Titien (1490-1516) (attribué à) - Portrait de Soliman 1er

 

 

Titien (1490-1516) (attribué à...)
Portrait de Soliman 1er,  vers 1530.
Kunsthistorisches Museum, Vienna 

Plusieurs portraits de Soliman 1er, à plusieurs ages de sa vie, ont été peint de son vivant.   On l'attribue à Titien qui peignit plusieurs le sultan et notamment dans un double portrait aujourd'hui célèbre avec le roi de France François 1er de la dynastie des Valois.  Le portrait  ci dessus, réalisé alors le sultan avait 36 ans est  pour l'instant, toujours attribué à Titien...

Soliman Ier est probablement né le 6 novembre 1494 à Trébizonde (Trabzon) dans l'actuelle Turquie et mort le 6 septembre 1566 à Szigetvár dans l'actuelle Hongrie. Fils de Sélim Ier Yavuz, il fut le dixième sultan de la dynastie ottomane de 1520 à sa mort en 1566. On le nomme Soliman le Magnifique en Occident et le Législateur en Orient en raison de sa reconstruction complète du système juridique ottoman. Soliman devint l'un des monarques les plus éminents du XVIe siècle et présida à l'apogée de la puissance économique, militaire, politique et culturelle de l'Empire ottoman. Il mena ses armées à la conquête des bastions chrétiens de Belgrade, de Rhodes et de la Hongrie avant de devoir s'arrêter devant Vienne en 1529. Il annexa la plus grande partie du Moyen-Orient lors de ses guerres contre les Séfévides d'Iran ainsi que de larges portions de l'Afrique du Nord jusqu'en régence d'Alger. Sous son règne, la marine ottomane, menée notamment par l'amiral Barberousse, domina la mer Méditerranée, la mer Rouge et le golfe Persique. À la tête de son empire en pleine expansion, Soliman instaura des changements législatifs concernant la société, l'éducation, l'économie et le système judiciaire. Son code civil (Kanun) fixa la forme de l'empire pour plusieurs siècles. Soliman était non seulement un poète et un orfèvre, mais également un mécène qui supervisa l'âge d'or de l'art, de la littérature et de l'architecture ottomanes. Il parlait quatre langues : le turc ottoman, l'arabe, le tchaghataï et le persan. En rupture avec les traditions ottomanes, Soliman épousa l'une des filles de son harem, Roxelane, qui devint Hürrem Sultan ; ses intrigues en tant que reine à la cour et son influence sur le sultan assurèrent sa renommée. Le règne de près de 46 ans de Soliman demeure le plus long de l'histoire de l'Empire ottoman.

____________________________________________
2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Thomas Eakins ( 1844-1916) - The Zither Player

Thomas Eakins (1844-1916)
The Zither Player
watercolour, 1876
Private collection 

Thomas Cowperthwaite Eakins est un peintre, sculpteur et photographe américain, associé au courant moderniste du réalisme américain. Admis à l'École des beaux-arts de Paris dans les ateliers de Jean-Léon Gérôme, puis de Léon Bonnat de 1866 à 1868, il séjourne ensuite quelque temps à Pont-Aven à l'instigation de Robert Wylie. Il voyage ensuite en Espagne avant de retourner aux États-Unis où il commence une brillante carrière de peintre réaliste et se spécialise dans la peinture des sportifs (boxeurs, lutteurs, rameurs, joueurs de base ball... ). Amoureux de la vérité optique, il s'intéresse aussi à la photographie. En 1882, il devient professeur à l'académie des beaux-arts de Pennsylvanie, une école d'art avant-gardiste où l'on enseigne notamment la photographie. En 1886, il perd son poste de professeur à l'académie pour avoir admis un public féminin lors d'un cours d'anatomie d'après modèle masculin...

____________________________________________
2022- Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

IIIe Dynastie (2686-2613 av. JC) - Divinité de la virilité

IIIe Dynastie (2686-2613 av. JC)
Divinité de la Virilité (c. 2600 av. JC)
Statuette en gneiss (roche composée de quartz, mica, feldspath). 21.4 x 9.7 x 8.9 cm.
The Brooklyn Museum, New York (Charles Edwin Wilbour Fund).

La IIIe dynastie égytienne (2686-2613 av. JC) est principalement connue par le célèbre Djéser. Les avis divergeaient sur le nom du fondateur de cette dynastie. En effet, plusieurs listes royales ramessides indiquaient que le fondateur était le roi Nebka tandis que la table de Saqqarah indiquait que c'était le roi Djéser. Plusieurs découvertes faites à Saqqarah et surtout à Abydos tendent à monter que le fondateur était Djéser. En effet, beaucoup de scellements, au nom du roi Djéser et trouvés dans la tombe du dernier roi de la IIe dynastie Khâsekhemoui, tendent à montrer que c'est Djéser qui a procédé aux funérailles de Khâsekhemoui et lui a donc succédé. Le nom du dernier roi de la dynastie, Houni, semble assuré. L’apparition de signes hiéroglyphiques continus à la fin de la IIIe dynastie marque une nouvelle étape, liées sans doute au développement d’un milieu de l’écrit (scribes) où s’élabore une notion nouvelle d’individualité (les « autobiographies » funéraires). La pierre taillée devient le matériau principal d’architecture. L’architecte Imhotep, grand prêtre d’Héliopolis (culte de Rê), médecin et sage, rédacteur de la première sagesse (non retrouvée), construit la première pyramide à degrés à Saqqarah (soixante mètres de haut), entourée d’une enceinte reproduisant l’image de l’enceinte de brique du palais. Il sera plus tard honoré comme un dieu, fils de Ptah.

____________________________________________
2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Leonard de Vinci (1452-1519) - Etude de profil d'un homme barbu

Léonard de Vinci (1452-1519)
Etude de profil d'un homme barbu
Dessin, c1480
Collection privée  (Reynal & Hitchcock, New York, 1945)

 

Léonard de Vinci n'a pas été un peintre prolifique (seule une quinzaine de peintures de Leonard de Vinci sont parvenues jusqu'à nous) mais il l'a été comme dessinateur, remplissant ses journaux de petits croquis et de dessins détaillés afin de garder une trace de tout ce qui avait attiré son attention.
Son premier dessin daté est un paysage, Paysage de la vallée de l'Arno (1473), qui montre la rivière, les montagnes, le château Montelupo et les exploitations agricoles au-delà de celui-ci dans le plus grand détail.
Il existe de nombreuses études de beaux jeunes hommes, souvent associées à Salai, avec le visage rare, très admiré et caractéristique que l'on appelle le « profil grec » . Ces visages sont souvent en contraste avec ceux d'un guerrier. Salai est souvent dépeint dans des costumes et des déguisements. Léonard est connu pour avoir conçu des décors pour des processions traditionnelles. D'autres dessins, souvent minutieux, montrent des études de draperies. Le Musée Léon-Bonnat de Bayonne conserve un dessin de Léonard de Vinci représentant Bernardo di Bandino Baronchelli (l'un des assassins de Julien de Médicis lors de la conjuration des Pazzi), après sa pendaison à l’une des fenêtres du Palazzo del Capitano di Giustizia à Florence...

