google.com, pub-0288379932320714, DIRECT, f08c47fec0942fa0 google.com, pub-0288379932320714, DIRECT, f08c47fec0942fa0 PORTRAITS MASCULINS

vendredi 3 septembre 2021

Bernardo Strozzi (1581- 1644 - Portrait de jeune homme, 1635




Bernardo Strozzi (1581- 1644), (école de)
Portrait de jeune homme, 1635
huile sur toile 60 x 48.5 cm
Louvre, Paris.

Ce portrait de jeune homme  à la chevelure fournie et à la barbichette taillée en losange comporte une étrangeté. Il lui manque en effet une partie de la moustache !  Plusieurs possibilités s'offrent et on peut facilement se perdre en conjectures !!! Soit elle n'a jamais été peinte pas Strozzi, soit elle a été partiellement effacée par un des propriétaires successifs de la toile !  Soit il pourrait aussi s'agir , selon certain experts, d'un signe de deuil à l'intérieur d'une fratrie. Une chose est certaine en tout cas, lorsqu'elle fut acquise par le musée du Louvre en 1978, venant de la collection particulière  "Velasquez", la moustache était déjà manquante !

Bernardo Strozzi, dit Il Capucino Genovese ou encore Il Prete Genovese,est un peintre baroque italien,dont l'essentiel de l' activité s'est déroulé à Gênes, puis à Venise à partir de 1631. Entre maniérisme et caravagisme, son style s'inspire fortement des œuvres de Pierre-Paul Rubens. Durant son séjour vénitien, il aurait apporté à ses peintures davantage de lumière, de soleil, de couleurs, ce qui aurait encore accentué l'influence de Rubens sur son œuvre.

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jeudi 2 septembre 2021

Paul Cadmus (1904-1999) - Male Nude, 1987

Paul Cadmus (1904-1999) Male Nude, 1987 Crayon sur papier teinté Collection privée

 

Paul Cadmus (1904-1999)
Male Nude, 1987
Crayon sur papier teinté
Collection privée


Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publi,  depuis 2016,  l'intégralité des dessins connus  De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et  il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le  réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique,  très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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mercredi 1 septembre 2021

Ferdinand Gueldry (1858-1945) - Bords de Marne

Ferdinand Gueldry (1858-1945), Bords de Marne, Collection Privée

Ferdinand Gueldry (1858-1945)
Bords de Marne
Collection Privée 

Joseph Ferdinand Gueldry (1858-1945) est un artiste peintre et illustrateur français, spécialisé dans les scènes sportives d'aviron, cofondateur de la Société nautique de la Marne en 1876.
En 1874, il entre à l'École des beaux-art (Paris), rejoint l'atelier du peintre Jean-Léon Gérôme et le fréquente jusqu'en 1878. Entretemps, il découvre l'aviron et devient un « canotier » de haute volée, puisqu'il décide d'organiser des compétitions sur la Marne. À partir de 1881, avec sa toile Une régate à Joinville, une grande partie de ses sujets représentés sont des canotiers ou des scènes nautiques mettant en scène des sportifs en maillots rayés et leurs publics. Cette période correspond aux années 1880-1890 ; le peintre s'installe à Bry-sur-Marne où il a son atelier et peut en même temps pratiquer son sport.
Arbitre international d'aviron, il se rend plusieurs fois en Angleterre, sur la Tamise, à la régate royale de Henley, d'où il tire une toile, Sur la Tamise, qu'il conserve toute sa vie.
En 1902, Joris-Karl Huysmans écrira : « M. Gueldry est un des rares peintres qui aient tenté de s'affranchir de ses souvenirs d'école et d'aller droit à la nature. »
Une deuxième phase apparaît dans son travail à partir de 1885, quand Gueldry élargit son sujet aux représentations d'intérieurs d'usines et à la vie ouvrière in situ. Traitées de façon naturaliste, ces scènes apportent un point de vue documentaire au moment de la Deuxième Révolution industrielle. Gueldry pose sa palette aussi bien dans le Nord, saisissant les ouvrières du textile, que dans le bassin du Creusot. On compte aussi quelques scènes militaires, des marines, des scènes champêtres, des scènes d'intérieur et de rares portraits. Intéressés, les pouvoirs publics se portent alors acquéreur de certaines toiles de Gueldry.
Au Salon de 1898, sa toile Les buveurs de sang, représentant des femmes anémiées buvant le sang d'un bœuf égorgé dans un abattoir, fait sensation. Elle offre un autre aspect de l'œuvre de l'artiste, figurant des scènes de la vie urbaine (hors usines).
En 1908, il est nommé chevalier de la Légion d'honneur sous la parrainage d'Édouard Detaille.
Durant la Première Guerre mondiale, il peint l'horreur des tranchés, entre autres l'enfer de Verdun.
Dans les années 1920, il préside la Société libre des artistes français, après avoir été démissionnaire de la Société des artistes français en 1907.
Il meurt le 17 février 1945 à Lausanne, en partie oublié.
De son vivant et avant 1908, l'État français s'est porté acquéreur de onze toiles de Gueldry, dont deux seulement ont pour sujet l'aviron.

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mardi 31 août 2021

Luca Signorelli (1450-1523) - Tête Homme vue de profil


Luca Signorelli (1450-1523) Tête Homme vue de profil ,ca. 1490 The MET, (NYC)

 
Luca Signorelli (1450-1523)
Tête Homme vue de profil ,ca. 1490
The MET, (NYC)
 

Ce dessin est un excellent exemple de ce que pouvait être l'étude scientifique de la perspective au XVe siècle. Il représente un exercice de raccourcissement de la tête humaine, à travers lequel le profil pourrait être utilisé pour construire des vues alternatives. Les lignes horizontales - incisées avec un stylet - et les lettres annotées autour de l'oreille ont servi de points de repère pour produire une telle transformation, tandis que les contours piqués ont aidé à la réplication du profil. Ce diagramme suit de près la méthode de raccourci décrite dans un traité de perspective écrit par le maître de Signorelli, Piero della Francesca.
(Notice du MET )

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lundi 30 août 2021

Pompeo Batoni (1708-1787) - Etude de nu pour la figure de Thésée


Pompeo Batoni (1708-1787) Etude de nu pour la figure de Thésée, 1768 Collection privée

Pompeo Batoni (1708-1787)
Etude de nu pour la figure de Thésée, 1768
Collection privée



Dans la mythologie grecque, Thésée (Theseus) doit se rendre sen Crète pour abattre le monstre qui terrorise Athènes, le Minotaure. En effet le roi de Crète, Minos, depuis sa victoire sur les Athéniens, exige que la ville lui envoie tous les neuf ans un tribut de sept jeunes hommes et de sept jeunes filles qu'il donne en pâture au Minotaure. Thésée décide de mettre fin à ce carnage et se rend à Knossos avec les jeunes victimes afin de tuer le monstre... Entrant dans le labyrinthe de Dédale, exterminant le monstre et en ressortant sain et sauf, Thésée est aidée dans son entreprise part la propre fille de Minos, Ariane qui est tombée amoureuse de Thésée et qui va lui donner une pelote de fil pour lui permettre de retrouver la sortie. Il abat le monstre avec le glaive qu'Ariane a volé à son père — glaive offert par Héphaïstos pour son mariage avec Pasiphaé — ressort du labyrinthe et se sauve en mer avec ses compagnons et Ariane qui a trahi son père à condition qu'il l'épouse. Il abandonne Ariane sur une île déserte après l'avoir endormie sur les conseils du capitaine du bateau. Il sait pourtant qu'Ariane a trahi sa famille pour lui et que si elle revient à Knossos elle se fera exécuter par son père pour trahison. Il rentre donc sans elle à Athènes. Égée attend du haut d'un promontoire le retour du bateau et guette la couleur des voiles : selon un accord passé avec son fils, elles seront blanches en cas de victoire. Mais Thésée oublie de les changer et les voyant noires, Égée se jette dans la mer qui, désormais, porte son nom. Malgré ce tragique événement et deux morts sur la conscience, Thésée devient roi d'Athènes..

