Pellegrino Tibaldi (1527-1596) - Soldat

Pellegrino Tibaldi (1527-1596)
Soldat
Rijksmuseum, Amsterdam

Pellegrino Tibaldi ou Pellegrino di Tibaldo de Pellegrini dit il Pellegrini est un peintre italien de la Renaissance et un architecte appartenant à l'école lombarde.
Fils d'un tailleur de pierres, je jeune Pellegrino accomplit sa formation culturelle à Bologne, comme peintre à l'école de Bartolommeo Ramenghi dit il Bagnacavallo, et comme architecte dans l'ambiance des nouveautés apportées par Giulio Romano et Sebastiano Serlio. Puis il séjourne à Rome pendant deux années où il est au contact des œuvres de Michel-Ange et de quelques-uns des maniéristes (dont Perin del Vaga), qui l'influencent dans ses premières œuvres, comme la décoration de l'appartement de Paul III au Castel Sant'Angelo. Il effectue ensuite de nombreuses commandes pour le cardinal Luigi Poggi à Bologne. Il peint les fresques de l'Histoire d'Ulysse dans le Palazzo Poggi, les scènes de la Vie de saint Jean-Baptiste dans la chapelle des Poggi à Bologne, et les scènes de la Vie de Moïse dans le Palazzo Sacchetti à Rome. A Ancône, il peint des fresques pour la loggia dei Mercanti et le Palazzo Ferretti. En 1561, il rencontre le cardinal Carlo Borromeo, qui l'emploie à Milan, la plupart du temps comme architecte dans la tâche presque sans fin de construire la cathédrale tout en travaillant sur divers projets comme la cour du palais archiépiscopal (1564-1570), San Fedele (1569-1579) et San Sebastiano (1577). À Milan il travaille également en tant qu'architecte civil, projetant le Spinola, Erba Odescalchi et les palais de Prospero Visconti.
En 1586, il est en Espagne, où il a suivi et remplacé Federico Zuccari en tant que peintre principal de la cour. Il peint dans les cloîtres inférieurs de l'Escorial sur demande du roi Philippe II. Ses plus grands travaux sont les fresques de la bibliothèque. Après neuf ans, il revient en Italie et est nommé architecte du dôme de Milan charge qu'il occupe jusqu'à sa mort.
On le trouve aussi ingénieur militaire à Ancône et à Ravenne avant son arrivée en Lombardie bref une parfaite figure de la Renaissance, bizarrement très peu médiatisée de nos jours.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Etude pour le mois de Mai, 1967

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Σπουδή για τον Μάιο, 1967
(Etude pour le mois de Mai)
Collection Privée

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits des marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit.

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Anonymus drawings - Niankhkhum and Khnumhotep, 2500 av. JC

Anonymus drawings
Niankhkhum and Khnumhotep, contrôleurs des Manucures du Pharaon, 2500 av. JC
Mastaba de Sakkara, Egypte

Khoumhotep et Niânkhkhnoum, considérés par certains comme le premier couple homosexuel masculin dont on ait gardé la trace, partageaient le titre de Contrôleur des Manucures au palais du pharaon Niouserrê (Ve dynastie) et sont qualifiés de « confidents du roi » dans leur tombe commune.
Ces deux hommes, serviteurs royaux, sont présentés parfois comme des amants, des frères ou des jumeaux (reste à faire l'étude génétique), ayant cohabité dans leur vie antérieure avec leurs familles respectives. Ils sont effectivement parfois figurés accompagnés de leurs femmes et de leurs enfants. Dans la tombe qui leur sert de sépulture se trouve une fresque les représentant dans une scène intimiste et tendre durant leur vie. La tombe où ils reposent tous les deux porte l'épitaphe suivante : « Khnoumhotep et Niânkhkhnoum ont vécu ensemble et se sont aimés avec passion ». Leur représentation coïncide parfaitement avec celles d'un couple masculin que les spécialistes pourraient considérer comme mariés. Ce n'est en théorie pas impossible mais aucun expert ne l'a jamais affirmé.

Domenico Zampieri detto Domenichino (1581-1641) - Vieil homme allongé

Domenico Zampieri detto Domenichino (1581-1641)
Vieil homme allongé
Sanguine
Musée Atger, Montpellier

 
Fervent partisan du classicisme, dans ses peintures, où le dessin, appris de Ludovico Carracci, assume un rôle prépondérant, tend à créer des compositions de simplicité et de clarté narrative, transfigurées en un idéal de beauté classique. 

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Vladimir Becić (1886–1954) - Portrait du peintre Miroslav Kraljevic

Vladimir Becić (1886-1954)
Portrait du peintre Miroslav Kraljevic, 1908
Musée d'art moderne de Dubrovnik, Croatie

Vladimir Becić était un peintre croate,  qui a eu une très forte influence sur  l'art moderne dans son pays.
Becić a étudié la peinture à Munich à la prestigieuse Académie des Arts avec Oskar Herman, Miroslav Kraljević (représenté dans ce portrait)  et Josip Račić. Ce groupe d'artistes croates était  connu sous le nom de Munich Circle ou Munich Four, et sont des figures très importantes de l'art croate du XXe siècle.  Après Munich, Becić a passé 2 ans à étudier et à travailler à Paris  ( notamment  en suivant les cours de  l' Académie La Grande Chaumière et en ravaillant comme dessinateur au magazine Le Rire) avant de retourner à Zagreb en 1910.
Pendant la Première Guerre mondiale, Vladimir Becić fut engagé comme artiste de guerre sur le front de Salonique, produisant une série de représentations des soldats et des blessés. A la fin de la guerre, il s'installa  quelques temps dans un village près de Sarajevo, où il peignit des paysages et des sujets ruraux dans un style qui utilisait des variations de couleurs et de tons pour représenter la forme et l'espace.
Becić fut professeur à l' Académie des Beaux-Arts de Zagreb (1924–1947) et membre de l' Académie croate des sciences et des arts à partir de 1934.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Jongleur à la Nature morte

Pablo Picasso (1881-1973)
Jongleur à la Nature morte
Gouache sur carton, 1905
The National Gallery of Art, Washington

Selon la notice de la National Gallery of Art de Washington, contrairement à la majeure partie des oeuvres de la série des Saltimbanques de Picasso, Le jongleur à la Nature morte, est une œuvre d'atelier, le modèle tenant une pose sur un arrière-plan rde rideau attaché , à côté d'une nature morte posé esur un carton. Cette dernier est composés de manière plutôt désinvolte, mais comprend  un vase lié déjà vu dans le tableau  La famille des Saltimbanques. Le jongleur  lui même  a pu être identifié comme un modèle utilisé par Picasso pour plusieurs tableaux à l'automne 1905. Sa physionomie et la position de ses mains se retrouvent dans celles du Garçon à la pipe. Bien qu'il soit cousin des acrobates de la Famille des Saltimbanques, Le Jongleur en diffère par la frontalité très formelle de sa posture. 

