google.com, pub-0288379932320714, DIRECT, f08c47fec0942fa0 google.com, pub-0288379932320714, DIRECT, f08c47fec0942fa0 PORTRAITS MASCULINS

lundi 13 septembre 2021

Agnolo Bronzino (1503-1572) - Portrait de Lodovico Capponi

 

Agnolo Bronzino (1503-1572)  Portrait de  Lodovico Capponi, 1550–55.   Huioe sur toile 116.5 x 85.7 cm   Feick Collection Madison


Agnolo Bronzino (1503-1572)
Portrait de Lodovico Capponi, 1550–55.
Huie sur toile 116.5 x 85.7 cm
Frick Collection Madison 

Angelo di Cosimo ou Agnolo di Cosimo dit le Bronzino ou Agnolo Bronzino est un peintre maniériste italien, fils adoptif et apprenti de Pontormo, et élève de Girolamo Genga. Il devrait son surnom à son teint sombre ou à la couleur de ses cheveux. Son disciple et fils adoptif, Alessandro Allori, était également surnommé « il Bronzino ». Il a eu sa part dans les débats qui ont animé les artistes de l'époque sur la supériorité de la peinture ou de la sculpture. Ardent défenseur de la peinture, le Bronzino réalise un tableau à deux faces, le Nain Morgante, où il représente un homme de face et de dos, pour démontrer la capacité de la peinture à faire sentir les volumes de la chair.
ll entre au service des Médicis en 1539 pour les décorations du mariage de Côme de Médicis et d'Éléonore de Tolède pour laquelle il décorera toute une chapelle du Palazzo Vecchio et dont il fera le portrait en 1545. Ses portraits offrent l'image officielle de la cour des Médicis. Ils sont l'expression d'un pouvoir aristocratique, hors des contingences matérielles.

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dimanche 12 septembre 2021

Nils Blommér (1816-1853) - Portrait d'un homme noir

Nils Blommér (1816-1853) Portrait d'un homme noir Huile sur toile 55.9 x 46.8 cm Sinebrychoff Art Museum, Finland

Nils Blommér (1816-1853)
Portrait d'un homme noir
Huile sur toile 55.9 x 46.8 cm
Sinebrychoff Art Museum, Finland 


Le peintre suédois Nils Johan Olsson Blommér commença sa carrière en tant qu'apprenti à Lund, en peignant des portraits vers l'âge de 20 ans. Il obtint quelques succès en 1839 et mit de l'argent de côté pour partir à Stockholm. C'est là qu'il prit le nom de Blommér et qu'il fut accepté à la Fria konsternas akademi. Après avoir gagné plusieurs fois le prix de l'académie, il reçut une subvention pour partir à l'étranger. Il passa du temps à Paris puis partit en Italie, où il épousa sa femme Edla Gustafva Jansson, peintre elle aussi, en novembre 1852. Quelques mois plus tard, il attrapa une pneumonie aiguë dont il décéda.  Ce que le présent a retenu de l'oeuvre de Blommér est son travail sur la mythologie nordique.



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samedi 11 septembre 2021

Gilles Demarteau (1722-1776) - Etude de deux hommes nus

Gilles Demarteau (1722-1776), Etude de deux hommes nus, Craie rouge sur papier, Collection privée

Gilles Demarteau (1722-1776)
Etude de deux hommes nus
Craie rouge sur papier
Collection privée


Né dans une  famille d'armuriers, Gilles Demarteau rejoint son frère orfèvre à Paris où il se lie à Jean-Honoré Fragonard, Charles-André van Loo et surtout François Boucher dont il fut l'ami.
Créateur d'un procédé amélioré de gravure polychrome à la manière de crayon emprunté à Jean-Charles François pour lequel il travaillait, son nouveau procédé fut disputé par Louis-Marin Bonnet, André Basset dit le jeune et encore Jacques Gautier d'Agoty, mais sa maîtrise de la technique et une lettre du chevalier Jacques de Heusy (1719-1796) lui feront justice.
Il est agréé par l'Académie et montre neuf gravures au Salon de 1767, puis est présent en 1768, 1773 et 1775 à ce même salon. Devenu membre le 2 septembre 1769 de l'Académie, il fut pourvu d'une pension de 600 livres et logé au palais du Louvre en qualité de graveur du roi.
Il grave de nombreux portraits d'après François Boucher, Jean-Baptiste Huet, Frédou ou encore Greuze, ainsi que des motifs floraux d'après Louis Tessier.
Son neveu, Gilles Antoine Demarteau dit le Jeune (1756-1802), graveur, reprend son atelier et son échoppe ; à sa mort, l'ensemble des dessins que possédait son oncle fut vendu aux enchères

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vendredi 10 septembre 2021

Giandomenico Tiepolo (1727-1804), Etude de trois nus masculins sur des nuages


Giandomenico Tiepolo (1727-1804), Etude de trois nus masculins sur des nuages Crayon et encore brune, lavis brun, The Fitzwilliam Museum

Giandomenico Tiepolo (1727-1804)
Etude de trois nus masculins sur des nuages
Crayon et encore brune, lavis brun
The Fitzwilliam Museum 


Giandomenico Tiepolo est le fils aîné de Giambattista Tiepolo. C'est le frère de Lorenzo Tiepolo et le neveu de Francesco Guardi et de Gianantonio Guardi.
Formé dans l'atelier de son père, il est remarqué pour ses prouesses en dessin à l'âge de seize ans, et devient bientôt l'un de ses plus proches collaborateurs. Il se consacre à la gravure (1748-1749) et reproduit des peintures de son père.
À l'âge de 23 ans, il accompagne son père auprès du Prince-évêque Carl Philipp von Greiffenklau, pour travailler à la Résidence de Würzburg entre 1750 et 1753. Il impressionne le prince-évêque qui lui commande deux dessus de porte pour Kaiseraal, puis une série de tableaux historiques et religieux.
À la mort de son père en 1770, il retourne seul à Venise, laissant son frère Lorenzo à Madrid. En 1772 il est nommé maître de l'Académie de Venise dont il avait été un membre fondateur en 1756, et en devient le président en 1783.
En 1783 il est engagé dans la décoration du palais ducal à Gênes, où il peint la fresque de La Gloire de saint Jacques Giustiniani, aujourd'hui perdue, mais dont il subsiste l'esquisse au Metropolitan Museum de New York.
En 1791, retourné dans la villa familiale à Zianigo (frazione de Mirano), il en reprend les fresques commencées en 1759 et terminées en 17972, qui, détachées en 1906, sont conservées aujourd'hui à la Ca' Rezzonico de Venise.

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jeudi 9 septembre 2021

Henry Inman (1801-1846) - Self-Portrait, 1834


Henry Inman (1801-1846) - Self-Portrait, 1834 Huile sur toile , 30.6 x 25.5 cm PAFA ( Pensylvania Academy of Fine Arts), Philadelphia

Henry Inman (1801-1846)
Self-Portrait, 1834
Huile sur toile, 30.6 x 25.5 cm
PAFA (Pensylvania Academy of Fine Arts) Philadelphia


Excellent portraitiste, Inman peint aussi des peintures de genre et des paysages. Mais ce sont ses portraits qui l'ont rendu célèbre. Il a notamment réalisé plus de 30 portraits d'indiens, parmi lesquels une douzaine font partie des collections de la Maison-Blanche.
Henry Inman est arrivé à New York en 1812 avec sa famille. Il a commencé par travailler come apprenti pendant sept ans dans l'atelier de John Wesley Jarvis,. Devenu son associé, ils effectuent un voyage en Louisiane en 1821. En 1822, Inman ouvre son propre atelier à New York avec Thomas Geir Cummings. Il se spécialise dans le portrait et atteint rapidement une certaine notoriété. En 1826, il est l'un des fondateurs de la National Academy of Design dont il fut le premier vice-président, jusqu'en 1831. Il s'installa ensuite dans les environs de Philadelphie où il s'associe à Cephas Grier Childs pour la publication de lithographies. Il enseigna alors à la Pennsylvania Academy of Fine Arts, dont il devient directeur en 1834. En 1844-45, il effectue un séjour d'une année en Grande-Bretagne où il exécute de nombreux portraits de célébrités.
Cet intriguant et magnifique autoportrait à 23 ans en chapeau haut de forme clair, où il surgit du clair obscur est le seul qu'il réalisa en adoptant ce clair obscur très appuyé.