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dimanche 29 août 2021

Georgios Georgiadis (1934-2015) - Soldat

Georgios Georgiadis (1934-2015), Soldat, Collection privée

Georgios Georgiadis (1934-2015)
Soldat
Collection privée 


Georgios Georgiadis est un artiste grec né qui a étudié la sculpture à l'École des beaux-arts d'Athènes de 1954 à 1959 avec Yiannis Pappas et Michael Tombros. Plus tard, grâce à une bourse de la Fondation Eugenides, il poursuit ses études à Florence avec Bruno Bearzi. Dessinateur et peintre, il est avant tout sculpteur. Son langage  expressionniste est anthropocentrique avec des éléments symboliques. La figure féminine assise est son sujet principal. Parfois sans tête, seul ou en groupe et dans des positions suggérant des tensions physiques et mentales. Son travail est ancré dans les valeurs de la sculpture classique avec des influences contemporaines. Son matériau de prédilection pour travailler est le bronze.
Georgiadis a présenté son travail dans un grand nombre d'expositions personnelles et a participé à de nombreuses expositions collectives à l'étranger, notamment :  la Biennale de Jeunes Artistes 1960, Paris, l'Exposition Internationale de Sculpture Contemporaine 1971, 1976 et 1978, Musée Rodin, Paris, Les Arts en Europe 1976, Bruxelles, la Biennale d'Alexandrie 1976, la Mostra Internazionale di Sculptura all' Aperto 1978, Musée d'Art Moderne, Milan.
Il a étudié la sculpture à l'École des beaux-arts d'Athènes de 1954 à 1959 avec Yiannis Pappas et Michael Tombros. Plus tard, grâce à une bourse de la Fondation Eugenides, il poursuit ses études à Florence avec Bruno Bearzi.
Son langage sculptural expressionniste est anthropocentrique avec des éléments symboliques. La figure féminine assise est son sujet principal. Parfois sans tête, seul ou en groupe et dans des positions suggérant des tensions physiques et mentales. Son travail est ancré dans les valeurs de la sculpture classique avec des influences contemporaines. Son matériau de prédilection pour travailler est le bronze.
Georgiadis a présenté son travail dans un grand nombre d'expositions personnelles et a participé à de nombreuses expositions collectives à l'étranger, notamment ; la Biennale de Jeunes Artistes 1960, Paris, l'Exposition Internationale de Sculpture Contemporaine 1971, 1976 et 1978, Musée Rodin, Paris, Les Arts en Europe 1976, Bruxelles, la Biennale d'Alexandrie 1976, la Mostra Internazionale di Sculptura all' Aperto 1978, Musée d'Art Moderne, Milan. Il a exposé son travail en Grèce, en France, en Italie, en Égypte, aux Pays-Bas, à Monaco, en Norvège, à Tai Pei et aux États-Unis.
En 1984, il a représenté la Grèce à la Biennale de Venise avec Christos Caras.
Son travail se trouve à la Galerie nationale de Grèce, à la Fondation Goulandris, au Musée d'art contemporain de Macédoine, à la Fondation des beaux-arts de Teloglion, à la Fondation culturelle de la Banque nationale de Grèce et dans de nombreuses autres collections publiques et privées.

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samedi 28 août 2021

Benjamin Robert Haydon (1786-1846) - Head of a Young Man


Benjamin Robert Haydon (1786-1846) Head of a Young Man Charcoal pencil heightened with white Private collection


Benjamin Robert Haydon (1786-1846)
Head of a Young Man
Charcoal pencil heightened with white
Private collection 


Benjamin Robert Haydon était un peintre britannique spécialisé dans les grands tableaux historiques, bien qu'il ait également peint quelques sujets et portraits contemporains. Son succès commercial a été  quelqeu peu entaché par ses relations souvent peu diplomatique avec ses clients et par le gigantisme de l' échelle sur laquelle il aimait travailler. Poursuivi tout le long de sa vie, par  des problèmes financiers,  il emprunta beaucoup, et remboursait peu ses créanciers,  ce qui l' a conduit à plusieurs séjours en prison pour dettes...jusqu'à son suicide en 1846.
Charles Dickens a écrit en 1846 que « Toute sa vie durant, Haydon s'est complètement trompé sur sa vocation. Quelqu'un aurait du lui dire au moins une fois dans sa vie  qu'il était un très mauvais peintre, et qu'on ne pouvait s'attendre à ce que ses tableaux se vendent . » IL admet cependant une certiane méchanceté "amusante " sans ces œuvres.

Très sévère indeed ! 

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vendredi 27 août 2021

Gino Severini (1883-1966) - Portrait de Nino Franchina en Arlequin


Gino Severini (1883-1966) Portrait de Nino Franchina en Arlequin, 1938 Collection privée


Gino Severini (1883-1966)
Portrait de Nino Franchina en Arlequin, 1938
Collection privée

Gino Severini est un peintre italien faisant partie du mouvement futuriste.  Il s'installe à Paris en 1906 et fréquente l'avant-garde artistique. En 1910, il signe le manifeste pour la peinture futuriste avec Marinetti, Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Luigi Russolo et Carlo Carrà. En 1912, il participe à l'exposition des peintres futuristes organisée par le critique Félix Fénéon du 5 au 24 février à la Galerie Bernheim-Jeune à Paris et il est présent dans les expositions successives des futuristes en Europe et aux États-Unis. Très bon dessinateur, il combine dans son œuvre la science et l'art, la rigueur et l'imagination, pour atteindre le plus complet bonheur d'expression lorsqu'il lance, entre 1910 et 1915, les valeurs dynamiques du futurisme.  Il manifeste un grand intérêt pour la chronophotographie et, pour s'opposer au mimétisme de la peinture traditionnelle, il s'attache dans sa peinture à décomposer les différentes étapes du mouvement, ce qui se manifeste en particulier dans une toile comme La danseuse obsédante(1911). Après 1920, il se consacre notamment à l'art sacré et à la mosaïque.
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jeudi 26 août 2021

Jean-Théodore Géricault (1791-1824) - Portrait d'un homme noir

Jean-Théodore Géricault (1791-1824) Portrait d'un homme noir, ca. 1822-1823 Titre original: "Portrait d'un nègre") Huile sur papier marouflé sur toile 54,6 x 46,6 cm Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Jean-Théodore Géricault (1791-1824)
Portrait d'un homme noir, ca. 1822-1823
Titre original : "Portrait d'un nègre"
Huile sur papier marouflé toilé, 54,6 x 46,6 cm
Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

 

Géricault a souvent peint des noirs, anonymes comme celui-ci ou comme celui qui figure sur un autre tableau déjà publié dans ce blog ou ...plus célèbre comme "le nègre Joseph" qui fut en son temps le modèle favori de nombreux peintre parisiens. "Le nègre Joseph "a laissé un nom en tant que modèle masculin, ce qui est une sorte de prouesse à l'intérieur d'un régime artistique où la reconnaissance d'une identité singulière n'allait en principe qu'aux modèles féminins. Ce n'est peut-être qu'un hasard. Mais c'est peut-être aussi un état de faits dicté par une image mentale du Noir répandue dans les milieux progressistes et abolitionnistes du milieu du XIXe siècle. Le saint-simonien Gustave d'Eichthal soutenait que la race blanche était le principe masculin de l'humanité tandis que la race noire en formait le principe féminin ; et il insistait sur les caractères respectivement actifs et passifs de chacune d'elles. Un écho de cette théorie résonne dans un tableau de Chassériau conservé au Louvre, la Toilette d'Esther, où l'une des deux servantes de la princesse juive est en fait un travesti noir. Alors, le souvenir du nom de Joseph parmi ceux des modèles féminins est-il vraiment une exception qui confirme la règle ? Pour Géricault en tout cas, peindre une peau noir relevait d'un défi technique  (comme pour Rubens aussi d'ailleurs) qu'il s'appliqua a relever tout au long de sa vie de peintre. 