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Agnolo Bronzino (1503-1572) - Profil de jeune homme barbu, 1545–55

Agnolo Bronzino (1503-1572)
Profil de jeune homme barbu, 1545–55
The MET 

 

Cette étude délicatement dessinée d'un jeune homme à la  beauté digne d'Apollon aurait été utilisé par Bronzino pour esquisser une représentation de la figure du Christ. La répartition des ombres est parfaitement dosée, avec une utilisation magistrale de la technique du dessouchage, un frottement fait avec le doigt et qui donne aux traits un aspect gommé. Illustrée avec brio par Michel-Ange dans les années 1530 et 1540, cette technique de dessin a inspiré beaucoup d'artistes maniéristes florentins de la décennie suivante, et en particulier Bronzino. Cette tête vue rappelle  beaucoup celles des tapisseries des Médicis concernant l'histoire de Joseph, conçues par Bronzino entre 1549  et 1553. Ce a été acquise  par le MET Museum de New York avec une attribution à  un artiste florentin du 16ème siècle, 'expert George Goldner l'ayant attribuée définitivement  à Bronzino, peu après l'acquisition. 

Autres œuvres de Bronzino dans ce blog

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Pierre-Joseph-Célestin François (1759-1851) - Thésée

Pierre-Joseph-Célestin François (1759-1851)
Thésée, 1839
Huile sur panneau
Collection privée

Pierre-Joseph-Célestin François  dit aussi  "le peintre aux prénoms" est un peintre belge qui étudia d'abord la peinture à Charleroi dans l'atelier de P.B. De Blocq, puis à l'Académie de peinture d'Anvers auprès d'André Lens et Guillaume Herreyns. Il séjourna en Italie de 1778 à 1781, puis revint à Bruxelles où il effectua essentiellement des peintures de commande décoratives. En 1803, il figurait parmi les membres fondateurs de la Société de peinture, sculpture et architecture de Bruxelles dont il fut vice-président.
A Bruxelles, il se fit remarquer grâce à sa peinture néo-classique, même si la période révolutionnaire nuisit à sa carrière. Son Marius assis sur les ruines de Carthage est conservé à Bruxelles aux Musées royaux des beaux-arts de Belgique. Sous le Consulat et l'Empire, il participa au renouveau de la peinture religieuse et peint notamment une Allégorie du Concordat conservée à la Malmaison. Il est également l'auteur de nombreux tableaux de dévotion privée. On lui doit aussi le portrait le plus connu de l'abbé Grégoire, conservé au Musée des Beaux-Arts de Nancy.

 

 

Pierre Bonnard (1867-1947) - Le Boxeur

Pierre Bonnard ( 1867-1947)

Le Boxeur , 1931

Huile sur toile  54x74cm

Musée d'Orsay Paris  

 

On connait surtout le peintre Pierre Bonnard pour ses natures mortes, ses paysages et ses scènes de genre. moins pour ses autoportraits qu'il a peint en nombre restreints (on lui en connait un de lui , jeune et un un plus âgé, ci-dessus).
Études et rétrospectives révèlent aujourd'hui une œuvre plus complexe et novatrice qu'il n'y paraît : sensualité des sujets, sens nouveau du regard, de la composition et du cadrage, maîtrise incomparable de la lumière et de la couleur — sa palette de plus en plus riche et éclatante fait de lui l'un des plus grands coloristes du 20e siècle. Indifférent aux critiques comme aux modes, peu porté aux spéculations sans être étranger aux débats esthétiques de son temps, Pierre Bonnard fut un peintre passionné qui n'a cessé de réfléchir à son métier et à la façon de rendre vivante, selon ses propres termes, non la nature, mais la peinture elle-même.

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Paul Cadmus (1904-1999) - Seated Male

 

Paul Cadmus (1904-1999)
Seated Male, 1965
Private collection 

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et reçut de nombreuses commandes.
Dans les années 1960, son œuvre révèla plus franchement aux yeux du public une forme d'homoérotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évolue vers le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté (ci dessus), et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) - Canotiers, Déjeuner au bord de la rivière

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
Un Déjeuner chez Fournaise ou Canotiers, Déjeuner au bord de la rivière 1875
Oil on canvas, 55.1 x 65.9 cm.
The Art Institute of Chicago 

La maison Fournaise est une ancienne guinguette-hôtel situé dans l'île des Impressionnistes, à Chatou, dans les Yvelines. Elle abrite aujourd'hui à nouveau un restaurant et le musée municipal qui conserve des collections sur l'histoire du site et du canotage, l'un des premiers loisirs modernes sur l'eau.
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Pierre-Narcisse Guerin (1744-1833) (attribué à) - Etude d'Homme

Pierre-Narcisse Guerin (1744-1833) (attribué à)
Etude d'Homme ( 47,5 x 41cm)
Collection Privée (Aguttes)

Le peintre français Pierre-Narcisse Baron Guérin est un peintre néoclassique français. Professeur à l'École des beaux-arts de Paris, il est institué officiellement le 27 novembre 1816, en remplacement de Claude Dejoux mort la même année. Il sera lui-même remplacé en 1833 par Paul Delaroche. Membre de l'Institut en 1815 (fauteuil 9), il accepte, en 1822, la direction de l'Académie de France à Rome, qu'il garde jusqu'en 1828.
Assez en faveur sous le 1er Empire, il reçut la Légion d'honneur dès 1803 (parmi les premiers donc) et exécuta quelques toiles de propagande comme son Bonaparte pardonnant aux révoltés du Caire, actuellement au Musée de Caen ou La Mort du général Lannes, duc de Montebello, actuellement au Musées des Beaux arts de Valenciennes.

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Émile Friant (1863 - 1932) - Académie d'Homme Debout, 1878

Émile Friant, (1863 - 1932)
Académie d'Homme Debout, 1878
Collection privée 

 

 

En 1883, Emile Friant obtient le Second grand prix de Rome avec un tableau intitulé Œdipe maudit son fils Polynice. En 1885, il rencontre Constant Coquelin (1841-1909), l’un des plus grands comédiens français de l’époque qui créa en 1897 le rôle du Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand. Coquelin devint l’un des principaux mécènes de Friant. 

