LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 82 - Qui étaient les Samedistes ?

 

 

 

 

Podcast culturel, éducatif et ludique à l'usage des francophones 

 

Ce groupe qui s'exprima pendant 7 petites années de 1916 à 1923, c'est à dire alors que la Première mondiale faisait le plus de ravages et pendant la période dites des années folles, était un groupe de jeunes gens pleins de vie et d'idées pour bouleverser le monde. C'est le bondissant Jean Cocteau qui les presse de se regrouper autour de réunions qui ont lieu, tous les samedi, ce qui valut au groupe le nom de "Samedistes " avant de celui de Groupe des Six! 

Pour connaitre la suite écouter ce podcatst

David d'Angers (1788–1856) - Charles-Antoine Callamard

David d'Angers (1788–1856)
Charles-Antoine Callamard, statuaire (1769–1821),
Médaillon de bronze
The MET 

 
Pierre-Jean David, dit David d’Angers,  est un sculpteur et médailleur français, représentatif du romantisme dans la sculpture française du 19e siècle. David commence ses études artistiques sous la direction de Marchand et Jean-Jacques Delusse professeurs à l’École centrale d’Angers entre 1806 et 1807. À Paris, en 1808, David sculpte des ornements à l’arc de triomphe du Carrousel sous la direction de Besnier, puis il travaille sur une frise du palais du Louvre. En 1809, il obtient une médaille à l’Académie, et est remarqué par son homonyme le peintre Jacques Louis David qui le prend sous son aile et le fait travailler dans son atelier. Il suit aussi l'enseignement des sculpteurs Augustin Pajou et Philippe-Laurent Roland. Ses ouvrages, exposés un peu plus tard au concours d’essai, lui permettent de bénéficier d'une pension de six cents francs votée par la ville d’Angers. En 1811 il remporte le grand prix de Rome avec le bas-relief Mort d’Épaminondas. Il part comme pensionnaire de l’Académie de France à Rome. Après son séjour à Rome, David traverse la France pour se rendre à Londres, où il rencontre l’artiste Flaxman, et travaille au monument de Wellington. David revient à Paris en 1818.
Le pouvoir royal lui confie l’exécution de la Statue du Grand Condé, qui figure dans la cour d’honneur du château de Versailles. En 1825, sa réputation établie, il est nommé chevalier de la Légion d'honneur et, en 1826, il est élu membre de l’Institut de France et le 11 janvier 1826, professeur à l’école des beaux-arts de Paris en remplacement de Jean-Baptiste Stouf.  Il produit une quantité de monuments, tombeaux, statues, bustes, et bas-reliefs, dont le célèbre fronton du Panthéon de Paris en 1837. Dans les années 1830, il sculpte une importante série de portraits en médaillons de personnalités contemporaines dans laquelle il applique les principes de la phrénologie à un niveau esthétique. En 1848, il est élu représentant du peuple par le département de Maine-et-Loire. Il entre à l'Assemblée nationale constituante, puis à l'Assemblée nationale législative, où il siège avec la Montagne. Mais en 1852, après le coup d'État de Napoléon III, il doit quitter la France et s'exiler en Grèce. Sa santé déclinant, il rentre en France où il meurt le 6 janvier 1856 au no 20 rue d'Assas à Paris.

Charles Antoine Callamard (parfois écrit Callamare) est un sculpteur français peu connu aujorud'hui car sa carrière fut courte. Elève de Pajou après être entré à l'école des Beaux-Arts à 15 ans, il avait obtenu la troisième médaille en 1790, la deuxième en 1791, le second prix en 1792 et obtient finalement  le Grand prix de sculpture  en 1797. Il nséjourna effectivement à Rome entre  1800 et 1806, une fois l'Académie de France réinstallée. Callamard s'inscrit dans le renouveau classique et le goût pour l'antique qui marquent la période. Il réalise notamment des groupes sculptés présentant des figures allégoriques habillées à l'antique, prônant les nouvelles idées politiques nées de la Révolution.  Pendant son séjour en Italie il a commencé à réaliser une statue en marbre de Napoléon,
De retour en France en 1807, il réalise pour l'arc de triomphe du Carrousel un bas-relief représentant les arts. Il fut ensuite chargé de sculpter deux bas-reliefs pour les côtés de la tribune de Jean Goujon au palais du Louvre, deux grands bas-reliefs demi-circulaires pour un escalier de l'aile de la Colonnade du côté sud et plusieurs bas-reliefs pour la colonne Vendôme. En 1814, au moment de l'invasion de la France par les armées Alliées, il se trouvait malade. Ne supportant pas cette occupation, il s'est tué en 1815 après avoir rédigé une note sur l'organisation de son enterrement.

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Corneille de Lyon (1500–1575) - Portrait d'un homme barbu en noir

 

Corneille de Lyon (1500–1575) (attribué à)
Portrait d'un homme barbu en noir, (nd)
Huile sur bois (17.1 x 15.9 cm)
Metropolitan Museum of Art, New York 

Les portraits de Corneille de Lyon sont généralement de très petit format.
Schéma familier dans ses compositions, les personnages et la tête principalement sont reproduits la tête orientée à gauche ou à droite. La lumière provient souvent de gauche.
On peut imaginer que les modèles posaient tous dans l'atelier de Corneille.

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Dmitry Zhilinsky (1927-2015) - Autoportrait en étudiant

Dmitry Zhilinsky (1927-2015)
Autoportrait en étudiant,1946
Collection de la famille de l'artiste

Dmitry Zhilinsky est considéré à juste titre comme une figure clé de l'histoire de l'art russe. 

Son style artistique unique a émergé comme une réflexion extraordinaire sur son temps et a fourni une direction tout à fait nouvelle à l'école soviétique de peinture qui tournait en rond. Au milieu des années 1960, Zhilinsky peignit notamment "Portrait de groupe de sculpteurs étudiants" qui fut une façon les plus innovante de témoigner de la société de son temps.

