google.com, pub-0288379932320714, DIRECT, f08c47fec0942fa0 google.com, pub-0288379932320714, DIRECT, f08c47fec0942fa0 PORTRAITS MASCULINS

mardi 13 juillet 2021

Sculpture antique - Stèle funéraire de Sosias et Kephisodoros, Grèce (Attique) 410 av. JC.

Sculpture antique Stèle funéraire de Sosias et Kephisodoros, Grèce (Attique), 410 av JC.


Sculpture antique
Stèle funéraire de Sosias et Kephisodoros, Grèce (Attique),  410 av JC. 


Dans l’Antiquité grecque, la fonction d'une stèle funéraire est avant tout une fonction signalétique. La stèle indique l’emplacement de la tombe, où l'on peut faire des offrandes à un défunt, précis. La stèle funéraire  rappelle  ainsi le nom du dédint mais aussi son image de façon à entretenir son souvenir.
Hautes et étroites à l’époque archaïque, au VIe siècle av. J.-C., elles étaient couronnées d’une figure protectrice de sphinge, remplacée à la fin du siècle par une palmette décorative. Le défunt était représenté debout, de profil, en relief ou simplement gravé et peint. Cette forme perdure jusqu’au milieu du Ve siècle, avant que la plupart des stèles, ne deviennent  plus larges, quadrangulaires, et prennent la forme d’un petit temple (naïskos), encadré de pilastres, surmonté d’un fronton. L’élargissement du champ permettait de représenter souvent le défunt assis.
Cette évolution se poursuit au IVe siècle av. J.-C. avec des stèles dont la largeur permet d’accueillir, comme c'est le cas ci-dessus,  des groupes familiaux sculptés.  Dans ce cas,  il n'est pas rare qu'une poignée de main  et une regard appuyé (droit dans les yeux) unissent le défunt avec un des membres de sa famille encore vivant, signifiant ainsi l’adieu mais aussi du lien qui persiste au-delà de la mort. L’expression de la douleur reste très discrète et le défunt est toujours représenté vivant., le plus vivants possible un pue comme dans les Fayoums de l'Egypte antique.  Les stèles funéraires antiques grecques sont des œuvres très particulières qui apparaissent comme des bornes (horos) entre  deux mondes le passé et le présent.

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lundi 12 juillet 2021

Johann Eleazar Schenau (1737-1806) Etude académique d'une homme nu assis sur un bas relief


Johann Eleazar Schenau (1737-1806) Etude académique d'une homme nu assis sur un bas relief antique, 1797 Craie noire rehaussée de craie blanche sur papier bis Collection privée


Johann Eleazar Schenau (1737-1806)
Etude académique d'une homme nu assis sur un bas relief antique, 1797
Craie noire rehaussée de craie blanche sur papier bis
Collection privée


Johann Eleazar Zeissig dit Scheneau ou Schönau, est un peintre allemand qui fut l'un des fondateurs de l'École allemande de peinture. Grâce au peintre français Louis de Silvestre, directeur de l'Académie de Dresde où Schenau fut élève, le jeune Johann put aller à Paris, où il fut accueilli et formé par son compatriote le graveur Johann Georg Wille (1715-1808). En 1770, Schenau fut appelé par l'électeur de Saxe pour diriger l'Académie de Dresde.Il fut, entre autres, interprété par les graveurs Louis Michel Halbou et Heinrich Guttenberg, ses contemporains. Le MET museum de New York possède huits de ses dessins et quelques gravures, dont un portrait de Madame de Pompadour qui, bien que plutôt portée sur le goût français  appréciait beaucoup ce peintre allemand. 

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dimanche 11 juillet 2021

Portrait de chasseur-cueilleur du néolithique avec casque et arc - Site de Séfar, ca.-10.000 ans


Portrait de chasseur cueilleur du néolithique avec casque et arc, Peinture rupestre du site de Séfar, ca.-10.000 ans, Parc culturel du Tassili n'Ajjer, Algérie


Portrait de chasseur cueilleur du néolithique avec casque et arc
Peinture rupestre du site de Séfar, ca.-10.000 ans
Parc culturel du Tassili n'Ajjer, Algérie

La cité de Séfar, dans le Tassili n’Ajjer est située à 2400 km au Sud de la capitale Alger. Séfar est la plus grande cité troglodyte au monde (inscrite au patrimoine mondial de l’UNESCO depuis 1982) et le Tassili, leplus grand musée a ciel ouvert au monde (138 000 km2), au même titre que les fresques des aborigènes d'Australie ou des Khoïsan de Namibie, abritant des centaines de milliers de gravures, dessins et peintures rupestres, parmi lesquelles les plus célèbres ont été popularisées sous les noms de «Grands Dieux» et «Martiens» (cf. ci dessus)
La datation de ces figures datent d’au moins 10 000 ans  rappelant que le Sahara était à cette époque une région fertile  Nombreux sont les dessins représentant des troupeaux de bovins menés par des bergers. Il y a plusieurs milliers d'années vivaient ici des hommes qui ont laissé la trace de leurs préoccupations quotidiennes ; on trouve en effet des scènes de chasse, de danse et de prière, ainsi que de nombreux restes de poteries ou de pierres taillées. À la suite des travaux controversés menés par Henri Lhôte (accusé  par les autorités algériennes d'avoir pillé le site et dégradé les peintures rupestres), des théories, popularisées par la presse et reprises par l'auteur sensationnaliste Erich von Däniken, circulent sur certaines peintures qui représenteraient des créatures portant un casque sur la tête suggérant des "martiens". La majorité du milieu scientifique y voit en fait des costumes et masques rituels.
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samedi 10 juillet 2021

Cornelis de Zeeuw (actif entre 1540 et 1570) - Portrait d'un jeune homme, 1565

Cornelis de Zeeuw (actif entre 1540 et 1570) Portrait d'un jeune homme, 1565 Huile sur panneau de bois, 25.6 x 21.2 cm Bristol City Museum Art Gallery

Cornelis de Zeeuw (actif entre 1540 et 1570)
Portrait d'un jeune homme, 1565
Huile sur panneau de bois, 25.6 x 21.2 cm
Bristol City Museum Art Gallery 

Ce portrait  est celui d'un jeune homme âgé de 19 ans selon l'inscription portée à droite de la composition (Aetatis 19) Le jeune homme anonyme mais sans doute anglais et appartenant à une riche famille aristocratique,  porte un chapeau béret en velours noir et un pourpoint de même tissu et colori, fermé par des boutons d'argent  et orné d'un col en dentelle ouvragée.

Cornelis de Zeeuw  était un peintre flamand anversois, squi a surtout travaillé  en Angleterre. De Zeeuw est probablement né à Anvers où son nom apparaît dans le Liggeren anversois comme « Cornelis Jacops de Zeeu » en 1558. Le nom Zeeu ou Seeu apparaît plus souvent dans le Liggeren, et un « Cornelis de Zeeu » a également été mentionné dans le Liggeren pour l'année 1486, il est donc probablement issu d'une famille d'artistes membres de la Guilde anversoise de Saint-Luc.  Pendant des années, il a été considéré comme le peintre du portrait de la famille Moucheron, qui est daté de 1563, mais un portrait anglais daté de 1565 a conduit les historiens à penser qu'il avait précisément emménagé en Angleterre cette année-là. Sa biographie n'est pas très bien documentée et malgré le chef d'œurve qui a donné avec ce portrait ci- dessus, on connait encore mal ce peintre.