Au cours de l’année 1886, il voyage à l’étranger, d’abord en Belgique et aux Pays-Bas avec les peintres Henri Royer et Armand Lejeune, puis en Italie avec Constant Coquelin.

La consécration arrive très vite. 

En 1889 – il a 26 ans – il présente La Toussaint au Salon des Beaux-arts. Cet immense tableau de de 3,34 × 2,54 mètres, obtient le prix spécial du Salon puis, la même année, la médaille d’or de l’exposition universelle de Paris.

Son succès ne se démentira plus.

Friant est fait Chevalier de la Légion d’honneur.

 

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William Dring (1904 -1990) - Portrait Of Nicky Gargano, 1956

William Dring (1904 -1990)
Portrait of Nicky Gargano, 1956
Private collection 

Au début de la Deuxième guerre mondiale, William Dring exécuta plusieurs commandes de portraits pour le Comité consultatif des artistes de guerre (War Artists' Advisory Committee).
En 1942, il travaille à temps plein pour le Comité et se spécialise dans les "portraits d'Amirauté ".
A partir de ce moment là, toute sa carrière se peintre s'oriente autour des faits de guerre et de ses héros, une spécialisation " artistique " tout à fait anglo-saxonne.
Soixante-quatre des portraits que Dring à peint en temps de guerre, principalement des pastels, font partie de la collection de l'Imperial War Museum, qui possède également 5 peintures à l'huile, sans parler de la quarantaine de portraits au pastel conservés au National Maritime Museum.

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Jean Dupas (1882-1964) - Etude de nu masculin

 

Jean Dupas (1882-1964)
Etude de nu masculin
Collection privée 

Le peintre, affichiste et décorateur français, Jean-Théodore Dupas, dit Jean Dupas, travailla dans les domaines les plus variés : Manufacture nationale de Sèvres, Manufacture des Gobelins, Vogue, Harper's Bazaar, Ateliers d'art sacré, Palais des Colonies, Magasins Dufayel, les paquebots L'Île-de-France, Le Liberté et Le Normandie (Grand salon), Métro de Londres ou Palais Royal de Bucarest.
Il participe en 1936 au chantier de la bourse du travail de Bordeaux, y réalisant deux fresques.
Il termine la même année la décoration d'un panneau mural pour le salon de l'argenterie du palais royal de Bucarest.
En 1938 il participe à la réalisation du Pavillon de la France pour l'Exposition internationale de New York de 1939. Pendant toute la période de la Seconde guerre mondiale, il choisit de rester à New York où il rencontre un grand succès.
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Francesco Salviati (1510-1563) - Portrait d'un gentilhomme 1543

Francesco Salviati (1510-1563)
Portrait d'un gentilhomme 1543
Huile sur panneau (96,7 x 82,8 cm)
Collection privée

Vasari considérait Salviati comme l'une des rares personnalités artistiques polyvalentes parmi les maniéristes. Devenu célèbre comme peintre, il était aussi un grand dessinateur ; il créa également des modèles pour des œuvres relevant d'autres techniques : gravures, médailles et emblèmes, cartons de tapisseries destinés à de somptueuses tentures."

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Niklas Lafrensen ( 1737-1807) Portrait miniature du Comte Axel de Fersen, c. 1784 Collection privée

Niklas Lafrensen ( 1737-1807)
Portrait miniature du Comte Axel de Fersen, c. 1784
Collection privée

 
Niklas Lafrensen, dit « Nicolas Lavreince » ou « Lavrince », est un dessinateur et peintre à la gouache de portraits et d’histoire suédois. Insatllé a Paris en 1774, il produisit, jusqu’à la Révolution, de nombreux dessins de style rococo destinés à servir de modèles à des graveurs, tout inspirés de l’esprit enjoué et plein de grâce de cette fin de l’Ancien Régime dans le genre de Lancret, Pater et Fragonard.

Hans Axel von Fersen, appelé aussi Axel von Fersen le Jeune ou surtout en français Axel de Fersen (1755- 1810 ), comte suédois, est célèbre pour son rôle de favori auprès de la reine de France Marie-Antoinette.
A son sujet, le de Suède roi Gustave III écrivit : « De tous les Suédois qui ont été ici de mon temps, c'est celui qui a été le mieux accueilli dans le grand monde. Il a été extrêmement bien traité dans la famille royale. Il n'est pas possible d'avoir une tenue plus sage et plus décente que celle qu'il a tenue. Avec la plus belle figure et de l'esprit, il ne pouvait manquer de réussir dans la société, aussi l'a-t-il fait complètement. ».  En 1791, Fersen est l'un des principaux organisateurs de la fuite à Varennes de la famille royale française. Devenu l'amant d'Eleonore Sullivan, il lui emprunte les 300 000 livres nécessaires pour la préparation de la fuite. Il escorte lui-même la famille royale, la nuit du 20 juin, jusqu'à Bondy, mais Louis XVI refuse qu'il les accompagne plus loin. Fersen doit rejoindre la place-forte de Montmédy, où se dirige la famille royale, en passant par la Belgique. Mais, mal préparée, la fuite échoue et les fugitifs sont reconduits à Paris.  Fersen continue à correspondre avec Marie-Antoinette. Il se rend à Vienne pour avertir la cour de l'empereur et le décider à l'action. Mais Léopold II temporise, et Fersen, se sentant berné, parle à la reine de trahison.  Les lettres échangées entre Marie-Antoinette et Alex de Fersen entre juin 1791 et août 1792 démontrent  si besoin était, l'intimité dans laquelle était  leur  relation. Alex de Fersen reçoit une lettre de Marie-Antoinette, datée du 4 janvier 1792, où elle l'assure de son amour : « Je vais finire, non pas sans vous dire mon bien cher et tendre ami que je vous aime à la folie et que jamais jamais je ne peu etre un moment sans vous adorer » En février 1792, Fersen revient en France et rencontre la reine, puis le roi, en secret. Il veut leur faire part d'un nouveau plan d'évasion par la Normandie. Louis XVI refuse toute nouvelle tentative de fuite. Fersen rentre alors à Bruxelles retrouver Éléonore sa maîtresse, et aider à la préparation d'une coalition européenne contre la Révolution française. C'est lui qui inspire, en juillet, le « manifeste de Brunswick », l'ultimatum des armées austro-prussiennes aux révolutionnaires français. Il croit fermement à la victoire rapide de la coalition et imagine même le rétablissement de la royauté. Enfin, en 1793, après l'exécution de Louis XVI, il espère encore sauver la reine. S'imaginant que tout est le fruit des intrigues des Orléans, il pense acheter les meneurs du « parti d'Orléans », Laclos, Santerre ou Dumouriez. Quand Dumouriez fait défection et rejoint les Autrichiens en mars, Fersen y voit la fin des révolutionnaires, et imagine déjà Marie-Antoinette régente. En août, quand il apprend la nouvelle du transfert de la reine à la Conciergerie, il essaie d'obtenir du prince de Cobourg qu'il marche sur Paris, mais c'est en vain. Il ne peut pas non plus empêcher l'exécution de la reine le 16 octobre 1793. Rentré en Suède, il se consacre ensuite à sa carrière. auprès du roi Gustave III et de son descendant. Cependant, là encore,  fidèle au Gsutavien qui ont perdu le trône, Fersen meurt en 1810, lapidé et piétiné par la foule, en présence de nombreuses troupes qui n'interviennent pas. Un assassinat politique sans doute. 