____________________________________________
2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

 

Théodore Chassériau (1819-1856) - Etude d'un homme noir, titré "Etude de Nègre"

 

 

Théodore Chassériau (1819-1856)
Etude d'un homme noir, titré "Etude de Nègre", 1838
Musée de Montauban, France

 
Cette œuvre fut commandée à Chassériau, jeune homme, par Ingres par l'intermédiaire de Gatteaux à qui il adressa ces mots : " Il me faut mon cher, que vous me fassiez le plaisir de me seconder dans une chose qui me fait le plus grand besoin. Le calque ci-joint vous indiquera ce que je veux. Il faut donc trouver parmi mes élèves celui qui sait le mieux faire le portrait d'un modèle, et, si ne me trouvez mieux, je crois pouvoir désigner le jeune Chassériau. Je vous prie donc de me l'envoyer et de lui faire-part de votre proposition. Surtout qu'il copie le type de l'individu le plus possible. Je vous pris de lui recommander le plus grand secret. Qu'il ferme son atelier aux désoeuvrés pendant ce temps. Comme je ne dois rien vous cacher, le sujet est le seigneur chassant le démon du haut de la montagne. Quant à l'élève, il n'a pas besoin de le savoir : je lui demande une simple figure de nègre dans cette attitude."
Le modèle fut un modèle connu dans le monde artistique parisien comme  " le nègre Joseph " qui avait déjà posé pour Le Radeau de la Méduse de Géricault.
Le jeune élève mis du temps à réaliser la commande car la pose étant très fatigante, les séances durent être écourtées. Il respecta en tous points la commande changeant cependant la couleur du fond, utilisant le bleu plutôt que le blanc.
Le projet d'Ingres auquel se rattache cette étude ne vit jamais le jour.

________________________________________
2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Peintre anonyme - Portrait de Sir Walter Raleigh

Peintre anonyme
Portrait de Sir Walter Raleigh, 1588
National Portrait Gallery, London

Sir Walter Raleigh, (1554-1618) était un favori de la reine Elizabeth I. Elle le fit chevalier en 1585. En 1584-1589, il aparticipa à une tentative infructueuse d'établir une colonie en Amérique du Nord, de laquelle il ramena  le tabac et la pomme de terre  qu'il introduisit en Grande-Bretagne. Accusé de trahison par le successeur d'Elizabeth, Jacques Ier, il fut emprisonné dans la Tour de Londres et finalement mis à mort en 1618.
________________________________________
2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Half Naked Pianist

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Half Naked Pianist, 1971
Yannis Tsarouchis Foundation

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une vertiable icône de "l'art gay"

________________________________________
2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) - Portrait d'un ingénieur naval de la flotte russe,

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009)
Portrait d'un ingénieur naval de la flotte russe, 1975
Huile sur carton, 69x49 cm
Collection privée

Né dans la région de Volgograd, Vasiliy Vasil'evich Strigin reçoit son diplôme de l'Ecole d'art de Stalingrad en 1939. Il participe activement à ce que les Russes appellent alors la grande guerre patriotique du 2 juillet 1941 et que nous appelons la Seconde guerre mondiale, en tant que commandant au département des communications, batterie 544 du régiment d'artillerie. Il continua à servir dans la 117e brigade d'artillerie RVGK, au quartier général du Département des renseignements avec le grade de sergent. Il a pris une part active aux batailles de Moscou, de Vyazma et à la terrible et légendaire bataille de Stalingrad. Il a participé à la libération de Smolensk, Minsk, s'est battu en Lituanie, en Prusse, a participé à l'assaut de Koenigsberg.
Pour ses hauts faits militaires, il reçut l'ordre de Patriotes de guerre I degré, l'Etoile rouge et les médailles "Pour le courage", "Pour le mérite militaire", "Pour la défense de Moscou", "Pour la capture de Koenigsberg" et bien d'autres encore.
Après la guerre, il fut membre de l'Union des artistes de l'URSS. Il a été élu à deux reprises président du conseil d'administration de la branche de Volgograd de l'Union des artistes et passa l'essentiel de sa vie à Volgograd.
Il fait partie des artistes qui ont magnifié, à travers ses tableaux typiques du style Réalisme Soviétique, toutes une époque de l'histoire de la Russie principalement dans les actions quotidiennes de ses héros anonymes.
________________________________________

2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Arabie pré-islamique - Stèle anthropomorphe, IVe mill. av. J.C.

 

Sculpture anonyme, Sculpture antique
Arabie pré-islamique - Stèle anthropomorphe, IVe mill. av. J.C.,
Grés, H. 57, L. 27 cm, Ha'il-El-Maakir-Qaryat al Kaafa,
Musée national de Riyad, Saudi Commission for Tourism & Antiquities

 
Trouvée dans un petit village près de Ha'il dans le nord-ouest de l'Arabie saoudite, cette stèle anthropomorphe (de type humain) était l'une des trois découvertes dans la région. Le trio rejoint un corpus de plus de soixante sculptures en bas-relief à forme humaine datant du quatrième millénaire avant notre ère. et découvert à travers la péninsule arabique au cours des quatre dernières décennies. Malgré le vaste territoire sur lequel elles ont été trouvées (environ 2 300 kilomètres, s'étendant de la Jordanie au nord au Yémen au sud), ces stèles  partagent certaines caractéristiques et caractéristiques

L'Arabie préislamique désigne la péninsule arabique avant le VIIe siècle, soit avant l'apparition de l'islam, incluant la préhistoire et l'histoire de cette région. Dans l'Antiquité, à l'époque de l'Empire romain, les auteurs gréco-latins divisent l'Arabie en trois régions distinctes : l'Arabie Heureuse, au Sud, qui correspond au Yémen actuel ; l'Arabie centrale, peuplée de nomades et de sédentaires et qui vivent dans l'orbite de l'Arabie Heureuse ; et l'Arabie pétrée, sous influence des Empires byzantin et perse. 

Alors qu'aujourd'hui l'Arabie saoudite est surtout célèbre  pour ses déserts et ses réserves de pétrole, à l'époque préhistorique, l'environnement et le paysage étaient radicalement différents - plus fertiles et luxuriants, et facilement accessibles aux humains : les premiers pétroglyphes de pierre représentent des personnes chassant des autruches, un oiseau incapable de voler  et qui fut une proie facile pendant des milliers d'années. C'était à l'époque néolithique, du VIe au IVe millénaire avant notre ère. lorsque la péninsule arabique ressemblait plus à une savane qu'à un désert, ces petits groupes de chasseurs-cueilleurs ont progressivement déplacé leur économie de la prédation à la production en domestiqué des animaux tels que les moutons, les chèvres et le bétail, et en s'installant dans des oasis et des régions montagneuses liées à les uns aux autres par des sentiers de caravane. En raison des conditions climatiques changeantes, ces sites de peuplement n'étaient souvent que temporaires - occupés de manière saisonnière mais répétée, et probablement pendant des siècles - mais c'est ce besoin constant de mouvement qui a stimulé la communication entre les régions et l'interaction entre ses sociétés. Mais plus que de simples personnes se déplaçaient sur les sentiers des caravanes d'Arabie : des idées et des objets voyageaient aussi.

