Jan van Eyck (1390-1441)

Jan van Eyck (1390-1441) 

L'Homme au chaperon bleu c.1430

Muzeul Național Brukenthal

Portrait d'un homme à la capuche bleue, intitulé précédemment Portrait d'un bijoutier ou Portrait d'un homme avec un anneau est un portrait à l'huile sur panneau  de bois de très petit format (22,5 cm x 16,6 cm avec cadre). Il représente un homme non identifié et il est attribué au peintre néerlandais Jan van Eyck a ses débuts, bien qu'aucune  signature ne vienne l'attester.

La peinture a été commandée et achevée vers 1430 par un commanditaire inconnu que l'on a longtemps pensé être un bijoutier av cause de la bague qu'il tenait en main.  On s'est orienté par la suite vers la possibilité que cet homme soit un jeune fiancé offrant une vague à sa promise. 

La toile  contient un certain nombre d'éléments typiques des portraits de Van Eyck, notamment une tête légèrement surdimensionnée, un fond sombre et plat, une attention quasiment digne d'un médecin légiste portée à chaque petits détails du visage et de texture de peau. 

La peinture a été attribuée à van Eyck à la fin du 19ème siècle, mais certains historiens de l'art l'ont toujours contestée jusqu'à un nettoyage de 1991, lorsque la photographie infrarouge a révélé des méthodes de traitement de l'huile indiscutablement de Van Eyck.

Avant 1948, le panneau appartenait au musée national Brukenthal à Sibiu, en Roumanie. Cette année-là, le  régime communiste s'est emparé du panneau, avec dix-huit autres qu'il considérait comme le fonds le plus précieux du musée, et l'a confié au Musée national des arts de Roumanie à Bucarest. 

Fin 2006, avant que  Sibiu ne devienne Capitale européenne de la culture pour une année, les œuvres ont été restituées à Brukenthal.

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Winold Reiss (1886-1953) - Portrait of Langston Hughes

Winold Reiss (1886-1953)    

Portrait of Langston Hughes, 1927

The Library of Congress 

L'artiste et graphiste américain né en Allemagne Winold Reiss était le fils du célèbre paysagiste Fritz Reiss (1857-1914).  Dans ses premières années, il peignit beaucoup de  paysans allemands dont son père incluait les silhouettes dans ses perspectives. Ce fut une excellente formation de portraitiste pour  le jeune Reiss. Immigré en Amérique en 1913, il  se passionna pour les Amérindiens et collabora aussi comme illustrateur à   "The New Negro " d'Alain Locke, un important ouvrage sur la culture afro-américaine.  Son travail  le plus remarquable fut celui qu'il effectua au Cincinnati Union Terminal (aujourd'hui  Cincinnati Museum Center) en 1933. 

Pour lui rendre  hommage après son décès, le peuple amérindien Pieds-Noirs a répandu ses cendres tout le long de la frontière Est du Parc national des Glaciers.

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Michel Sittow (1469-1526/27) - Portrait de Don Diego de Guevara

Michel Sittow (1469-1525/26)

Portrait de Diego de Guevara  c. 1515/1518, 

National Gallery of Art, Washington,  (Andrew W. Mellon Collection)

Le peintre estonien Michel Sittow, également connu sous le nom de Maître Michiel et de bien d'autres noms  né vers 1469 à Reval (maintenant Tallinn, Estonie) où il est mort en 1525 ou 1526, est un peintre estonien.

Formé à la peinture à Bruges dans le cercle de Hans Memling avant 1488, il a travaillé   pour Isabelle la Catholique à partir de 1492 et s'était installé à Tolède où il a rencontré Juan de Flandes en 1496. Il était connu à la cour espagnole sous le nom de Melchior Alemán. Il travailla  ensuite pour les Habsbourg, en Espagne et aux Pays-Bas.ou on le connaissait sous le nom de Mychel Flamenco. En 1514, il se rend au Danemark où il fait le portrait de Christian II de Danemark. 

Il est retourné à Reval (maintenant Tallinn en  Estonie)  sa ville natale  à une date indéterminée, entre 1516 et 1518.  Il est mort dans cette meme ville au cours d'une épidémie de peste. 

Don Diego de Guevara ( environ 1450-1520) fut un  ambassadeur espagnol qui a servi quatre, voire cinq ducs de Bourgogne successifs, couvrant les dynasties des Valois et des Habsbourg, principalement dans les Pays-Bas . Il était également un collectionneur d'art important et possédait notamment dans sa collection  le célèbre portrait Arnolfini de Jan van Eyck  aujourd'hui à Londres.

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Jean-Étienne Liotard (1702-1789)

Jean-Étienne Liotard (1702-1789) 

Portrait of a Grand Vizier of Ottoman Empire,  Hekimoğlu Ali Pasha 1738-43.

National Gallery London 

Selon une  note de la National Gallery de Londres qui s'est beaucoup interrogée sur ce tableau qu'elle conserve dans ses collections, : " Le costume correspond bien à celui d'un grand vizir, mais il se peut que la personne qui le porte ne soit pas le grand vizir mais un turc ordinaire. Par ailleurs ce tableau a  déjà aussi été identifiée comme étant un portrait d'Edward Wortley Montagu (1713-1776) et aussi comme un autoportrait possible de Liotard en costume exotique.  "
Liotard a beaucoup voyagé en Europe et à l'Est. Il  a visité Constantinople en 1738 et y vécut même pendant quatre années, réalisant sur place nombre de dessins et pastels de sujets orientaux.

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Jean-Antoine Watteau (1684-1721) - Etude de tête d 'homme

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) 

Etude de tête d 'homme

The MET

(not on view)

Ce portrait qui semble être une étude pour une des musiciens qui peuplent ses fêtes galantes,  si précis que la dentition du personnage y est rendu avec un soin extrême, a un caractère tout à fait intemporel. 

