Pellegrino Tibaldi (1527-1596) - Etude de silhouette pour Eole

Pellegrino Tibaldi (1527-1596)
Etude de silhouette pour Eole
The MET, NYC

 

Pellegrino Tibaldi ou Pellegrino di Tibaldo de Pellegrini dit il Pellegrini est un peintre italien de la Renaissance et un architecte appartenant à l'école lombarde.
Fils d'un tailleur de pierres, je jeune Pellegrino accomplit sa formation culturelle à Bologne, comme peintre à l'école de Bartolommeo Ramenghi dit il Bagnacavallo, et comme architecte dans l'ambiance des nouveautés apportées par Giulio Romano et Sebastiano Serlio. Puis il séjourne à Rome pendant deux années où il est au contact des œuvres de Michel-Ange et de quelques-uns des maniéristes (dont Perin del Vaga), qui l'influencent dans ses premières œuvres, comme la décoration de l'appartement de Paul III au Castel Sant'Angelo. Il effectue ensuite de nombreuses commandes pour le cardinal Luigi Poggi à Bologne. Il peint les fresques de l'Histoire d'Ulysse dans le Palazzo Poggi, les scènes de la Vie de saint Jean-Baptiste dans la chapelle des Poggi à Bologne, et les scènes de la Vie de Moïse dans le Palazzo Sacchetti à Rome. A Ancône, il peint des fresques pour la loggia dei Mercanti et le Palazzo Ferretti. En 1561, il rencontre le cardinal Carlo Borromeo, qui l'emploie à Milan, la plupart du temps comme architecte dans la tâche presque sans fin de construire la cathédrale tout en travaillant sur divers projets comme la cour du palais archiépiscopal (1564-1570), San Fedele (1569-1579) et San Sebastiano (1577). À Milan il travaille également en tant qu'architecte civil, projetant le Spinola, Erba Odescalchi et les palais de Prospero Visconti.
En 1586, il est en Espagne, où il a suivi et remplacé Federico Zuccari en tant que peintre principal de la cour. Il peint dans les cloîtres inférieurs de l'Escorial sur demande du roi Philippe II. Ses plus grands travaux sont les fresques de la bibliothèque. Après neuf ans, il revient en Italie et est nommé architecte du dôme de Milan charge qu'il occupe jusqu'à sa mort.
On le trouve aussi ingénieur militaire à Ancône et à Ravenne avant son arrivée en Lombardie bref une parfaite figure de la Renaissance, bizarrement très peu médiatisée de nos jours.

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David Hockney (bn. 1937) Nick Wilder in his pool

David Hockney (bn. 1937)
Nick Wilder in his pool, 1964.
Collection privée 

  This painting reflects the impact of Hockney’s move in 1964 to California, with its sunny climate, relaxed lifestyle and vibrant colours. The pool, in Hollywood, belonged to Los Angeles gallery owner Nicholas Wilder. The figure is Hockney’s new lover and muse, Peter Schlesinger.
Hockney based the painting partly on a Polaroid photograph of Peter leaning against an MG sports car. The painting’s shape echoes the format of a photograph. A border of un-primed canvas was left ‘to make the picture look more like a painting’. Hockney wanted to emphasise the process of picture-making and expose the trickery involved.
To depict the reflection of light on the window and in the water he follows the conventions of comics and advertisements, using parallel or rope-like wriggly lines over strong, flat colours. Masking tape was used to create the straight lines in the scene.


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David Teniers II le Jeune (1610–1690) – Le Fumeur Flamand

David Teniers II le Jeune (1610–1690)
Le Fumeur Flamand, 1640
Huile sur toile, 21.5 x16 cm

David Teniers II, dit le Jeune,est un peintre, graveur, dessinateur, peintre miniaturiste et copiste flamand. C'est un artiste extrêmement polyvalent connu pour sa production prolifique. Il est un innovateur dans un large éventail de genres tels que l'histoire, le paysage, le portrait et la nature morte. Il est le plus connu en tant que le premier peintre de genre de son époque. Teniers est particulièrement connu pour avoir développé le genre paysan, la scène de tavernes, des images de collections d'art et des scènes avec des alchimistes et des médecins.

 
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Domenico Capriolo (1494 1528) - Portrait de Lelio Torelli

Domenico Capriolo (1494-1528)
Portrait de Lelio Torelli, 1528
Bowes Museum

Domenico Capriolo est un peintre de la Renaissance italienne. Il réalise des portraits dans le style de Giorgione ainsi que des tableaux religieuxil commence très tôt sa carrière de peintre, et semble très proche du style de Giorgione, au moins pour les sujets de ses œuvres. Très rapidement il s'établit à Trévise (1517), et épouse Camilla, fille du peintre Pier Maria Pennacchi. Dans sa phase de maturité, Capriolo semble prisonnier d'un goût provincial, incapable de toute innovation se bornant à ce qu'il appris dans sa  jeunesse. Il oublie peu à peu son giorgionismo pour trouver d' autres références telle que Giovanni Gerolamo Savoldo ou Pordenone. Sa mort prématurée a empêché nouvelle évolution dans son style.Capriolo meurt assassiné par son beau-père, à la suite d'une querelle concernant la dot de sa femme. Sordide histoire...

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Dick Ket (1902-1940) - Un autoportrait

Dick Ket (1902-1940)
Un autoportrait, 1926
Musée Boijmans Van Beuningen

Dick Ket était un peintre connu pour ses natures mortes et sa multitude d'autoportraits qu'il ne se lassait pas de faire et de refaire ! 
Ses natures mortes méticuleusement composées avec ces objets  vus d'un point de vue élevé, dans un cadrage en plongée, les ombres portées des objets créant toujours d'intéressantes diagonales. Dick Ket a réalisé environ 140 peintures, dont une quarantaine d'autoportraits. Ses expérimentations techniques de différents additifs dans la composition de ses pigments, medium et vernis, ont eut pour effet de provoquer un résultat étonnant et difficilement gérable par les conservateurs, puisque certaines de ses peintures ne sont pas complètement sèches après quatre vingt ans !!!
Le Rijksmuseum d'Amsterdam, le musée Arnhem et le musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam figurent parmi les musées présentant des œuvres de Dick Ket.

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Carlos Federico Sáez (1878-1901) - Estudio

 

Carlos Federico Sáez (1878-1901)
Estudio
Pastel sobre papel, 35 x 28 cm-
Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo

 

Artiste uruguayen, né à Montevideo, Carlos Federico Sáez a peint principalement des portraits. 

