Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564) - Tête d' homme barbu en train de hurler

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564)
Tête d'homme barbu en train de hurler
Sanguine sur papier
Ashmolean Museum, University of Oxford

" La perfection du dessin (clef de l’expression picturale) vous est si familière que vous voyez dans la représentation du corps humain la fin de l’art, c’est-à-dire dans ce qu’il a de particulièrement inaccessible », écrivait le dramaturge Pierre l’Arétin au sujet du « divin » Michel-Ange.
Selon Carmen Bambach, conservatrice des dessins et estampes au Metropolitan Museum of Art :
« Michel-Ange était un puissant dessinateur. Quand il dessinait, c’était avec son œil et sa compréhension de la sculpture. On retrouve parfois chez lui une certaine brutalité parce qu’il voulait repousser certaines idées »

Nils von Dardel (1888-1943) - Jacques Hébertot et ses chats

 

Nils von Dardel (1888-1943)
Jacques Hébertot  et ses chats, 1914
Liljevalchs Konsthall

 
Le peintre suédois Dardel voyageait beaucoup et a toujours vécu une vie nomade sans vraiment jamais s'installer quelque part. Un grand nombre de ses portraits et de ses paysages reflètent ses déplacements. Il était souvent sujet à des crises d'auto-dépréciation, que le peu de succès qu'il rencontra dans son pays de son vivant accentuait quelquefois jusqu'à la dépression. Il fallut attendre les années 1950, pour que le Liljevalchs Konsthall organise une rétrospective, de son oeuvre et pour que le public commence à s'y s'intéresser.
Après avoir habité trois ans à Paris, Dardel et Rolf de Maré tissent des liens d'amitié... et même plus. Maré fonda un peu plus tard à Paris Les Ballets Suédois qui rencontrèrent un grand succès entre 1920 et 1925. Maré devint alors une sorte de mécène pour Dardel et ce dernier lui fournit l'inspiration pour ses ballets. Au début des années 1920, Dardel travailla beaucoup sur des compositions inspirées de drames ou de films et créa des décors pour le théâtre ou le cinéma.
A côté de son propre style très étrange et très personnel, immédiatement reconnaissable, il explora aussi le pointillisme, avec des couleurs fortes et des motifs clairs.
Ses dessins assez académiques à première vue (cf. ci-dessus) comportent toujours des éléments qui interrogent comme ci dessus la grosseur disproportionnée des poings serrés du modèle. par exemple. 

Ce portrait de Jacques Hebertot  a été peint Alors qu'il était  journaliste à Gil Blas, peu de temps avant  d'être mobilisé en août 1914. Affecté au 81e régiment d'artillerie lourde - 5e groupe, il est maréchal des logis. Chargé de commander les convois de munitions sur des routes bombardées et mitraillées par les avions ennemis, jusqu'aux batteries de son groupe. Il se manifeste sur la Somme, en Champagne et à Verdun. Son courage au feu lui vaut d'être cité à l'ordre du régiment le 15 septembre 1917. Immatriculé sous le numéro 012195, il est décoré de la Croix de Guerre. Durant toute sa période sur le front, il écrit ses carnets de guerre, notes diverses, articles pour le journal Le Matin, réflexions politiques, description des horreurs de la guerre et des poèmes...

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David Park (1911-1960) - Man in a T-Shirt

David Park (1911-1960)
Man in a T-Shirt, 1958
Huile sur toile, 151.8 × 126.4 cm
SFMoMA (San Francisco Museum of Modern Art)

David Park est un peintre américain, membre fondateur du mouvement figuratif de la Baie de San Francisco, connu pour ses portraits aux couleurs intenses et à la peinture épaisse. Park déménage à Los Angeles en 1928 pour étudier à l’Otis Art Institute pendant un an avant d’abandonner. Il enseigne ensuite au San Francisco Art Institute pendant de nombreuses années et rencontre les peintres Richard Diebenkorn et Elmer Bischoff, avec qui il devient ami.
David Park va se lancer dans la peinture figurative de 1950 à la fin de la décennie. C'est à ce moment-là qu'il apprend être atteint d'un cancer.
Travaillant essentiellement de mémoire, il peint d'abord ce qu'il voit, les enfants qui jouent dans la rue, les musiciens, ses copains, les gens chez eux. Plus tard, il se lance dans de plus classiques nus, des baigneuses, mais dans un style monumental. Lorsque la maladie l'empêche de peindre à l'huile, il continue de travailler à l'aquarelle jusqu'au dernier moment. Il meurt en 1960.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Homme assis sur un rocher

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Homme assis sur un rocher, c.1973
Collection privée 

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une vertiable icône de "l'art gay"

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Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) - Jeune étudiant dessinant

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779)
Un Jeune étudiant dessinant (c. 1738),
Huile sur panneau, 21 x 17.1 cm
Kimbell Art Museum.

Adaptant au goût français les sujets des tableaux de cabinet hollandais et des natures mortes du siècle précédent,Chardin. élève ces genres au plus haut niveau. Ses œuvres sont exceptionnelles dans leur représentation sensible de l'expérience quotidienne et de la réalité observée. Peu d'artistes ont jamais égalé la subtilité de sa vision ou la sensibilité de sa technique.
Bien que de petite taille,  " Un Jeune étudiant dessinant "était l'une des œuvres les plus célèbres de Chardin. Le fait qu'il soit revenu  à plusieurs reprises sur ce tableau  sur une période de vingt ans, peignant pas moins de douze versions, indique la popularité du sujet et son importance pour lui.

La netteté de la surface de peinture à la texture unique de Chardin est magnifiquement préservée dans cette œuvre. L'artiste a ajouté de la consistance à sa peinture en y adjoignant de la craie pour gonfler la matière. L'artiste gardait jalousement le secret sur ses méthodes de travail et n'avait ni élèves ni disciples pour observer et prendre des notes sur sa technique. Le coup de pinceau rugueux et empâté de ce panneau masque le fait qu'il est peint sur une image antérieure. Une composition horizontale d'une femme assise de profil se distingue à peine sur la radiographie. Chardin a conçu ce tableau comme l'un d'une paire. Son pendant, La Brodeuse, aujourd'hui à Stockholm, montre une femme assise de profil. 

 Il est peut-être ironique que Chardin représente un jeune dessinateur puisqu'il a lui-même travaillé directement d'après nature, renonçant au processus intermédiaire d'un dessin préparatoire. Néanmoins, Chardin se rappelle comment, jeune apprenti, il a passé cinq ou six ans à dessiner d'après modèle. 

Selon une étiquette  conservée au dos du panneau, cette œuvre a été acquise à Paris en 1848 par Isambard Kingdom Brunel, le célèbre ingénieur franco-britannique et concepteur de ponts.

