LES TABLEAUX QUI PARLENT N* 75 - Ronald Reagan et le concept du trou blanc

 

 

Très difficile de savoir d'ou vient exactement cette photo. Les robots de Google la classe dans les publicités de sous-vêtements vintage et ceux de GPT (un nouveau moteur de recherche, au nom décidément très inspiré) l'attribue - sans certitude cependant - à une séance de pause incluse dans un des nombreux films où l'acteur Ronald Reagan faisait de la figuration. Que voit on ? Le modèle tente ici de prêter son corps maigrelet au façonnage d'une statuette représentant un athlète lanceur de poids. En effet comme l'atteste le reflet dans le miroir, c'est un bine un poids qu'il tient dans l'autre main. Il y a déjà quelque peu hiatus entre la plastique du modèle et ce qu'il est sensé représenter, le physique d'un lanceur de poids étant plus de celui du taureau que d'un gracile lévrier. Quoiqu'il en soit L'anatomie du modèle est souligné ici, du bout d'un stylet insistant, par un professeur en blouse blanche plus clinicien qu'artiste, indiquant à lune jeune élève sculptrice impeccablement permanentée - et qui, notons le, manie déjà la glaise avec une belle dextérité - le détail qu'elle ne doit pas manqué. En l'occurrence la région de l'arcade crurale appelé aussi "Ligament de Poupart" qui relie l'épine iliaque antéro-supérieure à l'épine pubienne. Voilà c'est dit ! 

 

 Si vous voulez connaitre la suite, écoutez le podcast ! 

Charles Milton Bell (1848 -1893) - Uriewici or Jack Tendoy

 

Charles Milton Bell (1848 -1893)
Uriewici or Jack Tendoy, son of Chief Tendoy, Lemhi Shoshone. ca. 1880.
Yale Collection of Western Americana,
Beinecke Rare Book and Manuscript Library.

Charles Milton Bell (1848 -1893) était un photographe américain connu pour ses portraits d' Amérindiens et d'autres personnalités des États-Unis de la fin du 19 e siècle  Il a été consacré par la Bibliothèque du Congrès comme  "l'un des principaux photographes portraitistes de Washington au cours du dernier quart du XIXe siècle" .
Bell fut le plus jeune membre d'une famille de photographes connue pour leur studio de photographies, l'un des premiers, à Washington, DC dans les années 1860 et 1870. Il reprit le studio familial Bell & Brothers et ouvrit son propre studio, CM Bell, en 1873. Bell  travailla avec Ferdinand Vandeveer Hayden, qui  lui envoya nombre d'Amérindiens pour faire leurs portraits. Bell réalisa  aussi des photographies d'Amérindiens pour le ministère de l'Intérieur et le Bureau d'ethnologie américaine. Après la mort de Bell en 1893, sa femme continua à exploiter le studio avec ses fils. Il fut  vendu au début des années 1900 à Atha & Cunningham qui en conservèrent le nom d'origine. Les négatifs de Bell furent vendus à IM Boyce qui les revendit lui même au Bureau of American Ethnology pour finit à l' American Genetic Association qui en fit don à la Bibliothèque du Congrès à Washington . La collection CM Bell Studio de la Bibliothèque du Congrès comporte aisni 30 000 négatifs sur verre  créés par le Bell  et ses successeurs entre  1873 et  1916. 

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Tritone con amorini e delfini - Pavement de mosaïque

Tritone con amorini e delfini
Pavement de mosaïque
Terme del Foro di Ercolano

 

 

La mosaïque est une forme d'art romain par excellence car ni la Grèce classique ni les Grecs d'Alexandrie n'avaient su lui donner la richesse du répertoire iconographique qu'elle a eue sous l'Empire romain et encore moins la répandre dans tout le bassin méditerranéen comme le fit Rome. La mosaïque polychrome est totalement maitrisée par les Romains dès le IIe siècle av. J.-C.
Grâce à l'activité de ses ateliers itinérants, toutes les provinces situées autour du mare nostrum, ont connu dès les débuts de l'expansion romaine cet art qui a trouvé un terrain d'élection dans les pays où la lumière est reine.
On distingue plusieurs types de mosaïques : « l’opus vermiculatum » consiste à imiter le plus fidèlement possible les effets de la peinture et ses nuances, les tesselles sont alors d’une extrême finesse (quelques millimètres de côté). Dans « l’opus tesselatum » les cubes sont un peu plus gros (8 à 10 mm de côté) mais la rapidité d’exécution permet de recouvrir de grandes surfaces. Différentes tendances se distinguent : les ateliers de Rome et d’Ostie qui connaissent leur apogée au IIe siècle, sous les règnes de Trajan et d’Hadrien, privilégient les figures noires sur fond blanc et les effets graphiques crées par ce contraste.
Les ateliers africains, qui témoignent du succès de la mosaïque dans tout l’empire, préfèrent les compositions polychromes avec un goût marqué pour les scènes de chasse ou d’amphithéâtre. Dans la partie orientale de l’Empire, on privilégie les scènes mythologiques dans un rendu plus proche de la peinture.
L'exposition, organisée en 2001 par l'Union Latine au musée archéologique de Madrid, a mis l'accent sur l'art de la mosaïque tel qu'il est illustré dans les pays du bassin méditerranéen.
L'une de ses particularités majeures est l'abondance et l'extrême diversité des représentations animale.
 

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William Wegman (bn. 1943) - Chip and Batty Explore Space

 

 

William Wegman (bn. 1943)
Chip and Batty Explore Space, 2001
NASA Art Program

 

William Wegman, est un photographe d'art, renommé pour ses clichés mettant en scène ses chiens, des braques de Weimar. Un jour, un rayon de lumière passa juste devant lui et c'est ainsi que Wegman décida de l'appeler « Man Ray », avec un petit hommage au peintre et photographe américain de l'époque, très en vogue.
Dans une interview, Wegman assure que les chiens bougent souvent, qu'ils ne regardent pas vers l'objectif, et qu'il faut un temps conséquent pour arriver à produire une photographie convenable.
En substituant le chien à l’homme, il apparaît davantage comme un artiste conceptuel qui s’adapte, plutôt que comme celui qui se revendique. On dépasse l'image du simple « compagnon fidèle », le chien revêt ici les valeurs sociales et individuelles, entre conformisme et décalage. William Wegman reprend, renverse, flirte avec les codes et les mœurs de la société, sans pour autant avoir recours à une signification stricte à chaque photographie.