____________________________________________

2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau 

 

Luigi Lucioni (1900- 1988) - Portrait de William Whitehead

Luigi Lucioni (1900- 1988)
Portrait de William Whitehead
Collection Privée

Luigi Lucioni était un peintre américain d'origine italienne qui se fit surtout connaitre par ses natures mortes, ses paysages et ses portraits principalement masculin bien que son premier grand succès soit du à un portrait de femme, celui de la légendaire chanteuse de blues Ethel Waters.
En 1938, Lucioni rencontre Ethel Waters dont il peint le portrait dans son studio de Washington Square. En 1939, Ethel Waters achète le portrait à Lucioni pour 500 dollars. Ethel Waters était alors à l'apogée de sa carrière, commençant à devenir la légende du jazz et du blues que l'on sait. En 2017, le Huntsville Museum of Art acquiert ce portrait historique d'Ethel Waters que tout le monde croyait perdu. Luigi Lucioni, devient à son tour un peintre mythique de la légende américaine du 20e siècle avec ses portraits Jared French, Paul Cadmus...

William Whitehead, à ne pas confondre avec le célèbre poète anglais (1715-1785) du même nom, était un ami de Luigi Lucioni. dont le nom et les activités resteront dans l'Histoire uniquement pour avoir été le modèle  de Lucioni dans ce portrait très caractéristique de l'esthétique de la peinture figuratove américaine des années 50 .
____________________________________________

2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Sculpture antique / Sculpture anonyme- Arabie pré-islamique - Statue Lihyanite, al-’Ulâ,

 

Sculpture antique / Sculpture anonyme
Arabie pré-islamique -Statue Lihyanite, al-’Ulâ,
Musée du département d’Archéologie, Université du Roi al Saoud / Musée du Louvre

 
L'ancien royaume de Lihyan, ou Lihyân, des Lihyanites, se trouvait dans l'oasis d'Al-'Ula d'aujourd'hui, à environ 150 km au sud-ouest de Tayma au nord-ouest de l'Arabie saoudite , sur la route de l'encens.  Les inscriptions retrouvées remontent aux VIe et IVe siècles av. J.-C. La capitale de ce royaume pré-islamique est nommée dans la Bible sous le nom de" Dedan ".  La langue lihyanique est considérée comme un dialecte du nord-arabique.  Après l'établissement du califat, ces dialectes ont été supplantés par le haut-arabe, également un dialecte nord-arabe.
L'Arabie préislamique désigne la péninsule arabique avant le VIIe siècle, soit avant l'apparition de l'islam, incluant la préhistoire et l'histoire de cette région. Dans l'Antiquité, à l'époque de l'Empire romain, les auteurs gréco-latins divisent l'Arabie en trois régions distinctes : l'Arabie Heureuse, au Sud, qui correspond au Yémen actuel ; l'Arabie centrale, peuplée de nomades et de sédentaires et qui vivent dans l'orbite de l'Arabie Heureuse ; et l'Arabie pétrée, sous influence des Empires byzantin et perse.

____________________________________________

2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Vitale Sala (1803-1835) - Deux nus masculins

 

Vitale Sala (1803-1835)
Deux nus masculins, 1820
Collection privée

Vitale Sala (est un peintre académique italien de la première moitié du 19siècle. surtout célèbre pour sa composition mélodramatique " La rencontre de Dante avec Paolo et Francesca."

 

____________________________________________

2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Lucas Cranach the Elder (1472-1553) - Tête du Christ avec la couronne d 'épines

Lucas Cranach the Elder (1472-1553)
Tête du Christ avec la couronne d 'épines (c. 1520-25)
Huile et tempera sur bois, 28 x 21 cm.
Collection privée

La représentation de la tête du Christ dans ce tableau est basée sur la « vera icône », réputée être le vrai visage du Christ. Selon la légende, ce visage ressemblant est apparu de manière miraculeuse sur le voile de Sainte Véronique après qu'elle l'ait utilisé pour essuyer le sang et la sueur du Seigneur sur le chemin du Calvaire.

____________________________________________

2022 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Jacobello del Fiore (1370-1439) - L' Archange Saint Michel

Jacobello del Fiore  (1370-1439)
L' Archange Saint Michel
Galleria dell' Accademia,  Venise

Pendant de nombreuses années après sa mort, Jacobello del Fiore n'a pas reçu le mérite que les experts du domaine trouvent approprié aujourd'hui, en tant que l'un des principaux artistes vénitiens de son époque,. Keith Christiansen écrit dans son livre sur Gentile da Fabriano : « Jacobello del Fiore souffre d'un malentendu critique plus grand que tout autre artiste vénitien primitif. Roberto Longhi le jugeait comme une personnalité moindre que Niccolò di Pietro ou Zanino car ses œuvres semblaient profondément liées à la peinture vénitienne plutôt qu'à celle du continent. En fait, Jacobello est le plus grand artiste local de sa génération. »  Des historiens de l'art tels que Daniele Benati ont clarifié le rôle de Jacobello en tant que lien entre le style gothique tardif émergeant des artistes lombardes et la tradition locale du Trecento des peintres vénitiens, rétablissant son rôle important dans l'art vénitien et les styles changeants de l'époque.
Il n'existe aucun portrait connu de Jacobello. Malgré son influence et son importance pour la peinture vénitienne de la Renaissance au début du xve siècle, Jacobello del Fiore ne demeure pas dans les mémoires comme une figure majeure de la Renaissance. Ses peintures sont les sources primaires intégrales pour les historiens de l'art et les chercheurs occasionnels qui veulent comprendre cet artiste.