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vendredi 9 juillet 2021

Edvard Munch (1863-1944) - Selvportrett fra klinikken


Edvard Munch (1863-1944) Selvportrett fra klinikken, 1909 (Autoportrait à la clinique, 1909, Munch Museum

Edvard Munch (1863-1944)
Selvportrett fra klinikken, 1909
(Autoportrait à la clinique, 1909
Munch Museum 


En 1908, après sa rupture avec Eva Mudocci, une violoniste anglaise, modèle du peintre Matisse, il se rend à Copenhague, mais il est désormais constamment alcoolisé. Souffrant de dépression nerveuse et d'hallucinations, il se laisse interner dans la clinique privée du docteur Jacobson. Il subit une électrothérapie énergique, avec des bains d'eau salée, d'acide carbonique et de lait. Il séjourne de plus en plus paisiblement pendant plus de six mois à Copenhague, retrouvant des activités apaisantes ; une photographie le montre en train de tricoter dans le jardin et sa chambre privée se transforme en atelier d'artistes. Il fait le portrait de son médecin, expérimente les techniques photographiques, tient ses carnets de créateur et rédige à nouveau son journal intime. Fin 1908, il est promu chevalier de l'ordre de Saint-Olaf, alors que se prépare une grande exposition d'une centaine de ses toiles à Kristiana. En 1909, la Nasjonalgalleriet qui a coorganisé l'exposition lui achète cinq œuvres majeures. Cet autoportrait date sans soute d'un des séjours de Munch dans la clinique du docteur Jacobson.

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jeudi 8 juillet 2021

Paris Bordone (1500-1571) - Tête d'Homme Barbu, Yeux Clos, ca. 1533

Paris Bordone (1500-1571) Tête d'Homme Barbu, Yeux Clos, ca. 1533 Morgan Library and Museum
 
 
Paris Bordone (1500-1571)
Tête d'Homme Barbu, Yeux Clos, ca. 1533
Morgan Library and Museum


Bordone est né à Trévise  et il entra dans l'atelier du Titien probablement de 1508 à 1518. Vasari, à qui on doit presque tout ce qu'on sait de lui, affirme qu'il n'a pas passé beaucoup d'années avec le Titien, et qu'il s'est efforcé d'imiter la manière de Giorgione. On dit qu'il excita la jalousie de son maître par son talent et que ce denier ne souhaita trop longtemps qu'il lui fasse de l'ombre ! Bordone se fixa alors à Venise, mais fut appelé en France en 1528 par François Ier, qui lui commanda son portrait. Devant le succès du portrait, il reçut commande de  plusieurs dames de la cour de François 1er et revint en Italie comblé de richesses.
À son retour, vers 1540 il se consacra à l'art du retable. 

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mercredi 7 juillet 2021

Michael Sweerts (1618-1664) - Clothing the naked


Michael Sweerts (1618-1664) Homme invité à se sécher Collection privée

Michael Sweerts (1618-1664)
Clothing the Naked
(Habiller ceux qui sont nus), ca.1661
Huile sur toile (81, 9, 114, 3cm )
The MET museum
 

A propos de ce tableau la notice du MET Museum précise :
 "Habiller ceux qui sont nus, est l'un des sept actes de miséricorde traditionnellement demandés aux fidèles du catholicisme. Sweerts, artiste catholique des Pays-Bas espagnols, réduit ce thème charitable à une confrontation tendue entre deux individus, l'un richement vêtu, l'autre nu et apparemment méfiant des vêtements qui lui sont offerts. Il a peint cette image, très probablement pour un mécène catholique, alors qu'il vivait à Amsterdam , se livrant à des  jeûne réguliers et à d'autres actes de dévotion. Il est à ce point croyant, qu'en 1662, il  rejoint un groupe de missionnaires catholiques en partance pour  la Perse. Son comportement erratique lui vaudra plus tard d'être renvoyé du groupe..."

Michael Sweerts (1618 -1664), est un peintre et graveur flamand de l'époque baroque, connu pour ses peintures allégoriques et scènes de genre, ses portraits et ses tronies. L'artiste menait une vie itinérante et a travaillé à Rome, à Bruxelles, à Amsterdam, en Perse et en Inde où il a terminé sa vie à Goa.
Pendant son séjour à Rome, Sweerts s'est lié au groupe de peintres néerlandais et flamands qui peignaient de scènes de la vie quotidienne (voir son Combat des Lutteurs déjà publié dans ce blog ou ses Hommes se baignant)...  Il peignait aussi des scènes de tavernes c et des scènes un peu lestes  sous le pseudonyme de Bamboccianti. Les contributions de Sweerts au genre Bamboccianti font preuve d'une plus grande maîtrise stylistique et d'une plus grande sensibilité que les autres artistes qui ont pu travailler sur ces sujets. Bien qu'il ait connu un grand succès de son vivant, Michael Sweerts et son œuvre sont tombés dans l'oubli jusqu'à ce qu'il soit redécouvert au XXe siècle et présenté comme l'un des artistes les plus intrigants et les plus énigmatiques de son époque... ce qu'il est à n'en pas douter. Ses portraits ont été comparés à ceux de Vermeer par la délicatesse de leurs tons.



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mardi 6 juillet 2021

Frank Jay Haynes (1853 -1921) - Little Moon. Crow, 1883

Frank Jay Haynes (1853 -1921) Little Moon. Crow Photo, 1883 Montana Historical Society #mosesonthemesa

 

Frank Jay Haynes (1853 -1921)
Little Moon. Crow
Photo, 1883
Montana Historical Society
#mosesonthemesa

Les Crows, (Les Corbeaux) étaient également connus sour les noms de Absaroka ou Absáalooke. Les Crows sont une tribu amérindienne qui vivait historiquement dans la vallée de la rivière Yellowstone, et qui ont été déportés par le gouvernement des États-Unis dans une réserve au sud de Billings (Montana). Le centre politique des Crows est situé à Crow Agency (Montana). La tribu accueille tous les ans un grand rassemblement mêlant pow-wow, rodéo et parade ; c'est la Crow Fair qui se tient chaque année à Crow Agency en août.
L'habillement des Crows dépendait du sexe. Les femmes s'habillaient simplement, car elles passaient la majeure partie du temps à proximité du tipi. Elles portaient des robes faites de peaux de mouton ou de cerf, ornées de dents d'élan. Elles mettaient des jambières et des mocassins. Les femmes crows portaient les cheveux courts, contrairement aux hommes. Les hommes portaient la chemise, des jambières tenues par une ceinture, une robe, et des mocassins. Leurs cheveux étaient longs, et parfois mis en valeur par des accessoires...

Frank Jay Haynes (1853 -1921), plus connu sous le nom de F. Jay ou "le professeur" pour presque tous ceux qui le fréquentèren , était un photographe professionnel, éditeur et entrepreneur du Minnesota qui a joué un rôle majeur dans la documentation  des Etats unis du XIXe siècle et de la diversité de ses " peuples premiers " à travers des photographies prise de la période de la Conquête du Grand Nord-Ouest. Photographe officiel de la compagnie ferroviaire  Northern Pacific Railway et du parc national de Yellowstone, pour la classification  des premières concessions de transport dans le parc,  il a publié ses photographies dans une série d' articles, de revues, de livres  avant qu'elles ne deveinnent des outils de référence et soient  transformées en stéréogrammes et  en cartes postales dès  la fin du 19 siècle.