Absolument adulé de son époque par un petit groupe d'admirateurs, auréolé d'une légende romantique au 19e siècle, Watteau demeure  "un accident dans l'Histoire de l 'art" et un inconnu pour la plupart des hommes du 21e siècle, malgré les prix fabuleux atteints par ses toiles ou le moindre de ses dessins. Les biographes se perdent et nous perdent souvent dans les détails assez contradictoires de sa vie, dans l'histoire complexe de ses relations, parfois orageuses, avec ses amis, ses condisciples, ses maîtres et ses protecteurs, complexité qui reflète l'instabilité de son caractère et de son humeur que tous  ses contemporains sans exceptions définissent comme sombre et souvent mauvaise. 

Quant à la chronologie de son œuvre, elle demeure - pour le moins - peu assurée...

Selon l'Encyclopédie Larousse, le nombre de ses toiles est évaluée aujourd'hui à 200 environ, toujours d'un format assez restreint, presque jamais datées et jamais signées, comme la plupart de ses dessins et études préparatoires souvent  empreintes de mélancolie et d'inquiétude.

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Rembrandt (Rembrandt van Rijn) (1606–1669) - Portrait of a man

Rembrandt (Rembrandt van Rijn) (1606–1669 )

 Portrait of a man, 1632

The MET 

Ce portrait qui date de la première année à Amsterdam de Rembrandt, est remarquable par sa qualité et son état.  Il est conservé actuellement au Metropolitan Museum of Art de New York où il est montré au public dans la Gallery 964.  Selon la notice du MET concernant cette oeuvre : " Les subtilités de lumière et de texture que l'on retrouve dans le visage rugueux et les cheveux fins, dans les couches parcheminées de la collerette et même dans le costume noir sont des effets que l'artiste avait progressivement maîtrisés dans sa ville natale de Leiden au cours des années précédentes ".


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Frederic Leighton (1830–1896) - Study of Male Figure, Half-Length

Frederic Leighton (1830–1896) 

 Study of Male Figure, Half-Length

Private owner 

Frederic, baron Leighton est un peintre et sculpteur britannique de l'époque victorienne qui fut  très à la mode et exerça une forte influence sur son époque, si bien qu'il fut élu en 1878 président de la Royal Academy. Ses peintures convenaient parfaitement à l'esprit nostalgique de l'époque victorienne : elles reflètent sa quête de l'« âge d'or » remontant aux périodes de la Grèce et de la Rome antiques ou évoquant les grands moments de la  Renaissance florentine.

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Albert Edelfelt (1854-1905)

Albert Edelfelt (1854-1905) 

From the Port of Copenhagen I, ca. 1890 

Private collection

Ce tableau représentant le port de Copenhague fut commandé au peintre danois Albert Edelfelt par l'Empereur de Russie Alexandre III  pour être exposé à Paris lors de l'Exposition universelle de 1889.  La famille impériale russe connaissait Edelfelt depuis plusieurs années déjà, lui avait acheté plusieurs œuvres et commander, en 1882, le double portrait des enfants impériaux Michail et Xenia à Saint-Pétersbourg. C'est d'ailleurs en travaillant sur le portrait des enfants, qu'Edelfelt fit la connaissance de l'impératrice Maria Feodorovna, née Dagmar, fille du roi Christian IX du Danemark avec laquelle il avait la  possibilité de parler danois. 

Lorsque l'empereur commanda ce tableau du Port de Copenhague à Edelfelt,il stipula qu'il devait représenter l 'entrée du port et serait accroché au mur du palais impérial d'Helsinki. 

Edelfelt n'étant pas à proprement parler un peintre de marines, il s 'inspira de croquis et d'études du port d'Helsinki et  d'un séjour de quelques semaines à Copenhague passé à croquer ou photographier les lieux avant de commencer la toile dans son atelier de Paris.  Le marin représenté sur le pont est d'ailleurs un modèle parisien du peintre et n'a rien de commun - si ce n'est le costume-  avec un marin danois ou russe !

Une fois les croquis terminés, Edelfelt les montra à l'Empereur. Ce dernier choisit le croquis avec la baie de Tre Kroner qui mettait en vedette son yacht impérial Derjava.  L'impératrice quant à elle tenait à  voir  la vue de Holmen et de la ville de Copenhague et tenait à la présence d'un drapeau danois  (Le Dannebrog avec une croix blanche sur un fond rouge).  L 'impératrice aurait préféré une journée ensoleillée mais l'empereur préférait la journée brumeuse que l'on voit sur cette  version. L'empereur et l'impératice ne parvenant pas à s'entendre sur le contenu,  Edelfelt peignit deux tableaux qui respectaient chacun les souhaits contradictoires de ses commanditaires et en fit deux copies plus petites qu'il garda pour lui et exposa à Helsinki et à Paris, après que l’empereur et l’impératrice eurent reçu les œuvres qu’ils avaient commandées. 

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Joos van Cleve (ca.1480- 1540) - Portrait d'un jeune homme

Joos van Cleve (ca.1480- 1540)

Portrait d'un jeune homme, vers 1520 

(huile sur panneau de bois) 

Musée des beaux-arts de Lyon 

Le peintre flamand Joos van Cleve, né Joos van der Beke, appartient à  l'École d'Anvers. Il est issu d'une importante dynastie de peintres ayant été actifs à Anvers et a Gand et que l'on dénombre à une bonne vingtaine.   Joos vna Cleve fait  des plus connus de la dynastie avec Hendrik III van Cleve, Martin van Cleve et William van Cleve le Jeune. 