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Vlaho Bukovac (1855-1922) - Portrait de Gustav Pongratz.

 

Vlaho Bukovac (1855-1922) ,
Portrait de Gustav Pongratz. 1893
Private Collection Zagreb

Le peintre croate Vlaho Bukovac a été formé à l'école des Beaux-Arts de Paris avec Alexandre Cabanel, et exposa au Salon des artistes français. Médaille de bronze de l'Exposition universelle de Paris de 1889, il retourne dans son pays en 1893, et enseigne à l'Académie des beaux-arts de Prague.

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Sebastiano del Piombo (1485-1547) - Anton Francesco degli Albizzi (c. 1525-26)

Sebastiano del Piombo (1485-1547)
Anton Francesco degli Albizzi (c. 1525-26)
Huile sur toile 147.3 x 98.8 cm
The Houston Museum of Fine Arts (Samuel H. Kress Collection).

Ce portrait représente Anton Francesco degli Albizzi (1486-1537), une personnalité politique qui a participé à l'établissement de la République florentine. Il a été décrit comme autoritaire, hautain et passablement agité et a été décapité pour trahison par Cosimo I de Medici, grand-duc de Toscane.
La grandeur rhétorique dont Sebastiano del Piombo a imprégné le portrait montre pourquoi il est considéré comme l'une des figures majeures de la peinture de la Haute Renaissance. Selon le célèbre biographe du XVIe siècle Giorgio Vasari, Sebastiano s'est formé avec le peintre de la Renaissance Giovanni Bellini à Venise et a également été influencé par le peintre de la Renaissance Giorgione. En 1511, Sebastiano se rendit à Rome, où il noua à la fois une amitié et une relation professionnelle avec Michel-Ange, sous la direction duquel Sebastiano développa un style personnel distinctif, puissant et original. Vasari a fait l'éloge de ce travail particulier, écrivant que l'artiste l'a fait apparaître "non peint mais vraiment vivant... La tête et les mains du portrait étaient des choses vraiment merveilleuses, sans parler de la belle exécution des velours, des doublures , les satins, et toutes les autres parties de l'image. . . toute Florence fut émerveillée par ce portrait d'Anton Francesco."

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Annibale Carracci (1560-1609) (attribué à) - Autoportrait à l'âge de 20 ans

Annibale Carracci (1560-1609) (attribué à)
Autoportrait à l'âge de 20 ans
Collection privée 

 

La grande œuvre d'Annibale Carracci (dit aussi Le Carrache) à Rome est un travail à fresque, exécuté pour le décor du Camerino et de la galerie du palais Farnese. La plupart des historiens d'art estiment que cette galerie pose réellement le premier jalon de la peinture moderne.
L'iconographie de cette galerie est inhabituelle au regard des règles de l'époque. En effet dans ce lieu d’honneur des demeures romaines, qu'est la galerie, on décore habituellement les plafonds par de grands moments de la famille, ou des légendes héroïque. Rien de tout cela dans le Palazzo Farnese dont le propriétaire est alors un cardinal, mais un thème totalement décalé, en l'occurrence : le pouvoir universel de l'amour. Une des interprétations de cette iconographie la lie au mariage entre le duc de Parme et Marguerite Aldobrandini en 1600, mais d'autres interprétations ont cours.
Plusieurs références peuvent être identifiées, comme Michel-Ange (Chapelle Sixtine) pour la monumentalité et Raphaël (Villa Farnesina) pour la grâce des nus féminins. De nombreux procédés illusionnistes, comme la « quadratura » (système proprement Bolonais, prolongeant l’espace réel par un espace fictif dans les angles), ou le « quadririportati » (« tableaux rapportés », avec un cadre, donnant l’impression de toiles de chevalet accrochées) sont utilisées. De même, bien que tout soit entièrement peint, des Hermès et des Atlantes donnent l'illusion de stucs, des médaillons évoquent des bronzes, et l'accumulation d’éléments sur les parois comme les sculptures antiques situées dans des niches participent encore de l'illusion…
La bacchanale qui constitue le tableau central montre clairement plusieurs sources d'inspiration, telles que la Bacchanale de Titien, les Noces de Psyché de Raphaël et des sarcophages antiques (qualités sculpturales, frise, fluidité, jeu de contraposto). On y note la présence d’humour et de sarcasme, comme dans les léopards un peu ridicules, et une complexité savante. Cette galerie inspirera fortement de nombreux peintres dont Poussin et Rubens.
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Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914) - Sikander Mallik

Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914)
Sikander Mallik, 1886-88
The Royal Trust collection, London

Rudolf Swoboda Jr. est un artiste peintre autrichien, qui connut une popularité certaine en tant que peintre orientaliste. En 1886, la reine Victoria, Reine d'Angleterre et Impératrice des Indes, lui commanda une peinture d’un groupe d’artisans indiens qu'elle avait invités à Windsor à l’occasion du Golden Jubilee. La reine apprécia tellement le travail de Swoboda, qu’elle lui paya le voyage en Inde pour qu’il réalise des portraits de ses habitants.
En Inde, Swoboda rencontra Rudyard Kipling, lequel écrivit une lettre apparemment très critique sur lui l'accusant de "ne rechercher que le pittoresque et de ne choisir pour que des personnages caricaturaux de l'Inde" . C'est ignoré que la Reine Victoria avait laissé des instructions très directives à Swoboda : "Les croquis que Sa Majesté souhaite avoir - représenteront les différents types de nationalités qui composent les Indes. Ils devront être constitués de têtes de même taille que celles déjà réalisées pour La Reine, ainsi que de petits portraits en pieds. Sa Majesté ne souhaite pas que les images soient trop grandes, et vous propose plutôt de rapporter des croquis d'apres lesquels vous peindrez vos tableaux apres votre retour. "
Lorsque la reine Victoria reçut les peintures, elle en fut très satisfaite et les considéra comme , "de si belles têtes… de belles choses". Swoboda travailla ensuite pour la reine pendant onze ans, produisant plus de 40 portraits de ses sujets du sud-asiatiques, (dont celui ci dessus) qui sont conservés aujourd'hui à Osborne House.et dans les collections du Royal Trust.