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Egon Schiele (1890-1918) - Portrait du compositeur Arthur Löwenstein

Egon Schiele (1890-1918)
Portrait du compositeur Arthur  Löwenstein, 1909
Collection privée

Egon Schiele a d'abord peint ses sœurs, sa mère, son oncle, puis a élargi le cercle de ses modèles à ses amis artistes et aux critiques d'art ou collectionneurs s'intéressant à son travail — mais non aux célébrités viennoises comme le lui suggérait l'architecte Otto Wagner. Arthur Roessler observe chez lui une indéfectible fascination pour les personnages ou gestes expressifs stylisés : marionnettes exotiques, pantomimes, danses de Ruth Saint Denis. Le portrait de Roessler lui-même, en 1910, est ainsi structuré par un jeu de mouvements et directions contraires ; une forte tension intérieure émane du regard hypnotique de l'éditeur Eduard Kosmack ; une symbolique indécise — geste de protection ? mise à distance? — unit dans une certaine raideur Heinrich Benesch à son fils Otto. De tels portraits posent la question de savoir « qui, du sujet ou de l'artiste, met véritablement son âme à nu». Cessant de s'identifier à ses modèles (masculins) après 1912, Schiele témoigne d'une finesse de perception croissante, d'abord dans ses dessins puis dans les portraits de commande. Il parvient à rendre les états d'âme des modèles à l'aide d'un nombre réduit de détails, attitudes, mimiques, même si par exemple Friederike Maria Beer, fille d'une amie de Klimt, paraît encore un peu désincarnée, suspendue en l'air telle un insecte dans sa robe de la Werkstätte. Dans certains portraits, estimait Roessler, Schiele « était capable de retourner l'intériorité de l'homme vers l'extérieur ; on était horrifié de se confronter à la possible vision de ce qu'on avait soigneusement occulté ». Vers 1917-1918, l'artiste cadre toujours ses personnages de façon serrée mais se réapproprie l'espace autour d'eux, parfois un décor censé les représenter, comme les livres amoncelés autour du bibliophile Hugo Koller. Dans le portrait de son ami Gütersloh, l'application vibratoire des couleurs annonçait peut-être un nouveau tournant esthétique dans la carrière de Schiele.
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El Greco (1541-1614) - Portrait du Frère Felix Hortensio Paravicino

El Greco (1541-1614)
Portrait du Frère Felix Hortensio Paravicino, c.1605.
Huile sur toile 112.1 x 86.1cm
Museum of Fine Arts, Boston

Comme ses maitres Titien et Tintoret, El Greco était un excellent portraitiste. Paravicino, un ami proche de l'artiste, était un important théologien, orateur et poète. Limitant les couleurs presque entièrement au noir et blanc de l'habit du frère, El Greco a créé une image subtile et convaincante qui met l'accent sur la présence psychologique plutôt que physique. L'œuvre fut achetée en 1904 par le Musée de Boston sur la recommandation de John Singer Sargent, autre grand portraitiste et admirateur de l'art espagnol.

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Ferdinand Hodler (1853-1918) - Urkraft, (Force elémentaire)

Ferdinand Hodler (1853-1918)
Urkraft, (Force élémentaire), 1908 - 1909
Huile sur toile
Collection privée 

 
Ferdinand Hodler est un peintre suisse, considéré comme le peintre suisse qui a le plus marqué la fin du 19e et le début du 20e siècle. Ami de Klimt et de Jawlensky, admiré par Puvis de Chavannes, Rodin et Kandinsky, Hodler est l’un des principaux moteurs de la modernité dans l’Europe de la Belle Époque. Son œuvre, puissante, navigue entre réalisme, symbolisme et expressionnisme. Au cours de sa carrière, il aura touché à tous les genres, privilégiant le portrait - y compris l'autoportrait (une cinquantaine d'autoportraits réalisés entre l'âge de 19 ans et celui de 64 ans, nombre qui n'a été dépassé que par Rembrandt)1, le paysage, la peinture historique et monumentale et les compositions de figures. Hodler renouvelle la peinture murale et le paysage alpestre qu'il « libère de tout élément anecdotique » et où il adopte le principe du parallélisme (notamment dans ses vues du Léman.

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Domenico Morelli (1826-1901) - Portrait de Bernardo Celentano

 

 

Domenico Morelli (1826-1901)
Portrait de Bernardo Celentano, 1859.
Collection privée 

Domenico Morelli  est un peintre ainsi qu'une personnalité politique italienne du 19e siècle. Il est considéré comme un des plus importants artistes napolitains du 19e siècle. Il a fut aussi éénateur du royaume d'Italie lors de la XVIe législature. Dès 1836, il fréquente l'Académie des beaux-arts de Naples ; ses premiers tableaux sont de style romantique avec de nombreuses références médiévales (inspiré par le poète anglais Lord Byron). En 1848, il remporte un concours qui lui permit d'étudier à Rome où il prend part aux émeutes de 1848 et finit par être brièvement emprisonné. En 1850, il visite Florence. Il y reçoit sa première récompense pour son œuvre Gli iconoclasti (« Les Iconoclastes »). En 1855, il participe avec Francesco Saverio Altamura et Serafino De Tivoli à l'Exposition universelle de Paris. De retour à Florence, il prend part au débat des Macchiaiolic oncernant le réalisme en peinture. Il s'oppose à l'école de Resìna, dont les membres rejettent sa façon de peindre. Progressivement, il emprunte un style moins académique et plus personnel (surtout dans l'emploi de la couleur). Selon les critiques de l'école napolitaine, son art mêle le vérisme et romanticisme tardif. Au cours des années 1870, désormais reconnu comme un peintre italien majeur, il est nommé consultant au musée Capodimonte de Naples et contribue à l'achat de tableaux et à la gestion des collections. En 1868, il obtient une chaire à l'Académie où il avait étudié. Son intérêt se porte désormais aux thèmes religieux, mystiques et surnaturels. En effet, de cette période date une de ses œuvres les plus célèbres, l'Assomption du palais royal de Naples. À partir de 1899 et jusqu'à sa mort en 1901, il dirige l'Académie des beaux-arts de Naples. 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°81 - Braghettas & Co.

 

 

 

 

Tous ceux et toutes celles qui se sont intéressés à l’histoire de la Braghetta - puisque c’est le nom de cet appendice textile très en vogue au 16e siècle - sont unanimes pour le dire : elle servait à entreposer - en dehors de ça - toutes sortes d’objets, pas tous en même temps bien sûr. La Braguetta est la version occidentale de l’antique étui pénien en bois orné et recouvert de perles, utilisé chez certaines tribus du Pacifique sud aussi bien que le forêt Amazonienne. Même vanité quand au contenu et même emploi multifonctions

Hendrick Pot (1585-1657) - Charles Ier roi d'Angleterre 1632

Hendrick Pot (1585-1657)
Charles Ier roi d'Angleterre, 1632
Huile sur bois, 33 x 51cm
Musée du Louvre, Paris

Étrangement attribué au début du XIXe s. (et jusqu’en 1847) à un certain Koning ou Coning, comme si la fonction royale du modèle  (koning = roi en néerlandais) avait été prise pour un nom d’artiste, tel Salomon Koninck…  Le roi Charles Ier revient à l’identique dans un autre portrait de Pot, avec son épouse et le prince de Galles enfant, futur Charles II, acquis par le roi d’Angleterre en 1814 comme  étant peint par Daniel Mytens (Buckingham Palace, Londres) ;  une autre version également attribuée jadis à Mytens montrant le roi seul et considérée à tort comme peinte par Demonts. 


