Bartolomeo Passarotti (1529–1592) - Jeune courtisan des Medicis

Bartolomeo Passarotti (1529-1592)
Jeune courtisan des Medicis
Musée Condé- Château de Chantilly

Bartolomeo Passarotti ou Passerotti est un peintre et graveur italien maniériste de la Renaissance tardive connu surtout pour ses peintures sacrées et ses portraits. Membre de la Compagnie des Quatre Arts, il participa а la « querelle » pour la séparation des peintres et des membres de la corporation des Bourreliers, Gainiers et Fourbisseurs, octroyée en 1569. Portraitiste de plus en plus réputé, il s'intéressa à la fin des années 1580 à la peinture de scènes de genre. Sensible aux recherches contemporaines du naturaliste Aldovrandi, il fut un collectionneur passionné d'antiquités et de curiosités, allant jusqu'à constituer un « musée », enrichi par la suite par son fils Tiburzio. Il mourut en 1592.

 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 116 - Singer Sargent : une passion inavouable.

 

 

John Singer Sargent (1865-1925) Etude de nu de Thomas E. Mc Keller, 1917-20 Museum of Fine Arts Boston C’est fou le nombre de sujets différents que John Singer Sargent a pu peindre au cours de sa carrière. (fou). Des dames de la haute sociétés anglaise américaine, italienne et française célèbres ou anonymes, aux navigateurs élégants et solitaires sur leur yacht splendide, en passant par les nonnes dans leur couvent, les moins japonais, les montagnards aguerris, les danseuses de flamencos, les gondoliers vénitiens, les barbiers turcs, les pêcheurs, les enfants sages, les confrères artistes, les Touareghs en habits bleus, les beaux jeunes hommes en élégants costumes ou nus….. et justement puisque l’on n’en parle, arrêtons nous sur ce portrait nu de Thomas Eugène McKeller, garçon d’ascenceur à l’Hotel Vendôme de Boston…. 

 

Liens vers la documentaion : 

- LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 42 - Qui était Joseph, le modèle de Géricault ?    • LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 42 - Qui ...   

 

- DESSINS PRÉPATOIRES DU PLAFOND DU MUSÉE https://www.apollo-magazine.com/thoma...

Eugenio de Blaas (1843-1931) - Un soldat

 

Eugenio de Blaas (1843-1931)
Un soldat, 1884

Eugen(e) de Blaas, ou Eugen(e) von Blaas, ou Eugenio de Blaas est un peintre académique italien d'origine autrichienne, qui a été actif à la fin du 19e et au début du 20e siècle.
Fils du peintre d'histoire autrichien Karl von Blaas, qui sera aussi son premier professeur, Eugen de Blaas apprend son art dans les académies de Venise, Vienne et Paris. Il s'installe à Venise et peint des monuments et des paysages de la région vénitienne, mais surtout des portraits de femmes, genre dans lequel il excelle et auquel il doit sa notoriété. Son frère Julius von Blaas est un peintre animalier réputé.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°115 - Joujou le nain

 

 Le destin du célèbre nain de cour Joujou, Joseph Burowlaski de son vrai nom est tout simplement hors du commun. Né en 1739 dans une famille de petits aristocrates polonais, Joseph a cinq frères et sœurs, dont deux lilliputiens comme lui mais un autre frère plutôt très grand puisqu'il qui atteindra la taille de1m91.Mesurant à la naissance un peu plus d'une vingtaine de centimètres, Joseph en atteindra 50 cm à l'âge de 9 ans, puis 99cm à l'âge de 30 ans, fixant ainsi sa hauteur définitive qu'il gardera jusqu'à mort à l'âge très avancé de 97ans. Parfaitement proportionné, n'ayant aucune difformité, il est fort probable que Joseph ait été un nain hypophysaire c'est à dire atteint d'un déséquilibre hormonale et non pas un nain atteint d'achondroplasie une malformation osseuse, si bien physiquement, il ne vieillira quasiment pas..... (Pour connaitre la suite cliquez sur la vidéo)

Wilho Sjöström (1873-1944) - Joueurs de tennis

Wilho Sjöström (1873-1944)
Joueurs de tennis 1909
Collection privée 

Frans Wilhelm (Wilho) Sjöström est un peintre et professeur finlandais. Durant les années 1891-1893, Wilho Sjöström étudie à l'école de dessin de l'association des arts d'Helsingfors. De 1893 à 1894, il est l'élève de Akseli Gallen-Kallela à Sääksmäki. De 1894 à 1897, il étudie aussi à l'Académie Julian à Paris. En 1899, il est l'élève de Peder Severin Krøyer à Copenhague. En 1903-1904, il étudie à la Scuola libera del Nudo de Florence. Il pratique aussi son art à Rome et à Londres. Wilho Sjöström expose ses œuvres pour la première fois à Paris en 1897 et l'année suivante à Helsingfors.