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Raphaël /Rafaello Sanzio (1443-1520 ) - Etude de tête d'ange

Raphaël /Rafaello Sanzio (1443-1520),
Etude pour une ange de la fresque " Héiodore chassé du temple"
Musée du Louvre, Paris 

Raphael est sans aucune doute l'un des meilleurs dessinateurs de l'histoire de l'art occidental et utilise beaucoup le dessin pour organiser ses compositions. Selon un quasi-contemporain, lorsqu'il commence à élaborer une composition, il dispose un grand nombre de ses dessins sur le sol, et dessine « rapidement », empruntant des figures ici et là. Plus de quarante esquisses ont survécu pour la Dispute dans la Chambre de la Signature, et il y en a peut-être eu beaucoup d'autres à l'origine ; au total, plus de quatre cents feuilles nous sont parvenues. Il utilise différent dessins pour affiner ses poses et compositions, apparemment plus que la plupart des autres peintres, à en juger par le nombre de variantes qui survivent : « . . . C'est ainsi que Raphaël lui-même, qui était si riche en inventivité, avait l'habitude de travailler, en proposant toujours quatre ou six façons de montrer un récit, chacune différente des autres, et toutes pleines de grâce et bien faites. » a écrit un autre écrivain après sa mort. Pour John Shearman, l'art de Raphael marque « un déplacement des ressources de la production vers la recherche et le développement » Lorsqu'une composition est finalement réalisée, des cartons à grande échelle à la taille réelle sont souvent réalisés, qui sont ensuite piqués avec une épingle et « sautés » avec un sac de suie pour laisser des lignes pointillées sur la surface comme un guide. Il fait également un usage inhabituellement important, tant sur papier que sur plâtre, d'un « stylet aveugle », grattant des lignes qui ne laissent qu'une empreinte, mais aucune marque. Celles-ci sont visibles sur le mur de l'École d'Athènes et dans les originaux de nombreux dessins. Les Cartons de Raphaël, en tant que motifs de tapisserie, sont entièrement colorés dans un médium à la détrempe, avant d'être envoyés à Bruxelles, pour être suivis par les tisserands.

Dans les œuvres ultérieures peintes par l'atelier, les dessins sont souvent plus attrayants que les peintures. La plupart des dessins de Raphaël sont plutôt précis - même les esquisses initiales sont soigneusement dessinées -, et les dessins de travail ultérieurs présentent souvent un haut degré de finition, avec des ombres et parfois des surbrillances en blanc. Ils manquent de la liberté et de l'énergie de certains des croquis de Léonard de Vinci et de Michel-Ange, mais sont presque toujours très satisfaisants d'un point de vue esthétique. Il est l'un des derniers artistes à utiliser largement la pointe d'argent (littéralement une pièce pointue en argent ou d'un autre métal), bien qu'il fasse également un excellent usage du médium plus libre de la craie rouge ou noire. Dans ses dernières années, il est l'un des premiers artistes à utiliser des modèles féminins pour les dessins préparatoires - les élèves masculins (« garzoni ») étaient normalement utilisés pour les études des deux sexes.
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Peinture chinoise anonyme - Portrait de Ho Bun / 何斌

Peinture chinoise anonyme
Portrait de Ho Bun / 何斌   (c.1590-1610)
Musée de Nankin, Chine. 

Ho Bun (何斌),  était un érudit-officiel pendant la période  Ming. Ce portrait est l'un des nombreux portraits Ming tardifs inclus dans l'Album des portraits du peuple Ming (明人肖像冊). 

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Piet Mondrian (1872–1944) - Autoportrait

Piet Mondrian (1872–1944)
Autoportrait
Collection privée

Malgré l'opposition farouche de son père à le laisser s'inscrire aux Beaux arts, Piet Mondrian  a déjà été initié par son oncle à la peinture de plein air, une innovation dans les années 1880, héritage de Johan Barthold Jongkind et de l'Ecole de La Haye. Plus généralement après 1900, les tableaux de Mondrian cherchent à faire voir des idées, et semblent proche du mouvement symboliste.
Connu pour être un des pionniers de l'abstraction, il écrit dès janvier 1914 écrit : « Je construis des lignes et des combinaisons de couleurs sur des surfaces planes afin d'exprimer, avec la plus grande conscience, une beauté générale. La nature (ou ce que je vois) m'inspire, me met, comme tout peintre, dans un état émotionnel qui me pousse à créer quelque chose, mais je veux rester aussi près que possible de la vérité et à tout extraire, jusqu'à ce que j'atteigne au fondement (qui ne demeure qu'un fondement extérieur !) des choses […]. Je crois qu'il est possible, grâce à des lignes horizontales et verticales construites en pleine conscience, mais sans ‘‘calcul’’, suggérées par une intuition aigüe et nées de l'harmonie et du rythme, que ces formes fondamentales de la beauté, complétées au besoin par d'autres lignes droites ou courbes, puissent produire une œuvre d'art aussi puissante que vraie »

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Art Egyptien - IVe Dynastie - Tête du Roi Menkaouré ou Mykérinos

IVe Dynastie (2613–2494  av.J.C.)
Tête du Roi Menkaouré  ou Mykérinos (2532–2503 av. J.C.)
Sculpture en travertin, 29.2 x 19.6 x 21.9 cm.
The Boston Museum of Fine Arts.

La IVe dynastie de l'Ancien Empire d'Égypte est la dynastie qui a laissé les plus célèbres de tous les monuments égyptiens : les pyramides de Gizeh et le Sphinx.
Elle couvre une période allant d'environ -2670 à -24501, est fondée par Mérésânkh et débute sous le règne de Snéfrou le fils de cette dernière, père de Khéops.
La construction des pyramides serait devenue une nécessité économique, occupant les paysans pendant la crue du Nil, et politique, induisant la création du premier État centralisé. Sous Snéfrou, à la pyramide de Meïdoum, abandonnée en cours de construction à la suite de son effondrement, succède la construction de celles de Dahchour, (rhomboïdale et rouge). Des papyrus datant du règne de Khéops, dont le journal de bord d'un inspecteur nommé Merer qui approvisionnait en pierre le chantier de la pyramide, ont été découverts par Pierre Tallet au Ouadi el-Jarf en 2013.
Le « style memphite » se distingue par un classicisme altier qui se manifeste dans l'harmonie des lignes droites et de larges masses symétriques.
C'est durant cette dynastie qu'officie Peseshet, première femme médecin connue au monde.
Sur le site de Gizeh, on érige les pyramides des trois reines de la dynastie.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Torero. Etude pour "Le Tricorne"

Pablo Picasso (1881-1973),
Torero. Etude pour "Le Tricorne"
Gouache, 1919
Collection privée

Une étude à mi-chemin entre l'arlequin, figure emblématique de l'oeuvre de Picasso au début du 20e siècle et le Torero.