Sa date de naissance  qui est notée ici aux alentours de 1480 n'est en réalité pas connue avec précision comme beaucoup des peintres de cette époque.  Joos van Cleve a été identifié comme le Maître de la mort de la Vierge, peintre anonyme auteur de deux triptyques aujourd'hui conservés à la Pinakothek de Munich et au Wallraf-Richartz Museum de Cologne Dans son Schilder-boeck, Van Mander le confond avec son fils Cornelis (c. 1520 -c. 1569), qui, également peintre, était surnommé « sotte Cleef » en raison de la folie dont il fut frappé.

On sait que  peu après 1530, Joos van Cleve réalisa quelques portraits prestigieux, our la cour de France entre autres,  où il peignit le portrait de François Ier et celui de son épouse Éléonore de Habsbourg. Vers 1536 il fit également celui du roi d'Angleterre, Henri VIII. 

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Elihu Vedder (1836-1923)

Elihu Vedder (1836-1923)
The Questioner of the Sphinx, 1853
Museum of Fine Arts Boston

Le peintre symboliste américain Elihu Vedder  était aussi un poète et un illustrateur de livres connu connu pour ses 55 illustrations de la traduction par Edward FitzGerald de The Rubaiyat d' Omar Khayyam (édition de luxe, publiée par Houghton Mifflin).
Il vécut peu de temps aux Etats Uniset  se rendit se rendit plusieurs fois en Europe, notamment en Italie (où il est inhumé) et Angleterre où il fut très influencé par les préraphaélites. Il était un ami^roche de de Siméon Solomon et fut treè intéressé les travaux des mystiques anglais et irlandais tels que William Blake et William Butler Yeats. En 1890, Vedder aida à fonder le groupe In Arte Libertas en Italie.
En 2008, le Smithsonian American Art Museum a organisé une exposition d'illustrations des Rubaiyat de Vedder.


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Anthony van Dyck (1599 - 1641) - Pâris

Anthony van Dyck (1599 - 1641) 

Pâris,  c.1628 

The Wallace Collection

Pâris (Πάρις) ou Alexandre (Ἀλέξανδρος) est un prince troyen, fils cadet du roi Priam et d'Hécube, il est le frère d'Hector et de Cassandre.

Cassandre prédit que le futur prince que porte sa mère Hécube causera la perte de Troie. Effrayé, Priam ordonne que l'enfant soit assassiné : Pâris est ainsi abandonné sur le mont Ida, où toutefois il se trouve recueilli par un berger du nom d'Agélaos. Devenu adulte, il se fait reconnaître comme prince troyen, fils de Priam. Un jour qu'il garde ses troupeaux de moutons, il voit apparaître devant lui Aphrodite, Athéna et Héra, qui lui demandent de choisir à qui la « pomme de discorde », destinée « à la plus belle des déesses de l'Olympe », doit être remise . Cette épisode des frasques mythologiques grecques est connu sous le nom de  jugement de Pâris. 

Pâris opte en faveur d'Aphrodite, qui lui promet l'amour de la plus belle femme du monde. Il enlève donc Hélène, femme de Ménélas ; ce qui déclenche la guerre de Troie. Vaincu par Ménélas en combat singulier, il doit son salut à l'intervention d'Aphrodite. Guidé par Apollon, il tue Achille d'une de ses flèches, avant de mourir de celles de Philoctète.

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Eduard von Gebhardt (1838–1925) - Estonian peasant

Eduard von Gebhardt (1838–1925)

 Estonian peasant, 1867

 Franz Karl Eduard Gebhardt, aussi Eduard von Gebhardt, est un peintre et professeur de l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf. Son orientation, due à son éducation, l'oriente d'emblée vers la peinture religieuse à laquelle il parvient à donner un réalisme propre à son époque doublée d'un contenu nationaliste. Il traite des scènes bibliques en  s'inspirant des maîtres néerlandais des 15e et 16e siècles, reprenant les personnages et les motifs artistiques de cette époque. A mesure que son oeuvre gagne   en profondeur, en simplicité et en vérité, il renonce  peu à peu à la beauté et l'idéal de la représentation, ce qui divise les spectateurs mais lui permet de donner une vision assez unique  du réalisme nordique.

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Hanna Hirsch-Pauli (1864-1940) - Portrait de Verner von Heidenstam

Hanna Hirsch-Pauli (1864-1940)

Portrait de Verner von Heidenstam, 1896

Private owner 

Hanna Hirsch- Pauli  est  une peintre suédoise qui produisit assez peu de tableaux. Il s'agissait  principalement de portraits, de peintres et d'écrivains de son entourage.  Ainsi ce portrait de l'écrivain Verner von Heidenstam représenté ci-dessus en  Hans Alienus, un des personnages de ses romans.

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Corneille de Lyon (1500-1575) - Portrait d'un homme

Corneille de Lyon (1500-1575) 

Portrait d'homme c. 1536/1540 

huile sur bois

National Gallery of Art, Washington

Redécouvert au 19e siècle, après de 300 ans d'oubli,  l'établissement du corpus des œuvres  de Corneille de Lyon se révèle complexe et passe par des périodes de confusions et d'erreurs. La première synthèse complète sur l'artiste n'est publiée qu'en 1996 par Dubois de Groër qui écrit  : 

Corneille réussit  la synthèse de sa culture nordique et de la tradition de Perréal, vive à Lyon. Naturels et immédiats, toujours vifs d'expression et lumineux de matière, ses portraits, tels ceux de Pierre Aymeric ou de la duchesse d'Étampes, se caractérisent, selon les cas, par des accents graphiques francs qui se distinguent de la manière plus fondue de Clouet et s'inscrivent dans le lignage d'un Jacob Cornelisz van Oostsanen ou d'un Lucas de Leyde, ou par une fluidité de matière et une transparence dans les carnations qui lui sont propres et qui sont inédites ».

Corneille de Lyon, d'origine hollandaise arrive en Lyon en 1530. Il s'y installe et  fait sien le nom de sa ville d'accueil. Il  travaille principalement à l’huile sur des supports de bois. Il peint les zones de chair très légèrement alors que les arrière-plans naturels sont plus forts. Son style peut être rapprocher de celui d’Hans Holbein l'Ancien.

