google.com, pub-0288379932320714, DIRECT, f08c47fec0942fa0 google.com, pub-0288379932320714, DIRECT, f08c47fec0942fa0 PORTRAITS MASCULINS

vendredi 29 octobre 2021

Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548), (attribué à) - Portrait d'un homme avec un faucon

Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548), (attribué à) Portrait d'un homme avec un faucon Royal Collection, UK

Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548), (attribué à)
Portrait d'un homme avec un faucon
Royal Collection, UK


Faucon que l'on devine à sa griffe sur le gant, plus qu'on ne le voit réellement. Il est comme fondu dans l'ombre, prêt à bondir du néant qui lui sert de refuge....Tous les portraits de Savoldo recèlent leur étrangeté et celui ci n'échappe pas à la règle...
Giovanni Gerolamo Savoldo est un peintre lombard de la haute Renaissance. Quoique surtout actif à Venise, où il vit durant une longue période, il est toujours resté fidèle à la fibre naturaliste de l'art lombard, finissant par être considéré comme l'un des trois grands maîtres de la première Renaissance bresciane avec Il Romanino et Il Moretto.
Ses « nocturnes » (scènes de nuit aveclumière intérieure à la peinture) furent une source d'inspiration et probablement un point de départ dans la formation du Caravage.

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jeudi 28 octobre 2021

Giovanni Bellini (1426-1516) - Portrait d'une homme barbu


Giovanni Bellini (1426-1516), Portrait d'une homme barbu Tempera sur panneau de bois, 1485, Philbrook Museum of Art, Tulsa

 

Giovanni Bellini (1426-1516)
Portrait d'une homme barbu
Tempera sur panneau de bois, 1485
Philbrook Museum of Art, Tulsa

Il se trouve que celui ci est non seulement barbu mais extrêmement chevelu, la rousseur de sa chevelure s'éteignant soudain sous un chapeau que l'on devine plus qu'on ne le voit et qui tient le rôle de l'éteignoir !
Giovanni Bellini dit Giambellino et, en vénitien, Zambellin ( est un peintre italien de la Renaissance, considéré comme le précurseur de l'école vénitienne, dont l'œuvre marque la rupture définitive avec le style gothique, par son attachement à la rigueur géométrique , à travers des peintures qui effacent la différence entre monde sacré et profane.
Fils ou peut-être frère de Iacopo Bellini (1400-1470), Giovanni Bellini incarne avec un talent extraordinaire l’esprit de la Renaissance italienne, mais toujours d’une manière adaptée aux traditions et aux goûts du milieu local.

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mercredi 27 octobre 2021

Gerardo Sacristán Torralba (1907-1964) - Compañero de Montmatre



Gerardo Sacristán Torralba (1907-1964) Compañero de Montmatre (Compagnon de Montmartre) Dessin au fusain en couleurs, 1929 Collection privée


Gerardo Sacristán Torralba (1907-1964)
Compañero de Montmatre (Compagnon de Montmartre)
Dessin au fusain en couleurs, 1929
Collection privée 

 

Ce dessin au titre assez énigmatique ne l'est, en réalité, pas du tout. Il date de l 'époque où  Gerardo Sacristán Torralba  obtient de la Mairie et du  Conseil provincial de Logroño, iune bourse pour aller à Paris. Il av 23 ans. Il s'installe dans un grenier spacieux à Montmartre, qu'il partage avec un danseur amérindien de cabaret - dont il  a laissé le  dessin ci-dessus.  A Paris, il a vécu à fond la fièvre du dadaïsme, du surréalisme, des premiers abstraits, du néo-impressionnisme, du fauvisme, du futurisme et du cubisme.... Sacristán étudia et observa ces mouvements avec intérêt et curiosité, mais il préférait Cézanne et admirait Nonell, respectant les tendances avant-gardistes et iconoclastes. En 1931, il rentre en Espagne et expose pour la première fois son travail fait à Paris à Logroño ;  dans sa petite ville natale de province, ces corps nus qu'il expose font scandale...


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mardi 26 octobre 2021

Thomas Hardy (1757–1804) - Portrait de William Augustus Bowles en tenue de Chef Indien Creek


Thomas Hardy (1757–1804), Portrait de William Augustus Bowles en costume de Chef Indien Creek, 1790 Huile sur toile 74,9 x 62,2 cm National Trust UK

Thomas Bush Hardy (1757–1804)
Portrait de William Augustus Bowles en costume de Chef Indien Creek, 1790
Huile sur toile ,74,9 x 62,2 cm
National Trust UK


William Augustus Bowles (1763-1805), également connu sous le nom d'Estajoca, était un soldat et aventurier du Maryland. Se rangeant du coté des  loyalistes pendant la guerre d'indépendance,de la colonie anlahise des ameriques,  Bowles forma une alliance avec le peuple Muscogee et  tenta d'établir un État indigène américain indépendant avec le soutien britannique.
Alors qu'il vivait avec la tribu Creek, un corps expéditionnaire espagnol s'est rassemblé et a commencé à assiéger les forts britanniques le long de la côte du golfe. Bowles convainc les Creeks de soutenir la garnison britannique stationnée à Pensacola contre les envahisseurs espagnols, mais la garnison se rend lorsque la poudrière de la forteresse est touchée par les tirs d'artillerie d'un navire de guerre espagnol. Les survivants de la garnison ont été faits prisonniers de guerre, mais Bowles s'est échappé dans le désert avec ses alliés Creek. Cela se  produisit le 9 mai 1781, alors que Bowles avait 16 ou 17 ans. Après cette bataille, il réintégra l'armée britannique et fut stationné aux Bahamas. Après quelques mois là-bas, le gouverneur des Bahamas, Lord Dunmore, renvoya Bowles chez les Muscogee  dont il aprlait la langue avec pour mission d'établir une maison de commerce parmi eux. Bowles  établi un poste de commerce de peua  le long de la rivière Chattahoochee.

Thomas Hardy  qui possède plusieurs homonymes peintre était un portraitiste né dans le Derbyshire, en Angleterre. Peu d'informations sont parvenues sur sa vie et sa carrière. Il s'est inscrit à la Royal Academy Schools à la fin de 1778, à l'age de 21 ans selon les archives de cette institution. Il expose quelque 31 tableaux à la Royal Academy de 1778 à 1798 — pratiquement tous des portraits — et quatre portraits à l'exposition de la Society of Artists en 1790.  La plupart des portraits de Hardy ont été peints pour le vendeur de musique et éditeur britannique John Bland. qui r commanda à Hardy des portraits à l'huile de plusieurs grands musiciens de l'époque dont Joseph Haydn dont le le célèbre portrait  par Thomas Hardy  aest ujourd'hui accroché au Royal College of Music. Il est également connu pour le portrait remarqué du compositeur et pianiste Muzio Clementi qui est conservé au British Museum. 

podcast LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 24  sur You tube

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lundi 25 octobre 2021

Henry Inman (1801-1846) - Yoholo-Micco (Creek)


Henry Inman (1801-1846) Yoholo-Micco (Creek), 1832-1833 Oil on canvas, 30 x 25 inches. from History of the Indian Tribes of North America  after Charles Bird King High Museum of Art, Atlanta


Henry Inman (1801-1846)
Yoholo-Micco (Creek), 1832-1833
Oil on canvas, 30 x 25 inches.
from History of the Indian Tribes of North America  after Charles Bird King
High Museum of Art, Atlanta


