durant la Première Guerre mondiale, Spare est incorporé dans l'armée britannique, et sert comme médecin au sein du Royal Army Medical Corps dans les hôpitaux de Londres.  Bien que considéré comme un artiste de grand talent, Spare a vécu en reclus, et a été oublié à partir du milieu des années 1920. Spare a été l'un des créateurs, si ce n'est le créateur, de l'art magique des sigils (ou sceaux). Il a mis au point une technique basée sur l'intention magique et la création d'un sceau dans lequel l'intention est projetée par la volonté du magicien afin de produire des effets dans le monde réel.Les techniques magiques développées par Spare comprennent également la création d'un « alphabet du désir » qui sera, plus tard, adopté, adapté et popularisé par Peter J. Carroll dans son livre Liber Null & Psychonaut. Carroll et d'autres écrivains, comme Ray Sherwin, sont considérés comme les personnages clés dans l'émergence de la Magie du Chaos, qui utilise certaines des techniques développées par Spare.

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Davide Ghirlandaio (1452- 1525) - Portrait de jeune homme, 1490

Davide Ghirlandaio  (1452- 1525)
Portrait de jeune homme, 1490 

Tempera sur panneau de bois
Detroit Institute of Art 

David di Tommaso Curradi di Doffo Bigordi, dit Davide Ghirlandaio est un peintre italien, enlumineur, fresquiste et mosaïste. Il est le frère de Domenico Ghirlandaio, son cadet de trois ans. Davide Ghirlandaio travaille sur de nombreuses œuvres avec Domenico et reprend l'atelier familial à la mort de celui-ci en 1492, un atelier qu'a fréquenté Michel-Ange et où il forme son neveu Ridolfo del Ghirlandaio.

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William Blake (1757-1827) - Adam Naming the Beasts

William Blake (1757-1827)
Adam Naming the Beasts, 1810
Tempera on wood painting
Pollock House in Glasgow.

 

William Blake,  à la fois peintre et poète, est l'auteur d'une œuvre inspirée de visions bibliques à caractère prophétique qu'il réalise dans un style halluciné  et très  moderne qui le distingue notablement de ses contemporains,  bien que ses thèmes d'inspiration soient d'un grand classicisme.
William Blake fut longtemps considéré comme fou par ses contemporains aussi bien qu'après sa mort, en grande partie à cause des visions qu'il revendiquait avoir eues dès  son plus jeune âge . La première intervint dès l'âge de 4 ans quand il vit Dieu et qu'il en hurla de peur.
Vers 9 ans, il aurait vu à Londres un arbre empli d'anges aux ailes resplendissantes comme des étoiles. Plus tard, il vit également des figures angéliques parmi des fermiers. L'une de ses peintures est l'évocation de la vision du fantôme d'une puce (The Ghost of a Flea, 1819–1820).
Il était persuadé que ses œuvres lui étaient dictées par des archanges qu'ils se faisaient un devoir d'analyser et de critiquer par la suite.
En outre, il écrit dans une lettre de condoléance à William Hayley, datée du 6 mai 1800 :
« Je sais que nos amis décédés sont davantage avec nous que de leur vivant. Il y a treize ans j'ai perdu un frère avec l' esprit  duquel je m'entretiens quotidiennement de longues heures et que je peux voir en imagination. J'entends ses conseils et j'écris sous sa dictée»
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Andrea Mantegna (c. 1431 – 1506) - Portrait de vieil homme

 

Andrea Mantegna ( c. 1431 – 1506)
Portrait de vieil homme
Encre sur papier
Pinacothèque de Brera 

 

Un certain nombre de dessins de la main d'Andrea Mantegna ont été retrouvés : certains sont des scènes préparatoires à des compositions peintes, des esquisses donc, et d'autres non. Ceux-ci témoignent d'une précision de trait, d'une ligne assurée, d'une maîtrise parfaite des volumes, par l'emploi de l'encre et parfois du fusain. Leur statut pose problème dans la mesure où certains ont été interprétés en gravure, d'autres ont servi comme modèle préparatoire à des objets de décoration. 

Sa propre technique et celle de son ou ses collaborateurs se caractérisent par les formes puissamment marquées du dessin, et par les hachures de forme oblique pour marquer les ombres, l'utilisation des tailles parallèles et du zigzag, héritée de la manière large florentine et notamment de Pollaiuolo. 