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Pavel Tchelitchew (1898-1957) - Lutteurs, 1932

 

Pavel Tchelitchew (1898-1957)
Lutteurs, 1932
Gouache sur papier
Collection privée 

D'origine aristocratique, Pavel Tchelitchew suivit sa famille à Kiev après la révolution de 1917 avant d'émigrer en France en1923. C'est à Paris qu'il fit ses débuts de portraitiste. Au Salon d'automne de 1925, Gertrude Stein remarqua son talent et lui acheta tout le contenu de son atelier. C'est par son intermédiaire d'ailleurs qu'il fit la connaissance de René Crevel et Christian Bérard mais aussi d' Edith Sitwell, dont Tchelitchew réalisa le portrait. C'est chez Gertrude Stein aussi que Tchelitchew rencontra celui qui allait devenir son compagnon pendant de nombreuses années, le poète et écrivain américain Charles Henri Ford (1908-2002) dont il a très souvent fait le portrait. A Paris, Pavel Tchelitchew travailla ensuite pour Serge de Diaghilev en créant des décors et des costumes des Ballets russes en 1928. En 1930, Tchelitchew présenta ses oeuvres dans le cadre d'une exposition collective au Museum of Modern Art de New York, tout juste ouvert depuis un an seulement.
En 1933, il décide de s'installer avec son compagnon Charles Henri Ford à New York où il continue à travailler pour des metteurs en scène et des chorégraphes, comme George Balanchine ou A. Everett Austin (Wadsworth Atheneum de Hartford).
Tchelitchew acquit la nationalité américaine en 1952.
Un peu moins de 150 de ses peintures sont conservées au MoMA à New York.

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Annibale Carracci (1560-1609) - Tête d'homme, 1590

Annibale Carracci (1560-1609)
Tête d'homme, 1590
Collection privée

Annibale Carracci, en français Annibal Carrache dit aussi "Le Carrache" est un peintre italien qui travaillait en général avec son frère Agostino et son cousin Lodovico et connut de son vivant une grande renommée.Avec Le Caravage, auquel il a été opposé dès le 17e siècle, il est considéré comme le rénovateur de la peinture italienne à la fin du 16e siècle. Comme lui, il utilisa en effet un style différent pour mettre en application les principes du Concile de Trente et se dégager du maniérisme finissant. Il donna naissance à une nouvelle conception classique et naturaliste de la peinture, faisant définitivement basculer cet art dans le classicisme, qui devint l'une des grandes orientations de la peinture au 17e siècle.
La classification de Carrache est assez difficile. Le peintre est en effet à la fois baroque, dans l'illusionnisme, l'exubérance des formes, la composition foisonnante et classique, de par sa mise en page équilibrée, son dessin net, la qualité sculpturale de ses personnages. On doit plutôt lui reconnaître un certain éclectisme, sans lui nier un style personnel, plutôt que de tenter de l'enfermer dans une catégorie.
On divise généralement la carrière d'Annibal Carrache en deux temps : celui de Bologne, jusqu'en 1595, puis celui de Rome jusqu'à sa mort en 1609. Toutefois, ses dernières œuvres, peintes après la galerie Farnèse doivent être considérées à part (ex : Jupiter et Junon) car elles relèvent d'une esthétique toute différente.

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Armée en terre cuite (兵马俑) - Archer

 

Archer en armure (détail) 鎧甲跪射俑
Qin dynasty (221–206 A.C)
Armée en terre cuite  (兵马俑)
Terracotta Warriors and Horses Museum. Xi'an, Shaanxi

L'armée de terre cuite (兵马俑, bīngmǎ yǒng) « statues funéraires de soldats et chevaux » ou armée d'argile, est un ensemble de près de 8000 statues de soldats et chevaux en terre cuite, représentant les troupes de Qin Shi Huang, le premier empereur de Chine. Elles représentent une forme d'art funéraire, car elles ont été enterrées dans les fosses du mausolée de l'empereur Qin, à proximité de la ville de Xi'an, dans le Shaanxi, en 210–209 av. J.-C.
Cette « armée enterrée », dont les statues ont quasiment toutes un visage différent, était destinée à protéger l'empereur défunt. Ces statues, qui datent de la fin du troisième siècle av. J.-C1, ont été découvertes en mars 1974 dans le Xian de Xiyang par des agriculteurs. Leur taille varie suivant leur grade au sein de cette armée, celles figurant les généraux étant les plus grandes. Elles représentent des fantassins, des cavaliers, des chevaux et des chars. En 2007, les archéologues qui fouillent le site ont estimé que les trois fosses dans lesquelles repose l'armée de terre cuite contiennent plus de 8 000 soldats, 130 chars tirés par 520 chevaux, auxquels il faut rajouter les 150 chevaux montés par des cavaliers. La plus grande partie de ces statues est enterrée dans la fosse No 1, qui se situe à côté du mausolée de l'empereur Qin. En plus des soldats, on trouve dans ces fosses des statues de civils, dont des membres de l'administration, des acrobates et des musiciens.

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Vincent van Gogh (1853-1890) - Portrait d'Armand Roulin (2)

 

Vincent van Gogh (1853-1890)
Portrait d'Armand Roulin, 1888
Musée Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

Les Portraits de la famille Roulin forment un ensemble de portraits réalisés par Van Gogh à Arles entre 1888 et 1890. Vincent Van Gogh, qui peignait de nombreux paysages, souhaitait se consacrer également aux portraits. Il recherchait donc un modèle et c'est ainsi qu'il a rencontré le facteur Joseph Roulin qui fréquentait comme lui le café de la Gare. Joseph Roulin était né en 1841 à Lambesc, à environ 60 kilomètres à l'est d'Arles, et il est mort en septembre 1903 à Marseille. En 1868 il s'est marié à Augustine-Alex Pellicot, née len 1851 à Lambesc comme son mari et décédée en 1930. Les Roulin ont eu trois enfants : Armand, Camille et Marcelle. Van Gogh a réalisé des portraits de chacun d'eux dont  2 du seul Armand autour de 1888.