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mercredi 8 septembre 2021

Friedrich Carl Albert Schreuel (1773-1853) - Portrait de Raden Saleh, ca. 1840




Friedrich Carl Albert Schreuel (1773-1853) Portrait de Raden Saleh, ca. 1840. Rijksmuseum d'Amsterdam.


Friedrich Carl Albert Schreuel (1773-1853)
Portrait de Raden Saleh, ca. 1840.
Rijksmuseum  Amsterdam.


Raden Saleh Sjarif Boestaman fut  un peintre romantique indonésien pionnier issu de l'ethnie arabo-javanaise. Il est considéré comme le premier artiste "moderne" d'Indonésie (alors Indes orientales néerlandaises), et ses peintures (à consulter ici) correspondent au style romantique européen du XIXe siècle. Il a également exprimé ses racines culturelles et son inventivité dans son travail. Raden Saleh Sjarif Boestaman est né en 1811 à Semarang sur l'île de Java dans une famille noble Hadhrami dont le père était Sayyid Husen bin Alwi bin Awal bin Yahya, un Indonésien d'origine arabe.
Le jeune Raden Saleh a d'abord été formé à Bogor par l'artiste belge A.J. Payen. Payen a reconnu le talent des jeunes et a persuadé le gouvernement colonial des Pays-Bas d'envoyer Raden Saleh aux Pays-Bas pour étudier l'art. Il est arrivé en Europe en 1829 et a commencé à étudier avec Cornelius Kruseman et Andreas Schelfhout. De Schelfhout, Raden Saleh approfondit ses compétences de peintre paysagiste.
Lors de son séjour à Paris, Saleh rencontre Horace Vernet dont la peinture reprend fréquemment des thèmes de la faune africaine. Par rapport à Vernet, la peinture de Saleh semble plus influencée par le peintre romantique Eugène Delacroix. On peut le voir dans l'une des œuvres de Saleh, Hunting Lion, 1840, dont la composition est similaire à celle de La Liberté guidant le peuple de Delacroix.
En Europe, en 1836, Saleh est devenu le premier Indonésien  à être initié à la franc-maçonnerie. A partir de 1839, il passa cinq ans à la cour d'Ernest Ier, duc de Saxe-Cobourg et Gotha, qui devint un important mécène.
Raden Saleh est retourné aux Indes néerlandaises en 1852 après avoir vécu en Europe pendant 20 ans. Il a travaillé comme conservateur pour la collection coloniale d'art du gouvernement et a continué à peindre des portraits de l'aristocratie javanaise et de nombreux autres paysages. sur tout de montagnes. Beaucoup de ses peintures ont été exposées au Rijksmuseum d'Amsterdam. Plusieurs de ses tableaux ont été détruits lors de l'incendie du pavillon colonial hollandais à Paris en 1931. 


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mardi 7 septembre 2021

Jean Lepautre (1618-1682) - Etude d'homme nu dans un paysage


Jean Lepautre (1618-1682) Etude  d'homme nu dans un paysage, Rijksmuseum, Amsterdam.


Jean Lepautre (1618-1682)
Etude  d'homme nu dans un paysage
Rijksmuseum, Amsterdam.


Jean Lepautre (parfois orthographié Le Pautre ou Le Paultre), est un dessinateur et graveur français, frère aîné d’Antoine (1621-1679 ), architecte, et le père de Jacques et Pierre. En 1640, il effectua avec maître, chez qui il se forme, Adam Philippon, « menuisier et ingénieur du roi », maître chez lequel il se forme, un voyage à Rome pour étudier sur place les monuments antiques. Il effectue sa première gravure en 1643. Il sera le principal graveur du recueil que Philippon publia en 1645 : Curieuses Recherches de plusieurs beaux morceaux d'ornements antiques et modernes tant dans la ville de Rome que autres lieux d'Italie. Durant sa longue carrière, il se consacra principalement à la gravure et produisit près de 1500 planches à l'eau-forte et au burin, des décorations architecturales, frises, plafonds, vases et ornements de toutes sortes.
 

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lundi 6 septembre 2021

FIlippino Lippi (1457-1504) - Autoritratto, 1480



FIlippino Lippi (1457-1504), Autoritratto, 1480 Capella Brancacci, Firenze


FIlippino Lippi (1457-1504)
Autoritratto, 1480
Capella Brancacci, Firenze


Il existe un autre autoportrait de Fillipino Lippi conservé aux Uffizi et peint en 1485 alors que le peintre avait 32 ans. Celui ci est anteéieur puisque peint en 1580, date du retour des Brancacci à Florence et date d'achèvement de leur chapelle par Lippi, qui se peignit sur lune fresque du mur, regardant le spectateur, comme c'était la coutume pour les peintres de la renaissance. Sur ce portrait le peintre a donc entre 28 et 30 ans.
Filippino Lippi était le fils du peintre Fra Filippo Lippi, qui fut sans aucun doute le premier maître du jeune garçon. Après la mort de son père en 1469, il devint l'élève de Botticelli, qui influa profondément sur son style, ce qui est très visible dans ses portraits.

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dimanche 5 septembre 2021

Louis Majorelle (1859-1926) - Les ouvriers de la forge des Acieries de Longwy

Louis Majorelle (1859-1926), Les ouvriers de la forge des Acieries de Longwy Vitrail, 1928) Grands bureaux des aciéries de Longwy, Longaville, France


Louis Majorelle (1859-1926)
Les ouvriers de la forge des Acieries de Longwy
Vitrail, 1928)
Grands bureaux des aciéries de Longwy, Longaville, France


Ce vitrail représente l'acier en fusion au sortir du haut fourneau prêt à être traité par les ouvriers. 

Il s'agit là d'un des vitraux de  l'unique série de 27que Louis Majorelle, plus connu pour ses meubles, dessina sur commande des Acieries de Longwy, donna t à leur bureau des allures de cathédrales des temps industriels  Ils furent réalisés et posés par les Ateliers Majorelle en 1928, deux ans après sa mort. Classés Monuments Historique sen 1988, l'intégralité de la série peuvent être vus à la Maison de la Formation de Mont-Saint-Martin (anciennement Grands Bureaux des Aciéries de Longwy). A découvrir de préférence en fin de matinée quand le soleil transperce la verrière.
Ils illustrent, de façon assez romanesque, le travail des hommes dans la sidérurgie que l'on appelait communément les métallos. Romanesque car les ouvriers ne travaillaient pas et n'ont jamais torses nus dans ses forges (sauf au XVIIIe siècle) où les températures peuvent être extrêmement élevées. Au XIXe et début du XXe siècle, ils portaient un bleu de travail pour couvrir le haut du corps et pour le bas un tablier de protection en cuir., ce qui était déjà nettement insuffisant pour les protéger efficacement. Après la seconde guerre mondiale, ils furent équipés de combinaisons ignifugées. 