Excellent portraitiste, Henry Inman peint aussi des peintures de genre et des paysages. Mais ce sont ses portraits qui l'ont rendu célèbre. Il a notamment réalisé plus de 30 portraits d'indiens, parmi lesquels une douzaine font partie des collections de la Maison-Blanche.
Henry Inman est arrivé à New York en 1812 avec sa famille. Il a commencé par travailler come apprenti pendant sept ans dans l'atelier de John Wesley Jarvis,. Devenu son associé, ils effectuent un voyage en Louisiane en 1821. En 1822, Inman ouvre son propre atelier à New York avec Thomas Geir Cummings. Il se spécialise dans le portrait et atteint rapidement une certaine notoriété. En 1826, il est l'un des fondateurs de la National Academy of Design dont il fut le premier vice-président, jusqu'en 1831. Il s'installa ensuite dans les environs de Philadelphie où il s'associe à Cephas Grier Childs pour la publication de lithographies. Il enseigna alors à la Pennsylvania Academy of Fine Arts, dont il devient directeur en 1834. En 1844-45, il effectue un séjour d'une année en Grande-Bretagne où il exécute de nombreux portraits de célébrités.


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dimanche 24 octobre 2021

Jean-Louis Forain (1852-1931) - Le Pêcheur

 

Jean-Louis Forain (1852-1931) Le Pêcheur, 1884 Huile sur toile Southampton City Art Gallery

Jean-Louis Forain (1852-1931)
Le Pêcheur, 1884
Huile sur toile
Southampton City Art Gallery


Fils d'un peintre en bâtiment, Jean-Louis Forain s'établit à Paris vers les années 1860 et étudie la peinture et le dessin auprès de Louis Jacquesson de la Chevreuse, Jean-Baptiste Carpeaux et André Gill. Entré à l'École des beaux-arts de Paris, il a pour professeur Jean-Léon Gérôme.
Il participe à la guerre de 1870, puis devient l'ami de Paul Verlaine et d'Arthur Rimbaud. Il habite avec ce dernier dans une chambre louée par Verlaine à Paris, rue Campagne-Première, de janvier à mars 1872.
À cette époque on le surnomme Gavroche.
Il est un familier des salons de Nina de Callias et de la comtesse de Loynes, où il fréquente Edgar Degas et Édouard Manet. Il commence sa carrière de peintre aux côtés des impressionnistes avec qui il participe à plusieurs expositions entre 1879 en 1886. Il est très proche de son aîné Degas, qui, évoquant ses futures funérailles, dira un jour : « Je ne veux pas de discours. Si ! Forain vous en ferez un, vous direz : il aimait le dessin » Il débute comme illustrateur en 1876 dans la revue La Cravache parisienne et publie quelques caricatures dans différents journaux tels que Le Scapin en 1876, puis La Vie moderne, Le Monde parisien et La République des lettres, où il fait preuve d’une ironie pleine de verve. Découvrant le monde de l'opéra avec ses danseuses et ses abonnés, il en fait son thème de prédilection.
Jean-Louis Forain participe à quatre des huit expositions impressionnistes (1879, 1880, 1881 et 1886)
En 1921, par attachement à sa ville natale de Reims, il offre au musée municipal un lot important de dessins préparatoires. Certains de ses dessins de guerre sont d'ailleurs conservés au musée des beaux-arts de Reims.
Forain est élu membre de l'Académie des beaux-arts en 1923. La même année, il devient président de la fantaisiste République de Montmartre et le restera jusqu'à la fin de sa vie.
Il est membre de la Royal Academy en 1931 et commandeur de la Légion d'honneur.

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samedi 23 octobre 2021

Kazimierz Pochwalski (1855-1940) - Henryk Sienkiewicz et Kazimierz Pochwalski sur un bateau


Kazimierz Pochwalski (1855-1940) Henryk Sienkiewicz i Kazimierz Pochwalski na statku (Henryk Sienkiewicz et Kazimierz Pochwalski sur un bateau) National Museum, Kielce

Kazimierz Pochwalski (1855-1940)
Henryk Sienkiewicz i Kazimierz Pochwalski na statku
(Henryk Sienkiewicz et Kazimierz Pochwalski sur un bateau)
National Museum, Kielce


Kazimierz Teofil Pochwalski  était un peintre polonais connu principalement pour ses portraits, bien qu'il ait produit des œuvres d' une grande variété .
Pochwalski est né à Cracovie le 25 décembre 1855 et est issu d'une famille qui a produit plusieurs générations de peintres et son frère cadet Władysław est également devenu un artiste connu.  De 1871 à 1879, il a étudié à l' Académie des Beaux - Arts de Cracovie sous Jan Matejko  puis a assisté à l' Académie des Beaux - Arts, Munich , de 1879 à 1888. Elle a été suivie par des études à Vienne et à Paris, où il a été influencé par l'oeuvre de Léon Bonnat.
Il a été directeur de la Société des amis des beaux-arts de Cracovie et a beaucoup voyagé, visitant la Grèce, l'Italie, la Turquie et l'Égypte.
De 1893 à 1918, il est professeur à l' Académie des beaux-arts de Vienne, où il peint de nombreux portraits à la cour impériale et devient membre de la Sécession viennoise.
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vendredi 22 octobre 2021

Stanisław Wyspiański (1869-1907) - Autoportrait (3)

 

Stanisław Wyspiański  (1869-1907)  Autoportrait (3) Collection privée
 
Stanisław Wyspiański  (1869-1907) 
Autoportrait (3)
Collection privée


Stanisław Mateusz Ignacy Wyspiański, est un dramaturge, poète, peintre, metteur en scène, architecte et ébéniste polonais. Il fut l'un des artistes européens les plus prolifiques et remarquables de son époque. La production artistique de Wyspiański est pour le moins éclectique comprenant aussi bien des pièces de théâtre que des recueils de poésie, des dessins, croquis, peintures à l'huile de paysages pastel, portraits et autoportraits, (nombreux) vitraux, illustrations, affiches et mêmes dessins de meubles et d'intérieurs....
Ses dessins, tels que son autoportrait de 1890 et les notes ses Voyages en Europe et en Pologne, font partie des œuvres les plus connues de Wyspiański.

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jeudi 21 octobre 2021

Eugène Girardet (1853 1907) - Homme portant un Burnous


Eugène Girardet (1853 1907) Homme portant un Burnous Noté "Bel Arbi- El Kantara" Un Arabe d'El - Kanthara) Huile sur toile 43 x 32 cm, Algérie, 1885 Collection privée
 
 
Eugène Girardet (1853 1907)
Homme portant un Burnous
Noté "Bel Arbi- El Kantara" Un Arabe d'El - Kanthara)
Huile sur toile 43 x 32 cm, Algérie, 1885
Collection privée