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Jacek Malczewski (1854-1929) - À propos du retour à la patrie

Jacek Malczewski (1854-1929)

O Powrot do ojczyzny 
(À propos du retour à la patrie), 1918 

Private owner

L'oeuvre pictural de Malczewski est estimé à environ 2000 tableaux à l'huile dont environ 1200 actuellement répertoriés. Ils se trouvent en majorité dans les musées polonais et des collections particulières.   

Notice du Musée d'Orsay à Paris sur ce peintre :  " La particularité de son art réside dans l'expression d'un message symbolique par une facture souvent proche du naturalisme. Celle-ci se combine au modelé presque sculptural des personnages dans une composition et un mode de cadrage originaux. Le peintre use d'un code magique de couleurs aux dissonances souvent imprévues. La part d'énigme que conserve toujours son oeuvre n'est pas étrangère à l'intérêt constant dont elle jouit auprès du public et des collectionneurs."

 

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Andrea Appiani (1754-1817) - Le général Louis Charles Desaix

Andrea Appiani  (1754-1817)

Le général Louis Charles Desaix,  1801-1802 

Musées du Château de Versailles

Andrea Appiani  est un peintre italien néoclassique à la destinée  très romanesque qui, issu d'une famille modeste, accéda aux plus hautes sphères de la société de son temps et fut l'un des premiers  initiés francs-maçons d'Italie. 

Après l'entrée des Français à Milan, le 15 mai 1796,  il peint son premier portrait de  Napoléon à la bataille de Lodi que le  "Corriere Milanese" décrivit  en terme élogieux.  Ce fut le premier  d'une longue série de portrait du Général  Napoleon Bonaparte qui deviendra vite Premier Consul puis  Empereur des français puis Roi d'Italie. À cette même date il est nommé « Commissaire supérieur », chargé de choisir les œuvres d'art lombardes et vénitiennes à envoyer à Paris.

En 1808  il  réalise les fresques du Palais Royal de Milan dont deux fragments seulement ont échappé à la destruction de la Seconde Guerre mondiale : l'Apothéose de Napoléon et les Quatre Vertus qui sont actuellement à la Villa Carlotta, au Tremezzo, sur le lac de Côme. 

Appiani peint dans cette seule année 1808, pas moins de 16 portraits de Napoléon et de la famille Beauharnais !

 En 1812, après la défaite napoléonienne en Russie, il interrompt sa fresque de la Chute des Géants destinée au Palais Royal.

 Il a laissé de nombreuses traces artistiques à caractère maçonnique dans ses œuvres au Palazzo Reale de Milan.

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Giacomo Ceruti (1698- 1767) detto Il Pitocchetto - Busto di Giovane

Giacomo Ceruti (1698- 1767) detto Il Pitocchetto 

Busto di giovane, 1736-40

Collezione privata

Giacomo Ceruti, dit aussi Il Pitocchetto  est un peintre italien du 18e siècle, qui se rattache au courant de la peinture baroque. Il Pitocchetto est le principal représentant du style « paupériste » du 18e siècle, à travers ses scènes décrivant  la vie de gens misérables, caractérisées par une grande intensité émotionnelle et une expressivité peu commune des personnages. En dehors de ces  portraits, il realisé aussi de très étonnantes natures mortes, relativement en rupture par rapport  au style convenu que ce genre adoptait à son époque en Italie.  Il est souvent considéré comme un précurseur, dans l'art pictural, des préoccupations morales et sociales des Lumières.

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Alexander Heubel (1813-1847) - Self portrait

Alexander Heubel (1813-1847) 

Self portrait,  1846, 

Latvian National Museum of Art, Riga 

Alexander Heubel ou Aleksandrs Heibels est un peintre romantique originaire de Lettonie. Ses oeuvres se  caractérisent par des représentations de figures bibliques et tournent autour de thèmes religieux  fortement influencées par le romantisme allemand. et notamment l' Ecole de Düsseldorf. Plusieurs de ses oeuvres figurent dans les collections du Musée des beaux arts de Littonie. 

Sa peinture de la Sainte-Famille a été retrouvée par le musée en 2012 après 20 ans de disparition. 

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Pekka Halonen (1865-1933) - Pioneers in Karelia

Pekka Halonen (1865-1933) 

Pioneers in Karelia, 1900 

Ateneumin Taidemuseo, Helsinki

Pekka Halonen est un peintre finlandais dont l' image d'artiste, est plus que tout autre artiste-peintre, associée au sentiment national Finois, comme de Sibelius dans le domaine musical.  C'est un représentant éminent du style romantique national et du Carélianisme, mouvement culturel  s'attachant à diffuser une vision romantique de la Carélie.

À l'automne 1890, Halonen part étudier à Paris à l'Académie Julian puis avec Paul Gauguin. Il revient à Lapinlahti en Finlande au printemps 1891 et peint son œuvre Niittomiehet (Le faucheur)  qui est exposée dans la première exposition d'artistes finlandais et lui permet de devenir immédiatement  célèbre. Le modèle de Niittomiehet  n'est autre que son propre frère Antti. 

En 1893, Halonen se rend à nouveau à Paris avec son ami Väinö Blomstedt. Ils étudient d'abord à l'Académie Colarossi puis tous deux partent de nouveau  étudier auprès de  Paul Gauguin alors de retour de Tahiti et qui vient  de présenter 44 tableaux à un public totalement décontenancé. 

Halonen se familiarise avec le symbolisme et le synthétisme, mais conserve dans ses œuvres ses idéaux réalistes. L'influence de Gauguin se retrouve cependant dans son emploi des couleurs.