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Boris Kustodiev (1878-1927)- Piotr Kapitsa (de face) et le Pr.Emenov (de profil)

 

Boris Kustodiev (1878-1927)
 Le Professeur Piotr Kapitsa (de face) et le Pr.Emenov (de profil), 1921
Collection Kapitsa, Moscou  Russie

Piotr Leonidovitch Kapitsa (Пётр Леонидович Капица, (1894-1984) (à gauche) est un physicien soviétique d'origine, lauréat de la moitié du prix Nobel de physique de 1978.
En 1946, son refus de travailler sur l'arme atomique soviétique lui vaut d'être démis de ses fonctions, qu'il ne reprend qu'en 1955, deux ans après la mort de Staline. À sa mort, en 1984, Kapitsa est le seul membre de l'Académie des sciences de Russie qui ne soit pas membre du Parti communiste. L'instabilité de type Kapitsa qu'il a décrit et analysé en 1948 porte son nom. La résistance de Kapitsa est la résistance du flux de chaleur entre l'hélium liquide et un solide produisant une discontinuité de température au niveau de l'interface. En dehors de ses travaux scientifiques, Kapitsa est devenu une figure publique très respectée pour son courage. Même dans les pires périodes de répression, il est parvenu au péril de sa vie à défendre ses collègues L.D. Landau et V.A. Fock, leur épargnant une mort certaine dans les prisons staliniennes. Il a également pris position sur divers sujets comme l'organisation de la science et les échanges scientifiques internationaux. Mais aussi dans d'autres domaines tel que l'économie et l'écologie.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°114 - Nijinky à la plage

 

 

Léon Bakst (1866-1924)
Nijinsky à la plage,1909
Collection privée

Vaslav Nijinsky (1889-1950), surnommé le « Dieu de la danse » et le véritable inventeur de la danse moderne, apparait ici presque nu, à peine recouvert d’une linge rouge attaché très haut sur la taille juste au-dessous du nombril. Cette quasi nudité d’un esthétisme presque maladif, dévoile des cuisses d’athlètes et un corps très long, idéalisé par le peintre …beaucoup plus long et effilé que ce qu’il ne parait sur la plupart des photos de son temps. Nijinsky forgea sa fabuleuse légende en à peine 10 années. Entre 1909 et 1919 exactement. En effet il ne dansa plus jamais après 1919 et arrêta toute activité à l’âge de 30 ans. C’est précisément en 1909 que nous le voyons ici, à l’âge de 20 ans , l’année où fut créé le premier ballet qu’ il dansa, Cléopâtre dans une chorégraphie de Michel Fokine. Dix ans et à peine 20 ballets, sans mauvais jeux de mots, pour devenir un mythe avec Schérazade, Le Talisman, Carnaval, Petrouchka, l’Oiseau de Feu et Le Spectre de la Rose en 1911. Il y aussi Le Dieu Bleu ou il incarne Krishna, Daphnis et Chloé puis sur ses propres chorégraphies "L’Après Midi d’un Faune "en 1912 , Jeux en 1913, le fabuleux "Sacre du Printemps "la même année.... Pour connaitre la suite, écoutez ce podcast.

 

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Frans Pourbus the Elder (1545 - 1581) ou Adriaen Thomasz Key (c. 1544 - 1589) - Portrait d'homme

 

Аttributions à  Frans Pourbus the Elder (1545 - 1581) ou Adriaen Thomasz Key (c. 1544 - 1589) 

Portrait d'homme (détail), 1580
The Kremer Collection, The Hague, The Netherlands

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 113 - Bonaparte et son dircom Tante Urlurette

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)
Portrait de Bonaparte, Premier Consul, 1803
Château de Versailles

 

Joli portrait mais vilaine posture. Si l'on croit l'abbé Jean Baptiste de la Salle, maitre des élégances de son temps : «Il est assez courant et recommandé de poser le bras droit sur la poitrine ou sur l'estomac, en mettant la main dans l'ouverture de la veste, à cet endroit, et de laisser tomber la gauche en pliant le coude. En général, il faut tenir les bras dans une situation qui soit honnête et décente.» La main dans le gilet fut donc une posture honnête et décente que Napoleon Bonaparte adopta lui aussi mais ce n'est pas celle qu'on lui voit sur ce portrait. Plusieurs autres postures d'ailleurs précéderont celles de la main dans le gilet. Pour connaitre la suite, écoutez ce podcast...

Jakob Seisenegger (1505-1567) - Portrait de Ferdinand II, archiduc d'Autriche,

 

Jakob Seisenegger (1505-1567)
Portrait de Ferdinand II, archiduc d'Autriche, comte de Tyrol et de l'Autriche, 1548
Huile sur toile (184,5 x 89 cm)
Kunsthistorisches Museum, Gemäldegalerie, Vienne


Jakob Seisenegger (1505-1567) était un peintre autrichien au service de Charles Quint. Il s'acquit une réputation internationale par ses portraits en pied, dont la mise en scène devait être reprise par de nombreux artistes comme François Clouet.
 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 112- Les JAKUSA du Baron Raimund von Stillfried

 

 

Baron Raimund von Stillfried (1839-1911) Deux hommes tatoués du Japon féodal Photographie de 1870 colorisée par Kusakabe Kimbei (1841-1934) Paul Getty Museum, Los Angeles Ces deux hommes tatoués photographiés par le baron autrichien Raimund von Stillfried en rupture de banc avec l’empire austro-hongrois, font partie de toute une série de portraits qu’il immortalisa dans son atelier de Yokohama qui fut actif jusqu’en 1877 avant qu’il n’en cède le fond, à son fils spirituel et coloriste favori, Kusakabe Kimbei. Parmi les portraits du baron Raimond von Stillfried colorisés par Kimbei, qui compte nombres de Geishas, de kimonos à l’éventail, de scènes de maisons de thés et autres voyages pittoresques en palaquins, ceux des hommes sont les plus troublants de vérité malgré les temps de pose très longs d’alors. Et parmi ces portraits d’hommes, ceux des samouraïs et des hommes tatoués que l’on appelait les 8,9,3, chiffres qui se prononcent respectivement en japonais Ya-ku-sa, restent encore aujourd’hui, 150 ans plus tard, les plus extraordinaires. Liens complémentaires à consulter : 

-  LES TABLEAUX QUI PARLENT n° 30 - Mishima, athlète de sa propre vie ?

 https://www.youtube.com/watch?v=u1Gw2... 