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mercredi 25 août 2021

Jack London (1876-1916) - Portrait de l'explorateur Martin Johnson (1884-1937)


Jack London (1876-1916), Portrait de l'explorateur Martin Johnson (1884-1937) Photographié en 1908 pendant l'expédition du Snark aux iles Solomon

Jack London (1876-1916)
Portrait de l'explorateur Martin Johnson (1884-1937)
Photographié pendant l'expédition du Snark aux iles Solomon
Guadalcanal, 1908

Reposté suite à Erratum ; annule la précédente publication.


La rencontre entre Jack London et Martin Johnson s'est faite sur le quai d'un port alors que l'écrivain déjà célèbre s'apprêtait a voguer vers les mers du sud.  Le reconnaissant, Martin Johnson l'interpella de faon très directe :
- "Je vous admire et je voudrais partir avec vous "
- " Savez vous cuisiner ? " On a besoin d'un cuisinier à bord ", répliqua Jack London
- "Mettez moi a l'épreuve " osa le jeune homme.
A peine le premier repas préparé par Martin ingurgité, la tentation de le débarquer dans le premier port venu saisit sans doute Jack London, mais le le jeune mirliton était si plein de bonne volonté, qu'il renonça. Et il eut raison car ce que personne ne savait à bord jusque là, c’est que le jeune Martin était passionné de photographie.
C'est en le voyant tourné autour de l’appareil photographique prêté pour l’expédition… que Jack London, lui même passionné de photographie et très bon photographe le comprit. Attentif  comme il était au chemin que les hommes choisissent de prendre dans la vie et se souvenant sans doute du poème de Robert Frost "The road not taken " (La route non prise), il décida de partager cette passion de la photographie avec ce jeune homme, visiblement encore hésitant sur la route à prendre.  On peut se demander d'ailleurs aux vues de la quantité impressionnante de photos qu'il laissa, si Jack London lui-même n'aurait pas aimé en faire une carrière...  s'il n'avait déjà  été l'écrivain célèbre qu'il était.
Concernant la décision d'intéresser Martin Johnson à la photographie, ce fut en tout cas la bonne ! C’est à Martin Johnson en effet que l’on doit aujourd’hui la majeure partie des témoignages photographiques du périple de Jack London au cours de cette célèbre expédition du Snark. L'autre partie des témoignages est due à Jack London lui même, ce qui créa souvent un flou dans les attributions de certaines photos à l'un ou à l'autre. Martin Johnson éprouva d’ailleurs le besoin de raconter l'aventure de cette expédition commue dans un livre "A travers les Mers su Sud", qu'il écrivit à quatre mains avec Jack London, avec lequel il s’était lié d’une solide amitié, même s’il n’était pas appelé à le revoir très souvent par la suite

Pour Jack London, déjà malade,  l'aventure s 'arrêta une dizaine d'années plus tard,  mais pour Martin Johnson,  elle ne faisait que commencer.

De retour aux Etats-Unis, il rencontra Osa Leighty qu'il épousa en 1910 et à peine 7 années plus tard, en pleine Première guerre mondiale, ils entreprirent tous deux leur première expédition dans le Pacifique, où ils réalisèrent un des tout premier film documentaire de l'histoire de ce genre cinématographiques intitulé "Parmi les Cannibales des Mers du Sud". Suivront une vingtaine de films documentaires, tournés aussi bien en Afrique que dans le Pacifique Sud et ceci régulièrement jusqu'en 1950 ,avec le dernier Big Game Hunt commandé par une chaîne de télévision américaine. Osa Johnson, quand à elle, apporta dans certains des films documentaires de Martin, une vision romancée qui mettait leur aventure à la portée de tous. Un seul but les animait : celui de laisser aux génération futures des témoignages sur un monde qu’ils estimaient en voie de disparition. Et l’avenir prouve qu’ils ont bien fait, puisqu’en effet, plus d’un siècle après leur premier film, ce monde a bel et bien disparu.

Quand à la photo que nous voyons, souvent mal attribuée, objet de beaucoup de confusions, c’est bien l’une de celles que Jack London pris pendant son expédition du Snark avec l'appareil du bord qu'il partageait avec Martin Johnson.
Elle a une valeur documentaire importante puisque c'est à peu près la seule qui représente Martin Jonhson  sans sa femme et jeune, en plein milieu de la jungle, en compagnie d’un des habitants des iles Solomon. On voit Martin arborer pour seule tenue, un sous vêtement sans doute en feuille de bananier, solidement retenue à la taille par une écorce. L’habitant des Iles Solomon, par contre lui est en tenue nettement moins négligée, portant pagne en tissu, le nez transpercé d’un os, le front coiffé d’un coquillage, le bras orné de bracelets et manchons brodés, tenant fermement un arc aussi grand que lui et l’œil interrogateur. En effet à cette époque les habitants des iles apparaissaient plutôt totalement nus ! Martin Johnson lui regarde aussi la caméra d’un air interrogateur et semble plus préoccupé par une blessure au tibia et qu’il a pansé avec un morceau de tissu qui est en réalité son slip, déchiré pour former une compresse improvisée.…  Le titre d'aventurier des mers du Sud, ça se mérite, que voulez vous !

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mardi 24 août 2021

Alex Colville (1920-2013) - Dog and Priest

Alex Colville (1920-2013) Dog and Priest, 1978 Collection privée Le peintre canadien Alex Colville fut l'un des artistes de guerre canadiens les plus célèbres, surtout durantses quatre années de service en Europe où ila peint entre autres le débarquement à Juno Beach lors de l'Opération Neptune. représetant le realsime americain, il devient apres la guerre, membre de la faculté des Arts de la Mount Allison University où il enseigne de 1946 à 1963. Puis, Colville quitte l'enseignement pour se consacrer à la peinture et à l'estampe à plein temps dans un studio à sa maison sur la rue York. Les œuvres d'Alex Colville ont été souvent exposées au Canada, mais aussi à travers le monde plus précisément à la Tate Gallery de Londres et au Centre d'exposition de Pékin. En 1983 une rétrospective itinérante internationale de son œuvre fut organisée par le Musée des beaux-arts de l'Ontario.L'œuvre d'Alex Colville est présent dans plusieurs collections incluant : Art Gallery of Nova Scotia, Cape Breton University Art Gallery à Sydney, MOMA à New York, le Musée national d'art moderne à Paris, le Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa, le Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou à Paris, le Wallraf-Richartz Museum à Cologne et le Kestnergesellschaft à Hanovre. Alex Colville (1920-2013), Dog and Priest, 1978 Collection privée
 