En Finlande, Akseli Gallen-Kallela est intéressé par le Carélianisme et dans ses échanges épistolaires avec Louis Sparre il appelle au retour de Halonen en Finlande au sein de son peuple. De Paris, Halonen réserve un chalet de 300 marks situé sur l'île de Akkalansaari.

 Sa dernière œuvre majeure est la peinture murale Tukinuitto de 1925, que le Conseil d'État lui commande pour son bureau international de la Société des Nations à Genève. 

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Francis Cadell (1883- 1937) - Male nude seated on the ground

Francis Cadell (1883- 1937)

Male nude seated on the ground

National Galleries of Scotland

Francis Cadell  (de son nom complet Francis Campbell Boileau Cadell)  est un peintre coloriste écossais, célèbre pour ses représentations d'intérieurs écossais élégants ainsi que pour ses paysages de l’оle de Iona et pour ses portraits d' hommes.
Encouragé par le peintre Arthur Melville à partir dès l'âge de 16 ans, il part  étudier à Paris à l'Académie Julian où il entre rapidement en contact avec l'avant-garde française et découvre Matisse. Ce dernier exerça sur lui une  influence durable, bien qu’il se soit  aussi intéressé à la technique  de James Abbott McNeill Whistler et  d’Édouard Manet. Après son retour en Écosse, il a régulièrement exposé à Édimbourg et à Glasgow — notamment au Royal Glasgow Institute of the Fine Arts — ainsi qu'à Londres. Cadell était un peintre gaucher. Lorsqu’il était étudiant à l'Académie royale écossaise, le président avait  tenté de l'empêcher de peindre avec sa main gauche sous prétexte qu' « aucun artiste gaucher n'est devenu génial ». Cadell répliqua « Monsieur et n'y a-t-il pas la grande peinture de Michel-Ange ? » Le président ne  répondit pas et quitta la salle . Un camarade  demanda alors à Cadell  comment il savait que Michel-Ange était gaucher. Et Cadell d' avouer « Je ne savais pas, mais le président non plus ».
Entre octobre 2011 à mars 2012, la Galerie nationale écossaise d'art moderne a réalisé une rétrospective  majeure du travail de Cadell, la première depuis celle tenue à la Galerie nationale d'Écosse en 1942.


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Rosa Bonheur (1822-1899) - Berger landais

Rosa Bonheur (1822-1899) 

Berger landais 

PBA Lille 

Notice du Palais des Beaux Arts de Lille concernant cette oeuvre  :  

 " Rosa Bonheur vécut tout au long de sa vie en symbiose avec la nature, à proximité immédiate du monde animal. La ville lui faisait horreur, elle ne sentait bien qu’au milieu des grands espaces. Cet amour inconditionnel pour la nature et le monde rural se manifeste très tôt dans ses dessins et ses peintures ; il ira en s’amplifiant tout au long de sa vie. Ses scènes de labour et ses peintures de vaches, de moutons et de chevaux lui valent de gagner l’estime et la fidélité d’une clientèle fortunée, en France et en Angleterre.

Comme Courbet, son contemporain, Rosa Bonheur ne peint ni les aristocrates, ni les bourgeois. Son inspiration se trouve dans les champs, au grand air, au contact des travailleurs de la terre. Elle s’est toujours tenue à l’écart des différents courants artistiques qui ont traversé son siècle. D’un côté, elle est recherchée par une clientèle aisée qui affectionne particulièrement ses portraits animaliers. De l’autre elle est reléguée au second rang par les artistes romantiques ou impressionnistes qui luttaient contre cette vision marchande du métier d’artiste.

Rosa Bonheur a choisi de mener une vie à contre-courant de bien des conventions."

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Ilya Ivanovich Mashkov (1881-1944) - Autoportrait...

Ilya Ivanovich Mashkov (1881-1944)

 Autoportrait et portrait de Peter Konchalovsky, 1910

Tretiakov Gallery, Moscow

Ilia Ivanovitch Machkov (Илья́ Ива́нович Машко́в) fut l'un des fondateurs en 1910, avec Robert Falk, Piotr Kontchalovski et Aristarkh Lentoulov, du groupe artistique moscovite du Valet de Carreau (1910-1913) . Machkov fut aussi un des créateurs de l'association « Mir Iskousstva » à partir de 1916. Il est une des figures majeures de l'Avant garde russe. 

Proche des Fauves mais aussi des Expressionnistes allemands  (qui participèrent à la seconde exposition du Valet de Carreau en 1912),  il y a chez Machkov  la même "violence" que chez les Allemands mais avec  un choix de sujets moins provocateurs et un rythme plus coulant. 

Dans cet autoportrait en compagnie de Peter Konchalovsky, Machkov verse dans le culte de la gymnastique et corps athlète qui agite alors ( Natalia Gontcharova en tête)  l'ensemble des membres du groupe du Valet de Carreau. Machkov ne plaisantait guère avec ce sujet du " sport ", symbolique d'une nouvelle société  plus "libre" de son corps, à tel point qu' il avait des haltères dans son atelier de Moscou (que l'on voit à ses pieds sur ce tableau) !  Au-dessus de la porte de l'atelier un écriteau proclamait: « Il n'y a de place dans mon atelier que pour le sain et le fort ». Ça peut faire peur, mais ici heureusement les beaux arts étaient aussi largement représentés avec ses propres natures mortes (dont il fut un grand maitre) sur  les murs  et le piano et le violon   qui atteste d'une vie artistique variée et intense.  Le beau et le sain  comme portes drapeaux de la future Révolution russe, dont on sait heals ce qu'il  en advint !   