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Michele Gordigiani (1835-1909) - Portrait d'Alfredo Muller

 

Michele Gordigiani (1835-1909)
Portrait d'Alfredo Muller en compagnie Eduardo Gordigiani et Egisto Paolo Fabbri
Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea, Roma

Michele Gordigiani (1835 -1909), est un artiste peintre italien connu pour ses portraits. Michele Gordigiani est le fils de Luigi Gordigiani, un célèbre musicien florentin. Il étudie d'abord à l'Académie de Florence sous Giuseppe Bezzuoli, puis chez Luigi Norcini et Silvestro Lega ; il a également travaillé dans les ateliers de Luigi Mussini et Adolph Sturler. En 1855, il fréquente le Caffè Michelangiolo avec son frère Anatolio, où il rencontre de nombreux peintres du mouvement Macchiaioli.  Il est invité à Paris, en 1860, par son amie Virginia Oldoini, comtesse de Castiglione dont il fait un portait devenu célèbre. Il était très recherché en tant que portraitiste, et parmi ses sujets figurent le roi Victor-Emmanuel II, sa belle-fille, la reine Margherita et le comte de Cavour. En 1867, à Londres, il peint les portraits de la reine Victoria et de son époux, le prince Albert.  Parmi ses élèves figuraient Fosco Tricca, Francesca Magliani, Pompeo Massani et Alfredo Müller dont il peint le portrait ci dessus devant un chevallet en 1895.

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Nils Gustav Wentzel (1849 -1927) Les Joueurs d'échecs

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Nils Gustav Wentzel (1849 -1927)
Les Joueurs d'échecs, 1886
Collection privée

Cet artiste descend d'une famille de verriers de Bohème installée en Norvège en 1750. Il étudie à l'Ecole d'Art de Knud Bergslien (1879-81) et à l'École Royale de Christiania. En 1883, il est élève de Frits Thaulow, qui l’initie à la peinture de plein air. Wentzel fait un court séjour à Paris la même année et y séjourne de nouveau en 1884 en qualité d’élève de William Bouguereau, à l'Académie Julian.  En 1888-89, Wentzel étudie avec Alfred Roll et Léon Bonnat à l'Académie Colarossi. Pendant cette période, il peint principalement des intérieurs, des figures. Ses sujets sont la bourgeoisie urbaine et les artisans dans leurs intérieurs et les studios d’artistes. Ses premières peintures comme le Petit-déjeuner I (1882), possèdent un rendu méticuleux de détail sans égal dans le naturalisme norvégien. Le travail de Wentzel adopte progressivement l’influence de la peinture française contemporaine avec une observation subtile des effets de lumière et d’atmosphère sur la couleur, comme Le Jour d’après (1883) et Petit-déjeuner II (1885). Les scènes de campagne norvégienne sont devenues plus fréquentes, comme Vieux (1888). La Danse à Setesdal (1891) représente une note plus romantique de son travail, qui prédomine au début des années 1890. Plus tard, il préfère exécuter des paysages de neige, des scènes rurales avec sujets, bien qu'il n'ait pas entretenu cette norme dans son précédent travail.

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Achille Zo (1826-1901)- La Pelote Basque à Pasajes de San Juan

Achille Zo (1826-1901)
La Pelote Basque à Pasajes de San Juan
Huile sur toile 95 x 130 cm
Collection privée

Henri-Achille Zo est d'abord l'élève de son père Achille Zo, qui dirigeait l'Ecole des beaux-arts de Bordeaux, puis est admis en 1894 dans les ateliers des peintres Léon Bonnat et Albert Maignan à l'École des beaux-arts de Paris. Avec son père, qui fut le co-initiateur de l'Ecole de Bayonne, il partage une thématique commune : des scènes d'Espagne et de tauromachies. Il obtient une médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1900 et l’État lui octroie une bourse de voyage en 1901. Il expose au Salon des artistes français à partir de 1897 et remporte le prix national en 1905. Il expose régulièrement des oeuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1896 à 1934. Il travaille à Paris aux peintures du théâtre national de l'Opéra-Comique, à celles de la chapelle Notre-Dame-de-Consolation construite en hommage aux victimes de l'incendie du Bazar de la Charité, et devient professeur à l'Académie Julian à Paris. En 1903, il reçoit le prix Rosa Bonheur, puis le prix Trémont décerné par l'Institut. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1910, sous le parrainage de son maître Léon Bonnat. Il a illustré le Ramuntcho de Pierre Loti et les Nouvelles Impressions d'Afrique de Raymond Roussel (1932).

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Alexander Deïneka (1899-1969) - Joueurs de football

 

Alexander Deïneka (1899-1969)
Joueurs de football
Aquarelle, 1965
Collection privée 

Alexandre Alexandrovitch Deïneka (Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка) est un peintre, graphiste et sculpteur soviétique. Membre fondateur des groupes Ost (Être) et Octobre, il réalisa la première grande œuvre historique révolutionnaire en 1928 : La Défense de Petrograd.
Vers 1931, il devient membre de l'Association des artistes prolétariens (AKhRR).
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il réalise des peintures monumentales et dramatiques, dont Banlieue de Moscou. Novembre 1941 constitue la première œuvre. Il parvient à transmettre une grande souffrance à travers son travail (Le Village brûlé, 1942), autant que l'enthousiasme héroïque (La Défense de Sébastopol, 1942).
Après la guerre, il continue de peindre et reprend son travail de mosaïque, notamment pour le palais des congrès du Kremlin.
Pour Les Joueurs de hockey (1960), il est récompensé du prix Lénine en 1964.
Certaines de ses oeuvres, notamment ses représentations de sportifs ou de soldats, comme dans Après la Bataille , sont d'une étonnante liberté et légèreté malgré le contexte répressif de l'URSS.

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Ubaldo Gandolfi (1728-1781) - Caïn et Abel

Ubaldo Gandolfi (1728-1781)
Caïn et Abel
Museo Civicci Reggio Emilia

Ubaldo Gandolfi est un peintre italien du baroque tardif, appartenant à l'école bolonaise.
Avec son frère Gaetano, Ubaldo Gandolfi fait partie d'une famille d'artistes prolifiques : ses fils Giovanni Battista et Ubaldo Lorenzo, et ses neveux Mauro, Democrito (élève d'Antonio Canova) et sa nièce Clementina furent les derniers représentants de la peinture bolonaise, née deux siècles après les Carracci.
Il a pient des toiles à sujets mythologiques du Palazzo Marescalchi à Bologne, dont deux sont conservées aujourd'hui aux États-Unis, au Museum of North Carolina. Il a laissé de nombreux dessins et sanguines conservées en Italie ou au MET à New York
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Winslow Homer (1836-1910) - Shark Fishing

 

Winslow Homer (1836-1910),
Shark Fishing
Watercolour, 1885
Private collection 

 