On trouve souvent les épreuves en deux tirages différents. Pour le premier, les épreuves ont été réalisées au rouleau, ou même par pression manuelle, et elles sont faiblement teintées ; pour le second, a été employé la presse, et l'encre apparaît plus marquée sur le papier. Au moins six plaques de cuivre sont travaillées des deux côtés. La plupart des dessins originaux sont peut-être perdus à jamais, sauf Le Christ ressuscité entre saint André et Longin et La Descente aux limbes. Les épreuves qui nous sont parvenues, souvent tirées de plaques usées, regravées, ne permettent pas d’apprécier pleinement l’art du graveur. Quelques excellentes épreuves sont cependant conservées.

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Richard Gerstl (1883–1908) - Autoportrait demi-nu, 1904

Richard Gerstl (1883–1908)
Autoportrait demi nu (c. 1904-05)
Huile sur toile, 159 x 109 cm.
The Leopold Museum, Vienna 

 

Richard Gerstlest un peintre autrichien expressionniste. On ne lui connaît que 60 tableaux, dont la plupart sont exposés en Autriche. Né dans une riche famille bourgeoise, Richard Gerstl suit une scolarité difficile à Vienne à cause de ses problèmes disciplinaires. Il étudie à l'académie des beaux-arts de Vienne, mais son individualisme l'empêche de continuer dans cette institution.  Sa peinture est influencée par Gustav Klimt, Van Gogh et surtout Edvard Munch, qu'il peut étudier lors d'expositions viennoises. Il peint essentiellement des portraits et des paysages
Intéressé par la musique et la philosophie, il est en contact avec Gustav Mahler, et entretient, à partir de 1906, une grande amitié avec Arnold Schönberg, qu'il pousse à se mettre à la peinture. Dans le même temps, il a une relation amoureuse avec la femme de son ami, Mathilde Schönberg, sœur d'Alexander von Zemlinsky. Cette relation a une grande influence sur sa peinture qui devient moins précise et plus abstraite. Après que Schönberg ait découvert la relation adultérine durant l'été 1908, Gerstl menace de se donner la mort et le couple Schönberg décide de rester ensemble pour les enfants.
Gerstl finit par se pendre devant un miroir, à 25 ans, après avoir détruit des dossiers personnels et quelques peintures.
L'œuvre de Gerstl tomba alors en oubli et fut redécouverte 20 ans plus tard par le marchand d'art viennois Otto Kallir. La plus grande collection de Richard Gerstl est aujourd'hui en possession du musée Leopold.

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Rosalba Carriera 1675-1757) - Portrait de Philip Wharton, 1er Duc de Wharton

 

Rosalba Carriera 1675-1757) 
Portrait de Philip Wharton, 1er Duc de Wharton, 1720.
National Portrait Gallery, London 

Philip Wharton (1698–1731), 1er duc de Wharton, futun important homme politique jacobite, un libertin célèbre et l'un des premiers grands maîtres de la franc-maçonnerie. 
Fidèle à Jacques François Stuart, fils de Jacques II détrôné en 1688, il se dit Jacobite. Selon lui, ce prétendant est fidèle, comme l'était son père, aux principes Whig que trahissaient le libéral Robert Walpole et le nouveau monarque. Il s'oppose activement à Walpole en 1722, en particulier en finançant un périodique nommé « The True Briton». Il commence à accumuler les dettes, au point qu'il vend ses propriétés d'Irlande pour investir dans la South Sea Company. Quand celle-ci s'effondre dans le Krach de 1720, il perd la somme considérable de 120 000 £ et s'en amuse en organisant un simulacre de riches funérailles publiques pour la compagnie en faillite. En 1725, ne pouvant plus faire face à ses dettes, il quitte la Grande-Bretagne pour l'Espagne.  En 1730, totalement ruiné, banni hors de Madrid à la suite d'une rixe, il renonce à la cause jacobite et trouve refuge en compagnie de sa seconde épouse au Monastère de Poblet, Catalogne, où il meurt des conséquences de son alcoolisme le 31 mai 1731. Sa veuve retourne alors à Londres avec l'aide du prétendant et parvient à y faire valoir ses droits en 1736, s'assurant ainsi une vie confortable.
Membre de la loge maçonnique King's Arms de Londres, le duc de Wharton devient le sixième grand maître de la Grande Loge de Londres du 22 juin 1722 au 24 juin 1723. En 1724, après s'être brouillé avec elle, il aurait constitué les Gormogons, une  parodie  de la première Grande Loge d'Angleterre. Il est à l'origine de la création de la première loge d'Espagne: French Arms, située n°50 Calle de San Bernardo, à Madrid. Cette loge envoie une demande de reconnaissance à la Grande Loge de Londres qui y est reçue le 17 avril 1728. La même année 1728, les francs-maçons français décident de le reconnaître comme « grand maître des francs-maçons en France », à l'occasion de son séjour à Paris et à Lyon de 1728 à 1729. Les jacobites James Hector MacLean (1703-1750) puis Charles Radclyffe, comte de Derwentwater (1693-1746), lui succèdent. Sa nomination à la tête des francs-maçons de France, antérieure à la transformation de la « Grande Loge de Londres et de Wesminster4 » en « Grande Loge d'Angleterre » en 1738, est considéré par une partie des historiens comme le point de départ d'une franc-maçonnerie française indépendante de celle de Grande-Bretagne.

