Philippe de Champaigne (1602-1674) - Portrait du reverend Giovanni Philippini

 

Philippe de Champaigne (1602-1674),
Portrait du révérend Giovanni Philippini, 1651
Huile sur toile, 73.3 x 59.7 cm
Museum of fine arts, Boston

L'œuvre du peintre français d'origine brabançonne Philippe de Champaigne est vaste, il a laissé nombre de tableaux religieux et des portraits très appréciés des princes de l’Église, des grands commis de l’État, des parlementaires, des membres de la grande noblesse française. Toute la Cour et de la Ville ont posé devant lui ; il fut connu pour peindre des figures où il refusait d'exprimer des expressions passagères, voulant saisir la personnalité profonde de ses modèles. Assez curieusement le portrait de ce moine dont on ne sait à peu près rien, sinon u'il est d'une criante humanité,  est aujourd 'hui l'un des plus reproduits de Philippe de Champaigne surtout aux Etats-Unis où il n'est pas rare de la croiser dans un salon  ou dans un couloir d'hôtel !!! 

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Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) - Le mécanicien naval Semen Semenovich

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009)
Le mécanicien naval Semen Semenovich, 1998
Russian State Museum

Né dans la région de Volgograd, Vasiliy Vasil'evich Strigin reçoit son diplôme de l'Ecole d'art de Stalingrad en 1939. Il participe activement à ce que les Russes appellent alors la grande guerre patriotique du 2 juillet 1941 et que nous appelons la Seconde guerre mondiale, en tant que commandant au département des communications, batterie 544 du régiment d'artillerie. Il continua à servir dans la 117e brigade d'artillerie RVGK, au quartier général du Département des renseignements avec le grade de sergent. Il a pris une part active aux batailles de Moscou, de Vyazma et à la terrible et légendaire bataille de Stalingrad. Il a participé à la libération de Smolensk, Minsk, s'est battu en Lituanie, en Prusse, a participé à l'assaut de Koenigsberg.
Pour ses hauts faits militaires, il reçut l'ordre de Patriotes de guerre I degré, l'Etoile rouge et les médailles "Pour le courage", "Pour le mérite militaire", "Pour la défense de Moscou", "Pour la capture de Koenigsberg" et bien d'autres encore.
Après la guerre, il fut membre de l'Union des artistes de l'URSS. Il a été élu à deux reprises président du conseil d'administration de la branche de Volgograd de l'Union des artistes et passa l'essentiel de sa vie à Volgograd.
Il fait partie des artistes qui ont magnifié, à travers ses tableaux typiques du style Réalisme Soviétique, toutes une époque de l'histoire de la Russie principalement dans les actions quotidiennes de ses héros anonymes.

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Antoine-Denis Chaudet (1763-1810) (d'après) - Buste de Napoléon, 1810-14

Antoine-Denis Chaudet (1763-1810) (d'après)
L'empereur Napoléon 1er
Buste de propagande en marbre, 1810-14
Collection privée (Sotheby’s, 2021)

Ce buste de Napoléon Ier est une belle réplique en marbre de Carrare, due probablement à un sculpteur italien anonyme d’un buste à l'antique en bronze réalisée par Antoine-Denis Chaudet, conservée au musée des beaux arts de Lyon.  C'est un buste de propagande, produit en grand nombre et  destiné à être placé dans des lieux publics officiels (ambassades, hôtels de ville,  ministères, etc... ).   Il est une des traces  typique de la production véritablement industrielle des portraits de l’empereur  mis en place, au début de son règne sa sœur Elisa, plus trad princesse de Piombino et de Lucques, puis grande-duchesse de Toscane. Elle fut la seule sœur de Napoléon a exercé de réels pouvoirs politiques. Très intéressée par les arts, notamment le théâtre, elle les encouragea dans les territoires sur lesquels elle régna et notamment en Toscane. 

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Joseph Carlier (1849-1927) - Gilliatt et la pieuvre (Les Travailleurs de la mer)

Joseph Carlier (1849-1927)
Gilliatt et la pieuvre (Les Travailleurs de la mer)
Marbre, 1881
Musée des beaux arts de Lyon

Cette sculpture en marbre montre Gilliatt, le principale personnage des Travailleurs de la Mer, le célèbre ouvrage de Victor Hugo, se battant avec une pieuvre. Cette statue vaut à Joseph Carlier la 2e médaille au Salon de 1879 où il l'exposa. La statue, exécutée pour être vue sous plusieurs angles est située dans le jardin du Palais Saint Pierre.
Le jardin du Palais Saint-Pierre est un jardin municipal situé au sein du musée des Beaux-Arts de Lyon. C'est un jardin rectangulaire délimité par les arcades de l'ancien cloître de l'abbaye bénédictine. Il est situé en plein centre-ville sur la péninsule. et il est ouvert au public.

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Sculpture anonyme antique - Apollon de Scasato, IIIe siècle av. JC

 

Apollon de Scasato
Terre cuite polychrome, 310-300 av. J.C
Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia

Le Musée national étrusque de la villa Giulia (Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia) est un musée de Rome consacré aux civilisations étrusque et falisque. C'est le plus grand musée étrusque du monde.  Il est situé dans la Villa Giulia, résidence papale d'été, construite sous le pontificat du pape Jules III. Il rassemble des objets issus de fouilles menées durant près d'un siècle dans l'Étrurie méridionale, parmi lesquels les plus connus sont l'Apollon de Véies, le Centaure de Vulci, les lamelles d'or de Pyrgi et un exemplaire du Sarcophage des Époux.

L'Apollon de Scasato est sans doute la moins  connue des sculptures du musée et pourtant elle mérite le détour ! D'après les experts ce serait une copie d'une statue d'Alexandre le Grans réalisée par Lysippe.  Elle arbore des restes important de sa polychromie originale

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Vincent van Gogh (1853-1890) - Cinq hommes et un enfant dans la neige

Vincent van Gogh (1853-1890)
Cinq hommes et un enfant dans la neige
Dessin sur une enveloppe à Theo de La Hague, Mars1883
Van Gogh Museum, Amsterdam

 

Ce sublime dessin de Van Gogh  âgé de 30 ans, est fait  au dos de l'enveloppe d'une des multiples lettres envoyées à son frère Théo, avec lequel il entretenait un lien fusionnel et qui fut, son principal sponsor tout au long de sa vie. Ce sponsoring actif se prolongea au-delà de la mort des deux frères, avec la femme de Theo, Johanna Van Gogh née Bonger (1862-1925)  qui  n'eût de cesse que l'on reconnaisse l 'œuvre de son beau -frère. Elle  joua un rôle déterminant  dans la façon dont les marchands d'art perçurent l'œuvre  de Vincent en organisant par exemple dès 1913 la première grande exposition de Van Gogh à New York.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Marin et Cupidons

