Francisco de Goya (1746 - 1828) - Portrait du toréador Pedro Romero

Francisco de Goya (1746 - 1828)
Portrait du toréador Pedro Romero
Palazzo Pitti, Galleria Palatina, Florence 

L’évolution stylistique de Goya fut peu commune. Son œuvre commence approximativement en 1771 avec ses premières fresques pour la basilique du Pilar à Saragosse et termine en 1827 avec ses dernières toiles, dont la Laitière de Bordeaux. Durant ces années, le peintre produisit presque 700 peintures, 280 gravures et plusieurs milliers de dessins. L’œuvre évolua depuis le rococo, typique de ses cartons pour tapisseries jusqu’aux très personnelles peintures noires, en passant par les peintures officielles pour la cour de Charles IV d’Espagne et de Ferdinand VII d’Espagne. La thématique goyesque est ample : le portrait, les scènes de genre (chasse, scènes galantes et populaires, vices de la société, violence, sorcellerie), les fresques historiques, religieuses, ainsi que des natures mortes.

Goya a peint plusieurs portraits (au moins deux) de ce toréador célèbre de son vivant, l'un en habit dit " de lumière" et l'autre dans cette tenue sombre et avec ce regard désenchanté.

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Giovanni Battista Moroni (1520-1579) - Portrait de buste d'un jeune homme portant inscription

 

 

Giovanni Battista Moroni (1520-1579),
Portrait de buste d'un jeune homme portant inscription
Huile sur toile, 1560, 47, 2 x 39, 8cm
National Portrait Gallery, London

 

 

Entre le années 1550 et 1562, Moroni est le portraitiste à la mode de la bonne société de Bergame. C'est l'époque où il rencontra Titien, le plus grand portraitiste de son temps. Les portraits du Titien montrent des personnages qui appartiennent aux plus hautes sphères du pouvoir. Ceux de Moroni, très précis dans l'aspect physique et l'attitude psychologique, invitent au dialogue avec des êtres davantage plongés dans leurs occupations quotidiennes. A partir des années 1560-1579, Moroni se retire dans son bourg natal d'Albino. Il adopte alors un style plus sévère, une palette plus austère aux « habits noirs, mines contrites, attitudes pieuses ». Il est le fondateur de ce que l'on nommait alors " la peinture de la réalité " qui a marqué les arts plastiques de Bergame et de Brescia jusqu'au 18^e siècle.

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Giovanni Antonio Burrini (1656-1727) - Tête d'homme regardant vers le haut

Giovanni Antonio Burrini (1656-1727)
Tête d'homme regardant vers le haut
The Morgan Library and museum.

 

Giovanni Antonio Burrini était un peintre italien, caractérisé par un style baroque tardif, rococo. Avec le courant néo-vénitien de Bologne du XVIIe siècle, il devient l'un des artisans du renouveau de la peinture dans sa ville, la libérant de la tradition académique de Reni, grâce à l'introduction des éléments du courant baroque. Son art était caractérisé par l'originalité, l'imagination, l'esprit authentique, le style intense et écrasant, la technique virtuose du pinceau, le chromatisme, l'imagination et l'originalité dans le traitement du thème, dérivé de l'école vénitienne et florentine de Pietro da Cortona et Luca Giordano. Ses dessins  plsu osbre que ses peintures sont d'une admirable expressivité.

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Paul Cadmus (1904-1999) - Nudo No. 2, 1984, Davenport 57

Paul Cadmus (1904-1999)
Nudo No. 2, 1984, Davenport 57
Etching on cream wove paper, 9 x 8 1/8 inches,
Courtesy James Main Fine Arts Santa Barbara 

 

 

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publie, depuis 2016, l'intégralité des dessins connus.  

De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins, tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

 

Consultez aussi notre podcast 

LES TABLEAUX QUI PARLENT 

N° 48 - L'homme de Cadmus recroquevillé sur son animalité 

 

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Rockwell Kent (1882-1971) - Self Portrait

Rockwell Kent (1882-1971)
Self Portrait, Das Ding an Sich, It's Me O Lord, 1934
Graphite on wove paper, 19 1/2 x 13 7/8 in.
Courtesy James Main Fine Art, Santa Barbara

Rockwell Kent  est un auteur, artiste peintre, graveur, illustrateur, aventurier voyageur et marin américain. Transcendantaliste et mystique dans la tradition de Thoreau et d'Emerson, dont il a lu les œuvres, Kent a trouvé l'inspiration dans l'austérité et la beauté austère de la nature sauvage. Après Monhegan, il a vécu pendant de longues périodes à Winona, Minnesota (1912–1913), Terre-Neuve (1914–15), Alaska (1918–19), Vermont (1919–1925), Tierra del Fuego (1922–23), Irlande (1926) et Groenland (1929 ; 1931–32 ; 1934–35). Ses séries de paysages terrestres et marins de ces lieux souvent interdits véhiculent l'esprit symboliste évoquant les mystères et les merveilles cosmiques du monde naturel. "Je ne veux pas d'expression de soi mesquine", a écrit Kent, "je veux la chose élémentaire et infinie; je veux peindre le rythme de l'éternité."
Lorsque Kent mourut d'une crise cardiaque en 1971, le New York Times publia une vaste nécrologie en première page qui commençait ainsi : « À diverses périodes (et souvent simultanées) de sa longue vie, le protéiforme Rockwell Kent était un architecte, peintre, illustrateur, lithographe, xylographe, caricaturiste, publicitaire, charpentier, producteur laitier, explorateur, syndicaliste et polémiste politique. " C' est une personne si multiple qu'elle est multiforme", a un jour observé Louis Untermeyer, le poète."

Un être rare, merveilleux, umineux. 

Alfredo Ramos Martínez (1872-1946) - Expectation (c. 1932)

Alfredo Ramos Martínez (1872-1946)
Expectation (c. 1932)
Tempera & Conté crayon on newsprint, 57.5 x 43.5 cm.
Private Collection 

 

Alfredo Ramos Martínez était un peintre, muraliste et éducateur, qui a vécu et travaillé au Mexique, à Paris et à Los Angeles. Considéré par beaucoup comme le «père du modernisme mexicain », Ramos Martínez est surtout connu pour ses peintures sereines et empathiques de personnes et de scènes mexicaines traditionnelles.  Comme pour les autres grands modernistes mexicains, les peuples autochtones étaient les principaux sujets des œuvres matures de Ramos Martínez. Ces dernières années, plusieurs de ces peintures ont atteint des prix élevés sur le marché international de l'art. Son tableau Flowers of Mexico de 1938 aété vendu plus de 4 millions de dollars chez Christie's à New York en mai 2007, ce qui  asoudianement attiré l'attention sur ce peintre jusque là très peu connu.