Le Programme d'art de la NASA a été créé en 1962 par le gouvernement des  États-Unis  de l' époque en vue de passer commande à des artistes contemporains plus ou moins célèbres d'œuvres dont le but devait être de porter témoignage sur l'histoire de l'exploration spatiale à travers les yeux des artistes. Norman Rockwell et Robert Rauschenberg furent ainsi  par exemple sollicités parmi de nombreux autres artistes américains.
Le premier directeur du programme artistique a été James Dean (NASA). Il privilégia les artistes qui s'exprimaient sur  différents médiums (peintures, photos, etc...)  Pour donner aux artistes la meilleure expérience possible, la NASA leur a permis un accès unique aux sites et aux matériaux des missions spatiales. Les participants étaient présents sur les sites de lancement.
Toutes les œuvres, des croquis aux produits finis, ont été données à la NASA pour être utilisées dans les musées et les expositions. La collection comprend désormais 2500 œuvres de plus de 350 artistes.

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Witkacy (1885–1939) - Autoportrait

Stanisław Ignacy Witkiewicz dit Witkacy (1885-1939)
Autoportrait 1910,
Huile sur toile 48 × 38 cm
Muzeum Narodowe, Poznań (MNP) 

Stanisław Ignacy Witkiewicz, dit Witkacy est un dramaturge, philosophe, pamphlétaire, peintre, photographe et romancier polonais. Il a touché par son immense curiosité d'homme de la Renaissance tous les domaines intellectuels et artistiques du 20e siècle. Il fut membre du premier groupe polonais avant-gardiste, formisme, auteur de la théorie esthétique de la Forme Pure, créateur de l’Entreprise Portraitiste.

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Josep de Togores (1893-1970) - Groupe dhommes autour d'une guitare

Josep de Togores (1893-1970)
Grupo alrededor de una guitarra, 1937
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Josep de Togores i Llach était un peintre espagnol .Fils de Josep de Togores i Muntades, président de l'Association des clubs de football de Barcelone et co-fondateur du journal El Mundo Deportivo , à l'âge de 13 ans, Togores a contracté une méningite qui le rendit sourd , ce qui le consuisit à s'intéresser à la peinture. Grâce à une bourse de la Mairie de Barcelone , il se rend en 1907 à Paris où il découvrel'œuvre de Paul Cézanne. A Bruxelles, il peint un tableau ( El loco de Cerdanyola ) qui est primé à l'Exposition internationale. De retour en Catalogne  Togores fait partie de l'Association Courbet de Barcelone ; une fois la Première Guerre mondiale terminée, il revient à Paris, où il découvre le surréalisme grâce à ses relations avec Georges Braque, Arístides Maillol, Max Jacob ou Picasso, signant même un contrat d'exclusivité avec son marchand, Daniel-Henri Kahnweiler, jusqu'en 1931 . Ce sera sa période la plus surréaliste et expérimentale. Au cours des années 1920, il commence à se faire connaître en Europe et, au cours des années suivantes, il explore différents styles tels que le cubisme ou l'académisme, se laissant influencer par l' avant- garde de l'époque et s'inspirant du classicisme. En 1932, il est a  nouveau de retour à  Barcelone où il change de marchand, entame une relation avec Francesc Cambó et commence à peindre des portraits de la haute société catalane. Il meurt en 1970 des suites d'un accident de la circulation : il est percuté par une voiture sur le Paseo de Gracia de Barcelone... comme un autre célèbre artiste catalan Gaudi !   

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Icône (Novembre)

 

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Icône (Novembre)
Tsarouchis Foundation, Greece

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une véritable icône de "l'art gay"

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Thomas Eakins (1844-1916) - Sailing

Thomas Eakins ( 1844-1916)
Sailing, c. 1875
Philadelphia Museum of Art

Thomas Cowperthwaite Eakins est un peintre, sculpteur et photographe américain, associé au courant moderniste du réalisme américain. Admis à l'École des beaux-arts de Paris dans les ateliers de Jean-Léon Gérôme, puis de Léon Bonnat de 1866 à 1868, il séjourne ensuite quelque temps à Pont-Aven à l'instigation de Robert Wylie. Il voyage ensuite en Espagne avant de retourner aux États-Unis où il commence une brillante carrière de peintre réaliste et se spécialise dans la peinture des sportifs (boxeurs, lutteurs, rameurs, joueurs de base ball... ). Amoureux de la vérité optique, il s'intéresse aussi à la photographie. En 1882, il devient professeur à l'académie des beaux-arts de Pennsylvanie, une école d'art avant-gardiste où l'on enseigne notamment la photographie. En 1886, il perd son poste de professeur à l'académie pour avoir admis un public féminin lors d'un cours d'anatomie d'après modèle masculin...

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William Sidney Mount (1807-1868) - Herald in the Country

 

William Sidney Mount (1807-1868)
Herald in the Country
Oil on canvas
The Long Island Museum

 
William Sidney Mount, est un peintre américain, contemporain de l'Hudson River School. Après un début de carrière consacré aux sujets historiques, il se dirige vers la peinture de genre dont on le crédite d'être le fondateur aux Etats-Unis. Ses œuvres traitent notamment du quotidien des fermiers de Long Island (comme ci-dessus) en s'inspirant des peintures de genre anglaises. Mount fut également fasciné par les Noirs qu'il a beaucoup peint et représenté dans presque tous ces tableaux et toujours de manière digne, ce qui n'était pas souvent le cas à son époque. Huit de ses peintures et dessins ont été publiés dans Men Portraits depuis quelques années.
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Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) - Un Marin

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009)
Un Marin, 1966
Huile sur carton, 60x49 cm
Collection privée