Alex Colville (1920-2013) 
Dog and Priest, 1978 
Collection privée  
 

Le peintre canadien Alex Colville fut  l'un des artistes de guerre canadiens les plus célèbres, surtout durant ses quatre années de service en Europe où  il a  peint entre autres le débarquement à Juno Beach lors de l'Opération Neptune. Représentant le réalisme américain, il devient  après la guerre, membre de la faculté des Arts de la Mount Allison University où il enseigne de 1946 à 1963. Puis, Colville quitte l'enseignement pour se consacrer à la peinture et à l'estampe à plein temps dans un studio de la rue York. Les œuvres d'Alex Colville oaujourdh'uii comme un peintre canadien majeur ,ont été souvent exposées au Canada, mais aussi à travers le monde plus précisément à la Tate Gallery de Londres et au Centre d'exposition de Pékin. En 1983, une rétrospective itinérante internationale  fut organisée par le Musée des beaux-arts de l'Ontario.
L'œuvre d'Alex Colville est présent dans plusieurs collections incluant : Art Gallery of Nova Scotia, Cape Breton University Art Gallery à Sydney, MOMA à New York, le Musée national d'art moderne à Paris, le Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa, le Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou à Paris, le Wallraf-Richartz Museum à Cologne et le Kestnergesellschaft à Hanovre.


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lundi 23 août 2021

Natori Shunsen (1886-1960) - Nakamura Ganjiro II dans le rôle de Kamiya Jihei


Natori Shunsen (1886-1960) Nakamura Ganjiro II dans le rôle de Kamiya Jihei Estampe de la série " 36 portraits d'acteurs de Kabuki", 1926, Rijksmuseum

Natori Shunsen (1886-1960)
Nakamura Ganjiro II dans le rôle de Kamiya Jihei
Estampe  ōkubi-e de la série " 36 portraits d'acteurs de Kabuki", 1926,
Rijksmuseum

Natori Shunsen / 名取春仙  est considéré aujourd'hui comme le dernier  maître de l'art du kabuki yakusha-e, l'art des images d'acteurs, un genre très  spécifique de  la culture nippone. Il est né dans la préfecture de Yamanashi mais sa famille s'installe à Tokyo peu après sa naissance et il demeure dans la capitale jusqu'à sa mort en 1960. Shunsen s'intéresse aux portraits d'acteurs kabuki alors qu'il travaille en tant qu'illustrateur pour le journal Asahi Shimbun. À cette époque, il a l'occasion de rencontrer l'éditeur Shozaburo Watanabe.  En 1925, Shunsen et Watanabe travaillent ensemble sur une série de 36 portraits d'acteurs. Cette série contient quelques-uns des plus beaux dessins de kabuki de Shunsen. Watanabe produit luxueusement chaque estampe avec un tirage limité à 150 exemplaires et ne les vend que par souscription. La série dure jusqu'en 1929, suivie d'une série supplémentaire de 15 autres portraits d'acteur publiée jusqu'en 1931. Les portraits d'acteurs de Shunsen ressortent principalement du genre ōkubi-e (grande tête), format qui lui permet de se concentrer sur les expressions et les émotions du visage du sujet.  Shunsen continue de travailler en tant qu 'artiste pour  artiste pour le théâtre kabuki mais ne dessine plus aucune tête d'acteur avant le début des années 1950. De 1951 à 1954, il collabore de nouveau avec Watanabe à une autre série de 30 portraits d'acteurs. Comme dans la précédente série, ces dessins sont magnifiquement imprimés et très expressifs, particulièrement les portraits ōkubi-e.

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dimanche 22 août 2021

Jan Mostaert (1475-1555) - Portrait of a Moor


 

Jan Mostaert (1475-1555) Portrait of a Moor“ c.1525-30. Rijksmuseum

Jan Mostaert (1475-1555)
Portrait of a Moor“ c.1525-30.
Rijksmuseum

Ce portrait est très mystérieux. On sait que c'est le premier portrait jamais peint en tant que tel d'un homme noir africain. Quand à son identité, certains avancent qu'il s 'agirait d'un invité de la Reine d'Autriche de l'époque d'autrres qu'il s 'agirait  de Christophe le Maure, qui gravitait dans l'entourage de Charles V, empereur du Saint Empire Romain Germanique.
Jan Mostaert etait un peintre hollandais longtemps connu sous le nom du Maître d'Oultremont.
Il est le père (ou l'oncle ou le grand oncle) des peintres jumeaux Gillis Mostaert et Frans Mostaert.
Il aurait été l'élève de Jacob Jansz Van Haarlem.
En 1507, il est mentionné comme doyen de la guilde de saint-Luc de Haarlem, fonction qu'il exerce de nouveau en 1543 et 1544. De 1519 à 1529, il est peintre en titre de la régente Marguerite d'Autriche.
Son œuvre traite d'abord de sujets religieux, mais il réalise aussi quelques paysages et des portraits.

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samedi 21 août 2021

Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson dit Girodet (1767-1824) - L'hiver


Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson dit Girodet (1767-1824), L'hiver, 1814, Huile sur toile, Cabinet de toilette de l'impératrice, Château de Compiègne

Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson dit Girodet (1767-1824)
L'hiver, 1814, Huile sur toile,
Appartement de l'impératrice
Château de Compiègne, France


La chambre de l'Impératrice au château de Compiègne, a été  utilisée pour la première fois par Marie-Louise, le 27 mars 1810. L'achèvement de la décoration avait été repoussé de plusieurs années, en raison des événements liés aux campagnes de Russie et de Saxe. En mars-avril 1814, les attaques prussiennes causent d'importants dégâts aux appartements impériaux. Louis-Martin Berthault confie alors à Girodet la réalisation des peintures historiques de ces appartements. Girodet exécuta - entre autres - quatre panneaux représentant les Saisons, placés sur les côtés des miroirs. En 1870, Le Printemps fut endommagé lors de l'attaque prussienne. De nos jours, les trois saisons restantes sont encore disposées de part et d'autre des miroirs, avec un tableau d'Apollon - également de Girodet - remplaçant Le Printemps.

 
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vendredi 20 août 2021

Jean-Théodore Géricault (1791-1824) - Un naufragé, 1817


Jean-Théodore Géricault (1791-1824),  Un naufragé, 1817 Collection privée

Jean-Théodore Géricault (1791-1824)
Un naufragé, 1817
Collection privée 

Géricault réalisa aussi de nombreux nus masculins servant d'études à son célèbre Radeau de la Méduse ou à d'autres compositions magistrales.
La figure plus ou moins extravagante de Géricault vu par ses contemporains comme un héroïque cavalier passionné et un aventurier amant, devient, une vingtaine d'années après sa mort, une des icônes majeures du romantisme. Jules Michelet écrit sa vie dans son Journal 1828-1848 et consacre un long passage au peintre dans son Cinquième Cours au Collège de France. Il voit dans Géricault un « peintre-magistrat », un juge sévère du Premier empire qui « dans les mélanges bâtards de la Restauration, conserva ferme et pure la pensée nationale.Il ne subit pas l'invasion, ne donna rien à la réaction ». Géricault est un homme seul, génie pathétique et désespéré, pris dans des amours éphémères et des amitiés légères et envieuses alors que la France fait naufrage. Prosper Mérimée copie les figures de chevaux d'après Géricault ; Alexandre Dumas écrit sur lui ; Delacroix écrit ses souvenirs de Géricault....
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jeudi 19 août 2021

LES TABLEAUX QUI PARLENT - N° 3 : Gottfried Lindauer, le bohémien qui peignait les Maoris



Au début du XIXe siècle, un jeune peintre originaire de Bohême fuit l'Empire austro-hongrois et s'embarque pour la Nouvelle Zélande. Là sur cette terre lointaine il devient en quelques années,le plus grand portraitiste du monde Maori, de ces tatouages et de ces costumes....