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Dal Holcomb (1901- 1978) - Cover American Weekly, July 6, 1952

 

Dal Holcomb (1901-1978)
Mister knits (Monsieur tricote)
Cover American Weekly, July 6, 1952

Delorma Bostwick Holcomb (Dal Holcomb) était surtout connu pour ses couvertures de magazine et ses images  publicitaires dans les années 1930-40. qu'il  réalisa principalement à l'aquarelle et à la gouache. Ses couvertures de magazine étaient célèbres pour leur drôlerie. Les femmes étaient reconnaissables à leurs silhouettes en forme de sablier, leurs joues fardées, leurs coiffures bouclées, leur petit nez en trompette et les positions expressives de leurs mains ,souvent gantées. Il fut un illustrateur très prolifique créant des couvertures aussi bien pour King Feature Syndicates que pour Saturday Home Review, Collier's, College Humor, Liberty et American Weekly. En 1942, une de ses affiches patriotiques fut publiée dans le cadre de la campagne "d'espionnage/patriotisme" de la Seconde Guerre mondiale. "Quiet! Loose Talk Can Cost Lives" est incluse avec d'autres affiches de guerre de cette époque dans la collection Kittleson de la bibliothèque publique de Minneapolis. Il était l'un des deux illustrateurs de We Read about Lightning and Thunder, un livre pour enfants.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 79 - Cranach et le vrai visage du Christ ?

Giovanni Battista Crema (1883-1954) - Autoritratto con cappello

Giovanni Battista Crema (1883-1954)
Autoritratto con cappello, 1905.
Pinacoteca Civica di Ferrara 

 

Giovanni Battista Cremaétait un peintre italien, représentant du divisionnisme italien, Crema a d'abord été l'élève de Domenico Morelli à Naples, puis de Domenico Ferri à Bologne. Il fait ses débuts avec une exposition à Rome en 1905 et, ayant obtenu le succès, il exposa à la fois en Italie lors d'expositions nationales et à l'étranger (Argentine, Espagne). Marqué par son expérience de la Première Guerre mondiale, durant laquelle il participa activement au conflit sur le Carso et resta invalide, Crema consacra en partie la seconde moitié de sa production artistique à la représentation de scènes de guerre dont il fut personnellement témoin.

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Charles Haslewood-Shannon (1863-1937) - Autoportrait

Charles Haslewood-Shannon (1863-1937)
Autoportrait 1897
National Portrait Gallery

Charles Haslewood Shannon (1863-1937) est un peintre, graveur, lithographe et illustrateur britannique, cofondateur des éditions Vale Press avec son compagnon Charles Ricketts.
Shannon entre à la South London School of Technical Art, la nouvelle école d'arts appliqués qui avait remplacé la Lambeth School of Art. Durant ses années de formation, il tombe en amitié avec son jeune condisciple Charles Ricketts, qui deviendra le compagnon de toute une vie. Dans ses premières esquisses, Shannon se place sous l'influence assumée des grands maîtres de l'école vénitienne, notamment du Giorgione, en des tons clairs-obscurs, style qui marque ses premiers portraits et gravures. En 1889, il fonde avec Ricketts, qui vient de toucher un gros héritage, le magazine d'art The Dial, qui défend les préraphaélites et les tenants du symbolisme. Le magazine cesse de paraître en 1897. Ricketts, qui est un grand admirateur de William Morris, propose à son compagnon de mettre sur pied une véritable entreprise autonome : en 1893, les deux hommes lancent les éditions Vale Press, du nom de la maison où il vivaient à Chelsea. Ils publient plus de 80 ouvrages, à la fois des classiques britanniques et des contemporains, livres qu'ils conçoivent entièrement, créant trois nouvelles fontes typographiques, les illustrations (dessins et gravures), la reliure, etc. En termes de bibliophilie, leurs deux plus belles créations restent le Silverpoints de John Gray (1893) et The Sphinge d'Oscar Wilde (1895). Le duo d'artistes se fit connaître à Paris, où André Marty les sollicita pour publier leurs gravures dans L'Estampe originale. Les ateliers furent malheureusement détruits par un incendie en 1899 et Ricketts abandonna l'imprimerie
En 1900, il reçoit la médaille d'argent lors de l'Exposition universelle de Paris. Il était membre de l'International Society of Sculptors, Painters and Gravers  et de la Société des peintres-lithographes (Paris).
Tout comme Ricketts, Shannon fut un grand collectionneur de peinture française et anglaise, d'antiquités égyptiennes et grecques, de miniatures persanes et de gravures japonaises, qui s'accumulèrent pendant près de quarante ans et que de nombreuses institutions souhaitèrent dans les années 1920 acquérir : le Fitzwilliam Museum, rattaché à l'université de Cambridge, en possède aujourd'hui une grande partie. Ricketts et Shannon eurent pour mécène et ami Edmund Gabriel Davis et son épouse Mary. En 1928, après une malencontreuse chute, Shannon subit un traumatisme crânien, devient amnésique et cesse toute activité artistique.

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Edward Hopper (1882-1967) - Gas

Edward Hopper (1882-1967)
Gas
Oil on canvas, 1940
The MoMA, New York (Mrs. Simon Guggenheim Fund)

Cette œuvre résulte d'une représentation imaginée à partir de  de plusieurs stations-service différentes observées par l'artiste. La lumière crépusculaire de ce tableau, à la fois naturelle et artificielle, donne à la scène d'une station-service et de son seul occupant un climat  de drame sous-jacent. Plutôt que de simplement dépeindre un récit, le but de Hopper était "la transcription la plus exacte possible de mes impressions les plus intimes de la nature" - dans ce cas, la solitude d'une route de campagne américaine. Son collègue artiste Charles Burchfield pensait que ces peintures resteraient dans la mémoire des  spectateurs au-delà de leur époque, car disait il dans sa "présentation honnête de la scène américaine... Hopper n'insiste pas sur ce que le spectateur doit ressentir".