Né dans la région de Volgograd, Vasiliy Vasil'evich Strigin reçoit son diplôme de l'Ecole d'art de Stalingrad en 1939. Il participe activement à ce que les Russes appellent alors la grande guerre patriotique du 2 juillet 1941 et que nous appelons la Seconde guerre mondiale, en tant que commandant au département des communications, batterie 544 du régiment d'artillerie. Il continua à servir dans la 117e brigade d'artillerie RVGK, au quartier général du Département des renseignements avec le grade de sergent. Il a pris une part active aux batailles de Moscou, de Vyazma et à la terrible et légendaire bataille de Stalingrad. Il a participé à la libération de Smolensk, Minsk, s'est battu en Lituanie, en Prusse, a participé à l'assaut de Koenigsberg.
Pour ses hauts faits militaires, il reçut l'ordre de Patriotes de guerre I degré, l'Etoile rouge et les médailles "Pour le courage", "Pour le mérite militaire", "Pour la défense de Moscou", "Pour la capture de Koenigsberg" et bien d'autres encore.
Après la guerre, il fut membre de l'Union des artistes de l'URSS. Il a été élu à deux reprises président du conseil d'administration de la branche de Volgograd de l'Union des artistes et passa l'essentiel de sa vie à Volgograd.
Il fait partie des artistes qui ont magnifié, à travers ses tableaux typiques du style Réalisme Soviétique, toutes une époque de l'histoire de la Russie principalement dans les actions quotidiennes de ses héros anonymes.

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Robert Nanteuil (1623-1678) - Autoportrait

Robert Nanteuil (1623-1678)
Autoportrait, 1666
Pastel,
Musée des Offices, Florence

Robert Nanteuil, est un graveur, dessinateur et pastelliste français.  Il fut presque exclusivement peintre de portraits. Il expérimenta dans ce domaine des techniques diverses, toujours raffinées, du dessin sur parchemin à la gravure au burin et surtout, pendant sa période tardive, au pastel. Son œuvre compte plus de deux-cent-quarante portraits des membres de la cour et des grands dignitaires du royaume. Il grava onze fois le portrait de Louis XIV, deux fois celui d’Anne d’Autriche, quatorze fois celui de Mazarin, six fois celui de Colbert, dix fois celui de Louvois. On lui doit également des portraits de Christine de Suède, ainsi que ceux de quelques artistes de son époque tels que Philippe de Champaigne, Le Brun et Mignard. Nanteuil assurait qu’il s’était fait des règles infaillibles pour bien saisir la ressemblance. Il disait qu’il y a de certains traits du visage qu’il faut extrêmement considérer, parce qu’ils servent de mesure à tous les autres ; et que, quand une fois on a dessiné exactement ces traits, le reste est comme immanquable. Dans le portrait en pastel que dessina Nanteuil de Madeleine de Scudéry, celle-ci ne devait peut-être pas être trop ressemblante, du moins si l’on en juge par les vers suivants, qu’elle lui adressa pour le remercier : " Nanteuil, en faisant mon image, A de son art divin signalé le pouvoir ;  Je hais mes yeux dans mon miroir, Je les aime dans son ouvrage "

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Andrea Mantegna (1431-1506) - Portrait d'un homme

Andrea Mantegna (1431-1506)
Portrait d'un homme, c. 1470
Tempera sur bois, transférée d'un panneau, 24 x 19 cm.
National Gallery, Washington DC 

 

 

Avant d'être attribué à Mantegna ce tableau a été un temps attribué à  Giovanni Bellini.  L'œuvre est généralement datée des mêmes années que la Camera degli Sposi ( La Chambre des Epoux)  ou de toute façon des années 1460-1470, en raison des similitudes entre le sujet et l'un des personnages représentés ici.

Le panneau est documenté pour la première fois en 1906 dans une collection privée à Gaál, en Hongrie. Plus tard, il faisait partie de diverses collections à Budapest,  Paris et à New York.

En 1950, il fut acquis par Samuel H. Kress qui fit don de sa collection à   la  National Galleryde Washington 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 73 - Bernard Buffet, une vision tragique de l'intime ?

 

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 73

 Bernard Buffet, une vision tragique de l'intime ?

En 1948, Bernard Buffet, encore mineur puisqu'il vient à peine d'avoir 20 ans, concourt avec une toile qu'il a peinte l'année précédente intitulé " Deux hommes dans une chambre ", pour le Prix de la critique, récemment fondé par Augustin Rumeau et son épouse, propriétaires de la galerie Saint-Placide à Paris. Il en sort lauréat ex-aequo avec Bernard Lorjou, de vingt ans son aîné. A cette époque là où beaucoup de carrières artistiques se décidaient à St Germain de Près, le choc est à la hauteur de l'évènement. Le succès est immense. A tel point que cette toile va rester exposée pendant deux années entière sur les cimaise de la galerie Saint Placide. "Deux hommes dans une chambre", l'un nu, l'autre se déshabillant, l'un assis, l'autre debout, tous deux en position frontale, hiératique, comme transposés d'une fresque égyptienne. Immédiatement, le spectateur y perçoit tout le désarroi de l'après-guerre,les interrogations d'une jeunesse affamée aussi bien du point de vue culturelle que physiologique.... 

Pour connaitre la suite, écoutez ce podcast

Jacopo Carrucci dit Le Pontormo (1494-1557) - Angelo dell'Annuncio di Santa Felicità

Jacopo Carrucci dit Le Pontormo (1494-1557)
Angelo dell'Annuncio di Santa Felicità

Jacopo Carucci  connu sous le nom de Jacopo da Pontormo, ou plus simplement de Pontormo, est  l'un des représentants les plus importants du mouvement maniériste dans la peinture italienne du 16e siècle.

Il est réputé pour les poses contorsionnées de ses personnages, ses perspectives forcées, ses couleurs acides et stylisées, ses modèles aux yeux écarquillés et aux expressions inquiètes (comme ci-dessus).

Figés dans des poses, ses personnages se détachent sur un fond fermé et les couleurs métalliques, parfois éblouissantes, transforment les figures en images d'elle-mêmes.

Bronzino fut son élève.

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Paul Cadmus (1904-1999) - Dancing on a Ladder.

Paul Cadmus (1904-1999)
Dancing on a Ladder.
Private collection

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publie, depuis 2016, l'intégralité des dessins connus.  