____________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Gustave Courbet (1819-1877) (attribué à...) - Etude de nu masculin

 

 

Gustave Courbet (1819-1877) (attribué à...)
Etude de nu masculin, vers 1840.
Collection privée  

Gustave Courbet, est un peintre et sculpteur français, chef de file du courant réaliste. Auteur d'un important corpus de peintures — plus d'un millier d'œuvres —, Courbet est l'un des artistes les plus puissants et les plus complexes du xixe siècle. Dès 1848-1849, ses toiles s'opposent aux critères de l'académisme, à l'idéalisme, aux outrances romantiques ; transgressant la hiérarchie des genres, il provoque le scandale chez ses contemporains, et l'attrait de quelques collectionneurs privés, perturbant les frontières de l'art. Soutenu par quelques critiques, comme Charles Baudelaire et Jules-Antoine Castagnary, son œuvre, qui ne peut être réduite à l'épisode du réalisme pictural, contient en germe la plupart des courants modernistes de la fin de son siècle. Individualiste, revendiquant son autodidactisme et son terroir, Courbet était un amoureux des forces de la nature et des femmes. S'il a mené quelques combats, notamment contre la religiosité, la mauvaise foi et le mépris des paysans et des travailleurs manuels, la fin de sa vie le montre tout entier face aux éléments du paysage. Rarement un peintre avait, de son vivant, essuyé autant d'insultes.
Élu républicain, acteur de la Commune de Paris de 1871, il est accusé d'avoir fait renverser la colonne Vendôme, et condamné à la faire relever à ses propres frais. Exilé en Suisse, il entretient des contacts épistolaires suivis avec sa famille, ses amis parisiens, et continue d'exposer et vendre ses œuvres. Malade, il meurt épuisé, trois ans avant l'amnistie générale, âgé de 58 ans.
Reconsidérée depuis les années 1970, notamment par la critique anglo-saxonne qui lui donne ses premiers véritables biographes, son œuvre vigoureuse et sans compromis, éclairée par l'exploration de ses écrits privés qui révèle un être lucide, subtil et sensible, ne cesse d'entretenir avec notre modernité des rapports intimes, souvent surprenants.
« J'ai étudié, en dehors de tout système et sans parti pris, l'art des anciens et l'art des modernes. Je n'ai pas voulu plus imiter les uns que copier les autres. J'ai voulu tout simplement puiser dans l'entière connaissance de la tradition le sentiment raisonné et indépendant de ma propre individualité. »
— Gustave Courbet, Le Réalisme, 1855
____________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Leonard Limosin (1505-1575) - Henri d'Albret, Roi de Navarre

Leonard Limosin (1505-1575)
Henri d'Albret (1503–55), Roi de Navarre
Émail peint sur cuivre partiellement doré, 1556, 19,1 x 14,3 cm
The MET

Léonard I Limosin est un peintre, émailleur, dessinateur et graveur français du XVIe siècle.Émailleur et peintre, Léonard est encore arpenteur et dresse à ce titre des « figures de lieux et tenues », conservées aux Archives de la Haute-Vienne. En 1571, il perd son frère et associé Martin Limosin. Il est nommé consul en même temps que l'émailleur Jean III Penicaud. Les derniers émaux de Léonard sont datés de 1574. Ils n'ont pas la valeur des précédents. Ce sont des plaques figurant Catherine de Médicis en Vénus, faisant suite à deux autres figurant Henri III en Jupiter, et Charles IX en Apollon. L'œuvre de Léonard Limosin est considérable. On peut évaluer à 1840 émaux qu'il signe et date entre les années 1532 et 1574. Ce n'est pas seulement leur nombre qui fait la célébrité du peintre, mais leur qualité et leur variété en général. Avec une grande hardiesse et une grande habileté, il use de tous les procédés jusque-là connus dans l'art de l'émailleur; il les unit souvent avec bonheur dans une même composition.
Léonard interprète ces dessins avec une grande liberté, mais dans ses admirables portraits, il s'applique à rendre toute la sincérité naïve des crayons français de l'époque. Par l'ensemble de ses qualités : sûreté du dessin, merveilleuse entente des ressources de l'émail, aisance de l'exécution, activité qui tient du prodige, Léonard Limosin se place en tête des émailleurs de Limoges et même des émailleurs français de la Renaissance.

____________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

John Simpson (1782-1847) - Head of a Man (possibly Ira Frederick Aldridge)

 

 

John Simpson (1782-1847)
Head of a Man (possibly Ira Frederick Aldridge)
Oil on canvas, 1827
Tate, London  

À l' époque où le tableau a été peint, la Grande-Bretagne se demandait s'il fallait abolir l'esclavage dans tout l' Empire ou non. En théorie, la traite des esclaves avait été interdite en 1807 au Royaume Uni, mais l'abolition totale et effective restait encore une question politique non résolue à la fin des années 1820.
Avec cette œuvre mais aussi avec The Captive Slave peint la même année, John Simpson a produit deux peintures au statut emblématique, qui peuventt être considérées aujourd'hui comme ses grands chefs-d'œuvres.

____________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

John Minton (1917-1957) - Portrait

 

John Minton (1917-1957)
Portrait
Private collection

Francis John Minton était un peintre, illustrateur, scénographe et enseignant anglais. Après des études en France, il devint professeur à Londres tout en maintenant une production importante d'œuvres. En plus des paysages, portraits et autres peintures, dont certains peints à une très grande échelle , il s'est forgé une réputation d'illustrateur de livres. Au milieu des années 1950, Minton s'est retrouvé en désaccord avec la tendance abstraite qui devenait alors à la mode et se sentait de plus en plus marginalisé. Souffrant de problèmes psychologiques, il se soigna lui-même avec de l'alcool avant de suicider en 1957.
____________________________________________
2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Jean-Baptiste Isabey (1767-1855) - Homme assis

Jean-Baptiste Isabey (1767-1855)
Homme assis
Dessin, Février 1789
Collection privée 

« Peintre en miniature » — comme il est simplement gravé sur la tombe du Père-Lachaise où repose également son fils Eugène (1803-1886), le peintre romantique — mais aussi, selon la titulature dont il bénéficie sous le Premier Empire, « peintre dessinateur du cabinet de S.M. l'Empereur, des cérémonies et relations extérieures », Jean-Baptiste Isabey a tenu une place considérable dans la vie artistique et mondaine des années 1800-1850, et cela sous tous les régimes. L'artiste, en vérité, a beaucoup et souvent trop rapidement produit, aux dépens parfois de la qualité. L'Empereur lui-même le lui reprocha, comme le traduit cette note du grand maréchal du palais, Duroc, le 8 août 1807 : « S.M. a été fort mécontente des portraits de M. Isabey [les effigies de Napoléon étaient commandées par séries] et elle désirerait qu'il fasse mieux ou que l'on employât un autre peintre. » Il est vrai qu'Isabey conserva ses privilèges et réussit même à faire augmenter des honoraires, pourtant jugés exorbitants. 

Jean-Baptiste Isabey représente en Europe l'excellence de l’école française de miniaturistes, une renommée acquise notamment par la qualité de ses ivoires peints à la gouache, en règle générale entourés de cadres précieux ou sertis dans des boîtes d’or. Il sut adapter cette technique et abandonner ce support au profit du papier vélin qui lui permit de vaporeux effets de ciel aquarellés. Ses miniatures sont également reproduites par la suite pendant tout le XIX^e siècle en décor de céramique, en gravure et en lithographie par lui-même ou au travers d'ateliers. 