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Vincent van Gogh (1853-1890) - Portrait d'Armand Roulin

Vincent van Gogh (1853-1890)
Portrait d'Armand Roulin, 1888
Huile sur toile 65 × 54 cm.
Museum Flokwang, Essen

Les Portraits de la famille Roulin forment un ensemble de portraits réalisés par Van Gogh à Arles entre 1888 et 1890. Vincent Van Gogh, qui peignait de nombreux paysages, souhaitait se consacrer également aux portraits. Il recherchait donc un modèle et c'est ainsi qu'il a rencontré le facteur Joseph Roulin qui fréquentait comme lui le café de la Gare. Joseph Roulin était né en 1841 à Lambesc, à environ 60 kilomètres à l'est d'Arles, et il est mort en septembre 1903 à Marseille. En 1868 il s'est marié à Augustine-Alex Pellicot, née len 1851 à Lambesc comme son mari et décédée en 1930. Les Roulin ont eu trois enfants : Armand, Camille et Marcelle. Van Gogh a réalisé des portraits de chacun d'eux et plusieurs  du seul Armand Roulin  autour de 1888.

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Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548) (attribué à) - Tête d'un homme, c. 1520-30

Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548) (attribué à)
Tête d'un homme, c. 1520-30.
The Royal Collection Trust, London 

 
Giovanni Gerolamo Savoldo est un peintre lombard de la haute Renaissance. Quoique surtout actif à Venise, où il vit durant une longue période, il est toujours resté fidèle à la fibre naturaliste de l'art lombard, finissant par être considéré comme l'un des trois grands maîtres de la première Renaissance bresciane avec Il Romanino et Il Moretto.
Ses « nocturnes » (scènes de nuit avec une source de lumière intérieure à la peinture) furent une source d'inspiration et probablement un point de départ dans la formation du Caravage.

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Frank Duveneck (1848-1919) - Guard of the Harem

 

Frank Duveneck (1848-1919)
Guard of the Harem (Study), 1879
Cincinnati Art Museum 

Fils d'un immigré allemand, Frank Duvenek est considéré comme une figure majeure du portrait américain. En 1869, il part étudier avec Wilhelm von Diez et Wilhelm Leibl à l'Académie royale de Munich. En 1877, il croise le chemin de son jeune compatriote John White Alexander en voyage en Bavière. D'abord ignoré son travail attira tout à coup l'attention lorsqu'il fut montré au Boston Art Club en 1875. Henry James l'appelait "le génie insoupçonné" et à l'âge de 27 ans, il était déjà un artiste célèbre. En 1878, Duveneck ouvrit une école à Munich et dans le village de Polling en Bavière. Ses étudiants, connus sous le nom de "Duveneck Boys", comprenaient John Twachtman, Otto Henry Bacher, Julius Rolshoven et John hite Alexander. Après la mort de sa femme Elizabeth et bien qu'il fut un homme riche et célèbre, il choisit de mener une vie recluse. Il vécut à Covington jusqu'à sa mort en 1919 et enseigna à l'Académie d'Art de Cincinnati. Ses portraits les plus célèbres sont Lady with Fan (1873) et The Whistling Boy (1872), qui révèlent tous l'influence qu'exercèrent sur lui la palette sombre et le coup de pinceau de Franz Hals. Les oeuvres de Duvenck sont aujourd'hui exposées u au MET Museum de New York, à la National Gallery de Washington, DC, au Museum of Fine Arts de Boston, au Cincinnati Art Museum, au Richmond Art Museum, etc... Membre du Salon des artistes français, il obtint un mention honorable en 1895 En 1905, il fut é élu à l'Académie nationale de design en tant que membre associé et est devenu un académicien à part entière en 1906. 

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Tranquillo Cremona (1837-1878 - Portrait de Nicola Massa

 

Tranquillo Cremona (1837-1878)
Portrait de Nicola Massa, 1867
Castello Visconteo, Pavie  

Tranquillo Cremona, frère du mathématicien Luigi Cremona, suit des études supérieures au lycée classique Ugo Foscolo de Pavie. Il est l'un des initiateurs du mouvement scapigliatura en peinture, s’inspirant de Francesco Hayez mais avec une approche de coloriste qu'il puise à Venise  où il séjourne entre 1852 et 1859. Par la suite, son  langage se tourne vers la recherche d'effets de flou et de douceur, qu'il obtient par la prévalence due l'effet de  sfumato (fumée) appliqué sur les contours. Il illustre ainsi une théorie de l'indéfini que beaucoup de formes d'art tentent a son époque d'appliquer. et dont Giuseppe Rovani est devenu le porte parole a travers son  livre Le tre arti (1874).
En 1870, Cremona parvient enfin au résultat  recherché , quand il présente I cugini, série d'œuvres qui ne manquent  de surprendre la bourgeoisie milanaise d'alors et le milieu artistique  dominé par le réalisme guindé de Giuseppe Bertini dont il fut également un élève.

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Philip de Làszlo (1869-1937) - Portrait de Armand de Gramont, duc de Guiche

 

 

 