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lundi 5 juillet 2021

Adolphe Yvon (1817-1893) - Etude d'homme pour une bataille


Adolphe Yvon (1817-1893) Tableau  d'étude d'homme pour une bataille Huile sur toile, 100  x 60 cm Collection privée


Adolphe Yvon (1817-1893)
Tableau  d'étude d'homme pour une bataille
Huile sur toile, 100  x 60 cm
Collection privée


Le peintre français Frédéric-Adolphe Yvon est principalement connu pour ses tableaux de batailles - "le plus noble des genres picturaux " à son époque, après les sujets religieux - dont il se fit une spécialité, En 1835, il épousa Henriette Edmée Vernet (1812-1855), devenant ainsi le gendre du peintre Horace Vernet. En 1837, Adolphe Yvon est fonctionnaire à Dreux dans les Eaux et Forêts, mais cette carrière ne l'intéresse pas et, fin 1838, il entre dans l'atelier du peintre Paul Delaroche — son beau-frère par leurs mariages avec les sœurs Vernet — auprès duquel il apprend l'art du portrait et des fresques historiques. Il expose au Salon à partir de 1841. Il y obtient une médaille de 1re classe en 1848, puis une médaille d'honneur en 1857. L'histoire, qu'elle soit profane ou religieuse, lui offre d'ailleurs le sujet de ses premiers tableaux La Bataille de Koulikovo, exposé au Salon de 18493 et acquise en 1857 par le tsar Alexandre II. En 1881, Adolphe Yvon est nommé professeur de dessin d'imitation à l'École Polytechnique. La pédagogie d’Yvon va alors reposer sur le retour à un dessin simple, sur l'étude d'après nature. Instituant le dessin d'après la bosse aux concours d'admission — épreuve qui, appelée influence dans les établissements, demeurera jusqu'à la décennie 1960 — et privilégiant l'art sur la géométrie. Yvon voulut donner aux élèves les notions d'anatomie humaine qu'il jugeait indispensables. Pour leur en montrer l'utilité, il les groupait autour de lui et, sur un carton qu'on dressait dans un coin de la salle, il traçait à grands traits, en quelques minutes, une esquisse d'après le modèle en accompagnant chaque coup de crayon d'une explication relative aux proportions du corps humain ainsi qu'aux divers angles déterminés par les mouvements. Le tableau ci-dessus fait partie de ces études anatomiques  de bataille.  Il crut aussi utile de leur donner quelques notions de l'anatomie du cheval. Dans cette intention, il composa pour eux de grands tableaux d'études. Le but qu'il se proposait d'atteindre était de leur apprendre, par un petit nombre d'exercices préliminaires, à exécuter rapidement des croquis d'après nature. « Il faut les instruire en les amusant », se plaisait-il à répéter aux maîtres sous ses ordres. 

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dimanche 4 juillet 2021

Johann-Justin Preissler (1698-1771) - Académie d’homme allongé

Johann-Justin Preissler (1698-1771) Académie d’homme allongé Pierre noire et craie blanche sur papier bleu, 45 x 62 cm. Collection privée

Johann-Justin Preissler (1698-1771)
Académie d’homme allongé
Pierre noire et craie blanche sur papier bleu, 45 x 62 cm.
Collection privée

Peintre et dessinateur allemand, Preissler est né et mort à Nuremberg. Selon le RKD, il était le fils et l'élève de Johann Daniel Preissler et le frère de Georg Martin et Johan Martin. Comme son père avant lui, il avait  fait son grand tour lorsqu'il était encore  jeune et notamment à Venise, Florence Rome Naples. En 1742, il devint directeur de l'Académie de Nuremberg (fondée par son père) et en 1752 directeur de l'Académie de dessin. Ses copies des plafonds de Rubens et Van Dyck dans la Carolus Borromeuskerk ont été publiés par son frère Georg Martin en 1735. Ils constituent un enregistrement historique de ces peintures, car la foudre a frappé l'église en 1718 et a provoqué un incendie qui a provoqué l'effondrement du toit. Le musée Teylers de Haarlem possède un exemplaire de ce livre ainsi que d'autres œuvres de Preissler.

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samedi 3 juillet 2021

Marco Zoppo (1433-1478) - Il Cristo morto sorretto dai santi

Marco Zoppo (1433-1478) Il Cristo morto sorretto dai santi Huile sur panneau de bois, 25, 4x 21 cm National Gallery, London



Marco Zoppo (1433-1478)
Il Cristo morto sorretto dai santi
Huile sur panneau de bois, 25, 4x 21 cm
National Gallery, London

Marco Zoppo est un peintre  rattaché à  l'Ecole bolognaise qui commence son apprentissage avec Lippo Dalmasio puis avec celui qui l'a adopté, Francesco Squarcione, chez qui il est apprenti jusqu'en 1455. Il signe ainsi certains tableaux en tant que Zoppo di Squarcione.  Entre 1455 et 1473, il est à Venise puis il exécute quelques travaux à Bologne, dont un triptyque au Collegio di Spagna. Contemporain et ami de Andrea Mantegna, il peint plusieurs Vierge à l'Enfant avec saints à Bologne. Francesco Francia a été un de ses élèves. Il meurt à Venise où il était parti travailler avec Squarcione.`

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vendredi 2 juillet 2021

Sculpture antique anonyme - Buste (profil) de Toutankhamon

Buste (profil) de Toutankhamon Calcaire polychrome XVIIIe Dynastie (c.a.1335av J.C), Amarna Neues Museum, Berlin

Buste (profil) de Toutankhamon
Calcaire polychrome  (c.a.1335 av. J.C)
XVIIIe Dynastie, Amarna
Neues Museum, Berlin

Toutânkhamon (né vers -1345, mort vers -1327) est le onzième pharaon de la XVIIIe dynastie (Nouvel Empire). Selon les dernières études génétiques, il est le fils d'Akhenaton et de la propre sœur de ce dernier, dont l'identité est inconnue, mais désignée comme Younger Lady, dont la momie est répertoriée KV35YL2. Manéthon l'appelle Chebres. On ne sait toujours pas pourquoi ce n'est pas lui qui succède directement à son père. Peut-être est-ce à cause de son trop jeune âge à l'époque, environ 9 ans (on trouve aussi 5 ou 6 ans), dans une période de troubles, de remise en question des religions, de bouleversement des valeurs traditionnelles et de risque de guerre avec les Hittites. Il règne jusqu'à l'âge de 18 ou 19 ans (certains spécialistes, comme Marc Gabolde et Edward Frank Wente, disent 20 ans). Son règne se situe entre les années -1336 / -1335 et -1327 et ce buste (-1335) date donc de la première année de son règne.  De son vivant Toutânkhamon ne fut  pas considéré comme un grand pharaon, en raison de son court règne. Il doit sa célébrité à la découverte de sa sépulture par l'archéologue britannique Howard Carter le 4 novembre 1922 et au fabuleux trésor qu'elle recèle. La notoriété de la découverte augmenta grâce à une légende reprise par la presse de l'époque et faisant état d'une malédiction du pharaon.
Après diverses hypothèses concernant sa mort allant de la maladie (il en avait plusieurs malgré son jeune âge) à l'assassinat politique, l'égyptologue Chris Naunton et des scientifiques de l'Institut Cranfield Forensic ont réalisé,  fin 2013, une « autopsie virtuelle » du roi, révélant des blessures sur un des côtés du corps. Après avoir créé des simulations virtuelles d'accident de char, ils émettent l'hypothèse que Toutânkhamon aurait été renversé par un char lancé à vive allure. Le cœur aurait été écrasé par l'impact. Une hypothèse de plus !