Gustave Courtois (1852-1923) - Orphée,1875


Gustave Courtois (1852-1923), Orphée,1875, Détail, Huile sur bois, Musée municipal de Pontarlier, France

 

Gustave Courtois (1852-1923) Orphée,1875 Huile sur bois ,Musée municipal de Pontarlier, France

Gustave Courtois (1852-1923)
Orphée,1875
Huile sur bois
Musée municipal de Pontarlier, France 

 

Gustave Courtois était fils d'un garçon charcutier et d'un blanchisseuse, rien ne le prédestinait donc vraiment à devenir peintre. A ceci près que sa mère qui lui était totalement dévouée remarqua très vite l' intérêt pour l'art que le jeune Gustave développa dès qu'il fut scolarisé au lycée de Vesoul, intérêt aussi relevé par son professeur de dessin Victor Jeanneney. C'est alors que la décision est prise de la faire entrer à l'Ecole municipale de dessin de Vesoul.
Ses dessins furent présentés à Jean-Léon Gérôme qui lui conseilla en 1869 d’entrer à l’Ecole des beaux-arts de Paris.
Très proche ami de Pascal Dagnan-Bouveret, Gustave Courtois décida sitôt qu'il fut en age d'en faire une profession de partager son atelier de peintre avec lui, à Neuilly-sur-Seine à partir des années 1880. Il enseignait parallèlement la peinture à l’Académie de la Grande Chaumière et à l’Académie Colarossi de Paris. Réfugié au Tessin avec son ami Carl Ernst von Stetten pendant toute la durée de la Grande Guerre, il entretint une correspondance très suivie avec Robert Fernier alors que ce dernier se trouvait au front. Il est l'auteur de portraits, de scènes de genre, de scènes religieuses ou mythologiques très souvent peuplées de voluptueux nus masculins. Archétype de ce que l'on a appelé pendant un temps les" peintres provinciaux ", avant de juger l'appellation péjorative.
Se œuvres sont conservées dans les musées de Besançon, Marseille, Bordeaux, Pontarlier et dus Luxembourg.

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mercredi 18 août 2021

Jocke Åkerblom (1906-1972) - Portrait d'un homme nu, 1949

Jocke Åkerblom (1906-1972) Portrait d'un homme nu, 1949 Collection privée


Jocke Åkerblom (1906-1972)
Portrait d'un homme nu, 1949
Collection privée 

 
Jocke Åkerblom ne fait pas partie,  à proprement parlé,  des figures dominantes de la peinture suédoise du 20e siècle, mais ces œuvres qui arrivent de plus ne plus en vente publiques, obtiennent un indéniable succès, dû à leur style toujours élégant, plutôt académique et teinté de ce modernisme typique des peintres suédois début de siècle. Il se situe dans le droit fil du style pictural d'Eugène Jansson et de Carle Larsson, eux-mêmes représentant du mouvement issu des années 1880 avec la création du groupe Opponenterna (les Opposants), inspirés par l’art français qu’ils sont venus étudier à Paris. A partir du milieu des années 1920 et durant une vingtaine d’années, à côté du surréalisme, c’est l’expressionnisme qui domine, avec des représentants comme Sven Erixson, Bror Hjorth et le groupe des coloristes de Göteborg : Ivan Ivarsson, Åke Göransson, Inge Schiøleret Ragnar Sandberg.
Dans les années 1930, la peinture socialiste est représentée par Albin Amelin.
Après la Seconde Guerre mondiale, l’art suédois se développe grâce au Konstfrämjandet (mouvement populaire de Promotion des arts) fondé en 1947. Son objectif est la démocratisation de l’accès à l’art et son slogan est : L’art pour tous.
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mardi 17 août 2021

Pyotr Konchalovsky (1876-1956) - L' Age d'or


Piotr Petrovitch Kontchalovski (1876-1956) L'Age d'or, 1946 Huile sur toile. Collection privée

Pyotr Konchalovsky  (1876-1956)
L'Age d'or, 1946
Huile sur toile.
Collection privée


Pyotr Konchalovsky  est  est un peintre russe puis soviétique, fondateur et membre du mouvement artistique Valet de Carreau en 1910. Sa production, très importante (5000oeuvres), et très variée tient une place de premier plan dnas l'hHstoire de l'art du XXe siècle non seulement dans la Russie imperiale mais aussi,en Union Soviétique et dans les grand mouvements artistiques européens de son temps. À partir de 1910, il expose fréquemment ses œuvres,et  participant notamment au journal Mir Iskousstva. Dès 1918, il enseigne l'art. En 1922, il fait sa première exposition personnelle à la galerie Tretiakov.En 1925, on le retrouve à Paris avec son oélève Vladimir Boberman. Pendant cette période parisienne, il produit principalement des natures mortes et des paysages. Ses peintures, comme celles des autres artistes du Valet de Carreau, sont largement influencées par Paul Cézanne. Plus tard, il commence à peindre des portraits qui s'inscrivent dans le mouvement du réalisme socialiste soviétique. Le Musée de l'impressionnisme russe de Moscou conserve deux de ses toiles.

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lundi 16 août 2021

Miniature moghole du XVIe siècle - Mian Mir (1550-1635) en prière à Médine


Miniature moghole du XVIe siècle Mian Mir (1550-1635) en prière à Médine, 1635 A quarelle et encore sur papier. Museum With No Frontiers, Dallas, Texas

 

Miniature moghole du XVIe siècle
Mian Mir (1550-1635) en prière à Médine, 1635
Aquarelle et encre sur papier.
Museum With No Frontiers, Dallas, Texas


Mian Mir ou Myian Mir, est le diminutif de Mir Mohammed Muayyin-ul-Islam, appelé aussi Baba Sain Mir Mohammed Sahib (1550-1635), est un saint soufi de l'ordre de la Qadiriyya, qui vécut Lahore. Il est connu dans le sikhisme pour avoir côtoyé Guru Arjan et Guru Hargobind, deux des fondateurs de cette religion ; il fut même un proche de Guru Arjan. Il était aussi reconnu à la cour moghole. Sa famille remonte au calife Omar ibn al-Khattâb, compagnon et deuxième successeur du prophète Mahomet. Il était connu pour être ouvert à toutes les religions de son temps. l exerça une influence considérable sur le poète et mystique Dârâ Shikôh, fils aîné de Shâh Jahân. Selon une anecdot,  l'empereur moghol Jahangir était venu le voir pour qu'il prieafin d'aider son armée dans la nouvelle guerre qu'il menait. Mian Mir l'ayant fait attendre devant sa porte, l'empereur s'en plaignit. Pendant ce temps-là, un pèlerin était venu offrir une modeste roupie au soufi. Mian Mir lui dit alors d'offrir sa roupie à un plus nécessiteux que lui ; mais le pèlerin eut beau la proposer aux derviches présents, personne n'en voulait. Mian Mir dit alors: « Offre cette roupie à Jahangir car c'est le plus pauvre d'entre nous; il est avide et sombre. » Mian Mir était présent en compagnie de Guru Arjan lorsque la première pierre du Temple d'Or à Amritsar a été posée. Il a aussi obtenu la libération de Guru Hargobind lorsqu'il était détenu par les armées de Jahangir. Aujourd'hui les Sikhs apprennent son histoire dès leur plus jeune âge.