- Photos du Baron Raimund von Stillfried (1839-1911)

  https://www.getty.edu/art/collection/... 

- Photos de Kusakabe Kimbei https://www.getty.edu/art/collection/...

Camée - Souverain hellénistique assimilé à Arès.

Camée,
Souverain hellénistique assimilé à Arès.
Sardonyx à deux couches,
IIe siècle av. J.-C.
BnF Cabinet des médailles, Paris

Le scarabée égyptien était la forme primitive et embryonnaire du camée proprement dit. Ce sont les Égyptiens et les Orientaux qui ont appris aux Grecs à graver en relief des gemmes de cristal, de cornaline et de jaspe ; mais, si le procédé technique du camée est issu de la glyptique pharaonique, c'est aux Grecs qu'il appartiendra, en s'affranchissant des modèles égyptiens, de devenir des novateurs dans l'art de graver les pierres fines. Aux carapaces de scarabées, les Grecs substituaient des masques de Silène, des têtes de Gorgone, de nègre, des animaux, qui rappelaient, par le galbe général seulement, la forme scarabéoïdale traditionnelle. Du VIIe au IVe siècle avant notre ère les camées furent monochromes ; au IVe siècle, la gravure des pierres fines, participant à la période de splendeur qui s'ouvrait pour la Grèce, subit une transformation ; le lithoglyphe grava sur des agates de plusieurs couleurs de véritables bas-reliefs en miniature, sur lesquels il multiplia les personnages, traduisant les épisodes les plus compliqués de la mythologie. Les dimensions, la forme des gemmes, le style et le choix des sujets se transformèrent. Le plus habile des graveurs en pierres fines fut Pyrgotèle. Bien que, dès le VIe siècle, les lithoglyphes grecs aient signé leurs œuvres, il n'est resté aucune gemme signée de cet artiste.

Les Romains avaient connu de toute antiquité les gemmes taillées, mais ce ne fut qu'au cours du Ier siècle avant notre ère qu'ils recherchèrent les gemmes gravées en relief, dont les premières furent connues grâce à la dactyliothèque (écrin de pierres gravées et de camées) de P. Aemilius Scaurus, beau-fils de Sylla, et à la collection de joyaux et de camées de Mithridate, déposée par Pompée dans le temple de Jupiter Capitolin.

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Édouard Manet (1832-1883) - Le vieux musicien

Édouard Manet (1832-1883)
Le vieux musicien (1862)
Huile sur toile, 186 x 247 cm.
National Gallery, Washington DC (Chester Dale Collection).

Édouard Manet, est un peintre et graveur français majeur de la fin du 19e siècle. Précurseur de la peinture moderne, qu'il affranchit de l'académisme, Édouard Manet est à tort considéré comme l'un des pères de l'impressionnisme: il s'en distingue en effet par une facture soucieuse du réel qui n'utilise pas (ou peu) les nouvelles techniques de la couleur et le traitement particulier de la lumière. Il s'en rapproche cependant par certains thèmes récurrents comme les portraits, les paysages marins, la vie parisienne ou les natures mortes, tout en peignant de façon personnelle, dans une première période, des scènes de genre : sujets espagnols notamment d'après Vélasquez et odalisques d'après Le Titien.
Il refuse de suivre des études de droit et il échoue à la carrière d'officier de marine militaire. Le jeune Manet entre en 1850 à l'atelier du peintre Thomas Couture où il effectue sa formation de peintre, le quittant en 1856. En 1860, il présente ses premières toiles, parmi lesquelles le Portrait de M. et Mme Auguste Manet.
Ses tableaux suivants, Lola de Valence, La Femme veuve, Combat de taureau, Le Déjeuner sur l'herbe ou Olympia, font scandale. Manet est rejeté des expositions officielles et joue un rôle de premier plan dans la « bohème élégante ». Il y fréquente des artistes qui l'admirent, comme Henri Fantin-Latour ou Edgar Degas, et des hommes de lettres comme le poète Charles Baudelaire ou le romancier Émile Zola, dont il peint un portrait, Portrait d'Émile Zola. Zola prend activement la défense du peintre au moment où la presse et les critiques s'acharnent sur Olympia. À cette époque, il peint Le Joueur de fifre (1866), le sujet historique de L'Exécution de Maximilien (1867) inspiré de la gravure de Francisco de Goya. Son œuvre comprend des marines comme Clair de lune sur le port de Boulogne (1869) ou des courses : Les Courses à Longchamp en 1864, qui valent au peintre un début de reconnaissance. Après la guerre franco-allemande de 1870, à laquelle il participe, Manet soutient les impressionnistes, parmi lesquels il a des amis proches comme Claude Monet, Auguste Renoir ou Berthe Morisot, laquelle devient sa belle-sœur et dont sera remarqué le célèbre portrait, parmi ceux qu'il fera d'elle, Berthe Morisot au bouquet de violettes (1872). À leur contact, il délaisse en partie la peinture d'atelier pour la peinture en plein air à Argenteuil et Gennevilliers, où il possède une maison. Sa palette s'éclaircit, comme en témoigne Argenteuil de 1874. Il conserve cependant son approche personnelle faite de composition soignée et soucieuse du réel, et continue à peindre de nombreux sujets, en particulier des lieux de loisirs comme Au Café (1878), La Serveuse de Bocks (1879) et sa dernière grande toile, Un bar aux Folies Bergère (1881-1882), mais aussi le monde des humbles dans Paveurs de la Rue Mosnier ou des autoportraits (Autoportrait à la palette, 1879).
Manet parvient à donner des lettres de noblesse aux natures mortes, genre qui occupait jusque-là dans la peinture une place décorative, secondaire. Vers la fin de sa vie (1880-1883), il s'attache à représenter fleurs, fruits et légumes en leur appliquant des accords de couleur dissonants, à l'époque où la couleur pure meurt, ce qu'André Malraux est un des premiers à souligner dans Les Voix du silence. Le plus représentatif de cette évolution est L'Asperge, qui témoigne de sa faculté à dépasser toutes les conventions. Manet multiplie aussi les portraits de femmes (Nana, La Blonde aux seins nus, Berthe Morisot) ou d'hommes qui font partie de son entourage. À partir des années 1880, il est de plus en plus reconnu. Il reçoit la Légion d'honneur le 1er janvier 1882. Cependant, victime de syphilis et de rhumatismes, il souffre, depuis 1876, de sa jambe gauche, qu'il faudra finalement amputer.
En 1883, Édouard Manet meurt à 51 ans de la syphilis et d'une gangrène qu'il a contractée à Rio de Janeiro, et laisse plus de quatre cents toiles, des pastels, des esquisses et des aquarelles. Ses plus grandes œuvres sont visibles dans la plupart des musées du monde, particulièrement au musée d'Orsay à Paris.
Ni impressionniste, ni réaliste, Manet adresse aux critiques d'art des questions restant sans réponse