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jeudi 1 juillet 2021

Luca Signorelli (1450-1523) - Gli studi dei corpi umani


 
 
Luca Signorelli (1450-1523)
Gli studi dei corpi umani
(Les études du Corps Humain)
Collection privée

Le peintre toscan de l'école florentine Luca Signorelli, né Luca d'Egidio di Ventura appelé parfois Luca da Cortona fut d'abord élève de Piero della Francesca à Arezzo, d'où il tire sa maîtrise de la perspective.
Il part ensuite à Florence où il devient le disciple d'Andrea del Verrocchio et des Pollaiuolo.
Il a œuvré en Toscane, dans les Marches pour la sainte Maison de Lorette, en Ombrie et aussi à Rome pour la chapelle Sixtine en 1481 et 1482 où en tant qu'assistant du Pérugin avec Bartolomeo della Gatta, il réalise probablement sa première œuvre attestée, la fresque Testament et mort de Moïse.
Son chef-d'œuvre est le cycle de fresques sur le thème de l'Apocalypse dans la chapelle San Brizio, achevant un travail commencé par Fra Angelico un demi-siècle auparavant dans la cathédrale d'Orvieto (1499-1504). Ces fresques, d'après plusieurs historiens de l'art à la suite de Vasari, ont inspiré Michel-Ange pour son Jugement dernier. Il termine sa vie à Cortone, en assumant diverses responsabilités administratives et sociales et en confiant l'exécution à ses élèves le nombre important de commandes qu'il reçoit. Signorelli était le neveu de Lazzaro Vasari et donc apparenté au peintre et out premier Historien de l'Art, Giorgio Vasari .
 
L'étude ci-dessus aurait pu être réalisé pour les fresques d l'Apocalypse dans la chapelle San Brizio.
 

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mercredi 30 juin 2021

Lotte Laserstein (1898-1993) - Der spanische Kellner, 1958


Lotte Laserstein (1898-1993) Der spanische Kellner, 1958 (Le serveur espagnol, 1958) Collection Privée



Lotte Laserstein (1898-1993)
Der spanische Kellner, 1958
(Le serveur espagnol, 1958)
Collection Privée


La peintre allemande et suédoise Lotte Laserstein est  considérée comme une femme indépendante ne voulant pas suivre le destin classique des femmes de son époque. Il  était important  pour elle de réussir sa vie avec son art et d’être reconnue en tant qu’artiste peintre. De nombreux autoportraits la montrent devant son chevalet, pinceau et palette de peinture à la main, habillée d’une blouse blanche. Lotte a réussi à vivre de son art d'une aprt en créant sa propre école, et d’autre part en vendant ses tableaux. Elle a participé à de nombreux concours et ses œuvres ont été choisies pour illustrer des articles dans des revues féminines comme son tableau "Russisches Mädchen mit Puderdose“ paru dans la revue Die Woche du 15.11.1928 ou encore son tableau « Tennisspielerin (1929) » paru dans la revue Der Bazaar, numéro 19, année 1930. Lotte s’est appliquée à représenter une nouvelle image de la femme. Cheveux courts, pantalon souple, la femme est libérée du corset du 19e siècle, elle fait du sport et elle fume. Son modèle préféré est son amie Traute Rose qu’on voit sur la plupart de ses tableaux. Mais son œuvre la plus connue est le tableau « Abend über Potsdam » L’ambiance y est mélancolique, les personnages assis à table ne discutent pas, ils sont pensifs et tristes, ils pressentent peut-être que la crise et la guerre changeront leur vie...


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mardi 29 juin 2021

Frank Albert Rinehart (1861-1928) et Adolph Muhr (18??- 1913) - Isto Nawege (Broken arm)


Frank Albert Rinehart (1861-1928) Colorisé a la main parAdolph  Muhr Isto Nawege (Broken arm),  clan des Oglala Lakota, 1898. Haskell Indian Nations University.


Frank Albert Rinehart (1861-1928)
Colorisé à la main par Adolph  Muhr (18??-1913)
Isto Nawege (Broken arm),  clan des Oglala Lakota, 1898.
Haskell Indian Nations University.

Les Oglalas ou Oglala Lakota sont l'un des sept clans indiens qui forment la tribu des Lakotas. Cette entité est apparue auXVIIIe siècle. Au début du XIXe siècle, les Oglalas se séparent des autres Sioux dakotas : vers 1830, ils rassemblent quelque 3 000 membres. Oglala signifie « ils se dispersent » en langue lakota. Tashunca-Uitco (Crazy Horse) était l'un des chefs de ce clan au XIXe siècle. Bien que né d'un père Brûlé, Red Cloud fut aussi un célèbre chef Oglala qui réussit à fédérer les sioux et organiser une résistance contre  l'armée américaine en menant ce qu'il est convenu d’appeler la guerre de Red Cloud de 1866 à 1868.
Les Oglalas ont participé à la bataille de Little Bighorn.
Les Oglalas vivent désormais dans la réserve indienne de Pine Ridge (Dakota du Sud, aux États-Unis), à la frontière avec le Nebraska et à moins de 100 km du Wyoming. C'est la deuxième plus grande réserve indienne des États-Unis. Au recensement de 2000, 15 221 Oglalas y résident et en 2008, on compte 42 357 membres de cette tribu.
 

Frank Albert Rinehart était célèbre pour ses photographies de  personnalités amérindiennes, en particulier pour ses portraits de dirigeants et de membres des délégations qui ont assisté au Congrès indien de 1898 à Omaha. D'origine germanique, Rinehart est né à Lodi  Illinois). Dans les années 1870, il déménagea dans à Denver (Colorado) pour trouver un emploi dans le studio de photographie Charles Bohm. En 1881, les  Rinehart  et son frère formèrent un partenariat avec le célèbre photographe William Henry Jackson, réputé pour ses photos prises en Europe. Sous son enseignements Rinehart perfectionna ses compétences professionnelles développa son intérêt pour la culture amérindienne. En 1898, et à l'occasion du Congrès indien, Rinehart fut chargé de photographier les personnalités amérindiennes qui assistèrent à l'évènement. Avec son assistant Adolph Muhr (qui sera plus tard employé par le célèbre photographe Edward S. Curtis et sera chargé de la colorisation des photos de Rinehart ), ils ont produit ce qui est maintenant considéré comme « l'une des meilleures  sources documentaires  photographiques des dirigeants indiens au tournant du siècle ».
Après le Congrès indien, Rinehart et Muhr ont parcouru les réserves indiennes pendant deux années, décrivant des dirigeants amérindiens qui n'avaient pas assisté à l'événement, ainsi que des aspects généraux de la vie quotidienne et de la culture autochtone.
La collection de photographies indiennes Rinehart est actuellement conservée à la Haskell Indian Nations University. Depuis 1994, la collection est organisée, conservée, copiée et cataloguée dans une base de données informatique, financée par le Bureau of Indian Affairs et la Fondation Hallmark. Il comprend des images de l'Exposition de 1898, de l'Exposition de la Grande Amérique de 1899, des portraits en studio de 1900 et des photographies de Rinehart prises à la Crow Agency dans le Montana également en 1900. 