____________________________________________
2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

John Koch (1909-1979) - Morning

John Koch (1909-1979)
Morning
Oil on canvas, 1971
Private collection 

 

John Koch fut l’un des principaux peintres réalistes américains du 20e siècle. Il peignit des tableaux issus de son univers personnel aussi bien que des représentations fidèles du quotidien de la vie américaine peuplées de modèles, de musiciens, de vues de son atelier ou de son appartement de New York. À travers ses oeuvres Koch fut un porte parole aussi discret que possible du mouvement réaliste, tout en assurant une présence constante et respectée.
Les compositions de Koch étaient élégantes. Ses tons chauds et ses couleurs invitent à entrer dans son monde où l'on peut découvrir de véritables trésors. Dans ces tableaux, les objets eux-mêmes sont choisis avec un soin soin particulier.
____________________________________________ 

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau
 

Scultpure Anonyme - Buste d'Achille

 

Sculpture Anonyme
Buste Achille, marbre, 19e siècle
comportant un cartouche " Pirro
Collection Privée (Christie’s)

Achille (eἈχιλλεύς)est un héros légendaire de la guerre de Troie, fils de Pélée, roi de Phthie en Thessalie, et de Thétis, une nymphe marine. Il est fréquemment appelé « Péléide » ou « Éacide », épithètes qui rappellent son ascendance. Sa mère le plonge dans le Styx, l'un des fleuves des Enfers, pour que son corps devienne invulnérable ; son talon, par lequel le tient Thétis, n'y est pas trempé et reste celui d'un mortel, ce qui le mènera plus tard à sa perte. Il est éduqué par le centaure Chiron qui lui apprend les arts de la guerre, la musique et la médecine. Alors qu'il est encore adolescent, il choisit une vie courte, mais glorieuse, plutôt qu'une existence longue mais sans éclat. Caché par sa mère, qui veut l'empêcher de participer à la guerre de Troie, à la cour du roi Lycomède, le jeune homme est découvert par Ulysse et rejoint, avec son ami intime Patrocle, l'expédition grecque. Lors de la dixième année du conflit, une querelle avec Agamemnon le pousse à quitter le combat : c'est la « colère d'Achille » chantée par l’Iliade. Eschyle, dans sa pièce Les Myrmidons, décrit Achille et Patrocle comme amants ; plus tard, Xénophon, dans son dialogue philosophe Le Banquet, donne une version contraire où ils ne sont pas amants. La mort de Patrocle le pousse à reprendre les armes pour affronter Hector, le meilleur des Troyens. Achille trouve la mort peu après l'avoir tué, atteint au talon par une flèche de Pâris guidée par le dieu Apollon. Achille est honoré comme un héros, voire comme un dieu par le monde grec. Beau, valeureux, champion d'une morale orgueilleuse de l'honneur, il incarne « l'idéal moral du parfait chevalier homérique »

_________________________________________________
2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783) - Portrait d’Aignan-Thomas Desfriches

 

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783)
Portrait d’Aignan-Thomas Desfriches,
Musée des Beaux-Arts d’Orléans

 Parmi les liens que noue Jean-Baptiste Perronneau avec les amateurs, nourris par un même amour de l’art, la longue amitié avec Desfriches (fondateur du musée des Beaux-Arts d'Orléans), tient une place à part et fait souvent d’Orléans, ville de sociabilité raffinée, cultivée et érudite, un centre d’où le portraitiste rayonne tantôt vers Lyon, tantôt vers Bordeaux et l’Espagne, avant de faire d’Amsterdam un port d’attache et de départ vers les villes hanséatiques ou vers Saint-Pétersbourg et Varsovie. Au XVIIIe siècle, la vogue sans précédent du portrait, notamment au pastel, est dominée par deux grandes figures: Maurice Quentin Delatour et Jean-Baptiste Perronneau. Reçu à l’Académie en 1746, Perronneau excelle dans ce genre, sachant donner à ses portraits l’impression qu’ils sont réalisés dans l’instant. Il devient ainsi l’un des peintres favoris du public du Salon du Louvre où sa rivalité avec Delatour va s’afficher pendant plus de vingt ans. Perronneau se rend dans les grandes villes françaises et les capitales étrangères à la rencontre d’une clientèle appartenant aussi bien à la grande aristocratie qu’au monde du négoce ou à celui des arts. Ses portraits illustrent la société d’un monde des Lumières en mouvement.
_________________________________________________
2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Vincenzo Catena (1470-1531) - Portrait d'un jeune homme

Vincenzo Catena (1470-1531)
Portrait d'un jeune homme, 1510
Huile sur panneau de bois, 30,5 x 23,5cm
The National Gallery, London.

 
Vincenzo Catena a été influencé d'abord par Cima da Conegliano, Giovanni Bellini (1506),  Giorgione (1510), Le Titien et Palma il Vecchio sur la fin de sa vie. Le premier document lui faisant référence est le texte figurant au dos de la Laura de Vienne, où il est aussi  cité sous le nom de Vincenzo de Biagio  et où Giorgione, est cité comme cholega de maistro Vincenzo Chatena. En 1530, il est inscrit à la corporation des peintres, dont il semble être l'un des membres influents. En mars 1531, il se rend à Rome et meurt le 29 septembre de la même année.

_________________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891-1967) - Portrait du boxeur Bakun

Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891-1967)
Portrait du boxeur Bakun, 1936
Collection privée

Cette toile est l'un des rare peintures figuratives de Lebedev, exécutée dans le style du réalisme soviétique cher au pouvoir d'alors.  Elle n'est en rien représentative de son œuvre beaucoup plus affilié a l'avant garde  cubiste et constructiviste.... C'est en cela d'ailleurs qu'elle est intéressante...


Vladimir Vasilyevich Lebedev  (Влади́мир Васи́льевич е́бедев)  a commencé sa carrière à  l'age de 14 ans en peignant des cartes postales vendues dans une boutique de Saint-Pétersbourg. Sa première exposition à l'Académie des Beaux-Arts a eu lieu cinq ans plus tard.  En 1913, il commence à travailler comme caricaturiste politique pour plusieurs journaux satiriques, dont le célèbre Satirikon (Сатирикон). À ce moment-là, il était déjà un illustrateur prolifique pour les magazines pour enfants Jackdaw ( Галчонок ), Le Journal  Bleu (Синий Журнал), Le Jounnal de Tout le Monde (Журнал для всех) et Argus (Аргус) et, en 1917, il avait également illustré le livre pour enfants Le Lion et le Taureau.
Entre  1920 et 1922, quelques années seulement après la Révolution, Lebedev a été embauché pour créer plus de 500 affiches, ou pancartes, pour l'Agence télégraphique russe ( ROSTA ) et le Département de l'Agitation et de la  Propagande (Agitprop ). Le but dans les deux cas était de promouvoir la solidarité de la classe ouvrière.  Étant donné que les journaux et l'alphabétisation étaient limités, les affiches étaient stratégiquement affichées dans des vitrines vides - connues sous le nom de fenêtres ROSTA - qui fonctionnaient comme une forme grossière de communication de masse.  Les affiches de Lebedev se distinguaient par leur imagerie austère et simplifiée : une seule figure, aux couleurs vives, construite à partir de formes géométriques épargnées et engagée dans divers types de travail.
Dans les années 1910 et 1920, il côtoyait bon nombre des personnalités les plus influentes du mouvement artistique d' avant-garde soviétique radical, parmi lesquelles le constructiviste Vladimir Tatline  le cubo-futuriste Ivan Puni, le suprématiste Kazimir Malevitch  le futuriste Vladimir Maïakovski et l' acméiste et formaliste littéraire. critique Nikolaï Pounine. Au milieu des années 1920, il s'associe au poète Samuil Marshak pour créer à la fois des livres d'images et des « livres de production » politiquement conscients. Cette dernière forme, unique à l'Union soviétique, racontait des histoires qui enseignaient aux enfants « le monde des travailleurs et comment les choses sont faites ». Vladimir Vasilyevich Lebedev faisait lui même  partie intégrante de l' avant-garde russe : peintre, un caricaturiste politique et  affichiste, avec un style expérimental influencé par l'art populaire russe, le lubki, le futurisme, le  constructivisme, le suprématisme,  le productionnisme et le cubisme. Pionnier dans le domaine de l'illustration pour enfants, il reconnaîtra plus tard son rôle dans l'invention d'un nouveau style d'illustration.