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dimanche 15 août 2021

Pierre et Gilles (actifs depuis 1976) - Matador Fernando Leonne



Pierre et Gilles (actifs depuis 1976,) Matador Fernando Leonne, Photographie peinte marouflée sur aluminium encadrée par les artistes Avec le cadre : 144.2 x 117.9 cm. Réalisé en 1999, pièce unique, Collection privée


Pierre et Gilles (actifs depuis 1976)
Matador Fernando Leonne
Photographie peinte marouflée sur aluminium encadrée par les artistes
Avec le cadre : 144.2 x 117.9 cm.
Réalisé en 1999, pièce unique
Collection privée 


Pierre et Gilles est le pseudonyme du couple d'artistes plasticiens français formé par le photographe Pierre Commoy (bn.1950)et le peintre Gilles Blanchard (bn.1953). Ils vivent et travaillent au Pré-Saint-Gervais (région parisienne). Depuis 1976, ils développent une œuvre à quatre mains entre peinture et photographie. Leurs tableaux mettent en scène leurs proches, anonymes ou célèbres, dans des décors sophistiqués construits grandeur nature en atelier. Une fois la photographie tirée sur toile, commence un méticuleux travail de peinture. Ces créateurs d’images ont constitué une iconographie singulière explorant la frontière entre l’histoire de l’art et culture populaire.

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samedi 14 août 2021

Jean-François Janinet (1752-1814) - Deux nus masculins


Jean-François Janinet (1752-1814) Deux nus masculins Crayon Conté, c. 1774 Collection Privée

 

Jean-François Janinet (1752-1814)
Deux nus masculins
Crayon Conté, c. 1774
Collection Privée 

 

 Non, la Révolution française, contrairement à ce que cette gravure pourrait laisser penser,  ne permit pas toutes les audaces !  Il s 'agit là tout simplement d'une étude de nus dans deux positions différentes du même modèle. Mais il il est vrai que la position de ces deux modèles est aujourd'hui évocatrice d'une autre situation que celle envisagée par le peintre.

 Jean-François Janinet est un graveur français passionné d'aerostatique.
Actif vers la fin de l'Ancien Régime et pendant la Révolution française, il est connu pour avoir eu une approche novatrice de la gravure en couleurs. Ses premières gravures datent de 1774. et sont réalisées d’après les peintres à la mode tels qu'Hubert Robert, Jean Honoré Fragonard ou Jean-Baptiste Greuze. Il se révèle dès cette époque excellent portraitiste, comme en témoigne son portrait de Mlle Bertin, modiste de la reine. Janinet se fait remarquer par les frères Campion et participe à un projet collectif illustrant les monuments de Paris. Sa carrière artistique ne l’empêche pas de s’intéresser aux sciences, et notamment à l’aérostatique (le vol en ballon ou Montgolfière)  à laquelle il renonce après l'échec d'une tentative d'ascension le 11 juillet 1784 au jardin du Luxembourg dans un ballon de sa fabrication, ballon qu’il se proposait de diriger à l’aide d’une sorte de gouvernail en forme de queue de poisson.
Janinet poursuit s donc a carrière de graveur. avec une technique lui permet notamment de donner des versions très fidèles des gouaches du peintre Nicolas Lavreince, des petites scènes de genre typique de l’esprit français du XVIIIe siècle. Il est également chargé des illustrations de l’hebdomadaire Costumes et annales des grands Théâtres de Paris.
La Révolution n’affecte pas le succès de Jean-François Janinet qui s’adapte à de nouvelles sources d’inspiration. Il donne des gravures d’actualité, comme Le Départ des Dames de la Halle et des Femmes de Paris pour Versailles, 5 octobre 1789, Les Femmes de Versailles siégeant à l’Assemblée nationale au milieu des députés, le 5 octobre 1789 ou encore une Vue du Champ de Mars au moment de la prestation du serment civique. En 1790, il met en vente un ensemble de 52 gravures sur les événements politiques de la Révolution, qu’il accompagne de description des faits ; ces gravures existent en noir et blanc et en couleur . Il va ensuite travailler assidûment à des gravures d’après Jean-Guillaume Moitte, inspiré par les souvenirs de la République romaine. On lui doit ainsi des œuvres historiques telles que La Mort de Lucrèce, présentée au Salon de 1793, ou allégoriques comme ces deux aquatintes de 1792, L’Égalité et La Liberté.
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vendredi 13 août 2021

Hans Thoma (1838-1924) - Solitude

Hans Thoma (1838-1924) Solitude, 1896 Huile sur carton, 69 x 78cm Collection privée

Hans Thoma (1838-1924)
Solitude, 1896
Huile sur carton, 69 x 78cm
Collection privée 


Hans Thoma, est un peintre allemand, dont le style évolua à partir des années 1880 vers une forme de naturalisme magique et fantastique, puisant dans la Renaissance allemande.  Sa réputation et son talent s'établissent  après une exposition de 30 toiles à Munich. Son style demeure imperméable aux idées de son temps  bien que certaines de ses toiles puissent vaguement évoquer le style de certains peintres anglais du courant préraphaélite.  Sa peinture reste avant tout influencée  par sa région natale, sa vie simple et idyllique, et par les premiers maîtres allemands, en particulier Albrecht Altdorfer et Lucas Cranach.

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jeudi 12 août 2021

Jean-Germain Drouais (1763-1788) - Gladiateur assis


Jean-Germain Drouais (1763-1788), Gladiateur assis Huile sur toile, 1785, Musée des Beaux-Arts de Rouen

Jean-Germain Drouais (1763-1788)
Gladiateur assis
Huile sur toile, 1785
Musée des Beaux-Arts de Rouen


Fils du célèbre portraitiste de la reine Marie-Antoinette et de la famile royale, François-Hubert Drouais, Jean Germain Drouais reçut le Prix de Rome en 1784. Le décès prématuré de son père François-Hubert Drouais, survint en 1775 alors que qu'il n’avait que douze ans, ce qui fit qu'il obtint très précocement son indépendance d’artiste. Bien qu’ayant hérité d’une fortune suffisante pour mener la belle vie, il préféra s’imposer toutes les rigueurs de la condition d’apprenti peintre d’histoire. À l’âge de quinze ans, il posa pour un portrait à l’huile exécuté par Catherine Lusurier, où il apparaît en plein travail, un morceau de craie pointu à la main, le regard levé au-dessus du carton à dessin. Cette même année, il s’inscrivit à l’Académie, après avoir déjà passé trois ans à l’atelier de Nicolas-Guy Brenet. Quatre ans plus tard, il fut l’un des premiers jeunes artistes avec Girodet, Antoine-Jean Gros, Gérard à rejoindre l’atelier de David son futur maître. Une fois qu’il y fut installé, les choix de Jean-Germain Drouais reproduisirent bientôt le parcours de son maître dans ses jeunes années de formation. Lors du premier concours du grand prix de Rome auquel il participa officiellement en 1783, Drouais fit preuve par son comportement d’une anxiété et de doutes aussi prononcés que David au début des années 1790. Déçu de sa composition sur le sujet "De la résurrection du fils de la veuve Naim", il fut incapable d’attendre les résultats et malgré les règles qui interdisaient une aide extérieure, il coupa son tableau en deux pour apporter l’un des morceaux à David afin d'avoir son avis. Le lien qui unissait David et Jean-Germain Drouais était très fort. En 1784 à l’âge de 20 ans, il est lauréat du grand prix de Rome avec son tableau « Le Christ et la Cananéenne ». Ce tableau fut acclamé. David l'accompagna à Rome et Jean-Germain Drouais aidera même David à réaliser son célèbre Serment des Horaces. Interrogé sur ce voyage, David dira «Je pris le parti de l'accompagner, autant par attachement pour mon art que pour sa personne. Je ne pouvais plus me passer de lui, je profitais moi-même à lui donner des leçons, et les questions qu'il me faisait seront des leçons pour ma vie."