 
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Francis Cadell (1883-1937) - The Bather in a white hat

 

 
Francis Cadell (1883-1937)
The Bather in a white hat
Private collection

Francis Cadell (de son nom complet Francis Campbell Boileau Cadell) est un peintre coloriste écossais, célèbre pour ses représentations d'intérieurs élégants ainsi que pour ses paysages de l’Ole de Iona et... pour ses portraits d'hommes !
Encouragé par le peintre Arthur Melville à partir dès l'âge de 16 ans, il part étudier à Paris à l'Académie Julian où il entre rapidement en contact avec l'avant-garde française et découvre Matisse. Ce dernier exerça sur lui une influence durable, bien qu’il se soit aussi intéressé à la technique de James Abbott McNeill Whistler et d’Édouard Manet. Après son retour en Écosse, il a régulièrement exposé à Édimbourg et à Glasgow — notamment au Royal Glasgow Institute of the Fine Arts — ainsi qu'à Londres.
Cadell était un peintre gaucher. Lorsqu’il était étudiant à l'Académie royale écossaise, le président avait tenté de l'empêcher de peindre avec sa main gauche sous prétexte qu' « aucun artiste gaucher n'était devenu génial ». Cadell répliqua « Monsieur et n'y a-t-il pas la grande peinture de Michel-Ange ? » Le président ne répondit pas et quitta la salle. Un camarade demanda alors à Cadell comment il savait que Michel-Ange était gaucher. Et Cadell d' avouer « Je ne savais pas, mais le président non plus ».
Entre octobre 2011 à mars 2012, la Galerie nationale écossaise d'art moderne a réalisé une rétrospective majeure du travail de Cadell, la première depuis celle tenue à la Galerie nationale d'Écosse en 1942.

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Ve Dinastie (Egypte 2494–2345 av. JC) - Boucher écorchant un veau.

Ve Dynastie (Egypte 2494–2345 av. JC)
Boucher écorchant un veau.
Sculpture en pierre avec trace des polychromies, 37 x 14.2 x 38 cm.
Oriental Institute, University of Chicago

 
Sous la Ve dynastie, les arts se développent et atteignent un raffinement qui restera considéré comme un âge d’or. Les dignitaires se font aménager de somptueuses tombes ou mastabas à Saqqarah, Abousir et Gizeh. Les agencements internes de ces tombes sont de plus en plus complexes jusqu’à devenir de véritables demeures des morts. Le programme iconographique des monuments copie celui des temples funéraires royaux dans leurs grands thèmes et on voit apparaître de véritables autobiographies glorifiant la carrière des grands du royaume. La sculpture privée suit un chemin parallèle produisant des chefs-d’œuvre qui garnissent aujourd’hui les collections des grands musées égyptologiques du monde. Les monuments funéraires royaux restent l'affaire du règne et si la proportion des pyramides se réduit, comparée à celles de la IVe dynastie, l'architecture se développe dans les temples qui y étaient associés. Chaque complexe est alors constitué d'un temple d'accueil, ou temple-bas, et d'un temple funéraire, ou temple-haut, reliés entre eux par une longue chaussée couverte. Les deux temples, aux fonctions complémentaires pour le culte du roi défunt, sont construits en calcaire fin pour les murs, granit pour les soubassements et dotés de colonnes monolithes également en granit, le plus souvent papyriformes qui seront largement réutilisées par la suite pour d'autres monuments d'autres règnes. Ces colonnes soutenaient un toit réalisé en grands blocs monolithes. L'accent est mis sur la décoration des murs des temples qui finissent par couvrir l'ensemble des espaces libres des monuments, retraçant les hauts faits du règne et décrivant la vie du pays dans ses moindres détails.
Avec la Ve dynastie égyptienne un nouveau type de temples voit également le jour sous la forme des grands temples solaires édifiés non loin de la nécropole royale dynastique d'Abousir. Chaque souverain est réputé en avoir commandé un, mais seuls ceux d'Ouserkaf et de Niouserrê ont été mis au jour à l'heure actuelle.
Les cités du pays commencent alors à concevoir un nouvel intérêt pour leurs propres monuments, signe que les élites locales s'affranchissent de plus en plus d'un pouvoir centralisé. Peu de vestiges de cette époque nous sont parvenus par le fait que ces sites ont été constamment occupés et renouvelés par les règnes successifs et les caprices du fleuve dont les inondations parfois dévastatrices obligeaient souvent une reconstruction complète. De plus ces monuments étaient la plupart du temps bâtis en briques crues et seuls certains éléments étaient en pierre. Au contraire, dans le désert occidental, les monuments funéraires privés et cénotaphes royaux étaient bâtis en pierre de taille et même s’ils ont souffert du temps, ils ont été mieux conservés et préservés. Sur le plan culturel une littérature tenant à la fois du conte et du genre philosophique apparaît. Le papyrus Westcarpeut très bien avoir été mis au point à cette époque et c'est en tout cas pendant cette dynastie que les maximes sapientiales de Ptahhotep sont réputées avoir été écrites de la main même du célèbre vizir. Dans les mastabas les biographies des grands dignitaires emploient un style littéraire narratif qui sera souvent imité par la suite. Enfin sur le plan religieux, il convient de noter que c'est sous le règne d'Ounas qu'apparaissent les textes des pyramides, premier corpus théologique connu de l'Égypte antique et qui sera développé de manière systématique à la dynastie suivante. Si la transcription dans la pierre de ces écrits religieux est une invention du règne, leur contenu est beaucoup plus ancien selon le style employé par certaines formules et leur rassemblement en un ensemble homogène est l'œuvre des prêtres de la dynastie qui conservaient dans les archives des temples divins l'ensemble de ces textes destinés à assurer l'immortalité du roi.

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Eero Nelimarkka (1891- 1977) - Autoportrait

 

 

Eero Nelimarkka (1891-1977)
Autoportrait
Collection privée 

Le peintre finlandais Eero Aleksander Nelimarkka est connu pour ses paysages d' Ostrobotnie (les Lakeus), mais également pour ses nombreux autoportraits dont celui ci fait partie. Il a peint également des  portraits de notables finlandais et des membres de leur famille et des natures mortes aux sujets souvent inhabituels.
En 1912, Nelimarkka vient étudier à Paris à l'Académie de la Grande Chaumière et à l'Académie Julian. En 1945, devenu un artiste connu, il se consacre à l'enseignement et crée la "Fondation Nelimarkka"avec mission de préserver et de promouvoir la production et le travail de la vie d'Eero Nelimarkka. En 1964, la fondation construit le Musée Nelimarkka dans la ferme de son père à Alajärvi, dans le sud de l'Ostrobotnie. Sa collection est riche d'environ 1700 œuvres.