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Marin et Cupidons, 1943
Peinture sur éventail, 16 x 32 cm
National Gallery, Corfu
Museum Alexandros Soutsos, Euripides Koutlides Foundation

Yannis  Tsarouchis  a condensé dans cet éventail deux des thèmes majeurs qui caractérisent l'ensemble de son œuvre, les marins et les anges. Le marin, symbole de la beauté et de la force masculines, mais aussi paradigme de l'idéal grec de la masculinité, se repose dans un cadre champêtre, accompagné de Cupidons. C'est l'un des thèmes qui se répètent tout au long de l'œuvre de Tsarouchis. Les amours, référence à l'Antiquité grecque, ainsi qu'à la tradition picturale européenne, se transforment dans la mythologie personnelle de Tsarouchis en jeunes hommes robustes qui volent, autour des marins mélancoliques, les  contemplent et se lient d'amitié avec eux. La peinture de Tsarouchis est très influencée par son étude à la fois du modernisme européen, de l'art byzantin et de l'art grec classique ; elle se caractérise  par la simplicité de l'écriture et par une interprétation unique de la vie quotidienne, qui exalte la solitude et la réconciliation de l'individu avec la nature qui l'entoure.
L'espace, espace réel, devient une grande scène où Tsarouchis le peintre cohabite harmonieusement avec Tsarouchis le scénographe et metteur en scène. L'éventail est apparemment un accessoire de l'un de ses costumes préférés, utilisé pour les représentations  théâtrales privées qu'il aimait donner en compagnie de ses amis. 

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François Kollar (1904-1979) - Ouvrier du bâtiment France, 1936

 

François Kollar (1904-1979)
Ouvrier du bâtiment France, 1936
Collection privée 

François Kollar, né Ferenc Kollár (en hongrois) ou František Kollár (en slovaque) est un photographe publicitaire et industriel français d'origine hongroise et tchécoslovaque. L'année 1930 est une des plus fructueuses  dans l'œuvre deFrançois Kollar. Il publie pour la première fois des images sous son nom, dans la revue suisse Silber Spiegel, puis en avril, Jo Davidson lui demande de photographier certaines de ses sculptures. Kollar n'ayant pas de studio, Davidson lui propose de s'installer dans son propre atelier au 17, rue de la Tour, et lui avance l'argent dont il a besoin pour compléter son équipement. Il travaille auprès de l'agence Dorland et réalise de nombreuses photographies publicitaires, qui sont publiées dans les magazines L'Illustration, Vu et Vogue. Pour le décorateur Maurice Barret, il réalise pour l'aménagement d'un bureau une grande frise photographique de douze images carrées dont la composition rigoureuse et épurée se marie parfaitement aux lignes du mobilier.
De juin à septembre 1930, ses œuvres sont montrées à l'exposition internationale de photographie de Munich, avec celles d'autres photographes de l'avant-garde parisienne dont il fait désormais partie. C'est à cette occasion qu'il reçoit sa première critique : « Un des meilleurs envois de l'exposition de Munich fut incontestablement celui de ce jeune artiste — j'emploie à dessein le mot d'artiste — qu'est François Kollar. Kollar s'est en quelque sorte spécialisé dans les effets de reflets, de transparences ou de translucidités, et de perspectives. C'est dire qu'il a joué la difficulté. C'est dire l'intérêt très vif que présentent ses œuvres ».
En 1931, la société Kodak-Pathé lui propose de publier, dans le magazine Le Professionnel Photographe qu'elle diffuse, une publicité pour ses films et papiers de tirage. Onze images sont reproduites en pleine page, dont la qualité révèle la maîtrise technique à laquelle Kollar est parvenu. À la même époque, il est contacté par un ami d'Iribe, Maximilien Vox, qui lui propose, au nom des Éditions Horizons de France, la réalisation d'une grande enquête sur le monde du travail. Elle allait devenir son œuvre principale, La France travaille,  (ci dessus) résultat de quatre années de prises de vue au cours d'un véritable tour de France
La notoriété qu'il acquiert à la suite de cet imposant reportage lui permet d'obtenir plusieurs commandes publiques sous le Front populaire et il expose à plusieurs reprises dans des conditions prestigieuses, notamment au Museum of Modern Art de New-York.
Parallèlement, il poursuit son activité de photographe de publicité, particulièrement dans le domaine de la mode et des produits de luxe. Il réalise aussi le portrait de nombreuses célébrités : Cocteau, Piaf, Dalí, Trenet, mais aussi la duchesse de Windsor ou le prince de Metternich. En 1937, il réalise la photo publicitaire de Coco Chanel, qui pose pour promouvoir le parfum N°5.
François Kollar et sa famille s'installent près de Poitiers pendant la Seconde Guerre mondiale, au château de Vayres récemment acheté. Kollar ouvre à Poitiers un magasin de radio-électricité. Au retour à Paris en 1945, il y ouvre un studio photographique mais ne retrouve pas les commandes prestigieuses d'avant-guerre. Une exposition qu'il monte en 1948 de ses 250 meilleures œuvres est un échec. C'est la publicité industrielle qui lui permet de vivre : il travaille alors pour les Potasses d'Alsace, les Grands Moulins de Paris, des cimentiers, mais aussi l'orfèvre Christophle.
En 1951, il part en Afrique française réaliser un reportage commandé par le Gouvernement.
En 1960, avec l'aide de ses enfants Marie-Françoise et Jean-Michel, il réalise le plus grand tirage photographique jamais fait en Europe, une image de 750 m2 pour le Festival de la Haute couture internationale. Bien que moins prestigieuse qu'avant-guerre, sa carrière se poursuit honorablement, et en 1965, son pays natal lui rend hommage avec une exposition de ses œuvres à la Galerie nationale de Bratislava.
En 1981, les Rencontres d'Arles propose une rétrospective de ses photos de 1928 à 1940.                            En 2004, une rétrospective complète est proposé à Budapest, à la ,Maison hongroise de la photographie,

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Alice Kent Stoddard (1883-1976) - Portrait masculin

Alice Kent Stoddard (1883-1976)
Portrait masculin
Collection privée

Alice Kent Stoddard (1883-1976) était une peintre américaine de portraits, de paysages et de marines. Beaucoup de ses œuvres, en particulier des portraits, font partie de collections publiques, notamment la collection de portraits de l'Université de Pennsylvanie le Woodmere Art Museum et d'autres musées. Elle a vécu et peint sur l'île de Monhegan dans le Maine, une enclave d'artistes, où elle a loué puis acheté la maison de son cousin Rockwell Kent.