Hendrick Pot fut l'élève de Carel van Mander. Selon son biographe Houbraken, la ville de Haarlem acheta ses tableaux La Glorification de Guillaume I et La Mort de Guillaume I en 1620 pour les installer à l'hôtel de ville, et en 1626, il est devenu doyen de la guilde de Saint Luc d'Haarlem. En 1632, il a été employé comme portraitiste à la cour de Charles Ier à Londres. Frans Hals l'a représenté en lieutenant, en 1633, dans ses tableaux Les Officiers de la garde de Saint Adrien et Les Officiers de la garde civique de Saint Georges, tous deux exposés au Musée Frans Hals de Haarlem2.

Frans Masereel (1889-1972) - Docker tirant un cordage

Frans Masereel (1889-1972)
Docker tirant un cordage, 1947
Collection privée

Frans Masereel est un graveur, peintre et illustrateur belge qui a principalement travaillé entre la Suisse, l'Allemagne et la France. Artiste engagé, humaniste, libertaire, pacifiste antimilitariste, marqué par le tourment sanglant de la Première Guerre mondiale, ses œuvres dénoncent sans concessions les horreurs de la guerre, de l'oppression et de l'injustice sociale.

Auteur d'une œuvre abondante, illustrateur infatigable, pédagogue, son travail graphique le plus connu est sans doute Mon livre d'heures (1919) : il est considéré à ce titre comme le précurseur du roman graphique.
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Frederic Remington (1861-1909) - The Scout Friends or Foes

 

Frederic Remington (1861-1909)
The Scout Friends or Foes, 1902-1905
(Les Eclaireurs, amis ou ennemis)
Sterling and Francine Clark Art Insitute, Williamstown, Mass.

 

Frederic Sackrider Remington fut un peintre, dessinateur et sculpteur américain qui se spécialisa dans la description de l'Ouest américain. Né à Canton, dans l'Etat de New York, il passa son enfance à chasser et à monter à cheval tout en commençant à réaliser quelques croquis et dessins. Il a suivi des cours d'art à l'université de Yale, où il trouvait le football et la boxe plus intéressants que l'art. А la mort de son père, il devient employé de bureau et s'établit à Albany. Puis il fait son premier voyage dans l'Ouest et devient "homme d'affaires" à Kansas City. Dans la foulée, il publie ses illustrations et ses dessins dans des publications telles que le Collier's Weekly et Harper's Magazine.
Alors qu'il est devenu mondialement célèbre pour ses descriptions de la vie dans l'Ouest américain, en peignant aussi bien les cow boys que les indiens et leurs chevaux, Remington n'a visité la région qu'à deux ou trois reprises, en y restant quelques mois seulement. Ces descriptions de la vie des pionniers avant que le Far West ne soit mis en valeur par le cinéma et que ce genre de vie ne disparaisse, sont des documents inestimables.
En 1892, il part en voyage en Russie et tombe en admiration devant les bronzes de Lanceray, dont il avait pu découvrir des œuvres exposées à Philadelphie en 1876. Il s'en inspira pour créer sa célèbre série de bronzes Bronco Buster.
En 1898, il se fait engager par William Randolph Hearst, pour devenir correspondant de guerre et illustrateur du conflit hispano-américain de 1898. Il s'ennuie très vite dans ce travail, mais il rend tout de même compte de la bataille de San Juan Hill et dessine l'assaut des forces américaines menées par Theodore Roosevelt.
Obèse, victime d'une très mauvaise hygiène alimentaire et d'une déplorable hygiène de vie, Frederic Remington meurt d'une appendicite aggravée en péritonite.
Son oeuvre sur l'Ouest américain a influencé la photographie du film La Charge héroïque de John Ford. Frederic Remington fut aussi le personnage central du tome 40 des Aventures de Lucky Luke, L'Artiste peintre dans lequel le cowboy qui tire plus vite que son ombre assure la protection dans l'ouest américain. C'est dans cet album que l'on apprend d'ailleurs que Frederic Remington avait la mauvaise habitude de brûler les toiles qui ne lui plaisaient plus. Et c'était vrai ! Bon nombre de témoignages sans doute fabuleux ont ainsi disparu à tout jamais.

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Alfredo Ramos Martínez (1872-1946) - Hombre con sombrero

 

 

Alfredo Ramos Martínez (1872-1946)
Hombre con sombrero, (Homme au Chapeau), 1930
Tempera, pastel, charcoal and Conté crayon on Los Angeles Times newsprint, 21.5 x 15.5 in.,
Courtesy James Main Fine Arts

 

Alfredo Ramos Martínez était un peintre, muraliste et éducateur, qui a vécu et travaillé au Mexique, à Paris et à Los Angeles. Considéré par beaucoup comme le «père du modernisme mexicain », Ramos Martínez est surtout connu pour ses peintures sereines et empathiques de personnes et de scènes mexicaines traditionnelles.  Comme pour les autres grands modernistes mexicains, les peuples autochtones étaient les principaux sujets des œuvres matures de Ramos Martínez. Ces dernières années, plusieurs de ces peintures ont atteint des prix élevés sur le marché international de l'art. Son tableau Flowers of Mexico de 1938 aété vendu plus de 4 millions de dollars chez Christie's à New York en mai 2007, ce qui  asoudianement attiré l'attention sur ce peintre jusque là très peu connu.