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Diego Velasquez (1599-1660) - Juan de Pareja

Diego Velasquez (1599-1660)
Juan de Pareja. c.1650.
The MET 

Ce portrait extraordinaire est celui de l’esclave maure que Diego Velázquez employait comme assistant. Peinte à Rome, la toile fut exposée au Panthéon, en mars 1650. Velázquez voulait manifestement impressionner ses collègues italiens par son talent. De fait, comme nous l’apprend Antonio Palomino, son biographe, le tableau fut présenté « sous les applaudissements des peintres de diverses nations, unanimes à dire que tout le reste semblait peint mais que celui-là seul semblait vrai ». Outre la présence physique, Velázquez a rendu la fierté du modèle, qui allait lui-même devenir peintre après que Velázquez l’eut affranchi, en 1654.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 78 - Yannis Tsarouchis : Rêve de David

 

 

Cette toile de Yannis Tsarouchis, est une toile sacrée. Elle représente en effet dans une manière très personnelle, plusieurs moment d’un même épisode connu de la Bible lorsque David, troisième roi de la Monarchie unifiée d'Israël et Juda à la suite de Saül et d'Ish-boshet, et principal auteur des Psaumes demande à Dieu d’habiter à jamais auprès de lui pour éternellement contempler sa beauté. Pour connaitre la suite, ecoutez le podcast....

Horace Vernet 1789-1863) - Portrait d'un Mamelouk supposé être Roustam Raza

Horace Vernet (1789-1863)
Portrait d'un mamelouk supposé être Roustam Raza, 1810
Huile sur toile 75 x 61.5 cm
The MET.

On pense que ce premier portrait débonnaire de Vernet, l'un des principaux peintres de bataille du XIXe siècle, représente l'un des centaines de Moyen-Orientaux qui ont cherché refuge en France après l'invasion infructueuse de l'Égypte par Napoléon en 1798-1801. Le nom du modèle est inconnu, mais il est identifiable par ses vêtements en tant que membre du corps des "Mamelouks" constitué par Napoléon dans le cadre de l'armée française. Leurs rangs ont ensuite été remplis par des Français de souche; des éléments de leur tenue imprégnèrent la mode civile de leur temps. 

 Fils de Carle Vernet, petit-fils de Claude Joseph Vernet, il suivit les traces de son père dans la peinture militaire dont il fit sa spécialité et où il se révéla un peintre brillant. On lui doit des scènes de batailles assez grandiloquentes et des sujets orientalisants...

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Edvard Munch (1863-1944) - L'écrivain Hans Jaeger

Edvard Munch (1863-1944)
L'écrivain Hans Jaeger, 1889
Huile sur toile 109 x 84 cm
National Gallery of Norway

Henrik Jæger  est un écrivain, philosophe et théoricien anarchiste norvégien. Plus qu'une figure de la pensée et un écrivain original, ce leader de la bohème norvégienne, partisan obstiné et fanatique du libre développement de la jeunesse a été la plume et la voix provocante, amoncelant sur elles une petite crise de société norvégienne. L'affaire Jaeger est une dénonciation acharnée, autant sociale que politique, des mortelles entraves de la morale officielle à la libération sexuelle des classes aisées. Si Hans Jaeger s'est attiré soudain les foudres des autorités alors qu'il professait ses opinions dans un climat de tolérance depuis de nombreuses années, ce n'est pas seulement par une influence de la lente montée du rigorisme protestant et de la mouvance piétiste, c'est le changement de donne politique qui survient avec la prise de pouvoir au parlement après 1884 de la gauche norvégienne, balayant les soutiens de la haute société danophile, et rendant inutile les efforts ardents des patriotes du champ littéraire contre ces derniers. Ayant épuisé les recours légaux, la contre-attaque virulente d'une fraction de la haute bourgeoisie élitiste, perdante effrayée par les visages de la pensée et de la vie technologique moderne, visent alors la littérature, l'art et la science moderne. Comme le comprirent quelques grands écrivains, l'attaque visait toute la bohème d'Oslo au-delà du thème retenu et souhaitait disqualifier les artistes et créateurs de la société de demain, société qui menaçait les agresseurs. Les crises virulentes de l'affaire Jaeger, divisant parfois les familles en leur sein de longues années, sont toutefois contenues dans le microcosme urbain de Kristiana, la future Oslo.

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Ernest Biéler (1863-1948) - Portrait d'un homme de Savièse

Ernest Biéler (1863-1948)
Portrait d'un homme de Savièse
Tempera sur bois, 70x 43m
Collection privée

Après ses études à Lausanne, Ernest Biéler suit, dès 1880, les cours de l’Académie Julian à Paris. Il obtient une médaille d’argent à l’Exposition universelle de 1900 à Paris. Il appartient, avec Raphaël Ritz, Édouard Vallet, Albert Chavaz et d’autres, à l’Ecole de Savièse. Biéler fut d’ailleurs fait bourgeois d’honneur de cette localité valaisanne.
Très attaché au Canton du Valais, il est surtout connu pour les magnifiques portraits de paysans (ci-dessus) et d'habitants de Savièse qu'il peignit tout au long de sa vie. Fier de son appartenance valaisanne, il a également créé pour bons de monuments locaux, des vitraux, des fresques, et pour notamment La Fête des Vignerons, des costumes, des chars et des décors tout a fait étonnants.
Il passa les dernières années de sa vie dans sa maison du Monteiller (Rivaz).
Ses portraits se trouvent aujourd'hui dans de nombreuses prestigieuses collections privées en Suisse et a travers le monde.