Philip de Làszlo (1869-1937)
Portrait d'Armand de Gramont, duc de Guiche, 1904

Collection privée  

Antoine Auguste Agénor Armand de Gramont,(1879 -1962) est un gentilhomme français, 12e duc de Gramont, qui fut industriel et scientifique. C'était un ami proche de Marcel Proust. Amateur de peinture, Armand de Gramont avait rêvé de devenir peintre et exposé en 1904 un tableau au Salon des artistes français. Sa famille l'avait poussé vers des études plus sérieuses et il avait obtenu une licence ès sciences en 1902. En 1908, sur les conseils du professeur Carlo Bourlet, il établit un laboratoire pour des expériences d'aérodynamique, dans le jardin d'une maison de retraite fondée par ses beaux-parents à Levallois. En 1911, il soutient à la Faculté des sciences de Paris sa thèse pour le doctorat ès sciences intitulée "Essai d'aérodynamique du plan", première thèse consacrée en France à ce sujet. Il obtient ensuite le prix Fourneyron de l'Académie des sciences avec Gustave Eiffel. Au cours de la Première Guerre mondiale, Armand de Gramont est tout d'abord automobiliste interprète avec l'armée anglaise puis aviateur à la Section technique de l'aéronautique où il rencontre le savant Henri Chrétien. En mars 1916, le Service des fabrications de l'aviation du ministère de la Guerre demande à Gramont de transformer son laboratoire d'aérodynamique en atelier de fabrication d'appareils optiques, en particulier de collimateurs de visée. Il observe l'insuffisance de l'équipement de l'armée française en instruments d'optique de précision et l'absence d'ingénieurs capables de les mettre au point. Il prend alors la tête d'un comité en faveur de la création d'un "institut d'optique appliquée" chargé de la formation d'un corps d'ingénieurs-opticiens. Si la décision de principe fut prise par le Gouvernement dès 1916, l'Institut d'optique théorique et appliquée (Sup Optique), qu'il présida jusqu'à sa mort, ne commença ses activités qu'en 1920. Sa fille Corisande y fut élève-ingénieur.
La Maison de Gramont de Ritter (tome 2) indique que les obsèques d'Armand de Gramont eurent lieu dans l'intimité, en l'église de Mortefontaine le 6 août 1962 et son corps inhumé au caveau de la Maison toujours à Mortefontaine. Sa femme Elaine Greffulhe y avait été inhumée en février 1958". 

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Paul Cézanne (1839-1906) - Le buveur

 

 

Paul Cézanne (1839-1906)
Le buveur, 1890.
The Barnes Foundation

Paul Cézanne a peint environ 300 tableaux sur lesquels 54 sont parvenus jusqu'à nos jours. Il a également détruit une partie de son œuvre.
Cézanne a peint de nombreux portraits d'hommes, critiques et amis collectionneurs servant à tour de rôle, de modèles d'un archétype masculin. Mais en dehors de ses amis et des membres de sa famille, Paul Cézanne aime aussi peindre les paysans, les bonnes et les ouvriers agricoles du Jas-de-Bouffan. Il peint ainsi plusieurs portraits de son jardinier et celui d'une femme solide aux mains lourdes devant une simple cafetière. Des gens simples avec lesquels il aime vivre et manger un peu de fromage, des figues et des noix ou comme ici un abricot et un verre de vin ...

 
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Jan Havickszoon Steen (1626-1679) - Le boulanger Arend Oosterwaert et sa femme

Jan Havickszoon Steen (1626-1679)
Le boulanger Arend Oosterwaert et sa femme
Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid

Steen a peint quelques centaines de tableaux, caractérisés, surtout, par la connaissance du cœur humain, l’humour, et une utilisation exubérante de la couleur. Il représente fréquemment des valeurs morales dans des scènes du quotidien, en recourant à des images la plupart du temps symboliques. La vie quotidienne constitue le sujet de prédilection de Steen, qui a un style baroque. Un bon nombre de tableaux sont pleins d’animation, voire chaotiques et luxurieux, à tel point que ce genre de scènes a donné naissance à une expression couramment utilisée en néerlandais : « een huishouden van Jan Steen », c'est-à-dire « un ménage de (à la) Jan Steen ». Ses peintures renferment des indices subtils et de nombreux symboles qui laissent entendre que Jan Steen ne veut pas tant inviter le spectateur à imiter ce qui est représenté que, au contraire, donner à celui-ci une leçon morale. Souvent, elles se réfèrent à de vieux proverbes ou à d’anciens textes littéraires néerlandais. La famille du peintre faisait souvent fonction de modèle.
En dehors des peintures de genre, Steen a exploré des sujets variés : il a peint des scènes historiques, mythologiques et religieuses (Samson parmi les Philistins, Amnon et Hagar, Les Noces de Cana), des portraits – dont quelques autoportraits, peu vaniteux –, des natures mortes et des paysages. On vante ses représentations d’enfants, de même que sa maîtrise de la lumière et son souci du détail, notamment dans le rendu des matières textiles.
L’œuvre de Jan Steen put également jouir de l’estime de ses contemporains et, de ce fait, il gagna assez bien sa vie. À l’exception de deux de ses fils, Cornelis et Thadeus Steen, on ne lui connaît aucun élève, mais son travail constitua une source d’inspiration pour bien d'autres artistes.

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Glyn Warren Philpot (1884 -1937) - Jeune homme à la Casquette à Visière anti solaire

 

Glyn Warren Philpot (1884 -1937)
Jeune homme à la casquette à visière anti-solaire 
Collection privée 

Glyn Warren Philpot, est un peintre et sculpteur anglais, surtout connu pour ses portraits à l'huile.
Il étudie à la Lambeth School of Art en 1900, puis à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens.

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Gottfried Lindauer (1839-1926) - Portrait de Rewi Manga Maniapoto

 

Gottfried Lindauer (1839-1926)
Portrait de Rewi Manga Maniapoto, 1882
Auckland Art Gallery

 

Rewi Manga Maniapoto (1807–1894) était un chef Ngāti Maniapoto qui dirigeait les forces rebelles du Kīngitanga pendant l' invasion de Waikato par le gouvernement néo-zélandais pendant les guerres de Nouvelle-Zélande.

 Gottfried Lindauer (1839- 1926) d'origine tchèque commença par étudier dès 1855, la peinture à
l'Académie des beaux-arts de Vienne (Autriche). Après avoir commencé une honnête carrière de sujets religieux en Autriche, il quitte soudainement la Bohême où il résidait pour aller s'installer en Moravie pendant trois ans. De là, pour éviter d'être enrôlé dans les troupes de l'empire austro-hongrois, il part pour l'Allemagne et, en 1874, embarque sur un bateau en partance pour la Nouvelle-Zйlande, une terre lointaine et réputée sauvage dont l 'éloignement suffisant lui convient.
C'est sur cette terre de Nouvelle Zélande, que Lindauer va devenir célèbre en peignant les portraits de tous les grands chefs Maoris de son temps. Les chefs maoris appréciant hautement que Lindauer, peignent avec une précision jamais atteintes jusqu'alors leur tatouage rituels (les mokos) aussi bien que leur costumes, leurs ornements et leurs armes, défilèrent littéralement dans son atelier lui passant commande de ce qui allait devenir la plus grande collection de portraits maoris de tous les temps.
Cette série de spectaculaires portraits grandeur nature des chefs maoris et des guerriers fut exposée par Sir Walter Buller à l' Exposition coloniale et indienne de 1886, propulsant ainsi Lindauer sur la scène artistique coloniale comme le spécialiste incontesté des "Maoris at home", qui devint un sujet d'étude particulier.
L'un de ces portraits représentant un jeune danseur Poi (sans moko sur le visage), était tellement admiré par le prince de Galles que Sir Walter Buller le lui offrit.
Les portraits maoris de Lindauer, comme beaucoup de ceux que peignirent aussi Ellen von Meyern et Frances Hodgkins, ne représentaient pas seulement des hommes mais aussi des femmes symbolisant souvent une maternité primitive heureuse. Son portrait de femme maori le plus célèbre est celui de Heeni Hirini, aussi connue sous le nom d’Ana Rupene, portant un bébé sur le dos et que Lindauer a peint plus de 30 fois !
Après être revenu une seule fois dans son pays natal en 1886–1887, Lindauer choisit de retourner s'installer définitivement en Nouvelle Zélande et de s'établir à Woodville, près de Wellington, après qu'il eut épousé Rebecca, fille de Benjamin Prance Petty.
Lindauer est est enterré dans le cimetière Old Gorge de Woodville en Nouvelle Zélande.
Depuis son décès ses portraits maoris ont fait le tour du monde et l'ont établi comme un portraitiste sans équivalent des maori au tournant des 19 et 20e siècle.