Son style se caractérise par des coups de pinceau très larges qui parviennent cependant toujours à donner au rendu de ses personnages une précision très réaliste. Pendant son séjour en Italie, il a peint plusieurs portraits à l 'huile sur "la réserve" de la toile (la toile est laissée visible), une technique très novatrice à la fin du 19 e siècle, où elle n'était utilisée sur papier que par de rares aquarellistes et qui fut beaucoup très utilisée au 20e siècle dans l’art abstrait.

Au cours de sa courte carrière, il a réalisé plus de 70 peintures à l'huile et 100 dessins. Il est considéré comme l'un des principaux artistes uruguayens et le premier à produire de l'art véritablement moderne.

Peu ou pas du tout connu en Europe, les œuvres de ce grand peintre sont principalement conservées en Uruguay au Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, au musée Juan Manuel Blanes de Montevideo, à la galerie Pinacoteca Eusebio Giménez de sa ville natale de Mercedes et au MALBA de Buenos Aires.

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Candido Portinari (1903-1962) - Cangaceiro

Candido Portinari (1903-1962)
Cangaceiro ( Paysan brésilien)
Musée des Beaux Arts de Sao Paulo

 
Candido Portinari est un peintre brésilien, auteur de près de 6 000 œuvres, qui vont de petites esquisses à de vastes peintures murales. Il est l'un des plus importants artistes brésiliens dans le courant du néo-réalisme. Portinari est célèbre pour ses immenses fresques Guerre et paix (1952-1956), conservées au siège des Nations unies à New York ; elles sont inaugurées en 1957 mais en l'absence de l'artiste en raison de ses sympathies pour le Parti communiste, à une époque où les États-Unis sont marqués par le maccarthysme. 

 

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Rogier van der Weyden (1399-1464) (élève de) - Portrait masculin

Rogier van der Weyden (1399-1464) (élève de)
Portrait masculin,1450,
Huile sur toile, 14 x 10 in.
Indianapolis Museum of Art.

 

 Rogier van der Weyden était l'un des artistes les plus influents du XVe siècle. Il s'installe à Bruxelles, où il est nommé peintre officiel de la ville en 1436 et entretient un atelier chargé. Il a exécuté des retables et des portraits pour les institutions religieuses, les fonctionnaires de la cour et les puissants ducs des Pays-Bas bourguignons. Ce portrait qui représente un personnage de haut rang, comme l'atteste son pourpoint  doublé de fourrure, n'a pas les mains jointes en position de prière comme souvent chez  Rogier van der Weyden mais posées sur l'une sur l'autre dans une attitude de pose ou d'attente. La facture très  limpide du visage  laisse d'autre part penser qu'il ne s'agit pas d'une toile de van der Weyden mais d'un de ses suiveurs.

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Elaine de Kooning (1918-1989) - Portait de Fairfield Porter

 

Elaine de Kooning (1918-1989)

Portait de Fairfield Porter, 1954
MoMA 

Elaine de Kooning a réalisé des peintures et des dessins abstraits et figuratifs de natures mortes, de paysages urbains et de portraits. Son travail a été influencé par les artistes Willem de Kooning (son mari) et Arshile Gorky, des artistes qui ont travaillé de manière abstraite et aussi bien que figurative. Ses premiers travaux comprenaient des aquarelles et des natures mortes, dont cinquante croquis à l'aquarelle inspirés d'une statue du jardin du Luxembourg à Paris.  Son style concernant la peinture de portrait a été ter apprécié, bien que sprincipalement figuratif. Elle a produit un corpus varié d'œuvres au cours de sa vie, y compris des sculptures, des gravures et des œuvres inspirées de dessins rupestres, le tout en plus de ses nombreuses peintures. Son travail présente une combinaison entre la peinture et le dessin, la surface et le contour, le trait et la ligne, la couleur et la lumière, la transparence et l'opacité. Interrogée sur son style, elle a répondu: «Je m'intéresse plus au caractère qu'au style. Le caractère sort du travail. Le style est appliqué ou imposé au travail. Le style peut être une prison." Étant l'épouse du célèbre Willem de Kooning, elle n'a reçu une réelle reconnaissance que quelques années avant sa mort.

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Boris Taslitzky (1911-2005) - Depression, Camp de Buchenwald, 1945

 

Boris Taslitzky (1911-2005)
Dépression, camp de Buchenwald, 1945
Musée de la Résistance nationale 

 

Boris Taslitzky déclarait que toute sa vie avait été marquée par la guerre. Après l'échec de la révolution de 1905, ses parents fuient la Russie pour Paris ; lors de la première guerre mondiale, en 1915, son père est tué en combattant dans l'armée française et en 1942, sa mère, parce que juive, est arrêtée et assassinée par les nazis au camp d'Auschwitz. 

Dès les premières heures, Boris Taslitzky s'engage dans la Résistance. Mobilisé, il est fait prisonnier et s'évade. Coupable d'avoir réalisé des dessins engagés, il est à nouveau arrêté. Son activité de subversion ne faiblit pas au cours de son incarcération dans les prisons de Vichy, à la centrale de Riom, puis au camp de Saint-Sulpice-La -ointe où, avec la complicité des autres prisonniers, il peint un ensemble de fresques qui, après un article d'Aragon publié dans Regards, lui vaut le titre de « Maître de Saint Sulpice ». 

Même dans l'enfer concentrationnaire nazi de Buchenwald, il ne désarme pas : grâce à la solidarité et à l'organisation de résistance clandestine, Boris Taslitzky produit près de 200 croquis et dessins (dont celui ci-dessus), ainsi que cinq aquarelles. Rendant hommage au talent et au courage de son ami peintre, Aragon fait publier dès 1946 l'album, 111 dessins faits à Buchenwald. Après une réédition en 1978 de l'Association française Buchenwald-Dora, l'ensemble très largement enrichi est récemment paru chez Biro Editeur. 

Le Musée d'Art et d'Histoire du Judaïsme a consacré à ce témoignage graphique exceptionnel une exposition en 2006.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 84 - Jack London en pagne de cheveux humains

Bernard Buffet (1928-1999)- Homme à la plage

Bernard Buffet (1928-1999)
Homme à la plage, 1948
Collection privée

 

Le peintre français expressionniste  Bernard Buffet a peint aussi bien des personnages que des animaux, des nus,des  paysages, des intérieurs, des natures mortes... Aquarelliste, c'est également un peintre de décors de théâtre et un illustrateur. Il remporte le concours d’entrée de l'École nationale supérieure des beaux-arts en décembre 1943 à 15 ans, passant deux ans dans l'atelier du peintre Eugène Narbonne où il est déjà considéré comme très doué. Il s'y lie notamment d'amitié avec les peintres Maurice Boitel et Louis Vuillermoz.