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Franz Pourbus l'Ancien (1545-1581) - Portrait masculin

Franz Pourbus l'Ancien (1545-1581)
Portrait masculin, 1565
Kunzt Historisch Museum, Vienna

Frans Pourbus, dit « l’Ancien » pour le distinguer de son fils Frans Pourbus le Jeune, également peintre, né à Bruges est un peintre flamand. Il est le fils d’Anna Blondeel et du peintre Pieter Pourbus avec lequel il commence son apprentissage. Par la suite, il devient l'élève de Frans Floris qui le considère, selon Carel van Mander, comme son meilleur élève. Nommé maître en 1569, il connaît une brillante carrière.
En 1569, il intègre la Guilde de Saint-Luc d’Anvers et part pour un voyage en Italie qui prend fin à Gand où il séjourne chez son camarade de classe Lucas D'Heere. En 1579, il exécute certains tableaux qui sont à terme installés dans la cathédrale de Tournai. Pourbus se révèle un remarquable technicien d'un style classique, régulier et fluide. Il n'est que fort peu influencé par les idées de son temps qui tiennent encore de la tradition flamande du portrait. Contrairement aux couleurs douces de son maitre Floris, sa palette de couleur est colorée. Surtout reconnu comme portraitiste, il a aussi peint des compositions religieuses. Parmi les portraits notables qu'il a exécutés, mentionnons celui d'Antoine de Bourbon, père du futur Henri IV. Il a peint des portraits de préférence à forte coloration claire (dont beaucoup sont dans les galeries de Bruxelles, Berlin, Vienne et Dresde, et son autoportrait à la galerie des Offices à Florence), de rares sujets historiques (Le Christ parmi les docteurs à Saint-Bavon de Gand). Son portrait de Viglius van Aytta témoigne de son réalisme. En 1570 il termine, avec Crispin van den Broeck, un retable de Floris. Gortzius Geldorp a séjourné dans son atelier en 1575.
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Frank Weston Benson (1862-1951) - Portrait of a Man (study in Shadows)

Frank Weston Benson (1862-1951)
Portrait of a Man (study in Shadows), 1922.
Huile sur toile (76,8 x 64,1 cm)
Farnsworth Art Museum

Frank Weston Benson, appelé Frank W. Benson était un artiste américain de Salem, (Massachusetts) connu pour ses portraits réalistes, ses peintures impressionnistes américaines, ses aquarelles et ses gravures. Il a commencé sa carrière en peignant des portraits de familles bourgeoises et des peintures murales pour la Bibliothèque du Congrès. Certaines de ses peintures les plus connues représentent ses filles à l'extérieur dans la résidence d'été de Benson, Wooster Farm, sur l'île de North Haven, Maine. Il a également produit de nombreuses peintures à l'huile, lavis et aquarelles et des eaux-fortes d'oiseaux sauvages et de paysages. En 1880, Benson a commencé à étudier à la School of the Museum of Fine Arts de Boston sous la direction d'Otto Grundmann et de Frederic Crowninshield.En 1883, il se rend à Paris pour étudier à l'Académie Julian.  Il a connu une brillante carrière en tant qu'instructeur et chef de département à la School of the Museum of Fine Arts de Boston. Il a été membre fondateur des Ten American Painters, de l'American Academy of Arts and Letters et de la Guild of Boston Artists.

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François Clouet (vers 1515-1572) - Portrait de Charles IX

François Clouet (vers 1515-1572)
Portrait de Charles IX entre 1566 et 1569
Musée de L'Ermitage, Saint-Petersbourg

François Clouet est un artiste-peintre dessinateur. français de la Renaissance. Fils de Jean Clouet, lui même dessinateur et peintre célèbre en son temps, François Clouet continue l’œuvre de portraitiste de son père, et son art présente beaucoup d'analogie avec le style dont Jean a été l’inventeur : même sobriété, concentration sur la recherche de ressemblance et même soin d'éviter tout détail superflu.  Les dessins de François Clouet toutefois sont réputés ne pas posséder la légèreté aérienne de ceux de Jean Clouet, mais en tant que portraits ils ne sont pas moins saisissants. C'est lui  qui le premier  s'est avisé de leur donner un fini qui atteste qu'il ne les considérait plus comme des esquisses préparatoires, mais comme des œuvres d'art achevées en elles-mêmes. On pourrait dire, que les 54 dessins authentiques de François Clouet, répartis entre le musée Condé de Chantilly et le Cabinet des estampes au Musée du Louvre à Paris, surpassent encore ceux de son père dans la voie que celui-ci avait ouverte.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 80 - Michel-Ange et ses glands

 

 

 

Ceci est un des Ignudi. c’est à dire un des 20 nus masculins peint à fresque qui peuplent le plafond de la Chapelle Sixtine commandée par le Pape Jules II à Michel Ange en 1508. Ce dernier les a groupé par 4 et disposés dans les espaces contenus entre le panneaux mineurs des grands épisodes de la Genèse. A l’origine, dans son premier projet pour la voûte, Michel-Ange avait prévu de peindre uniquement les figures des douze apôtres initialement envisagés comme seul décor, les 12 apôtres étant accompagnés de quelques anges. Par la suite le Pape changea d avis et demanda au peintre qu’il peignit des épisodes de la Genèse, le premier livre de la Bible, et ce sont donc plus 300 personnages qui remplacèrent les 12 prévus au départ de l’entreprise. Pour connaitre la suite écoutez ce podcast...

Francisco de Goya (1746 - 1828) - Portrait du toréador Pedro Romero

Francisco de Goya (1746 - 1828)
Portrait du toréador Pedro Romero
Palazzo Pitti, Galleria Palatina, Florence 

L’évolution stylistique de Goya fut peu commune. Son œuvre commence approximativement en 1771 avec ses premières fresques pour la basilique du Pilar à Saragosse et termine en 1827 avec ses dernières toiles, dont la Laitière de Bordeaux. Durant ces années, le peintre produisit presque 700 peintures, 280 gravures et plusieurs milliers de dessins. L’œuvre évolua depuis le rococo, typique de ses cartons pour tapisseries jusqu’aux très personnelles peintures noires, en passant par les peintures officielles pour la cour de Charles IV d’Espagne et de Ferdinand VII d’Espagne. La thématique goyesque est ample : le portrait, les scènes de genre (chasse, scènes galantes et populaires, vices de la société, violence, sorcellerie), les fresques historiques, religieuses, ainsi que des natures mortes.

Goya a peint plusieurs portraits (au moins deux) de ce toréador célèbre de son vivant, l'un en habit dit " de lumière" et l'autre dans cette tenue sombre et avec ce regard désenchanté.

