Lotte Laserstein (1898-1993) - Der spanische Kellner, 1958

Lotte Laserstein (1898-1993)
Der spanische Kellner, 1958
(Le serveur espagnol, 1958)
Collection Privée

La peintre allemande et suédoise Lotte Laserstein est  considérée comme une femme indépendante ne voulant pas suivre le destin classique des femmes de son époque. Il  était important  pour elle de réussir sa vie avec son art et d’être reconnue en tant qu’artiste peintre. De nombreux autoportraits la montrent devant son chevalet, pinceau et palette de peinture à la main, habillée d’une blouse blanche. Lotte a réussi à vivre de son art d'une aprt en créant sa propre école, et d’autre part en vendant ses tableaux. Elle a participé à de nombreux concours et ses œuvres ont été choisies pour illustrer des articles dans des revues féminines comme son tableau "Russisches Mädchen mit Puderdose“ paru dans la revue Die Woche du 15.11.1928 ou encore son tableau « Tennisspielerin (1929) » paru dans la revue Der Bazaar, numéro 19, année 1930. Lotte s’est appliquée à représenter une nouvelle image de la femme. Cheveux courts, pantalon souple, la femme est libérée du corset du 19e siècle, elle fait du sport et elle fume. Son modèle préféré est son amie Traute Rose qu’on voit sur la plupart de ses tableaux. Mais son œuvre la plus connue est le tableau « Abend über Potsdam » L’ambiance y est mélancolique, les personnages assis à table ne discutent pas, ils sont pensifs et tristes, ils pressentent peut-être que la crise et la guerre changeront leur vie...

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Frank Albert Rinehart (1861-1928) et Adolph Muhr (18??- 1913) - Isto Nawege (Broken arm)

Frank Albert Rinehart (1861-1928)
Colorisé à la main par Adolph  Muhr (18??-1913)
Isto Nawege (Broken arm),  clan des Oglala Lakota, 1898.
Haskell Indian Nations University.

Les Oglalas ou Oglala Lakota sont l'un des sept clans indiens qui forment la tribu des Lakotas. Cette entité est apparue auXVIIIe siècle. Au début du XIXe siècle, les Oglalas se séparent des autres Sioux dakotas : vers 1830, ils rassemblent quelque 3 000 membres. Oglala signifie « ils se dispersent » en langue lakota. Tashunca-Uitco (Crazy Horse) était l'un des chefs de ce clan au XIXe siècle. Bien que né d'un père Brûlé, Red Cloud fut aussi un célèbre chef Oglala qui réussit à fédérer les sioux et organiser une résistance contre  l'armée américaine en menant ce qu'il est convenu d’appeler la guerre de Red Cloud de 1866 à 1868.
Les Oglalas ont participé à la bataille de Little Bighorn.
Les Oglalas vivent désormais dans la réserve indienne de Pine Ridge (Dakota du Sud, aux États-Unis), à la frontière avec le Nebraska et à moins de 100 km du Wyoming. C'est la deuxième plus grande réserve indienne des États-Unis. Au recensement de 2000, 15 221 Oglalas y résident et en 2008, on compte 42 357 membres de cette tribu.
 

Frank Albert Rinehart était célèbre pour ses photographies de  personnalités amérindiennes, en particulier pour ses portraits de dirigeants et de membres des délégations qui ont assisté au Congrès indien de 1898 à Omaha. D'origine germanique, Rinehart est né à Lodi  Illinois). Dans les années 1870, il déménagea dans à Denver (Colorado) pour trouver un emploi dans le studio de photographie Charles Bohm. En 1881, les  Rinehart  et son frère formèrent un partenariat avec le célèbre photographe William Henry Jackson, réputé pour ses photos prises en Europe. Sous son enseignements Rinehart perfectionna ses compétences professionnelles développa son intérêt pour la culture amérindienne. En 1898, et à l'occasion du Congrès indien, Rinehart fut chargé de photographier les personnalités amérindiennes qui assistèrent à l'évènement. Avec son assistant Adolph Muhr (qui sera plus tard employé par le célèbre photographe Edward S. Curtis et sera chargé de la colorisation des photos de Rinehart ), ils ont produit ce qui est maintenant considéré comme « l'une des meilleures  sources documentaires  photographiques des dirigeants indiens au tournant du siècle ».
Après le Congrès indien, Rinehart et Muhr ont parcouru les réserves indiennes pendant deux années, décrivant des dirigeants amérindiens qui n'avaient pas assisté à l'événement, ainsi que des aspects généraux de la vie quotidienne et de la culture autochtone.
La collection de photographies indiennes Rinehart est actuellement conservée à la Haskell Indian Nations University. Depuis 1994, la collection est organisée, conservée, copiée et cataloguée dans une base de données informatique, financée par le Bureau of Indian Affairs et la Fondation Hallmark. Il comprend des images de l'Exposition de 1898, de l'Exposition de la Grande Amérique de 1899, des portraits en studio de 1900 et des photographies de Rinehart prises à la Crow Agency dans le Montana également en 1900. 