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Federico Zuccaro (ca. 1540-1609) - Portrait d'un jeune homme légèrement tourné ver la gauche

 

Federico Zuccaro (ca. 1540-1609)
Portrait d'un jeune homme (Taddeo Zuccaro?), légèrement tourné ver la gauche, 1566
Morgan Library and Museum 

Federico Zuccari, ou Zuccaro, est un peintre et architecte italien des Marches en Italie centrale. Il est considéré comme l'un des maîtres du maniérisme romain dans la seconde moitié du Cinquecento. Entre 1563 et 1565, il fut actif à Venise auprès de la famille Grimani di Santa Maria Formosa. Durant sa période vénitienne, il voyagea aux côtés d'Andrea Palladio dans la région du Frioul. Le 14 octobre 1565, il entre à l'Accadémie du Dessin à Florence. Il adhère successivement à la Compagnie de San Giovanni di Terrasanta, dans laquelle son frère Taddeo fut déjà associé à partir du 17 novembre 1560.  La querelle rapportée au pape s'étant apaisée, il revient à Rome et y termine son ouvrage et en reçoit éloges et récompenses. Il construit une maison sur le Pincio, où subsistent des fresques de sa main.  Selon Lanzi, il se fait alors connaître comme « chef d'école de la décadence » (« caposcuola di decadenza »).  Le 29 décembre 1573, Federico en devint le premier régent à vie, charge qui ne reviendra à l’avenir qu'à Antonio Canova. En 1592, il fonde les statuts de l’Académie de Saint-Luc à Rome, dont il devient le prince en 1593.
Parmi ses premières œuvres en tant qu’assistant de son frère, il prit part aux éléments complémentaires des décorations du casino du pape Pie IV et de la villa Farnèse de Caprarola. À l'église des Minimes de Rome de la Trinité-des-Monts, Federico Zuccari achève des fresques commencées par son frère Taddeo. Ses premiers succès le font appeler à Florence, où on le charge de peindre le dôme de la cathédrale Santa Maria del Fiore. Il y place des figures hautes de cinquante pieds. Celle de Lucifer apparaît si démesurée qu'elle fait ressembler les personnages voisins à des enfants. Il commente lui-même cette particularité, en ajoutant que ces figures sont les plus colossales qu'on ait faites à ce jour. Luigi Lanzi pense qu'à part son immensité, la composition ne mérite guère d'éloges. On envisage un temps de lui faire remplacer les peintures de Pierre de Cortone. Seule la crainte qu'il ne vive pas assez longtemps empêche cette entreprise.

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Fairfield Porter (1907-1975) - Portrait of John Mac Whinnie

Fairfield Porter (1907-1975)
Portrait of John Mac Whinnie, 1972
The MET

 

Fairfield Porter était un peintre et critique d'art américain. Il était le quatrième des cinq enfants issu d'une famille d'artistes, en l'occurrence l'architecte James Porter et la poétesse de Ruth Furness.
Pendant ses études à Harvard, Porter se spécialisa en beaux-arts. il poursuivit ses études à la Art Students' League après son déménagement à New York en 1928. Ses études à la Art Students' League l'auraient prédisposé à produire un "art socialement pertinent" et, bien qu'il ait bordé de nombreux thèmes dans sa vie, il resta fidèle au style réaliste pendant toute sa carrière. Il fuit à la fois critiqué et vénéré pour être resté fidèle à ce style tout en faisant partie du mouvement expressionniste abstrait.
Ses sujets furent principalement des paysages , des intérieurs et des portraits de famille, d'amis et de collègues artistes, dont beaucoup étaient affiliés à la New York School of Writers School, notamment John Ashbery, Frank O'Hara et James Schuyler.
Beaucoup de ses peintures ont été conservées dans et autour de la maison d'été familiale de Great Spruce Head Island, dans le Maine, et dans la maison familiale située au 49 South Main Street, à Southampton, dans l'État de New York.
Sa vision picturale qui englobait une fascination pour la nature et une capacité à relever dans la vie quotidienne, les détails extraordinaires, devait beaucoup aux peintres français Pierre Bonnard et Édouard Vuillard qui'l admirait.
Porter a dit un jour: "Quand je peins, je pense que ce qui me satisferait le plus serait d'exprimer ce que Bonnard disait avoir entendu dire à Renoir :" Rends tout plus beau. "

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Eugène Delacroix (1798-1863) - Etude d'homme nu

Eugène Delacroix (1798-1863)
Etude d'homme nu
Musée du Louvre, Paris

 
En 1832, Eugène Delacroix accompagne la mission diplomatique française auprès du sultan Abd Al-Rahman. Au fil du voyage, il emplit ses carnets de croquis et d'aquarelles. Un répertoire inépuisable des formes et des couleurs qui embraseront plus tard toutes ses toiles inspirées par la passion de l'Orient. Delacroix a utilisé plusieurs carnets dispersés lors de la vente de l’atelier en 1864. Le plus remarquable d’entre eux (RF 1712 bis), qui a appartenu à Philippe Burty et au docteur Charcot, est à la fois un journal de voyage et un admirable carnet de croquis. Ce chef-d’œuvre de la collection du département des Arts graphiques est le premier carnet de l’artiste entré dans les collections du Louvre,

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Pierre-Yves Tremois (1921-2020) - Orion

Pierre-Yves Tremois (1921-2020)
Orion
Gravure originale signée à l'encre
Sur vélin BFK Rives 57 x 45.5 cm.

Pierre-Yves Trémois, né en 1921 à Paris, était un dessinateur, peintre, graveur et sculpteur français., membre de l'Académie des beaux-arts . Après des études à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris Pierre-Yves Trémois obtient, en 1943, le premier Grand Prix de Rome de peinture et se consacre au burin et à l'eau-forte à partir de 1944 pour entamer une œuvre qui est estimée à plus de 1000 gravures. 

Tout au long de son oeuvre Pierre-Yves Trémois, montre son attirance pour le corps humain, les visages, mais aussi le monde animal (singes, insectes, escargots et crapauds) qu'il met très souvent en perspective.Yves Trémois propose, à partir de ces thèmes, des variations et des méditations sur les étreintes amoureuses, l'homme confronté à son double intérieur : le singe, ou les relations retrouvées  à l'ère d'Einstein, de Teilhard de Chardin et de Jacques Monod.

 "Refusant l'adhésion à un quelconque mouvement contemporain, ce peintre indépendant maintient avec autorité un style classique où il se distingue par un graphisme sobre, d'une grande pureté, et par une constante fidélité au sujet - projetant néanmoins ses figures humaines sur des formes protoplasmiques, il fait coexister ainsi plusieurs échelles de grandeur" 
In Les Muses, encyclopédie des arts

Yves Trémois fut élu à L'Académie de Beaux arts/ Instittut de France  le 8 Février 1878. 