En 1947, il expose L'Homme accoudé au Salon des indépendants et en décembre a lieu sa première exposition particulière présentée par Pierre Descargues, à la Librairie des impressions d'art.  On y reconnait déjà un graphisme très caractéristique qui sera tout au long de sa vie, la marque du peintre. L'État, par l'intermédiaire de Raymond Cogniat, lui fait son premier achat pour le Musée national d'art moderne de Paris avec la peinture Nature morte au poulet. En 1955, il obtient la première place au référendum organisé par la revue Connaissance des arts désignant les dix meilleurs peintres de l'après-guerre. Il peint les maquettes des décors et des costumes pour La Chambre argument de Georges Simenon qui devient son ami.

Élu à l’Académie des beaux-arts au fauteuil de Paul Jouve, Bernard Buffet est alors le plus jeune académicien jamais élu sous la coupole.

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Felix Michal Wygrzywalski (1875 -1944) - Pêcheur

 

Felix Michal Wygrzywalski (1875 -1944)
Nad ciepłym morzem (Au bord de la mer chaude)
Musée de Cracovie

Feliks Michał Wygrzywalski se forme de 1893 à 1898 à l'Académie des beaux-arts de Munich (Kunstakademie) et à l'Académie Julian à Paris. En 1900, il s'installe à Rome, où il rencontre une jeune Italienne, Rosa Imassa, qu'il épouse. Au cours de son séjour à Rome, pour compléter sa formation, il effectue des copies d'œuvres d'un certain nombre de maîtres de la Renaissance, en particulier du Caravage, de Raphaël, du Guerchin, de Vélasquez ou de Titien. Il y peint également des paysages et des nus. En 1906, à la recherche de nouveaux thèmes et de nouvelles couleurs, il se rend en Égypte, où il peint de nombreuses scènes orientalistes. En 1908, il s'installe à Lviv, dans l'ouest de l'Ukraine, où il est chargé de décorer les murs de la Chambre de commerce et d'industrie de la ville. C'est à cette époque qu'il commence à s'intéresser à la scénographie et à concevoir des décors de théâtre. Au cours de la Première Guerre mondiale, il reste en Russie, à Rostov-sur-le-Don, où il est professeur de dessin. Son fils, Feliks Kazimierz Wygrzywalski (1903-1966) était également peintre.

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Eric von Otter (1889-1923) - Kenya, c. 1920.

Eric von Otter (1889-1923)
Kenya, c. 1920.

Eric von Otter, Lodwar, baron et aventurier. Eric émigra au Kenya en 1913 .  " Je suis parti pour l'Afrique !" C'est le seul message que sa femme Helga Maria von Otter trouva sur sa table de cuisine un matin d'automne à Östergötland, en Suède, au début du siècle dernier. Ue fois arrivé au Kenya, il seconvertit à l'islam et trouva un emploi dans une plantation de café. C'est aussi là qu'il rencontra Karen Blixen et ftomba amoureux d'elle, sans etre payé le moins du monde de retour !
Puis vint la Première Guerre mondiale et Erik rejoignit les King's African Rifles, un régiment britannique composé de plusieurs bataillons. Il était un tireur très habile, d'où le surnom "Bwana Risasi" ou M. One Shot ! Il reçut la Croix militaire pour ses actions courageuses au pont de Zugunatto en Tanzanie où ils se battit contre les Allemands.... Accessoirement il fit qeuqleus photos. Ce sont elles qui aujorud 'hui restent de lui ! 

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Cuno Amiet (1868-1961) - Le violoniste

 

 

Cuno Amiet (1868-1961)
Le violoniste`

 Cuno Amiet est un peintre suisse considéré comme des pionniers de l'art moderne en Suisse.  Suiveur de l'Ecole de Pont Aven dont il était un grand admirateur a ses débuts, il se rapproche plus tard de Ferdinand Hodler et se fait une identité par un usage très personnel de la couleur.
Sur les 4000 tableaux qu'il a peints, à peu près 1000 sont des autoportraits !

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Eero Nelimarkka (1891-1977) - Autoportrait devant la fenêtre, 1922

Eero Nelimarkka (1891-1977)
Autoportrait devant la fenêtre, 1922,
Huile sur toile,
Collection privée.

 

 Le peintre finlandais Eero Aleksander Nelimarkka est connu pour ses paysages d' Ostrobotnie (les Lakeus), mais également pour ses nombreux autoportraits dont celui ci fait partie. Il a peint également des  portraits de notables finlandais et des membres de leur famille et des natures mortes aux sujets souvent inhabituels.
En 1912, Nelimarkka vient étudier à Paris à l'Académie de la Grande Chaumière et à l'Académie Julian. En 1945, devenu un artiste connu, il se consacre à l'enseignement et crée la "Fondation Nelimarkka"avec mission de préserver et de promouvoir la production et le travail de la vie d'Eero Nelimarkka. En 1964, la fondation construit le Musée Nelimarkka dans la ferme de son père à Alajärvi, dans le sud de l'Ostrobotnie. Sa collection est riche d'environ 1700 œuvres.
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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 83 - Pavel Tchelitchew : De la Nudité sans visage

Boris Grigoriev (1886-1936) - Shalyapin in 1918

 

Boris Grigoriev (1886-1936)
Shalyapin in 1918
Private Collection 

Le peintre russe Boris Dmitrievitch Grigoriev (Бори́с Дми́триевич Григо́рьев) fait partie du mouvement de l'avant-garde russe.
Quand il vit à l'étranger, il poursuit des travaux d'illustration des grands écrivains russes.
Au début du 21e siècle ses dessins se trouvent dans les collections détenues par ses héritiers.
A travers un oeuvre très foisonnant et divers, Grigoriev est surtout connu comme un maître du dessin et du portrait. Ses œuvres se situent dans la lignée de l'avant-garde russe, mais sans aller jusqu'à l'abstraction. Il préfère représenter son sujet plus par le rôle qu'il a joué plutôt que pour lui-même.
Il aime le grotesque, mais l'utilise pour montrer l'intelligence de ses personnages, plutôt que dans un sens satyrique ou moqueur.

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Carlos Federico Sáez (1878-1901) - Estudio de joven

 

Carlos Federico Sáez (1878-1901)
Estudio de joven
Pastel sobre papel , 35 x 28 cm
Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo

 

Artiste uruguayen, né à Montevideo, Carlos Federico Sáez a peint principalement des portraits. 