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Pascal Dagnan-Bouveret (1852–1929) - Le petit concert

 

 

  

 

Pascal Dagnan-Bouveret (1852–1929)
Le petit concert
Collection Privée

Fils d'un tailleur parisien, Pascal Dagnan-Bouveret est admis à l'École des beaux-arts de Paris dans l'atelier d'Alexandre Cabanel, puis dans celui de Jean-Léon Gérôme. Il se lie d'amitié à cette époque avec Jules Bast-Lepage et Gustave Courtois, avec qui il partage un atelier à Neuilly-sur-Seine.
Dans les années 1896-1897, il s'intéresse à des sujets religieux, et fréquente les cercles symbolistes. Il est proche de la comtesse René de Béarn qui lui achète La Cène, important tableau installé dans la "salle byzantine" de l'hôtel de Béarn. Il obtient de nombreux succès en particulier aux États-Unis où il reçoit des commandes de la famille Frick, là l'origine de la célèbre Frick collection Vers la fin de sa carrière il exécute surtout des portraits. Il reçoit le grand prix de l'Exposition universelle de 1900 pour l'ensemble de son œuvre. Il est élu membre de l'Académie des beaux-arts le 27 octobre 1900 et en deviendra président en 1914. La fin de sa vie est endeuillée par la perte de son fils Jean Dagnan, médecin et agrégé de philosophie, victime de la grippe espagnole.
Il laisse de nombreuses œuvres au musée Georges-Garret de Vesoul.
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Oplite athénien - sculpture antique anonyme

Oplite athénien
Marbre H 1, 02m x L 0, 73,
Musée archéologique d'Athènes

Un oplite était un athlète qui participait à certains jeux de la Grèce et disputait le prix de la course pesamment armé.
On désignait de même les soldats athéniens ayant de lourdes armes. Ils avaient des valets pour porter celles-ci ainsi que leurs vivres.
Le bas-relief représentant  un oplite athénien celui ci a été retrouvé dans le Théséion ou temple d'Héphaïstos, un temple dorique périptère en marbre pentélique, situé à l'ouest de l'agora d'Athènes, sur une colline appelée Colonos Agoraios. lIl est très bien conservé (c'est même le mieux conservé de tous les temples grecs), car il a servi d'église orthodoxe grecque à partir du VIIe siècle et jusqu'en 1834.

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Paul Cadmus (1904-1999) - Nude

Paul Cadmus (1904-1999)
Nude
Private collection

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et reçut de nombreuses commandes.
Dans les années 1960, son œuvre révèla plus franchement aux yeux du public une forme d'homoérotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évolue vers le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté (ci dessus), et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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William Sidney Mount (1807-1868) - Dance of Haymakers

William Sidney Mount (1807-1868)
Dance of Haymakers
The Long Island Museum

William Sidney Mount, est un peintre américain, contemporain de l'Hudson River School. Après un début de carrière consacré aux sujets historiques, il se dirige vers la peinture de genre dont on le crédite d'être le fondateur aux Etats-Unis. Ses œuvres traitent notamment du quotidien des fermiers de Long Island (comme ci-dessus) en s'inspirant des peintures de genre anglaises. Mount fut également fasciné par les Noirs qu'il a beaucoup peint et représenté dans presque tous ces tableaux et toujours de manière digne, ce qui n'était pas souvent le cas à son époque. Huit de ses peintures et dessins ont été publiés dans Men Portraits depuis quelques années.
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Nicolas-Bernard Lépicié (1735-1784) - Nu académique

Nicolas-Bernard Lépicié (1735-1784)
Nu académique

Souvent comparée à celle de Chardin et de Greuze la peinture de Lépicié a connu une grande vogue au XVIIIe siècle. À partir des années 1760, tout en continuant à peindre des sujets d’histoire, il se met à peindre des scènes de genre intimiste dans le style flamand qui rappellent Teniers le vieux et Ter Borch. Dans les dernières années de sa vie, il se retire souvent à la campagne où il peint des scènes rustiques à la suite d’une crise religieuse qui l’amènera à modifier ou à supprimer certaines de ses œuvres contraires à sa nouvelle sensibilité. Malade de la poitrine, il meurt avant sa cinquantième année, loué pour sa piété au moins autant que pour ses talents. Dans son testament, il demande qu'on détruise ses études de femmes trop dénudées.
Fils de deux graveurs, François-Bernard Lépicié (secrétaire perpétuel et historiographe de l’Académie royale de peinture et de sculpture) et Renée-Élisabeth Marlié, Nicolas-Bernard Lépicié étudie la gravure avec son père avant d’être forcé de quitter cet art, à cause de la faiblesse de sa vue, et de se tourner, vers 1751, vers la peinture qu’il étudie sous la direction de Charles van Loo.

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Hans Holbein the Younger ( 1497-1543) - Portrait de Sir Nicholas Poyntz

Hans Holbein the Younger ( 1497-1543)
Portrait de Sir Nicholas Poyntz, vers 1535
Dessin, craies de couleur et noir, plume et encre de chine sur papier rose (28,4 x 18,3 cm)
Collection Royale, Château de Windsor

Sir Nicholas Poyntz (1510-1556) fut un célèbre courtisan anglais de la dernière partie du règne d' Henri VIII. Ce portrait dessiné par Hans Holbein le Jeune est le pendant à d'un portrait à l'huile qui se trouve aujourd'hui à la National Portrait Gallery de Londres. Un autre portrait existe également peint après Holbein.
Le samedi 21 août 1535, Henry VIII et Anne Boleyn rendirent visite à Nicholas Poyntz à Acton Court, Iron Acton, Gloucestershire. Poyntz avait fait construit un logement spécial pour ses invités royaux qui survit encore. Il contenait trois salles d'apparat au premier étage et l'une d'entre elles a encore une décoration peinte par un artiste de la cour Tudor. Ces salles d'apparat étaient reliées à l'ancienne maison par une passerelle couverte appelée «pentice». Les fouilles archéologiques ont trouvé des fragments de verre vénitien précieux et de majolique que Nicolas a probablement achetés pour la visite. Au delaà de l'anecdote de la visite royale, historiquement, les longs préparatifs de Nicholas à Acton pour recevoir le roi, démontre que la progression d'Henri dans l'ouest de l'Angleterre était planifiée très longtemps à l'avance !