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Marc Saint-Saëns (1903-1979) - Le feu

 

Marc Saint-Saëns (1903-1979)
Le feu
Tapisserie d’Aubusson tissée par l’atelier Glaudin-Brivet.
Avec son bolduc signé de l’artiste, 1945
Collection privée

« Le feu » est la 4e pièce d’une tenture des « Quatre éléments », commandée par Jansen, tissée chez Dumontet, et exposée en 1946 au Musée d’Art Moderne. Le recours aux mythes, à l’allégorie est fréquent chez l’artiste à l’époque : « Orion », « Diane », « Thésée et le Minotaure » sont contemporains. Ici, la figure toute en muscles d’un forgeron-Vulcain couleur de braises, irradiant devant son fond de flammes, laisse une inoubliable impression.

Marc Saint-Saëns participe au mouvement du Retour à l'ordre de l'entre-deux-guerres tout en exprimant un style qui lui est propre, onirique et poétique et inspiré de l'art méditerranéen de l'Antiquité et du Moyen Âge. 

Lurçat sollicite Saint-Saëns, d’abord fresquiste, dès 1940. Et, pendant la guerre, celui-ci produit ses premiers chefs d’oeuvre allégoriques, tapisseries d’indignation, de combat, de résistance : “les Vierges folles”, “Thésée et le Minotaure”. A l’issue de la guerre, tout naturellement, il rejoint Lurçat dont il partage les convictions (sur le carton numéroté et les tons comptés, sur l’écriture spécifique que requiert la tapisserie,…) au sein de l’A.P.C.T. (Association des Peintres-cartonniers de Tapisserie). Son univers, où la figure humaine, étirée, allongée, tient une place considérable (comparée notamment à la place qu’elle occupe chez ses confrères Lurçat, ou Picart le Doux), tourne autours de thèmes traditionnels : la femme, la Commedia dell’arte, les mythes grecs,…, sublimés par l’éclat des coloris et la simplification de la mise en page. Il évoluera ensuite, dans les années 60 vers des cartons plus lyriques, presque abstraits, où dominent éléments et forces cosmiques.

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Franck Tenney Johnson (1974-1939) - Ranchero, 1929

 

 

Franck Tenney Johnson (1974-1939)
Ranchero, 1929 

Autry Museum Of American West

 

Frank Tenney Johnson était un peintre americian qui a popularisé un style de peinture de cow-boys connu sous le nom de "The Johnson Moonlight Technique" qui comme son nom :l'indique saisi les sujets sous un clair de lune . Pour peindre ses tableaux, il utilisait des couteaux, des pinceaux et ses propres doigts ! Il a commencé à travailler comme illustrateur pour le magazine Field & Stream en 1904. puis pour les magazines Boys' Life, Cosmopolitan et Harpers Weekly.
En 1912, il rejoint l'artiste cow-boy Charles Russell lors d'une expédition culturelle visant à dessiner les populations indiennes dans la réserve des Blackfoot à l'est du parc national Glacier dans le Montana. Il  vécut et travailla au Lazy Ranch à Hayden, où il a obtint le titre "Cow-Puncher Artist".  En 1920, il s'installe au 22 Champion Place à Alhambra, Californie où il partagea un studio avec Clyde Forsythe. À ce moment de sa vie, ses peintures de chevalet étaient devenues plus populaires que ses illustrations, et il se concentra donc sur ce médium.
Entre 1931 et 1939, il passe une grande partie de son temps dans son studio de Cody, Wyoming juste à l'extérieur du parc national de Yellowstone. La plupart de ses peintures y ont été réalisées à partir d'études à l'intérieur du parc. Il a été appelé le "Maître de la peinture américaine au clair de lune" et le "Maître peintre du Far West", titre qu'il dut partager avec le grand Remington ! 

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Foujita (1886-1968) - Projet de fresques pour la chapelle

 

 

Foujita (1886-1968)
Projet de fresques pour la chapelle Foujita
Musée des Beaux arts de Reims

Testament artistique de l’artiste franco-japonais Léonard Tsuguharu Foujita , la chapelle Notre-Dame-de-la-Paix a été conçue et entièrement décorée par lui entre 1965 et 1966. Le peintre fantasque de l’école de Paris, qui s’est converti au christianisme à Reims en 1959, y déploie son univers très personnel, mêlant sa culture japonaise aux références de la Renaissance italienne. Bénie en 1966, la chapelle est étroitement liée au musée des Beaux-Arts qui conserve une importante collection de l’artiste. Léonard Foujita et sa dernière épouse Kimiyo y sont inhumés. 

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George Catlin (1796-1872) - Theodore-Burr Catlin in Indian Costume

George Catlin (1796-1872)
Theodore-Burr Catlin in Indian Costume
Private collection 

 

George Catlin est un artiste-peintre américain spécialisé dans la représentation des Indiens d'Amérique et de leurs us et coutumes.
En 1821, George Catlin abandonne une brillante carrière d'avocat, pour se consacrer а sa passion : peindre les indiens. Il voyage beaucoup dans les vastes territoires américains, et rapporte des peintures, des dessins et des objets d'artisanat. Son œuvre offre un témoignage essentiel sur la culture amérindienne.
Son style est caractérisé par un trait synthétique et un minimalisme des couleurs, révélateur des conditions difficiles de ses voyages, et de la rapidité d'exécution nécessaire. En 1838, Catlin crée l'Indian Gallery, destinée à rassembler le matériel qu'il a constitué. Elle est présentée sur la côte Est des Etats-Unis, ainsi qu'en Europe, oщ elle rencontre un grand succès.
En 1845, le roi de France Louis-Philippe reçoit à Paris, au Palais des Tuileries, George Catlin accompagné d'une troupe de danseurs amérindiens. Ces derniers interprètent un spectacle de danses traditionnelles. Le roi et la Cour sont charmés et impressionnés par le coup de pinceau artistique du maître qui peint l'évènement. Louis-Philippe commanda une série de toiles de l'artiste. Ces œuvres sont exposées au Musée du Quai Branly à Paris
En 1852, victime d'une spéculation financière, Catlin fait faillite et, s'intégrant difficilement à la vie urbaine, il repart en voyage parmi les tribus d'Indiens. En 1860, il tente l'exploration de la jungle équatoriale sud-américaine, mais n'y retrouve pas son rapport particulier avec le monde amérindien.