Eugène Girardet, né Eugène Alexis Girardet est un peintre orientaliste français, considéré comme 'un des plus sesnibles.  Issu d'une famille suisse huguenote, Eugène Girardet est le fils du graveur Paul Girardet (1821-1893), et le frère des peintres Jules Girardet et Léon Girardet. Il étudie à l’École des beaux-arts de Paris dans l'atelier de Jean-Léon Gérôme 1(824-1904). Gérôme l’incite à visiter l’Afrique du Nord dès 1874, notamment  au Maroc et la Tunisie. A partir de 1879,  c'est cependant en Algérie qu'il effectue de nombreux séjours, essentiellement dans le Sud aux alentours des oasis de Biskra, Bou Saâda et El Kantara où il rencontre l'autre grand peintre orientaliste de son temps,  Étienne Dinet. En 1898, il se rend en Égypte et en Palestine. Il représente des scènes de la vie nomade ou du désert. Son œuvre est influencée par la lumière et l’atmosphère de l’Orient. Il expose au Salon de la Société nationale des beaux-arts, au Salon de la Société des peintres orientalistes français, au Salon de Paris, à l’Exposition universelle de 1900 et à l’Exposition coloniale de Marseille (1906). Eugène Girardet meurt en 1907 à Paris et est enterré au cimetière du Père-Lachaise
Ses œuvres sont conservées à Paris au musée d’Orsay, au musée des beaux-arts de Dijon, au musée des beaux-arts de Nantes, au musée des beaux-arts de Troyes, à Bayonne au musée Bonnat-Helleu,  et au Musée des beaux-arts d'Alger.
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mercredi 20 octobre 2021

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) - Etude (2) pour Le Martyre de Saint Symphorien

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) Le Martyre de Saint Symphorien, Dessin préparatoire, Collection privée

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867)
Le Martyre de Saint Symphorien
Huile et graphite sur toile, 49.5 x 60.3 cm
Harvard Art Museums

Tableau  religieux, peint par Jean-Auguste-Dominique Ingres en 1834, Le Martyre de saint Symphorien fut commandé dix ans plus tôt,  par Roch-Étienne de Vichy, évêque d'AutunL L'évêque répondait  ainsi à une supplique des habitants d'Autun exigeant la réalisation, aux frais de l'État, d'une œuvre de grande ampleur en dédommagement du départ, en 1800, de deux tableaux de grande valeur qui se trouvaient dans la ville et dont le Directoire décida le transfert à Paris : La Vierge du chancelier Rolin de Jan van Eyck et le Mariage mystique de sainte Catherine de Sienne de Fra Bartolomeo. Fruit d'un travail laborieux qui commença l'année même de sa commande et préparé par un nombre important d'études (près de 200 dessins dont celle-dessus fait partie de même que celle déjà postée dans ce blog), l'œuvre représente Symphorien d'Autun premier martyr chrétien gaulois. Présentée comme l'œuvre maîtresse du peintre, et l'aboutissement de ses recherches formelles, la peinture qui devait être le clou du Salon de 1834, fut un échec critique retentissant, soulevant des réactions hostiles. Ingres à la suite de cet échec décida de ne plus participer au Salon de peinture, et de refuser les commandes publiques. Il s'expatria à Rome en acceptant le poste de directeur de l'Académie de France.  Le tableau, remis à la ville d'Autun le 30 juin 1834, est accroché dans l'une des chapelles latérales de la cathédrale Saint-Lazare d'Autun, après avoir été longtemps exposé dans une salle de l'évêché. Une trentaine d'années plus tard, Ingres a peint une réplique à petite échelle conservée au Philadelphia Museum of Art.


Jean-Auguste-Dominique Ingres commence ses études de peinture à Montauban, sa ville natale. Une fois à Paris, il devient élève de Jacques-Louis David. Prix de Rome en 1801, il ne se rend en Italie, faute d’argent, qu'en 1806, et y reste jusqu'en 1824. De retour à Paris, il connaît la reconnaissance officielle, apparaissant comme le champion de la doctrine du beau et de la primauté du dessin sur la couleur, en opposition successive aux courants romantiques et réalistes. Nommé directeur de l'Académie de France à Rome, il y retourne de 1835 à 1842.
Ingres a d'abord et à plusieurs étapes de sa carrière vécu de ses portraits, peints ou dessinés. Réputé peu sociable, il fut souvent mal traité par la critique. Les tenants d'un style plus libre et d'une exécution plus rapide condamnaient sa manière tout comme les académiques, qui lui reprochaient notamment les déformations expressives qu'il faisait subir aux corps dans ses nus.Les déformations n'étaient pas uniquement expressives d'ailleurs puisqu'il lui arrivait fréquemment de rajouter une ou deux vertèbres à ses personnages pour les grandir ou d'allonger leur visage.  _________________________________________
 

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mardi 19 octobre 2021

Paul Cadmus (1904-1999) - Going South

Paul Cadmus (1904-1999), Going South, 1936, Oil on canvas - Pirvate collection       Cadmus (1904-1999), Going South, 1936 , Etching -  Smithsonian American Art Museum,

Paul Cadmus (1904-1999)
Going South, 1936
Oil on canvas - Private collection
Etching -  Smithsonian American Art Museum


Un dessin préliminaire de ce tableau au titre très explicite indiquant la direction que prend un des cyclistes, existe. Il est conservé au Smithsonian American Art Museum, et reprodtuit ici. 

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publi, depuis 2016, l'intégralité des dessins connus De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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lundi 18 octobre 2021

Pedro Berruguete (1450-1504) - Ezechias


Pedro Berruguete (1450-1504), Ezechias, 1482 Oleo sobre tabla, 110 x 80 cm, Museo Parroquial de Santa Eulalia de Paredes de Nava


Pedro Berruguete (1450-1504)
Ezechias 1482
Oleo sobre tabla, 110 x 80 cm.
Museo Parroquial de Santa Eulalia de Paredes de Nava


Pedro Berruguete est un peintre espagnol. Francisco de Holanda le désigne comme l'un des quatre « Aigles » de la Renaissance espagnole, avec Diego de Siloé, Bartolomé Ordóñez et Pedro Machuca. Formé dans l'atelier du peintre Fernando Gallego, son œuvre montre l'influence flamande de Van Eyck. De 1474 à 1483, à Urbino (Italie), où il voit, parmi d'autres, les œuvres de Melozzo da Forlì, il collabore avec Juste de Gand à la décoration du palais du duc Frédéric de Montefeltre. Il y peint en particulier un portrait de Frédéric de Montefeltre avec son fils Guidobaldo. De retour en Espagne, et peintre à la cour de Ferdinand II d'Aragon et d'Isabelle de Castille, il renoue avec la tradition de préciosité de la peinture espagnole et réalise des œuvres religieuses. Sa dernière œuvre inachevée, le retable du maître-autel de la cathédrale d'Ávila montre néanmoins son intérêt pour l'art italien et la maîtrise de la perspective et de la lumière. Il enseigna la sculpture et la peinture à son fils, Alonso (v. 1488-1561), qui deviendra peintre à la cour de Charles Quint.

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dimanche 17 octobre 2021

Lorenzo Sabatini (1530-1576) - L'Aveuglement de Polyphème

 

Lorenzo Sabatini (1530-1576) L'Aveuglement de Polyphème. 1570. plume, encre, rehaussée de blanc sur papier préparé bleu Collection particulière

Lorenzo Sabatini (1530-1576)
L'Aveuglement de Polyphème. 1570.
plume, encre, rehaussée de blanc sur papier préparé bleu
Collection particulière


L'aveuglement du Cyclope Polyphème est l'épisode de l'Odyssée qui apparaît, comme le premier à avoir été représenté. Dans la Grèce antique,l a scène figure  très tôt sur des vases peints. La tendance à illustrer l'épisode non pas dans un seul de ses moments mais dans sa forme la plus complète possible, ce qu'on appelle une "représentation synthétique", est d'ailleurs typique de la période archaïque.
Dans cette représentation du XVIe siècle les grands principes antiques sont conservés. Trois personnages en armure s'agitent autour de la tête du géant enivré pour pointer un épieu dans le troisième œil qu'il a au milieu de son front, le seul avec lequel il voit vraiment.  ses pieds git le corps démembré et à moitié dévoré d'une des compagnon d'Ulysse. (en fait il ne reste que l'armure !!!).  Traditionnellement, Ulysse est représenté comme un homme barbu, placé à l'extrémité de l'épieu, position qui est celle que lui attribue Homère. La scène illustre parfaitement le Chant IX de l'Odyssée en résumant les trois passages : vers 287-346, Polyphème dévore plusieurs compagnons ; vers 346-370, il est enivré ; vers 375-400, il est aveuglé.