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Helmut Kolle (1899-1931)- Boy Putting on Shirt

Helmut Kolle (1899-1931)

Boy Putting on Shirt, 1924

Le peintre allemand Helmut Kolle, connu aussi sous le pseudonyme d'Helmut von Hügel, passa une grande partie de sa vie en France.  À Paris il visita le Louvre, étuda les grands maîtres, Géricault, Manet et on peut reconnaitre dans son travail les influences de Pablo Picasso, Georges Braque et même Henri Rousseau. Ses peintures figuratives sont la combinaison d'une tradition française classique, du cubisme et de l'expressionnisme  allemand agrégé par son pinceau d'une façon très  personnelle. Kolle a surtout peint des  portraits de hommes jeunes forts et en bonne santé  sans doute en reaction à son état maladif.  Picasso ne tarissait pas d'éloges sur  " la grande vitalité et la beauté de sa peinture. "

Kolle fut sans doute  le peintre allemand le plus exposé dans les galeries parisiennes pendant l'entre-deux-guerres, et   acheté régulierement pour alimenter les collections des avant-gardes françaises et allemandes (Cocteau, Noailles, Rothschild, René Gaffé, Hessel, Roques, Uhde, Hürlimann, Waldemar George, H.P. Roché... 

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Théodore Géricault (1791–1824) - Nu masculin

Théodore Géricault (1791–1824)

Nu masculin 

Musée Bonnat- Helleu,  Bayonne

La figure plus ou moins extravagante de Géricault vue par ses contemporains comme à la fois le cavalier, le héros et l'amant devient, une vingtaine d'années après sa mort,  une des grandes figures du romantisme. 

Jules Michelet écrit la vie de Géricault dans son Journal 1828-1848 et  lui consacre un long passage dans son Cinquième Cours au Collège de France. Il voit dans le peintre un « peintre-magistrat », un juge sévère du Premier empire qui « dans les mélanges bâtards de la Restauration, conserva ferme et pure la pensée nationale. Il ne subit pas l'invasion, ne donna rien à la réaction ». 

Géricault est un homme seul, génie pathétique et désespéré, pris dans des amours éphémères et des amitiés légères et envieuses alors que la France fait naufrage. 

Prosper Mérimée copie les figures de chevaux d'après Géricault et Alexandre Dumas écrit sur lui. Delacroix écrit ses souvenirs de Géricault. 

Lorsqu'il peint  des portraits Theodore Géricault semble toujours hanté par l'Italie,  Michel-Ange et Titien tant il accentue les effets dramatiques du clair-obscur et l'anatomie. En plus de  ses peintures à l’huile, Géricault réalisa  des lithographies, des sculptures, rares mais remarquables, et des centaines de dessins.

En 1822, il a une relation suivie avec une certaine Madame Trouillard, à qui il confie être malade. Bien qu'épuisé, Géricault continue de vivre « comme s'il était dans la plénitude de ses forces alors que les ravages d'une maladie dont le ferment était depuis plusieurs années dans son sang réapparu ». Il tombe plusieurs fois de cheval, et  en août 1823, se brise le dos en tombant rue des Martyrs à Paris. Il est alité, paralysé. Les médecins diagnostiquent une phtisie de la colonne vertébrale.

Il meurt six mois plus tard, le 26 janvier 1824, après une longue agonie due officiellement à cette chute de cheval mais plus probablement à une maladie vénérienne, ce qui fit dire au philosophe et critique d'art Élie Faure que « Géricault est mort d'avoir trop fait l'amour ».

Son fils Georges-Hippolyte Géricault lui consacre une tombe particulière au Père-Lachaise en 1840 qui mêle le Radeau de la Méduse et le mythe de l'homme cheval. 

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Antoine-Jean Gros (1771-1835) - Autoportrait

Antoine-Jean Gros (1771-1835)

Autoportrait à l 'âge de 24 ans, 1795 

Musées du Château de Versailles 

 Chantre de l'épopée napoléonnienne, le changement de régime en 1815 et l'avènement de la peinture romantique, vont avoir raison du succès de Antoine-Jean Gros devenu le Baron Gros. Partagé entre ses aspirations picturales annonçant le romantisme et l'enseignement classique de son maître David, le baron Gros connut une seconde partie de carrière empreinte de doutes. 

Alors que David lui reproche de ne pas avoir encore exécuté de chef-d'oeuvre mythologique, à l'instar de  Girodet et Gérard, Gros lui obéit et expose à partir de 1825 diverses œuvres mythologiques. Leur accueil par la critique est glacial, le genre étant peu à peu tombé en désuétude. La jeunesse romantique, fascinée par ses peintures napoléoniennes, s'indigne de ce revirement chez un maître qu'elle affectionne particulièrement. En 1835, Gros envoie au Salon son Hercule écrasant Diomède, mis а mal par la critique. Ce sera son dernier envoi au Salon, mais aussi son dernier tableau.

Se sentant délaissé par ses élèves et en proie à des difficultés personnelles, Gros se suicide. 

Le 25 juin 1835, il est retrouvé noyé sur les rives de la Seine près de Meudon. Dans un dernier message qu’il laisse dans son chapeau, il écrit que « las de la vie, et trahi par les dernières facultés qui [la lui rendaient] supportable, [il avait] résolu de [s’]en défaire. »

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Théodore Géricault (1791–1824) - Boxers

Théodore Géricault (1791–1824) 

Boxers, 1818

The MET

 Notice du MET concernant cette oeuvre exposé dans la  Gallery 773  du MET 5e Avenue  : 

" Géricault a commencé à pratiquer la lithographie - un médium associé au romantisme français - en 1817,  avec un maîtrise très rapide de la technique. Cette image représente le sport populaire anglais de la boxe présentant  deux combattants musclés, qui s'affrontent dans des poses étonnamment similaires. Le médium noir et blanc est utilisé ici pour accentuer la différence raciale à travers des symétries stylisées. Dans une image dynamique et dramatique, Géricault présente la rivalité comme un conflit entre deux «opposés» masculins, avec un espace très chargé entre eux."