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Francis Harwood (1726-1783) - Buste d'homme

Francis Harwood (1726-1783)
Buste d'homme, 1758
Calcaire noir sur socle en marbre jaune
Yale Center for British Art, Yale University, New Haven, Connecticut. 

On ne sait rien de la naissance ou de la formation de Francis Harwood. Sa première œuvre enregistrée, un buste de Faustine au château d'Ashby, en Angleterre, est datée de 1748. Plus tard, s'établissant à Florence, Harwood devint l'un des principaux fournisseurs de sculptures pour les aristocrates anglais visitant Florence lors du Grand Tour. La plupart de son œuvre connue est constituée de copies d'après l'antique ; ses propres compositions ont également été créées dans un style classicisant. Il réalise également des sculptures décoratives comme des vases en marbres colorés. Signe que son travail était apprécié en Italie, en 1758, il fut chargé d'exécuter des sculptures pour un arc monumental à Florence.

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Dominique Vivant Denon (1747–1825) - Croquis de Voltaire à l'âge de 81 ans

Dominique Vivant Denon (1747–1825)
Croquis de Voltaire à l'âge de 81 ans
The MET, NewYork

 
Dominique Vivant, baron Denon, dit Vivant Denon ou Dominique-Vivant Denon,  est un graveur, écrivain, diplomate et administrateur français.
Devenu directeur général des musées, il s'illustre dans l'organisation du musée du Louvre. À ce titre, il est considéré aujourd'hui comme un grand précurseur de la muséologie, de l'histoire de l'art et de l'égyptologie.
En 1775, le ministre des Affaires étrangères Charles Gravier de Vergennes lui confie une mission secrète en Suisse, que Denon remplit avec habileté. Il profite du voyage pour rendre visite à Voltaire à Ferney et dessine, avec l'accord de son hôte, le Déjeuner de Ferney (4 juillet 1775), puis son portrait. Les dessins sont diffusés ensuite par la gravure. Le réalisme exaspère Voltaire, qui est fort mécontent du portrait que Vivant Denon dresse de lui en « singe estropié » et le fait savoir par une correspondance nourrie.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°111 - LA REINE CHARLOTTE D'ANGLETERRE ÉTAIT-ELLE NOIRE ?

 

Allan Ramsay (1713–1784)
Portraits de la reine Charlotte Sophia huile sur toile, 1761et 1762
Oxbridge College Art collection 

 

La reine Charlotte d’Angleterre (1744-1818) née Charlotte de Mecklembourg-Strelitz était elle blanche, noire ou métisse? Dans sa série à succès, consacré aux amours passionnés de le Reine Charlotte et du roi Georges III, Netflix a tranché et opté pour une reine noire dont le rôle est tenu par l’actrice Golda Rosheuvel. Netflix s’appuie sur une thèse émise par l'auteur jamaïco-américain J.A. Rogers dès les années 1940. Elle affirme que la reine Charlotte bien qu’allemande comme la plupart des membres de la famille royale britannique, auraient contenu dans son arbre généalogique par ces liens dynastiques avec la famille royale portugaise des ancêtres africains, agrégés aux branches dès les premiers temps de la colonisation de l’Angola, deux siècles plus tôt, en 1575 et ce, par le biais de Margarita de Castro y Sousa. Pour en savoir plus, écoutez le podcast..

Jules-Eie Delaunay (1828-1891) - Portrait de Jehan-Lois Tanguy

 

Jules-Eie Delaunay (1828-1891)

Portrait de Jehan-Lois Tanguy, 1876.