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mercredi 11 août 2021

Mosaïques antiques - Esclave servant des pains


Mosaïques antiques Esclave servant des pains Détail d'une mosaïque tunisienne, IIe siècle Musée du Louvre, Paris Département des antiquités grecques, romaines et étrusques

 

Mosaïques antiques , Esclaves servant dans un banquet chrétien ,  Détail d'une mosaïque tunisienne, IIe siècle Musée du Louvre, Paris Département des antiquités grecques, romaines et étrusques

Mosaïques antiques
Esclave servant des pains
Détail d'une mosaïque tunisienne, IIe siècle
Musée du Louvre, Paris
Département des antiquités grecques, romaines et étrusques 


Cette mosaïque du IIe siècle représente un banquet à l 'époque des premiers chrétiens, banquet dans lequel servent des esclaves. Ceci indique de façon clair que malgré les préceptes charitables et fraternels prônés par le Christ, la société paléochrétienne continuait de fonctionner sur le modèle socio-économique de l’Empire romain, basé sur l’utilisation d’esclaves. Quelques textes du Nouveau Testament présentent d'ailleurs l’esclavage, comme allant de soi, et recommandent même aux esclaves d’être bons avec leur maitres !


" Esclaves, obéissez à vos maîtres d’ici-bas avec crainte et tremblement, d’un cœur simple, comme au Christ, non parce que l’on vous surveille, comme si vous cherchiez à plaire aux hommes, mais comme des esclaves du Christ qui s’empressent de faire la volonté de Dieu.
Servez de bon gré, comme si vous serviez le Seigneur, et non des hommes.
Vous le savez : ce qu’il aura fait de bien, chacun le retrouvera auprès du Seigneur, qu’il soit esclave ou qu’il soit libre.
Et vous, maîtres, faites de même à leur égard. Laissez de côté la menace : vous savez que, pour eux comme pour vous, le Maître est dans les cieux et qu’il ne fait aucune différence entre les hommes."

Ephésiens 6,5-9

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mardi 10 août 2021

Alessandro Allori (1535-1607) - Portrait d'un jeune homme 1565-1570

Portrait d'un jeune homme 1565-1570, huile sur cuivre, 48 x 34 cm, Musée d’art et d’archéologie de Laon, France

Alessandro Allori (1535-1607)
Portrait d'un jeune homme ,1565-1570
huile sur cuivre, 48 x 34 cm,
Musée d’art et d’archéologie de Laon, France 
 
Le peintre florentin Alessandro Allori ou Alexandre Allori fut l' élève et le fils adoptif du Bronzino. A certains égards, Allori est le dernier de la lignée d'éminents peintres florentins : Andrea del Sarto a collaboré avec Fra Bartolomeo (ainsi que Léonard de Vinci), Pontormo a brièvement été l'élève d'Andrea et a formé Bronzino qui lui-même a formé Allori. Les générations suivantes furent fortement influencées par la vague baroque qui dominait dans d'autres parties de l'Italie. Allori étudia les œuvres de Melozzo da Forlì, de Raphaël et de Michel-Ange, à Rome. Allori a été l'un des artistes ayant travaillé, sous les ordres de Giorgio Vasari, sur la décoration du Studiolo de François Ier et il fit de nombreux portraits pour la cour des Medicis


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lundi 9 août 2021

Adolphe-Joseph Huot (1840-1882) - Nu masculin assis

 

Adolphe-Joseph Huot (1840-1882) Nu masculin assis Gravure d'interprétation, 1870 Collection privée

Adolphe-Joseph Huot (1840-1882)
Nu masculin assis
Gravure d'interprétation d'après un motif original, 1870
Collection privée


Le graveur et peintre français Adolphe Joseph Huot était le fils de Joseph Xavier Huot, négociant à Cannes , et de Françoise Tardif, couturière. Il efut élève de Louis-Pierre Henriquel-Dupont. En 1860, il reçoit le deuxième second grand prix de Rome gravure en taille-douce puis le premier grand prix en 18623. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1878. Il se spécialise dans la gravure d'interprétation qui se distingue de la gravure de reproduction ou estampe par la manière dont le graveur traduit le motif original, dans des nuances qui lui sont propres.Au XIXe siècle, l'époque de Hot, la gravure d'interprétation devient une gravure originale, la frontière étant d'autant plus mince depuis l'apparition de procédés artistiques de reproduction, comme la sérigraphie.

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dimanche 8 août 2021

Yiannis Tsarouchis (1910- 1989) - Le soldat Loumenos dénouant ses bottes, 1980

Yannis Tsarouchis (1910-1989) Τσαρούχης Γιάννης-Στρατιώτης λουόμενο, 1980 Le soldat Loumenos dénouant ses bottes, 1980 Collection privée

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Τσαρούχης Γιάννης-Στρατιώτης λουόμενο, 1980
Le soldat Loumenos dénouant ses bottes, 1980
Collection privée



Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une  vertiable icône  de "l'art gay"

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samedi 7 août 2021

Foujita (1886-1968) - Nuage anatomique

 

Foujita (1886-1968) Nuage anatomique Projet de plafond, 1928 Collection privée


Foujita (1886-1968)
Nuage anatomique
Projet de plafond, 1928
Collection privée


Ce projet  de plafond destiné à décorer un salon d'hôtel ou de grand restaurant ne se concrétisa jamais. Foujita devra attendre1964 et sa conversion au catholicisme, pour décider avec René Lalou, son parrain, et mécène qui dirigeait la-prestigieuse maison de champagne Mumm), de construire une chapelle peinte de fresques, à Reims. C'est la chapelle Notre-Dame-de-la-Paix, surnommée « chapelle Foujita », peinte dans un style neobyzantin extrêmement statique et très différent de cette proposition mouvementée  de plafond . où les corps s'entremêle dans un apparent chaos.

L 'artiste français d'origine japonaise Tsugouharu Foujita aussi connu sous le nom de Léonard Foujita ou Foujita fut aussi bien peintre que dessinateur, graveur, illustrateur, céramiste, photographe, cinéaste ou créateur de mode.... Il a illustré énormément d'ouvrages de librairie dans le Montparnasse des Années Folles et bien après (plus d'une centaine entre 1919 et 1970) et un nombre non négligeable de natures mortes - ou intitulées comme telles - parsèment son œuvre du début à la fin.

 

 

vendredi 6 août 2021

Sculpture anonyme - Statue de Bouddha en schiste gris


Statue de Bouddha en schiste gris (Détail. du buste et de la tête) Ancient region of Gandhara, Epoque Kushan IIIe-IVe siècle.

 
Statue de Bouddha en schiste gris
(Détail. du buste et de la tête)
Ancient region of Gandhara, Epoque Kushan IIIe-IVe siècle.