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Giovanni Battista Moroni (1520-1579) - Portrait de buste d'un jeune homme portant inscription

 

 

Giovanni Battista Moroni (1520-1579),
Portrait de buste d'un jeune homme portant inscription
Huile sur toile, 1560, 47, 2 x 39, 8cm
National Portrait Gallery, London

 

 

Entre le années 1550 et 1562, Moroni est le portraitiste à la mode de la bonne société de Bergame. C'est l'époque où il rencontra Titien, le plus grand portraitiste de son temps. Les portraits du Titien montrent des personnages qui appartiennent aux plus hautes sphères du pouvoir. Ceux de Moroni, très précis dans l'aspect physique et l'attitude psychologique, invitent au dialogue avec des êtres davantage plongés dans leurs occupations quotidiennes. A partir des années 1560-1579, Moroni se retire dans son bourg natal d'Albino. Il adopte alors un style plus sévère, une palette plus austère aux « habits noirs, mines contrites, attitudes pieuses ». Il est le fondateur de ce que l'on nommait alors " la peinture de la réalité " qui a marqué les arts plastiques de Bergame et de Brescia jusqu'au 18^e siècle.

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Giovanni Antonio Burrini (1656-1727) - Tête d'homme regardant vers le haut

Giovanni Antonio Burrini (1656-1727)
Tête d'homme regardant vers le haut
The Morgan Library and museum.

 

Giovanni Antonio Burrini était un peintre italien, caractérisé par un style baroque tardif, rococo. Avec le courant néo-vénitien de Bologne du XVIIe siècle, il devient l'un des artisans du renouveau de la peinture dans sa ville, la libérant de la tradition académique de Reni, grâce à l'introduction des éléments du courant baroque. Son art était caractérisé par l'originalité, l'imagination, l'esprit authentique, le style intense et écrasant, la technique virtuose du pinceau, le chromatisme, l'imagination et l'originalité dans le traitement du thème, dérivé de l'école vénitienne et florentine de Pietro da Cortona et Luca Giordano. Ses dessins  plsu osbre que ses peintures sont d'une admirable expressivité.

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Paul Cadmus (1904-1999) - Nudo No. 2, 1984, Davenport 57

Paul Cadmus (1904-1999)
Nudo No. 2, 1984, Davenport 57
Etching on cream wove paper, 9 x 8 1/8 inches,
Courtesy James Main Fine Arts Santa Barbara 

 

 

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publie, depuis 2016, l'intégralité des dessins connus.  

De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins, tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

 

Consultez aussi notre podcast 

LES TABLEAUX QUI PARLENT 

N° 48 - L'homme de Cadmus recroquevillé sur son animalité 

 

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Rockwell Kent (1882-1971) - Self Portrait

Rockwell Kent (1882-1971)
Self Portrait, Das Ding an Sich, It's Me O Lord, 1934
Graphite on wove paper, 19 1/2 x 13 7/8 in.
Courtesy James Main Fine Art, Santa Barbara

Rockwell Kent  est un auteur, artiste peintre, graveur, illustrateur, aventurier voyageur et marin américain. Transcendantaliste et mystique dans la tradition de Thoreau et d'Emerson, dont il a lu les œuvres, Kent a trouvé l'inspiration dans l'austérité et la beauté austère de la nature sauvage. Après Monhegan, il a vécu pendant de longues périodes à Winona, Minnesota (1912–1913), Terre-Neuve (1914–15), Alaska (1918–19), Vermont (1919–1925), Tierra del Fuego (1922–23), Irlande (1926) et Groenland (1929 ; 1931–32 ; 1934–35). Ses séries de paysages terrestres et marins de ces lieux souvent interdits véhiculent l'esprit symboliste évoquant les mystères et les merveilles cosmiques du monde naturel. "Je ne veux pas d'expression de soi mesquine", a écrit Kent, "je veux la chose élémentaire et infinie; je veux peindre le rythme de l'éternité."
Lorsque Kent mourut d'une crise cardiaque en 1971, le New York Times publia une vaste nécrologie en première page qui commençait ainsi : « À diverses périodes (et souvent simultanées) de sa longue vie, le protéiforme Rockwell Kent était un architecte, peintre, illustrateur, lithographe, xylographe, caricaturiste, publicitaire, charpentier, producteur laitier, explorateur, syndicaliste et polémiste politique. " C' est une personne si multiple qu'elle est multiforme", a un jour observé Louis Untermeyer, le poète."

Un être rare, merveilleux, umineux. 

Alfredo Ramos Martínez (1872-1946) - Expectation (c. 1932)

Alfredo Ramos Martínez (1872-1946)
Expectation (c. 1932)
Tempera & Conté crayon on newsprint, 57.5 x 43.5 cm.
Private Collection 

 

Alfredo Ramos Martínez était un peintre, muraliste et éducateur, qui a vécu et travaillé au Mexique, à Paris et à Los Angeles. Considéré par beaucoup comme le «père du modernisme mexicain », Ramos Martínez est surtout connu pour ses peintures sereines et empathiques de personnes et de scènes mexicaines traditionnelles.  Comme pour les autres grands modernistes mexicains, les peuples autochtones étaient les principaux sujets des œuvres matures de Ramos Martínez. Ces dernières années, plusieurs de ces peintures ont atteint des prix élevés sur le marché international de l'art. Son tableau Flowers of Mexico de 1938 aété vendu plus de 4 millions de dollars chez Christie's à New York en mai 2007, ce qui  asoudianement attiré l'attention sur ce peintre jusque là très peu connu.

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Dal Holcomb (1901- 1978) - Cover American Weekly, July 6, 1952

 

Dal Holcomb (1901-1978)
Mister knits (Monsieur tricote)
Cover American Weekly, July 6, 1952

Delorma Bostwick Holcomb (Dal Holcomb) était surtout connu pour ses couvertures de magazine et ses images  publicitaires dans les années 1930-40. qu'il  réalisa principalement à l'aquarelle et à la gouache. Ses couvertures de magazine étaient célèbres pour leur drôlerie. Les femmes étaient reconnaissables à leurs silhouettes en forme de sablier, leurs joues fardées, leurs coiffures bouclées, leur petit nez en trompette et les positions expressives de leurs mains ,souvent gantées. Il fut un illustrateur très prolifique créant des couvertures aussi bien pour King Feature Syndicates que pour Saturday Home Review, Collier's, College Humor, Liberty et American Weekly. En 1942, une de ses affiches patriotiques fut publiée dans le cadre de la campagne "d'espionnage/patriotisme" de la Seconde Guerre mondiale. "Quiet! Loose Talk Can Cost Lives" est incluse avec d'autres affiches de guerre de cette époque dans la collection Kittleson de la bibliothèque publique de Minneapolis. Il était l'un des deux illustrateurs de We Read about Lightning and Thunder, un livre pour enfants.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 79 - Cranach et le vrai visage du Christ ?