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samedi 4 septembre 2021

Turpin de Chaulnes (actif au XIXe siecle) - Repos d'Hercule après ses Travaux


Turpin de Chaulnes (actif au XIXe siecle) Repos d'Hercule après ses Travaux Aquarelle et tempera sur papier, 1850. Collection privée


Turpin de Chaulnes (actif au XIXe siècle)
Repos d'Hercule après ses Travaux
Aquarelle et tempera sur papier, 1850.
Collection privée


Cet homme est allongé dans une position plutôt détendue permettant de mieux observer sa musculature. Sa silhouette se détache délicatement d'un paysage aux nuances d'ocre et de brun. Les attributs de l'homme : une massue et la peau de lion de Némée, dont il tient la queue dans sa main gauche et sa taille imposante laisse peu de doutes sur son identité ! Il s'agit bien du demi-dieu Hercule originaire de Thèbes, représenté dans un moment de repos après l'un de ses célèbres Douze Travaux.   Dès lors, point n'est besoin de s'apesantir sur la taille de son bâton ! 

Le corps du héros s'inspire des canons de l'Hercule Farnèse, s'appuyant sur une anatomie solide à l'ossature épaisse, des pieds larges, bien courbés à la plante, et présentant des gros orteils et un métatarse imposant pour mieux donner idée de la force et de la stabilité légendaire du personnage. La pose elle-même rappelle à la fois certains bas reliefs et sculptures du Musée archéologique d'Athènes et la force des allégories fluviales de Michel-Ange. Lorsque l'on rapproche cette aquarelle du petit marbre d'Hercule au repos exécuté au XVIIIe siècle et aujourd'hui conservé au Musée Fitzwilliam de Cambridge, on s'aperçoit qu'elle n'en est ni plus ni moins que la copie exacte!
L'œuvre est signée et datée "Turpin de Chaulnes 1850" en rouge en bas à gauche.

On ne sait pas grand-chose de cet artiste, apparemment français si l'on en croit son nom, et qui se révèle être professeur de français au Queen's College de Liverpool et, aussi... ecclésiastique, comme le révèle son titre de Monseigneur ! Un Théophile Turpin apparaît comme étant le propriétaire de Malvern Villa à Elm Park, à Liverpool, et il n'est pas à exclure qu'il puisse s'agir de la même personne. L'inscription sur des étiquette au dos de cet Hercule au Repos précisent "Turpin de Chaulnes ... Malvern Villa Elm Park Liverpool".

Texte réécrit à partir de la la notice de la maison de vente anglaise, concernant cette oeuvre 

 
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vendredi 3 septembre 2021

Sculpture anonyme antique (Grèce )



Sculpture antique anonyme, Les Guerriers de Riace Bronze, c. 60–450 av. JC, Museo di Magna Grecia, Regio di Calabria


Sculpture anonyme antique (Grèce )
Les Guerriers de Riace
Bronze, 430- 460 av. JC
Museo di Magna Grecia, Regio di Calabria

En 1972, Stefano Mariottini, un chimiste venu de Rome, découvrit les statues lors de séances de plongée à la fin de vacances à Monasterace. Il évoluait à quelque 200 mètres de la côte de Riace, à six ou huit mètres de profondeur lorsqu'il remarqua le bras gauche d'une des statues émergeant du sable. Il crut tout d'abord être tombé sur les restes d'un cadavre mais lorsqu'il toucha le bras, réalisa que celui-ci était en bronze. Il commença alors à déblayer le sable tout autour de la statue. Plus tard, il remarqua la présence d'une autre statue de bronze, à proximité et décida d'appeler la police. Une semaine plus tard, le 21 août, cette deuxième statue fut tirée de l'eau, et deux jours plus tard ce fut le tour de la première. Aucune épave de navire pouvant avoir quelque lien avec ces statues n'a été découverte à proximité mais dans les parages de cette côte sédimentaire, des restes de constructions ont été repérés. Les Guerriers de Riace comptent parmi les très rares bronzes grecs de grande taille encore conservés dans leur intégralité, avec l'aurige de Delphes, et le dieu de l'Artémision.
Les deux guerriers sont des témoins de l'évolution qui a lieu dans les techniques de bronze dès la fin du vie siècle av. J.-C. : ils sont réalisés selon la technique de la fonte à la cire perdue sur négatif, technique qui permet de conserver le modèle et le moule, et d'obtenir une épaisseur de bronze plus régulière.

                                             



Les deux guerriers sont des hommes nus, debout et barbus. Ils sont dans une posture de contrapposto, et montrent bien son évolution : alors que le torse du guerrier A est encore vertical malgré son appui sur une seule jambe, celui du guerrier B se courbe, la ligne des épaules s'opposant à celle des hanches. Cette différence permet d'affirmer que les deux sculptures ne sont pas contemporaines : le guerrier A, qui peut être par exemple rapproché du petit Éphèbe de David-Weill (v. 470 av. J.-C., musée du Louvre), est datable de 460 av. J.-C., soit environ vingt ou trente ans avant le guerrier B, plus proche des œuvres de Polyclète (Diadumène, Doryphore).

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Bernardo Strozzi (1581- 1644 - Portrait de jeune homme, 1635




Bernardo Strozzi (1581- 1644), (école de)
Portrait de jeune homme, 1635
huile sur toile 60 x 48.5 cm
Louvre, Paris.

Ce portrait de jeune homme  à la chevelure fournie et à la barbichette taillée en losange comporte une étrangeté. Il lui manque en effet une partie de la moustache !  Plusieurs possibilités s'offrent et on peut facilement se perdre en conjectures !!! Soit elle n'a jamais été peinte pas Strozzi, soit elle a été partiellement effacée par un des propriétaires successifs de la toile !  Soit il pourrait aussi s'agir , selon certain experts, d'un signe de deuil à l'intérieur d'une fratrie. Une chose est certaine en tout cas, lorsqu'elle fut acquise par le musée du Louvre en 1978, venant de la collection particulière  "Velasquez", la moustache était déjà manquante !

Bernardo Strozzi, dit Il Capucino Genovese ou encore Il Prete Genovese,est un peintre baroque italien,dont l'essentiel de l' activité s'est déroulé à Gênes, puis à Venise à partir de 1631. Entre maniérisme et caravagisme, son style s'inspire fortement des œuvres de Pierre-Paul Rubens. Durant son séjour vénitien, il aurait apporté à ses peintures davantage de lumière, de soleil, de couleurs, ce qui aurait encore accentué l'influence de Rubens sur son œuvre.

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jeudi 2 septembre 2021

Paul Cadmus (1904-1999) - Male Nude, 1987

Paul Cadmus (1904-1999) Male Nude, 1987 Crayon sur papier teinté Collection privée

 

Paul Cadmus (1904-1999)
Male Nude, 1987
Crayon sur papier teinté
Collection privée


Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publi,  depuis 2016,  l'intégralité des dessins connus  De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et  il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le  réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique,  très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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mercredi 1 septembre 2021