De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins, tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

 

Consultez aussi notre podcast 

LES TABLEAUX QUI PARLENT 

N° 48 - L'homme de Cadmus recroquevillé sur son animalité 

 

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Antonio Zeno Schindler (1823-1899) - Habitants des Iles Marquises

 

 

Antonio Zeno Schindler (1823-1899)
Habitants des Iles Marquises
Smithsonian Museum, Washington DC 

 
Antonio Zeno Schindler fut un artiste américain d'origine Bulgare, photographe, peintre et graveur qui écuma le monde e dans le but de récolter une importante collection de portraits ethographqiques.


 

Sandro Botticelli (1445-1510) - Portrait d'un jeune homme (c. 1469)

Sandro Botticelli (1445-1510)
Portrait d'un jeune homme, c. 1469
Tempera sur panneau, 51 x 33.7 cm.
Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Florence

L'identité du personnage représenté ainsi que l'emplacement original du tableau demeure inconnue. L'œuvre était répertoriée dans les anciens inventaires de palais Pitti depuis 1829 comme une réalisation d'Andrea del Castagno. C'est Adolfo Venturi qui le premier attribua l'œuvre à Botticelli en situant sa réalisation dans la période de jeunesse de l'artiste. Cette attribution est confirmée par d'autres critiques d'art comme Mandel, Bohm, Pons, Caneva, Luchs et Padovani. 

Le jeune homme encore adolesscent, est représenté en buste tourné des trois-quarts vers la gauche la tête orientée vers les spectateurs qu'il regarde, sur un fond de ciel azur devenant clair à l'horizon. Il est vêtu d'un riche vêtement de couleur rouge fermé au col et la tête est couverte par un « chaperon » avec le typique ruban retombant sur les épaules. Ses cheveux noir méticuleusement coiffés encadrent le visage ; les grands yeux fixent intensément le spectateur ; le nez prononcé, les lèvres charnues et le menton rond. La regard en biais, dirigé de haut en bas confère au personnage un ton aristocratique de supériorité.

Photographe anonyme - Fernando Pessoa à l'âge de 19 ans

 Photographe anonyme - Fernando Pessoa à l'âge de 19 ans en 1907

Fernando António Nogueira Pessoa  (1888-1935)   est un écrivain, critique, polémiste et poète portugais trilingue ( portugais, anglais, français). I l a vécu une partie de son enfance à Durban en Afrique du Sud. Théoricien de la littérature engagée dans une époque troublée par la guerre et les dictatures, inventeur inspiré par Cesário Verde du sensationnisme, ses vers mystiques et sa prose poétique ont été les principaux agents du surgissement du modernisme au Portugal. Prolifique et protéiforme, Pessoa est un auteur majeur de la littérature de langue portugaise dont le succès mondial croissant depuis les années quatre-vingt a été consacré par la Pléiade. Son œuvre, dont de nombreux textes écrits directement en anglais, a été traduite dans un grand nombre de langues, des langues européennes au chinois. Des hommes de théâtre, des chorégraphes, des compositeurs se sont désormais emparés de cette œuvre très riche pour des spectacles. Le cinéma également a produit des films inspirés par ce poète.

De son vivant, Fernando Pessoa a régulièrement écrit dans des revues littéraires portugaises dont celles qu'il a créées. En outre, il a fait paraître en anglais deux ouvrages mais sa mort prématurée ne lui a laissé le temps de publier qu'un seul livre en portugais, qui eut toutefois un succès retentissant : le recueil de poèmes Message, en 1934. À sa mort, on découvrit, enfouis dans une malle, 27 543 textes que l'on a exhumés peu à peu. Le Livre de l'intranquillité n'a été publié qu'en 1982 et son Faust en 1988. Tous ces manuscrits se trouvent depuis 1979 à la Bibliothèque nationale de Lisbonne. Son apport à la langue portugaise a été comparé au cours de l'hommage national officiel rendu le jour anniversaire de sa naissance, en 1988, à celui de Luís de Camões. Le nom ou l'image-symbole de Fernando Pessoa ont été donnés à de nombreuses institutions portugaises. Depuis 1996, il existe une université Fernando Pessoa à Porto.

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N° 72 - Alexander Deïneka : le héros a bon dos !

 

 

C'est le portrait d'un dos. En voyant le dos du héros soviétique qui est assis au premier plan et qui semble avoir plus de vertèbres à son actif qu'il ne devrait (un peu comme les médailles sur le torse des apparatchiks), on ne peut s'empêcher de penser à Ingres. et à son odalisque nue avec son surplus déraisonnable de vertèbres, dont près de la moitié sont inutiles. Ici, ces 7 vertèbres saillants entre les muscles de façon presque menaçante comme la queue d'un chien ou celle d'une raie manta, ou celle du bébé créature d'Alien de Ridley Scott, ce lot de vertèbres donc apparaissent juste au dessus d'une autre raie, celles des fesses du colosse écrasées sur le cube de bois qui sert de siège, Pour savoir la suite, écouter ce podcast....

Liens complémentaires à consulter pendant la lecture du podcast - 

Alexander Deïneka, 

Autoportrait, 1948 https://menportraits.blogspot.com/202...

- Les soldats nus https://menportraits.blogspot.com/201... https://menportraits.blogspot.com/201... 

 - Les conquérants de l'espace https://menportraits.blogspot.com/202... 

 - Le gardien de but https://menportraits.blogspot.com/201... 

- Les joueurs de Football https://menportraits.blogspot.com/202...

  - Travailleurs italiens de déplaçant en vélo https://menportraits.blogspot.com/202...