Son style se caractérise par des coups de pinceau très larges qui parviennent cependant toujours à donner au rendu de ses personnages une précision très réaliste. Pendant son séjour en Italie, il a peint plusieurs portraits à l 'huile sur "la réserve" de la toile (la toile est laissée visible), une technique très novatrice à la fin du 19 e siècle, où elle n'était utilisée sur papier que par de rares aquarellistes et qui fut beaucoup très utilisée au 20e siècle dans l’art abstrait.

Au cours de sa courte carrière, il a réalisé plus de 70 peintures à l'huile et 100 dessins. Il est considéré comme l'un des principaux artistes uruguayens et le premier à produire de l'art véritablement moderne.

Peu ou pas du tout connu en Europe, les œuvres de ce grand peintre sont principalement conservées en Uruguay au Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, au musée Juan Manuel Blanes de Montevideo, à la galerie Pinacoteca Eusebio Giménez de sa ville natale de Mercedes et au MALBA de Buenos Aires.

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Charles Wellington Furse (1868-1904) - Portrait of Robert Bridges,

Charles Wellington Furse (1868-1904)
Portrait of Robert Bridges, 1894
National Portrait Gallery

Charles Wellington Furse est un peintre anglais.Fils du Révérend. C. W. Furse, archidiacre de Westminster, et recteur de St John's il descend aussi de Joshua Reynolds. Il ne vécut pas très longtemps, mais si bref qu'ait été le temps que le destin lui impartit, cela ne l'empêcha pas de devenir un « artiste important » au point d'occuper une place éminente dans l'histoire de l'art du portrait en Angleterre, qui va de l'époque où Antoine van Dyck « fut appelé à la cour de Charles Ier d'Angleterre jusqu'au xxe siècle » Dès l'âge de sept ans il réalisa des dessins en vue d'illustrer les romans de Walter Scott. Il entra à la Slade School of Fine Art en 1884, obtenant la bourse Slade l'année suivante. Il complète sa formation à l'Académie Julian à Paris. Il vit son travail acharné souvent interrompu par la maladie, « car les symptômes de la tuberculose étaient déjà apparus quand il fréquentait la Slade School. La réalisation d'un important tableau intitulé Cain est sa première contribution à la Royal Academy à laquelle il fut élu l'année de sa mort. Quelques années auparavant, il avait ardemment soutenu le New English Art Club aux expositions duquel il contribua de manière constante » Il peignait ses portraits de telle façon que les personnes représentées y apparaissent avec naturel, semblant dégagées des contraintes liée à la pause dans l'atelier de l'artiste. En octobre 1900 il épouse Katharine Symonds, la fille de John Addington Symonds. Il meurt quatre ans plus tard après lui avoir donné deux fils.

Robert Seymour Bridges, fut un poète anglais, poète lauréat à partir de 1913 et membre de l'Ordre du Mérite. Bridges naît à Walmer, dans le Kent, et étudie au collège d'Eton et au Corpus Christi Colleged'Oxford. Il suit des études de médecine à l'hôpital St Bartholomew's de Londres et commence à pratiquer avant l'âge de quatorze ans et se retire pour écrire de la poésie. Il devient ensuite médecin assistant à l'hôpital pour enfants Great Ormond Street et médecin au Great Northern hospital, quand une infection pulmonaire le contraint à se retirer en 1882. À partir de cette date, il se consacre à l'écriture et à la recherche littéraire. L'œuvre littéraire de Bridges a commencé bien avant son retrait, avec son premier recueil de poèmes, publié en 1873. En 1884, il se marie avec Monica Waterhouse, fille d'Alfred Waterhouse, et passe le reste de sa vie retiré à la campagne, d'abord  à Yattendon, dans le Berkshire, puis à Boar's Hill, à Oxford, où il meurt. Il est le père de la poétesse Elizabeth Daryush et d'Edward Bridges et le grand-père du diplomate Thomas Bridges.

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Charles Camille Chazal (1825 -1875) - Portrait d'un dandy

Charles Camille Chazal (1825 -1875)
Portrait d'un dandy
Huile sur toile
Collection privée

Aucune information sur ce peintre, pourtant présent dans de nombreuses grandes collections, sinon qu'il serait lié à Paul Gauguin par la famille de la mère de ce dernier. 

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Jacques-Louis David (1748–1825) - Portrait du flûtiste et compositeur François Devienne,

 

Jacques-Louis David (1748–1825)
Portrait du flûtiste et compositeur François Devienne, 1792,
Huile sur toile, 75 x59,5cm
Musée royaux des Beaux-arts de Belgique 

Portrait d'une grande expressivité que celui peint par Jacques Louis David de François Devienne, compositeur français, qui fut également flûtiste, bassoniste et enseignant. À l'âge de 10 ans, il compose sa première œuvre, une messe. En 1779, ses études terminées, c'est le baron de Bagge, mécène et compositeur, qui s'occupe de son entretien. De 1780 à 1785 il est au service du cardinal de Rohan. Il y joue de la flûte (son maître a été Félix Rault) et du basson. En 1788 il est bassoniste au Théâtre de Monsieur, puis en 1793 à l'opéra de Paris. De plus, il compose. Parmi ses opéras composés durant les années 1790, un opéra-comique à caractère révolutionnaire lui apporte le succès, les Visitandines, comédie en deux actes et en prose, mêlée d’ariettes, créée au Théâtre Feydeau le 7 août 1792, sur un livret de Louis-Benoît Picard. Si les compositions concertantes de Devienne, surnommé le « Mozart français», peuvent être comparées à celles de Franz Anton Hoffmeister (qui en a écrit 25 pour la flûte), leur style brillant et leur sens de la mélodie rappellent en effet plutôt Mozart. Mozart, durant son séjour à Paris en 1778, a assisté à des concerts donnés par le Concert spirituel des Tuileries, mais c'est sans doute plus tard que Devienne y joua ses propres compositions. Devienne fut interné à l'asile de Charenton en 1803 et y meurt le 5 septembre de la même année. Jean-Pierre Rampal, dans les années 1960 et 1970, a tiré de l'oubli ses compositions pour flûte.

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Christian Bérard (1902-1949) - Portrait présumé de Boris Kochno`

 

Christian Bérard (1902-1949)
Portrait présumé de Boris Kochno`
Collection privée.