Le peintre américain Winslow Homer (1836-1910) est surtout connu aujourd'hui pour ses marines. Bien qu'en grande partie autodidacte, il est considéré comme étant l'un des peintres majeurs du 19e siècle américain et l'une des figures principales du réalisme américain.
Né à Boston, il entre d'abord dans un atelier de lithographie de sa ville natale en tant qu'apprenti. C'est en 1859 qu'il commence sa carrière de peintre à New York, en ouvrant son premier studio. Durant la guerre de Sécession, il travaille comme illustrateur pour le Harper's Weekly, et réalise de nombreux dessins de batailles et scènes de guerre, croqués sur le vif, alors qu'il suit les armées nordistes.
Il se rend en voyage en France en 1867 et rencontre les peintres de l'Ecole de Barbizon par lesquels il est influencé. De retour en Amérique, il peint, surtout dans les années 1870, des paysages ruraux et des scènes idylliques de la vie campagnarde.
Il passe ensuite deux années de sa vie dans le nord de l'Angleterre (1881-1882).
Il peint de nombreuses marines. Le critique d'art Françoise Dargent écrivit à propos de ses tableaux : « C'est comme si on invitait l'océan dans son salon. » Dans Key West, Hauling Anchor (1903), par exemple, le sujet est l'appareillage d'une goélette aurique à Key West, en Floride. Le rendu des couleurs somptueuses (ciel et mer) et l'exactitude des détails techniques, dont le petit key et ses cocotiers à l'horizon, sont des traits distinctifs de l'art du peintre.
Son œuvre pleine de vigueur et de réalisme utilise principalement deux techniques : l'huile et l'aquarelle. Dans ses portraits, il peint aussi souvent et surtout des enfants insouciants.
Il est enterré dans le cimetière de Mount Auburn, à Cambridge au Massachusetts.

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Charles-Joseph Flipart (1721-1797) - Le castrat Carlo degli Scalzi

Charles-Joseph Flipart (1721-1797)
Le castrat Carlo degli Scalzi, dans le rôle de Sirbace dans Rosbale de Porpora, c.173
Wadsworth Atheneum Museum of Art

Charles-Joseph Flipart  est issu d'une dynastie d'artistes parisiens . Son père le graveur français Jean-Charles Flipart lui apprend l'art de la gravure. Son frère aîné est Jean-Jacques Flipart également graveur. À dix-huit ans il se rend à Venise où il travaille dans l'atelier de Jacopo Amigoni. Il se forme ensuite dans l'atelier de Joseph Wagner où il reproduit plusieurs composition de Pietro Longhi. En 1748 il se rend en Espagne probablement avec Jacopo Amigoni. Il est nommé peintre-graveur de Ferdinand VI. Le musée du Prado conserve plusieurs de ses toiles.

Carlo degli Scalzi (vers 1700 - après 1738) est un castrat italien dont la carrière se déroula dans les grands opéras en Italie à partir de 1718 jusqu'en 1738. Il a également été entendu à Londres en 1733-1734 où il a notamment créé le rôle d'Alceste dans la première mondiale d'Arianna in Creta pour Haendel. Le librettiste Métastase a décrit Scalzi comme un « très unique chanteur » et a comparé sa voix à celle du célèbre castrat Farinelli.
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Médaille d'or olympique à l'effigie d'Alexandre Le Grand

 

Médaille d'or olympique à l'effigie d'Alexandre Le Grand
Recto-verso, entre 215-243, 5.34 x 0.75 cm
The Walters Art Museum 

 

Cette médaille a été découverte en Égypteà Aboukir. Elle fait partie d'un trésor qui comprenait une vingtaine de médailles similaires aujourd'hui dispersés dans divers musées) dix-huit lingots d'or et six cents pièces d'or émises par les empereurs romains de Severus Alexander à Constantin Ier. L'un des médaillons, maintenant au musée Calouste Gulbenkian à Lisbonne, porte une inscription qui  peut être traduite comme ;  "Jeux olympiques de l'année 274", une date correspondant à 242-243 de notre calendrier actuel. 

Il est possible que ces médailles aient été conçues exactement comme c'est le cas de nos jours omme des prix à remettre lors de cet événement. Alternativement, ils peuvent avoir été émis par l'empereur Caracalla  qui est représenté sur certains d'entre eux. Caracalla aimait être comparé au grand roi et conquérant Alexandre de Macédoine. Comme Alexandre, cet empereur romain fit la guerre en Orient et mourut au cours de sa campagne contre les Parthes. 

Ce médaillon particulier montre Alexandre le Grand regardant vers le ciel et portant un bouclier orné de signes du zodiaque. Ce portrait le montre les cheveux tirés en arrière. Il porte une armure décorée avec une figure d'Athéna sur la bandoulière et, sur la poitrine, une scène de la Gigantomachie (Guerre des Géants). Le verso représente Alexandre et Niké, déesse de la victoire, montés sur un char, flanqués des divinités Roma et Mars.

Alexandre le Grand ( Ἀλέξανδρος ὁ Μέγας) ou Alexandre III  (356 av. J.-C. -  323 av. J.-C.) fut un roi de Macédoine et l'un des personnages les plus célèbres de l'Antiquité. Fils de Philippe II, élève d'Aristote et roi de Macédoine à partir de 336, il devient l'un des plus grands conquérants de l'Histoire en prenant possession de l'immense empire perse et en s'avançant jusqu'aux rives de l'Indus.

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Art arabe Arabie du Sud - Visage masculin Stèle en albâtre

Art arabe
Visage Masculin
Stèle en albâtre, 20.3 cm
Arabie du Sud, 1e millénaire av. J.C.

Existe-t-il un art « arabe » ?  c'est la question que se pose l'Institut du monde Arabe de Paris ! Au tournant du XIXe et du XXe siècle, alors que l’histoire de l’art commence à s’intéresser au monde arabe, la question passionne les savants européens. Un art a-t-il pu naître « du sol stérile de l’Arabie » (Henry Wallis), où vivaient de frustes populations bédouines, de « race » sémite ? Si le sujet fait autant débat, c’est sans doute que le terme « arabe » lui-même est polysémique. Pour certains, il ne s’applique qu’aux habitants « originels » de la péninsule Arabique, c’est-à-dire essentiellement des Bédouins nomades, peuples du désert, dont la principale tradition artistique est poétique. Pour d’autres, il englobe, de manière plus vaste, toutes les populations, à l’origine de productions riches et diversifiées, qui ont adopté l’arabe comme langue vernaculaire.

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Henriette Wyeth (1907-1997) - Portrait de Peter Hurd, 1936

 

Henriette Wyeth (1907-1997)
Portrait de Peter Hurd, 1936
Hurd La Rinconada Gallery, San Patricio

 
Henriette Wyeth(1907-1997) était une artiste américaine connue pour ses portraits et ses natures mortes . Fille aînée de l'illustrateur NC Wyeth, elle a étudié la peinture avec son père et son frère Andrew Wyeth dans leur maison et leur studio à Chadds Ford, en Pennsylvanie .
Après son mariage avec l'artiste Peter Hurd  (ci-dessus), ils ont déménagé à San Patricio, au Nouveau-Mexique, au milieu des années 1930 et y ont élevé leurs trois enfants dans un ranch. Ils ont tous deux été inspirés par le paysage. L'une de ses citations bien connues est : " Comme je ne sais pas ce qui est important et ce qui ne l'est pas, alors j'econsidère que tout est immensément important."