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lundi 28 juin 2021

Pascal Dagnan-Bouveret (1852–1929) - Le petit concert


 
 
Pascal Dagnan-Bouveret (1852–1929) Le petit concert Collection Privée  
 
Pascal Dagnan-Bouveret (1852–1929)
Le petit concert
Collection Privée


Fils d'un tailleur parisien, Pascal Dagnan-Bouveret est admis à l'École des beaux-arts de Paris dans l'atelier d'Alexandre Cabanel, puis dans celui de Jean-Léon Gérôme. Il se lie d'amitié à cette époque avec Jules Bast-Lepage et Gustave Courtois, avec qui il partage un atelier à Neuilly-sur-Seine.
Dans les années 1896-1897, il s'intéresse à des sujets religieux, et fréquente les cercles symbolistes. Il est proche de la comtesse René de Béarn qui lui achète La Cène, important tableau installé dans la "salle byzantine" de l'hôtel de Béarn. Il obtient de nombreux succès en particulier aux États-Unis où il reçoit des commandes de la famille Frick, là l'origine de la célèbre Frick collection Vers la fin de sa carrière il exécute surtout des portraits. Il reçoit le grand prix de l'Exposition universelle de 1900 pour l'ensemble de son œuvre. Il est élu membre de l'Académie des beaux-arts le 27 octobre 1900 et en deviendra président en 1914. La fin de sa vie est endeuillée par la perte de son fils Jean Dagnan, médecin et agrégé de philosophie, victime de la grippe espagnole.
Il laisse de nombreuses œuvres au musée Georges-Garret de Vesoul.
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dimanche 27 juin 2021

Oplite athénien - sculpture antique anonyme

Oplite athénien, Marbre  H 1, 02m x L 0, 73, Musée archéologique d'Athènes

Oplite athénien
Marbre H 1, 02m x L 0, 73,
Musée archéologique d'Athènes

Un oplite était un athlète qui participait à certains jeux de la Grèce et disputait le prix de la course pesamment armé.
On désignait de même les soldats athéniens ayant de lourdes armes. Ils avaient des valets pour porter celles-ci ainsi que leurs vivres.
Le bas-relief représentant  un oplite athénien celui ci a été retrouvé dans le Théséion ou temple d'Héphaïstos, un temple dorique périptère en marbre pentélique, situé à l'ouest de l'agora d'Athènes, sur une colline appelée Colonos Agoraios. lIl est très bien conservé (c'est même le mieux conservé de tous les temples grecs), car il a servi d'église orthodoxe grecque à partir du VIIe siècle et jusqu'en 1834.

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samedi 26 juin 2021

Paul Cadmus (1904-1999) - Nude

Paul Cadmus (1904-1999), Nude, Private collection

Paul Cadmus (1904-1999)
Nude
Private collection

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et reçut de nombreuses commandes.
Dans les années 1960, son œuvre révèla plus franchement aux yeux du public une forme d'homoérotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évolue vers le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté (ci dessus), et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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vendredi 25 juin 2021

William Sidney Mount (1807-1868) - Dance of Haymakers

William Sidney Mount (1807-1868) Dance of Haymakers The Long Island Museum

William Sidney Mount (1807-1868)
Dance of Haymakers
The Long Island Museum


William Sidney Mount, est un peintre américain, contemporain de l'Hudson River School. Après un début de carrière consacré aux sujets historiques, il se dirige vers la peinture de genre dont on le crédite d'être le fondateur aux Etats-Unis. Ses œuvres traitent notamment du quotidien des fermiers de Long Island (comme ci-dessus) en s'inspirant des peintures de genre anglaises. Mount fut également fasciné par les Noirs qu'il a beaucoup peint et représenté dans presque tous ces tableaux et toujours de manière digne, ce qui n'était pas souvent le cas à son époque. Huit de ses peintures et dessins ont été publiés dans Men Portraits depuis quelques années.
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jeudi 24 juin 2021

Nicolas-Bernard Lépicié (1735-1784) - Nu académique



Nicolas-Bernard Lépicié (1735-1784) Nu académique

Nicolas-Bernard Lépicié (1735-1784)
Nu académique


Souvent comparée à celle de Chardin et de Greuze la peinture de Lépicié a connu une grande vogue au XVIIIe siècle. À partir des années 1760, tout en continuant à peindre des sujets d’histoire, il se met à peindre des scènes de genre intimiste dans le style flamand qui rappellent Teniers le vieux et Ter Borch. Dans les dernières années de sa vie, il se retire souvent à la campagne où il peint des scènes rustiques à la suite d’une crise religieuse qui l’amènera à modifier ou à supprimer certaines de ses œuvres contraires à sa nouvelle sensibilité. Malade de la poitrine, il meurt avant sa cinquantième année, loué pour sa piété au moins autant que pour ses talents. Dans son testament, il demande qu'on détruise ses études de femmes trop dénudées.
Fils de deux graveurs, François-Bernard Lépicié (secrétaire perpétuel et historiographe de l’Académie royale de peinture et de sculpture) et Renée-Élisabeth Marlié, Nicolas-Bernard Lépicié étudie la gravure avec son père avant d’être forcé de quitter cet art, à cause de la faiblesse de sa vue, et de se tourner, vers 1751, vers la peinture qu’il étudie sous la direction de Charles van Loo.

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mercredi 23 juin 2021

Hans Holbein the Younger ( 1497-1543) - Portrait de Sir Nicholas Poyntz


Hans Holbein the Younger ( 1497-1543) Portrait de Sir Nicholas Poyntz, vers 1535 Dessin, craies de couleur et noir, plume et encre de chine sur papier rose (28,4 x 18,3 cm) Collection Royale, Château de Windsor

Hans Holbein the Younger ( 1497-1543)
Portrait de Sir Nicholas Poyntz, vers 1535
Dessin, craies de couleur et noir, plume et encre de chine sur papier rose (28,4 x 18,3 cm)
Collection Royale, Château de Windsor


Sir Nicholas Poyntz (1510-1556) fut un célèbre courtisan anglais de la dernière partie du règne d' Henri VIII. Ce portrait dessiné par Hans Holbein le Jeune est le pendant à d'un portrait à l'huile qui se trouve aujourd'hui à la National Portrait Gallery de Londres. Un autre portrait existe également peint après Holbein.
Le samedi 21 août 1535, Henry VIII et Anne Boleyn rendirent visite à Nicholas Poyntz à Acton Court, Iron Acton, Gloucestershire. Poyntz avait fait construit un logement spécial pour ses invités royaux qui survit encore. Il contenait trois salles d'apparat au premier étage et l'une d'entre elles a encore une décoration peinte par un artiste de la cour Tudor. Ces salles d'apparat étaient reliées à l'ancienne maison par une passerelle couverte appelée «pentice». Les fouilles archéologiques ont trouvé des fragments de verre vénitien précieux et de majolique que Nicolas a probablement achetés pour la visite. Au delaà de l'anecdote de la visite royale, historiquement, les longs préparatifs de Nicholas à Acton pour recevoir le roi, démontre que la progression d'Henri dans l'ouest de l'Angleterre était planifiée très longtemps à l'avance !