 

Jules-Élie Delaunay entre en 1848 à l'École des beaux-arts de Paris, où il est l'élève d'Hippolyte Flandrin et de Louis Lamothe. Second grand prix de Rome en 1856, avec Henri-Pierre Picou, il séjourne quatre ans à la villa Médicis. À son retour à Paris, il se spécialise dans les grandes compositions et reçoit d’importantes commandes de l'Église ou de l'État. Ses œuvres ornent l’Opéra Garnier, l’escalier d’honneur de l’hôtel de ville de Paris et la nef du Panthéon (Paris) où se trouvent les panneaux représentant sainte Geneviève et Attila. Il met tant d’application dans la réalisation de cette dernière commande qu'au bout de quinze ans, l'œuvre n’est toujours pas achevée
Delaunay est élu membre de l'Académie des beaux-arts en 1879 et devient chef d'atelier à l'École des beaux-arts de Paris en 1889. Ami du mélomane fortuné et académicien Ernest Legouvé, Delaunay est chargé de l’éducation artistique de son petit-fils, le futur peintre George Desvallières. Ensemble, ils visitent le Tessin en 1884. Plus tard, Delaunay le présente à Gustave Moreau. Ce dernier et Delaunay sont les témoins du mariage de George Desvallières et Marguerite Lefebvre en 1890.
Son portrait en médaillon, dont un exemplaire est conservé au Metropolitan Museum of Art de New York, a été réalisé en 1890 par le sculpteur Jules Chaplain
Il meurt le 5 septembre 1891 à son domicile parisien, au 58, rue Notre-Dame-de-Lorette dans le 9e arrondissement. Il est inhumé au cimetière Miséricorde de Nantes.

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Christian Bérard (1902-1949) - Portrait d'un jeune homme

Christian Bérard (1902-1949)
Portrait d'un jeune homme, 1927
Collection particulière

Christian Jacques Bérard, couramment surnommé « Bébé » car il était assez joufflu, est un peintre, illustrateur, scénographe, décorateur et créateur de costumes français, Après des études au Lycée Janson-de-Sailly à Paris, il entre en 1920 à l'Académie Ranson. Très tôt dans sa vie, il est attiré par le théâtre dont il deviendra l'un des principaux créateurs de décors et de costumes au cours des années 1930 et 1940. Il travaille dès 1930 en étroite collaboration avec Jean Cocteau et Louis Jouvet, pour lesquels il réalise entre autres les costumes et/ou les décors de La Machine infernale (1934), L'École des femmes (1935), La Folle de Chaillot (1945) de Jean Giraudoux, Les Bonnes (1947) de Jean Genet et Dom Juan de Molière (1948), sa contribution la plus célèbre demeurant en 1946 la conception des décors et des costumes du film de Jean Cocteau, La Belle et la Bête. Avec Boris Kochno, il formait un couple très en vue dans l les milieux mondains parisiens. En 1945, tous deux assurèrent la direction artistique du mythique Théâtre de la Mode.  

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Francois Xavier Fabre (1766-1837) - La mort d'Abel

Francois Xavier Fabre (1766-1837)
La mort d'Abel (1790).
Musée Fabre, Montpellier

François-Xavier Fabre né à Montpellier est un collectionneur d'œuvres d'art et un peintref rançais du mouvement néo-classique
 

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Alice Néel (1900-1984) - Men Only

 

 
Alice Néel (1900-1984)
Men Only
Victoria Miro Gallery

 

 

Alice Néel est une artiste visuelle américaine, particulièrement connue pour sa peinture à l'huile et pour ses portraits nus. Il s'agit d'une peinture sans fard, qui ne cède pas à la tentation des mouvements picturaux en vogue (l'impressionnisme dans ses années de formation, le surréalisme dans l'entre-deux-guerres, le pop art ... puisqu'elle a traversé à peut près tous le 20e siècle, et qui se démarque des canons habituels sur la représentation aussi bien de la féminité que de la virilité.
Les peintures d'Alice Neel sont remarquables pour leur utilisation expressionniste de la ligne et de la couleur, la perspicacité psychologique et l'intensité émotionnelle.
Communiste des le milieu des années 1930, elle réalise dans les années 1940 des illustrations pour la publication communiste, Masses & Mainstream, tout en continuant à peindre. Cependant, en 1943, la Work Projects Administration cesse de travailler avec elle, ce qui lui réduit ses revenus. Elle en vient à voler à l’étalage.
Dans les années 1950, l'amitié de l’acteur Mike Gold et son admiration pour son travail lui valent un spectacle au New Playwrights. En 1959, elle fait une apparition avec le jeune Allen Ginsberg dans un film beatnik, Pull My Daisy, de Robert Frank.
L'année suivante, son travail est présenté dans le magazine ARTnews. C’est essentiellement dans les années 1960 que sa notoriété se renforce. Son portrait de Kate Millet pour la une de Time Magazine le 31 août 1970 contribue aussi à la faire connaître.
En 1974, le Whitney Museum of American Art lui a consacré une rétrospective.


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Annibale Carracci (1560-1609) - Allegorie du fleuve

 

Annibale Carracci (1560-1609)
Allegorie du fleuve c.1592.

La grande œuvre d'Annibale Carracci (dit aussi Le Carrache) à Rome est un travail à fresque, exécuté pour le décor du Camerino et de la galerie du palais Farnese. La plupart des historiens d'art estiment que cette galerie pose réellement le premier jalon de la peinture moderne.
L'iconographie de cette galerie est inhabituelle au regard des règles de l'époque. En effet dans ce lieu d’honneur des demeures romaines, qu'est la galerie, on décore habituellement les plafonds par de grands moments de la famille, ou des légendes héroïque. Rien de tout cela dans le Palazzo Farnese dont le propriétaire est alors un cardinal, mais un thème totalement décalé, en l'occurrence : le pouvoir universel de l'amour. Une des interprétations de cette iconographie la lie au mariage entre le duc de Parme et Marguerite Aldobrandini en 1600, mais d'autres interprétations ont cours.
Plusieurs références peuvent être identifiées, comme Michel-Ange (Chapelle Sixtine) pour la monumentalité et Raphaël (Villa Farnesina) pour la grâce des nus féminins. De nombreux procédés illusionnistes, comme la « quadratura » (système proprement Bolonais, prolongeant l’espace réel par un espace fictif dans les angles), ou le « quadririportati » (« tableaux rapportés », avec un cadre, donnant l’impression de toiles de chevalet accrochées) sont utilisées. De même, bien que tout soit entièrement peint, des Hermès et des Atlantes donnent l'illusion de stucs, des médaillons évoquent des bronzes, et l'accumulation d’éléments sur les parois comme les sculptures antiques situées dans des niches participent encore de l'illusion…
La bacchanale qui constitue le tableau central montre clairement plusieurs sources d'inspiration, telles que la Bacchanale de Titien, les Noces de Psyché de Raphaël et des sarcophages antiques (qualités sculpturales, frise, fluidité, jeu de contraposto). On y note la présence d’humour et de sarcasme, comme dans les léopards un peu ridicules, et une complexité savante. Cette galerie inspirera fortement de nombreux peintres dont Poussin et Rubens.
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LES TABLEAUX QUI PARLENT n° 110 - Adam et Eve : premiers réfugiés sexuels?