Ferdinand Gueldry (1858-1945) - Bords de Marne

Ferdinand Gueldry (1858-1945), Bords de Marne, Collection Privée

Ferdinand Gueldry (1858-1945)
Bords de Marne
Collection Privée 

Joseph Ferdinand Gueldry (1858-1945) est un artiste peintre et illustrateur français, spécialisé dans les scènes sportives d'aviron, cofondateur de la Société nautique de la Marne en 1876.
En 1874, il entre à l'École des beaux-art (Paris), rejoint l'atelier du peintre Jean-Léon Gérôme et le fréquente jusqu'en 1878. Entretemps, il découvre l'aviron et devient un « canotier » de haute volée, puisqu'il décide d'organiser des compétitions sur la Marne. À partir de 1881, avec sa toile Une régate à Joinville, une grande partie de ses sujets représentés sont des canotiers ou des scènes nautiques mettant en scène des sportifs en maillots rayés et leurs publics. Cette période correspond aux années 1880-1890 ; le peintre s'installe à Bry-sur-Marne où il a son atelier et peut en même temps pratiquer son sport.
Arbitre international d'aviron, il se rend plusieurs fois en Angleterre, sur la Tamise, à la régate royale de Henley, d'où il tire une toile, Sur la Tamise, qu'il conserve toute sa vie.
En 1902, Joris-Karl Huysmans écrira : « M. Gueldry est un des rares peintres qui aient tenté de s'affranchir de ses souvenirs d'école et d'aller droit à la nature. »
Une deuxième phase apparaît dans son travail à partir de 1885, quand Gueldry élargit son sujet aux représentations d'intérieurs d'usines et à la vie ouvrière in situ. Traitées de façon naturaliste, ces scènes apportent un point de vue documentaire au moment de la Deuxième Révolution industrielle. Gueldry pose sa palette aussi bien dans le Nord, saisissant les ouvrières du textile, que dans le bassin du Creusot. On compte aussi quelques scènes militaires, des marines, des scènes champêtres, des scènes d'intérieur et de rares portraits. Intéressés, les pouvoirs publics se portent alors acquéreur de certaines toiles de Gueldry.
Au Salon de 1898, sa toile Les buveurs de sang, représentant des femmes anémiées buvant le sang d'un bœuf égorgé dans un abattoir, fait sensation. Elle offre un autre aspect de l'œuvre de l'artiste, figurant des scènes de la vie urbaine (hors usines).
En 1908, il est nommé chevalier de la Légion d'honneur sous la parrainage d'Édouard Detaille.
Durant la Première Guerre mondiale, il peint l'horreur des tranchés, entre autres l'enfer de Verdun.
Dans les années 1920, il préside la Société libre des artistes français, après avoir été démissionnaire de la Société des artistes français en 1907.
Il meurt le 17 février 1945 à Lausanne, en partie oublié.
De son vivant et avant 1908, l'État français s'est porté acquéreur de onze toiles de Gueldry, dont deux seulement ont pour sujet l'aviron.

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mardi 31 août 2021

Luca Signorelli (1450-1523) - Tête Homme vue de profil


Luca Signorelli (1450-1523) Tête Homme vue de profil ,ca. 1490 The MET, (NYC)

 
Luca Signorelli (1450-1523)
Tête Homme vue de profil ,ca. 1490
The MET, (NYC)
 

Ce dessin est un excellent exemple de ce que pouvait être l'étude scientifique de la perspective au XVe siècle. Il représente un exercice de raccourcissement de la tête humaine, à travers lequel le profil pourrait être utilisé pour construire des vues alternatives. Les lignes horizontales - incisées avec un stylet - et les lettres annotées autour de l'oreille ont servi de points de repère pour produire une telle transformation, tandis que les contours piqués ont aidé à la réplication du profil. Ce diagramme suit de près la méthode de raccourci décrite dans un traité de perspective écrit par le maître de Signorelli, Piero della Francesca.
(Notice du MET )

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lundi 30 août 2021

Pompeo Batoni (1708-1787) - Etude de nu pour la figure de Thésée


Pompeo Batoni (1708-1787) Etude de nu pour la figure de Thésée, 1768 Collection privée

Pompeo Batoni (1708-1787)
Etude de nu pour la figure de Thésée, 1768
Collection privée



Dans la mythologie grecque, Thésée (Theseus) doit se rendre sen Crète pour abattre le monstre qui terrorise Athènes, le Minotaure. En effet le roi de Crète, Minos, depuis sa victoire sur les Athéniens, exige que la ville lui envoie tous les neuf ans un tribut de sept jeunes hommes et de sept jeunes filles qu'il donne en pâture au Minotaure. Thésée décide de mettre fin à ce carnage et se rend à Knossos avec les jeunes victimes afin de tuer le monstre... Entrant dans le labyrinthe de Dédale, exterminant le monstre et en ressortant sain et sauf, Thésée est aidée dans son entreprise part la propre fille de Minos, Ariane qui est tombée amoureuse de Thésée et qui va lui donner une pelote de fil pour lui permettre de retrouver la sortie. Il abat le monstre avec le glaive qu'Ariane a volé à son père — glaive offert par Héphaïstos pour son mariage avec Pasiphaé — ressort du labyrinthe et se sauve en mer avec ses compagnons et Ariane qui a trahi son père à condition qu'il l'épouse. Il abandonne Ariane sur une île déserte après l'avoir endormie sur les conseils du capitaine du bateau. Il sait pourtant qu'Ariane a trahi sa famille pour lui et que si elle revient à Knossos elle se fera exécuter par son père pour trahison. Il rentre donc sans elle à Athènes. Égée attend du haut d'un promontoire le retour du bateau et guette la couleur des voiles : selon un accord passé avec son fils, elles seront blanches en cas de victoire. Mais Thésée oublie de les changer et les voyant noires, Égée se jette dans la mer qui, désormais, porte son nom. Malgré ce tragique événement et deux morts sur la conscience, Thésée devient roi d'Athènes..

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dimanche 29 août 2021

Georgios Georgiadis (1934-2015) - Soldat

Georgios Georgiadis (1934-2015), Soldat, Collection privée

Georgios Georgiadis (1934-2015)
Soldat
Collection privée 


Georgios Georgiadis est un artiste grec né qui a étudié la sculpture à l'École des beaux-arts d'Athènes de 1954 à 1959 avec Yiannis Pappas et Michael Tombros. Plus tard, grâce à une bourse de la Fondation Eugenides, il poursuit ses études à Florence avec Bruno Bearzi. Dessinateur et peintre, il est avant tout sculpteur. Son langage  expressionniste est anthropocentrique avec des éléments symboliques. La figure féminine assise est son sujet principal. Parfois sans tête, seul ou en groupe et dans des positions suggérant des tensions physiques et mentales. Son travail est ancré dans les valeurs de la sculpture classique avec des influences contemporaines. Son matériau de prédilection pour travailler est le bronze.
Georgiadis a présenté son travail dans un grand nombre d'expositions personnelles et a participé à de nombreuses expositions collectives à l'étranger, notamment :  la Biennale de Jeunes Artistes 1960, Paris, l'Exposition Internationale de Sculpture Contemporaine 1971, 1976 et 1978, Musée Rodin, Paris, Les Arts en Europe 1976, Bruxelles, la Biennale d'Alexandrie 1976, la Mostra Internazionale di Sculptura all' Aperto 1978, Musée d'Art Moderne, Milan.
Il a étudié la sculpture à l'École des beaux-arts d'Athènes de 1954 à 1959 avec Yiannis Pappas et Michael Tombros. Plus tard, grâce à une bourse de la Fondation Eugenides, il poursuit ses études à Florence avec Bruno Bearzi.
Son langage sculptural expressionniste est anthropocentrique avec des éléments symboliques. La figure féminine assise est son sujet principal. Parfois sans tête, seul ou en groupe et dans des positions suggérant des tensions physiques et mentales. Son travail est ancré dans les valeurs de la sculpture classique avec des influences contemporaines. Son matériau de prédilection pour travailler est le bronze.
Georgiadis a présenté son travail dans un grand nombre d'expositions personnelles et a participé à de nombreuses expositions collectives à l'étranger, notamment ; la Biennale de Jeunes Artistes 1960, Paris, l'Exposition Internationale de Sculpture Contemporaine 1971, 1976 et 1978, Musée Rodin, Paris, Les Arts en Europe 1976, Bruxelles, la Biennale d'Alexandrie 1976, la Mostra Internazionale di Sculptura all' Aperto 1978, Musée d'Art Moderne, Milan. Il a exposé son travail en Grèce, en France, en Italie, en Égypte, aux Pays-Bas, à Monaco, en Norvège, à Tai Pei et aux États-Unis.
En 1984, il a représenté la Grèce à la Biennale de Venise avec Christos Caras.
Son travail se trouve à la Galerie nationale de Grèce, à la Fondation Goulandris, au Musée d'art contemporain de Macédoine, à la Fondation des beaux-arts de Teloglion, à la Fondation culturelle de la Banque nationale de Grèce et dans de nombreuses autres collections publiques et privées.