Lorenzo Sabatini, parfois appelé Lorenzino da Bologna est un peintre maniériste italien actif à Bologne, Florence et Rome. Il étudie à Florence, dans les années 1560, auprès de Prospero Fontana, son maître puis collaborateur, et de Giorgio Vasari. Son style subit l'influence de ce dernier et de Parmigianino. Il s'inscrit ensuite à l'Académie du dessin de Florence. Il sejourne à Rome sous le pontificat de Grégoire XIII (1572-1585). Sans être membre de son école, il imite Raphaël. Le pape le charge de peindre les parois de la Chapelle Pauline, de part et d'autre des deux grandes fresques de Michel-Ange (alors que Federico Zuccari décore le plafond) et de la Sala Regia.  Ces travaux recueillent la satisfaction du pontife, qui le nomme surintendant des décorations du Vatican. Retourné à Bologne, il y décore, entre 1566 et 1572, les églises Santa Maria delle Grazie, la Chiesa della Morte, San Martino Maggiore et San Giacomo.  Il revient à Rome pour travailler avec Vasari, en 1572-1573, à la Sala Regia du Vatican. Après la mort de son collègue, il devient surintendant des travaux sous Grégoire XIII.

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samedi 16 octobre 2021

Philippe de Champaigne (1602-1674) - Portrait du reverend Giovanni Philippini

 

Philippe de Champaigne (1602-1674), Portrait du révérend Giovanni Philippini, 1651 Huile sur toile, 73.3 x 59.7 cm Museum of fine arts, Boston

Philippe de Champaigne (1602-1674),
Portrait du révérend Giovanni Philippini, 1651
Huile sur toile, 73.3 x 59.7 cm
Museum of fine arts, Boston



L'œuvre du peintre français d'origine brabançonne Philippe de Champaigne est vaste, il a laissé nombre de tableaux religieux et des portraits très appréciés des princes de l’Église, des grands commis de l’État, des parlementaires, des membres de la grande noblesse française. Toute la Cour et de la Ville ont posé devant lui ; il fut connu pour peindre des figures où il refusait d'exprimer des expressions passagères, voulant saisir la personnalité profonde de ses modèles. Assez curieusement le portrait de ce moine dont on ne sait à peu près rien, sinon u'il est d'une criante humanité,  est aujourd 'hui l'un des plus reproduits de Philippe de Champaigne surtout aux Etats-Unis où il n'est pas rare de la croiser dans un salon  ou dans un couloir d'hôtel !!! 


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vendredi 15 octobre 2021

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) - Le mécanicien naval Semen Semenovich


Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009), Le mécanicien naval Semen Semenovich, 1998, Russian State Museum

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009)
Le mécanicien naval Semen Semenovich, 1998
Russian State Museum


Né dans la région de Volgograd, Vasiliy Vasil'evich Strigin reçoit son diplôme de l'Ecole d'art de Stalingrad en 1939. Il participe activement à ce que les Russes appellent alors la grande guerre patriotique du 2 juillet 1941 et que nous appelons la Seconde guerre mondiale, en tant que commandant au département des communications, batterie 544 du régiment d'artillerie. Il continua à servir dans la 117e brigade d'artillerie RVGK, au quartier général du Département des renseignements avec le grade de sergent. Il a pris une part active aux batailles de Moscou, de Vyazma et à la terrible et légendaire bataille de Stalingrad. Il a participé à la libération de Smolensk, Minsk, s'est battu en Lituanie, en Prusse, a participé à l'assaut de Koenigsberg.
Pour ses hauts faits militaires, il reçut l'ordre de Patriotes de guerre I degré, l'Etoile rouge et les médailles "Pour le courage", "Pour le mérite militaire", "Pour la défense de Moscou", "Pour la capture de Koenigsberg" et bien d'autres encore.
Après la guerre, il fut membre de l'Union des artistes de l'URSS. Il a été élu à deux reprises président du conseil d'administration de la branche de Volgograd de l'Union des artistes et passa l'essentiel de sa vie à Volgograd.
Il fait partie des artistes qui ont magnifié, à travers ses tableaux typiques du style Réalisme Soviétique, toutes une époque de l'histoire de la Russie principalement dans les actions quotidiennes de ses héros anonymes.

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jeudi 14 octobre 2021

Antoine-Denis Chaudet (1763-1810) (d'après) - Buste de Napoléon, 1810-14

Antoine-Denis Chaudet (1763-1810) (d'après) L'empereur Napoléon 1er, Buste de propagande en marbre, 1810-14 Collection privée (Sotheby’s, 2021)


Antoine-Denis Chaudet (1763-1810) (d'après)
L'empereur Napoléon 1er
Buste de propagande en marbre, 1810-14
Collection privée (Sotheby’s, 2021)


Ce buste de Napoléon Ier est une belle réplique en marbre de Carrare, due probablement à un sculpteur italien anonyme d’un buste à l'antique en bronze réalisée par Antoine-Denis Chaudet, conservée au musée des beaux arts de Lyon.  C'est un buste de propagande, produit en grand nombre et  destiné à être placé dans des lieux publics officiels (ambassades, hôtels de ville,  ministères, etc... ).   Il est une des traces  typique de la production véritablement industrielle des portraits de l’empereur  mis en place, au début de son règne sa sœur Elisa, plus trad princesse de Piombino et de Lucques, puis grande-duchesse de Toscane. Elle fut la seule sœur de Napoléon a exercé de réels pouvoirs politiques. Très intéressée par les arts, notamment le théâtre, elle les encouragea dans les territoires sur lesquels elle régna et notamment en Toscane. 

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mercredi 13 octobre 2021

Joseph Carlier (1849-1927) - Gilliatt et la pieuvre (Les Travailleurs de la mer)


Joseph Carlier (1849-1927) Gilliatt et la pieuvre (Les Travailleurs de la mer) Marbre, 1881, Musée des beaux arts de Lyon

Joseph Carlier (1849-1927)
Gilliatt et la pieuvre (Les Travailleurs de la mer)
Marbre, 1881
Musée des beaux arts de Lyon

Cette sculpture en marbre montre Gilliatt, le principale personnage des Travailleurs de la Mer, le célèbre ouvrage de Victor Hugo, se battant avec une pieuvre. Cette statue vaut à Joseph Carlier la 2e médaille au Salon de 1879 où il l'exposa. La statue, exécutée pour être vue sous plusieurs angles est située dans le jardin du Palais Saint Pierre.
Le jardin du Palais Saint-Pierre est un jardin municipal situé au sein du musée des Beaux-Arts de Lyon. C'est un jardin rectangulaire délimité par les arcades de l'ancien cloître de l'abbaye bénédictine. Il est situé en plein centre-ville sur la péninsule. et il est ouvert au public.