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D'après Coco Chanel (1883-1971) - Dessin de costume pour Le Train Bleu de Darius Mihaud

 

D'après Coco Chanel (1883-1971)
Dessin de costume pour " Le Train Bleu" de Darius Mihaud

Le Train bleu est un ballet en un acte de Bronislava Nijinska, musique de Darius Milhaud, livret de Jean Cocteau, décors d'Henri Laurens, costumes de Coco Chanel. Le rideau de scène a été peint d'après Deux femmes courant sur la plage, un tableau de Pablo Picasso.
Créé par les Ballets russes de Serge de Diaghilev au Théâtre des Champs-Élysées de Paris le 20 juin 1924, il a pour interprètes principaux Bronislava Nijinska, Lydia Sokolova, Anton Dolin et Léon Wojcikowski. Le Train Bleu, critique sociale des années folles, sera assez peu apprécié du public à sa création.
Ce dessin, communiqué par Silvia Catan est san doute une copie d'un original de Chanel, postérieur de 6 ans a la date de création. 

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Paul Cézanne (1839-1906) - "Le Nègre Scipion", 1866-1868

 

Paul Cézanne (1839-1906)
"Le Nègre Scipion", 1866-1868
Huile sur toile, 107 x 83 cm
Musée d'art de São Paulo, Brésil.

 

Le Nègre Scipion  (en portugais O Negro Cipião)  titre transformé depuis peu en  "Le  Noir Scipion"  par Wikipedia, est une peinture de Cézanne faite une vingtaine d'années après l'abolition de l'esclavage dans les colonies françaises, abolition décrétée le 27 avril 1848 sous le régime de la Deuxième République.
Pour représenter ce torse  d'homme nu,  Paul Cézanne a du faire un certain nombre de recherches. Ainsi pour obtenir la couleur de la peau de Scipion, il a essayé plusieurs mélanges et a travaillé les pigments de façon à rendre très perceptibles es reflets de la lumière sur la peau. Il utilise ici une pâte plus diluée et moins sombre que celle  habituellement utilisée dans ses tableaux pendant cette période. En représentant cet homme, prostré par la fatigue, les experts contemporains pensent que Cézanne a voulu montrer que " l'abolition de l'esclavage n'avait  pas supprimé l'oppression" . C'est une œuvre d'une considérable puissance, mais qui nous laisse malheureusement avec une méconnaissance totale de l'identité du modèle  qui a posé pour l'artiste...  ce qui ne fut le cas ni pour les portraits de qu'avaient réalisé Géricault  ou Adolphe Brune fait de leur Joseph dont ils firent une célébrité parisienne.
En 2019,  Le Nègre Scipion fit partie au Musée d'Orsay, de l'exposition Le modèle noir, de Géricault à Matisse, un évènement co-organisé par les Musée d'Orsay et l'Orangerie, avec The Miriam and Ira D. Wallach Art Gallery, l'Université Columbia de New York, le Mémorial ACTe de Pointe-à-Pitre et avec le concours de la Bibliothèque nationale de France.

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Sandro Boticelli (1445-1510) ou Domenico Ghirlandaio (1448-1494) ou Mariano d’Antonio (??-??) - Portait de Jeune Homme

Sandro Boticelli (1445-1510)
ou
Domenico Ghirlandaio (1448-1494)
ou
Mariano d’Antonio (??-??)
Portait de Jeune Homme, vers 1480-85
Huile sur panneau de bois, 50 x 30 cm
Musée du Louvre, Paris

Le Louvre précise que cette œuvre peut être de Botticelli ou de son atelier, mais... le musée offre également la possibilité qu'elle ait été réalisée par quelqu'un de l'entourage de Domenico Ghirlandaio, ou par un artiste moins connu du quattrocento comme Mariano d'Antonio.
L'idée de cette triple attribution est excellente non seulement parce qu'elle va pourrir la vie des robots de recherche ce qui me ravit par avance,  mais surtout parce que Domenico Ghirlandaio, a été un maître du portrait aussi important que Sandro Botticelli !  Elle augure aussi surtout d'un tournant dans la façon dont les grands musées considèrent les œuvres dont ils sont les propriétaires et d'un tournant encore plus radical dans la façon dont les experts doivent considérer leur travail.
L'identité du modèle par contre reste inconnue.

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Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) - Étude préparatoire pour "Le Travail" - Les Forgerons

Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898)
Étude préparatoire pour Le Travail  - Les Forgerons, vers 1863
Sanguine et rehauts de gouache blanche, sur esquisse au crayon noir, mis au carreau au crayon noir
Musée Bonnat-Helleu Bayonne

Le dessin est une étude pour “Le Travail” présenté par Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) au Salon de 1863, avec son pendant, “Le Repos”.  Les deux œuvres ornent aujourd’hui l’escalier d’honneur du musée de Picardie à Amiens, formant un ensemble avec “Concordia” (”La Paix”) et “Bellum” (”La Guerre”), exposés pour leur part au Salon de 1861.

 

 

Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898)- 

 Le Travail , Musée de Picardie, Amiens, 

France

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William Dring (1904 -1990) - Group Captain AG Miller DFC, Order of Lenin

William Dring (1904 -1990)
Group Captain AG Miller DFC, Order of Lenin, 1944
Pastel, 60,3x 47,6cm
Imperial War Museum

Ce portrait en demi-longueur représente  du capitaine  Anthony Miller portant l'uniforme de la RAF. Il représenté est debout, les bras croisés, devant un avion de chasse Hawker Hurricane stationné sur une base aerienne non identifiable avec un hangar d'avions en arrière plan.