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George-Daniel de Monfreid (1856–1929) - Portrait de Victor Segalen

George-Daniel de Monfreid (1856–1929)
Portrait de Victor Segalen, 1909
Huile sur toile, 65x51cm
Collection privée

George-Daniel de Monfreid  lest un peintre, sculpteur, graveur, céramiste et maître-verrier français.
Ami et confident de Paul Gauguin, il est le père de l'écrivain Henry de Monfreid.

Dans sa recherche sur les circonstances du décès de Gauguin, Monfreid est contacté par un médecin de marine, Victor Segalen. Ce dernier avait été recueillir les derniers éléments (peintures, sculptures, écrits) de Gauguin aux Marquises. Il veut en savoir plus sur l’artiste et rencontre Monfreid à son retour en France. Rapidement, leurs relations deviennent chaleureuses. Monfreid fait le Portrait de Victor Segalen (1909) et de son épouse. Une collaboration s’établit alors entre les deux hommes pour l’illustration des œuvres littéraires de Segalen, Monfreid préparant des sculptures sur bois pour cela. Il prépare une couverture pour Les Immémoriaux, un récit épique sur l’ancienne religion tahitienne ou encore pour René Leys, un roman sur la vie d’un jeune Européen à la cour de Pékin.

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Anonyme Ecole française - Portrait de Georges Lacombe

Anonyme Ecole française, 1910.
Portrait de Georges Lacombe (1866-1916
Huile sur toile 65 x 50 cm
Collection privée

Georges Lacombe est un peintre et sculpteur français. Il est surnommé « le nabi sculpteur » dans le groupe des nabis. Son aventure nabi ne dura que cinq ans, mais assura  au peintre sa place dans l'histoire de l'art. Lacombe est un mystique qui n'a pas la foi. Tout dans sa peinture étonne, inquiète, invente, est conscience d'union au monde au-delà des apparences. Un art brut, vrai, composé de sous-bois de silence, de mers insolites, des créations du monde, des miracles latents, de mers rouges traversées par un cavalier noir, de ciels jaunes découpés de silhouettes, des rochers comme des idoles barbares, paysage de commencement du monde... 

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Nicolas Neufchâtel ou Lucidel (1524 -1567) - Portrait d'un notable de Niuremberg

Nicolas Neufchâtel ou Lucidel (1524 -1567)
Portrait d'un notable de Niuremberg, c. 1560 – 1570.
Huile sur toile , 81 x 65cm
Kunsthistorisches Museum, Vienna

 
Nicolas Neufchâtel, aussi appelé Lucidel, est un peintre probablement originaire de Mons en Belgique.  La première mention documentée concernant Nicolas Neufchâtel date de 1539, année où un certain Colyn van Nieucasteel figure dans les registres de la guilde de Saint-Luc d'Anvers en tant qu'élève de Pieter Coecke van Aelst. L'année suivante, il est signalé à Mons. Il aurait ensuite travaillé à Malines et à Bruges. De 1561 à 1567, il vit à Nuremberg, où il semble qu'il se soit réfugié en raison de ses convictions calvinistes. On ne sait rien de sa biographie après 1567. Portraitiste réputé, il réalise des portraits de notables de Nuremberg qui associent le lyrisme italien d'un Titien, la profondeur psychologique de l'école allemande et un souci du détail typiquement flamand. 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°76 - Esclave à Rome ? quelle galère !

 

Jean-Léon Gérôme (1824-1904)
Marché romain aux esclaves, 1884
The Walters Arts Museum
 

Il y avait mille façon de devenir esclave dans le monde antique. La plus courante était par naissance. Si les parents étaient esclaves, leurs enfants le devenaient inévitablement à leur tour et il était très difficile de sortir de cette condition. On pouvait aussi devenir esclave aussi pour des dettes, un père pouvait ainsi vendre son fils ou sa fille pour purger une créance. Un enfant abandonné et qu’on l'on recueillait, pouvait aussi devenir, de facto, esclave. 

Pour connaitre la suite : écoutez ce podcast 

 Liens à consulter pendant l'coute du podcast 

- Esclaves servant des pains, mosaïque antique https://menportraits.blogspot.com/202... 

- Portraits d'athlètes du cirque, mosaïque antique https://menportraits.blogspot.com/202...

Joseph Maclise (1815-1880) - Position des viscères chez l'homme

 

 

Joseph Maclise (1815-1880)

Location of Viscera in Vivo, from Surgical Anatomy, 2nd edition (London/ J. Churchill, 1856)/ 

Plate 25, 1856, lithograph.

 

Joseph Maclise (1815-1880) était un anatomiste et artiste britannique. Ses œuvres, telles que Comparative Osteology (1847), Surgical Anatomy (1851) et On Dislocations and Fractures (1859) contiennent des images d'anatomie appliquée à la chirurgie. Mais ce ne sont pas les illustrations anatomiques auxquelles nous sommes habitués aujourd'hui (cliniques et objectives). Le travail de Maclise a été influencé par les tendances artistiques et scientifiques de son époque et, par conséquent, ses personnages disséqués chirurgicalement sont d'inspiration classique. 

 

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Jan Gossaert (1479-1532) - Portrait d'un Banquier (c. 1530)

Jan Gossaert  (1479-1532)
Portrait d'un Banquier(c. 1530)
Huile sur bois,  63.6 x 47.5 cm.
National Gallery, Washington DC (Alisa Mellon Bruce Fund)

 