Gertrude Käsebier (1852-1934) - Portrait of Alvin Langdon Coburn en 1902

 

Gertrude Käsebier (1852-1934)
Portrait of Alvin Langdon Coburn (c. 1902)
Platinum print, 24.1 x 19.1 cm.
The Museum of Modern Art, New York 

Gertrude Käsebier est une photographe professionnelle portraitiste américaine,  l'une des plus influentes photographes américaines du début du xxe siècle. Elle est célèbre pour ses images de la maternité, ses puissants portraits de natifs américains et par le fait qu'elle a promu la photographie comme une carrière pour les femmes.  
Elle étudia également le dessin à la peinture mais se passionna tout particulièrement pour la photographie. Comme beaucoup d´étudiants en art à l'époque, Gertrude Käsebier décida de voyager en Europe pour compléter sa formation. Elle commença en passant plusieurs mois à étudier la chimie photographique en Allemagne en 1894, où elle eut la possibilité de confier ses enfants à la belle-famille à Wiesbaden. Elle passa le reste de l´année à étudier en France auprès du peintre américain Franck DuMond.  En 1895, elle retourna à Brooklyn. Son mari étant assez gravement malade, et ses ressources financières étant alors limitées, elle décida de devenir photographe professionnelle.  Un an plus tard, elle devint l'assistante du portraitiste photographe Samuel H. Lifshey, ce qui lui permit d'apprendre à tenir un studio et à élargir ses connaissances des techniques d´impression. Il est néanmoins évident qu'elle possédait déjà à l'époque une grande maîtrise de la photographie. Tout juste un an plus tard, elle exposa 150 photographies, ce qui était un nombre impressionnant pour un seul artiste à cette époque, au Boston Camera Club. Les mêmes clichés furent montrés en février 1897 au Pratt Institute.  Le succès de cette exposition fut l´occasion d´une nouvelle exposition à la Photographic Society of Philadelphia en 1897. Elle vint également commenter ses œuvres là-bas, et encouragea les femmes à faire carrière dans la photographie en disant "Je recommande sérieusement aux femmes ayant un goût artistique de s´entraîner dans le champ encore jeune de la photographie moderne. Cela me semble particulièrement adapté pour elles, et les quelques qui s´y sont déjà aventurées y ont reçu un succès gratifiant et rémunérateur".

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Oskar Zwintscher (1870-1916) - Autoportrait avec la Mort

Oskar Zwintscher (1870-1916)
Autoportrait avec la Mort

 

Zwintscher étudie de 1887 à 1890 à l'académie de Leipzig avant d'entrer à l'académie des beaux-arts de Dresde, où il devient l'élève notamment de Ferdinand Pauwels et de Leon Pohle. Il devient ensuite artiste libre à Meissen où il demeure quelques années au château de l'Albrechtsburg et peut bénéficier de la bourse du legs Munkeltsche qui permet à des artistes saxons de travailler librement pendant trois ans. Il expose au public ses premières œuvres en 1898 et reçoit un premier prix, donné par Ludwig Stollwerck, avec un jury composé des professeurs Emil Doepler, Woldemar Friedrich, Bruno Schmitz et Franz Skarbina de Berlin, ainsi que d'un représentant de la firme Stollwerck. Il présente également sa série Les Saisons cette même année et en 1900 celle de L'Orage. Il reçoit un autre prix en 1904 pour ses illustrations pour les chocolats de la firme Stollwerck.
Les illustrations de Zwintscher sont dans la tradition de Holbein ou de Cranach. Elles ne montrent aucune subjectivité, mais demeurent dans l'esprit réaliste des anciens maîtres. Le jeune peintre est influencé également par Arnold Böcklin. Il est lié d'une amitié étroite avec le peintre et sculpteur Sascha Schneider (qui sera l'auteur de sa sculpture de sépulture). Zwintscher est nommé en 1904 professeur à l'académie des beaux-arts de Dresde. On lui reproche aujourd'hui sa ferme opposition d'alors à l'impressionnisme. Un contemporain le décrit comme « un bon Saxon et fils authentique du Moyen Âge, mais aussi asocial et excentrique ».

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Philippe Bluzot (bn.1957) - L'ivresse des jours heureux

 

 

Philippe Bluzot (bn.1957)
L’ivresse des jours heureux, 2022
Huile sur toile 81x 65cm (phase finale)

@philippebluzot #philippebluzot

 

De son œuvre, l'artiste français Philippe Bluzot né en 1957,  parle ainsi :
"L’enregistrement visuel (photos, videos…) est la source de mon travail de peintre comme peut l’être l’enregistrement sonore pour certaines formes de musique.
Je taille dans ces matériaux pour en réaliser une composition picturale. Je capte donc des images prises dans le réel, rassemble des clichés susceptibles d’être exploités dans l’idée de réaliser un tableau ; viennent alors les premiers choix pour finalement élaborer un projet, un thème à partir d’images recomposées.
Je me confronte à des clichés qui suscitent en moi le désir de leur donner un corps, une présence ; l’acte de peindre met l’image à l’épreuve de mes sens, je pars à la conquête d’un espace; je tente de rendre visibles mes sensations, de créer un évènement.
S’élabore ainsi au gré des toiles mon propre langage plastique, une image suscitant en moi d’autres images.
Le quotidien (scènes de rues, de la vie familiale..) est ma principale source d’inspiration.
La peinture à l’huile, mon médium de prédilection, me permet de manifester le trouble du réel ; en ce sens que ce que l’on a sous les yeux n’est jamais ce que l’on imagine. Cela passe par la (re)construction d’un espace sensible où l’intervention de la main, l’emploi des pigments, la composition, les valeurs, la lumière, les recherches de matière sont autant de questionnements, de champs d’investigation sur les apparences du monde dans lequel on baigne.
Je me frotte à cette réalité et tente d’en faire apparaître ou exister une présence capable, par sa puissance visuelle, d’interpeller le regard. "
Son style  peut  être assimilé  au courant figuratif  hyper réaliste français contemporain. Les thème, quant à eux, luis sont fournis par la société ans lequel nous vivons, dont il est souvent un observateur méticuleux et sans concession.  Depuis sa première exposition en 1981 dans le cadre du Festival d'Avignon intitulée «Midi et Demie» (Sous la direction Alain Avila, il n' a cessé d 'exposer.  Le web et les réseaux sociaux amplifient aujourd'hui  l'impact de son travail et lui donne une visibilité nouvelle.