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mardi 12 octobre 2021

Sculpture anonyme antique - Apollon de Scasato, IIIe siècle av. JC

 

Apollon de Scasato Terre cuite polychrome, 310-300 av. J.C Musée national étrusque de la villa Giulia


Apollon de Scasato Terre cuite polychrome, 310-300 av. J.C Musée national étrusque de la villa Giulia

Apollon de Scasato
Terre cuite polychrome, 310-300 av. J.C
Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia

Le Musée national étrusque de la villa Giulia (Museo Nazionale Etrusco di Villa Giulia) est un musée de Rome consacré aux civilisations étrusque et falisque. C'est le plus grand musée étrusque du monde.  Il est situé dans la Villa Giulia, résidence papale d'été, construite sous le pontificat du pape Jules III. Il rassemble des objets issus de fouilles menées durant près d'un siècle dans l'Étrurie méridionale, parmi lesquels les plus connus sont l'Apollon de Véies, le Centaure de Vulci, les lamelles d'or de Pyrgi et un exemplaire du Sarcophage des Époux.

L'Apollon de Scasato est sans doute la moins  connue des sculptures du musée et pourtant elle mérite le détour ! D'après les experts ce serait une copie d'une statue d'Alexandre le Grans réalisée par Lysippe.  Elle arbore des restes important de sa polychromie originale

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lundi 11 octobre 2021

Vincent van Gogh (1853-1890) - Cinq hommes et un enfant dans la neige

Vincent van Gogh (1853-1890), Cinq hommes et un enfant dans la neige, Dessin sur une enveloppe à Theo de La Hague, Mars1883 Van Gogh Museum, Amsterdam



Vincent van Gogh (1853-1890)
Cinq hommes et un enfant dans la neige
Dessin sur une enveloppe à Theo de La Hague, Mars1883
Van Gogh Museum, Amsterdam

 

Ce sublime dessin de Van Gogh  âgé de 30 ans, est fait  au dos de l'enveloppe d'une des multiples lettres envoyées à son frère Théo, avec lequel il entretenait un lien fusionnel et qui fut, son principal sponsor tout au long de sa vie. Ce sponsoring actif se prolongea au-delà de la mort des deux frères, avec la femme de Theo, Johanna Van Gogh née Bonger (1862-1925)  qui  n'eût de cesse que l'on reconnaisse l 'œuvre de son beau -frère. Elle  joua un rôle déterminant  dans la façon dont les marchands d'art perçurent l'œuvre  de Vincent en organisant par exemple dès 1913 la première grande exposition de Van Gogh à New York.


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dimanche 10 octobre 2021

Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Marin et Cupidons

Yannis Tsarouchis (1910-1989), Marin et Cupidons, 1943  1943 Peinture sur éventail, 16 x 32 cm National Gallery, Corfu Museum Alexandros Soutsos, Euripides Koutlides Foundation

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Marin et Cupidons, 1943
Peinture sur éventail, 16 x 32 cm
National Gallery, Corfu
Museum Alexandros Soutsos, Euripides Koutlides Foundation

Yannis  Tsarouchis  a condensé dans cet éventail deux des thèmes majeurs qui caractérisent l'ensemble de son œuvre, les marins et les anges. Le marin, symbole de la beauté et de la force masculines, mais aussi paradigme de l'idéal grec de la masculinité, se repose dans un cadre champêtre, accompagné de Cupidons. C'est l'un des thèmes qui se répètent tout au long de l'œuvre de Tsarouchis. Les amours, référence à l'Antiquité grecque, ainsi qu'à la tradition picturale européenne, se transforment dans la mythologie personnelle de Tsarouchis en jeunes hommes robustes qui volent, autour des marins mélancoliques, les  contemplent et se lient d'amitié avec eux. La peinture de Tsarouchis est très influencée par son étude à la fois du modernisme européen, de l'art byzantin et de l'art grec classique ; elle se caractérise  par la simplicité de l'écriture et par une interprétation unique de la vie quotidienne, qui exalte la solitude et la réconciliation de l'individu avec la nature qui l'entoure.
L'espace, espace réel, devient une grande scène où Tsarouchis le peintre cohabite harmonieusement avec Tsarouchis le scénographe et metteur en scène. L'éventail est apparemment un accessoire de l'un de ses costumes préférés, utilisé pour les représentations  théâtrales privées qu'il aimait donner en compagnie de ses amis. 

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samedi 9 octobre 2021

François Kollar (1904-1979) - Ouvrier du bâtiment France, 1936

 
François Kollar (1904-1979) Ouvrier du bâtiment France1936, Collection privée

François Kollar (1904-1979)
Ouvrier du bâtiment France, 1936
Collection privée 


François Kollar, né Ferenc Kollár (en hongrois) ou František Kollár (en slovaque) est un photographe publicitaire et industriel français d'origine hongroise et tchécoslovaque. L'année 1930 est une des plus fructueuses  dans l'œuvre deFrançois Kollar. Il publie pour la première fois des images sous son nom, dans la revue suisse Silber Spiegel, puis en avril, Jo Davidson lui demande de photographier certaines de ses sculptures. Kollar n'ayant pas de studio, Davidson lui propose de s'installer dans son propre atelier au 17, rue de la Tour, et lui avance l'argent dont il a besoin pour compléter son équipement. Il travaille auprès de l'agence Dorland et réalise de nombreuses photographies publicitaires, qui sont publiées dans les magazines L'Illustration, Vu et Vogue. Pour le décorateur Maurice Barret, il réalise pour l'aménagement d'un bureau une grande frise photographique de douze images carrées dont la composition rigoureuse et épurée se marie parfaitement aux lignes du mobilier.
De juin à septembre 1930, ses œuvres sont montrées à l'exposition internationale de photographie de Munich, avec celles d'autres photographes de l'avant-garde parisienne dont il fait désormais partie. C'est à cette occasion qu'il reçoit sa première critique : « Un des meilleurs envois de l'exposition de Munich fut incontestablement celui de ce jeune artiste — j'emploie à dessein le mot d'artiste — qu'est François Kollar. Kollar s'est en quelque sorte spécialisé dans les effets de reflets, de transparences ou de translucidités, et de perspectives. C'est dire qu'il a joué la difficulté. C'est dire l'intérêt très vif que présentent ses œuvres ».
En 1931, la société Kodak-Pathé lui propose de publier, dans le magazine Le Professionnel Photographe qu'elle diffuse, une publicité pour ses films et papiers de tirage. Onze images sont reproduites en pleine page, dont la qualité révèle la maîtrise technique à laquelle Kollar est parvenu. À la même époque, il est contacté par un ami d'Iribe, Maximilien Vox, qui lui propose, au nom des Éditions Horizons de France, la réalisation d'une grande enquête sur le monde du travail. Elle allait devenir son œuvre principale, La France travaille,  (ci dessus) résultat de quatre années de prises de vue au cours d'un véritable tour de France
La notoriété qu'il acquiert à la suite de cet imposant reportage lui permet d'obtenir plusieurs commandes publiques sous le Front populaire et il expose à plusieurs reprises dans des conditions prestigieuses, notamment au Museum of Modern Art de New-York.
Parallèlement, il poursuit son activité de photographe de publicité, particulièrement dans le domaine de la mode et des produits de luxe. Il réalise aussi le portrait de nombreuses célébrités : Cocteau, Piaf, Dalí, Trenet, mais aussi la duchesse de Windsor ou le prince de Metternich. En 1937, il réalise la photo publicitaire de Coco Chanel, qui pose pour promouvoir le parfum N°5.
François Kollar et sa famille s'installent près de Poitiers pendant la Seconde Guerre mondiale, au château de Vayres récemment acheté. Kollar ouvre à Poitiers un magasin de radio-électricité. Au retour à Paris en 1945, il y ouvre un studio photographique mais ne retrouve pas les commandes prestigieuses d'avant-guerre. Une exposition qu'il monte en 1948 de ses 250 meilleures œuvres est un échec. C'est la publicité industrielle qui lui permet de vivre : il travaille alors pour les Potasses d'Alsace, les Grands Moulins de Paris, des cimentiers, mais aussi l'orfèvre Christophle.
En 1951, il part en Afrique française réaliser un reportage commandé par le Gouvernement.
En 1960, avec l'aide de ses enfants Marie-Françoise et Jean-Michel, il réalise le plus grand tirage photographique jamais fait en Europe, une image de 750 m2 pour le Festival de la Haute couture internationale. Bien que moins prestigieuse qu'avant-guerre, sa carrière se poursuit honorablement, et en 1965, son pays natal lui rend hommage avec une exposition de ses œuvres à la Galerie nationale de Bratislava.
En 1981, les Rencontres d'Arles propose une rétrospective de ses photos de 1928 à 1940.                            En 2004, une rétrospective complète est proposé à Budapest, à la ,Maison hongroise de la photographie,