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mardi 22 juin 2021

D'après Coco Chanel (1883-1971) - Dessin de costume pour Le Train Bleu de Darius Mihaud

 




D'après Coco Chanel (1883-1971)
Dessin de costume pour " Le Train Bleu" de Darius Mihaud


Le Train bleu est un ballet en un acte de Bronislava Nijinska, musique de Darius Milhaud, livret de Jean Cocteau, décors d'Henri Laurens, costumes de Coco Chanel. Le rideau de scène a été peint d'après Deux femmes courant sur la plage, un tableau de Pablo Picasso.
Créé par les Ballets russes de Serge de Diaghilev au Théâtre des Champs-Élysées de Paris le 20 juin 1924, il a pour interprètes principaux Bronislava Nijinska, Lydia Sokolova, Anton Dolin et Léon Wojcikowski. Le Train Bleu, critique sociale des années folles, sera assez peu apprécié du public à sa création.
Ce dessin, communiqué par Silvia Catan est san doute une copie d'un original de Chanel, postérieur de 6 ans a la date de création. 

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lundi 21 juin 2021

Paul Cézanne (1839-1906) - "Le Nègre Scipion", 1866-1868



Paul Cézanne (1839-1906) "Le Nègre Scipion", 1866-1868 Huile sur toile, 107 x 83 cm Musée d'art de São Paulo, Brésil.

 

Paul Cézanne (1839-1906)
"Le Nègre Scipion", 1866-1868
Huile sur toile, 107 x 83 cm
Musée d'art de São Paulo, Brésil.

 

Le Nègre Scipion  (en portugais O Negro Cipião)  titre transformé depuis peu en  "Le  Noir Scipion"  par Wikipedia, est une peinture de Cézanne faite une vingtaine d'années après l'abolition de l'esclavage dans les colonies françaises, abolition décrétée le 27 avril 1848 sous le régime de la Deuxième République.
Pour représenter ce torse  d'homme nu,  Paul Cézanne a du faire un certain nombre de recherches. Ainsi pour obtenir la couleur de la peau de Scipion, il a essayé plusieurs mélanges et a travaillé les pigments de façon à rendre très perceptibles es reflets de la lumière sur la peau. Il utilise ici une pâte plus diluée et moins sombre que celle  habituellement utilisée dans ses tableaux pendant cette période. En représentant cet homme, prostré par la fatigue, les experts contemporains pensent que Cézanne a voulu montrer que " l'abolition de l'esclavage n'avait  pas supprimé l'oppression" . C'est une œuvre d'une considérable puissance, mais qui nous laisse malheureusement avec une méconnaissance totale de l'identité du modèle  qui a posé pour l'artiste...  ce qui ne fut le cas ni pour les portraits de qu'avaient réalisé Géricault  ou Adolphe Brune fait de leur Joseph dont ils firent une célébrité parisienne.
En 2019,  Le Nègre Scipion fit partie au Musée d'Orsay, de l'exposition Le modèle noir, de Géricault à Matisse, un évènement co-organisé par les Musée d'Orsay et l'Orangerie, avec The Miriam and Ira D. Wallach Art Gallery, l'Université Columbia de New York, le Mémorial ACTe de Pointe-à-Pitre et avec le concours de la Bibliothèque nationale de France.

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dimanche 20 juin 2021

Sandro Boticelli (1445-1510) ou Domenico Ghirlandaio (1448-1494) ou Mariano d’Antonio (??-??) - Portait de Jeune Homme


Sandro Boticelli (1445-1510) ou Domenico Ghirlandaio (1448-1494) ou Mariano d’Antonio (??-??) Portait de Jeune Homme, vers 1480-85 Huile sur panneau de bois, 50 x 30 cm Musée du Louvre, Paris

Sandro Boticelli (1445-1510)
ou
Domenico Ghirlandaio (1448-1494)
ou
Mariano d’Antonio (??-??)
Portait de Jeune Homme, vers 1480-85
Huile sur panneau de bois, 50 x 30 cm
Musée du Louvre, Paris


Le Louvre précise que cette œuvre peut être de Botticelli ou de son atelier, mais... le musée offre également la possibilité qu'elle ait été réalisée par quelqu'un de l'entourage de Domenico Ghirlandaio, ou par un artiste moins connu du quattrocento comme Mariano d'Antonio.
L'idée de cette triple attribution est excellente non seulement parce qu'elle va pourrir la vie des robots de recherche ce qui me ravit par avance,  mais surtout parce que Domenico Ghirlandaio, a été un maître du portrait aussi important que Sandro Botticelli !  Elle augure aussi surtout d'un tournant dans la façon dont les grands musées considèrent les œuvres dont ils sont les propriétaires et d'un tournant encore plus radical dans la façon dont les experts doivent considérer leur travail.
L'identité du modèle par contre reste inconnue.

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samedi 19 juin 2021

Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) - Étude préparatoire pour "Le Travail" - Les Forgerons


Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) Étude préparatoire pour Le Travail ; Les Forgerons, vers 1863 Sanguine et rehauts de gouache blanche, sur esquisse au crayon noir ; mis au carreau au crayon noir Musée Bonnat-Helleu Bayonne


Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898)
Étude préparatoire pour Le Travail  - Les Forgerons, vers 1863
Sanguine et rehauts de gouache blanche, sur esquisse au crayon noir, mis au carreau au crayon noir
Musée Bonnat-Helleu Bayonne


Le dessin est une étude pour “Le Travail” présenté par Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898) au Salon de 1863, avec son pendant, “Le Repos”.  Les deux œuvres ornent aujourd’hui l’escalier d’honneur du musée de Picardie à Amiens, formant un ensemble avec “Concordia” (”La Paix”) et “Bellum” (”La Guerre”), exposés pour leur part au Salon de 1861.

 
Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898)- 
 Le Travail , Musée de Picardie, Amiens, 
France


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vendredi 18 juin 2021

William Dring (1904 -1990) - Group Captain AG Miller DFC, Order of Lenin

William Dring (1904 -1990) Group Captain AG Miller DFC, Order of Lenin Imperial War Museum





William Dring (1904 -1990)
Group Captain AG Miller DFC, Order of Lenin, 1944
Pastel, 60,3x 47,6cm
Imperial War Museum

Ce portrait en demi-longueur représente  du capitaine  Anthony Miller portant l'uniforme de la RAF. Il représenté est debout, les bras croisés, devant un avion de chasse Hawker Hurricane stationné sur une base aerienne non identifiable avec un hangar d'avions en arrière plan.

Au début de la Deuxième guerre mondiale, William Dring exécuta plusieurs commandes de portraits pour le Comité consultatif des artistes de guerre (War Artists' Advisory Committee).
En 1942, il travaille à temps plein pour le Comité et se spécialise dans les "portraits d'Amirauté ".
A partir de ce moment là, toute sa carrière se peintre s'oriente autour des faits de guerre et de ses héros, une spécialisation " artistique " tout à fait anglo-saxonne.
Soixante-quatre desportraits que Dring à peint en temps de guerre, principalement des pastels, font partie de la collection de l'Imperial War Museum, qui possède également 5 peintures à l'huile, sans parler de la quarantaine de portraits au pastel conservés au National Maritime Museum.
Le portrait ci-dessus porte le numéro de commande LD 4836

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jeudi 17 juin 2021

Winold Reiss (1886-1953) - Study for Mural Union Terminal



 
 
 Winold Reiss (1886-1953)
Study for Mural Union Terminal,
Cincinnati Conservation Center


L'artiste et graphiste américain né en Allemagne Winold Reiss était le fils du célèbre paysagiste Fritz Reiss (1857-1914). Dans ses premières années, il peignit beaucoup de paysans allemands dont son père incluait les silhouettes dans ses perspectives. Ce fut une excellente formation de portraitiste pour le jeune Reiss. Immigré en Amérique en 1913, il se passionna pour les Amérindiens et collabora aussi comme illustrateur à "The New Negro " d'Alain Locke, un important ouvrage sur la culture afro-américaine. Son travail le plus remarquable fut celui qu'il effectua au Cincinnati Union Terminal en 1933. Ses 14 fresques murales de style Art déco peintes à partir de portraits des habitants de Cincinnati étaient visibles dans le hall des passagers. En 1973, avec l'essor du transport aérien, elles ont été déplacées dans l' aéroport international de Cincinnati/Northern Kentucky, où elles sont vues par un plus grand nombre de personnes.En 2015, avec une rénovation majeures de l'aéroport, neuf des peintures murales ont été déplacées au Cincinnati Convention Center.
Pour lui rendre hommage après son décès, le peuple amérindien Pieds-Noirs a répandu ses cendres tout le long de la frontière Est du Parc national des Glaciers.