Giovanni Battista Crema (1883-1954) - Autoritratto con cappello

Giovanni Battista Crema (1883-1954)
Autoritratto con cappello, 1905.
Pinacoteca Civica di Ferrara 

 

Giovanni Battista Cremaétait un peintre italien, représentant du divisionnisme italien, Crema a d'abord été l'élève de Domenico Morelli à Naples, puis de Domenico Ferri à Bologne. Il fait ses débuts avec une exposition à Rome en 1905 et, ayant obtenu le succès, il exposa à la fois en Italie lors d'expositions nationales et à l'étranger (Argentine, Espagne). Marqué par son expérience de la Première Guerre mondiale, durant laquelle il participa activement au conflit sur le Carso et resta invalide, Crema consacra en partie la seconde moitié de sa production artistique à la représentation de scènes de guerre dont il fut personnellement témoin.

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Charles Haslewood-Shannon (1863-1937) - Autoportrait

Charles Haslewood-Shannon (1863-1937)
Autoportrait 1897
National Portrait Gallery

Charles Haslewood Shannon (1863-1937) est un peintre, graveur, lithographe et illustrateur britannique, cofondateur des éditions Vale Press avec son compagnon Charles Ricketts.
Shannon entre à la South London School of Technical Art, la nouvelle école d'arts appliqués qui avait remplacé la Lambeth School of Art. Durant ses années de formation, il tombe en amitié avec son jeune condisciple Charles Ricketts, qui deviendra le compagnon de toute une vie. Dans ses premières esquisses, Shannon se place sous l'influence assumée des grands maîtres de l'école vénitienne, notamment du Giorgione, en des tons clairs-obscurs, style qui marque ses premiers portraits et gravures. En 1889, il fonde avec Ricketts, qui vient de toucher un gros héritage, le magazine d'art The Dial, qui défend les préraphaélites et les tenants du symbolisme. Le magazine cesse de paraître en 1897. Ricketts, qui est un grand admirateur de William Morris, propose à son compagnon de mettre sur pied une véritable entreprise autonome : en 1893, les deux hommes lancent les éditions Vale Press, du nom de la maison où il vivaient à Chelsea. Ils publient plus de 80 ouvrages, à la fois des classiques britanniques et des contemporains, livres qu'ils conçoivent entièrement, créant trois nouvelles fontes typographiques, les illustrations (dessins et gravures), la reliure, etc. En termes de bibliophilie, leurs deux plus belles créations restent le Silverpoints de John Gray (1893) et The Sphinge d'Oscar Wilde (1895). Le duo d'artistes se fit connaître à Paris, où André Marty les sollicita pour publier leurs gravures dans L'Estampe originale. Les ateliers furent malheureusement détruits par un incendie en 1899 et Ricketts abandonna l'imprimerie
En 1900, il reçoit la médaille d'argent lors de l'Exposition universelle de Paris. Il était membre de l'International Society of Sculptors, Painters and Gravers  et de la Société des peintres-lithographes (Paris).
Tout comme Ricketts, Shannon fut un grand collectionneur de peinture française et anglaise, d'antiquités égyptiennes et grecques, de miniatures persanes et de gravures japonaises, qui s'accumulèrent pendant près de quarante ans et que de nombreuses institutions souhaitèrent dans les années 1920 acquérir : le Fitzwilliam Museum, rattaché à l'université de Cambridge, en possède aujourd'hui une grande partie. Ricketts et Shannon eurent pour mécène et ami Edmund Gabriel Davis et son épouse Mary. En 1928, après une malencontreuse chute, Shannon subit un traumatisme crânien, devient amnésique et cesse toute activité artistique.

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Edward Hopper (1882-1967) - Gas

Edward Hopper (1882-1967)
Gas
Oil on canvas, 1940
The MoMA, New York (Mrs. Simon Guggenheim Fund)

Cette œuvre résulte d'une représentation imaginée à partir de  de plusieurs stations-service différentes observées par l'artiste. La lumière crépusculaire de ce tableau, à la fois naturelle et artificielle, donne à la scène d'une station-service et de son seul occupant un climat  de drame sous-jacent. Plutôt que de simplement dépeindre un récit, le but de Hopper était "la transcription la plus exacte possible de mes impressions les plus intimes de la nature" - dans ce cas, la solitude d'une route de campagne américaine. Son collègue artiste Charles Burchfield pensait que ces peintures resteraient dans la mémoire des  spectateurs au-delà de leur époque, car disait il dans sa "présentation honnête de la scène américaine... Hopper n'insiste pas sur ce que le spectateur doit ressentir".

 
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Francis Cadell (1883-1937) - The Bather in a white hat

 

 
Francis Cadell (1883-1937)
The Bather in a white hat
Private collection

Francis Cadell (de son nom complet Francis Campbell Boileau Cadell) est un peintre coloriste écossais, célèbre pour ses représentations d'intérieurs élégants ainsi que pour ses paysages de l’Ole de Iona et... pour ses portraits d'hommes !
Encouragé par le peintre Arthur Melville à partir dès l'âge de 16 ans, il part étudier à Paris à l'Académie Julian où il entre rapidement en contact avec l'avant-garde française et découvre Matisse. Ce dernier exerça sur lui une influence durable, bien qu’il se soit aussi intéressé à la technique de James Abbott McNeill Whistler et d’Édouard Manet. Après son retour en Écosse, il a régulièrement exposé à Édimbourg et à Glasgow — notamment au Royal Glasgow Institute of the Fine Arts — ainsi qu'à Londres.
Cadell était un peintre gaucher. Lorsqu’il était étudiant à l'Académie royale écossaise, le président avait tenté de l'empêcher de peindre avec sa main gauche sous prétexte qu' « aucun artiste gaucher n'était devenu génial ». Cadell répliqua « Monsieur et n'y a-t-il pas la grande peinture de Michel-Ange ? » Le président ne répondit pas et quitta la salle. Un camarade demanda alors à Cadell comment il savait que Michel-Ange était gaucher. Et Cadell d' avouer « Je ne savais pas, mais le président non plus ».
Entre octobre 2011 à mars 2012, la Galerie nationale écossaise d'art moderne a réalisé une rétrospective majeure du travail de Cadell, la première depuis celle tenue à la Galerie nationale d'Écosse en 1942.

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Ve Dinastie (Egypte 2494–2345 av. JC) - Boucher écorchant un veau.