Au début de la Deuxième guerre mondiale, William Dring exécuta plusieurs commandes de portraits pour le Comité consultatif des artistes de guerre (War Artists' Advisory Committee).
En 1942, il travaille à temps plein pour le Comité et se spécialise dans les "portraits d'Amirauté ".
A partir de ce moment là, toute sa carrière se peintre s'oriente autour des faits de guerre et de ses héros, une spécialisation " artistique " tout à fait anglo-saxonne.
Soixante-quatre desportraits que Dring à peint en temps de guerre, principalement des pastels, font partie de la collection de l'Imperial War Museum, qui possède également 5 peintures à l'huile, sans parler de la quarantaine de portraits au pastel conservés au National Maritime Museum.
Le portrait ci-dessus porte le numéro de commande LD 4836

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Winold Reiss (1886-1953) - Study for Mural Union Terminal

 

 

 

 Winold Reiss (1886-1953)
Study for Mural Union Terminal,
Cincinnati Conservation Center

L'artiste et graphiste américain né en Allemagne Winold Reiss était le fils du célèbre paysagiste Fritz Reiss (1857-1914). Dans ses premières années, il peignit beaucoup de paysans allemands dont son père incluait les silhouettes dans ses perspectives. Ce fut une excellente formation de portraitiste pour le jeune Reiss. Immigré en Amérique en 1913, il se passionna pour les Amérindiens et collabora aussi comme illustrateur à "The New Negro " d'Alain Locke, un important ouvrage sur la culture afro-américaine. Son travail le plus remarquable fut celui qu'il effectua au Cincinnati Union Terminal en 1933. Ses 14 fresques murales de style Art déco peintes à partir de portraits des habitants de Cincinnati étaient visibles dans le hall des passagers. En 1973, avec l'essor du transport aérien, elles ont été déplacées dans l' aéroport international de Cincinnati/Northern Kentucky, où elles sont vues par un plus grand nombre de personnes.En 2015, avec une rénovation majeures de l'aéroport, neuf des peintures murales ont été déplacées au Cincinnati Convention Center.
Pour lui rendre hommage après son décès, le peuple amérindien Pieds-Noirs a répandu ses cendres tout le long de la frontière Est du Parc national des Glaciers.

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Wojciech Weiss (1875-1950) - Melancholik

Wojciech Weiss (1875-1950)
Melancholik, 1894
Collection particulière

Wojciech Weiss,est artiste peintre polonais. qui  étudia à l'Académie des beaux-arts de Cracovie, puis à Paris, à Rome et à Florence. Membre du mouvement artistique "Jeune Pologne", il fut  à partir de 1907,  professeur et recteur de l'Académie des beaux-arts de Cracovie. Il a peint, entre autres des paysages autour de Strzyżów où il vécut, des portraits et des nus. Sa peinture fut influencée par les travaux de Edvard Munch et Jacek Malczewski et il est resté, surtout dans sa jeunesse, sous l'influence des conceptions philosophiques de Stanisław Przybyszewski. Il fut  apprécié de son vivant, reconnu et exposé aussi bine en Pologne qu'à l’étranger.

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Francesco Furini (1603-1646) - Tête de jeune homme

 

Francesco Furini (1603-1646)
Tête de jeune homme
Uffizi

L’œuvre de Furini reflète la tension du style maniériste conservateur florentin face au nouveau style baroque de l’époque. Il a peint des sujets bibliques et mythologiques à l’aide de la technique du sfumato, superposition de couches picturales délicates et estompées, comme Vinci. Selon certains experts le style de Furini se caractérait par une « sensualité obtinée ». Son utilisation fréquente de femmes nues s'accordant difficilement à son mysticisme puisqu'il finit par devenir prêtre à la fin de sa vie. S Un de ses chefs-d’œuvre, qui ne reflète pas le style de ses toiles, est la fresque d'un plafond due Palazzo Pitti, où sur ordre de Ferdinand II de Médicis, il a peint, deux grandes lunettes représentant l’Académie platonicienne de Careggi et l’Allégorie de la mort de Laurent le Magnifique. Furini a été redécouvert au début du xxe siècle par Arturo Stanghellini. Sa carrière mal documentée a été esquissée par Elena Toesca et mise en lumière avec une exposition de ses dessins à la Galerie des Offices.

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Claude-Marie-Paul Dubufe (1790–1864) - Apollo et Cyparisse

Claude-Marie-Paul Dubufe (1790–1864)
Apollo et Cyparisse, 1821
Huile sur toile, 188 x 228 cm
Musée Calvet, Avignon

Cyparisse, désespéré d’avoir tué son cerf favori, vient  de se donner la mort. Apollon le soutient et le métamorphose en cyprès !

Claude-Marie-Paul Dubufe, né pendant la Révolution française, devint élève consul en 1809. Destiné par son père à embrasser une carrière diplomatique, c'est un amateur de peinture qu'il pratique avec talent, fréquentant l'atelier de Jacques-Louis David depuis 1804 environ, qui voit en lui un véritable artiste et, selon la tradition familiale, persuade le père de ne pas détourner son fils des arts alors que celui-ci était sur le point de partir en Amérique. Son père lui coupa les vivres et il dut jouer le soir du violon dans un orchestre pour payer ses cours de peinture à l'atelier de David.  Il part en Italie en 1811 et est présenté à la famille d'Orléans. Il commence alors une longue et brillante carrière de portraitiste de la noblesse et de la haute bourgeoisie.
En 1824, sous la Restauration, Dubufe est honoré de deux commandes officielles, la première pour La Naissance du duc de Bordeaux, et la seconde, pour commémorer Le Passage de la Bidassoa. En 1826, il ouvre un atelier et fonde, avec le baron Taylor et Duzats, une association pour venir à l'aide des artistes.Dubufe est nommé chevalier de la Légion d'honneur par décret du 9 août 1837.