 

Christian Jacques Bérard, couramment surnommé « Bébé » car il était assez joufflu, est un peintre, illustrateur, scénographe, décorateur et créateur de costumes français, Après des études au Lycée Janson-de-Sailly à Paris, il entre en 1920 à l'Académie Ranson. Très tôt dans sa vie, il est attiré par le théâtre dont il deviendra l'un des principaux créateurs de décors et de costumes au cours des années 1930 et 1940. Il travaille dès 1930 en étroite collaboration avec Jean Cocteau et Louis Jouvet, pour lesquels il réalise entre autres les costumes et/ou les décors de La Machine infernale (1934), L'École des femmes (1935), La Folle de Chaillot (1945) de Jean Giraudoux, Les Bonnes (1947) de Jean Genet et Dom Juan de Molière (1948), sa contribution la plus célèbre demeurant en 1946 la conception des décors et des costumes du film de Jean Cocteau, La Belle et la Bête. Avec Boris Kochno, il formait un couple très en vue dans l les milieux mondains parisiens. En 1945, tous deux assurèrent la direction artistique du mythique Théâtre de la Mode.  

Boris Kochno est un écrivain et librettiste français d'origine russe. Amant du compositeur Karol Szymanowski pendant ses études, il arrive à Paris en 1920 et y fait la connaissance de Serge de Diaghilev, dont il devient l'amant et qui l'engage comme secrétaire, puis comme principal collaborateur. Kochno écrit ainsi le livret des Fâcheux (1924), de La Chatte (1927) et du Fils prodigue (1929).
À la mort de Diaghilev en 1929, Kochno hérite avec Serge Lifar de ses archives et collections, qu'il complètera et dont la Bibliothèque nationale de France a acquis une importante partie.
Soucieux de perpétuer l'œuvre de Diaghilev, Kochno encourage la création des Ballets russes de Monte-Carlo, sous la direction du colonel de Basil et de René Blum. L'expérience dura trois ans et se solda par la rupture entre les deux directeurs et la création de deux compagnies concurrentes.
Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Kochno participa avec Roland Petit à la création des Ballets des Champs-Élysées. Christian Bérard, rencontra Boris Kochno aux Ballets russes de Monte-Carlo et ils formèrent  un couple très en vue.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 82 - Qui étaient les Samedistes ?

 

 

 

 

Podcast culturel, éducatif et ludique à l'usage des francophones 

 

Ce groupe qui s'exprima pendant 7 petites années de 1916 à 1923, c'est à dire alors que la Première mondiale faisait le plus de ravages et pendant la période dites des années folles, était un groupe de jeunes gens pleins de vie et d'idées pour bouleverser le monde. C'est le bondissant Jean Cocteau qui les presse de se regrouper autour de réunions qui ont lieu, tous les samedi, ce qui valut au groupe le nom de "Samedistes " avant de celui de Groupe des Six! 

Pour connaitre la suite écouter ce podcatst

David d'Angers (1788–1856) - Charles-Antoine Callamard

David d'Angers (1788–1856)
Charles-Antoine Callamard, statuaire (1769–1821),
Médaillon de bronze
The MET 

 
Pierre-Jean David, dit David d’Angers,  est un sculpteur et médailleur français, représentatif du romantisme dans la sculpture française du 19e siècle. David commence ses études artistiques sous la direction de Marchand et Jean-Jacques Delusse professeurs à l’École centrale d’Angers entre 1806 et 1807. À Paris, en 1808, David sculpte des ornements à l’arc de triomphe du Carrousel sous la direction de Besnier, puis il travaille sur une frise du palais du Louvre. En 1809, il obtient une médaille à l’Académie, et est remarqué par son homonyme le peintre Jacques Louis David qui le prend sous son aile et le fait travailler dans son atelier. Il suit aussi l'enseignement des sculpteurs Augustin Pajou et Philippe-Laurent Roland. Ses ouvrages, exposés un peu plus tard au concours d’essai, lui permettent de bénéficier d'une pension de six cents francs votée par la ville d’Angers. En 1811 il remporte le grand prix de Rome avec le bas-relief Mort d’Épaminondas. Il part comme pensionnaire de l’Académie de France à Rome. Après son séjour à Rome, David traverse la France pour se rendre à Londres, où il rencontre l’artiste Flaxman, et travaille au monument de Wellington. David revient à Paris en 1818.
Le pouvoir royal lui confie l’exécution de la Statue du Grand Condé, qui figure dans la cour d’honneur du château de Versailles. En 1825, sa réputation établie, il est nommé chevalier de la Légion d'honneur et, en 1826, il est élu membre de l’Institut de France et le 11 janvier 1826, professeur à l’école des beaux-arts de Paris en remplacement de Jean-Baptiste Stouf.  Il produit une quantité de monuments, tombeaux, statues, bustes, et bas-reliefs, dont le célèbre fronton du Panthéon de Paris en 1837. Dans les années 1830, il sculpte une importante série de portraits en médaillons de personnalités contemporaines dans laquelle il applique les principes de la phrénologie à un niveau esthétique. En 1848, il est élu représentant du peuple par le département de Maine-et-Loire. Il entre à l'Assemblée nationale constituante, puis à l'Assemblée nationale législative, où il siège avec la Montagne. Mais en 1852, après le coup d'État de Napoléon III, il doit quitter la France et s'exiler en Grèce. Sa santé déclinant, il rentre en France où il meurt le 6 janvier 1856 au no 20 rue d'Assas à Paris.

Charles Antoine Callamard (parfois écrit Callamare) est un sculpteur français peu connu aujorud'hui car sa carrière fut courte. Elève de Pajou après être entré à l'école des Beaux-Arts à 15 ans, il avait obtenu la troisième médaille en 1790, la deuxième en 1791, le second prix en 1792 et obtient finalement  le Grand prix de sculpture  en 1797. Il nséjourna effectivement à Rome entre  1800 et 1806, une fois l'Académie de France réinstallée. Callamard s'inscrit dans le renouveau classique et le goût pour l'antique qui marquent la période. Il réalise notamment des groupes sculptés présentant des figures allégoriques habillées à l'antique, prônant les nouvelles idées politiques nées de la Révolution.  Pendant son séjour en Italie il a commencé à réaliser une statue en marbre de Napoléon,
De retour en France en 1807, il réalise pour l'arc de triomphe du Carrousel un bas-relief représentant les arts. Il fut ensuite chargé de sculpter deux bas-reliefs pour les côtés de la tribune de Jean Goujon au palais du Louvre, deux grands bas-reliefs demi-circulaires pour un escalier de l'aile de la Colonnade du côté sud et plusieurs bas-reliefs pour la colonne Vendôme. En 1814, au moment de l'invasion de la France par les armées Alliées, il se trouvait malade. Ne supportant pas cette occupation, il s'est tué en 1815 après avoir rédigé une note sur l'organisation de son enterrement.