Rosalba Giovanna Carriera,  est une peintre vénitienne qui lança la mode du pastel en France lors de son passage à Paris en 1720. Elle fut  aussi l’une des premières miniaturistes européennes dès 1698, en décorant des  tabatières  alors très à la mode, de sujets galants. Sa véritable notoriété naît des portraits au pastel auxquels elle se consacre exclusivement à partir de 1708. Et lorsqu'on regarde ces pastels , on comprends leur succès  ! Ses pastels, précédés de croquis à la plume ou à la pierre, furent très largement connus. Le 26 octobre 1720, elle est reçue à l'Académie royale de peinture, sur présentation d'un portrait du roi Louis XV au pastel, confirmée le 9 novembre 1720.  "La Rosalba" ,  comme on l'appelait à Paris ,sa mère et sa sœur Giovanna, descendirent chez Crozat, dont l’hôtel était situé rue de Richelieu. À peine installée, l’artiste, spécialiste de portraits de la noblesse européenne de son époque, fut accablée de visites, et, pour ainsi dire, persécutée par les plus grandes dames et par les principaux seigneurs de la cour : tous voulaient leurs portraits de sa main. Elle fit ceux du jeune roi Louis XV, du Régent, de Mesdames ; de Law, de sa femme et de sa fille, des princesses de Conti, de la duchesse de Clermont... et de beaucoup d’autres. Ses dons séduisent l'Europe entière, de Venise - où vivaient alors la majorité de ses mécènes - à Paris, de Dresde à Londres.
Son activité diminua à partir de 1747, quand elle commença à être atteinte de cécité. ____________________________________________
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Rudolf Swoboda (1859-1914) - Sir Pratap Singh of Idar (1845-1922)

Rudolf Swoboda (1859-1914)
Sir Pratap Singh of Idar (1845-1922)
Huile sut toile, 57.2 x 39.5 cm, 1888
The Royal Trust Collection

Sir Pratap Singh, était un officier de l'armée indienne britannique, maharajah de l'État princier d'Idar (Gujarat), administrateur et régent de Jodhpur et héritier d'Ahmednagar rebaptisé plus tard Himmatnagar de 1902 à 1911.
Il se rendit très souvent en Europe et était proche de la reine Victoria et de sa famille, servant comme aide de camp d'Edouard VII de 1887 à 1910. Il était particulièrement proche de son fils, le futur George V. Toujours à la tête de ses regiments, même à  l'âge de 70 ans, Sir Pratap les commanda pendant la Première Guerre mondiale en France et en Flandres de 1914 à 1915 puis pendant le mandat palestinien à Haïfa et à Alep. Il a dirigé les Jodhpur Lancers, une unité de cavalerie, en France. Il fut promu lieutenant-général en 1916 En 1911, Pratap abdiqua le gadi (trône) d'Idar en faveur de son fils adoptif et neveu, Daulat Singh. Après  une dernière mission n tant que régent de Jodhpur, Sir Pratap Singh mourut à Jodhpur le 4 septembre 1922.