Alice Kent Stoddard  a étudié avec  William Merritt Chase,  Thomas Anshutz et Cecilia Beaux à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts (PAFA). Elle a peint des portraits de personnalités mondaines det d'arstites célèbres (ci-dessus) de la Philadelphie, incluant souvent des animaux de compagnie dans les peintures. Pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a travaillé comme dessinatrice mécanique pour la conception d'avions pour Budd Company et comme artiste de guerre. Son travail a été exposé au Woodmere Art Museum.  

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Gustave Caillebotte (1848-1894) - Autoportrait au chapeau

Gustave Caillebotte (1848-1894)
Autoportrait au chapeau, c. 1879
Collection privée

Le talent de Gustave Caillebotte fut longtemps méconnu (sauf aux États-Unis) au profit de son rôle de « mécène éclairé ». Le peintre fut redécouvert dans les années 1970 à l'initiative de collectionneurs américains. Les rétrospectives de ses œuvres sont désormais fréquentes. Certains de ses tableaux se trouvent au musée d'Orsay à Paris.
Caillebotte est l'un des premiers grands peintres français à exposer régulièrement aux États-Unis, où il rencontra un vif succès, et où se trouvent aujourd'hui nombre de ses toiles et dessins. Il est l'un des fondateurs du courant « réaliste », qu'illustrera par exemple au 20e siècle l'américain Edward Hopper.
Fortuné, il n'a pas besoin de vendre ses toiles pour vivre, si bien que ses descendants possèdent encore près de 70 % de ses œuvres. À sa mort, Martial et Auguste Renoir son exécuteur testamentaire, prennent les dispositions pour que l’État accepte le legs de ses tableaux impressionnistes.
Les historiens d'art qualifient volontiers cet artiste « d’original et audacieux ». Sa technique ne l'est pas moins assez proche de l'art photographique, mais, par de puissants effets de perspectives tronquées, les distances et les premiers plans sont écrasés et l'horizon absent, d'où la perception instable et plongeante (Caillebotte invente la vue en plongée dans la peinture). Les effets de vue plongeante s'imposent dans son art à travers les personnages au balcon et ses vues en surplomb des rues et des boulevards.
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Henriette Hahn-Brinckmann (1862-1934) - Evening Mood, 1904

Henriette Hahn-Brinckmann (1862-1934)
Evening Mood , 1904
Colour woodcut print, 43.3 x 57.4 cm.
Private collection

Henriette Christine Hahn-Brinckmann (1862-1934) était une peintre et lithographe dano-allemande .
Le travail de Hahn-Brinckmannn consistait principalement en des portraits dans le style réaliste. A partir de 1894, elle réalise un nombre considérable de gravures sur bois Art Nouveau . Elle a également travaillé sur le design textile et peint des miniatures sur ivoire.
Parmi ses œuvres les plus remarquables on peut citer ses gravures sur bois d'inspiration japonaise avec jusqu'à six couleurs qu'elle a peintes à la fin des années 1890. Hahn-Brinckmann les a créés à l'aide d'outils de gravure sur bois du Japon, spécialement importés par  son mari Justus Brinkmann. Ses travaux ont été largement exposés, à Hambourg, Dresde, Copenhague et à l' Exposition universelle de Paris 1900 , où elle a reçu une médaille d'argent. Quatre exemples de ses gravures sur bois de style japonais peuvent être vus au Vejen Art Museum dans le sud du Jutland.
 
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McDermott & McGough - Men with Cloud

McDermott & McGough,
Men with Cloud
(the 24731st instance, 1936), 1994
Oil on canvas, 116,8 x 76 cm.
Private collection

McDermott & McGough est la signature adoptée par deux artistes visuels  très liés aux mouvements LGBT, David McDermott et Peter McGough (nés respectivement en 1952 et 1958 à Hollywood, Californie et Syracuse, NY). McDermott & McGough sont des artistes contemporains connus pour leur travail en peinture, photographie, sculpture et film. Ils partagent actuellement leur temps entre Dublin et New York. 

David McDermott et Peter McGough sont surtout connus pour avoir utilisé des procédés historiques alternatifs dans leurs photographies, en particulier les techniques du 19e siècle de cyanotype, de gomme bichromatée, de platine et de palladium. Parmi les sujets abordés figurent l'art et la culture populaires, la religion, la médecine, la publicité, la mode et le comportement sexuel.

En 2017, le duo a ouvert le temple Oscar Wilde à Greenwich Village, censé être un espace sacré non laïc pour les personnes LGBT. C'est dans une chapelle de l'église du village qu'a été créée en partenariat Alison Gingeras et le New York LGBT Center . Dans une interview pour le magazine FourTwoNine , Peter McGough a déclaré : « Le temple Oscar Wilde est notre plus grande œuvre d'art, car il ne nous concerne pas. C'est un endroit où peuvent aller les gens qui sont exclus du 1% d'achat d'art. vouloir se marier paiera des frais, et cet argent ira aux jeunes sans-abri LGBT. Ces personnes sont nos enfants. Ces personnes sont mes enfants. Ils sont l'héritage de l'Homère, et nous allons prendre soin d'eux. "

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°18 -Qui est le chat peint par Le douanier Rousseau ?

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) - Le joueur de flûte

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)
Le joueur de flûte, vers 1884
Huile sur toile, 40 x 32,2 cm
Collection privée

Fils du comte Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa et d'Adèle Tapié de Céleyran, Henri de Toulouse-Lautrec est né dans l'une des plus illustres familles nobles de France, qui s'enorgueillissait de descendre en droite ligne des comtes de Toulouse, les plus puissants seigneurs féodaux du royaume jusqu'au XIIIe siècle. Malgré son nom illustre, cette famille vit au XIXe siècle comme une famille de la noblesse plus ou moins aisée de province. Les mariages dans la noblesse se faisaient couramment entre cousins afin d'éviter la division des patrimoines et l'amoindrissement de la fortune. Ce fut le cas des parents d'Henri, cousins au premier degré, c'est à dire issus de germains. Ils eurent deux garçons, Henri, l'aîné et, quatre ans plus tard, son frère Richard-Constantin, qui mourut un an après. L'incompatibilité d'humeur entre les deux parents entraîna leur séparation et Henri resta sous la garde de sa mère. Il grandit entre Albi, le château du Bosc (demeure de ses grands-parents paternels) et le château de Celeyran (demeure de la famille de sa mère) où il a peint quelques magnifiques portraits, très éloignés des peintures de cabarets et de la vie parisienne qui le rendirent célèbre à travers le monde.
Henri de Toulouse-Lautrec a eu, de son propre aveu, une enfance plutôt heureuse, jusqu'au moment où se révèle, en 1874, une maladie qui affecte le développement des os, la pycnodysostose, maladie génétique, due sans doute à la consanguinité de ses parents. Ses os sont fragiles et, le 30 mai 1878, il trébuche et tombe. Le médecin diagnostique le fémur gauche brisé et, en raison de sa maladie, la fracture se réduit mal. Entre mai 1878 et août 1879, il souffre de cette fracture du fémur bilatérale qui aggrave son retard de croissance : il ne dépassera pas la taille de 1,52 m. On essaye de le guérir au moyen de décharges électriques et en lui plaçant à chaque pied une grande quantité de plomb.
Ce traitement qui se révèlera inutile, lui infligera d'atroces souffrances...