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Jacques Azema (1910-1979) - Jeune arabe avec une coupe remplie d'eau

Jacques Azema (1910-1979)
Jeune arabe avec une coupe remplie d'eau
Gouache sur carton
Collection privée

Professeur de peinture, d’abord à Marrakech puis à l’École des Beaux-Arts de Casablanca dans les années 1960, Azéma a exercé une importante in- fluence sur les artistes marocains de son époque. « Peintre », « figuratif » et « Français » – dans un Maroc tout juste affranchi du protectorat, Azéma faisait alors forcément figure d’académique auprès de ses confrères avant-gardistes. Sa peinture se caractérise par une grande sensualité. Le plus souvent, il s’agit de travaux à la gouache, ce qui explique leur grain très particulier et leur gamme chromatique étonnante, très douce. Dans le décalage entre l’environnement quotidien et les images d’Azéma s’engouffrent toutes les puissances du rêve : séduction des paysages oniriques, mais aussi visions plus inquiétantes provoquées par le kif, dont les écrivains de Tanger ont abondamment évoqué les attraits et les périls. Rêveries des corps nus, aussi, tels qu’ils s’alanguissent dans la moiteur du hammam. L’érotisme est assurément l’une des clefs de l’univers du peintre. Son cousinage avec Chirico ne peut que frapper, avec ses personnages traités comme des statues-colonnes et l’italianité de ses villes ou de ses collines, tirant le Maroc vers des courbes et des teintes ombriennes. On mesure ainsi combien il n’y a  rien de naïf dans l’art d’Azéma.

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Franz Hals (1580/83-1666) - Portrait d’un homme dit « L’Homme à la main sur le cœur »

 Franz Hals (1580/83-1666),
Portrait d’un homme dit « L’Homme à la main sur le cœur », 1631
Huile sur toile 62,5 x 52 cm.
Musba (Musée des Beaux arts de Bordeaux)

Dans ce portrait, qui appartenait à l'ancienne collection Lacaze et fut acheté par la ville de  Bordeaux en 1829, un homme jeune, représenté en buste sur un fond neutre, porte un vêtement noir rehaussé par la blancheur d’un col de batiste et tient sa main droite largement ouverte sur sa poitrine. Sa tête étant légèrement tournée vers la droite, une partie de son visage est dans l’ombre. L’ébauche de sourire et la main posée sur le cœur augurent de son caractère enjoué.
Le marquis de Lacaze voyait dans cette œuvre un autoportrait de Frans Hals. Or en 1632, l’artiste avait 52 ans. Le modèle devint un « peintre flamand » pour le conservateur bordelais Emile Vallet en 1881, puis « Anton van Dyck » en 1921. Mais l’âge indiqué du modèle (26 ans) et le portrait du maître anversois par Rubens (Londres, château de Windsor, collection royale) renvoient cet homme dans l’anonymat.
L’attribution de l’œuvre à Frans Hals fut aussi remise en question à partir du catalogue de Charles Manciet en 1933. Mais W. van Bode et A. Bredius au début du XXe siècle, puis O. Le Bihan l’ont (l’a) de nouveau confirmée ; ce dernier a rapproché l’œuvre d’un Portrait d’homme daté de 1634 et conservé au Szépmüvészeti Múzeum de Budapest.
Avec une économie de détails et de couleurs, Hals élabore un portrait subtil aux contours bien affirmés et avec une variété de noirs qui traduisent les différents ornements de son habit. Le visage et la main présentent la juxtaposition de beiges, roses et orangés qui rendent les carnations plus chaleureuses. En revanche, la chevelure est simplement brossée.
Ce portrait correspond à cette période des années 1630-1635, au cours de laquelle Hals recherche une simplification de ses compositions, plutôt statiques, et un dessin plus affirmé sur des fonds neutres et sombres, à l’exemple du portrait de Budapest précédemment cité, ou d’un Portrait d’homme (1630) conservé dans les collections royales anglaises.

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Giovanni Boldini (1842-1931) - Portrait de Georges Goursat, dit Sem,

Giovanni Boldini (1842-1931)
Portrait de Georges Goursat, dit Sem, 1902"
Huile sur toile 91,5 x 73 cm
Musée des Arts décoratifs, Paris

Datée de 1902, elle représente Georges Goursat, dit Sem (1863-1934) l'un des amis de Boldini et aussi célèbre illustrateur, affichiste, caricaturiste, dessinateur de presse, chroniqueur mondain, et écrivain français.
Il existe de nombreuses caricatures de Boldini par Sem, son inséparable compagnon de fête dans les lieux à la mode de la Belle Époque. Boldini a aussi réalisé plusieurs effigies du dessinateur : un pastel, une aquarelle et deux peintures à l'huile dont ce portrait en pied donné par la famille Goursat au musée des Arts décoratifs en 1954.
Sem est représenté dans une pose assurée qui sera également celle du Portrait de Mlle Lantelmeen 1907, c'est-à-dire de face, bien planté sur ses jambes, les mains sur les hanches manifestant une certaine impatience1, cette similitude créant un lien entre ces deux personnages effrontésCe portrait prouve le talent de Boldini dans l'immédiateté. Arborant une grande élégance avec son manteau et son costume gris, sa canne à la main et son chapeau melon sur la tête, épousant le style des dandys britanniques, Sem, qui fut également un talentueux chroniqueur de la mode masculine, semble avoir été saisi sur le vif, venu chercher le peintre à son atelier pour une sortie mondaine.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 71 - Qui portait la culotte à Rome ?

Et bien nous allons traiter dans ce podcast d’une sujet essentiel : le port du slip dans le Bas Empire Romain. Le port du sous vêtement a connu un grande désaffection en occident a partir de la chute de ‘l’Empire Romain jusqu’à la fin du moyen Age. Pourtant il était assez répandu dans la Grèce antique et dans la Rome Impériale à l’image de de l’Egypte des Pharaons qui en avaient instauré l’usage sous forme de pagne, aussi bien à la cour que dans les champs ou sur les chantiers de constructions. On ne retrouve tous les modèles sur ces véritables catalogues de pierres que constituent les fresques de tombeaux égyptiens, les fresques crétoises, les terres cuites de l’époque Hellénistiques et enfin les mosaïques romaines. Ainsi la tres célèbre mosaïques des Gladiateurs que l’on voit ici datant de la fin de la période impériales, véritables catalogue des tendances en la maitre si on peut dire. 