 

 

 

 

Mais qu’ont ils donc faits ces deux là pour mériter un sort aussi définitif ? sans aucune possibilité de retour ? Pas de deuxième chance ! Chassés à jamais du Paradis terrestre, ça ne peut pas être juste une histoire de taxe foncière ou de loyer impayés ! et surtout si l’on en croit les livres sacrés de toutes sortes, pourquoi nous ont ils tous entrainer, tout le genre humain dans leur histoire ? Moi je ne me sens en rien responsable de la connerie qu’ils ont faits, oh pardon, de la faute commise. Encore faudrait il déjà savoir de quelle nature est cette faute? Depuis que le monde est en capacité de réfléchir, des milliers, de lettres, de philosophes et de penseurs de tous acabits , se sont penchés sur la question sans jamais cependant apporter de réponses convaincantes. 

 

Podcast quinzabdomadaire culturel, éducatif et ludique francophone

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Barbara Hepworth (1903-1975) - Surgery

Barbara Hepworth (1903-1975)
Surgery, circa 1949
Oil & pencil on paper on board

 

Barbara Hepworth est une sculptrice et artiste peintre britannique qui fit des études en arts plastiques en 1920 à la Leeds College of Art and Design puis au Royal College of Art de 1921 à 1924, où elle rencontre le sculpteur Henry Moore. Son œuvre s'inscrit dans la recherche d'une forme idéale, mais une forme idéale qui reste dépendante d'une conception esthétique classique. Cette forme idéale se fonde sur une idée de la beauté, qui, d'inspiration classique, trouve des traits dans la conception formelle de la Grèce antique. Elle veut donner à son œuvre une unité parfaite. Ainsi, dans la publication de Unit One en 1934, elle écrit que son objectif est de « projeter dans un médium plastique un peu de la vision abstraite et universelle de la beauté. »Ainsi, à la différence de Moore, les trous ont une fonction esthétique et non dynamique, car ils offrent une variété infinie de courbes, donnant à la nature la capacité de reprendre ses droits sur l'œuvre. La sculpture s'intègre dans l'espace, elle « fait corps » avec l'espace.

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Corneille de Lyon (1510–c.1574) - Portrait d'un inconnu

 

 

 

 

Corneille de Lyon (1510–c.1574)

 Portrait d'un inconnu, c.1540

 Bristol Museum & Art Gallery 

Les portraits de Corneille de Lyon sont généralement de très petit format.
Schéma familier dans ses compositions, les personnages et la tête principalement sont reproduits la tête orientée à gauche ou à droite. La lumière provient souvent de gauche.
On peut imaginer que les modèles posaient tous dans l'atelier de Corneille.

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Augustus Edwin John (1878–1961) - Portrait of Edwin John

 

 

Augustus Edwin John (1878–1961) 

Portrait of Edwin John (1905–1978)

Collection privée

Augustus Edwin John, est un peintre, dessinateur et graveur britannique, qui fit partie du Camden Town Group, fondé par Walter Sickert. Plusieurs œuvres d'Augustus John sont exposées à la National Portrait Gallery de Londres, parmi lesquelles un portrait de Lady Ottoline Morrell et deux portraits de Lawrence d'Arabie, l'un sur toile et l'autre au crayon.
Il a été élu membre de la Royal Academy (RA) le 5 décembre 19282 et a été fait membre de l'Ordre du Mérite britannique (OM) en 1942.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°109 - Le destin bollywoodien des Bourbon des Indes

 

 

Portrait Officiel de Balthazar Napoleon IV de Bourbon Bhopal en compagnie de son épouse la princesse Elisha et ses héritiers, la princesse Michelle  et le prince Adrian  ; l'ainé le  prince Frederic ne figure pas sur la photo et vit en Californie.
On connait les Bourbon Parme, Les Bourbon Sicile, les Bourbon Busset, les Bourbon Duisan, les Borbon y Borbon qui règnent sur l'Espagne actuelle,  on connait  mêmes les Bourbon l’Archambault, les Bourbon on the rocks, cul sec,  mais qui connait les Bourbon Bhopal dit aussi Bourbon des Indes ?
Et oui c'est bien de la branche indienne des Bourbon qu'il s'agit. Celle la même qui, selon toute vraisemblance, remonterait au 16e siècle après une aventure du Connétable de Bourbon (1490- 1527) avec une princesse moghol…
Les Bourbon Bhopal posent ici sur le perron de leur palais... Bourbon évidement...accessoirement Palais de Soukat Mahal à Bhopal dans l'Etat du Madhya Pradesh.

 

Pour connaitre la suite, écouter les podcast...