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Sculpture anonyme grecque antique - Les Guerriers de Riace

 

Sculpture anonyme grecque antique 
Les Guerriers de Riace
Bronze, 430- 460 av. JC
Museo di Magna Grecia, Regio di Calabria

En 1972, Stefano Mariottini, un chimiste venu de Rome, découvrit les statues lors de séances de plongée à la fin de vacances à Monasterace. Il évoluait à quelque 200 mètres de la côte de Riace, à six ou huit mètres de profondeur lorsqu'il remarqua le bras gauche d'une des statues émergeant du sable. Il crut tout d'abord être tombé sur les restes d'un cadavre mais lorsqu'il toucha le bras, réalisa que celui-ci était en bronze. Il commença alors à déblayer le sable tout autour de la statue. Plus tard, il remarqua la présence d'une autre statue de bronze, à proximité et décida d'appeler la police. Une semaine plus tard, le 21 août, cette deuxième statue fut tirée de l'eau, et deux jours plus tard ce fut le tour de la première. Aucune épave de navire pouvant avoir quelque lien avec ces statues n'a été découverte à proximité mais dans les parages de cette côte sédimentaire, des restes de constructions ont été repérés. Les Guerriers de Riace comptent parmi les très rares bronzes grecs de grande taille encore conservés dans leur intégralité, avec l'aurige de Delphes, et le dieu de l'Artémision.
Les deux guerriers sont des témoins de l'évolution qui a lieu dans les techniques de bronze dès la fin du vie siècle av. J.-C. : ils sont réalisés selon la technique de la fonte à la cire perdue sur négatif, technique qui permet de conserver le modèle et le moule, et d'obtenir une épaisseur de bronze plus régulière.

                                             

Les deux guerriers sont des hommes nus, debout et barbus. Ils sont dans une posture de contrapposto, et montrent bien son évolution : alors que le torse du guerrier A est encore vertical malgré son appui sur une seule jambe, celui du guerrier B se courbe, la ligne des épaules s'opposant à celle des hanches. Cette différence permet d'affirmer que les deux sculptures ne sont pas contemporaines : le guerrier A, qui peut être par exemple rapproché du petit Éphèbe de David-Weill (v. 470 av. J.-C., musée du Louvre), est datable de 460 av. J.-C., soit environ vingt ou trente ans avant le guerrier B, plus proche des œuvres de Polyclète (Diadumène, Doryphore).

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Georgy Gurianov (1961-2013) - Vaisseau de guerre

Georgy Gurianov (1961-2013)
Vaisseau de guerre
Oil on canvas, 1999
The State Russian Museum, Saint Petersburg

 

Georgy Gurianov était un peintre contemporain russe, membre du groupe  Cinéma, disparu assez jeune d'une longue maladie, selon l'expression consacrée.  Il se réclamait du néo-académisme russe  à travers des dessins et des peintures ayant pour sujets des athlètes, de marins et des soldats qui rappellent  beaucoup les sujets du peintre soviétique  Alexander Deïneka par leur érotisme affiché, ou de l'autre côté de l'Atlantique, le style de  Paul Cadmus.  La familiarité  avec l'ambiguïté sexuelle, comme on l'a nomme en Russie,  et l'homo-érotisme était assumée. Alors que Guryanov était réservé sur sa vie privée (et notamment sa propre orientation sexuelle), ses peintures étaient assez explicites des situations homo-sociales, en particulier celles à bord des navires de la flotte soviétique qu'il décrivit avec précision.  Perfectionniste, exigeant la même précision dans son travail que dans les corps qu'il représentait, il lui arrivait souvent  de remplacer  les têtes de seujets peints par celles  de ses amis ou de lui-même.
Guryanov passait pour un des  derniers vrais dandys de Leningrad, la ville la plus "libérale " de l'ère soviétique Tout ce qu'il faisait, il le faisait de façon exquise, des soirées dansantes légendaires dans sa mansarde sur Liteiny, aux accessoires d'un nouveau costume, à cette façon timide de sourire qui donnait à ceux qui l'entouraient l'impression d'avoir enfin trouvé grâce aux yeux d'une divinité particulièrement exigeante !

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Paul Cézanne (1839-1906) - Le Noir Scipion

 

 

 

Paul Cézanne (1839-1906)
Le Noir Scipion
"Le nègre Scipion", (titre original) 1886/88
Huile sur toile, 107 cm x 83 cm
Museo de Arte de Sao Paolo, Brasil

C'est à l'Académie Suisse que Cézanne découvrit Scipion dont on ne connait rein de l'identité exacte mais dont on sait qu'il posait  là comme modèle.  Ne voulant pas le peindre a l'Académie  Suisse, Cézanne le fit venir dans son atelier pour une unique séance de pose pendant laquelle il peignit le tableau complet  d'une touche rapide et précise. La pose fut demandée par Cézanne pour exprimer  la fatigue extrême et  démontrer que l'abolition de l'esclavage n'avait  pas supprimé l'oppression.  Sitôt peint, ce tableau fut acheté par Claude Monet qui l'accrocha dans sa chambre à coucher à Giverny ou il resta jusqu'à  son décès. Paul Cézanne a fait des recherches plastiques, en l'élaboration d'une esthétique nouvelle, pour représenter ce torse nu : pour obtenir le marron, il a fait des mélanges et il a travaillé les pigments en raison du reflet de la lumière sur la peau. Ou cours de la période 1862-1870 il utilisait une pâte épaisse et une palette sombre. Cette œuvre est une expression de la condition humaine. Les couleurs sont foncées et posées sur la toile en touches épaisses, à l'aide d'un couteau. ____________________________________________

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Jean-François Lagrenée (1725-1805) - Etude de nu

 

Jean-François Lagrenée (1725-1805)
Etude de nu
Collection privée

Lagrenée peut être considéré l'incarnation même de l'académisme français du XVIIIet début du XIXe siècle. Élève de Carle van Loo, il est admis en mars 1744 à l'École royale des élèves protégés nouvellement créée et obtient le prix de Rome en 1749. Il séjourne à l'Académie de France à Rome de 1750 à 1754. De retour à Paris, il est reçu membre de l'Académie royale le 31 mai 1755 avec L’Enlèvement de Déjanire.
Il est en Russie en 1760 où l'impératrice Élisabeth le nomme peintre de Sa Majesté et directeur de l'Académie des beaux arts de Saint-Pétersbourg à la suite de la mort de Louis-Joseph Le Lorrain.
Il revint en France exercer la même fonction au sein de l'Académie royale en 1763. Il devient successivement, adjoint-professeur, professeur, directeur de l'Académie de France à Rome, recteur, conservateur et administrateur honoraire du Musée. Le 2 octobre 1762, il est nommé professeur de peinture à l'Académie royale de peinture et de sculpture, en remplacement d'Edmé Bouchardon. Il aura pour successeur Antoine-Denis Chaudet en 1810.
Napoléon lui octroie la Légion d'honneur en 1804.
Louis-Jean-François Lagrenée meurt au palais du Louvre où il résidait.