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Gustave Roud (1897-1976) - Fermier suisse (5)

Gustave Roud (1897-1976)
Fermier suisse, 1940
Série " Corps de Paysans
Tirage photographique sur papier
Bibliothèque cantonale et universitaire de Lausanne

La série "Corps de Paysans " constitue une part importante pour ne pas dire essentielle de la photographie de Gustave Roud. Posant généralement le torse dénudé, le jeune paysan au champ engage une imagerie de la puissance virile. Loin des photo reportages des campagnes, ces séries montrent un protocole de prise de vue réitéré avec différents modèles. Le paysan célébré dans la photographie se détache de la figure littéraire d’Aimé, dans la mesure où il ressemble davantage à une statue grecque ou à un athlète qu’à l’ange intercesseur. Modèle par excellence, Fernand Cherpillod a permis au photographe la mise en place d’une esthétique du paysan proche de l’athlétisme agricole ou d’un être premier accordé à la terre. Prenant son essor à la fin des années trente, cette esthétique déployée ensuite pendant des décennies entretient des liens étroits avec des pratiques de l’époque : la contre-plongée, l’arrière-fond du ciel, le choix du modèle lui-même jeune, musclé, imberbe ou glabre. La célébration du paysan est accompagnée d’une esthétique du désir que certaines mises en scène avec les ombres ou les objets érotisent. Mais ces mises en scène, peu nombreuses, laissent le plus souvent la place à la fascination du corps athlétique en tant que tel, dans une épopée silencieuse du faucheur solitaire.
Extrait de la notice du Site Gustave Roud.com

Gustave Roud (1897-1976), un des principaux auteurs francophones de Suisse, est principalement connu pour ses proses poétiques. Depuis quelques années cependant, son activité de photographe apparaît également au premier plan : Gustave Roud est ainsi considéré comme l’un des grands écrivains-photographes européens de l’entre-deux-guerres et de l’immédiat après-guerre.
Loin d’être simplement un écrivain qui illustrerait sa démarche littéraire, Gustave Roud a eu une activité photographique intense dès l’âge de 16 ans jusqu’à la fin de sa vie, bien que celle ci n'ait jamais été exposée de son vivant. Malgré des expositions posthumes au Centre Beaubourg (Paris) et au musée de l’Elysée (Lausanne), ainsi que la publication d’un catalogue (Terre d’ombres, Slatkine, 2002), son statut de photographe est longtemps resté en marge de la littérature, selon la volonté d’ailleurs de Philippe Jaccottet qui a géré son œuvre après sa mort. Pourtant, Gustave Roud a conservé et transmis son travail abondant, accompli avec détermination et rigueur.
Les photos diffusées sur ce blog pour aider à la connaissance de ce grand photographe, appartiennent au Fonds photographique Gustave Roud, déposé à la Bibliothèque cantonale et universitaire de Lausanne par Françoise Subilia, et qui comprend 13.000 clichés divisées en 5 séries.

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Josip Račić (1885-1908) - Autoportrait en I906

 

Josip Račić (1885-1908)
Autoportrait en I906
Modern Gallery, Zagreb

Josip Račić (1885-1908) était un peintre croate au début du XXe siècle. Bien qu'il soit mort très jeune (il n'avait que 23 ans) et que son travail ait été principalement créé pendant ses années d'étudiant, il est l'un des peintres croates modernes les plus connus. Aujourd'hui, Račić est considéré comme l'un des représentants les plus importants de la peinture moderne croate. En 1908, il se rend à Paris où il peint une série d'aquarelles et d'huiles représentant des ponts, des avenues et des parcs parisiens. Il est mort d'une blessure par balle dans une chambre d'hôtel à Paris en juin 1908, après s'être suicidé.
Josip Račić est l'un des fondateurs de l'art croate moderne, le premier à intégrer le concept de conscience de soi et d'intégrité artistique à sa vie et à ses œuvres, "peinture pure", comme il l'appelait. Une caractéristique particulière de ses peintures est le fort sombre royaume de la spiritualité humaine. Une rétrospective de son travail a eu lieu à la galerie moderne de Zagreb et de Dubrovnik en 2008–2009, pour marquer le 100e anniversaire de la mort de l'artiste.

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Kishida Ryûsei (1891-1929) - Portrait de Mushanokôji Saneatsu, 1914

 

 

Kishida Ryûsei (1891-1929)
Portrait de Mushanokôji Saneatsu, 1914.
Tokyo Municipal Museum of Art

A peu près inconnu en occident, Ryūsei Kishida est considéré dans son pays  comme l’un des plus grands peintres du 20e siècle. Lié au mouvement Shirakaba (1910-1923), il symbolise, dans les manuels scolaires par exemple, la modernité de l’ère Taishō (1912-1926). 

Plusieurs grands historiens de l’art japonais moderne ont mis en évidence dans son travail, la spécificité de son réalisme et sa critique des avant-gardes.

 Kishida a réalisé de nombreux portraits, ainsi que des paysages terreux, dévoilant un goût qui lui est propre pour une texture à la fois fluide et grasse.

Ss tableaux, d'un format assez petit, sont les plus cotés sur le marché nippon. En 2000, sa toile Reiko un châle sur les épaules (1920) a été adjugée 360 millions de yens, établissant le record pour une œuvre moderne japonaise.