L'art Kushan, l'art de l'empire Kushan dans le nord de l'Inde, a prospéré entre le 1er et le IVe siècle de notre ère. Il mélangeait les traditions de l'art gréco-bouddhiste du Gandhara, influencé par les canons artistiques hellénistiques, et l' art plus indien de Mathur . L'art kushan suit l'art hellénistique du royaume gréco-bactrien ainsi que l'art indo-grec qui avait prospéré entre le iiie siècle avant notre ère et le ier siècle de notre ère en Bactriane et dans le nord-ouest de l'Inde. Avant d'envahir le nord et le centre de l'Inde et de s'établir en tant qu'empire à part entière, les Kushan avaient migré du nord-ouest de la Chine et occupé pendant plus d'un siècle ces terres hellénistiques d'Asie centrale, où l'on pense qu'ils ont assimilé les restes des populations grecques, la culture grecque et l'art grec, ainsi que les langues et les écritures qu'ils utilisaient dans leurs pièces et inscriptions: le grec et le bactrien, qu'ils utilisaient avec le brahmi indien. Avec la disparition des Kushans au ive siècle de notre ère, l'empire indien Gupta a prévalu et l'art Gupta s'est développé. L'Empire Gupta a incorporé de vastes portions du centre, du nord et du nord-ouest de l'Inde, jusqu'au Pendjab et à la mer d'Arabie, poursuivant et élargissant la tradition artistique antérieure des Kushans et développant un style Gupta unique.

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jeudi 5 août 2021

Jacek Malczewski (1854-1929) - Avec l'aide de Charron, 1911


Jacek Malczewski (1854-1929), Avec l'aide de Charron, 1911 (Pomocnik Charona, 1911) ,Collection privée

Jacek Malczewski (1854-1929)
Avec l'aide de Charron, 1911
(Pomocnik Charona, 1911)
Collection privée 


L'oeuvre pictural de Malczewski est estimé à environ 2000 tableaux à l'huile dont environ 1200 actuellement répertoriés. Ils se trouvent en majorité dans les musées polonais et des collections particulières. Notice du Musée d'Orsay à Paris sur ce peintre :
" La particularité de son art réside dans l'expression d'un message symbolique par une facture souvent proche du naturalisme. Celle-ci se combine au modelé presque sculptural des personnages dans une composition et un mode de cadrage originaux. Le peintre use d'un code magique de couleurs aux dissonances souvent imprévues. La part d'énigme que conserve toujours son oeuvre n'est pas étrangère à l'intérêt constant dont elle jouit auprès du public et des collectionneurs."
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mercredi 4 août 2021

Henri Cartier-Bresson (1908–2004) - Natcho Aguirre, Santa Clara, Mexique

Henri Cartier-Bresson (1908–2004), Natcho Aguirre, Santa Clara, Mexique,  Gelatin silver print, 16.8 x 24.9 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York (Gilman Collection) 
 
Henri Cartier-Bresson (1908-2004)
Natcho Aguirre, Santa Clara, Mexique (1934) 
Gelatin silver print, 16.8 x 24.9 cm. 
The Metropolitan Museum of Art, Gilman Collection (not on view)



Dans les années 1930,  le photographe français Henri Cartier-Bresson s’immerge totalement  dans l’engagement communiste et la lutte antifasciste. Il fréquente l’AEAR (Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires) dès 1933 et, en 1934, au Mexique, ses amis sont tous des communistes proches du parti national révolutionnaire au pouvoir. En 1935, à New York, il milite activement dans Nykinonote 10, coopérative de cinéastes militants très inspirés par les conceptions politiques et esthétiques soviétiques et il découvre le cinéma soviétique. S'il ne semble pas avoir pris sa carte au Parti Communiste Français, ses amis sont cependant presque tous des personnalités du  PCF comme Robert Capa ou Louis Aragon. Il dira à Hervé Le Goff : « Naturellement, nous étions tous communistes ». Il suit les cours de matérialisme dialectique de Johann Lorenz Schmidt et assiste aux réunions de cellule à proximité du domicile d'Aragon.
Le concept de « l'instant décisif » est souvent utilisé à propos de ses photos, mais on peut l'estimer trop réducteur et préférer celui de « tir photographique », qui prend le contexte en compte. Pour certains, il est une figure mythique de la photographie du xxe siècle, qu'une relative longévité de sa carrière photographique lui permet de traverser, en portant son regard sur les évènements majeurs qui ont jalonné le milieu du siècle. En 2003, un an avant sa mort, une fondation portant son nom est créée à Paris pour assurer la conservation et la présentation de son œuvre ainsi que pour soutenir et exposer les photographes dont il se sentait proche. 

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mardi 3 août 2021

Pyotr Konchalovsky (1876-1956) - Le polisseur de parquet (Полоторы)


Pyotr Konchalovsky  (1876-1956, Le polisseur de parquet  (Полоторы) Huiie sur toile, 1946 Tretyakov Gallery

Pyotr Konchalovsky  (1876-1956)
Le polisseur de parquet  (Полоторы)
Huiie sur toile, 1946
Tretyakov Gallery

Ce garçon qui entame comme deux pas de danse sur son parquet, un balai derrière lui fait immanquablement penser aux Parqueteurs de Gustave Caillebotte, bien qua la chorégraphie qu'il éxécute soit très différente de celles des polisseurs de parquet de Caillebotte bien que ce soit à la pate de Cezanne que cette composition se réfère. Piotr Petrovitch Kontchalovski(Пётр Петро́вич Кончало́вский),est un peintre russe puis soviétique. Il est membre du mouvement artistique Valet de Carreau. Kontchalovski étudie à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou. Entre 1896 et 1898, il voyage à Paris et étudie à l'Académie Julian. En 1899, il retourne en Russie et entre à l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, où il obtient son diplôme en 1907. À l'Académie, il eut comme professeurs Savinsky, Zaleman et Kovalevsky.  À partir de 1910 il expose fréquemment ses œuvres, participant notamment au journal Mir Iskousstva. Dès 1918, il enseigne l'art. En 1922, il obtient sa première exposition personnelle à la galerie Tretiakov. Il est à Paris en 1925 et y retrouve son élève Vladimir Boberman Pendant cette période, il dessine principalement des natures mortes et des paysages. Ses peintures, comme celles des autres artistes du Valet de Carreau, sont largement influencées par Paul Cézanne. Plus tard, il commence à peindre des portraits qui s'inscrivent dans le mouvement du réalisme socialiste soviétique. Piotr Kontchalovski fut  un peintre prolifique connu pour avoir créé plus de 5 000 œuvres... 

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lundi 2 août 2021

Glyn Warren Philpot (1884 -1937) - Head of a man, c. 1912-13


Glyn Warren Philpot (1884 -1937), Head of a man c. 1912-13 Charcoal with white heightening on brown paper 26.5 × 25.5 mm,  Courtesy of Agnews gallery.

 
 
Glyn Warren Philpot (1884 -1937)
Head of a man c. 1912-13
Charcoal with white heightening on brown paper 26.5 × 25.5 mm. 
Courtesy of Agnews Gallery.

Las de peindre des portraits mondain sà Londres, Glyn Warren Philpot, décide de s'installer à Paris où il avait étudié dès le début du siècle  à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens. Il commence à changer de style dès avant la Première guerre mondiale  opte pour un style plus moderne, plus plat et plus stylisé que son ancienne manière. Ce nouveau style lui vaut un accueil  plus que mitigé de la part de ses premiers admirateurs londoniens dont ilv a d'ailleurs s 'éloigner peu à peu. Si bien qu'en  avril 1932, on peut lire dans Scotsman : « Glyn Philpot est entrain de tourner au Picasso ». il s'en faut de beaucoup mais la touche moderne ne plait pas. Dommage car elle est superbe et ce dessin qui est le tout premier où il manifeste son intérêt pour les modèles masculins noirs (qui seront récurrents dans toute son œuvre),  est d'une grande beauté. 

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