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Ecole française du XVIe siècle - Portrait d'un gentilhomme, ca. 1570

Ecole française du XVIe siècle
Portrait d'un gentilhomme, ca. 1570 
Huile sur panneau de bois de pin,  32.4 × 23.7 cm
Collection privée

Depuis que ce portrait d'une gentilhomme anonyme a été choisi pour illustrer la couverture d'un livre sur "les jeunes maris",   son image se trouve désormais indissociablement lié à l'image de ceux ci, bien que personne ne sache s'il a été  marié ou pas !!!  

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Philippe Bluzot (bn.1957) - Le jeune SDF Huile sur toile

Philippe Bluzot (bn.1957)
Le jeune SDF
Huile sur toile, 100x 81cm
Collection privée

https://www.philippebluzot.fr 

 
De son œuvre, l'artiste français Philippe Bluzot né en 1957,  parle ainsi :
"L’enregistrement visuel (photos, videos…) est la source de mon travail de peintre comme peut l’être l’enregistrement sonore pour certaines formes de musique.
Je taille dans ces matériaux pour en réaliser une composition picturale. Je capte donc des images prises dans le réel, rassemble des clichés susceptibles d’être exploités dans l’idée de réaliser un tableau ; viennent alors les premiers choix pour finalement élaborer un projet, un thème à partir d’images recomposées.
Je me confronte à des clichés qui suscitent en moi le désir de leur donner un corps, une présence ; l’acte de peindre met l’image à l’épreuve de mes sens, je pars à la conquête d’un espace; je tente de rendre visibles mes sensations, de créer un évènement.
S’élabore ainsi au gré des toiles mon propre langage plastique, une image suscitant en moi d’autres images.
Le quotidien (scènes de rues, de la vie familiale..) est ma principale source d’inspiration.
La peinture à l’huile, mon médium de prédilection, me permet de manifester le trouble du réel ; en ce sens que ce que l’on a sous les yeux n’est jamais ce que l’on imagine. Cela passe par la (re)construction d’un espace sensible où l’intervention de la main, l’emploi des pigments, la composition, les valeurs, la lumière, les recherches de matière sont autant de questionnements, de champs d’investigation sur les apparences du monde dans lequel on baigne.
Je me frotte à cette réalité et tente d’en faire apparaître ou exister une présence capable, par sa puissance visuelle, d’interpeller le regard. "
Son style  peut  être assimilé  au courant figuratif  hyper réaliste français contemporain. Les thème, quant à eux, luis sont fournis par la société ans lequel nous vivons, dont il est souvent un observateur méticuleux et sans concession.  Depuis sa première exposition en 1981 dans le cadre du Festival d'Avignon intitulée «Midi et Demie» (Sous la direction Alain Avila, il n' a cessé d 'exposer.  Le web et les réseaux sociaux amplifient aujourd'hui  l'impact de son travail et lui donne une visibilité nouvelle. 
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Georges Seurat (1859 - 1891) - Le carrier, 1882

Georges Seurat (1859 - 1891)
Le carrier, 1882
Huile sur panneau de bois, 15, 5 x 24, 7cm.
The Phillips Collection, Washington DC

Peint au Raincy, au nord-est de Paris,  Le Carrier (The Stone Breaker) est l'une des nombreuses petites esquisses à l'huile sur panneau – appelées croquetons – que Georges Seurat a peintes entre 1880 et 1883, au tout début de sa carrière. La plupart d'entre eux sont des petits portraits compacts d'ouvriers – moissonneurs, jardiniers, foins, carriers – peinant dans les champs ensoleillés et les routes de la banlieue parisienne. Le choix de  peindre ces meéiers  manuels pénibles reflée l'influence de Jean-François Millet, sur Seurat, bien que,  contrairement à Millet, Seurat ne place dans ces représentations  aucun commentaire idéologique ou social sur les difficultés de la vie paysanne. En décrivant objectivement le carrier anonyme travaillant pour aménager uneroute, Seurat partage davantage avec Courbet, qui a peint le même sujet trente ans plus tôt. Comme Courbet, Seurat juge  le carrier digne d'être représenté sans « l'assortir de littérature sur ses émotions de  travailleur". Seurat s'est également préoccupé ici de questions  plus formelles ayant un rapoprt avec la composition et de contrastes de couleur et de lumière.  

Note de la  Phillips Collection

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Mosaïques Antiques - Portraits d'Athlètes romains

 

Portraits d'athlètes romains
Mosaïques (restaurées) provenant du sol des Thermes de Caracalla.
1ere moité du 4e siècle 
Musées du Vatican. Musée profane Grégorien, Rome

La mosaïque est une forme d'art romain par excellence car ni la Grèce classique ni les Grecs d'Alexandrie n'avaient su lui donner la richesse du répertoire iconographique qu'elle a eue sous l'Empire romain et encore moins la répandre dans tout le bassin méditerranéen comme le fit Rome. La mosaïque polychrome est totalement maitrisée par les Romains dès le IIe siècle av. J.-C.
Grâce à l'activité de ses ateliers itinérants, toutes les provinces situées autour du mare nostrum, ont connu dès les débuts de l'expansion romaine cet art qui a trouvé un terrain d'élection dans les pays où la lumière est reine.
On distingue plusieurs types de mosaïques : « l’opus vermiculatum » consiste à imiter le plus fidèlement possible les effets de la peinture et ses nuances, les tesselles sont alors d’une extrême finesse (quelques millimètres de côté). Dans « l’opus tesselatum » les cubes sont un peu plus gros (8 à 10 mm de côté) mais la rapidité d’exécution permet de recouvrir de grandes surfaces. Différentes tendances se distinguent : les ateliers de Rome et d’Ostie qui connaissent leur apogée au IIe siècle, sous les règnes de Trajan et d’Hadrien, privilégient les figures noires sur fond blanc et les effets graphiques crées par ce contraste.
Les ateliers africains, qui témoignent du succès de la mosaïque dans tout l’empire, préfèrent les compositions polychromes avec un goût marqué pour les scènes de chasse ou d’amphithéâtre. Dans la partie orientale de l’Empire, on privilégie les scènes mythologiques dans un rendu plus proche de la peinture.
L'exposition, organisée en 2001 par l'Union Latine au musée archéologique de Madrid, a mis l'accent sur l'art de la mosaïque tel qu'il est illustré dans les pays du bassin méditerranéen.
L'une de ses particularités majeures est l'abondance et l'extrême diversité des représentations animale.