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vendredi 8 octobre 2021

Alice Kent Stoddard (1883-1976) - Portrait masculin

Alice Kent Stoddard (1883-1976) Portrait masculin Collection privée

Alice Kent Stoddard (1883-1976)
Portrait masculin
Collection privée


Alice Kent Stoddard (1883-1976) était une peintre américaine de portraits, de paysages et de marines. Beaucoup de ses œuvres, en particulier des portraits, font partie de collections publiques, notamment la collection de portraits de l'Université de Pennsylvanie le Woodmere Art Museum et d'autres musées. Elle a vécu et peint sur l'île de Monhegan dans le Maine, une enclave d'artistes, où elle a loué puis acheté la maison de son cousin Rockwell Kent.

Alice Kent Stoddard  a étudié avec  William Merritt Chase,  Thomas Anshutz et Cecilia Beaux à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts (PAFA). Elle a peint des portraits de personnalités mondaines det d'arstites célèbres (ci-dessus) de la Philadelphie, incluant souvent des animaux de compagnie dans les peintures. Pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a travaillé comme dessinatrice mécanique pour la conception d'avions pour Budd Company et comme artiste de guerre. Son travail a été exposé au Woodmere Art Museum.  

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jeudi 7 octobre 2021

Gustave Caillebotte (1848-1894) - Autoportrait au chapeau




Gustave Caillebotte (1848-1894)
Autoportrait au chapeau, c. 1879
Collection privée

Le talent de Gustave Caillebotte fut longtemps méconnu (sauf aux États-Unis) au profit de son rôle de « mécène éclairé ». Le peintre fut redécouvert dans les années 1970 à l'initiative de collectionneurs américains. Les rétrospectives de ses œuvres sont désormais fréquentes. Certains de ses tableaux se trouvent au musée d'Orsay à Paris.
Caillebotte est l'un des premiers grands peintres français à exposer régulièrement aux États-Unis, où il rencontra un vif succès, et où se trouvent aujourd'hui nombre de ses toiles et dessins. Il est l'un des fondateurs du courant « réaliste », qu'illustrera par exemple au 20e siècle l'américain Edward Hopper.
Fortuné, il n'a pas besoin de vendre ses toiles pour vivre, si bien que ses descendants possèdent encore près de 70 % de ses œuvres. À sa mort, Martial et Auguste Renoir son exécuteur testamentaire, prennent les dispositions pour que l’État accepte le legs de ses tableaux impressionnistes.
Les historiens d'art qualifient volontiers cet artiste « d’original et audacieux ». Sa technique ne l'est pas moins assez proche de l'art photographique, mais, par de puissants effets de perspectives tronquées, les distances et les premiers plans sont écrasés et l'horizon absent, d'où la perception instable et plongeante (Caillebotte invente la vue en plongée dans la peinture). Les effets de vue plongeante s'imposent dans son art à travers les personnages au balcon et ses vues en surplomb des rues et des boulevards.
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mercredi 6 octobre 2021

Henriette Hahn-Brinckmann (1862-1934) - Evening Mood, 1904

Henriette Hahn-Brinckmann (1862-1934) Evening Mood , 1904 Colour woodcut print, 43.3 x 57.4 cm. Private collection


Henriette Hahn-Brinckmann (1862-1934)
Evening Mood , 1904
Colour woodcut print, 43.3 x 57.4 cm.
Private collection


Henriette Christine Hahn-Brinckmann (1862-1934) était une peintre et lithographe dano-allemande .
Le travail de Hahn-Brinckmannn consistait principalement en des portraits dans le style réaliste. A partir de 1894, elle réalise un nombre considérable de gravures sur bois Art Nouveau . Elle a également travaillé sur le design textile et peint des miniatures sur ivoire.
Parmi ses œuvres les plus remarquables on peut citer ses gravures sur bois d'inspiration japonaise avec jusqu'à six couleurs qu'elle a peintes à la fin des années 1890. Hahn-Brinckmann les a créés à l'aide d'outils de gravure sur bois du Japon, spécialement importés par  son mari Justus Brinkmann. Ses travaux ont été largement exposés, à Hambourg, Dresde, Copenhague et à l' Exposition universelle de Paris 1900 , où elle a reçu une médaille d'argent. Quatre exemples de ses gravures sur bois de style japonais peuvent être vus au Vejen Art Museum dans le sud du Jutland.
 
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mardi 5 octobre 2021

McDermott & McGough - Men with Cloud

McDermott & McGough, Men with Cloud (the 24731st instance, 1936), 1994 Oil on canvas, 116,8 x 76 cm. Private collection

McDermott & McGough,
Men with Cloud
(the 24731st instance, 1936), 1994
Oil on canvas, 116,8 x 76 cm.
Private collection


McDermott & McGough est la signature adoptée par deux artistes visuels  très liés aux mouvements LGBT, David McDermott et Peter McGough (nés respectivement en 1952 et 1958 à Hollywood, Californie et Syracuse, NY). McDermott & McGough sont des artistes contemporains connus pour leur travail en peinture, photographie, sculpture et film. Ils partagent actuellement leur temps entre Dublin et New York. 

David McDermott et Peter McGough sont surtout connus pour avoir utilisé des procédés historiques alternatifs dans leurs photographies, en particulier les techniques du 19e siècle de cyanotype, de gomme bichromatée, de platine et de palladium. Parmi les sujets abordés figurent l'art et la culture populaires, la religion, la médecine, la publicité, la mode et le comportement sexuel.