Rudolf Swoboda Jr. est un artiste peintre autrichien, qui connut une popularité certaine en tant que peintre orientaliste. En 1886, la reine Victoria, Reine d'Angleterre et Impératrice des Indes, lui commanda une peinture d’un groupe d’artisans indiens qu'elle avait invités à Windsor à l’occasion du Golden Jubilee. La reine apprécia tellement le travail de Swoboda, qu’elle lui paya le voyage en Inde pour qu’il réalise des portraits de ses habitants.
En Inde, Swoboda rencontra Rudyard Kipling, lequel écrivit une lettre apparemment très critique sur lui l'accusant de "ne rechercher que le pittoresque et de ne choisir pour que des personnages caricaturaux de l'Inde" . C'est ignoré que la Reine Victoria avait laissé des instructions très directives à Swoboda : "Les croquis que Sa Majesté souhaite avoir - représenteront les différents types de nationalités qui composent les Indes. Ils devront être constitués de têtes de même taille que celles déjà réalisées pour La Reine, ainsi que de petits portraits en pieds. Sa Majesté ne souhaite pas que les images soient trop grandes, et vous propose plutôt de rapporter des croquis d'apres lesquels vous peindrez vos tableaux apres votre retour. "
Lorsque la reine Victoria reçut les peintures, elle en fut très satisfaite et les considéra comme , "de si belles têtes… de belles choses". Swoboda travailla ensuite pour la reine pendant onze ans, produisant plus de 40 portraits de ses sujets du sud-asiatiques, (dont celui ci dessus) qui sont conservés aujourd'hui à Osborne House.et dans les collections du Royal Trust.

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Rembrandt (1607-1669) - Homme en costume oriental, 1635

Rembrandt (1607-1669)
Homme en costume oriental, 1635
Huile sur panneau de chêne (72 x 54,5 cm)
Rijksmuseum, Amsterdam.

Ici avec la lumière de manière singulière. Il inonde le turban de l'homme et le côté droit de son visage comme un projecteur puissant. Le côté gauche reste dans l'ombre. De telles têtes ressemblant à des personnages - et non des portraits - étaient populaires au 17ème siècle. Appelés «tronies turcs», ils ont été largement copiés et imités dès le début. 

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Robert Mapplethorpe (1946-1989) - Donald Cann

Robert Mapplethorpe (1946-1989)
Donald  Cann

Robert Mapplethorpe est un photographe américain connu pour ses portraits en noir et blanc très stylisés, ses photos de fleurs et ses nus masculins. Le caractère pornographique des œuvres du milieu de sa carrière a déclenché des polémiques sur le financement public de l'art aux États-Unis.

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Sculpture antique anonyme - Tête de Lucius Aelius

 Sculpture antique anonyme
Tête de Lucius Aelius Verus (101-138)
Marbre, Rome Impériale

Lucius Aelius, souvent connu comme Lucius Aelius Verus est né  sous le nom de Lucius Ceionius Commodus, et mort comme étant Lucius Aelius Caesar, est un sénateur romain. Il devient le fils adoptif et héritier de l'empereur Hadrien, mais il décède quelques mois avant l'empereur. Il est le père de Lucius Aurelius Verus, adopté par Antonin le Pieux et qui devient empereur romain de 161 à 169.
Dans son livre Mémoires d'Hadrien, Marguerite Yourcenar en fait un personnage important, allant même jusqu'à insinuer qu'Aelius est un ancien amant de l'empereur. Dans ce même livre, Marguerite Yourcenar affirme qu'Aelius meurt de "phtisie", c'est-à-dire de tuberculose. 

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Jean Jacoby (1891-1936) - Corner

Jean Jacoby (1891-1936)
Corner, 1928
Collection privée

Jean-Lucien Nicolas Jacoby est un artiste luxembourgeois. A une époque ou l'art faisait partie des disciplines qui concourrait aux Jeux Olympique, il remporta deux médailles d'or olympiques aux compétitions artistiques aux Jeux olympiques en 1924 pour sa peinture Étude de sport et une autre en 1928 pour son dessin Rugby. Cela fait de lui l'artiste olympique le plus titré de tous les temps.
Jacoby a souvent représenté le sport dans ses œuvres, par exemple dans le cadre des timbres-poste luxembourgeois pour les Jeux olympiques d'été de 1952.
Après avoir passé sa jeunesse à Molsheim en Alsace, Jean Jacoby étudie l'art à l'École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. Il fut ensuite professeur de dessin de 1912 à 1918 à l'école Lewin-Funcke de Berlin, puis travailla à Wiesbaden, avant de reprendre le département d'art d'une imprimerie à Strasbourg.
Il est devenu internationalement connu quand, en 1923, il a remporté le Concours français de l'Auto avec son dessin Hurdle runner, battant 4 000 autres participants. De 1926 à 1934, il travaille comme illustrateur et directeur artistique pour deux journaux de l'Ullstein-Verlag, le Berliner Illustrierte et le Grüne Post. Il a également fondé un guide des programmes de radio pour toute l'Allemagne, appelé Sieben Tage.
En 1934, il s'installe à Mulhouse, où il meurt en 1936 d'une crise cardiaque.
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