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George Caleb Bingham (1811-1879) - The Jolly flatboatmen

George Caleb Bingham (1811-1879)
The Jolly Flatboatmen, 1846
Oil on canvas, 96.8 x 123.2 cm
National Gallery of Art, Washington 

The Jolly Flatboatmen, qui passe pour être la peinture de genre la plus importante de l'histoire américaine, dépeint une scène quotidienne de la vie au XIXe siècle : huit hommes réunis sur une barge en aval  du  long d'un grand  Mississippi (mais cela pourrait être aussi le Missouri) sur lequel un marchand les a envoyés en mission d'achat de marchandises. La barge, très basse sur l'eau, est chargée de fourrures, d'une peau de raton laveur et de rouleaux de couvertures. Une fois leur dur travail terminé, ces huit hommes reviennent au port; pendant que l'un deux  dirige la barge,  un autre joue  violon, un troisième tape sur une casserole, un quatrième est allongé sur le dos en train de faire ce qu'on appelle aujourd'hui des "pompes"  en regardant  danser un gars en chemise rose et pantalon bleu, les bras levés, les cheveux au vent.
 "Profites-en pour danser avant la tempête"  chante-t-il peut être, par cette belle journée où il n 'y a pas un nuage dans le ciel....juste une petite brume a l'horizon du fleuve, qui vient magnifier ce moment de bonheur simple. 

George  Caleb Bingham est le peintre du mythe américain, représentant des scènes qui soulignent le rôle positif des colons dans l'apport de la civilisation vers les terres sauvages. Ses scènes de chasse et scènes de la vie quotidienne sur les fleuves  ont contribué à forger sa renommée nationale dès 1840.
En 1848, il est élu à l'Assemblée générale du Missouri, devenant ainsi l'un des rares artistes à avoir été un homme politique de l'État. Membre du Parti démocrate, il exprime sa passion pour la politique en peignant une série de tableaux représentant la liesse populaire lors des périodes d'élections.
Tombées dans l'oubli après sa mort, ses œuvres, qui sont associées au mouvement du Luminisme américain, sont redécouvertes dans les années 1930.  Un de ses tableaux les plus célèbre est  Les Marchands de fourrures descendant le Missouri (1845), exposé au Metropolitan Museum of Art de New York.

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Henry Lamb (1883-1960) - Major E. Offord, 40 Battalion, Rtr

Henry Lamb (1883-1960)
Major E. Offord, 40 Battalion, Rtr, 1942.
National Portrait Gallery, London

Henry Taylor Lamb est un peintre britannique né en Australie qui fut un élève de Augustus John et un membre fondateur du Camden Town Group.
Henry Lamb est connu pour ses portraits de soldats et son rendu inhabituel des silhouettes, comme l'illustre son portrait le plus connu, celui de Lytton Strachey exagérément allongé. Il a été élu membre associé de la Royal Academy en 1940 puis membre permanent en 1949. Il fut administrateur de la National Portrait Gallery en 1942 et de la Tate Gallery de 1944 à 1951.
Outre The Imperial Museum of Warn des œuvres de Lamb sont conservées dans des musées régionaux en Grande-Bretagne, dans la British Government Art Collection et au Musée des beaux-arts du Canada qui conserve la majorité des portraits des troupes canadiennes ayant participer à la Seconde guerre mondiale.

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Halfdan Egedius (1877-1899) - Soir d'été, 1893

Halfdan Egedius (1877-1899)
Soir d'été, 1893
Huile sur toile, 1893
National Museum of Art, Oslo  

Le peintre, dessinateur et graveur norvégien, Halfdan Egedius commence à peindre a commencé à l'âge de 5 ans, montrant très tôt des capacités artistiques exceptionnelles. A tel point que dès l'age de 9 ans, il fréquenta l'école d'art Knud Bergslien, où il fut élève de 1886 à 1889. En 1891, il fut l'élève d'Erik Werenskiold, et de 1891 à 1892, il étudia aux Arts et Métiers. En 1894, il fréquente l'école d'art Harriet Backer. Au printemps 1896, il fut l'élève de Kristian Zahrtmann à Copenhague. Dès l'âge de 15 ans, il a commencé à peindre les paysages de Telemark. Professionnellement connu sous le nom de Halfdan Johnsen Egedius, il est actif de l'âge de 16 ans jusqu'à sa mort prématurée à l'âge de 21 ans. Au cours de sa courte vie, il a réussi à créer plusieurs chefs-d'œuvre dans une variété de styles assez peu commune. Il est surtout connu pour ses illustrations du Heimskringla dans un style inspiré par Werenskiold. Egedius tomba malade lors d'un séjour d'été à Telemark en 1898, et après avoir rechuté avant Noël, fut hospitalisé à Christiania, où il mourut en février 1899, à l'âge de 22 ans. La cause du décès était l'actinomycose, une infection bactérienne qui attaque les organes internes. Il a été enterré dans le cimetière de Vestre Aker. Cinquante ans après sa mort, une pierre commémorative a été érigée. Peintre hyperdoué, le destin ne lui aura pas laisser le temps d'exprimer tout son talent.

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Giorgio da Castelfranco dit Giorgione (1478-1510) - Ritratto d'uomo in armi, c.1505-10

Giorgio da Castelfranco dit Giorgione (1478-1510)
Ritratto d'uomo in armi, c.1505-10
Portrait d'un homme en armure, c.1505-10
Huile sur toile 72 x 56, 5cm
Kunsthistorisches Museum, Vienna.

 
Selon les informations fournies par Marcantonio Michiel (1484-1552,) collectionneur et hommes de lettres italien, c'est Girolamo Marcello qui figure dans cette extraordinaire portrait peint par  le peintre vénitien Giorgione. Selon d'autres hypothèses, il s'agirait du portrait de Giovanni Antonio Venier,  petit fils du célèbre doge du même nom, dans les collection duquel l'œuvre à été répertoriée en 1528 de façon certaine.
Cet homme en armure est représenté, sur un fond sombre, de profil à mi-corps, tourné vers la droite, un bras reposant sur un parapet, motif typique du portrait vénitien dérivé des modèles flamands. De son bras gauche, il tient une hallebarde et sur ses cheveux, il porte une couronne de feuilles de lierre. Sur la droite de la composition s'oppose à lui, en contraste, un personnage très laid, au traits grossiers et à l'expression ridicule, aujourd'hui difficilement lisible en raison du mauvais état de conservation de la toile. Sur cette figure ,on peut déceler aisément l'influence des caricatures faites par Léonard de Vinci, lorsqu'il passa à Venise en mars 1500et les montra sans doute à Giorgione.