 

Mushanokôji Saneatsu  est un romancier et dramaturge japonais mort en 1976.  Né dans une famille de la noblesse japonaise, il étudie à Gakushūin et s'intéresse très jeune à la littérature et à la philosophie. Il est également très influencé par l'œuvre de Léon Tolstoï. Les écrits de Mushanokōji, surtout des romans et des pièces de théâtre, prônent une philosophie humaniste où le développement spirituel de l'être humain doit favoriser l'harmonie universelle. En 1918, il part fonder une communauté socialiste et utopique dans la préfecture de Miyazaki afin de mettre en pratique ses idées philosophiques. Il nomme cette communauté Atarashiki-mura (le nouveau village) et y continue son œuvre littéraire tout en s'adonnant à la peinture. Il renonce à l'expérience en 1926 et quitte le village. Il crée ensuite une galerie d'art à Tokyo et écrit des biographies avant d'interrompre ses travaux dans les années 1930 et voyage à travers l'Europe en 1936. Après la Seconde Guerre mondiale, il est brièvement mis à l'écart de toute fonction publique par les forces d'occupation américaines en raison de son appartenance à la Chambre des pairs du Japon et de son manque d'opposition à la guerre. Il fait son retour à la littérature en publiant Shinri sensei en 1950. Il est décoré de l'Ordre de la Culture en 1951 et devient membre de l'Académie des arts en 1952.

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Louis-Léopold Boilly (1761-1845) - Portrait d'Antoine Denis Chaudet

 

Louis-Léopold Boilly (1761-1845)
Portrait d'Antoine Denis Chaudet, 1763
Palais des Beaux-arts, Lille

 
Élève de Jean-Baptiste Stouf et d'Étienne Gois père, Antoine-Denis Chaudet remporte en 1784 un premier prix de Rome de sculpture sur le sujet de Joseph vendu par ses frères, et part pour l'Académie de France à Rome. Il y restera quatre ans. À son retour, en 1789, il est agréé à l'Académie royale de peinture et de sculpture. En 1805, il est nommé membre de l'Institut. Il est nommé professeur à l'École des beaux-arts de Paris, le 1er février 1810 en remplacement de Louis-Jean-François Lagrenée l'Aîné et aura pour successeur François-Frédéric Lemot le 8 septembre 1810. Sa statue de Napoléon Ier en imperator érigée en 1810 à Paris et couronnant la colonne de la Grande Armée, place Vendôme sera remplacée en 1863 par une figure d'Auguste Dumont.

Extraordinaire destinée que celle de Louis Léopold Boilly, peintre, miniaturiste, et graveur français, connu notamment pour ses scènes de la vie parisienne dans les années qui suivent la Révolution. Il expose pour la première fois au Salon de 1791 et se fait connaître tant pour ses portraits et ses peintures en trompe-l'œil que pour ses scènes de genre aux thèmes galants ou même grivois. En 1794, il est dénoncé par le peintre Jean-Baptiste Wicar, révolutionnaire puritain, et la Société républicaine des Arts menace de le faire poursuivre pour obscénité par le Comité de salut public. Pour sa défense, il invite les agents du Comité à venir dans son atelier et leur montre une série de toiles sur des sujets patriotiques, dont un Triomphe de Marat exécuté à l'occasion du concours de l'an II organisé par le gouvernement révolutionnaire. En 1823, Boilly produit une série de lithographies humoristiques intitulée "Les Grimaces", série qui va le mener, dira-t-il lui même, non sans humour directement à être fait chevalier de la Légion d'honneur puis, des années plus tard à devenir devient membre de l'Institut de France. " La grimace mène à tout, vous dis-je " écrira-t-il dans son discours de réception. Des 4500 portraits et 500 scènes de genre qu'il a peint dans sa carrière seule à peine le dixième est parvenu jusqu'à nous.

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Lucas Cranach the Elder (1472-1553) - Portrait d'un homme, 1522

Lucas Cranach the Elder (1472-1553)
Portrait d'un homme, 1522
National Gallery, Washington DC (Samuel H. Kress Collection) 

À partir d'un certain moment de sa vie, Cranach tourne le dos à la spontanéité de sa période viennoise et son art s’oriente alors vers un style s’approchant du maniérisme : les formes s’allongent, deviennent plus souples, les personnages prennent de l’importance par rapport au paysage devenu simple décor, leurs différentes poses sont élaborées et codifiées, et l’habillage raffiné.
Le besoin qu'avait Cranach d'adopter une méthode rationnelle pour produire des œuvres de grande qualité, en associant tout son atelier, apparait clairement avec la commande en 1533, d'une soixantaine de paires de petits portraits des deux frères, tous deux alors décédés, Frédéric le Sage et Jean le Constant. Certains historiens de l'art voient dans ce changement le début de la décadence qui va s'accentuant après 1525. D'autres jugent la production des années 1505 à 1525 d'égale valeur, quoique très différente de celle des années viennoises. Cette simplification voulue des formes, des compositions et des couleurs permet à l'atelier de copier à la demande, avec de simples variantes, les créations du maitre. Le pouvoir de séduction de l'artiste réside dans l'utilisation du pouvoir suggestif de la ligne sinueuse et du contraste des couleurs disposées en larges surfaces.

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Marsden Hartley (1877-1943) - Sauna finlandais-yankee

Marsden Hartley (1877-1943)
Sauna finlandais-yankee, 1938.
Collection du Weisman Art Museum de l'Université du Minnesota

 
Le peintre américain Marsden Hartley a séjourné à Paris dès 1912, période à laquelle il a fait partie du cercle de Gertrude Stein. L'année suivante il rencontre à Berlin, Vassily Kandinsky par lequel il est très impressionné au point de commencer à peindre une série de peintures abstraites, avec des formes aux contours très nets et aux couleurs vives C'est à cette époque aussi qu'il entame une histoire d'amour avec un officier allemand qui sera tué au combat pendant la Première Guerre mondiale et le laissera inconsolable. Il enchaînera ensuite les aller-retour entre l'Europe et les Etats-Unis avant de se fixer en 1937 dans le Maine après avoir déclaré qu'il voulait devenir «le peintre du Maine» et dépeindre la vie américaine à un niveau local. Hartley se rapproche alors du mouvement régionaliste, un groupe d'artistes actif du début au milieu du 20ème siècle et qui a tenté de représenter un"art américain différent". Il a continué à peindre dans le Maine, jusqu'à son décès en 1943.
Hartley a trouvé un expressionnisme original et très personnel qui donne toute sa mesure non pas tant dans ses natures mortes (assez rares) que dans les peintures des paysages et montagnes austères et tourmentés du Maine qu'il a merveilleusement peints.

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