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Sculpture Antique - Casque d'apparat de la cavalerie romaine

Casque d'apparat de la cavalerie romaine
Bronze, Asie Mineure, 75-125 A.D, 28 × 17.8 cm
Paul Getty Museum

Le casque romain (galea) est un élément très représentatif de la Légion. Il est le produit d'une sélection et d'une évolution qui accompagne les progrès de l'art militaire. Il en existe au moins une vingtaine de types, très différents selon les époques et les corps dans lesquels ils ont été utilisés. Ici il s 'agit d'un casque dit « à visages » qui était porté de préférence par l'élite de la cavalerie. Le casque qui faisait partie d'une armure complète, pouvait être en fer avec des parties en laiton décorées de faux cheveux, de lauriers ou de serpents se rejoignant au sommet. La protection du cou était en bronze plaqué d'argent. Il pouvait être aussi en cuivre et le diadème comportait alors des figures représentant le plus souvent des divinités guerrières (la Victoire, Mars, Minerve...). Sur celui ci le visage pourrait être celui d'Aphrodite, d'Artémis, voire même selon le Getty Museum qui le possède, celui d'un Apollon aux traits féminins. Ce qui est frappant dans celui ci ,c'est qu'il comporte deux fins cerclages  de fer destinés à entourer l'iris des yeux (réels ou de verre) du combattant, lançant sous le soleil, des éclats foudroyants en direction du public ou de l'ennemi !
C'est le dieu ou la déesse protecteur d'une unité militaire ou d'une légion entière qui déterminait quelle divinité serait représentée sur le masque facial porté par les membres de l'unité. Un masque aussi élaboré - les bandes dans les cheveux étaient à l'origine incrustées de matériaux précieux  et le cerclage des iris - en fait sans doute un casque d'apparat utilisé lors de cérémonies commémoratives de batailles,  ou des triomphes plutôt que pendant le combat.

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René Lalique (1860-1945) - Vase palestre, 1928

 

 

                               

René Lalique (1860-1945)
Vase palestre, 1928 (Marcilhac1012)
Verre dépoli moulé, 39, 7 cm de hauteur
Collection particulière

Ce Vase palestre en verre dépoli ,avec effet "satiné Lalique", une technique inventée par ce maître français dans son usine de Wingen-sur-Moder, est moulé d'une frise faisant tout le tour du vase. La frise présente des athlètes masculins nus debout dans diverses poses. Dans la Grèce antique, la palestre était une arène publique d'entraînement et de pratique de la lutte et de la boxe. Son utilisation était limitée aux hommes libres qui s'y entrainaient  totalement nus. Au fil du temps, la palestre a également été utilisée comme espace éducatif et social.

René-Jules Lalique est un célèbre maître verrier, bijoutier et joaillier français qui s'est fait connaitre  par ses créations étonnantes de bijoux,  de flacons de parfum, de vases, de chandeliers, d'horloges et, à la fin de sa vie, de bouchons de radiateur de voitures. L'entreprise qu'il a fondée fonctionne toujours et possède, à Paris, le  même  magasin à la même adresse, Rye Royale dont il est l'un des plus beaux fleurons. Le nom de René Lalique  est resté attaché à la créativité, à la qualité et au luxe, car il a toujours su dessiner des objets fastueux mais discrets.

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Annibale Carracci (1560-1609) - Nu masculin

Annibale Carracci (1560-1609)
Nu masculin, 1597-1602
Palazzo Farnese, Roma

La grande œuvre d'Annibal Carrici (dit aussi Le Carrache) à Rome est un travail à fresque, exécuté pour le décor du Camerino et de la galerie du palais Farnese. La plupart des historiens d'art estiment que cette galerie pose réellement le premier jalon de la peinture moderne.
L'iconographie de cette galerie est inhabituelle au regard des règles de l'époque. En effet dans ce lieu d’honneur des demeures romaines, qu'est la galerie, on décore habituellement les plafonds par de grands moments de la famille, ou des légendes héroïque. Rien de tout cela dans le Palazzo Farnese dont le propriétaire est alors un cardinal, mais un thème totalement décalé, en l'occurrence : le pouvoir  universel de l'amour. Une des interprétations de cette iconographie la lie au mariage entre le duc de Parme et Marguerite Aldobrandini en 1600, mais d'autres interprétations ont cours.
Plusieurs références peuvent être identifiées, comme Michel-Ange (Chapelle Sixtine) pour la monumentalité et Raphaël (Villa Farnesina) pour la grâce des nus féminins. De nombreux procédés illusionnistes, comme la « quadratura » (système proprement Bolonais, prolongeant l’espace réel par un espace fictif dans les angles), ou le « quadririportati » (« tableaux rapportés », avec un cadre, donnant l’impression de toiles de chevalet accrochées) sont utilisées. De même, bien que tout soit entièrement peint, des Hermès et des Atlantes donnent l'illusion de stucs, des médaillons évoquent des bronzes, et l'accumulation d’éléments sur les parois comme les sculptures antiques situées dans des niches participent encore de l'illusion…
La bacchanale qui constitue le tableau central montre clairement plusieurs sources d'inspiration, telles que la Bacchanale de Titien, les Noces de Psyché de Raphaël et des sarcophages antiques (qualités sculpturales, frise, fluidité, jeu de contraposto). On y note la présence d’humour et de sarcasme, comme dans les léopards un peu ridicules, et une complexité savante. Cette galerie inspirera fortement de nombreux peintres dont  Poussin et Rubens.
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Annie Louisa Robinson Swynnerton (1844-1933) - Portrait du comte Zubov

Annie Louisa Robinson Swynnerton (1844-1933)
Portrait du Comte Valentin Zubov, 1908-1909
Huile sur toile 1,53 x 1,93 Tate, London

Le comte Valentin Platonovič Zubov (1884-1969) était un aristocrate et historien de l'art russe.
Âgé d'environ 25 ans, il a passé l'hiver 1908-1909 à Salsomaggiore Terme, une ville du nord de l'Italie dans laquelle  il rencontre la peintre Annie Louisa Robinson Swynnerton qui peint ce portrait de lui dans la terrasse de sa maison, sur fond de paysage qui - non sans humour - rappelle de celui de la Joconde de Leonardo da Vinci !   Zubov fonda l'Institut russe d'histoire de l'art en 1912.  