En 2017, le duo a ouvert le temple Oscar Wilde à Greenwich Village, censé être un espace sacré non laïc pour les personnes LGBT. C'est dans une chapelle de l'église du village qu'a été créée en partenariat Alison Gingeras et le New York LGBT Center . Dans une interview pour le magazine FourTwoNine , Peter McGough a déclaré : « Le temple Oscar Wilde est notre plus grande œuvre d'art, car il ne nous concerne pas. C'est un endroit où peuvent aller les gens qui sont exclus du 1% d'achat d'art. vouloir se marier paiera des frais, et cet argent ira aux jeunes sans-abri LGBT. Ces personnes sont nos enfants. Ces personnes sont mes enfants. Ils sont l'héritage de l'Homère, et nous allons prendre soin d'eux. "

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°18 -Qui est le chat peint par Le douanier Rousseau ?



lundi 4 octobre 2021

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) - Le joueur de flûte



Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), Le joueur de flûte, vers 1884 Huile sur toile, 40 x 32,2 cm Collection privée


Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)
Le joueur de flûte, vers 1884
Huile sur toile, 40 x 32,2 cm
Collection privée

Fils du comte Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa et d'Adèle Tapié de Céleyran, Henri de Toulouse-Lautrec est né dans l'une des plus illustres familles nobles de France, qui s'enorgueillissait de descendre en droite ligne des comtes de Toulouse, les plus puissants seigneurs féodaux du royaume jusqu'au XIIIe siècle. Malgré son nom illustre, cette famille vit au XIXe siècle comme une famille de la noblesse plus ou moins aisée de province. Les mariages dans la noblesse se faisaient couramment entre cousins afin d'éviter la division des patrimoines et l'amoindrissement de la fortune. Ce fut le cas des parents d'Henri, cousins au premier degré, c'est à dire issus de germains. Ils eurent deux garçons, Henri, l'aîné et, quatre ans plus tard, son frère Richard-Constantin, qui mourut un an après. L'incompatibilité d'humeur entre les deux parents entraîna leur séparation et Henri resta sous la garde de sa mère. Il grandit entre Albi, le château du Bosc (demeure de ses grands-parents paternels) et le château de Celeyran (demeure de la famille de sa mère) où il a peint quelques magnifiques portraits, très éloignés des peintures de cabarets et de la vie parisienne qui le rendirent célèbre à travers le monde.
Henri de Toulouse-Lautrec a eu, de son propre aveu, une enfance plutôt heureuse, jusqu'au moment où se révèle, en 1874, une maladie qui affecte le développement des os, la pycnodysostose, maladie génétique, due sans doute à la consanguinité de ses parents. Ses os sont fragiles et, le 30 mai 1878, il trébuche et tombe. Le médecin diagnostique le fémur gauche brisé et, en raison de sa maladie, la fracture se réduit mal. Entre mai 1878 et août 1879, il souffre de cette fracture du fémur bilatérale qui aggrave son retard de croissance : il ne dépassera pas la taille de 1,52 m. On essaye de le guérir au moyen de décharges électriques et en lui plaçant à chaque pied une grande quantité de plomb.
Ce traitement qui se révèlera inutile, lui infligera d'atroces souffrances...

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dimanche 3 octobre 2021

Sculpture anonyme grecque antique - Les Guerriers de Riace

 

Sculpture antique anonyme, Les Guerriers de Riace Bronze, c. 60–450 av. JC, Museo di Magna Grecia, Regio di Calabria


Sculpture anonyme grecque antique 
Les Guerriers de Riace
Bronze, 430- 460 av. JC
Museo di Magna Grecia, Regio di Calabria

En 1972, Stefano Mariottini, un chimiste venu de Rome, découvrit les statues lors de séances de plongée à la fin de vacances à Monasterace. Il évoluait à quelque 200 mètres de la côte de Riace, à six ou huit mètres de profondeur lorsqu'il remarqua le bras gauche d'une des statues émergeant du sable. Il crut tout d'abord être tombé sur les restes d'un cadavre mais lorsqu'il toucha le bras, réalisa que celui-ci était en bronze. Il commença alors à déblayer le sable tout autour de la statue. Plus tard, il remarqua la présence d'une autre statue de bronze, à proximité et décida d'appeler la police. Une semaine plus tard, le 21 août, cette deuxième statue fut tirée de l'eau, et deux jours plus tard ce fut le tour de la première. Aucune épave de navire pouvant avoir quelque lien avec ces statues n'a été découverte à proximité mais dans les parages de cette côte sédimentaire, des restes de constructions ont été repérés. Les Guerriers de Riace comptent parmi les très rares bronzes grecs de grande taille encore conservés dans leur intégralité, avec l'aurige de Delphes, et le dieu de l'Artémision.
Les deux guerriers sont des témoins de l'évolution qui a lieu dans les techniques de bronze dès la fin du vie siècle av. J.-C. : ils sont réalisés selon la technique de la fonte à la cire perdue sur négatif, technique qui permet de conserver le modèle et le moule, et d'obtenir une épaisseur de bronze plus régulière.

                                             


Les deux guerriers sont des hommes nus, debout et barbus. Ils sont dans une posture de contrapposto, et montrent bien son évolution : alors que le torse du guerrier A est encore vertical malgré son appui sur une seule jambe, celui du guerrier B se courbe, la ligne des épaules s'opposant à celle des hanches. Cette différence permet d'affirmer que les deux sculptures ne sont pas contemporaines : le guerrier A, qui peut être par exemple rapproché du petit Éphèbe de David-Weill (v. 470 av. J.-C., musée du Louvre), est datable de 460 av. J.-C., soit environ vingt ou trente ans avant le guerrier B, plus proche des œuvres de Polyclète (Diadumène, Doryphore).

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samedi 2 octobre 2021

Georgy Gurianov (1961-2013) - Vaisseau de guerre

Georgy Gurianov (1961-2013) Vaisseau de guerre Oil on canvas, 1999 The State Russian Museum, Saint Petersburg.

Georgy Gurianov (1961-2013)
Vaisseau de guerre
Oil on canvas, 1999
The State Russian Museum, Saint Petersburg

 

Georgy Gurianov était un peintre contemporain russe, membre du groupe  Cinéma, disparu assez jeune d'une longue maladie, selon l'expression consacrée.  Il se réclamait du néo-académisme russe  à travers des dessins et des peintures ayant pour sujets des athlètes, de marins et des soldats qui rappellent  beaucoup les sujets du peintre soviétique  Alexander Deïneka par leur érotisme affiché, ou de l'autre côté de l'Atlantique, le style de  Paul Cadmus.  La familiarité  avec l'ambiguïté sexuelle, comme on l'a nomme en Russie,  et l'homo-érotisme était assumée. Alors que Guryanov était réservé sur sa vie privée (et notamment sa propre orientation sexuelle), ses peintures étaient assez explicites des situations homo-sociales, en particulier celles à bord des navires de la flotte soviétique qu'il décrivit avec précision.  Perfectionniste, exigeant la même précision dans son travail que dans les corps qu'il représentait, il lui arrivait souvent  de remplacer  les têtes de seujets peints par celles  de ses amis ou de lui-même.
Guryanov passait pour un des  derniers vrais dandys de Leningrad, la ville la plus "libérale " de l'ère soviétique Tout ce qu'il faisait, il le faisait de façon exquise, des soirées dansantes légendaires dans sa mansarde sur Liteiny, aux accessoires d'un nouveau costume, à cette façon timide de sourire qui donnait à ceux qui l'entouraient l'impression d'avoir enfin trouvé grâce aux yeux d'une divinité particulièrement exigeante !