Une grande partie de son travail est conservée au Roswell Museum and Art Center , à Roswell et à la Hurd La Rinconada Gallery à San Patricio, tous deux au Nouveau-Mexique. Ses peintures se trouvent également dans les collections permanentes du Brandywine River Museum en Pennsylvanie, du Los Angeles Athletic Club  de la National Portrait Gallery,  du New Mexico Museum of Art à Santa Fe et du Texas Tech University Fine Art Museum.  Le travail de Wyeth a également été exposé dans des institutions aussi remarquables que le Metropolitan Museum of Art de New York, le Carnegie Institute de Pittsburgh, Art Institute of Chicago et Roswell Museum of Art du Nouveau-Mexique. 

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Achille Zo (1826-1901) - Vendeur de fruits à Séville

Achille Zo (1826-1901)
Vendeur de fruits à Séville, 1864.
Huile sur toile 116.3 x 89.6 cm
Colección BBVA, Espagne

Achille Zo, est considéré comme l'un des peintres hispano-orientalistes les plus remarquables de la seconde moitié du XIXe siècle. Ses voyages dans le sud de l'Espagne ont contribué à consolider sa carrière car, en plus de lui fournir un important répertoire iconographique, ils lui ont permis de façonner son style personnel. Au cours de son voyage à travers l'Andalousie en 1860, l'artiste visita Séville, Cordoue et Grenade et dessina des croquis d'après nature qu'il utilisera plus tard pour ses peintures. Son œuvre était essentiellement composée de scènes de genre traditionnelles, ce qui lui a valu un succès et un prestige considérables tout au long de sa carrière.
C'est le cas de vendeur de fruits à Séville, un superbe exemple de sa période de mi-carrière, définie par l'équilibre compositionnel et les prouesses techniques. Tout dans ce travail a été minutieusement exécuté : de l'agencement de la scène à l'emplacement de la signature. Il révèle un intérêt pour l'étude de la figure et de ses éléments environnants, définis par une palette colorée et une grande luminosité, très en phase avec la gamme de couleurs locale. L'artiste tire le meilleur parti de la simplicité de la scène, créant un ensemble harmonieux avec une touche romantique qui s'intensifie encore à l'image du marchand de fruits andalou. On peut retrouver l'influence de Dominique Ingres (1780-1867) dans la maîtrise du dessin de la figure et dans sa qualité technique. Exécuté avec un coup de pinceau affirmé, c'est un exemple évident de portrait réaliste qui capture non seulement la physionomie du personnage, mais aussi son charisme et sa psychologie individuelle.
Exposé pour la première fois au 1864 Salon de Paris, ce tableau est devenu populaire après que Théophile Gautier en ait fait l'éloge dans sa critique de l'exposition. L'écrivain français, également épris d'Espagne, considérait Zo comme l'un des peintres qui traduisait le mieux l'essence de l'Espagne. Dans son rapport sur le salon, le critique d'art Edmond About a également salué la qualité de ce travail et mentionné le numéro d'inventaire (1992), dont l'étiquette est conservée sur le devant du cadre. Après sa présentation à Paris, l'œuvre fut exposée à l'Exposição Internacional do Porto en 1865, où elle fut achetée par le roi Ferdinand II du Portugal (1816-1885) pour sa collection privée et exposée dans la salle de musique de Palácio das Necessidades à Lisbonne. Le roi était fasciné par ce type de composition, très en phase avec le pittoresque Post- romantisme

Henri-Achille Zo est d'abord l'élève de son père Achille Zo, qui dirigeait l'Ecole des beaux-arts de Bordeaux, puis est admis en 1894 dans les ateliers des peintres Léon Bonnat et Albert Maignan à l'École des beaux-arts de Paris. Avec son père, qui fut le co-initiateur de l'Ecole de Bayonne, il partage une thématique commune : des scènes d'Espagne et de tauromachies. Il obtient une médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1900 et l’État lui octroie une bourse de voyage en 1901. Il expose au Salon des artistes français à partir de 1897 et remporte le prix national en 1905. Il expose régulièrement des oeuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1896 à 1934. Il travaille à Paris aux peintures du théâtre national de l'Opéra-Comique, à celles de la chapelle Notre-Dame-de-Consolation construite en hommage aux victimes de l'incendie du Bazar de la Charité, et devient professeur à l'Académie Julian à Paris. En 1903, il reçoit le prix Rosa Bonheur, puis le prix Trémont décerné par l'Institut. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1910, sous le parrainage de son maître Léon Bonnat. Il a illustré le Ramuntcho de Pierre Loti et les Nouvelles Impressions d'Afrique de Raymond Roussel (1932). 

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Jean Decourt ( 1530-1584) - Portrait de Charles IX

Jean Decourt (1530-1584)
Portrait de Charles IX, 1572
Bibliothèque nationale de France (BnF), Paris 

 

Charles IX (1550 -1574) fut roi de France pendant 14 ans, de 1560 à 1574, règne tragique encadré par la régence éclairée de sa mère, Catherine de Medicis.  Quatrième roi de la famille des Valois-Angoulême, fils d'Henri II, il succède à son frère François II à l'âge de 10 ans et meurt sans enfant mâle légitime à même pas 24 ans !
Sous son règne, le Royaume de France est déchiré par les guerres de religions, malgré un grand nombre d' efforts déployés par sa mère Catherine pour les empêcher. Après plusieurs tentatives de réconciliation, son règne déboucha sur le massacre de la Saint-Barthélemy, de sinistre mémoire.