Ve Dynastie (Egypte 2494–2345 av. JC)
Boucher écorchant un veau.
Sculpture en pierre avec trace des polychromies, 37 x 14.2 x 38 cm.
Oriental Institute, University of Chicago

 
Sous la Ve dynastie, les arts se développent et atteignent un raffinement qui restera considéré comme un âge d’or. Les dignitaires se font aménager de somptueuses tombes ou mastabas à Saqqarah, Abousir et Gizeh. Les agencements internes de ces tombes sont de plus en plus complexes jusqu’à devenir de véritables demeures des morts. Le programme iconographique des monuments copie celui des temples funéraires royaux dans leurs grands thèmes et on voit apparaître de véritables autobiographies glorifiant la carrière des grands du royaume. La sculpture privée suit un chemin parallèle produisant des chefs-d’œuvre qui garnissent aujourd’hui les collections des grands musées égyptologiques du monde. Les monuments funéraires royaux restent l'affaire du règne et si la proportion des pyramides se réduit, comparée à celles de la IVe dynastie, l'architecture se développe dans les temples qui y étaient associés. Chaque complexe est alors constitué d'un temple d'accueil, ou temple-bas, et d'un temple funéraire, ou temple-haut, reliés entre eux par une longue chaussée couverte. Les deux temples, aux fonctions complémentaires pour le culte du roi défunt, sont construits en calcaire fin pour les murs, granit pour les soubassements et dotés de colonnes monolithes également en granit, le plus souvent papyriformes qui seront largement réutilisées par la suite pour d'autres monuments d'autres règnes. Ces colonnes soutenaient un toit réalisé en grands blocs monolithes. L'accent est mis sur la décoration des murs des temples qui finissent par couvrir l'ensemble des espaces libres des monuments, retraçant les hauts faits du règne et décrivant la vie du pays dans ses moindres détails.
Avec la Ve dynastie égyptienne un nouveau type de temples voit également le jour sous la forme des grands temples solaires édifiés non loin de la nécropole royale dynastique d'Abousir. Chaque souverain est réputé en avoir commandé un, mais seuls ceux d'Ouserkaf et de Niouserrê ont été mis au jour à l'heure actuelle.
Les cités du pays commencent alors à concevoir un nouvel intérêt pour leurs propres monuments, signe que les élites locales s'affranchissent de plus en plus d'un pouvoir centralisé. Peu de vestiges de cette époque nous sont parvenus par le fait que ces sites ont été constamment occupés et renouvelés par les règnes successifs et les caprices du fleuve dont les inondations parfois dévastatrices obligeaient souvent une reconstruction complète. De plus ces monuments étaient la plupart du temps bâtis en briques crues et seuls certains éléments étaient en pierre. Au contraire, dans le désert occidental, les monuments funéraires privés et cénotaphes royaux étaient bâtis en pierre de taille et même s’ils ont souffert du temps, ils ont été mieux conservés et préservés. Sur le plan culturel une littérature tenant à la fois du conte et du genre philosophique apparaît. Le papyrus Westcarpeut très bien avoir été mis au point à cette époque et c'est en tout cas pendant cette dynastie que les maximes sapientiales de Ptahhotep sont réputées avoir été écrites de la main même du célèbre vizir. Dans les mastabas les biographies des grands dignitaires emploient un style littéraire narratif qui sera souvent imité par la suite. Enfin sur le plan religieux, il convient de noter que c'est sous le règne d'Ounas qu'apparaissent les textes des pyramides, premier corpus théologique connu de l'Égypte antique et qui sera développé de manière systématique à la dynastie suivante. Si la transcription dans la pierre de ces écrits religieux est une invention du règne, leur contenu est beaucoup plus ancien selon le style employé par certaines formules et leur rassemblement en un ensemble homogène est l'œuvre des prêtres de la dynastie qui conservaient dans les archives des temples divins l'ensemble de ces textes destinés à assurer l'immortalité du roi.

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Eero Nelimarkka (1891- 1977) - Autoportrait

 

 

Eero Nelimarkka (1891-1977)
Autoportrait
Collection privée 

Le peintre finlandais Eero Aleksander Nelimarkka est connu pour ses paysages d' Ostrobotnie (les Lakeus), mais également pour ses nombreux autoportraits dont celui ci fait partie. Il a peint également des  portraits de notables finlandais et des membres de leur famille et des natures mortes aux sujets souvent inhabituels.
En 1912, Nelimarkka vient étudier à Paris à l'Académie de la Grande Chaumière et à l'Académie Julian. En 1945, devenu un artiste connu, il se consacre à l'enseignement et crée la "Fondation Nelimarkka"avec mission de préserver et de promouvoir la production et le travail de la vie d'Eero Nelimarkka. En 1964, la fondation construit le Musée Nelimarkka dans la ferme de son père à Alajärvi, dans le sud de l'Ostrobotnie. Sa collection est riche d'environ 1700 œuvres.

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Diego Velasquez (1599-1660) - Juan de Pareja

Diego Velasquez (1599-1660)
Juan de Pareja. c.1650.
The MET 

Ce portrait extraordinaire est celui de l’esclave maure que Diego Velázquez employait comme assistant. Peinte à Rome, la toile fut exposée au Panthéon, en mars 1650. Velázquez voulait manifestement impressionner ses collègues italiens par son talent. De fait, comme nous l’apprend Antonio Palomino, son biographe, le tableau fut présenté « sous les applaudissements des peintres de diverses nations, unanimes à dire que tout le reste semblait peint mais que celui-là seul semblait vrai ». Outre la présence physique, Velázquez a rendu la fierté du modèle, qui allait lui-même devenir peintre après que Velázquez l’eut affranchi, en 1654.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 78 - Yannis Tsarouchis : Rêve de David

 

 

Cette toile de Yannis Tsarouchis, est une toile sacrée. Elle représente en effet dans une manière très personnelle, plusieurs moment d’un même épisode connu de la Bible lorsque David, troisième roi de la Monarchie unifiée d'Israël et Juda à la suite de Saül et d'Ish-boshet, et principal auteur des Psaumes demande à Dieu d’habiter à jamais auprès de lui pour éternellement contempler sa beauté. Pour connaitre la suite, ecoutez le podcast....

Horace Vernet 1789-1863) - Portrait d'un Mamelouk supposé être Roustam Raza

Horace Vernet (1789-1863)
Portrait d'un mamelouk supposé être Roustam Raza, 1810
Huile sur toile 75 x 61.5 cm
The MET.