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vendredi 1 octobre 2021

Paul Cézanne (1839-1906) - Le Noir Scipion


 
 
Paul Cézanne (1839-1906)
Le Noir Scipion
"Le nègre Scipion", (titre original) 1886/88
Huile sur toile, 107 cm x 83 cm
Museo de Arte de Sao Paolo, Brasil


C'est à l'Académie Suisse que Cézanne découvrit Scipion dont on ne connait rein de l'identité exacte mais dont on sait qu'il posait  là comme modèle.  Ne voulant pas le peindre a l'Académie  Suisse, Cézanne le fit venir dans son atelier pour une unique séance de pose pendant laquelle il peignit le tableau complet  d'une touche rapide et précise. La pose fut demandée par Cézanne pour exprimer  la fatigue extrême et  démontrer que l'abolition de l'esclavage n'avait  pas supprimé l'oppression.  Sitôt peint, ce tableau fut acheté par Claude Monet qui l'accrocha dans sa chambre à coucher à Giverny ou il resta jusqu'à  son décès. Paul Cézanne a fait des recherches plastiques, en l'élaboration d'une esthétique nouvelle, pour représenter ce torse nu : pour obtenir le marron, il a fait des mélanges et il a travaillé les pigments en raison du reflet de la lumière sur la peau. Ou cours de la période 1862-1870 il utilisait une pâte épaisse et une palette sombre. Cette œuvre est une expression de la condition humaine. Les couleurs sont foncées et posées sur la toile en touches épaisses, à l'aide d'un couteau. ____________________________________________

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jeudi 30 septembre 2021

Jean-François Lagrenée (1725-1805) - Etude de nu

Jean-François Lagrenée (1725-1805) Etude de nu Collection privée
 

Jean-François Lagrenée (1725-1805)
Etude de nu
Collection privée


Lagrenée peut être considéré l'incarnation même de l'académisme français du XVIIIet début du XIXe siècle. Élève de Carle van Loo, il est admis en mars 1744 à l'École royale des élèves protégés nouvellement créée et obtient le prix de Rome en 1749. Il séjourne à l'Académie de France à Rome de 1750 à 1754. De retour à Paris, il est reçu membre de l'Académie royale le 31 mai 1755 avec L’Enlèvement de Déjanire.
Il est en Russie en 1760 où l'impératrice Élisabeth le nomme peintre de Sa Majesté et directeur de l'Académie des beaux arts de Saint-Pétersbourg à la suite de la mort de Louis-Joseph Le Lorrain.
Il revint en France exercer la même fonction au sein de l'Académie royale en 1763. Il devient successivement, adjoint-professeur, professeur, directeur de l'Académie de France à Rome, recteur, conservateur et administrateur honoraire du Musée. Le 2 octobre 1762, il est nommé professeur de peinture à l'Académie royale de peinture et de sculpture, en remplacement d'Edmé Bouchardon. Il aura pour successeur Antoine-Denis Chaudet en 1810.
Napoléon lui octroie la Légion d'honneur en 1804.
Louis-Jean-François Lagrenée meurt au palais du Louvre où il résidait.

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mercredi 29 septembre 2021

Ecole française du XVIe siècle - Portrait d'un gentilhomme, ca. 1570

Ecole française du XVIe siècle Portrait d'un gentilhomme, ca. 1570  Huile sur panneau de bois de pin ou de sapin, 32.4 × 23.7 cm - Collection privée

Ecole française du XVIe siècle
Portrait d'un gentilhomme, ca. 1570 
Huile sur panneau de bois de pin,  32.4 × 23.7 cm
Collection privée

Depuis que ce portrait d'une gentilhomme anonyme a été choisi pour illustrer la couverture d'un livre sur "les jeunes maris",   son image se trouve désormais indissociablement lié à l'image de ceux ci, bien que personne ne sache s'il a été  marié ou pas !!!  

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mardi 28 septembre 2021

Philippe Bluzot (bn.1957) - Le jeune SDF Huile sur toile


Philippe Bluzot (bn.1957) Le jeune SDF Huile sur toile, 100x 81cm Collection privée



Philippe Bluzot (bn.1957)
Le jeune SDF
Huile sur toile, 100x 81cm
Collection privée

https://www.philippebluzot.fr 

 
De son œuvre, l'artiste français Philippe Bluzot né en 1957,  parle ainsi :
"L’enregistrement visuel (photos, videos…) est la source de mon travail de peintre comme peut l’être l’enregistrement sonore pour certaines formes de musique.
Je taille dans ces matériaux pour en réaliser une composition picturale. Je capte donc des images prises dans le réel, rassemble des clichés susceptibles d’être exploités dans l’idée de réaliser un tableau ; viennent alors les premiers choix pour finalement élaborer un projet, un thème à partir d’images recomposées.
Je me confronte à des clichés qui suscitent en moi le désir de leur donner un corps, une présence ; l’acte de peindre met l’image à l’épreuve de mes sens, je pars à la conquête d’un espace; je tente de rendre visibles mes sensations, de créer un évènement.
S’élabore ainsi au gré des toiles mon propre langage plastique, une image suscitant en moi d’autres images.
Le quotidien (scènes de rues, de la vie familiale..) est ma principale source d’inspiration.
La peinture à l’huile, mon médium de prédilection, me permet de manifester le trouble du réel ; en ce sens que ce que l’on a sous les yeux n’est jamais ce que l’on imagine. Cela passe par la (re)construction d’un espace sensible où l’intervention de la main, l’emploi des pigments, la composition, les valeurs, la lumière, les recherches de matière sont autant de questionnements, de champs d’investigation sur les apparences du monde dans lequel on baigne.
Je me frotte à cette réalité et tente d’en faire apparaître ou exister une présence capable, par sa puissance visuelle, d’interpeller le regard. "

Son style  peut  être assimilé  au courant figuratif  hyper réaliste français contemporain. Les thème, quant à eux, luis sont fournis par la société ans lequel nous vivons, dont il est souvent un observateur méticuleux et sans concession.  Depuis sa première exposition en 1981 dans le cadre du Festival d'Avignon intitulée «Midi et Demie» (Sous la direction Alain Avila, il n' a cessé d 'exposer.  Le web et les réseaux sociaux amplifient aujourd'hui  l'impact de son travail et lui donne une visibilité nouvelle. 
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2021- Men Portraits
Un blog de Francis Rousseau



lundi 27 septembre 2021

Georges Seurat (1859 - 1891) - Le carrier, 1882


Georges Seurat (1859 - 1891), Le carrier, 1882, Huile sur panneau de bois, 61.3 x 97.5 cm, The Phillips Collection, Washington DC

Georges Seurat (1859 - 1891)
Le carrier, 1882
Huile sur panneau de bois, 15, 5 x 24, 7cm.
The Phillips Collection, Washington DC

Peint au Raincy, au nord-est de Paris,  Le Carrier (The Stone Breaker) est l'une des nombreuses petites esquisses à l'huile sur panneau – appelées croquetons – que Georges Seurat a peintes entre 1880 et 1883, au tout début de sa carrière. La plupart d'entre eux sont des petits portraits compacts d'ouvriers – moissonneurs, jardiniers, foins, carriers – peinant dans les champs ensoleillés et les routes de la banlieue parisienne. Le choix de  peindre ces meéiers  manuels pénibles reflée l'influence de Jean-François Millet, sur Seurat, bien que,  contrairement à Millet, Seurat ne place dans ces représentations  aucun commentaire idéologique ou social sur les difficultés de la vie paysanne. En décrivant objectivement le carrier anonyme travaillant pour aménager uneroute, Seurat partage davantage avec Courbet, qui a peint le même sujet trente ans plus tôt. Comme Courbet, Seurat juge  le carrier digne d'être représenté sans « l'assortir de littérature sur ses émotions de  travailleur". Seurat s'est également préoccupé ici de questions  plus formelles ayant un rapoprt avec la composition et de contrastes de couleur et de lumière.  

Note de la  Phillips Collection


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