Représenté  à peu près jusques à la taille, derrière son bureau, un homme à la peau lisse et rose pâle écrit dans un livre ouvert avec une plume d'oie alors qu'il regarde le spectateur, entouré de papiers, de stylos et d'encre, et d'autres objets. Son corps est un peu incliné vers notre gauche mais il penche légèrement la tête en arrière et nous regarde du coin de ses yeux marron foncé sous des sourcils arqués. Il a un nez court et rond, des pommettes saillantes et ses lèvres rose pâle sont légèrement pincées. Ses cheveux courts et châtains se bouclent sur ses oreilles et une frange balaye son front. Son béret noir est orné d'un insigne métallique avec un "I A S" entrelacé. Il porte une veste rouge cramoisie aux manches bouffantes rouges ornées de bandes noires. Les revers noirs s'ouvrent sur un vêtement sombre qui a un panneau gris étain sur le haut de la poitrine et des manches grises. Le vêtement blanc en dessous ressort le long de l'encolure et des poignets à ses poignets. Sa main gauche, à notre droite, repose avec les doigts étendus sur une page avec une écriture dans le livre ouvert, et il porte une bague en or incisée avec "IS" sur son index et une bande en or avec une gemme rouge rubis sur son auriculaire. Il écrit le début d'un mot avec son autre main. Devant lui, sur le rebord, se trouve un talc percé de minuscules trous dans le haut, une loupe, un encrier noir et une petite paire de ciseaux. Près d'un coude, à notre droite, se trouve une pile de pièces de monnaie, une balance avec des poids, un petit livre relié en cuir et un réceptacle pour le papier enroulé et les plumes. Une épaisse liasse de papiers ondulés et froissés pend de chaque côté de sa tête. La pile à gauche est marquée "Alrehande Misseven" et la pile à notre droite est étiquetée "Alrehande Minuten". Un poignard noir, un pompon et un ensemble d'au moins quatre orbes de la taille d'une balle de ping-pong sont suspendus entre les gerbes, sur le fond sombre.  C'et( le portrait d'un banquier dans la hollande du 16e siècle.

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Henri-Pierre Danloux (1753-1809) - Jean-Baptiste Can Hanet dit Cléry

Henri-Pierre Danloux (1753-1809)
Jean-Baptiste Can Hanet dit Cléry, 1798
Musées du Château de Versailles


Jean-Baptiste Cant Hanet, dit Cléry, est un valet de chambre du duc de Normandie à Versailles et aux Tuileries, puis le dernier valet de Louis XVI à la prison du Temple.  L'unique œuvre de la main de Cléry est Journal de ce qui s'est passé à la tour du Temple pendant la captivité de Louis XVI (Londres, 1798). Afin de discréditer ces mémoires, le Directoire fait publier une fausse édition intitulée Mémoires de Monsieur de Cléry sur la détention de Louis XVI. Dès que Cléry en eut connaissance, il fit paraître une réclamation en juillet 1801, dans le Spectateur du Nord dirigé par Amable de Baudus et publié à Hambourg. Un des frères de Cléry, Pierre-Louis Hanet, a publié à Paris en 1825 des Mémoires où il s'efforce de justifier ses actions au service de la Première République  et tente de montrer qu'il est resté fidèle à la royauté. Les Mémoires de Pierre-Louis Cant Hanet ont été éditées en 1825 en deux volumes.

 Le peintre, dessinateur et graveur français Henri-Pierre Danloux fut l’élève de Nicolas-Bernard Lépicié puis de Joseph-Marie Vien qu’il suivit à Rome où fit la connaissance de Jacques-Louis David. Après son mariage, il commença une carrière de peintre de genre et de portraitiste notamment pour sa belle-famille et ses proches les Thomas de Pange : portrait du baron d'Étigny, de son frère et de sa belle-sœur, le comte et la comtesse de Sérilly avec leurs enfants, de François de Pange.
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Patrick Procktor (1936 - 2003) - Vasco

Patrick Procktor (1936 - 2003)
Vasco
Watercolour, 1987
Private collection

 

Patrick Procktor (RA) était un peintre et graveur britannique. Patrick Procktor est né à Dublin, fils cadet d'un comptable d'une compagnie pétrolière, mais a déménagé à Londres lorsque son père est décédé en 1940. Dès l'âge de 10 ans, il a fréquenté la Highgate School - où un de ses professeurs fut le peintre paysagiste Kyffin Williams. Les revenus de sa mère étaient insuffisants pour financer ses études supérieures et après avoir travaillé chez un marchand de matériaux de construction au nord de Londres, Agé de 18 ans, Procktor, se fait enrôlé dans la Royal Navy où, pendant son service national, il apprend à parler russe. Pendant sa période londonienne, Procktor a vécu à Manchester Street, Marylebone où il est vite devenu l'ami de Derek Jarman , Francis Bacon et Cecil Beaton (plusieurs photographies de Procktor apr Beaton sont exposée à la National Portrait Gallery. Malgré ses penchants homosexuels, en 1973, Procktor épouse une veuve, voisine et restauratrice Kirsten Benson. Elle a vendu son restaurant (Odin's) à Peter Langan , et Procktor, Hockney, Bacon et Lucian Freud ont tous fourni des peintures à accrocher sur les murs de la brasserie Odin's et Langan's en échange du gite et du couvert. Porktor apparait en personne edans le biopic tourné sur Hockney en 1974, A bigger Splash.

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Kazimierz Pochwalskin (1855-1940) - Portrait du Count Benedykt Henryk Tyszkiewicz

Kazimierz Pochwalskin (1855-1940)
Portrait du Count Benedykt Henryk Tyszkiewicz, 1889
Musée National de Cracovie

Kazimierz Teofil Pochwalski est un peintre polonais connu principalement pour ses portraits, bien qu'il ait anbrdé tous les genres. Pochwalski est issu d'une famille qui a produit plusieurs générations de peintres et son jeune frère Władysław est également devenu un artiste célèbre. De 1871 à 1879, il étudie à l' Académie des Beaux-Arts de Cracovie auprès de Jan Matejko, puis à l' Académie des Beaux-Arts de Munich , de 1879 à 1888. S'ensuivent des études à Vienne et à Paris, où il est influencé par l'oeuvre de Léon Bonnat. ll a été directeur de la Société des amis des beaux-arts de Cracovie et a beaucoup voyagé, visitant la Grèce, l'Italie, la Turquie et l'Égypte.
De 1893 à 1918, il est professeur à l' Académie des beaux-arts de Vienne, où il peint de nombreux portraits à la cour impériale et devient membre de la Sécession viennoise. Il retourna en Pologne en 1919 et continua à peindre des portraits de personnages notables.
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Rembrandt (1607-1669) - Un franciscain

 

 

 

Rembrandt (1607-1669) 

 Un franciscain 

Huile sur toile, 89 x 66,5 cm 

National Gallery, London 

Rembrandt n'est pas un peintre de la beauté ou de la richesse, mais il a montré la compassion et l'humanité, qui sont ressorties dans l'expression de ses personnages, qui sont parfois indigents ou usés par l'âge. En raison de son empathie pour la condition humaine, il a été appelé « l'un des grands prophètes de la civilisation » par plusieurs historiens.

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