 Notice  from the met  about this work on view at The Met, Fifth Avenue in Gallery 773 : 

 "Géricault began to practice lithography—a medium associated with French Romanticism—in 1817, quickly mastering the technique. This image represents the popular English sport of boxing: two muscular combatants, in strikingly similar poses, confront one another. The black-and-white medium is used here to accentuate racial difference through stylized symmetries. In a dynamic and dramatic image, Géricault presents rivalry as a conflict between two male "opposites," with a highly charged space between them".

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Ivan Puni (1894-1956)

Ivan Albertovich Puni (1894-1956)

 Autoportrait dans le miroir  1921 

Tretiakov Gallery, Moscou

Ivan Puni (Иван Пуни) connu aussi sous le nom francisé de Jean Pougny est un artiste avant-gardiste russe classé, un temps, parmi les suprématistes et les cubistes futuristes.
Inscrit dès 190 -11   à l' Académie Julian  à Paris, il reçoit une éducation artistique dans le domaine des beaux arts et  commence à  peindre dans une un style dérivé du fauvisme. À son retour en Russie en 1912, il  montre ses oeuvres à  des membres de l''avant-garde de Saint-Pétersbourg , dont Kazimir Malevitch et Vladimir Tatlin qui sont immédiatement intéressés par son originalité.  Au retour d'une deuxième voyage à Paris  en 1915, il se met  à peindre dans un style cubiste  qui rappelle celui de Juan Gris. En 1915, Puni forment Supremus, un groupe d'artistes chargé de  faire promotion du "suprématisme", le mouvement d'art abstrait fondé par Malevich.
En 1916, Malevich et Puni  co-écrivent  le Manifeste suprématiste, qui appel la naissance d "un nouvel art abstrait pour une nouvelle ère historique ". 
En France, il signe son travail Jean Pougny dans le but de distancer sa nouvelle pratique artistique de son précédent travail en Russie. En 1946, Puni / Pougny devient citoyen français.

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Charles Deas (1818–1867) - Long Jakes

Charles Deas (1818–1867)  

Long Jakes, the Rocky Mountain Man,  1844 

Denver Art Museum.

Charles Deas connut tout de suite la célébrité avec ses grand portraits à l'huile d'Amérindiens et de trappeurs du milieu du 19e siècle. Ses œuvres expriment souvent une tension  psychologique,  et décrivent des personnages toujours à l'affût du danger (comme c'est le cas dans ce portrait du célèbre  trappeur Long Jackes.  

Très influencé par Georges Catlin, LE grand peintre  des amérindiens au 19 e siècle, Deas voyagea dans tout l'ouest des Etats Unis et vécut même pendant quelques mois parmi les tribus indiennes, pour se familiariser avec leurs coutumes. 

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Max Beckmann (1884–1950) - Young Men by the Sea

Max Beckmann (1884–1950)

Young Men by the Sea 1943

Saint Louis Art Museum (SLAM)

Max Beckmann se situe  en dehors des groupes ou des mouvements artistiques célèbres de l'histoire de l'art. L’œuvre de Max Beckmann rend compte de chacun des drames du monde, sans que pour autant le peintre en soit un illustrateur. Elle reflète une approche du monde considéré comme une scène de théâtre où se joue la pièce qu'est la vie humaine avec des hommes qui sont des acteurs masqués ou des acrobates. 

Ses premières œuvres ont une teinte plutôt naturaliste. Après la guerre, son style devient plus personnel et offre ses caractéristiques connues : visages émaciés, contours marqués.

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Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914) - Warseli

Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914)

Warseli 1886-88

 The Royal Collection Trust

Rudolf Swoboda Jr.  est un artiste peintre autrichien, qui connut une popularité certaine en tant que peintre orientaliste. Etudiant de Leopold Carl Müller  il  il voyagea en Egypte avec lui dus 1880 . En 1886, la reine Victoria, Reine d'Angleterre et Impératrice des Indes, lui commanda une peinture d’un groupe d’artisans indiens qu'elle avait invités à Windsor à l’occasion du Golden Jubilee. La reine apprécia tellement le travail de Swoboda, qu’elle lui paya le voyage en Inde pour qu’il réalise des portraits de ses habitants. En Inde, Swoboda  rencontra Rudyard Kipling, lequel écrivit une lettre apparemment très critique sur lui l'accusant de "ne rechercher que le pittoresque et de ne choisir pour que des personnages  caricaturaux de l'Inde" .  C'est ignoré que la Reine Victoria avait laissé des   instructions très directives à Swoboda : 

"Les croquis que Sa Majesté souhaite avoir - représenteront les différents types de nationalités qui composent les Indes. Ils devront être constitués de têtes de même taille que celles déjà réalisées pour La Reine, ainsi que de petits portraits en pieds.  Sa Majesté ne souhaite pas que les images soient trop grandes, et vous  propose plutôt de rapporter des croquis d'apres lesquels vous peindrez vos tableaux apres votre retour. " 

Lorsque la reine Victoria reçut les peintures, elle en fut  très satisfaite et les considéra comme , "de si belles têtes… de belles choses". Swoboda travailla ensuite pour la reine pendant onze ans, produisant plus de 40 portraits de ses sujets du sud-asiatiques, (dont celui ci dessus) qui sont conservés aujourd'hui à Osborne House. et dans les collections du Royal Trust.

А son retour des Indes, Swoboda peignit également pour la reine un portrait d'Abdul Karim, dit Munshi (traducteur indien) qui resta célèbre dans l'histoire pour avoir été le favori "indien " de Victoria.

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Boris Taslitzky (1911-2005) - Autoportrait 1936

Boris Taslitzky (1911-2005) 

Autoportrait,1936, 

Musée de la résistance nationale, Champigny sur Marne

Lors de la première guerre mondiale, en 1915, son père est tué en combattant dans l'armée française et en 1942, sa mère, parce que juive, est arrêtée et assassinée par les nazis au camp d'Auschwitz. 