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mercredi 16 juin 2021

Wojciech Weiss (1875-1950) - Melancholik

Wojciech Weiss (1875-1950) Melancholik, 1894 Collection particulière

Wojciech Weiss (1875-1950)
Melancholik, 1894
Collection particulière


Wojciech Weiss,est artiste peintre polonais. qui  étudia à l'Académie des beaux-arts de Cracovie, puis à Paris, à Rome et à Florence. Membre du mouvement artistique "Jeune Pologne", il fut  à partir de 1907,  professeur et recteur de l'Académie des beaux-arts de Cracovie. Il a peint, entre autres des paysages autour de Strzyżów où il vécut, des portraits et des nus. Sa peinture fut influencée par les travaux de Edvard Munch et Jacek Malczewski et il est resté, surtout dans sa jeunesse, sous l'influence des conceptions philosophiques de Stanisław Przybyszewski. Il fut  apprécié de son vivant, reconnu et exposé aussi bine en Pologne qu'à l’étranger.

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mardi 15 juin 2021

Francesco Furini (1603-1646) - Tête de jeune homme

 

Furini (1603-1646), Tête de jeune homme, Uffizi

Francesco Furini (1603-1646)
Tête de jeune homme
Uffizi


L’œuvre de Furini reflète la tension du style maniériste conservateur florentin face au nouveau style baroque de l’époque. Il a peint des sujets bibliques et mythologiques à l’aide de la technique du sfumato, superposition de couches picturales délicates et estompées, comme Vinci. Selon certains experts le style de Furini se caractérait par une « sensualité obtinée ». Son utilisation fréquente de femmes nues s'accordant difficilement à son mysticisme puisqu'il finit par devenir prêtre à la fin de sa vie. S Un de ses chefs-d’œuvre, qui ne reflète pas le style de ses toiles, est la fresque d'un plafond due Palazzo Pitti, où sur ordre de Ferdinand II de Médicis, il a peint, deux grandes lunettes représentant l’Académie platonicienne de Careggi et l’Allégorie de la mort de Laurent le Magnifique. Furini a été redécouvert au début du xxe siècle par Arturo Stanghellini. Sa carrière mal documentée a été esquissée par Elena Toesca et mise en lumière avec une exposition de ses dessins à la Galerie des Offices.

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lundi 14 juin 2021

Claude-Marie-Paul Dubufe (1790–1864) - Apollo et Cyparisse

Claude-Marie-Paul Dubufe (1790–1864) Apollo et Cyparisse, 1821 Huile sur toile, 188 x 228 cm Musée Calvet, Avignon

Claude-Marie-Paul Dubufe (1790–1864)
Apollo et Cyparisse, 1821
Huile sur toile, 188 x 228 cm
Musée Calvet, Avignon

Cyparisse, désespéré d’avoir tué son cerf favori, vient  de se donner la mort. Apollon le soutient et le métamorphose en cyprès !


Claude-Marie-Paul Dubufe, né pendant la Révolution française, devint élève consul en 1809. Destiné par son père à embrasser une carrière diplomatique, c'est un amateur de peinture qu'il pratique avec talent, fréquentant l'atelier de Jacques-Louis David depuis 1804 environ, qui voit en lui un véritable artiste et, selon la tradition familiale, persuade le père de ne pas détourner son fils des arts alors que celui-ci était sur le point de partir en Amérique. Son père lui coupa les vivres et il dut jouer le soir du violon dans un orchestre pour payer ses cours de peinture à l'atelier de David.  Il part en Italie en 1811 et est présenté à la famille d'Orléans. Il commence alors une longue et brillante carrière de portraitiste de la noblesse et de la haute bourgeoisie.
En 1824, sous la Restauration, Dubufe est honoré de deux commandes officielles, la première pour La Naissance du duc de Bordeaux, et la seconde, pour commémorer Le Passage de la Bidassoa. En 1826, il ouvre un atelier et fonde, avec le baron Taylor et Duzats, une association pour venir à l'aide des artistes.Dubufe est nommé chevalier de la Légion d'honneur par décret du 9 août 1837.

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dimanche 13 juin 2021

Sculpture Antique - Casque d'apparat de la cavalerie romaine

Casque d'apparat de la cavalerie romaine Bronze, Asie Mineur, 75-125 A.D, 28 × 17.8 cm Paul Getty Museum

Casque d'apparat de la cavalerie romaine
Bronze, Asie Mineure, 75-125 A.D, 28 × 17.8 cm
Paul Getty Museum


Le casque romain (galea) est un élément très représentatif de la Légion. Il est le produit d'une sélection et d'une évolution qui accompagne les progrès de l'art militaire. Il en existe au moins une vingtaine de types, très différents selon les époques et les corps dans lesquels ils ont été utilisés. Ici il s 'agit d'un casque dit « à visages » qui était porté de préférence par l'élite de la cavalerie. Le casque qui faisait partie d'une armure complète, pouvait être en fer avec des parties en laiton décorées de faux cheveux, de lauriers ou de serpents se rejoignant au sommet. La protection du cou était en bronze plaqué d'argent. Il pouvait être aussi en cuivre et le diadème comportait alors des figures représentant le plus souvent des divinités guerrières (la Victoire, Mars, Minerve...). Sur celui ci le visage pourrait être celui d'Aphrodite, d'Artémis, voire même selon le Getty Museum qui le possède, celui d'un Apollon aux traits féminins. Ce qui est frappant dans celui ci ,c'est qu'il comporte deux fins cerclages  de fer destinés à entourer l'iris des yeux (réels ou de verre) du combattant, lançant sous le soleil, des éclats foudroyants en direction du public ou de l'ennemi !
C'est le dieu ou la déesse protecteur d'une unité militaire ou d'une légion entière qui déterminait quelle divinité serait représentée sur le masque facial porté par les membres de l'unité. Un masque aussi élaboré - les bandes dans les cheveux étaient à l'origine incrustées de matériaux précieux  et le cerclage des iris - en fait sans doute un casque d'apparat utilisé lors de cérémonies commémoratives de batailles,  ou des triomphes plutôt que pendant le combat.