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Corneille de Lyon (1500–1575) - Portrait d'un homme barbu en noir

 

Corneille de Lyon (1500–1575) (attribué à)
Portrait d'un homme barbu en noir, (nd)
Huile sur bois (17.1 x 15.9 cm)
Metropolitan Museum of Art, New York 

Les portraits de Corneille de Lyon sont généralement de très petit format.
Schéma familier dans ses compositions, les personnages et la tête principalement sont reproduits la tête orientée à gauche ou à droite. La lumière provient souvent de gauche.
On peut imaginer que les modèles posaient tous dans l'atelier de Corneille.

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Dmitry Zhilinsky (1927-2015) - Autoportrait en étudiant

Dmitry Zhilinsky (1927-2015)
Autoportrait en étudiant,1946
Collection de la famille de l'artiste

Dmitry Zhilinsky est considéré à juste titre comme une figure clé de l'histoire de l'art russe. 

Son style artistique unique a émergé comme une réflexion extraordinaire sur son temps et a fourni une direction tout à fait nouvelle à l'école soviétique de peinture qui tournait en rond. Au milieu des années 1960, Zhilinsky peignit notamment "Portrait de groupe de sculpteurs étudiants" qui fut une façon les plus innovante de témoigner de la société de son temps.

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Egon Schiele (1890-1918) - Portrait du compositeur Arthur Löwenstein

Egon Schiele (1890-1918)
Portrait du compositeur Arthur  Löwenstein, 1909
Collection privée

Egon Schiele a d'abord peint ses sœurs, sa mère, son oncle, puis a élargi le cercle de ses modèles à ses amis artistes et aux critiques d'art ou collectionneurs s'intéressant à son travail — mais non aux célébrités viennoises comme le lui suggérait l'architecte Otto Wagner. Arthur Roessler observe chez lui une indéfectible fascination pour les personnages ou gestes expressifs stylisés : marionnettes exotiques, pantomimes, danses de Ruth Saint Denis. Le portrait de Roessler lui-même, en 1910, est ainsi structuré par un jeu de mouvements et directions contraires ; une forte tension intérieure émane du regard hypnotique de l'éditeur Eduard Kosmack ; une symbolique indécise — geste de protection ? mise à distance? — unit dans une certaine raideur Heinrich Benesch à son fils Otto. De tels portraits posent la question de savoir « qui, du sujet ou de l'artiste, met véritablement son âme à nu». Cessant de s'identifier à ses modèles (masculins) après 1912, Schiele témoigne d'une finesse de perception croissante, d'abord dans ses dessins puis dans les portraits de commande. Il parvient à rendre les états d'âme des modèles à l'aide d'un nombre réduit de détails, attitudes, mimiques, même si par exemple Friederike Maria Beer, fille d'une amie de Klimt, paraît encore un peu désincarnée, suspendue en l'air telle un insecte dans sa robe de la Werkstätte. Dans certains portraits, estimait Roessler, Schiele « était capable de retourner l'intériorité de l'homme vers l'extérieur ; on était horrifié de se confronter à la possible vision de ce qu'on avait soigneusement occulté ». Vers 1917-1918, l'artiste cadre toujours ses personnages de façon serrée mais se réapproprie l'espace autour d'eux, parfois un décor censé les représenter, comme les livres amoncelés autour du bibliophile Hugo Koller. Dans le portrait de son ami Gütersloh, l'application vibratoire des couleurs annonçait peut-être un nouveau tournant esthétique dans la carrière de Schiele.
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El Greco (1541-1614) - Portrait du Frère Felix Hortensio Paravicino

El Greco (1541-1614)
Portrait du Frère Felix Hortensio Paravicino, c.1605.
Huile sur toile 112.1 x 86.1cm
Museum of Fine Arts, Boston

Comme ses maitres Titien et Tintoret, El Greco était un excellent portraitiste. Paravicino, un ami proche de l'artiste, était un important théologien, orateur et poète. Limitant les couleurs presque entièrement au noir et blanc de l'habit du frère, El Greco a créé une image subtile et convaincante qui met l'accent sur la présence psychologique plutôt que physique. L'œuvre fut achetée en 1904 par le Musée de Boston sur la recommandation de John Singer Sargent, autre grand portraitiste et admirateur de l'art espagnol.

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Ferdinand Hodler (1853-1918) - Urkraft, (Force elémentaire)

Ferdinand Hodler (1853-1918)
Urkraft, (Force élémentaire), 1908 - 1909
Huile sur toile
Collection privée 

 
Ferdinand Hodler est un peintre suisse, considéré comme le peintre suisse qui a le plus marqué la fin du 19e et le début du 20e siècle. Ami de Klimt et de Jawlensky, admiré par Puvis de Chavannes, Rodin et Kandinsky, Hodler est l’un des principaux moteurs de la modernité dans l’Europe de la Belle Époque. Son œuvre, puissante, navigue entre réalisme, symbolisme et expressionnisme. Au cours de sa carrière, il aura touché à tous les genres, privilégiant le portrait - y compris l'autoportrait (une cinquantaine d'autoportraits réalisés entre l'âge de 19 ans et celui de 64 ans, nombre qui n'a été dépassé que par Rembrandt)1, le paysage, la peinture historique et monumentale et les compositions de figures. Hodler renouvelle la peinture murale et le paysage alpestre qu'il « libère de tout élément anecdotique » et où il adopte le principe du parallélisme (notamment dans ses vues du Léman.

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Domenico Morelli (1826-1901) - Portrait de Bernardo Celentano

 

 

Domenico Morelli (1826-1901)
Portrait de Bernardo Celentano, 1859.
Collection privée 

Domenico Morelli  est un peintre ainsi qu'une personnalité politique italienne du 19e siècle. Il est considéré comme un des plus importants artistes napolitains du 19e siècle. Il a fut aussi éénateur du royaume d'Italie lors de la XVIe législature. Dès 1836, il fréquente l'Académie des beaux-arts de Naples ; ses premiers tableaux sont de style romantique avec de nombreuses références médiévales (inspiré par le poète anglais Lord Byron). En 1848, il remporte un concours qui lui permit d'étudier à Rome où il prend part aux émeutes de 1848 et finit par être brièvement emprisonné. En 1850, il visite Florence. Il y reçoit sa première récompense pour son œuvre Gli iconoclasti (« Les Iconoclastes »). En 1855, il participe avec Francesco Saverio Altamura et Serafino De Tivoli à l'Exposition universelle de Paris. De retour à Florence, il prend part au débat des Macchiaiolic oncernant le réalisme en peinture. Il s'oppose à l'école de Resìna, dont les membres rejettent sa façon de peindre. Progressivement, il emprunte un style moins académique et plus personnel (surtout dans l'emploi de la couleur). Selon les critiques de l'école napolitaine, son art mêle le vérisme et romanticisme tardif. Au cours des années 1870, désormais reconnu comme un peintre italien majeur, il est nommé consultant au musée Capodimonte de Naples et contribue à l'achat de tableaux et à la gestion des collections. En 1868, il obtient une chaire à l'Académie où il avait étudié. Son intérêt se porte désormais aux thèmes religieux, mystiques et surnaturels. En effet, de cette période date une de ses œuvres les plus célèbres, l'Assomption du palais royal de Naples. À partir de 1899 et jusqu'à sa mort en 1901, il dirige l'Académie des beaux-arts de Naples. 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°81 - Braghettas & Co.