__________________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Nicolas-Bernard Lépicié (1735-1784) - Nu debout

Nicolas-Bernard Lépicié (1735-1784)
Nu debout
Sanguine
Minneapolis Institute of Arts

Fils de deux graveurs, Nicolas-Bernard Lépicié étudie la gravure avec son père avant d’être forcé de quitter cet art, à cause de la faiblesse de sa vue, et de se tourner, vers 1751, vers la peinture qu’il étudie sous la direction de Carle van Loo. Ayant obtenu, en 1759, le deuxième prix du prix de Rome, il reste néanmoins en France. Agréé par l’Académie royale en 1764, avec La Descente de Guillaume le conquérant en Angleterre (Caen, abbaye aux Hommes),  Reçu membre de l’Académie et peintre du roi avec Achille et le Centaure en 1769, il devient professeur-adjoint en 1770, puis professeur en 1779. Souvent comparée à celle de Chardin et de Greuze,  la peinture de Lépicié a connu une grande vogue au 18e siècle. À partir des années 1760, tout en continuant à peindre des sujets d’histoire, il se met à peindre des scènes de genre intimiste dans le style flamand qui rappellent Teniers le vieux et Ter Borch. Dans les dernières années de sa vie, il se retire souvent à la campagne où il peint des scènes rustiques à la suite d’une crise religieuse qui l’amènera à modifier ou à supprimer certaines de ses œuvres contraires à sa nouvelle sensibilité. Tuberculeux, il meurt avant sa cinquantième année, loué pour sa piété au moins autant que pour ses talents.  

__________________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Jean Jacoby (1891-1936) - Rugby, 1928

Jean Jacoby (1891-1936)
Rugby, 1928
Collection privée

Jean Lucien Nicolas Jacoby est un artiste luxembourgeois. A une époque ou l'art faisait partie des disciplines qui concourrait aux Jeux Olympique, il remporta deux médailles d'or olympiques aux compétitions artistiques aux Jeux olympiques en 1924 pour sa peinture Étude de sport et une autre en 1928 pour son dessin Rugby. Cela fait de lui l'artiste olympique le plus titré de tous les temps.
Jacoby a souvent représenté le sport dans ses œuvres, par exemple dans le cadre des timbres-poste luxembourgeois pour les Jeux olympiques d'été de 1952.
Après avoir passé sa jeunesse à Molsheim en Alsace, Jean Jacoby étudie l'art à l'École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg.  Il fut ensuite professeur de dessin de 1912 à 1918 à l'école Lewin-Funcke de Berlin, puis travailla à Wiesbaden, avant de reprendre le département d'art d'une imprimerie à Strasbourg.
Il est devenu internationalement connu quand, en 1923, il a remporté le Concours français de l'Auto avec son dessin Hurdle runner, battant 4 000 autres participants. De 1926 à 1934, il travaille comme illustrateur et directeur artistique pour deux journaux de l'Ullstein-Verlag, le Berliner Illustrierte et le Grüne Post. Il a également fondé un guide des programmes de radio pour toute l'Allemagne, appelé Sieben Tage.
En 1934, il s'installe à Mulhouse, où il meurt en 1936 d'une crise cardiaque.
__________________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Robert Campin (1378/9 - 1444) - Portrait d'une homme, 1430/5

Robert Campin (1378/9 - 1444)
Portrait d'une homme, 1430/5
Huile sur bois,  40.7x28.1 cm
National Gallery, London

Il semblerait que l'on puisse aujourd'hui assimilé l'identité de Robert àc elle d'une autre peintre connu sous le nom de "Maître de Flémalle". Il fut, avec van Eyck, le créateur du style réaliste dans la peinture à l'huile aux Pays-Bas au début du XVe siècle. Son influence s'est trouvée largement répandue par son prodigieux élève Rogier van der Weyden. Campin fut actif à Tournai à partir de 1406.
Au début du XVe siècle, les Pays-Bas appartenaient au duché de Bourgogne. Le détail réaliste de l'œuvre de Campin s'accompagne d'une certaine pesanteur et d'une grande sévérité d'expression des visages qui sont assez typiques de la sculpture bourguignonne de cette époque. C'est très visible lorsqu'on la met en parallèle avec le travail des artistes florentins de la première Renaissance. La qualité du trait et de  la peinture cependant reste exceptionnelle. 

____________________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Anne-Louis Girodet de Roussy Trioson dit Girodet (1767-1824) - Etude de profil

Anne-Louis Girodet de Roussy Trioson dit Girodet (1767-1824)
Etude de profil
Huile sur toile,
Collection privée 

 

 

Bien qu'ayant commencé comme un fidèle disciple de son maître Jacques-Louis David, Girodet s'efforce ensuite de développer un style personnel, jouant avec les effets de lumière. À la peinture d'Histoire, il préfère une sorte de symbolisme éthéré. Dramatisant à l'excès ses sujets, il excelle dans la pose et le travail de la lumière. Il bouscule les codes de la sensibilité en les transposant dans les scènes religieuses. Lors de son séjour de cinq ans en Italie, Girodet se démarque de la gravité et de la retenue de David et envoie au Salon en guise d'académie imposée, Le Sommeil d'Endymion (Musée du Louvre) dont le caractère onirique et étrange est considéré comme une des premières manifestations du romantisme. Ses tableaux plurent aux romantiques par les sentiments exaltés qu'il y représentait. Honoré de Balzac en fait l'éloge dans Sarrasine (1831) qui était par ailleurs un grand admirateur de Girodet, le cite encore dans La Bourse et La Maison du chat qui pelote. Il excelle dans la vérité des portraits, parfois allégoriques (Jean-Baptiste Belley, Mademoiselle Lange en Danaé), souvent intimes — le fils de son père adoptif a été peint à trois époques : jeune enfant, préadolescent et adolescent —, il sait révéler l'âme de ses personnages comme dans son célèbre Portrait de Chateaubriand (Saint-Malo, musée d’Histoire de la Ville et du Pays Malouin). Un de ses portraits, Mademoiselle Lange en Danaé (1799), fait scandale à cause de ses allusions sexuelles satiriques. Cette anecdote, où Girodet se venge de la célèbre Merveilleuse Mademoiselle Lange de n'avoir pas apprécié un premier portrait d'elle, illustre bien le caractère irascible et incontrôlable de ce peintre. Il réalisa des décors peints pour les demeures de Napoléon, premier consul puis empereur, et participa à la représentation de l'épopée napoléonienne. Sa peinture d'histoire s'arrange souvent avec les faits pour leur donner une dimension métaphysique ou esthétique : dans sa Révolte du Caire, il peint plusieurs belligérants n'ayant jamais participé à l'événement. Dans la Légende napoléonienne, l’Apothéose des Héros français morts pour la patrie pendant la guerre de la Liberté (1802) représente le barde Ossian accueillant au paradis les généraux Desaix, Kléber, Marceau, Hoche et Championnet. Cette toile ne cesse d’étonner par son côté novateur annonçant le premier romantisme. Girodet a aussi illustré des livres, notamment des éditions de Jean Racine et de Virgile. Le graveur Barthélemy Joseph Fulcran Roger réalisa plusieurs gravures en taille-douce des illustrations de Girodet, notamment d'un portrait de Constance de Salm.