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samedi 28 août 2021

Benjamin Robert Haydon (1786-1846) - Head of a Young Man


Benjamin Robert Haydon (1786-1846) Head of a Young Man Charcoal pencil heightened with white Private collection


Benjamin Robert Haydon (1786-1846)
Head of a Young Man
Charcoal pencil heightened with white
Private collection 


Benjamin Robert Haydon était un peintre britannique spécialisé dans les grands tableaux historiques, bien qu'il ait également peint quelques sujets et portraits contemporains. Son succès commercial a été  quelqeu peu entaché par ses relations souvent peu diplomatique avec ses clients et par le gigantisme de l' échelle sur laquelle il aimait travailler. Poursuivi tout le long de sa vie, par  des problèmes financiers,  il emprunta beaucoup, et remboursait peu ses créanciers,  ce qui l' a conduit à plusieurs séjours en prison pour dettes...jusqu'à son suicide en 1846.
Charles Dickens a écrit en 1846 que « Toute sa vie durant, Haydon s'est complètement trompé sur sa vocation. Quelqu'un aurait du lui dire au moins une fois dans sa vie  qu'il était un très mauvais peintre, et qu'on ne pouvait s'attendre à ce que ses tableaux se vendent . » IL admet cependant une certiane méchanceté "amusante " sans ces œuvres.

Très sévère indeed ! 

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vendredi 27 août 2021

Gino Severini (1883-1966) - Portrait de Nino Franchina en Arlequin


Gino Severini (1883-1966) Portrait de Nino Franchina en Arlequin, 1938 Collection privée


Gino Severini (1883-1966)
Portrait de Nino Franchina en Arlequin, 1938
Collection privée

Gino Severini est un peintre italien faisant partie du mouvement futuriste.  Il s'installe à Paris en 1906 et fréquente l'avant-garde artistique. En 1910, il signe le manifeste pour la peinture futuriste avec Marinetti, Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Luigi Russolo et Carlo Carrà. En 1912, il participe à l'exposition des peintres futuristes organisée par le critique Félix Fénéon du 5 au 24 février à la Galerie Bernheim-Jeune à Paris et il est présent dans les expositions successives des futuristes en Europe et aux États-Unis. Très bon dessinateur, il combine dans son œuvre la science et l'art, la rigueur et l'imagination, pour atteindre le plus complet bonheur d'expression lorsqu'il lance, entre 1910 et 1915, les valeurs dynamiques du futurisme.  Il manifeste un grand intérêt pour la chronophotographie et, pour s'opposer au mimétisme de la peinture traditionnelle, il s'attache dans sa peinture à décomposer les différentes étapes du mouvement, ce qui se manifeste en particulier dans une toile comme La danseuse obsédante(1911). Après 1920, il se consacre notamment à l'art sacré et à la mosaïque.
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jeudi 26 août 2021

Jean-Théodore Géricault (1791-1824) - Portrait d'un homme noir

Jean-Théodore Géricault (1791-1824) Portrait d'un homme noir, ca. 1822-1823 Titre original: "Portrait d'un nègre") Huile sur papier marouflé sur toile 54,6 x 46,6 cm Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Jean-Théodore Géricault (1791-1824)
Portrait d'un homme noir, ca. 1822-1823
Titre original : "Portrait d'un nègre"
Huile sur papier marouflé toilé, 54,6 x 46,6 cm
Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

 

Géricault a souvent peint des noirs, anonymes comme celui-ci ou comme celui qui figure sur un autre tableau déjà publié dans ce blog ou ...plus célèbre comme "le nègre Joseph" qui fut en son temps le modèle favori de nombreux peintre parisiens. "Le nègre Joseph "a laissé un nom en tant que modèle masculin, ce qui est une sorte de prouesse à l'intérieur d'un régime artistique où la reconnaissance d'une identité singulière n'allait en principe qu'aux modèles féminins. Ce n'est peut-être qu'un hasard. Mais c'est peut-être aussi un état de faits dicté par une image mentale du Noir répandue dans les milieux progressistes et abolitionnistes du milieu du XIXe siècle. Le saint-simonien Gustave d'Eichthal soutenait que la race blanche était le principe masculin de l'humanité tandis que la race noire en formait le principe féminin ; et il insistait sur les caractères respectivement actifs et passifs de chacune d'elles. Un écho de cette théorie résonne dans un tableau de Chassériau conservé au Louvre, la Toilette d'Esther, où l'une des deux servantes de la princesse juive est en fait un travesti noir. Alors, le souvenir du nom de Joseph parmi ceux des modèles féminins est-il vraiment une exception qui confirme la règle ? Pour Géricault en tout cas, peindre une peau noir relevait d'un défi technique  (comme pour Rubens aussi d'ailleurs) qu'il s'appliqua a relever tout au long de sa vie de peintre. 

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mercredi 25 août 2021

Jack London (1876-1916) - Portrait de l'explorateur Martin Johnson (1884-1937)


Jack London (1876-1916), Portrait de l'explorateur Martin Johnson (1884-1937) Photographié en 1908 pendant l'expédition du Snark aux iles Solomon

Jack London (1876-1916)
Portrait de l'explorateur Martin Johnson (1884-1937)
Photographié pendant l'expédition du Snark aux iles Solomon
Guadalcanal, 1908

Reposté suite à Erratum ; annule la précédente publication.


La rencontre entre Jack London et Martin Johnson s'est faite sur le quai d'un port alors que l'écrivain déjà célèbre s'apprêtait a voguer vers les mers du sud.  Le reconnaissant, Martin Johnson l'interpella de faon très directe :
- "Je vous admire et je voudrais partir avec vous "
- " Savez vous cuisiner ? " On a besoin d'un cuisinier à bord ", répliqua Jack London
- "Mettez moi a l'épreuve " osa le jeune homme.
A peine le premier repas préparé par Martin ingurgité, la tentation de le débarquer dans le premier port venu saisit sans doute Jack London, mais le le jeune mirliton était si plein de bonne volonté, qu'il renonça. Et il eut raison car ce que personne ne savait à bord jusque là, c’est que le jeune Martin était passionné de photographie.
C'est en le voyant tourné autour de l’appareil photographique prêté pour l’expédition… que Jack London, lui même passionné de photographie et très bon photographe le comprit. Attentif  comme il était au chemin que les hommes choisissent de prendre dans la vie et se souvenant sans doute du poème de Robert Frost "The road not taken " (La route non prise), il décida de partager cette passion de la photographie avec ce jeune homme, visiblement encore hésitant sur la route à prendre.  On peut se demander d'ailleurs aux vues de la quantité impressionnante de photos qu'il laissa, si Jack London lui-même n'aurait pas aimé en faire une carrière...  s'il n'avait déjà  été l'écrivain célèbre qu'il était.
Concernant la décision d'intéresser Martin Johnson à la photographie, ce fut en tout cas la bonne ! C’est à Martin Johnson en effet que l’on doit aujourd’hui la majeure partie des témoignages photographiques du périple de Jack London au cours de cette célèbre expédition du Snark. L'autre partie des témoignages est due à Jack London lui même, ce qui créa souvent un flou dans les attributions de certaines photos à l'un ou à l'autre. Martin Johnson éprouva d’ailleurs le besoin de raconter l'aventure de cette expédition commue dans un livre "A travers les Mers su Sud", qu'il écrivit à quatre mains avec Jack London, avec lequel il s’était lié d’une solide amitié, même s’il n’était pas appelé à le revoir très souvent par la suite

Pour Jack London, déjà malade,  l'aventure s 'arrêta une dizaine d'années plus tard,  mais pour Martin Johnson,  elle ne faisait que commencer.