On pense que ce premier portrait débonnaire de Vernet, l'un des principaux peintres de bataille du XIXe siècle, représente l'un des centaines de Moyen-Orientaux qui ont cherché refuge en France après l'invasion infructueuse de l'Égypte par Napoléon en 1798-1801. Le nom du modèle est inconnu, mais il est identifiable par ses vêtements en tant que membre du corps des "Mamelouks" constitué par Napoléon dans le cadre de l'armée française. Leurs rangs ont ensuite été remplis par des Français de souche; des éléments de leur tenue imprégnèrent la mode civile de leur temps. 

 Fils de Carle Vernet, petit-fils de Claude Joseph Vernet, il suivit les traces de son père dans la peinture militaire dont il fit sa spécialité et où il se révéla un peintre brillant. On lui doit des scènes de batailles assez grandiloquentes et des sujets orientalisants...

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Edvard Munch (1863-1944) - L'écrivain Hans Jaeger

Edvard Munch (1863-1944)
L'écrivain Hans Jaeger, 1889
Huile sur toile 109 x 84 cm
National Gallery of Norway

Henrik Jæger  est un écrivain, philosophe et théoricien anarchiste norvégien. Plus qu'une figure de la pensée et un écrivain original, ce leader de la bohème norvégienne, partisan obstiné et fanatique du libre développement de la jeunesse a été la plume et la voix provocante, amoncelant sur elles une petite crise de société norvégienne. L'affaire Jaeger est une dénonciation acharnée, autant sociale que politique, des mortelles entraves de la morale officielle à la libération sexuelle des classes aisées. Si Hans Jaeger s'est attiré soudain les foudres des autorités alors qu'il professait ses opinions dans un climat de tolérance depuis de nombreuses années, ce n'est pas seulement par une influence de la lente montée du rigorisme protestant et de la mouvance piétiste, c'est le changement de donne politique qui survient avec la prise de pouvoir au parlement après 1884 de la gauche norvégienne, balayant les soutiens de la haute société danophile, et rendant inutile les efforts ardents des patriotes du champ littéraire contre ces derniers. Ayant épuisé les recours légaux, la contre-attaque virulente d'une fraction de la haute bourgeoisie élitiste, perdante effrayée par les visages de la pensée et de la vie technologique moderne, visent alors la littérature, l'art et la science moderne. Comme le comprirent quelques grands écrivains, l'attaque visait toute la bohème d'Oslo au-delà du thème retenu et souhaitait disqualifier les artistes et créateurs de la société de demain, société qui menaçait les agresseurs. Les crises virulentes de l'affaire Jaeger, divisant parfois les familles en leur sein de longues années, sont toutefois contenues dans le microcosme urbain de Kristiana, la future Oslo.

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Ernest Biéler (1863-1948) - Portrait d'un homme de Savièse

Ernest Biéler (1863-1948)
Portrait d'un homme de Savièse
Tempera sur bois, 70x 43m
Collection privée

Après ses études à Lausanne, Ernest Biéler suit, dès 1880, les cours de l’Académie Julian à Paris. Il obtient une médaille d’argent à l’Exposition universelle de 1900 à Paris. Il appartient, avec Raphaël Ritz, Édouard Vallet, Albert Chavaz et d’autres, à l’Ecole de Savièse. Biéler fut d’ailleurs fait bourgeois d’honneur de cette localité valaisanne.
Très attaché au Canton du Valais, il est surtout connu pour les magnifiques portraits de paysans (ci-dessus) et d'habitants de Savièse qu'il peignit tout au long de sa vie. Fier de son appartenance valaisanne, il a également créé pour bons de monuments locaux, des vitraux, des fresques, et pour notamment La Fête des Vignerons, des costumes, des chars et des décors tout a fait étonnants.
Il passa les dernières années de sa vie dans sa maison du Monteiller (Rivaz).
Ses portraits se trouvent aujourd'hui dans de nombreuses prestigieuses collections privées en Suisse et a travers le monde.

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Federico Zuccaro (ca. 1540-1609) - Portrait d'un jeune homme légèrement tourné ver la gauche

 

Federico Zuccaro (ca. 1540-1609)
Portrait d'un jeune homme (Taddeo Zuccaro?), légèrement tourné ver la gauche, 1566
Morgan Library and Museum 

Federico Zuccari, ou Zuccaro, est un peintre et architecte italien des Marches en Italie centrale. Il est considéré comme l'un des maîtres du maniérisme romain dans la seconde moitié du Cinquecento. Entre 1563 et 1565, il fut actif à Venise auprès de la famille Grimani di Santa Maria Formosa. Durant sa période vénitienne, il voyagea aux côtés d'Andrea Palladio dans la région du Frioul. Le 14 octobre 1565, il entre à l'Accadémie du Dessin à Florence. Il adhère successivement à la Compagnie de San Giovanni di Terrasanta, dans laquelle son frère Taddeo fut déjà associé à partir du 17 novembre 1560.  La querelle rapportée au pape s'étant apaisée, il revient à Rome et y termine son ouvrage et en reçoit éloges et récompenses. Il construit une maison sur le Pincio, où subsistent des fresques de sa main.  Selon Lanzi, il se fait alors connaître comme « chef d'école de la décadence » (« caposcuola di decadenza »).  Le 29 décembre 1573, Federico en devint le premier régent à vie, charge qui ne reviendra à l’avenir qu'à Antonio Canova. En 1592, il fonde les statuts de l’Académie de Saint-Luc à Rome, dont il devient le prince en 1593.
Parmi ses premières œuvres en tant qu’assistant de son frère, il prit part aux éléments complémentaires des décorations du casino du pape Pie IV et de la villa Farnèse de Caprarola. À l'église des Minimes de Rome de la Trinité-des-Monts, Federico Zuccari achève des fresques commencées par son frère Taddeo. Ses premiers succès le font appeler à Florence, où on le charge de peindre le dôme de la cathédrale Santa Maria del Fiore. Il y place des figures hautes de cinquante pieds. Celle de Lucifer apparaît si démesurée qu'elle fait ressembler les personnages voisins à des enfants. Il commente lui-même cette particularité, en ajoutant que ces figures sont les plus colossales qu'on ait faites à ce jour. Luigi Lanzi pense qu'à part son immensité, la composition ne mérite guère d'éloges. On envisage un temps de lui faire remplacer les peintures de Pierre de Cortone. Seule la crainte qu'il ne vive pas assez longtemps empêche cette entreprise.

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