____________________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

 

Willem van der Vliet (1584-1642) - Un érudit entouré de figures avec masques 1627, aussi appelé " Allégorie" (détail et integralité)

Willem van der Vliet (1584-1642),
Un érudit  entouré de figures avec masques 1627, aussi appelé " Allégorie"
Huile sur toile 112 cm x149 cm
Collection privée ( Sotheby's)

1 Détail 

2. Tableau entier

Cette scène énigmatique, dont un autre détail a déjà été publié ans ce blog il y a deux ans, a échappé à l'interprétation pendant près de quatre siècles. Les théories sur son interprétation divisent encore les observateurs. Le tableau complet représente une pièce remplie de personnages.  Un homme barbu et âgé est assis à un bureau chargé de livres, en conversation avec une femme qui se tient à côté de lui et qui semble avoir retiré un masque qu'elle tient de deux doigts posés à travers l'emplacement des yeux Derrière l'homme âgé, un jeune individu, peut-être une femme d'ailleurs, tient un masque au-dessus de la tête de l'homme tout en souriant au spectateur. Le masque arbore une moustache rouge et une petite barbe, peut-être une version plus jeune de l'homme assis (détail déjà publié). Au loin, une silhouette en turban dont le masque porte une longue barbe noire regarde le spectateur. À l'extrême droite, un autre homme masqué (c'est le détail publié aujorud'hui) tien tun flacon enveloppé dans un tissu sous son bras et un livre ou un sac à main dans son autre main regarde dans le vague. La signification exacte qui se cache derrière cette oeuvre de ravail de Vliet est toujours inconnue, à ce jour et il n'est même pas certain que la scène soit conçue comme une allégorie.
Si l'on s'en tient à une interprétation littérale de ce que l'on voit, il pourrait aussi simplement s'agir d'une peinture de genre représentant un dramaturge parlant à une troupe d'acteurs et d'actrices, les conseillant sur leurs rôles.

____________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Francesco Salviati (1510–1563) - Portrait de Carlo Rimbotti

Francesco Salviati (1510–1563)
Portrait de Carlo Rimbotti, c.1548.
Huile sur panneau de bois, 52,5 x 41,2 cm.
The Metropolitan Museum of Art

Selon l'analyse du MET, Salviati a peint le médecin florentin Carlo Rimbotti alors que les deux hommes appartenaient à la même société littéraire, l'Accademia Fiorentina. La qualité de la présence suggère du modèle qu'il s'agissait d'un portrait non officiel fait pour un ami. L'observation précise - notez les grains de beauté sur le front et le front de Rimbotti - contraste avec la formalité et l'artifice du portrait de Bronzino accroché à proximité ua MET . Au contraire de Bronzino. Salviati tente toujours d'encourager le spectateur à se rapprocher de son modèle .

Vasari considérait Salviati comme l'une des rares personnalités artistiques polyvalentes parmi les maniéristes. Devenu célèbre comme peintre, il était aussi un grand dessinateur ; il créa également des modèles pour des œuvres relevant d'autres techniques : gravures, médailles et emblèmes, cartons de tapisseries destinés à de somptueuses tentures."

____________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Alphonse Legros (1837-1911) - Tête d'homme regardant vers le haut

Alphonse Legros (1837-1911)
Tête d'homme regardant vers le haut, c.1890.
Pointe d'argent sur papier préparé
Collection privée 

 Alphonse Legros, est un peintre, graveur, sculpteur et médailleur français naturalisé britannique. Quasiment inconnu en France de nos jours, il fut pourtant assez célèbre de son vivant surtout auprès des peintres français pour son perfectionnisme et son académisme intransigeant.
Poussé par Whistler, il s'installe à Londres en 1863 où il obtient d'abord un poste de professeur de gravure à la South Kensington School of Art avant d'être appelé au University College de Londres où, de 1876 à 1892, il est un maître dévoué à son enseignement et à ses élèves, approfondissant l'étude des artistes anciens comme Holbein, Rubens ou les dessinateurs italiens de la Renaissance. De fait, son influence sur les dessinateurs britanniques de la fin du siècle est importante et durable, il participe au regain d'intérêt de l'époque pour la gravure, et est l'un de ceux qui remettent à l'honneur la pointe d'argent, une technique alors tombée en désuétude.
En 1880, il est membre fondateur de la Royal Society of Painter-Printmakers. Sans être parfaitement anglophone, mais reconnu par l’establishment, il obtient la nationalité britannique en 1881 et poursuit sa création en Angleterre, surtout dans le domaine de la gravure (eaux-fortes et médaillons), sans abandonner cependant ses liens avec la France : en 1862, il est membre fondateur de la Société des aquafortistes cofondée par Alfred Cadart à Paris, avec lequel il restera en lien.

__________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Frans Floris (1519-1570) - Tête d'homme casqué (Mars?)

Frans Floris (1519-1570)
Tête d'homme casqué (Mars? )
Huile sur panneau
Collection privée (Christie’s Oct. 2019)

Audacieux, vif et résolu, il comprit qu’il serait facile de gagner sa vie et d’acquérir un nom en dessinant pour les graveurs et en peignant à grande échelle à la manière de Vasari. Il ouvre rapidement une école de laquelle, dit-on, sortirent 120 disciples
Il a été surnommé par ses compatriotes « le Raphaël flamand ». Peu de ses travaux parvinrent jusqu'à nous, en partie parce qu'ils ont été condamnés à cause de leurs défauts, en partie parce qu'ils furent bientôt dépassés par les nouvelles normes qui allaient bientôt surgir.
Frans Floris peint de grandes peintures pour les maisons de campagne de nobles Espagnols et pour les villas de patriciens d'Anvers. Il est connu pour avoir illustré la fable d'Hercule en dix compositions et les arts libéraux en sept, pour Claes Jongeling, un marchand d'Anvers, et il orna le palais de Beaumont de Philippe de Croÿ, duc d’Arschot, de quatorze panneaux colossaux. Il jouit de l'estime de Charles Quint et de Philippe II d'Espagne, et amasse par son talent une grande fortune. La plus ancienne toile connue de Floris est le Mars et Venus pris au collet par Vulcain au musée de Berlin (1547), le dernier un Jugement dernier (1566) est à Bruxelles.