Pour savoir la suite, écoutez ce podcast en cliquant sur l'image 

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Jean-Théodore Géricault (1791-1824) - Etude de dos pour " Le Radeau de La Méduse" (d'après le modèle Joseph)

Jean-Théodore Géricault (1791-1824)
Etude de dos pour " Le Radeau de La Méduse" (d'après le modèle Joseph)
Huile sur toile, 56 x 46 cm
Musée Ingres-Bourdelle, Montauban 

 

Pour plus  de détails sur cette œuvre, consulter le podcast 

LES  TABLEAUX QUI PARLENT 

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Emile Friant (1863-1932) - L'intérieur d'Atelier

Emile Friant (1863-1932)
L'intérieur d'atelier, 1882 Huile sur panneau, 46 x 38 cm.
Collection privée (via Drouot)

La toile représente le peintre Emile Friant lui même (à gauche) agé de 19 ans,  et son no moins jeune collègue  adepte du courant naturaliste  Jules Bastien-Lepage. Ces deux jeunes artistes, croqués sur le vif dans leur atelier, révèlent une évidente modernité. auquise très tôt aux Beaux-arts de Nancy. Au Salon de 1882, Intérieur d’atelier attire l’attention, et se voit même choisi par Le Monde Illustré pour être reproduit en Une. Certains critiques estiment que cette œuvre, plus que L’Enfant prodigue, garantit un avenir prometteur à Émile Friant. Pourtant, son auteur rata d’une voix la médaille de bronze… le vote de son maître Cabanel, qui ne voulait pas flatter trop tôt son jeune élève.

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Anna Bilińska-Bohdanowicz (1854-1893) Le sculpteur George Grey Barnard dans son atelier

Anna Bilińska-Bohdanowicz (1854-1893)
Le sculpteur George Grey Barnard dans son atelier 1890.
Huile sur toile, 148 x 96 cm

State Museum of Pennsylvania, Harrisburg

Anna Bilińska-Bohdanowicz,  est une artiste peintre polonaise née en Ukraine (alors située  dans l' Empire russe) où son père pratiquait la médecine dans la région de Kiev. Michał Elwiro Andriolli lui donne ses premières leçons de dessin à Viatka. Déménageant avec sa famille à Varsovie, elle ne peut s'inscrire dans une académie des beaux-arts, les établissements étant réservés aux hommes, mais étudie le piano entre 1875 et 1877 au conservatoire de la ville. À vingt ans, elle reprend cependant son apprentissage de la peinture dans une école privée, avec comme professeur Wojciech Gerson. En 1882, elle voyage en Europe et s'installe à Paris. Elle peut alors étudier à l'Académie Julian, comme Marie Bashkirtseff et plusieurs artistes femmes, et y reçoit l'enseignement de Tony Robert-Fleury et William Bouguereau. Elle expose et remporte plusieurs prix4. Elle habite rue de Fleurus (Paris) jusqu'à son mariage, en 1892, où elle épouse Antoni Bohdanowicz. Le couple retourne à Varsovie, où Anna Bilińska-Bohdanowicz, de santé fragile, rêvait d'ouvrir une école d'art réservée aux femmes, mais elle meurt peu de temps après, d'une crise cardiaque, le 18 avril 1893.

George Grey Barnard (1863 - 1938) est un sculpteur et collectionneur américain. Il fait ses études à l'Art Institute of Chicago puis travaille dans l'atelier parisien de Jules Cavelier (1883-1887) tout en fréquentant l'école des beaux-arts. Il séjourne à Paris pendant douze ans. Après avoir connu le succès au Salon de 1894, où il expose six sculptures, il retourne aux États-Unis en 1896 et s'installe à New York. L'influence du sculpteur français Auguste Rodin est perceptible dans ses premiers travaux. Il travaille dans son atelier de Moret-sur-Loing (situé 4, rue des Fossés) de 1903 à 1911. En 1912, il achève une série de sculptures pour le nouveau capitole d'Harrisburg en Pennsylvanie. The Great God Pan, réalisé juste après son retour de France, est au départ prévu pour orner le Dakota Building sur Central Park West. Alfred Corning Clark, constructeur du Dakota, a financé ses débuts ; lorsque Clark meurt en 1896, sa famille fait cadeau au MET de la statue Two Natures en sa mémoire et le bronze géant Pan est offert à l'université Columbia par le fils de Clark, Edward Severin Clark, en 1907. Barnard meurt d'une crise cardiaque le 24 avril 1938 au Harkness Pavilion du Centre médical de l'université Columbia à New York. Il est alors en train de travailler sur une statue d'Abel, trahi par son frère Caïn, lorsqu'il tombe malade.
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Barthélemy d'Eyck (1410/20–1472/75) (attribué à) - Louis II d'Anjou, roi de Sicile

Barthélemy d'Eyck (1410/20–1472/75) (attribué à)
Louis II d'Anjou, roi de Sicile
Dessin à la plume plume et encre noire, aquarelle, 22,2 x 22,9 cm
BnF (Bibliothèque nationale de France)

Barthélemy d'Eyck fut un peintre et valet de chambre du roi René d'Anjou. comte de Provence, actif en Anjou et en Provence entre 144 et 1469). IL fut aussi connu sous les noms de Barthélemy d'Aick, Barthélemy de Ayck, Barthélemy Deyck, Barthélemy Deick, Barthélemy de Eyck, Barthélemy de Eik,
Barthélemy de Eck, Maître de l'Annonciation d'Aix.
On a proposé de l'identifier au Maître du Coeur d'amour épris, au Maître de l'Annonciation d'Aix et au Maître du roi René. Ce portrait qui lui est attribué est celui, comme il est écrit au versod du dessin  : "Roy Loys père du bon roy Regné"

 

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Stanisław Ignacy Witkiewicz dit Witkacy (1885-1939) - Portrait d'un homme (mon ami),

Stanisław Ignacy Witkiewicz dit Witkacy (1885-1939)
Portret mężczyzny (Mój przyjaciel), 1918
Portrait d'un homme (mon ami), 1918
Pastel sur papier 62,5 x 48 cm
Musée National de Varsovie 

 