De retour aux Etats-Unis, il rencontra Osa Leighty qu'il épousa en 1910 et à peine 7 années plus tard, en pleine Première guerre mondiale, ils entreprirent tous deux leur première expédition dans le Pacifique, où ils réalisèrent un des tout premier film documentaire de l'histoire de ce genre cinématographiques intitulé "Parmi les Cannibales des Mers du Sud". Suivront une vingtaine de films documentaires, tournés aussi bien en Afrique que dans le Pacifique Sud et ceci régulièrement jusqu'en 1950 ,avec le dernier Big Game Hunt commandé par une chaîne de télévision américaine. Osa Johnson, quand à elle, apporta dans certains des films documentaires de Martin, une vision romancée qui mettait leur aventure à la portée de tous. Un seul but les animait : celui de laisser aux génération futures des témoignages sur un monde qu’ils estimaient en voie de disparition. Et l’avenir prouve qu’ils ont bien fait, puisqu’en effet, plus d’un siècle après leur premier film, ce monde a bel et bien disparu.

Quand à la photo que nous voyons, souvent mal attribuée, objet de beaucoup de confusions, c’est bien l’une de celles que Jack London pris pendant son expédition du Snark avec l'appareil du bord qu'il partageait avec Martin Johnson.
Elle a une valeur documentaire importante puisque c'est à peu près la seule qui représente Martin Jonhson  sans sa femme et jeune, en plein milieu de la jungle, en compagnie d’un des habitants des iles Solomon. On voit Martin arborer pour seule tenue, un sous vêtement sans doute en feuille de bananier, solidement retenue à la taille par une écorce. L’habitant des Iles Solomon, par contre lui est en tenue nettement moins négligée, portant pagne en tissu, le nez transpercé d’un os, le front coiffé d’un coquillage, le bras orné de bracelets et manchons brodés, tenant fermement un arc aussi grand que lui et l’œil interrogateur. En effet à cette époque les habitants des iles apparaissaient plutôt totalement nus ! Martin Johnson lui regarde aussi la caméra d’un air interrogateur et semble plus préoccupé par une blessure au tibia et qu’il a pansé avec un morceau de tissu qui est en réalité son slip, déchiré pour former une compresse improvisée.…  Le titre d'aventurier des mers du Sud, ça se mérite, que voulez vous !

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mardi 24 août 2021

Alex Colville (1920-2013) - Dog and Priest

Alex Colville (1920-2013) Dog and Priest, 1978 Collection privée Le peintre canadien Alex Colville fut l'un des artistes de guerre canadiens les plus célèbres, surtout durantses quatre années de service en Europe où ila peint entre autres le débarquement à Juno Beach lors de l'Opération Neptune. représetant le realsime americain, il devient apres la guerre, membre de la faculté des Arts de la Mount Allison University où il enseigne de 1946 à 1963. Puis, Colville quitte l'enseignement pour se consacrer à la peinture et à l'estampe à plein temps dans un studio à sa maison sur la rue York. Les œuvres d'Alex Colville ont été souvent exposées au Canada, mais aussi à travers le monde plus précisément à la Tate Gallery de Londres et au Centre d'exposition de Pékin. En 1983 une rétrospective itinérante internationale de son œuvre fut organisée par le Musée des beaux-arts de l'Ontario.L'œuvre d'Alex Colville est présent dans plusieurs collections incluant : Art Gallery of Nova Scotia, Cape Breton University Art Gallery à Sydney, MOMA à New York, le Musée national d'art moderne à Paris, le Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa, le Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou à Paris, le Wallraf-Richartz Museum à Cologne et le Kestnergesellschaft à Hanovre. Alex Colville (1920-2013), Dog and Priest, 1978 Collection privée
 
Alex Colville (1920-2013) 
Dog and Priest, 1978 
Collection privée  
 

Le peintre canadien Alex Colville fut  l'un des artistes de guerre canadiens les plus célèbres, surtout durant ses quatre années de service en Europe où  il a  peint entre autres le débarquement à Juno Beach lors de l'Opération Neptune. Représentant le réalisme américain, il devient  après la guerre, membre de la faculté des Arts de la Mount Allison University où il enseigne de 1946 à 1963. Puis, Colville quitte l'enseignement pour se consacrer à la peinture et à l'estampe à plein temps dans un studio de la rue York. Les œuvres d'Alex Colville oaujourdh'uii comme un peintre canadien majeur ,ont été souvent exposées au Canada, mais aussi à travers le monde plus précisément à la Tate Gallery de Londres et au Centre d'exposition de Pékin. En 1983, une rétrospective itinérante internationale  fut organisée par le Musée des beaux-arts de l'Ontario.
L'œuvre d'Alex Colville est présent dans plusieurs collections incluant : Art Gallery of Nova Scotia, Cape Breton University Art Gallery à Sydney, MOMA à New York, le Musée national d'art moderne à Paris, le Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa, le Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou à Paris, le Wallraf-Richartz Museum à Cologne et le Kestnergesellschaft à Hanovre.


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lundi 23 août 2021

Natori Shunsen (1886-1960) - Nakamura Ganjiro II dans le rôle de Kamiya Jihei


Natori Shunsen (1886-1960) Nakamura Ganjiro II dans le rôle de Kamiya Jihei Estampe de la série " 36 portraits d'acteurs de Kabuki", 1926, Rijksmuseum

Natori Shunsen (1886-1960)
Nakamura Ganjiro II dans le rôle de Kamiya Jihei
Estampe  ōkubi-e de la série " 36 portraits d'acteurs de Kabuki", 1926,
Rijksmuseum

Natori Shunsen / 名取春仙  est considéré aujourd'hui comme le dernier  maître de l'art du kabuki yakusha-e, l'art des images d'acteurs, un genre très  spécifique de  la culture nippone. Il est né dans la préfecture de Yamanashi mais sa famille s'installe à Tokyo peu après sa naissance et il demeure dans la capitale jusqu'à sa mort en 1960. Shunsen s'intéresse aux portraits d'acteurs kabuki alors qu'il travaille en tant qu'illustrateur pour le journal Asahi Shimbun. À cette époque, il a l'occasion de rencontrer l'éditeur Shozaburo Watanabe.  En 1925, Shunsen et Watanabe travaillent ensemble sur une série de 36 portraits d'acteurs. Cette série contient quelques-uns des plus beaux dessins de kabuki de Shunsen. Watanabe produit luxueusement chaque estampe avec un tirage limité à 150 exemplaires et ne les vend que par souscription. La série dure jusqu'en 1929, suivie d'une série supplémentaire de 15 autres portraits d'acteur publiée jusqu'en 1931. Les portraits d'acteurs de Shunsen ressortent principalement du genre ōkubi-e (grande tête), format qui lui permet de se concentrer sur les expressions et les émotions du visage du sujet.  Shunsen continue de travailler en tant qu 'artiste pour  artiste pour le théâtre kabuki mais ne dessine plus aucune tête d'acteur avant le début des années 1950. De 1951 à 1954, il collabore de nouveau avec Watanabe à une autre série de 30 portraits d'acteurs. Comme dans la précédente série, ces dessins sont magnifiquement imprimés et très expressifs, particulièrement les portraits ōkubi-e.

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dimanche 22 août 2021

Jan Mostaert (1475-1555) - Portrait of a Moor


 

Jan Mostaert (1475-1555) Portrait of a Moor“ c.1525-30. Rijksmuseum

Jan Mostaert (1475-1555)
Portrait of a Moor“ c.1525-30.
Rijksmuseum

Ce portrait est très mystérieux. On sait que c'est le premier portrait jamais peint en tant que tel d'un homme noir africain. Quand à son identité, certains avancent qu'il s 'agirait d'un invité de la Reine d'Autriche de l'époque d'autrres qu'il s 'agirait  de Christophe le Maure, qui gravitait dans l'entourage de Charles V, empereur du Saint Empire Romain Germanique.
Jan Mostaert etait un peintre hollandais longtemps connu sous le nom du Maître d'Oultremont.
Il est le père (ou l'oncle ou le grand oncle) des peintres jumeaux Gillis Mostaert et Frans Mostaert.
Il aurait été l'élève de Jacob Jansz Van Haarlem.
En 1507, il est mentionné comme doyen de la guilde de saint-Luc de Haarlem, fonction qu'il exerce de nouveau en 1543 et 1544. De 1519 à 1529, il est peintre en titre de la régente Marguerite d'Autriche.
Son œuvre traite d'abord de sujets religieux, mais il réalise aussi quelques paysages et des portraits.