 

 

 

 

Tous ceux et toutes celles qui se sont intéressés à l’histoire de la Braghetta - puisque c’est le nom de cet appendice textile très en vogue au 16e siècle - sont unanimes pour le dire : elle servait à entreposer - en dehors de ça - toutes sortes d’objets, pas tous en même temps bien sûr. La Braguetta est la version occidentale de l’antique étui pénien en bois orné et recouvert de perles, utilisé chez certaines tribus du Pacifique sud aussi bien que le forêt Amazonienne. Même vanité quand au contenu et même emploi multifonctions

Hendrick Pot (1585-1657) - Charles Ier roi d'Angleterre 1632

Hendrick Pot (1585-1657)
Charles Ier roi d'Angleterre, 1632
Huile sur bois, 33 x 51cm
Musée du Louvre, Paris

Étrangement attribué au début du XIXe s. (et jusqu’en 1847) à un certain Koning ou Coning, comme si la fonction royale du modèle  (koning = roi en néerlandais) avait été prise pour un nom d’artiste, tel Salomon Koninck…  Le roi Charles Ier revient à l’identique dans un autre portrait de Pot, avec son épouse et le prince de Galles enfant, futur Charles II, acquis par le roi d’Angleterre en 1814 comme  étant peint par Daniel Mytens (Buckingham Palace, Londres) ;  une autre version également attribuée jadis à Mytens montrant le roi seul et considérée à tort comme peinte par Demonts. 


Hendrick Pot fut l'élève de Carel van Mander. Selon son biographe Houbraken, la ville de Haarlem acheta ses tableaux La Glorification de Guillaume I et La Mort de Guillaume I en 1620 pour les installer à l'hôtel de ville, et en 1626, il est devenu doyen de la guilde de Saint Luc d'Haarlem. En 1632, il a été employé comme portraitiste à la cour de Charles Ier à Londres. Frans Hals l'a représenté en lieutenant, en 1633, dans ses tableaux Les Officiers de la garde de Saint Adrien et Les Officiers de la garde civique de Saint Georges, tous deux exposés au Musée Frans Hals de Haarlem2.

Frans Masereel (1889-1972) - Docker tirant un cordage

Frans Masereel (1889-1972)
Docker tirant un cordage, 1947
Collection privée

Frans Masereel est un graveur, peintre et illustrateur belge qui a principalement travaillé entre la Suisse, l'Allemagne et la France. Artiste engagé, humaniste, libertaire, pacifiste antimilitariste, marqué par le tourment sanglant de la Première Guerre mondiale, ses œuvres dénoncent sans concessions les horreurs de la guerre, de l'oppression et de l'injustice sociale.

Auteur d'une œuvre abondante, illustrateur infatigable, pédagogue, son travail graphique le plus connu est sans doute Mon livre d'heures (1919) : il est considéré à ce titre comme le précurseur du roman graphique.
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Frederic Remington (1861-1909) - The Scout Friends or Foes

 

Frederic Remington (1861-1909)
The Scout Friends or Foes, 1902-1905
(Les Eclaireurs, amis ou ennemis)
Sterling and Francine Clark Art Insitute, Williamstown, Mass.

 

Frederic Sackrider Remington fut un peintre, dessinateur et sculpteur américain qui se spécialisa dans la description de l'Ouest américain. Né à Canton, dans l'Etat de New York, il passa son enfance à chasser et à monter à cheval tout en commençant à réaliser quelques croquis et dessins. Il a suivi des cours d'art à l'université de Yale, où il trouvait le football et la boxe plus intéressants que l'art. А la mort de son père, il devient employé de bureau et s'établit à Albany. Puis il fait son premier voyage dans l'Ouest et devient "homme d'affaires" à Kansas City. Dans la foulée, il publie ses illustrations et ses dessins dans des publications telles que le Collier's Weekly et Harper's Magazine.
Alors qu'il est devenu mondialement célèbre pour ses descriptions de la vie dans l'Ouest américain, en peignant aussi bien les cow boys que les indiens et leurs chevaux, Remington n'a visité la région qu'à deux ou trois reprises, en y restant quelques mois seulement. Ces descriptions de la vie des pionniers avant que le Far West ne soit mis en valeur par le cinéma et que ce genre de vie ne disparaisse, sont des documents inestimables.
En 1892, il part en voyage en Russie et tombe en admiration devant les bronzes de Lanceray, dont il avait pu découvrir des œuvres exposées à Philadelphie en 1876. Il s'en inspira pour créer sa célèbre série de bronzes Bronco Buster.
En 1898, il se fait engager par William Randolph Hearst, pour devenir correspondant de guerre et illustrateur du conflit hispano-américain de 1898. Il s'ennuie très vite dans ce travail, mais il rend tout de même compte de la bataille de San Juan Hill et dessine l'assaut des forces américaines menées par Theodore Roosevelt.
Obèse, victime d'une très mauvaise hygiène alimentaire et d'une déplorable hygiène de vie, Frederic Remington meurt d'une appendicite aggravée en péritonite.
Son oeuvre sur l'Ouest américain a influencé la photographie du film La Charge héroïque de John Ford. Frederic Remington fut aussi le personnage central du tome 40 des Aventures de Lucky Luke, L'Artiste peintre dans lequel le cowboy qui tire plus vite que son ombre assure la protection dans l'ouest américain. C'est dans cet album que l'on apprend d'ailleurs que Frederic Remington avait la mauvaise habitude de brûler les toiles qui ne lui plaisaient plus. Et c'était vrai ! Bon nombre de témoignages sans doute fabuleux ont ainsi disparu à tout jamais.