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Francesco Bartolozzi (1727-1815) - Profil Masculin Couronné à l'Antique

 

 

Francesco Bartolozzi (1727-1815)
Profil Masculin Couronné à l'Antique
Craie rouge (gesso rosso) 1774
Collection privée

Le graveur Francesco Bartolozzi est le fils d'un orfèvre de Florence. Après un apprentissage de trois ans en peinture auprès de Domenico Ferretti, il constate qu'il est plus attiré par la gravure et part à Venise pour parfaire son art. De 1745 à 1751 il travaille à Venise dans l'atelier de Joseph Wagner (1706-1780). Il déménage pour peu de temps à Rome où il réalise une série de gravures représentant des fresques à Grottaferrata par Domenichino, illustrant la Vie de saint Nilus. Ensuite, en 1764, invité par Richard Dalton, vendeur d'art et libraire du roi, il s'installe à Londres où il est nommé graveur de George III. Il y reste pendant plus de quarante ans et, grâce à l'amélioration d'une technique française nouvelle, dite de « la craie rouge » (gesso rosso) à base d'hématite et de kaolin, il reproduit avec talent les célèbres portraits de la collection royale, ceux de Hans Holbein le Jeune, de peintres italiens et de son ami Giovanni Cipriani. Il est l'un des membres fondateurs de la Royal Academy (RA) le 10 décembre 17682, avant de cofonder également la Society of Engravers en 1802. Il quitte ensuite Londres pour Lisbonne en 1802 où il est nommé directeur de l'Académie Nationale jusqu'en 1815, année de sa mort.
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John Minton (1917- 1957) - The bark

John Minton (1917- 1957)
The bark
Private collection

Francis John Minton était un peintre, illustrateur, scénographe et enseignant anglais. Après des études en France, il devint professeur à Londres tout en maintenant une production importante d'œuvres. En plus des paysages, portraits et autres peintures, dont certains peints à une très grande échelle , il s'est forgé une réputation d'illustrateur de livres. Au milieu des années 1950, Minton s'est retrouvé en désaccord avec la tendance abstraite qui devenait alors à la mode et se sentait de plus en plus marginalisé. Souffrant de problèmes psychologiques, il se soigna lui-même avec de l'alcool avant de suicider en 1957.
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Henry Inman (1801-1846) - Portrait du chef Pawnee, Pes Ke Le Cha Co

 

Henry Inman (1801-1846)
Portrait du chef Pawnee, Pes Ke Le Cha Co, entre 1822 et 1833
The Metropolitan Museum of Art

Pes-Ke-Le-Cha-Co est un chef des Pawnees, qui porte une magnifique médaille de la paix en argent. Il est présenté comme un leader fort, célébré à l'époque comme « un homme ferme et déterminé, un chasseur expert et un guerrier intrépide. " Les portraits d'Amérindiens peints par Inman  sur toile ont été realisés dans le but d'en tirer des  lithographies coloriées à la main pour "The History of the Indian Tribes of North America" de Thomas L. McKenney (1836-1844).  Ces chefs indiens avaient à l'origine été peints d par Charles Bird King, lorsqu'il fut invité à Washington par le gouvernement américain et accueilli par le président James Monroe en 1822. Les portraits de King ayant été détruits dans l'incendie de la Smithsonian Institution en 1865, ce sont les portraits d'Inman qui furent exposés dans  toutes les grandes villes de New York à Londres. 

Excellent portraitiste, Henry Inman peint aussi des peintures de genre et des paysages. Mais ce sont ses portraits qui l'ont rendu célèbre. Il a notamment réalisé plus de 30 portraits d'indiens, parmi lesquels une douzaine font partie des collections de la Maison-Blanche.
Henry Inman est arrivé à New York en 1812 avec sa famille. Il a commencé par travailler come apprenti pendant sept ans dans l'atelier de John Wesley Jarvis,. Devenu son associé, ils effectuent un voyage en Louisiane en 1821. En 1822, Inman ouvre son propre atelier à New York avec Thomas Geir Cummings. Il se spécialise dans le portrait et atteint rapidement une certaine notoriété. En 1826, il est l'un des fondateurs de la National Academy of Design dont il fut le premier vice-président, jusqu'en 1831. Il s'installa ensuite dans les environs de Philadelphie où il s'associe à Cephas Grier Childs pour la publication de lithographies. Il enseigna alors à la Pennsylvania Academy of Fine Arts, dont il devient directeur en 1834. En 1844-45, il effectue un séjour d'une année en Grande-Bretagne où il exécute de nombreux portraits de célébrités.
Cet intriguant et magnifique autoportrait à 23 ans en chapeau haut de forme clair, où il surgit du clair obscur est le seul qu'il réalisa en adoptant ce clair obscur très appuyé.

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Hans Holbein the Younger (1497-1543) - Edward Lord Clinton

Hans Holbein the Younger (1497-1543)
Edward Fiennes de Clinton, 9th Lord Clinton, 1st Earl of Lincoln
Black and coloured chalks on pale pink prepared paper,  22.0 x 14.5 cm
The Royal Collection, U.K

Edward Fiennes, ou Clinton, 1er comte de Lincoln (1512 - 1584) était un propriétaire terrien anglais, pair et Lord High Admiral qui rendit de précieux services à trois des monarques Tudor : Henry VIII, qui le promut Gouverneur de Calais, Edward VI, qui l'éleva au grade de Lord High Admiral et Elizabeth 1er qui le fit Lord Admiral.

Hans Holbein le Jeune est un peintre et graveur allemand, l'un des peintres les plus importants de la Renaissance.Spécialisé dans les portraits, il devint à partir de 1536peintre-valet de chambre d'Henri VIII, puis très rapidement peintre officiel de la cour d'Angleterre. Entre 1538 et 1539, il voyagea en Europe afin de faire le portrait des princesses candidates au mariage avec Henri VIII après la mort de Jeanne Seymour. En 154, c'est Anne de Clèves que le roi épouse. En 1543, entre le 7 octobre et le 29 novembre, en pleine gloire, Holbein Le Jeune meurt de maladie à l'âge de 46 ans environ. Beaucoup de ses œuvres se trouvent encore dans les collections royales britanniques. Recherchant derrière les apparences les expressions marquantes des visages, il fait lsouvent a synthèse entre les traditions gothiques et les nouvelles tendances humanistes.