George Caleb Bingham (1811–1879) -The Wood Boat

 

 

George Caleb Bingham (1811–1879)
The Wood Boat (1850)
Oil on canvas
The Saint Louis Art Museum 

George Caleb Bingham est à la fois le peintre du mythe américain, représentant des scènes qui soulignent le rôle positif des colons dans l'apport de la civilisation vers les terres sauvages, amis aussi celui de la vie quotidienne des citoyens ordinaires. Ses scènes de chasse et scènes de la vie quotidienne sur les fleuves, et notamment le Mississippi, ont contribué à forger sa renommée nationale dès 1840.
En 1848, il est élu à l'Assemblée générale du Missouri, devenant ainsi l'un des rares artistes à avoir été un homme politique de l'État. Membre du Parti démocrate, il exprime sa passion pour la politique en peignant une série de tableaux représentant la liesse populaire lors des périodes d'élections.
Tombées dans l'oubli après sa mort, ses œuvres, qui sont associées au mouvement du Luminisme américain, sont redécouvertes dans les années 1930. Un de ses tableaux les plus célèbre Les Marchands de fourrures descendant le Missouri (1845), est exposé au Metropolitan Museum of Art de New York.

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Frederic Remington (1861-1909) -The Cow Puncher

 

Frederic Remington (1861-1909)
The Cow Puncher, 1910
Oil balck and white.
Sid Richardson Museu, Fort Worth, Texas 

 

Frederic Sackrider Remington fut un peintre, dessinateur et sculpteur américain qui se spécialisa dans la description de l'Ouest américain. Né à Canton, dans l'Etat de New York, il passa son enfance à chasser et à monter à cheval tout en commençant à réaliser quelques croquis et dessins. Il a suivi des cours d'art à l'université de Yale, où il trouvait le football et la boxe plus intéressants que l'art. А la mort de son père, il devient employé de bureau et s'établit à Albany. Puis il fait son premier voyage dans l'Ouest et devient "homme d'affaires" à Kansas City. Dans la foulée, il publie ses illustrations et ses dessins dans des publications telles que le Collier's Weekly et Harper's Magazine.
Alors qu'il est devenu mondialement célèbre pour ses descriptions de la vie dans l'Ouest américain, en peignant aussi bien les cow boys que les indiens et leurs chevaux, Remington n'a visité la région qu'à deux ou trois reprises, en y restant quelques mois seulement. Ces descriptions de la vie des pionniers avant que le Far West ne soit mis en valeur par le cinéma et que ce genre de vie ne disparaisse, sont des documents inestimables.
En 1892, il part en voyage en Russie et tombe en admiration devant les bronzes de Lanceray, dont il avait pu découvrir des œuvres exposées à Philadelphie en 1876. Il s'en inspira pour créer sa célèbre série de bronzes Bronco Buster.
En 1898, il se fait engager par William Randolph Hearst, pour devenir correspondant de guerre et illustrateur du conflit hispano-américain de 1898. Il s'ennuie très vite dans ce travail, mais il rend tout de même compte de la bataille de San Juan Hill et dessine l'assaut des forces américaines menées par Theodore Roosevelt.
Obèse, victime d'une très mauvaise hygiène alimentaire et d'une déplorable hygiène de vie, Frederic Remington meurt d'une appendicite aggravée en péritonite.
Son oeuvre sur l'Ouest américain a influencé la photographie du film La Charge héroïque de John Ford. Frederic Remington fut aussi le personnage central du tome 40 des Aventures de Lucky Luke, L'Artiste peintre dans lequel le cowboy qui tire plus vite que son ombre assure la protection dans l'ouest américain. C'est dans cet album que l'on apprend d'ailleurs que Frederic Remington avait la mauvaise habitude de brûler les toiles qui ne lui plaisaient plus. Et c'était vrai ! Bon nombre de témoignages sans doute fabuleux ont ainsi disparu à tout jamais.

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Felix Vallotton (1865-1925) - Vuillard dessinant à Honfleur

Felix Vallotton (1865-1925)
Vuillard dessinant à Honfleur, 1902
Huile sur carton, 81.7 x 59.9. cm
Musée des Beaux Arts de Montréal, Canada

Félix Vallotton a produit un très grand nombre d’œuvres : 1 704 peintures répertoriées, 237 gravures et des centaines d'illustrations de livres ou revues. C'est vraisemblablement à l’instigation de son ami Charles Maurin que Félix Vallotton s’engage en 1891 dans la gravure sur bois, à une époque où la lithographie en couleur était très en vogue. La xylographie lui permet de réaliser des estampes expressives, en aplats francs de noir sur blanc, qui lui confèreront une renommée internationale. Celles-ci se caractérisent par leurs thèmes singuliers et un style minimaliste très synthétique, incisif, renforcé par l'absence de dégradé : on y voit des scènes de vie marquantes surgir dans un environnement d'un noir profond, exprimant des tensions latentes. Dès 1894, le graveur s’oriente vers des sujets plus intimes où l’arabesque ornementale et l’expansion du noir se déploient.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 108 - JÉHANNE, PRINCESSE ROYALE ? BERGÈRE ?

 

Jean Pichore (peintre enlumineur actif de 1502 à 1521)
Portrait de Jeanne La Pucelle d’Orléans, vers 1504 -1505
Miniature ornant « Les vies des femmes célèbre »s d'Antoine Dufour,
Musée Dobrée, Nantes, 

Podcast culturel, éducatif et ludique pour francophones 

Plus de 600 ans après sa mort, la vie de la plus figure la plus marquante de l’Histoire de France reste toujours un mystère. Celle qui a gagné toutes les batailles décisives pour sauver la France a la seule force de son étendard et sans jamais avoir tué le moindre soldat ennemi - car Jeanne n’a jamais occis un seul de ses semblables - était-elle la gentille bergère un peu schizophrène de la légende ou, comme le pense certains, une princesse du sang, la demi sœur même de ce roi qu’elle veut sauver à tout prix ? Pour le savoir écouter ce podcast... 