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Alfredo Ramos Martínez (1872-1946) - Hombre con sombrero

 

 

Alfredo Ramos Martínez (1872-1946)
Hombre con sombrero, (Homme au Chapeau), 1930
Tempera, pastel, charcoal and Conté crayon on Los Angeles Times newsprint, 21.5 x 15.5 in.,
Courtesy James Main Fine Arts

 

Alfredo Ramos Martínez était un peintre, muraliste et éducateur, qui a vécu et travaillé au Mexique, à Paris et à Los Angeles. Considéré par beaucoup comme le «père du modernisme mexicain », Ramos Martínez est surtout connu pour ses peintures sereines et empathiques de personnes et de scènes mexicaines traditionnelles.  Comme pour les autres grands modernistes mexicains, les peuples autochtones étaient les principaux sujets des œuvres matures de Ramos Martínez. Ces dernières années, plusieurs de ces peintures ont atteint des prix élevés sur le marché international de l'art. Son tableau Flowers of Mexico de 1938 aété vendu plus de 4 millions de dollars chez Christie's à New York en mai 2007, ce qui  asoudianement attiré l'attention sur ce peintre jusque là très peu connu.

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Franz Pourbus l'Ancien (1545-1581) - Portrait masculin

Franz Pourbus l'Ancien (1545-1581)
Portrait masculin, 1565
Kunzt Historisch Museum, Vienna

Frans Pourbus, dit « l’Ancien » pour le distinguer de son fils Frans Pourbus le Jeune, également peintre, né à Bruges est un peintre flamand. Il est le fils d’Anna Blondeel et du peintre Pieter Pourbus avec lequel il commence son apprentissage. Par la suite, il devient l'élève de Frans Floris qui le considère, selon Carel van Mander, comme son meilleur élève. Nommé maître en 1569, il connaît une brillante carrière.
En 1569, il intègre la Guilde de Saint-Luc d’Anvers et part pour un voyage en Italie qui prend fin à Gand où il séjourne chez son camarade de classe Lucas D'Heere. En 1579, il exécute certains tableaux qui sont à terme installés dans la cathédrale de Tournai. Pourbus se révèle un remarquable technicien d'un style classique, régulier et fluide. Il n'est que fort peu influencé par les idées de son temps qui tiennent encore de la tradition flamande du portrait. Contrairement aux couleurs douces de son maitre Floris, sa palette de couleur est colorée. Surtout reconnu comme portraitiste, il a aussi peint des compositions religieuses. Parmi les portraits notables qu'il a exécutés, mentionnons celui d'Antoine de Bourbon, père du futur Henri IV. Il a peint des portraits de préférence à forte coloration claire (dont beaucoup sont dans les galeries de Bruxelles, Berlin, Vienne et Dresde, et son autoportrait à la galerie des Offices à Florence), de rares sujets historiques (Le Christ parmi les docteurs à Saint-Bavon de Gand). Son portrait de Viglius van Aytta témoigne de son réalisme. En 1570 il termine, avec Crispin van den Broeck, un retable de Floris. Gortzius Geldorp a séjourné dans son atelier en 1575.
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Frank Weston Benson (1862-1951) - Portrait of a Man (study in Shadows)

Frank Weston Benson (1862-1951)
Portrait of a Man (study in Shadows), 1922.
Huile sur toile (76,8 x 64,1 cm)
Farnsworth Art Museum

Frank Weston Benson, appelé Frank W. Benson était un artiste américain de Salem, (Massachusetts) connu pour ses portraits réalistes, ses peintures impressionnistes américaines, ses aquarelles et ses gravures. Il a commencé sa carrière en peignant des portraits de familles bourgeoises et des peintures murales pour la Bibliothèque du Congrès. Certaines de ses peintures les plus connues représentent ses filles à l'extérieur dans la résidence d'été de Benson, Wooster Farm, sur l'île de North Haven, Maine. Il a également produit de nombreuses peintures à l'huile, lavis et aquarelles et des eaux-fortes d'oiseaux sauvages et de paysages. En 1880, Benson a commencé à étudier à la School of the Museum of Fine Arts de Boston sous la direction d'Otto Grundmann et de Frederic Crowninshield.En 1883, il se rend à Paris pour étudier à l'Académie Julian.  Il a connu une brillante carrière en tant qu'instructeur et chef de département à la School of the Museum of Fine Arts de Boston. Il a été membre fondateur des Ten American Painters, de l'American Academy of Arts and Letters et de la Guild of Boston Artists.

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François Clouet (vers 1515-1572) - Portrait de Charles IX

François Clouet (vers 1515-1572)
Portrait de Charles IX entre 1566 et 1569
Musée de L'Ermitage, Saint-Petersbourg

François Clouet est un artiste-peintre dessinateur. français de la Renaissance. Fils de Jean Clouet, lui même dessinateur et peintre célèbre en son temps, François Clouet continue l’œuvre de portraitiste de son père, et son art présente beaucoup d'analogie avec le style dont Jean a été l’inventeur : même sobriété, concentration sur la recherche de ressemblance et même soin d'éviter tout détail superflu.  Les dessins de François Clouet toutefois sont réputés ne pas posséder la légèreté aérienne de ceux de Jean Clouet, mais en tant que portraits ils ne sont pas moins saisissants. C'est lui  qui le premier  s'est avisé de leur donner un fini qui atteste qu'il ne les considérait plus comme des esquisses préparatoires, mais comme des œuvres d'art achevées en elles-mêmes. On pourrait dire, que les 54 dessins authentiques de François Clouet, répartis entre le musée Condé de Chantilly et le Cabinet des estampes au Musée du Louvre à Paris, surpassent encore ceux de son père dans la voie que celui-ci avait ouverte.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 80 - Michel-Ange et ses glands

 

 

 

Ceci est un des Ignudi. c’est à dire un des 20 nus masculins peint à fresque qui peuplent le plafond de la Chapelle Sixtine commandée par le Pape Jules II à Michel Ange en 1508. Ce dernier les a groupé par 4 et disposés dans les espaces contenus entre le panneaux mineurs des grands épisodes de la Genèse. A l’origine, dans son premier projet pour la voûte, Michel-Ange avait prévu de peindre uniquement les figures des douze apôtres initialement envisagés comme seul décor, les 12 apôtres étant accompagnés de quelques anges. Par la suite le Pape changea d avis et demanda au peintre qu’il peignit des épisodes de la Genèse, le premier livre de la Bible, et ce sont donc plus 300 personnages qui remplacèrent les 12 prévus au départ de l’entreprise. Pour connaitre la suite écoutez ce podcast...