Annie Louisa Robinson Swynnerton (1844-1933) est une peintre britannique. Elle est connue pour ses portraits et ses allégories. Elle est la première femme à avoir intégré la Royal Academy of Arts en 1922. Annie Swynnerton est également féministe et engagée pour le droit de vote des femmes.
Elle étudie à la Manchester School of Art à partir de 1871, où elle bénéficie d'une bourse d'études pour la peinture à l'huile et l'aquarelle2. De 1874 à 1876, elle prend des cours d'art à Rome avec son amie artiste Susan Isabel Dacre, puis à Paris à l'Académie Julian de 1877 à 1880.
En 1883, elle épouse le sculpteur Joseph William Swynnerton, qu'elle rencontra à Rome. Il meurt en 1910.
Le peintre Edward Burne-Jones l'introduit à la Royal Academy of Arts où elle expose de 1879 à 1886 puis de 1902 à 1934. Son style est empreint des influences néo-classiques, préraphaéliques et impressionnistes. Beaucoup de ses œuvres représentent des enfants. En 1879, Swynnerton et Dacre fondent la Société des femmes peintres de Manchester, qui propose des formations et des expositions. Elle pense que renforcer les liens entre femmes peut leur permettre de les extraire des rôles traditionnellement attribués aux femmes. En 2018, une rétrospective de son travail est présentée à Manchester Art Gallery.

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Zhao Mengfu (1254-1322) - En Baignant les Chevaux

Zhao Mengfu (1254-1322)
En Baignant les Chevaux
Détail d'un rouleau, 28.1 x 155.5 cm.
Palace Museum, Beijing.

 

Zhao Mengfu (1254-1322) ( 趙孟頫) était un érudit chinois, peintre et calligraphe, durant la dynastie Yuan. C'est une figure majeure de l'art chinois. Bien qu'il ait pratiqué avec succès la peinture de fleurs et oiseaux il laissa l'image d'un maître dans la peinture de chevaux et de paysages. Il fut l'un des peintres et calligraphes les plus éminents du début des Yuan, et son style exerça une profonde influence sur la génération suivante de paysagistes , jusqu'à ce retournement qui affecta son héritage après la prise du pouvoir par la dynastie des Mandchous (Toungouses), en 1644. À partir de ce moment-là il fut déconsidéré.

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Zinaida Serebriakova (1884-1967) - Alexander Serebryakov Lisant

Zinaïda Serebriakova (1884-1967)
Alexander Serebryakov Lisant, 1946.
Collection privée

Zinaïda Serebriakova se trouvait dans la propriété familiale de Neskoutchnoïe, lorsqu'éclata la Révolution d'Octobre et sa vie se trouva brutalement transformée. Son mari Boris mourut en 1919 du typhus contracté dans les prisons bolchéviques. Ruinée après la confiscation des biens familiaux et sans argent avec quatre enfants et sa mère malade à charge, elle abandonna l'huile pour dessiner au fusain et au crayon. Elle refusa de dessiner dans le style futuriste en vogue ou de faire les portraits de commissaires politiques puissants. Elle trouva donc un emploi au musée archéologique de Kharkov où elle était chargée de reproduire les collections du musée. Elle décida finalement de déménager à Petrograd en décembre 1920 chez son grand-père. Son grand appartement avait été divisé en chambres communautaires (les kommunalka), mais heureusement avaient été attribuées à des artistes et acteurs de théâtre. Zinaïda en partageant cet appartement communautaire put dessiner leurs portraits et reprendre des forces morales.
Cependant la situation devenant de pire en pire et la ville souffrant de la faim (suites de la guerre civile entre les communistes et les armées blanches), elle se résolut à émigrer à Paris en 1924.
Arrivée à l'automne 1924 à Paris, où elle reçoit commande de grands panneaux.
Zinaïda Serebriakova ne peut plus retourner en Russie, où sont restés ses enfants et sa mère (ses deux cadets la rejoindront plus tard). Elle profite de voyages en Afrique (sous passeport Nansen) grâce à l'invitation du baron Jean de Brouwer, son mécène belge, en 1928 et en 1930 et se rend au Maroc. Elle est fascinée par les paysages de l'Atlas et dessine des femmes arabes et des paysages aux couleurs vives. Elle séjourne avec son mari à Camaret en 1925 et 1926 et revient en Bretagne en 1934, cette fois-ci à Pont-l'Abbé, puis à Lesconil et à partir de 1937 à Concarneau.
À cette époque, elle peint un cycle de tableaux consacrés à la Bretagne et aux marins, représentant aussi de nombreux portraits de bigoudènes. Elle reçoit la nationalité française en 1947.
Après la mort de Staline, elle arrive à reprendre contact par courrier avec ses proches restés en Russie et plus encore à l'époque de Khrouchtchev. Une grande exposition rétrospective de ses œuvres se tient en URSS en 1960, après 36 ans d'absence, organisée par sa fille Tatiana, décoratrice au théâtre d'art de Moscou. À partir de 1966, ses tableaux sont de plus en plus exposés en Union soviétique, surtout à Moscou, Léningrad et Kiev.