 

Autres podcast a consulter en rapport avec ce sujet :

    • LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 105 - Gil...  

    • LES TABLEAUX QUI PARLENT  N° 70 - Jea...  

Antoine Fort-Bras (?-1690) -Trompe-l’oeil au nu académique

 

 

Antoine Fort-Bras (?-1690)
Trompe-l’oeil au nu académique
Collection privée

Antoine Fort-Bras ou Forbera est un artiste peintre français ou vénitien, connu pour ses trompe-l'œil. Peu d'éléments de la carrière d'Antoine Fort-Bras sont connus. Il serait d'origine vénitienne et serait venu à Avignon pour travailler. Il est mort en 1690 à Avignon, sur le chantier de la construction de la basilique métropolite Notre-Dame des Doms, à la suite d'une chute d'un échafaudage. D'autres sources le disent condamné à mort. L'œuvre la plus importante du corpus d'Antoine Fort-Bras, Le Chevalet du peintre, datée et signée « A. F. B. pinx., A. 1686 » est conservée au musée Calvet, à Avignon. Il s'agit d'un trompe-l'œil figurant un chevalet, sur lequel est présenté une copie en contre-partie de Au royaume de Flore de Nicolas Poussin. Un autre petit tableau, ainsi que trois estampes, sont également figurés. L'une des estampes, en sanguine, est une interprétation du tableau de Poussin. Les deux autres estampes sont probablement des eaux-fortes de Sébastien Leclerc et de Gabriel Pérelle. D'autres toiles en trompe-l'œil attribuées à Antoine Fort-Bras sont connues : Trompe-l'œil du marquis de Mauny, en collection privée et Les trois âges de la vie, conservé au musée Massey de Tarbes.

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Jean Lurçat (1892-1966) - Solitaire au café

Jean Lurçat (1892-1966)
Solitaire au café (1921)
Gouache et crayon sur papier, 39.8 x 28.2 cm
Collection privée.

Le peintre, céramiste et créateur de tapisseries monumentales français, Jean Lurçat doit principalement sa notoriété à ses travaux de tapisserie dont il rénova en profondeur le langage. Après des études dans l'atelier de Victor Prouvé, le chef de l'Ecole de Nancy, Jean Lurçat s'installe à Paris où s'inscrit à l'académie Colarossi puis à l'atelier du graveur Bernard Naudin. Il découvre alors Matisse Cézanne, Renoir. l devient ensuite apprenti auprès du peintre fresquiste Jean-Paul Lafitte avec lequel il mène, en 1914, un premier chantier à la faculté des sciences de Marseille.
En 1917, Jean Lurçat fait exécuter par sa mère, ses premiers canevas : Filles vertes et Soirées dans Grenade. Dès la fin de la guerre, en 1918, il revient en Italie où il passe, en 1919 des vacances en compagnie de Rilke, Busoni, Hermann Hesse et Jeanne Bucher. Sa deuxième exposition se tient à Zurich cette année-là.
En 1920, il s'installe à Paris avec Marthe Hennebert (qui avait été, à partir de 1911, la muse de Rainer Maria Rilke). C'est elle qui tisse au petit point deux tapisseries : Pêcheur et Piscine. Il expose cette année-là au Salon des indépendants deux tapisseries et quatre toiles. En 1927, il décore le salon de la famille David Weill : il s'agit de quatre tapisseries au petit point et réalise L'Orage pour Georges Salles (Musée d'art moderne) ). En 1928. il fait sa première exposition à New York.
En 1930, il expose à Paris, Londres, New-York, Chicago.
En juillet 1937, à Angers La vision de L'Apocalypse (14e siècle) provoque chez lui un choc esthétique et artistique annonciateur de l'œuvre à venir. En 1938, Moisson (2,75 × 5,50 m) est tissée chez Tabard. La manufacture de Beauvais tisse les tapisseries pour quatre fauteuils, un divan et un paravent destinés à accompagner la tenture d'Icare. En 1939, il expose à New-York et Paris . En septembre, il s'installe à Aubusson avec Gromaire et Dubreuil pour essayer de redonner vie à la tapisserie qui, à l'époque, subit une grave crise. Il met au point un nouveau langage technique : carton numéroté, palette réduite, tissage robuste à large point. Et désormais, il abandonne le travail à l'huile au profit de la gouache
En 1944, ses tapisseries sont exposées à Paris et ses peintures à New-York.
Comblé d'honneur et au fait de la gloire, Jean Lurçat meurt subitement en janvier 1966 à Saint Paul de Vence. Sur sa tombe un soleil gravé dans la pierre avec une devise : « C'est l'aube ». Ces deux mots sont le début de la phrase, écrite par lui, qu'il avait fait graver sur son épée d'académicien :
« C'est l'aube d'un temps nouveau où l'homme ne sera plus un loup pour l'homme… ». 

 Il semble qu'il se soit trompé sur ce point ! 

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Nicolas de Staël (1914-1955) - Les Musiciens, souvenir de Sidney Bechet

 

Nicolas de Staël (1914-1955)
Les Musiciens, souvenir de Sidney Bechet
Huile sur toile, 162 x 114 cm, 1952-1953,
Centre Pompidou, Paris

Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine» alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère : " on y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son oeuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.

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