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samedi 21 août 2021

Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson dit Girodet (1767-1824) - L'hiver


Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson dit Girodet (1767-1824), L'hiver, 1814, Huile sur toile, Cabinet de toilette de l'impératrice, Château de Compiègne

Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson dit Girodet (1767-1824)
L'hiver, 1814, Huile sur toile,
Appartement de l'impératrice
Château de Compiègne, France


La chambre de l'Impératrice au château de Compiègne, a été  utilisée pour la première fois par Marie-Louise, le 27 mars 1810. L'achèvement de la décoration avait été repoussé de plusieurs années, en raison des événements liés aux campagnes de Russie et de Saxe. En mars-avril 1814, les attaques prussiennes causent d'importants dégâts aux appartements impériaux. Louis-Martin Berthault confie alors à Girodet la réalisation des peintures historiques de ces appartements. Girodet exécuta - entre autres - quatre panneaux représentant les Saisons, placés sur les côtés des miroirs. En 1870, Le Printemps fut endommagé lors de l'attaque prussienne. De nos jours, les trois saisons restantes sont encore disposées de part et d'autre des miroirs, avec un tableau d'Apollon - également de Girodet - remplaçant Le Printemps.

 
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vendredi 20 août 2021

Jean-Théodore Géricault (1791-1824) - Un naufragé, 1817


Jean-Théodore Géricault (1791-1824),  Un naufragé, 1817 Collection privée

Jean-Théodore Géricault (1791-1824)
Un naufragé, 1817
Collection privée 

Géricault réalisa aussi de nombreux nus masculins servant d'études à son célèbre Radeau de la Méduse ou à d'autres compositions magistrales.
La figure plus ou moins extravagante de Géricault vu par ses contemporains comme un héroïque cavalier passionné et un aventurier amant, devient, une vingtaine d'années après sa mort, une des icônes majeures du romantisme. Jules Michelet écrit sa vie dans son Journal 1828-1848 et consacre un long passage au peintre dans son Cinquième Cours au Collège de France. Il voit dans Géricault un « peintre-magistrat », un juge sévère du Premier empire qui « dans les mélanges bâtards de la Restauration, conserva ferme et pure la pensée nationale.Il ne subit pas l'invasion, ne donna rien à la réaction ». Géricault est un homme seul, génie pathétique et désespéré, pris dans des amours éphémères et des amitiés légères et envieuses alors que la France fait naufrage. Prosper Mérimée copie les figures de chevaux d'après Géricault ; Alexandre Dumas écrit sur lui ; Delacroix écrit ses souvenirs de Géricault....
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jeudi 19 août 2021

LES TABLEAUX QUI PARLENT - N° 3 : Gottfried Lindauer, le bohémien qui peignait les Maoris



Au début du XIXe siècle, un jeune peintre originaire de Bohême fuit l'Empire austro-hongrois et s'embarque pour la Nouvelle Zélande. Là sur cette terre lointaine il devient en quelques années,le plus grand portraitiste du monde Maori, de ces tatouages et de ces costumes....

Gustave Courtois (1852-1923) - Orphée,1875


Gustave Courtois (1852-1923), Orphée,1875, Détail, Huile sur bois, Musée municipal de Pontarlier, France

 

Gustave Courtois (1852-1923) Orphée,1875 Huile sur bois ,Musée municipal de Pontarlier, France

Gustave Courtois (1852-1923)
Orphée,1875
Huile sur bois
Musée municipal de Pontarlier, France 

 

Gustave Courtois était fils d'un garçon charcutier et d'un blanchisseuse, rien ne le prédestinait donc vraiment à devenir peintre. A ceci près que sa mère qui lui était totalement dévouée remarqua très vite l' intérêt pour l'art que le jeune Gustave développa dès qu'il fut scolarisé au lycée de Vesoul, intérêt aussi relevé par son professeur de dessin Victor Jeanneney. C'est alors que la décision est prise de la faire entrer à l'Ecole municipale de dessin de Vesoul.
Ses dessins furent présentés à Jean-Léon Gérôme qui lui conseilla en 1869 d’entrer à l’Ecole des beaux-arts de Paris.
Très proche ami de Pascal Dagnan-Bouveret, Gustave Courtois décida sitôt qu'il fut en age d'en faire une profession de partager son atelier de peintre avec lui, à Neuilly-sur-Seine à partir des années 1880. Il enseignait parallèlement la peinture à l’Académie de la Grande Chaumière et à l’Académie Colarossi de Paris. Réfugié au Tessin avec son ami Carl Ernst von Stetten pendant toute la durée de la Grande Guerre, il entretint une correspondance très suivie avec Robert Fernier alors que ce dernier se trouvait au front. Il est l'auteur de portraits, de scènes de genre, de scènes religieuses ou mythologiques très souvent peuplées de voluptueux nus masculins. Archétype de ce que l'on a appelé pendant un temps les" peintres provinciaux ", avant de juger l'appellation péjorative.
Se œuvres sont conservées dans les musées de Besançon, Marseille, Bordeaux, Pontarlier et dus Luxembourg.

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mercredi 18 août 2021

Jocke Åkerblom (1906-1972) - Portrait d'un homme nu, 1949

Jocke Åkerblom (1906-1972) Portrait d'un homme nu, 1949 Collection privée


Jocke Åkerblom (1906-1972)
Portrait d'un homme nu, 1949
Collection privée 

 
Jocke Åkerblom ne fait pas partie,  à proprement parlé,  des figures dominantes de la peinture suédoise du 20e siècle, mais ces œuvres qui arrivent de plus ne plus en vente publiques, obtiennent un indéniable succès, dû à leur style toujours élégant, plutôt académique et teinté de ce modernisme typique des peintres suédois début de siècle. Il se situe dans le droit fil du style pictural d'Eugène Jansson et de Carle Larsson, eux-mêmes représentant du mouvement issu des années 1880 avec la création du groupe Opponenterna (les Opposants), inspirés par l’art français qu’ils sont venus étudier à Paris. A partir du milieu des années 1920 et durant une vingtaine d’années, à côté du surréalisme, c’est l’expressionnisme qui domine, avec des représentants comme Sven Erixson, Bror Hjorth et le groupe des coloristes de Göteborg : Ivan Ivarsson, Åke Göransson, Inge Schiøleret Ragnar Sandberg.
Dans les années 1930, la peinture socialiste est représentée par Albin Amelin.
Après la Seconde Guerre mondiale, l’art suédois se développe grâce au Konstfrämjandet (mouvement populaire de Promotion des arts) fondé en 1947. Son objectif est la démocratisation de l’accès à l’art et son slogan est : L’art pour tous.
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mardi 17 août 2021

Pyotr Konchalovsky (1876-1956) - L' Age d'or


Piotr Petrovitch Kontchalovski (1876-1956) L'Age d'or, 1946 Huile sur toile. Collection privée

Pyotr Konchalovsky  (1876-1956)
L'Age d'or, 1946
Huile sur toile.
Collection privée


Pyotr Konchalovsky  est  est un peintre russe puis soviétique, fondateur et membre du mouvement artistique Valet de Carreau en 1910. Sa production, très importante (5000oeuvres), et très variée tient une place de premier plan dnas l'hHstoire de l'art du XXe siècle non seulement dans la Russie imperiale mais aussi,en Union Soviétique et dans les grand mouvements artistiques européens de son temps. À partir de 1910, il expose fréquemment ses œuvres,et  participant notamment au journal Mir Iskousstva. Dès 1918, il enseigne l'art. En 1922, il fait sa première exposition personnelle à la galerie Tretiakov.En 1925, on le retrouve à Paris avec son oélève Vladimir Boberman. Pendant cette période parisienne, il produit principalement des natures mortes et des paysages. Ses peintures, comme celles des autres artistes du Valet de Carreau, sont largement influencées par Paul Cézanne. Plus tard, il commence à peindre des portraits qui s'inscrivent dans le mouvement du réalisme socialiste soviétique. Le Musée de l'impressionnisme russe de Moscou conserve deux de ses toiles.