 

 

La première mention dans les archives de Jean Decourt, appelé aussi Jehan De Court, remonte à 1553, dans un contrat d'apprentissage. Il est signalé comme « painctre de Monseigneur le prince de la Rochesurion suyvant la court »
 En 1562, il est mentionné comme peintre ordinaire de la reine Marie Stuart. Il est en effet probable qu'il ait effectué un voyage en Angleterre vers 1565 et se retrouve désigné comme valet de chambre de la reine, en 1566 et 1567. On conserve deux lettres de Jean Decourt adressées à William Cecil, grand trésorier d'Angleterre, datant de 1570 et 1571 dans lesquels il se présente comme peintre de Charles IX. Il a effectivement remplacé François Clouet à cette fonction quelque temps auparavant. En 1574, il prend officiellement la fonction de portraitiste officiel de la cour, toujours en remplacement de Clouet. Il apparaît ainsi dans les comptes royaux en 1578, 1580 et 1584 et disparaît probablement l'année suivante. Plusieurs œuvres de sa main sont mentionnées dans les textes : une miniature représentant Charles IX (1569), une effigie de Catherine de Médicis (1565), une image de Henri de France posée sur le lit de mort de Charles IX notamment, mais sans avoir été conservées. Aucune œuvre actuelle n'est attribuée avec certitude au peintre2. Il n'est sans doute pas apparenté à Jean Court dit Vigier, émailleur à Limoges.
Le fils de Jean Decourt, Charles (1555-1614), également peintre et portraitiste, l’a remplacé en tant que peintre ordinaire du roi en 1574 

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Ilya Repin (1844-1930) - Portrait de Korney Ivanovich Chukovsky

Ilya Repin (1844-1930)
Portrait de Korney Ivanovich Chukovsky, 1910.
Collection privée

Dès le début de son activité créatrice, dans les années 1870, Ilya Repin devient une des figures clés du réalisme russe. Il réussit à refléter dans sa production picturale la diversité de la vie qui l'entoure, à embrasser dans son œuvre toutes les dimensions de son époque, à aborder les thèmes qui traversent la société et à réagir vivement à l'actualité . Son langage pictural a une plasticité qui lui est personnelle, et il s'approprie différents styles, depuis celui des peintres espagnols et hollandais du 17e siècle jusqu'à ceux d'Alexandre Ivanov ainsi que des éléments des impressionnistes français qui lui sont contemporains, mais qu'il n'a jamais vénérés.
L'œuvre de Répine s'épanouit dans les années 1880. Il compose alors une galerie de portraits de ses contemporains, travaille comme peintre d'histoire et de scènes de genre.
Selon Vladimir Stassov, l'œuvre de Répine est ainsi une « encyclopédie de la Russie d'après l'abolition du servage ». Il passe les 30 dernières années de sa vie en Finlande, dans sa propriété des Pénates à Kuokkala. Il continue à y travailler, bien que moins intensément qu'avant. Il écrit des mémoires, dont une partie est publiée dans le livre de souvenir «Далёкое близкое» (Loin et proche). 

 

Korneï Ivanovitch Tchoukovski (Корне́й Ива́нович Чуко́вский),  (1882-1969) est un journaliste, poète, critique littéraire, traducteur et professeur de littérature russe, plutôt célèbre comme auteur de poèmes pour enfants, et père du fameux Docteur Aïbolit. Il a reçu le prix Lénine en 1962 pour ses études critiques sur Nikolaï Nekrassov.

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Candido Portinari (1902-1963) - Portrait de Celso Kelly à Rio de Janeiro

Candido Portinari (1902-1963),
Portrait de Celso Kelly à Rio de Janeiro,
Huile sur toile, 120 x 120cm
Collection privée 

Le peintre brésilien Candido Portinari,  qui a réalisé plus de 6000 œuvres, est surtout célèbre pour ses immenses fresques Guerre et paix (1952-1956), conservées au siège des Nations-Unies à New York, inaugurées en 1957 mais en l'absence de l'artiste en raison de ses sympathies pour le Parti communiste, à une époque où les Etats-Unis étaient  marqués par le maccarthysme.

Celso Otavio do Prado Kelly  quant a lui est né à Niterói, Rio de Janeiro, le 6 juin 1906. Avocat diplômé de l'Université Fédérale de Rio de Janeiro (UFRJ) il fut un brillant intellectuel de son temps. C'est à lui que l'on dit la premiere exposition des oeuvre de Portinari en 1929 de même que la  biographie de ce peintre qui fit son ami. Kelly été critique de théâtre pour le journal de Rio de Janeiro "A Noite" pendant plusieurs décennies. Éducateur et homme de grande culture, il fut président du Pen Clube do Brasil entre 1956 et 1961, apportant au pays le XXXIe Congrès mondial du Pen Clube en 1960, qui se tint à Rio de Janeiro. Il est décédé à Rio de Janeiro en 1979 et a été honoré du nom de la Bibliothèque publique d'État située près de la gare centrale du Brésil.

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Yiannis Moralis (1916 -2009) - Autoportrait avec Nikos Nikolaou

Yiannis Moralis (1916 -2009)
Autoportrait avec Nikos Nikolaou,1937
Collection privée

Yiannis Moralis est né à Arta en 1916, sa famille s'installe à Athènes en 1927. En 1931, il s'inscrit à l'École des beaux-arts d'Athènes, où il étudie la peinture sous Constantinos Parthenis et Umbertos Argyros. Après avoir obtenu son diplôme en 1936, il reçut une bourse pour étudier à Rome pendant un an. Il s'installe ensuite à Paris et suit des cours de peinture et de fresque à l'École des Beaux Arts ainsi que des cours de mosaïque à l'École des Arts et Métiers. En 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale, Moralis revient en Grèce et rejoint les forces armées.
Il participe pour la première fois à une exposition en 1940. De nombreuses autres expositions suivent tant au niveau national qu'international.
A partir de 1947, Yiannis Moralis enseigne à l'École des beaux-arts d'Athènes jusqu'à sa retraite en 1983. En 1949, il forme « Armos », un groupe avec d'autres artistes dont : Nikos Hadjikyriakos-Ghikas, Yannis Tsarouchis, Nikos Nikolaou, Nikos Engonopoulos et Panayiotis Tetsis. ‘Armos’ a tenu sa première exposition en 1950 à Zappeion, Athènes.
À partir des années 1950, il évolue vers un style géométrique incorporant des formes courbes, s'éloignant des représentations figuratives réalistes de ses premiers travaux.
Au cours de sa carrière, Moralis a également participé à des décors de théâtre et à la conception de costumes pour le Théâtre national grec et le Ballet national grec. Il a également décoré des architectures telles que la façade du Hilton d'Athènes, la station de métro "Panepistimiou" et la gare centrale d'Athènes.
Il avait été nommé Commandeur de l'Ordre royal du Phénix en 1965 et de l'Ordre d'honneur en 1999.
Son travail est conservé à la National Gallery, Grèce, à la Municipal Gallery, Athènes, à la Municipal Gallery, Rhodes, à la Leventis Gallery, à la Averoff Gallery, au Vorres Museum, au Benaki Museum et dans de nombreuses autres collections publiques et privées.