Stanisław Ignacy Witkiewicz, dit Witkacy est un dramaturge, philosophe, pamphlétaire, peintre, photographe et romancier polonais. Il a touché par son immense curiosité d'homme de la Renaissance tous les domaines intellectuels et artistiques du 20e siècle. Il fut membre du premier groupe polonais avant-gardiste ( Formisme)  auteur de la théorie esthétique de la Forme Pure, créateur de l’Entreprise Portraitiste.
Il s'est rendu célèbre par ses excentricités, sa consommation de peyotl ou encore son mauvais caractère. Le 18 septembre 1939, il se suicide en se tranchant les veines de la gorge dans un champ du village de Jeziory Wielkie en Polésie (aujourd'hui en Ukraine), alors qu'il fuyait la progression des armées soviétiques qui avaient envahi la Pologne la veille. Il ne commence à être plus largement reconnu qu'à la fin des années 1950, grâce aux mises en scène de Tadeusz Kantor et au livre collectif qui lui fut consacré en 1957. Son théâtre complet ne sera publié qu'en 1962, en Pologne. « Aujourd'hui il est considéré, non seulement comme la personnalité la plus marquante de l'entre-deux-guerres polonais, mais aussi comme l'écrivain qui a ouvert aux lettres polonaises le chemin de la modernité. À ce titre, il fait partie d'un trio comprenant également Bruno Schulz et Witold Gombrowicz », souligne Anna Fiałkiewicz-Saignes.

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Francis-Antoine Conscience (1795-1840) (attribué à) - Portrait ou auto-portrait d'artiste dessinant

Francis-Antoine Conscience (1795-1840) (attribué à)
Portrait ou auto-portrait d'artiste dessinant, porte mine à la main, sur fond de paysage
Huile sur toile 108 x 88,5 cm.
Collection privée 

 

Francis-Antoine Conscience, né a Besançon était un  peintre et lithographe, exposant sous le nom de Francis de ? 1795 à 1840.

"Francis s'était pris au sérieux depuis qu'il m'avait pour élève et que, dans mon enthousiasme, j'avais entraîné avec moi mon camarade le baron Fraguier. Nous dessinions d'après un modèle vivant, et, pour ma part, j'y allais comme un enragé. Mais Francis ne savait pas enseigner ; il ne savait que nous dire qu'il faut dessiner par plans, c'est-à-dire par petits carrés.
Un beau matin, Francis me planta là et partit pour Paris. Mais, peu après, il m'écrivit, me disant de rester à Besançon, où je vivrais heureux à faire des portraits ; car, à Paris, les plus grands artistes végétaient et même mouraient de faim, tant le goût de la peinture était en décadence.
À plusieurs années de là, quand je fus moi-même à Paris, je retrouvai mon Francis. Il vint me surprendre un beau matin, portant sa pierre lithographique sous le bras. Je demeurais alors quai Malaquais. Il se mit à table pour déjeuner ; toujours gai et toujours prodiguant les calembours, comme c'était la mode alors. À la fin, il m'avoua qu'il n'avait plus de chez lui et qu'il ne savait où aller percher ! On lui fit un lit le soir sur le canapé de l'atelier, — en attendant !… Toutefois, trois mois après, sa situation n'avait nullement changé. Il se levait de bon matin et rentrait ponctuellement à huit heures, mais si gai, que je n'y comprenais rien.
J'ai su depuis que c'était grâce à un petit vin blanc du quartier auquel il allait dire deux mots. Il emportait, du reste, une feuille de papier et, avec la plume et l'encre du marchand de vin, il dessinait tout ce qui passait devant la fenêtre homme, femme, chien, cheval, etc...
Il les saisissait à la course, littéralement, avec une telle rapidité, mais une telle bonne foi, que souvent la queue ou même tout le train de derrière du cheval lui manquait si par hasard il avait passé au trot !…
J'ai fait relier en un gros volume in-folio toutes les premières impressions de ces matinées, pour les conserver. "

 In Causeries sur les artistes de mon temps par  Jean Gigoux 

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François Joseph Guiguet (1860-1937) - Autoportrait

 

 

François Joseph Guiguet (1860-1937)
Autoportrait
Huile sur panneau, 53 x 39 cm 

Musée François Guiguet

François Joseph Guiguet est un peintre et lithographe français né à Corbelin (Isère). Il débute au Salon des artistes français en 1885 avec Le Retour du jeune Tobie. A partir de 1889, il habite au 13, rue Ravignan, qui deviendra plus tard le Bateau-Lavoir, où il a son atelier jusqu'en 1905.  François Guiguet se lie d'amitié avec Pierre Puvis de Chavannes, Edgar Degas. Entre 1993 et 1910, Guiguet produit des lithographies en couleurs, dont publications dans L'Estampe moderne (1897) et L'Estampe nouvelle (1905). En 1905, il quitte le Bateau-Lavoir pour le 21, rue de Navarin à Paris, où il jouit d'un plus grand atelier qu'il conservera jusqu'à sa mort. François Guiguet est très apprécié comme portraitiste, qui n'achève ses œuvres qu'après de multiples études préparatoires et de nombreuses séances de poses. En plus des portraits de commande, il peint la vie des artisans (forgeron, menuisier, couturière, etc.) et, en moindre mesure, des paysages et des natures mortes. Il trouve une source d'inspiration dans sa maison natale.
En 1985, Louis Guiguet, neveu du peintre, donne à la ville de Corbelin la part revenue à sa famille pour la création d'un musée. En plus du cachet de la succession, est appliqué un cachet ovale « Collection maison natale » sur l'ensemble des œuvres qui constitue ce fonds (78 huiles sur toile, 13 aquarelles et plus de 3 500 dessins de l'artiste). Situé dans l'ancienne chapelle du couvent du xviie siècle, le musée est inauguré le 1er juillet 1989. L'Association François Guiguet6, créée la même année, et aidée par Jean-Pierre Michel, assure le fonctionnement de l'établissement jusqu'à sa fermeture par la Municipalité en 2011.
Depuis la fermeture du musée, la Ville de Corbelin — toujours propriétaire de la collection — a déposé les œuvres du peintre à la maison Ravier à Morestel où elles sont conservées et exposées.
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