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samedi 12 juin 2021

René Lalique (1860-1945) - Vase palestre, 1928

René Lalique (1860-1945) Vase palestre, (1) 1928 (Marcilhac1012) Verre dépoli moulé, 39, 7 cm de hauteur ,Collection particulière


 

 

René Lalique (1860-1945) Vase palestre (2), 1928 (Marcilhac1012) Verre dépoli moulé, 39, 7 cm de hauteur Collection particulière

                              René Lalique (1860-1945) Vase palestre (3), 1928 (Marcilhac1012) Verre dépoli moulé, 39, 7 cm de hauteur Collection particulière 


René Lalique (1860-1945)
Vase palestre, 1928 (Marcilhac1012)
Verre dépoli moulé, 39, 7 cm de hauteur
Collection particulière


Ce Vase palestre en verre dépoli ,avec effet "satiné Lalique", une technique inventée par ce maître français dans son usine de Wingen-sur-Moder, est moulé d'une frise faisant tout le tour du vase. La frise présente des athlètes masculins nus debout dans diverses poses. Dans la Grèce antique, la palestre était une arène publique d'entraînement et de pratique de la lutte et de la boxe. Son utilisation était limitée aux hommes libres qui s'y entrainaient  totalement nus. Au fil du temps, la palestre a également été utilisée comme espace éducatif et social.

René-Jules Lalique est un célèbre maître verrier, bijoutier et joaillier français qui s'est fait connaitre  par ses créations étonnantes de bijoux,  de flacons de parfum, de vases, de chandeliers, d'horloges et, à la fin de sa vie, de bouchons de radiateur de voitures. L'entreprise qu'il a fondée fonctionne toujours et possède, à Paris, le  même  magasin à la même adresse, Rye Royale dont il est l'un des plus beaux fleurons. Le nom de René Lalique  est resté attaché à la créativité, à la qualité et au luxe, car il a toujours su dessiner des objets fastueux mais discrets.


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vendredi 11 juin 2021

Annibale Carracci (1560-1609) - Nu masculin


Annibale Carracci (1560-1609) Nu masculin, 1597-1602. Palazzo Farnese, Roma


Annibale Carracci (1560-1609)
Nu masculin, 1597-1602
Palazzo Farnese, Roma


La grande œuvre d'Annibal Carrici (dit aussi Le Carrache) à Rome est un travail à fresque, exécuté pour le décor du Camerino et de la galerie du palais Farnese. La plupart des historiens d'art estiment que cette galerie pose réellement le premier jalon de la peinture moderne.
L'iconographie de cette galerie est inhabituelle au regard des règles de l'époque. En effet dans ce lieu d’honneur des demeures romaines, qu'est la galerie, on décore habituellement les plafonds par de grands moments de la famille, ou des légendes héroïque. Rien de tout cela dans le Palazzo Farnese dont le propriétaire est alors un cardinal, mais un thème totalement décalé, en l'occurrence : le pouvoir  universel de l'amour. Une des interprétations de cette iconographie la lie au mariage entre le duc de Parme et Marguerite Aldobrandini en 1600, mais d'autres interprétations ont cours.
Plusieurs références peuvent être identifiées, comme Michel-Ange (Chapelle Sixtine) pour la monumentalité et Raphaël (Villa Farnesina) pour la grâce des nus féminins. De nombreux procédés illusionnistes, comme la « quadratura » (système proprement Bolonais, prolongeant l’espace réel par un espace fictif dans les angles), ou le « quadririportati » (« tableaux rapportés », avec un cadre, donnant l’impression de toiles de chevalet accrochées) sont utilisées. De même, bien que tout soit entièrement peint, des Hermès et des Atlantes donnent l'illusion de stucs, des médaillons évoquent des bronzes, et l'accumulation d’éléments sur les parois comme les sculptures antiques situées dans des niches participent encore de l'illusion…
La bacchanale qui constitue le tableau central montre clairement plusieurs sources d'inspiration, telles que la Bacchanale de Titien, les Noces de Psyché de Raphaël et des sarcophages antiques (qualités sculpturales, frise, fluidité, jeu de contraposto). On y note la présence d’humour et de sarcasme, comme dans les léopards un peu ridicules, et une complexité savante. Cette galerie inspirera fortement de nombreux peintres dont  Poussin et Rubens.
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jeudi 10 juin 2021

Annie Louisa Robinson Swynnerton (1844-1933) - Portrait du comte Zubov


Annie Louisa Robinson Swynnerton (1844-1933) Portrait du Comte Valentin Zubov, 1908-1909 Huile sur toile 1,53 x 1,93 Tate, London


Annie Louisa Robinson Swynnerton (1844-1933)
Portrait du Comte Valentin Zubov, 1908-1909
Huile sur toile 1,53 x 1,93 Tate, London


Le comte Valentin Platonovič Zubov (1884-1969) était un aristocrate et historien de l'art russe.
Âgé d'environ 25 ans, il a passé l'hiver 1908-1909 à Salsomaggiore Terme, une ville du nord de l'Italie dans laquelle  il rencontre la peintre Annie Louisa Robinson Swynnerton qui peint ce portrait de lui dans la terrasse de sa maison, sur fond de paysage qui - non sans humour - rappelle de celui de la Joconde de Leonardo da Vinci !   Zubov fonda l'Institut russe d'histoire de l'art en 1912.  

Annie Louisa Robinson Swynnerton (1844-1933) est une peintre britannique. Elle est connue pour ses portraits et ses allégories. Elle est la première femme à avoir intégré la Royal Academy of Arts en 1922. Annie Swynnerton est également féministe et engagée pour le droit de vote des femmes.
Elle étudie à la Manchester School of Art à partir de 1871, où elle bénéficie d'une bourse d'études pour la peinture à l'huile et l'aquarelle2. De 1874 à 1876, elle prend des cours d'art à Rome avec son amie artiste Susan Isabel Dacre, puis à Paris à l'Académie Julian de 1877 à 1880.
En 1883, elle épouse le sculpteur Joseph William Swynnerton, qu'elle rencontra à Rome. Il meurt en 1910.
Le peintre Edward Burne-Jones l'introduit à la Royal Academy of Arts où elle expose de 1879 à 1886 puis de 1902 à 1934. Son style est empreint des influences néo-classiques, préraphaéliques et impressionnistes. Beaucoup de ses œuvres représentent des enfants. En 1879, Swynnerton et Dacre fondent la Société des femmes peintres de Manchester, qui propose des formations et des expositions. Elle pense que renforcer les liens entre femmes peut leur permettre de les extraire des rôles traditionnellement attribués aux femmes. En 2018, une rétrospective de son travail est présentée à Manchester Art Gallery.

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mercredi 9 juin 2021

Zhao Mengfu (1254-1322) - En Baignant les Chevaux

Zhao Mengfu (1254-1322) En Baignant les Chevaux , Détail d'un rouleau, 28.1 x 155.5 cm. Palace Museum, Beijing.

Zhao Mengfu (1254-1322)
En Baignant les Chevaux
Détail d'un rouleau, 28.1 x 155.5 cm.
Palace Museum, Beijing.

 

Zhao Mengfu (1254-1322) ( 趙孟頫) était un érudit chinois, peintre et calligraphe, durant la dynastie Yuan. C'est une figure majeure de l'art chinois. Bien qu'il ait pratiqué avec succès la peinture de fleurs et oiseaux il laissa l'image d'un maître dans la peinture de chevaux et de paysages. Il fut l'un des peintres et calligraphes les plus éminents du début des Yuan, et son style exerça une profonde influence sur la génération suivante de paysagistes , jusqu'à ce retournement qui affecta son héritage après la prise du pouvoir par la dynastie des Mandchous (Toungouses), en 1644. À partir de ce moment-là il fut déconsidéré.

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