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Thomas Phillips (1770-1845) - Cosmo Richard Howard

Thomas Phillips (1770-1845)
Cosmo Richard Howard, 1835
Oil on millboard, 24.8 x 19.7 cm
Yale center of British Art

Thomas Phillips  fut était un portraitiste anglais de premier plan. Il a peint plusieurs des grands hommes de son époque, notamment des scientifique 'comme ci dessus le Professeur de médecine Howard encore jeune), des artistes, des écrivains, des poètes (Le fameux portrait de Lord Byron en costume oriental) et des explorateurs.Ayant appris la peinture sur verre à Birmingham sous Francis Eginton  il se rendit à  Londres en 1790 avec une introduction àpour Benjamin West, qui lui trouva un emploi sur le chantier des vitraux  en verre peint de la chapelle St George à Windsor. En 1791, il devint étudiant à la Royal Academy, où, en 1792, il exposa une vue du château de Windsor, suivi dans les deux années suivantes par la «Mort de Talbot, comte de Shrewsbury, à la bataille de Castillon», «Ruth et Naomi "," Elijah restaure le fils de la veuve "," Cupidon désarmé par Euphrosyne ", et d'autres thèmes bibliques ou mythologiques.
A partir de 1796, il se concentre sur la peinture de portrait, bien que le domaine soit plutôt  très encombré par des gens comme  John Hoppner, William Owen, Thomas Lawrence ou Martin Archer Shee  En 1804, il est élu associé de la Royal Academy, avec son rival, William Owen. Il devint académicien royal en 1808, avec l'oeuvre "Vénus et Adonis" (exposée la même année). Dans le même temps, il gevint de plus en plus connu  et, en 1806, peignit le prince de Galles, la marquise de Stafford et Lord Thurlow. En 1807, il envoyéaà la Royal Academy le célèbre portrait de William Blake, maintenant à la National Portrait Gallery de Londres.
Ses contributions à l'exposition de l'Académie de 1809 comprenaient un portrait de Sir Joseph Banks  et à celle de 1814, deux portraits de Lord Byron. En 1825, il est élu professeur de peinture à la Royal Academy, succédant à Henry Fuseli, et, afin de se qualifier pour ses fonctions, visita l'Italie et Rome en compagnie de William Hilton,  ainsi que de Sir David Wilkie, qu'ils rencontrèrent en Florence. Il a démissionné de la chaire en 1832 et en 1833 a publié ses "Conférences sur l'histoire et les principes de la peinture". Parmi toutes les personnalités de son temps dont il tira le portrait, Phillips a également peint une tête de Napoléon Ier, faite à Paris en 1802, non à partir de séances réelles, mais avec le consentement de l'impératrice Joséphine, qui lui offrit l'occasion d'observer le Premier Consul pendant plusieurs dîner.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Φουσταλενοφόρος από την Αράχωβα - Un Porteur de Fustanelle originaire d'Arachova

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Φουσταλενοφόρος από την Αράχωβα, 1943
Un Porteur de Fustanelle originaire d'Arachova, 1943
Collection privée

 
La fustanelle est la jupe plissée traditionnelle de certaines régions des Balkans, en Albanie et surtout en Grèce où elle portée notamment par les evzones, terme qui désigne aujourd'hui les membres de la garde présidentielle issu d'une unité d'élite cérémonielle qui garde la tombe du Soldat inconnu sur la place Syntagma et le palais présidentiel à Athènes. La fustanelle est toujours coupée dans 30 mètres de tissu blanc et comporte les 400 plis, qui représentent les 400 années de l'occupation ottomane.
Ici l'Evzone qui porte la fustanelle et qui est peint par Tsarouchis est originaire de la ville grecque d' Aráchova, située au pied du mont Parnasse, à une dizaine de kilomètres à l'est de Delphes. 

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti. 

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Joshua Reynolds (1723-1792) - Portrait de Sir Banastre Tarleton

Joshua Reynolds (1723-1792)
Sir Banastre Tarleton, 1st Baronet, 1782
Huile sur toile, 236 cm x145 cm
National Gallery (London)

Reynolds fait le portrait du colonel Banastre Tarleton (1754–1833), alors qu'il est âgé de 27 ans. Il le représente en pleine action en tant que commandant de la cavalerie de la Légion britannique pendant la guerre d'indépendance américaine. Tarleton était célèbre pour sa bravoure et son enthousiame au combat ainsi que pour sa vanité. Il devint plus tard député de Liverpool et défendit la traite des esclaves, sur laquelle la fortune de sa famille avait été fondée. Il fut fait général en 1812 et baronnet en 1816. Dans ce portrait Reynolds dépeint Tarleton sur un champ de bataille, avec la fumée des armes à feu tourbillonnant derrière lui. Vêtu de l'uniforme de la légion britannique, il pose une jambe sur un canon pour refixer son épée à sa ceinture avant de changer de cheval. Reynolds s'inspirait fréquemment des idées de peintures anciennes , de dessins et de sculptures antiques pour ses compositions. La pose de Tarleton semble être basée sur des œuvres de Rembrandt, du Tintoret et d'une ancienne sculpture romaine d'Hermès.
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Sir Ivor Henry Thomas Hele (1912-1993) - Sanguine, 1935

Sir Ivor Henry Thomas Hele (1912-1993)
Sanguine, 1935
Collection privée

L'artiste australien Sir Ivor Henry Thomas Hele fut surtout célèbre pour ses portraits. Il fut aussi l'un des plus anciens "peintre de guerre" d'Australie et réalisa à ce tire plus d'œuvres sur commande que tout autre dans l'histoire de l'art australien.
En 1927, âgé de 15 ans, il est encouragé par sa tutrice à s'embarquer pour l'Europe. Il étudia le dessin et la peinture dans diverses académies privées avant de retourner en Australie au début de 1930.
En 1938, une de ses œuvres majeures, Sturt's Reluctant Decision to Return remporta le prix du 150e anniversaire du Commonwealth. La pièce fut achetée par le gouvernement pour la future Galerie nationale d’Australie, mais se trouve aujourd'hui à la Galerie d’art d’Australie méridionale.
Encouragé par Thomas Blamey, Hele s’engagea comme soldat dans le 2nd AIF et partit pour le Moyen-Orient avec la 9e Division. Il fut promu lieutenant et assuma alors la responsabilité de peintre de guerre. Il resta avec la 9e Division, qui fut ensuite transférée en Papouasie-Nouvelle-Guinée. Après la guerre, il revint en Australie ù, à partir de son vaste portfolio de croquis, il tira de nombreuses peintures conservées à l'Australian War Memorial.
En 1952, il est nommé peintre de guerre auprès des forces australiennes en Corée.
Outre les études de personnages et les scènes de guerre pour lequel il est le plus connu, Ivor Hele a peint de nombreux paysages, en particulier la côte escarpée du sud de l'Australie, ainsi qu'un grand nombre de dessins érotiques. La National Gallery of Australia abrite environ 130 de ses œuvres.