Dès les premières heures, l'engagement de Boris Taslitzky dans la Résistance est exemplaire. Mobilisé, il est fait prisonnier et s'évade. Coupable d'avoir réalisé des dessins engagés, il est à nouveau arrêté. Son activité de subversion ne faiblit pas au cours de son incarcération dans les geôles de Vichy, à la centrale de Riom, puis au camp de Saint Sulpice La Pointe où, avec la complicité des autres prisonniers, il peint un ensemble de fresques qui, par un article d'Aragon publié dans Regards, lui vaut le titre de « Maître de Saint Sulpice ». 

Il ne désarme pas même dans l'enfer concentrationnaire nazi de Buchenwald où il produit près de 200 croquis et dessins, ainsi que cinq aquarelles. Rendant hommage au talent et au courage de son ami peintre, Aragon fait publier dès 1946 l'album, 111 dessins faits à Buchenwald. 

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Philipp Otto Runge (1777-1810) - Study of a Seated Male Nude

Philipp Otto Runge (1777-1810) 

Study of a Seated Male Nude

The MET

 Le dessin montré ici appartient aux collections du MET à New York mais n'est pas exposé de façon permanente. 

Avec  Caspar David Friedrich, Philipp Otto Runge,  est considéré comme l'un des plus importants représentants du courant romantique allemand et comme un des meilleurs portraitiste de son époque. Fils d'un charpentier de marine,  c'est après une lecture des poèmes de Tieck qu'il décide  décide de devenir artiste. 

En 1810, après plusieurs années de recherche sur les couleurs et de correspondance il publie Die Farbenkugel (La sphère des couleurs),  un traité dans lequel il organise toutes les couleurs dans un schéma en trois dimensions. Cette sphère préfigure les études psychologiques de Hering et les espaces de description des couleurs par luminosité, teinte et saturation du siècle suivant, mais, comme Goethe, Runge prétend atteindre, par l'ordre des couleurs, une réalité supérieure, en quoi il se sépare de Johann Heinrich Lambert et de Tobias Mayer autant que de Isaac Newton. 

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Henry Raeburn (1756–1823) - The skating minister

Henry Raeburn  (1756-1823) 

The Skating Minister, 1790 

 National Gallery of Scotland 

Ce tableau connu sous le titre  The skating Minister (Le ministre du culte patinant)  est aussi répertorié sous le titre  The Reverend Robert Walker Skating on Duddingston Loch. 

C' est une huile sur toile du peintre écossais Henry Raeburn,  réalisée dans les années 1790. Conservée а la National Gallery of Scotland, à Edimbourg, elle représente un révérend de l'Eglise d'Ecosse s'adonnant au plaisir du patinage sur la surface glacée d'un loch à proximité de la ville. Presque complètement inconnu jusqu'au milieu du xxe siècle, c'est aujourd'hui un symbole des Lumières écossaises et une icône de la culture de l'Ecosse en général.

On peut rapprocher cette toile d'une autre tabelau peint  sur le même thème et déjà publiée dans ce blog,   The skater de Gilbert Stuart , qui est conservée à la National Gallery of Art de Washington  (USA)  et qui est  antérieure de 8 années à celle-ci.  

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Luigi Lucioni (1900-1988) - Resting Athlete

Luigi Lucioni (1900-1988) 

Resting Athlete, 1938 

 Gerald Peters Gallery 

Luigi Lucioni était un peintre américain d'origine italienne qui se fit surtout connaitre par ses natures mortes, ses paysages et ses portraits principalement masculin bien que son premier grand succès soit du à  un portrait de femme, celui de la  légendaire chanteuse  de blues Ethel Waters.

En 1938, Lucioni  rencontre  Ethel Waters dont il peint le portrait  dans son studio de Washington Square. En 1939,  Ethel Waters achète le portrait  à Lucioni pour 500 dollars. Ethel Waters était alors à l'apogée de sa carrière,  commençant à devenir  la légende du jazz et du blues que l'on sait. En 2017, le Huntsville Museum of Art  acquiert ce portrait historique d'Ethel Waters que tout le monde croyait perdu.  Luigi Lucioni, devient à son tour un peintre mythique de la légende américaine du 20e siècle  avec ses portraits Jared French,  Paul Cadmus...

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George Bellows (1882-1925) - Dempsey and Firpo

George Bellows (1882–1925)

Dempsey and Firpo, 1924

Whitney Museum of American Art, New York 

А 22 ans, George Bellows se forme chez le peintre new-yorkais Robert Henri. Assez rapidement, ses représentation de la vie quotidienne des habitants des villes américaines et et ses scènes de combats de boxe, toujours très mouvementées, le  rendent célèbre.

Bellows appartient au groupe des peintres de la Ash Can School, qui se caractérise par un intérêt marqué pour une peinture très réaliste qui dresse une chronique du quotidien des citoyens et par le media lithographique. L'instantané, la photographie du réel est leur dénominateur commun. 

Les oeuvres  de Bellows, très composées et  très structurées brillent par leur expressivité, qu'il s'agisse de la description de faits divers ou  de scènes saisies dans les  milieux populaires ou marginaux. Toutes illustrent un violence omniprésente dans l'Amérique de la fin du 19e et du début du 20e siècle par laquelle s'expriment  les tensions et les ambiguïtés même de la société américaine d'alors. 

En 1913,   Bellows a un veritable choc en découvrant l'oeuvre de Matisse et des Fauves et tache de s'en approcher en introduisant une certaine vigueur   à sa peinture. Il est aussi influencé par le style dépouillé d'un autre élève de Robert Henri, devenu lui aussi célèbre :  Edward Hopper. Il a collaboré au magazine progressiste The Masses. Sa carrière est interrompue brutalement par une péritonite mortelle en 1925.  Il a aussi réalisé quelques paysages du Maine et de Rhode Island.

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