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Anton Romako (1832-89) - Autoportrait

Anton Romako (1832-89)
Autoportrait, 1860
Musée du Belvédère, Vienne

Anton Romako est un peintre autrichien. Bien qu'il ait peint un grand nombre de paysages, il est principalement connu pour ses portraits et ses scènes historiques, peintes dans un style académique qui peut confinier à la mièvrerie ...par instant !  Ce merveilleux autoportrait au regard perdu dans le vague, fait exception à ses productions habituelles. Plusieurs de ses peintures sont aujourd'hui exposées au musée du Belvédère, à Vienne.
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Edmund Archer (1904-1986) - Howard Patterson of the Harlem Yankees

Edmund Archer (1904-1986)
Howard Patterson of the Harlem Yankees. 1940
Huile sur toile, 86, 7 x 74,1 cm
Whitney Museum of American Art

Edmund Archer fut un artiste américain surtout connu pour ses portraits d'Afro-Américains.Née dans uen famille de notables de Virginie, il suivra  continuellement des cours d'ar, t de l'enfance à l'âge adulte. Sa longue carrière comprenait des périodes passées à Richmond, Paris, New York et Washington, DC En plus de la peinture, il a été conservateur adjoint au Whitney Museum of American Art et instructeur à la Corcoran School of Art . Son style de portrait tendait vers une planéité semblable à celle des affiches qu'il fit  au début de sa carrière et plus tard vers un style modélisé plus traditionnel. Il a peint avec un haut degré de réalisme et a rarement expérimenté un quelconque degré d'abstraction. Les galeries et les musées lui offrirent de fréquentes expositions et les collectionneurs individuels et institutionnels lui procurèrent de confortables  revenus. En 1938, un critique a dit  de lui qu'il était considéré comme « l'un des meilleurs des jeunes artistes aux États-Unis ». Quelques mois plus tard, un autre critique a attribué son succès à un travail acharné : "Edmund Minor Archer a su  porfiter de quelques avantages, mais son succès est l'histoire d'un artiste sérieux et profondément talentueux qui a travaillé et étudié dans l'humilité et la dévotion, et a atteint tôt le sommet'.
En 1941, Archer fut photographié en train d'utiliser une technique inhabituelle dans laquelle il plaçait son chevalet à côté de son modèle et peignait à l'aide d'un pinceau attaché à une longue perche.
Certains de ses derniers portraits étaient exceptionnellement grands tout en affichant le style sculptural pour lequel il était devenu connu, approximativement grandeur nature, avec une individualité convaincante et une solide connaissance de l'anatomie dans ses peintures de personnages. 

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Jacob-Ferdinand Voët (1639-1700) - Autoportrait en buste

Jacob Ferdinand Voet (1639-1700)
Autoportrait en buste
Huile sur toile,73x58cm \ avec cadre 91x77cm
Collection,privée, courtesy Sotheby's New York 01.2022

Jacob Ferdinand Voet a peint cet autoportrait presque monochrome en juillet 1681 à Milan. Il est très étroitement lié à deux autres autoportraits, dont l'un date d'environ 1673 et se trouve aujourd'hui à la Galleria degli Uffizi, Florence, et l'autre, qui est également inscrit et datable de 1682/6, se trouve à la Pinacothèque Brera, Milan. Celui-ci se situe entre les deux et présente Voet comme un artiste magistral ainsi qu'un homme de statut et de richesse. Voet fut célébré à Rome dans les années 1670 comme portraitiste de la noblesse, bien qu'il ait été contraint de partir lorsque le pape Innocent XI eût désapprouvé ses portraits de femmes un peut trop suggestifs. Il arrive à Milan en 1680 et en 1681, année de cet autoportrait, il est également enregistré au service des Médicis à Florence. L'accent mis sur le modèle sur un fond uni et l'accent mis sur les yeux sont les caractéristiques de ses portraits de modèles de l'élite, et ici il se présente comme tout aussi important. 

 

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Portrait d'un Jeune Homme

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Portrait d'un Jeune Homme, 1966
Collection privée

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une vertiable icône de "l'art gay"

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Pieter Christoffel Wonder (1780-1852) - Portrait de Laurens van Schaik

Pieter Christoffel Wonder (1780-1852)
Portrait de Laurens van Schaik
Kroller-Muller Museum, Otterlo

Wonder fut en grande partie autodidacte. Il apprit son art principalement grâce à la copie des Maîtres anciens  bien qu'entre 1802 et 1804, il ait suivi quelques cours à la Kunstakademie Düsseldorf.  En 1807, il fonde la " Genootschap Kunstliefde " (Société de l'Amour de l 'Art) à Utrecht avec d'autres artistes. Jan Kobell en est le directeur. De 1823 à 1831, il travailla en Angleterre, où il se fit connaître comme portraitiste. Il  peignit aussi quelques scènes d'intérieur et des copies d'œuvres de Raphaël.

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Andrew Wyeth (1917-2009) - Nogeeshik

Andrew Wyeth (1917-2009)
Nogeeshik, 1972
Tempera, 62.5 × 54.3 cm
Seatle Art museum 

 

 

On  sait  très peu de choses sur Nogeeshik né en 1941, si ce n'est qu'il était Alconquin, membre de la tribu Ojibwa. Dans les années 60-70, il  fit profession d'être un artiste Ojibwe à Walpole Island, au Canada, tout en clamant haut et fort avait son désir d'un meilleur sort pour les peuples autochtones. Désir qui le mena à Boston où ils devient une figure politique des communautés autochtones et rencontra Andrew Wyeth. qui peignit de lui ce magnifique portrait.  De nombreux portraits de lui ont été réalisés à cette époque là.  Beaucoup voyait en lui une sorte de Martin Luther King de la cause des peuples autochtones. La fin de sa vie fut tragique, pris dans un incendie (probablement d'origine criminelle, comme il y en avait beaucoup à cette époque) dont il ne put s'extirper.

Le peintre aquarelliste américain Andrew Newell Wyeth, classé parmi les peintres « régionalistes » et réalistes américains est issu d'une dynastie d'artistes dont son propre père Newell Convers Wyeth (1882-1945), illustrateur connu qui fréquenta des célébrités de son temps comme Francis Scott Fitzgerald et Mary Pickford. Décidant de ne pas confronter son fils aux systèmes de l'éducation nationale ou privée, c'est lui même qui se charge de son éducation à la maison, l’initie à l’art, et tout particulièrement à l'art du paysage rural américain. À cette époque, il admire et est sensible à l'œuvre du peintre Winslow Homer. Plus tard, il apprend à maîtriser les techniques associées à l’aquarelle à base d'œuf, la tempera. Andrew Wyeth commence à peindre dans des nuances de bruns et de gris seulement. Il s’inspire de son entourage pour réaliser ses tableaux. Ses sujets préférés sont la terre et les habitants de sa ville natale, ainsi que ses proches. Sa grande maîtrise picturale lui permet de montrer sa réflexion mélancolique sur le temps qui passe et la faillibilité humaine.
Son fils Jamie, né en1946, est également un peintre et portraitiste reconnu. ____________________________________________
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