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Joaquin Sorolla (1863-1923) - Los Pescadores Valencianos

Joaquin Sorolla  y Batisda (1863-1923),
Los Pescadores Valencianos, 1895,
Huile sur toile 40x 30 cm
Broere Foundation 

 

Tout long de sa carrière Sorolla a peint aussi bien des portraits et des paysages que des œuvres monumentales à thèmes sociaux et historiques. Après sa mort, sa veuve a fait don de plusieurs peintures à l'Etat espagnol. Les peintures sont conservées aujourd'hui dans la propre maison de l'artiste à Madrid qui a pris le nom de Museo Sorolla. Le musée a ouvert ses portes en 1932.
En 1911, Sorolla se rend les États-Unis pour la deuxième fois de sa vie et expose 152 nouvelles peintures au Saint Louis Art Museum et 161 à l'Art Institute of Chicago quelques semaines plus tard. Plus tard la même année, Sorolla rencontre Archie Huntington à Paris et signe avec lui un contrat pour une série de toiles sur la vie en Espagne. Ces 14 magnifiques peintures murales gigantesques sont conservées aujourd'hui dans le bâtiment de l'Hispanic Society of America à Manhattan. Huntington avait envisagé dans la commande que l'œuvre peigne une histoire de l'Espagne, mais le peintre a préféré une vision de l'Espagne qui privilégie les paysages de chaque région. Il l' appela Provinces d'Espagne. Malgré l'immensité des toiles, Sorolla les a toutes peintes (sauf une) en plein air, et s'est rendu dans chaque région pour peindre sur le motif : Navarre, Aragon, Catalogne, Valence, Elche, Séville, Andalousie, Estrémadure, Galice, Guipuzcoa, Castille, Léon, et Ayamonte, sur chaque site, des personnages locaux posaient en costume regional. Chacune des peintures murales célébrait le paysage mais aussi la culture de chaque région, des panoramas composés d'une foule d'ouvriers et d'habitants. En 1917, à l'achèvement de ce travail harassant et colossal, Sorolla était de son propre aveu, épuisé. Il a terminé son dernier panneau en juillet 1919.
Sorolla a subi un accident vasculaire cérébral en 1920, alors qu'il peignait un portrait dans son jardin à Madrid. Paralysé pendant plus de trois ans, il est décédé le 10 août 1923.

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Émile Friant (1863-1932]) - Autoportrait à vingt ans de trois quarts

Émile Friant (1863-1932]
Autoportrait à vingt ans, de trois quarts, 1883
Pointe sèche, à la cuvette, 161 x 118 cm
Musée Lorrain, Nancy

En 1883, Emile Friant obtient le Second grand prix de Rome avec un tableau intitulé Œdipe maudit son fils Polynice. En 1885, il rencontre Constant Coquelin (1841-1909), l’un des plus grands comédiens français de l’époque qui créa en 1897 le rôle du Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand. Coquelin devint l’un des principaux mécènes de Friant.
Au cours de l’année 1886, il voyage à l’étranger, d’abord en Belgique et aux Pays-Bas avec les peintres Henri Royer et Armand Lejeune, puis en Italie avec Constant Coquelin.
La consécration arrive très vite.
En 1889 – il a 26 ans – il présente La Toussaint au Salon des Beaux-arts. Cet immense tableau de de 3,34 × 2,54 mètres, obtient le prix spécial du Salon puis, la même année, la médaille d’or de l’exposition universelle de Paris.
Son succès ne se démentira plus.
Friant a été fait Chevalier de la Légion d’honneur.

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Piero della Francesca (1412-1492) - Hercules, 1470

Piero della Francesca (1412-1492)
Hercules, 1470
Tempera sur plâtre
Isabella Stewart Gardner Museum, Boston

Ce fragment de fresque ornait autrefois la maison de Piero della Francesca, à Borgo Sansepolcro. Il était à l'origine positionné dans le coin supérieur d'une pièce, avec son bord droit bordant un mur, ce qui aide à expliquer la perspective un peu abrupte de l'image. Hercule se tient sur un seuil. Au-delà, on aperçoit un plafond avec des poutres en bois décorées de feuillages. Piero della Francesco a choisi de peindre ici un Hercule jeune, plutôt qu'adulte, barbu et musclé comme on le rencontre dans la sculpture antique. Ce que cette image du jeune Hercule conservée dans l’habitation privée du peintre pourrait signifier, reste un mystère, même si la figure d'Hercule était associé à la vertu et à la bonté civique. 

La tentative de Mme Gardner d’acquérir la fresque fut elle aussi herculéenne ! La fresque avait été détachée du mur dans les années 1860 et en 1903, elle fut vendue à Gardner par le marchand florentin Elia Volpi, avec l'aide de Joseph Lindon Smith. Cependant, le gouvernement italien retarda l’exportation de l’œuvre jusqu’en 1908 et, à son arrivée en Amérique, elle fut saisie par les douaniers pour le paiement des droits et des amendes. À Fenway Court, l'Hercule est devenu la pièce maîtresse d'une nouvelle galerie de tableaux italiens où il était exposé devant une broderie cousue à la flamme.

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