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lundi 16 août 2021

Miniature moghole du XVIe siècle - Mian Mir (1550-1635) en prière à Médine


Miniature moghole du XVIe siècle Mian Mir (1550-1635) en prière à Médine, 1635 A quarelle et encore sur papier. Museum With No Frontiers, Dallas, Texas

 

Miniature moghole du XVIe siècle
Mian Mir (1550-1635) en prière à Médine, 1635
Aquarelle et encre sur papier.
Museum With No Frontiers, Dallas, Texas


Mian Mir ou Myian Mir, est le diminutif de Mir Mohammed Muayyin-ul-Islam, appelé aussi Baba Sain Mir Mohammed Sahib (1550-1635), est un saint soufi de l'ordre de la Qadiriyya, qui vécut Lahore. Il est connu dans le sikhisme pour avoir côtoyé Guru Arjan et Guru Hargobind, deux des fondateurs de cette religion ; il fut même un proche de Guru Arjan. Il était aussi reconnu à la cour moghole. Sa famille remonte au calife Omar ibn al-Khattâb, compagnon et deuxième successeur du prophète Mahomet. Il était connu pour être ouvert à toutes les religions de son temps. l exerça une influence considérable sur le poète et mystique Dârâ Shikôh, fils aîné de Shâh Jahân. Selon une anecdot,  l'empereur moghol Jahangir était venu le voir pour qu'il prieafin d'aider son armée dans la nouvelle guerre qu'il menait. Mian Mir l'ayant fait attendre devant sa porte, l'empereur s'en plaignit. Pendant ce temps-là, un pèlerin était venu offrir une modeste roupie au soufi. Mian Mir lui dit alors d'offrir sa roupie à un plus nécessiteux que lui ; mais le pèlerin eut beau la proposer aux derviches présents, personne n'en voulait. Mian Mir dit alors: « Offre cette roupie à Jahangir car c'est le plus pauvre d'entre nous; il est avide et sombre. » Mian Mir était présent en compagnie de Guru Arjan lorsque la première pierre du Temple d'Or à Amritsar a été posée. Il a aussi obtenu la libération de Guru Hargobind lorsqu'il était détenu par les armées de Jahangir. Aujourd'hui les Sikhs apprennent son histoire dès leur plus jeune âge.

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dimanche 15 août 2021

Pierre et Gilles (actifs depuis 1976) - Matador Fernando Leonne



Pierre et Gilles (actifs depuis 1976,) Matador Fernando Leonne, Photographie peinte marouflée sur aluminium encadrée par les artistes Avec le cadre : 144.2 x 117.9 cm. Réalisé en 1999, pièce unique, Collection privée


Pierre et Gilles (actifs depuis 1976)
Matador Fernando Leonne
Photographie peinte marouflée sur aluminium encadrée par les artistes
Avec le cadre : 144.2 x 117.9 cm.
Réalisé en 1999, pièce unique
Collection privée 


Pierre et Gilles est le pseudonyme du couple d'artistes plasticiens français formé par le photographe Pierre Commoy (bn.1950)et le peintre Gilles Blanchard (bn.1953). Ils vivent et travaillent au Pré-Saint-Gervais (région parisienne). Depuis 1976, ils développent une œuvre à quatre mains entre peinture et photographie. Leurs tableaux mettent en scène leurs proches, anonymes ou célèbres, dans des décors sophistiqués construits grandeur nature en atelier. Une fois la photographie tirée sur toile, commence un méticuleux travail de peinture. Ces créateurs d’images ont constitué une iconographie singulière explorant la frontière entre l’histoire de l’art et culture populaire.

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samedi 14 août 2021

Jean-François Janinet (1752-1814) - Deux nus masculins


Jean-François Janinet (1752-1814) Deux nus masculins Crayon Conté, c. 1774 Collection Privée

 

Jean-François Janinet (1752-1814)
Deux nus masculins
Crayon Conté, c. 1774
Collection Privée 

 

 Non, la Révolution française, contrairement à ce que cette gravure pourrait laisser penser,  ne permit pas toutes les audaces !  Il s 'agit là tout simplement d'une étude de nus dans deux positions différentes du même modèle. Mais il il est vrai que la position de ces deux modèles est aujourd'hui évocatrice d'une autre situation que celle envisagée par le peintre.

 Jean-François Janinet est un graveur français passionné d'aerostatique.
Actif vers la fin de l'Ancien Régime et pendant la Révolution française, il est connu pour avoir eu une approche novatrice de la gravure en couleurs. Ses premières gravures datent de 1774. et sont réalisées d’après les peintres à la mode tels qu'Hubert Robert, Jean Honoré Fragonard ou Jean-Baptiste Greuze. Il se révèle dès cette époque excellent portraitiste, comme en témoigne son portrait de Mlle Bertin, modiste de la reine. Janinet se fait remarquer par les frères Campion et participe à un projet collectif illustrant les monuments de Paris. Sa carrière artistique ne l’empêche pas de s’intéresser aux sciences, et notamment à l’aérostatique (le vol en ballon ou Montgolfière)  à laquelle il renonce après l'échec d'une tentative d'ascension le 11 juillet 1784 au jardin du Luxembourg dans un ballon de sa fabrication, ballon qu’il se proposait de diriger à l’aide d’une sorte de gouvernail en forme de queue de poisson.
Janinet poursuit s donc a carrière de graveur. avec une technique lui permet notamment de donner des versions très fidèles des gouaches du peintre Nicolas Lavreince, des petites scènes de genre typique de l’esprit français du XVIIIe siècle. Il est également chargé des illustrations de l’hebdomadaire Costumes et annales des grands Théâtres de Paris.
La Révolution n’affecte pas le succès de Jean-François Janinet qui s’adapte à de nouvelles sources d’inspiration. Il donne des gravures d’actualité, comme Le Départ des Dames de la Halle et des Femmes de Paris pour Versailles, 5 octobre 1789, Les Femmes de Versailles siégeant à l’Assemblée nationale au milieu des députés, le 5 octobre 1789 ou encore une Vue du Champ de Mars au moment de la prestation du serment civique. En 1790, il met en vente un ensemble de 52 gravures sur les événements politiques de la Révolution, qu’il accompagne de description des faits ; ces gravures existent en noir et blanc et en couleur . Il va ensuite travailler assidûment à des gravures d’après Jean-Guillaume Moitte, inspiré par les souvenirs de la République romaine. On lui doit ainsi des œuvres historiques telles que La Mort de Lucrèce, présentée au Salon de 1793, ou allégoriques comme ces deux aquatintes de 1792, L’Égalité et La Liberté.
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vendredi 13 août 2021

Hans Thoma (1838-1924) - Solitude

Hans Thoma (1838-1924) Solitude, 1896 Huile sur carton, 69 x 78cm Collection privée

Hans Thoma (1838-1924)
Solitude, 1896
Huile sur carton, 69 x 78cm
Collection privée 


Hans Thoma, est un peintre allemand, dont le style évolua à partir des années 1880 vers une forme de naturalisme magique et fantastique, puisant dans la Renaissance allemande.  Sa réputation et son talent s'établissent  après une exposition de 30 toiles à Munich. Son style demeure imperméable aux idées de son temps  bien que certaines de ses toiles puissent vaguement évoquer le style de certains peintres anglais du courant préraphaélite.  Sa peinture reste avant tout influencée  par sa région natale, sa vie simple et idyllique, et par les premiers maîtres allemands, en particulier Albrecht Altdorfer et Lucas Cranach.

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