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John Singer Sargent (1856-1925) - Workmen at Carrara

John Singer Sargent (1856-1925)
Workmen at Carrara, c. 1911
Watercolor
Private collection 

 

Il s 'agit de d'ouvriers marbriers à Carrare en Italie saisis au moment où ils s'apprêtent à tirer un bloc de marbre tout juste extrait de la montagne. Singer Sargent montre dans cette œuvre une maîtrise absolue de l'aquarelle, capable de rendre en quelques coup de pinceaux à la fois le mouvement, l'effort et la résignation digne de ces travailleurs  opérant dans des conditions pénibles.

Au cours de sa carrière, John Singer Sargent peignit environ 900 toiles et plus de 2000 aquarelles, ainsi que d'innombrables croquis et dessins. Il fut actif en France et en Angleterre et peignit des compositions à personnages, compositions religieuses, scènes de genre, figures, portraits, intérieurs, paysages, marines, des compositions murales, à la gouache, à l'aquarelle. Ce fut aussi un dessinateur. Il est proche du courant de l'impressionnisme américain.

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Rosalba Carriera (1675-1757) - Portrait d'un turc buvant du café

Rosalba Carriera (1675-1757)
Portrait d'un turc buvant du café
Collection privée

Rosalba Giovanna Carriera,  est une peintre vénitienne qui lança la mode du pastel en France lors de son passage à Paris en 1720. Elle fut  aussi l’une des premières miniaturistes européennes dès 1698, en décorant des  tabatières  alors très à la mode, de sujets galants. Sa véritable notoriété naît des portraits au pastel auxquels elle se consacre exclusivement à partir de 1708. Et lorsqu'on regarde ces pastels , on comprends leur succès  ! Ses pastels, précédés de croquis à la plume ou à la pierre, furent très largement connus. Le 26 octobre 1720, elle est reçue à l'Académie royale de peinture, sur présentation d'un portrait du roi Louis XV au pastel, confirmée le 9 novembre 1720.  "La Rosalba" ,  comme on l'appelait à Paris ,sa mère et sa sœur Giovanna, descendirent chez Crozat, dont l’hôtel était situé rue de Richelieu. À peine installée, l’artiste, spécialiste de portraits de la noblesse européenne de son époque, fut accablée de visites, et, pour ainsi dire, persécutée par les plus grandes dames et par les principaux seigneurs de la cour : tous voulaient leurs portraits de sa main. Elle fit ceux du jeune roi Louis XV, du Régent, de Mesdames ; de Law, de sa femme et de sa fille, des princesses de Conti, de la duchesse de Clermont... et de beaucoup d’autres. Ses dons séduisent l'Europe entière, de Venise - où vivaient alors la majorité de ses mécènes - à Paris, de Dresde à Londres.
Son activité diminua à partir de 1747, quand elle commença à être atteinte de cécité.

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John Trumbull (1756-1843) - Sketch of a Male Nude - Life Study

John Trumbull (1756-1843)
Sketch of a Male Nude - Life Study
Drawing - graphite, with crayon and charcoal
Trumbull Gallery- Yale University

Peintre, architecte et écrivain américain, à Lebanon (Connecticut), John Trumbull est le fils du gouverneur du Connecticut, Jonathan Trumbull. Une blessure à l'œil gauche durant son enfance le rend pratiquement borgne. Diplômé du Harvard College en 1773, il entame une carrière d'enseignant. Lors de la guerre d'indépendance, il sert comme aide de camp du général George Washington et sera promu au grade de colonel. En 1780, John Trumbull se rend à Londres après avoir séjourné en France. En représailles à la pendaison de l'agent britannique John André par les Américains, il est emprisonné. Une fois relâché, il regagne sa patrie puis retourne à Londres en 1784 où il étudie la peinture auprès de Benjamin West. Sur les conseils de West et grâce aux encouragements de Thomas Jefferson, futur président des États-Unis, John Trumbull entreprend sa célèbre série de peintures et gravures historiques à laquelle il travaillera de temps à autre tout au long de sa vie. Il immortalise les événements majeurs de la guerre d'indépendance américaine, une évocation sans pareil du conflit et de ses protagonistes. John Trumbull vit aux États-Unis de 1789 à 1794, date à laquelle il retourne à Londres en tant que secrétaire du juriste John Jay. En 1800, il épouse Sarah Hope Harvey, anglaise et peintre amateur. Faisant le va-et-vient entre l'Angleterre et les États-Unis, il s'installe en 1808 comme portraitiste à Londres puis, de 1815 à 1837, établit un atelier à New York, entreprises qui s'avéreront peu fructueuses. En 1817, John Trumbull est chargé par le Congrès américain de réaliser quatre grandes peintures murales pour décorer la rotonde du Capitole à Washington : Washington Resigning His Commission, The Surrender of Cornwallis, The Surrender of Burgoyne et, la plus célèbre de toutes, Declaration of Independence. Achevées en 1824, ces œuvres sont des reproductions des originaux exécutés dans les années 1780-1790. En 1831, Benjamin Silliman, professeur à l'université Yale, y fonde la Trumbull Gallery, première galerie d'art installée dans un établissement d'enseignement aux États-Unis. John Trumbull cédera à cette galerie ses œuvres les plus importantes en compensation d'une rente annuelle.

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Henri-François Riesener (1767-1828) - Portrait of P.P. Lachinov

Henri-François Riesener (1767-1828)

Portrait of P.P. Lachinov, circa 1820-1822

Huile sur toile, 68, 5 x 58 cm
Musée de l'Hermitage, Saint Petersbourg

 

Appartenant à une célèbre d'artiste, le peintre portraitiste français Henri-François Riesener est notamment le fils de l'ébéniste d'origine allemande, Jean-Henri Riesener (1734-1806) et de Françoise-Marguerite Vandercruse (veuve de l'ébéniste Oeben), et le père du peintre romantique Léon Riesener (1808-1878).
Après la révolution, sous l’influence de David, il devient l’un des portraitistes les plus recherchés par les personnages importants de l’Empire et réalise même un Portrait en pied de l’Impératrice Joséphine en 1806 (Rueil-Malmaison, Musée national des châteaux de Malmaison et Bois-Préau) et de son fils Eugène de Beauharnais. Il fait également cinquante copies de son portrait original de Napoléon Ier, dessiné pendant un déjeuner.
Avec la chute de l'Empire, les commandes se raréfiant, il laisse sa femme et son fils à Paris et part pour la Russie en 1815. Il y reste sept ans, séjournant à Moscou (1816-1823), Saint-Pétersbourg et Varsovie. À Varsovie, il bénéficie de la protection du Grand Duc Constantin Pavlovitch pour lequel il avait réalisé le portrait de sa maîtresse Joséphine Friedrichs en 1813 (Saint-Pétersbourg, Musée de l’Ermitage). Il peint toutes les célébrités de l'aristocratie et exécute, avec Jacques François Joseph Swebach-Desfontaines, un portrait équestre resté célèbre du tsar Alexandre.


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