 ___________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Johannes Grützke (1937-2017) - Monument, 1977

 

 

Johannes Grützke (1937-2017)
Monument, 1977

Collection privée

Johannes Michael Wilhelm Grützke, né le 30 septembre 1937 à Berlin, mort le 17 mai 2017, dans la même ville, est un peintre, dessinateur, graphiste et scénographe allemand.
Sa peinture évoque, dans un style figuratif, l’hyperréalisme et le cinéma, utilisant comme l’art cinématographique des cadrages en contre-plongée ou en gros plan qui, quelquefois, attirent l’œil du côté du faux-semblant. Les représentations des personnages sont souvent ironiquement exagérées. 

 ___________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

James Ensor (1860-1949) - Autoportrait avec un chapeau fleuri

James Ensor (1860-1949),
Autoportrait avec un chapeau fleuri
Huile sur toile, 50 x 70 cm,
Royal Academy of Arts, London, UK

Le peintre belge James Ensor se revendiquait du mouvement anarchiste et a laissé une œuvre expressionniste très importante. Il est un des membres fondateurs du groupe bruxellois d'avant garde Les Vingt. En 1898, il est l'un des instigateurs du bal du Rat mort qui a lieu à la fin du carnaval d'Ostende. Ensor doit attendre le début du 20e siècle pour assister à la reconnaissance de son œuvre : expositions internationales, visite royale, anoblissement avec titre de baron, Légion d'honneur ... on le surnomme alors le prince des peintres. Et c'est précisément ce moment qu'il choisit pour abandonner la peinture et consacrer les dernières années de sa vie exclusivement à la musique !
Dans beaucoup de ses tableaux Ensor est fasciné par la lumière d'Ostende, sa ville natale, qui lui inspire des pâleurs secrètes : « La lumière déforme le contour. Je vis là-dedans un monde énorme que je pouvais explorer, une nouvelle manière de voir que je pouvais représenter. »
C'est entre 1887 et 1893 qu'il peint ses plus beaux tableaux : la gamme chromatique prend feu au milieu des nacres translucides des ciels et des marines. Contemporaine de Vincent Van Gogh et d'Edvard Munch, son œuvre contient beaucoup des futures révolutions du Fauvisme au Mouvement Cobra.
Il va s'appliquer à mettre en évidence les aspects grotesques des choses, et s'orienter vers une vision radicale, sarcastique et insolente du monde. Comme chez Pieter Brueghel l'Ancien ou Jérôme Bosch, l'inanimé respire et crie. Ses obsessions et ses peurs jouent un rôle manifeste dans les traits menaçants qu'il attribue aux objets utilitaires, aux revenants et aux masques. Ces derniers, à partir des années 1880 dominent son inspiration et renvoient au carnaval, ce « monde à l'envers », anarchique où les rapports sociaux sont démontrés par l'absurde.
Artiste pluraliste, il l'est également dans son style et ses techniques: toile, bois, papier, carton, couteau à palette, pinceau fin ou spatule… : « Chaque œuvre devrait présenter un procédé nouveau », écrit-il.
Dans un but purement alimentaire, il édite des eaux-fortes, les fameux « biftecks d'Ensor », œuvres purement commerciales mais qui ont fait alors la fierté des marchands de souvenirs. Il réalise aussi des caricatures à la manière de Bruegel et de Bosch.
Par sa prédilection pour les personnages masqués, les squelettes, qui, dans ses tableaux, grouillent dans une atmosphère de carnaval, Ensor est le père d'un monde imaginaire et fantastique qui annonce le surréalisme.
____________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

Antonio Mancini (1852 -1930) - Autoportrait 1878

Antonio Mancini (1852 -1930)
Autoportrait, 1878
Philadelphia Museum of Art

Antonio Mancini est un peintre italien rattaché au mouvement pictural des Macchiaioli.  Sa précocité et son habilité artistique lui permettent d'être admis à l'âge de douze ans à l'Académie des beaux-arts de Naples, où il est l'élève de Domenico Morelli, de Stanislao Lista et de Filippo Palizzi. Il se consacre au portrait et à la peinture de genre anecdotique. Son art s'identifie avec le courant du vérisme.
Pendant son séjour parisien, il fait la connaissance des impressionnistes Edgar Degas et Édouard Manet. Il devient aussi l'ami de John Singer Sargent qui le considère comme le meilleur peintre vivant.
____________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau

 

Johann Friedrich Overbeck (1789-1869) - Portrait du peintre Franz Pforr

Johann Friedrich Overbeck  (1789-1869)
Portrait du peintre Franz Pforr, 1810
Huile sur toile  62 x 47cm
Alte Nationalgalerie, Berlin

Johann Friedrich Overbeck est un peintre allemand. Issu d'une famille de Lübeck où ses ancêtres, durant trois générations, ont été pasteurs protestants,  il suit une scolarité classique et une formation d'initiation à l'art dans un établissement situé près du manoir familial, dans la Konigstraße, où son oncle, docteur en théologie et auteur prolifique, enseigne. En 1810, il fuit litteralement l'Allemagne et s'installe à Rome  dans l'ancien couvent franciscain désaffecté de San Isidoro où la Confrérie de saint Luc  qu'il a fondé aàVienne vit en communauté ; il demeure dans cette ville durant 59 ans, y travaille activement en compagnie d'autres peintres, Peter von Cornelius, Carl Sieg, Friedrich Wilhelm von Schadow et Philipp Veit, qui l'ont rejoint, fondateurs avec lui de la Künstlerhilfskasse et du Mouvement nazaréen. Leurs préceptes sont une vie d'ascète, un travail dur et honnête : ils évitent l'antiquité car païenne, la Renaissance car fausse et promeuvent la redécouverte de Le Pérugin, Pinturicchio, Francesco Francia et Raphaël jeune. De ces principes découlent les caractéristiques d'un style qui vise à la représentation d'une idée noble et transcendante, à travers des contours précis, des compositions scolastiques, avec l'emploi modéré du clair-obscur et de la couleur dans le seul but de souligner le thème du motif. Plus tard, Barthold Georg Niebuhr, Karl Wilhelm Friedrich Schlegel rejoignent également le Mouvement nazaréen. En 1813, Overbeck se convertit au catholicisme et, pratiquement en même temps, lui et son mouvement acquièrent une notoriété ; ils sont appelés nazaréens, artistes romains allemands, peintres romantiques de l'Église, peintres religieux et patriotiques allemands.

___________________________________________________

2021 - Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau