Peintre anonyme - Gaspard III de Coligny (1584-1646)

Anonyme
Gaspard III de Coligny (1584-1646) 

 

Gaspard III de Coligny, duc de Châtillon,  et seigneur de Châtillon-sur-Loing ,comte de Coligny , puis duc de Coligny, marquis d'Andelot, Pair, amiral de Guyenne et maréchal de France (1622). Gaspard de Coligny appartenait à la maison de Coligny (qui s'éteindra en 1694). Il était le fils de François de Coligny l'un des chefs protestants pendant les guerres de religion, et le petit fils d' l'amiral Gaspard II de Coligny (1519-1572) qui fut assassiné lord du terrifiant massacre de Nuit de la Saint Barthélemy.

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Lorenzo Lotto (1480-1557) - Portrait d'un jeune homme, 1526

Lorenzo Lotto (1480-1557)
Portrait d'un jeune homme, 1526
Gemäldegalerie, Berlin

 

Lorenzo Lotto fut un très grand portraitiste parce qu’il considérait chaque individu non comme le protagoniste d’une histoire, mais comme une personne quelconque, une parmi tant d’autres, avec laquelle on parle et on se comprend. À l'opposé de ceux du Titien, les portraits de Lotto sont les premiers psychologiques : ce ne sont évidemment pas des portraits d’empereurs ou de papes, mais des gens de la petite noblesse ou de la bonne bourgeoisie. Dans le nombre, figurent aussi ceux d’artistes, d’hommes de lettres ou d’ecclésiastiques.
Sa grande découverte, qui fait la modernité de Lotto, est précisément celle du portrait comme dialogue, échange de confidence et de sympathie, entre un « soi » et un « autre ». Ils sont des témoignages authentiques et crédibles, même si la description physionomique n’est pas plus minutieuse que dans les portraits du Titien. Car, plutôt que de fixer le personnage tel qu’il est objectivement, Lotto préfère le montrer à l’instant où il se qualifie, où il s’adresse à un autre, et se prépare à un rapport humain sincère. Il ne dit pas : « admire-moi, je suis le roi, le pape, le doge, je suis le centre du monde » ; il dit plutôt : « voilà comment je suis fait à l’intérieur, voilà quels sont les raisons de ma mélancolie ou les fondements de ma foi, voilà quelles sont mes sympathies ».
Dans le portrait-dialogue, l’attitude du peintre est celle d’un confesseur, d’un interlocuteur qui pose les questions et interprète les réponses. […] La beauté qui irradie, comme une lumière intérieure, de ses personnages n’est pas une beauté naturelle, ni même une beauté spirituelle ou morale, mais simplement la beauté intérieure trahie, plus que révélée, par un regard, un sourire, la pâleur transparente d’un visage ou la molle attitude d’une main » (Argan).
Ses portraits montrent tous son respect de la nature, ses dons innés de dessinateur et une personnalité artistique remarquable. Il parvient toujours à une silhouette hardie, à un placement imposant du modèle dans la toile., au choix d'un geste parlant ou d'une nature morte évocatrice. La palette est superbe : ses bleu ardoise, ses rouges rutilants, ses vert olive et ses riches contrastes d'ombre et de lumière donnent vie et mouvement à ses portraits aussi animés et magistraux que ceux de Titien, mais très différents1.

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Nicolas de Largillière (1656-1746) - Portrait de Jean-André Souby

Nicolas de Largillière (1656-1746)
Portrait présumé de Jean-André Souby, vers 1729
Huile sur toile 81x 65cm
Collection Privée ( Drouot)

Jean André Soubry (1703-1774), est trésorier de France à Lyon – son père, Jacques Soubry (1656-1740), tenant la charge d’échevin dans la même ville. Les trésoriers de France, charge instaurée dès le XIIIe siècle, ne sont rien de moins que les administrateurs des Finances royales, assumant cette noble et haute tâche sous le nom de «Messieurs des Finances». La figure de celui-ci est pourtant bien jeune, autour de 26 ans lors de la réalisation de ce portrait par celui qui était demandé par les grands bourgeois, financiers, officiers et autres magistrats alors que son confrère et ami Hyacinthe Rigaud (1659-1743) officiait auprès de l’aristocratie – tant la qualité du résultat était parfait. En effet, comme nul autre, il savait allier à une vivacité et un esprit dans le traitement des visages un rendu des matières qui flattait au mieux le modèle représenté. La soie crisse, le drapé des velours casse là où il le doit, les dentelles – juste ce qu’il faut – font écho à la carnation. Si les portraits sont bien entendu réalisés d’après nature, en revanche, les tissus font l’objet d’études, d’où le degré de réalisme atteint, le souci du détail et la distinction qui s’en dégagent. À sa mort, Largillière aura contribué à renouveler la tradition française du genre pictural et à préparer la voie pour les générations suivantes. Cela vaut bien un record.

Nicolas de Largilliere (qui s'écrit aussi Largillierre) est  sans doute l’artiste le plus complet de sa génération. Ce peintre aux talents multiples était à l’aise aussi bien avec les natures mortes, qu’avec les tableaux historiques, les paysages ou les portraits, sa maîtrise technique lui permettant de jouer avec les matières, les couleurs et les lumières sans jamais  en faire un exercice froid. S’il s’était signalé par quelques tableaux historiques, il s’adonna plus particulièrement, sans renoncer à la grande peinture, au genre du portrait, dans lequel il excellait, surtout ceux des femmes où il savait démêler, dans leur physionomie, les traits constituant à la fois la beauté et le caractère. Il pouvait, sans s’écarter du modèle, y découvrir des grâces inaperçues et faire valoir les beautés apparentes, de façon que les femmes étaient d’autant plus sensibles aux flatteries de son pinceau, qu’il semblait n’avoir exprimé que la vérité, et qu’ainsi en regardant leur portrait, en les trouvait ressemblantes avant de les trouver belles. La ville de Paris ayant donné un repas à Louis XIV à l’occasion de sa convalescence, en 1687, voulut consacrer le souvenir de ce repas mémorable. Largillierre fut choisi pour le peindre, et, comme s’il eut compris ce que désiraient, au fond, les officiers du corps de ville, il fit leur portrait de grandeur naturelle au premier plan, leur prêta quelques gestes insignifiants, pour avoir l’occasion de peindre de belles mains à la Van Dyck, et rejeta Louis XIV et sa cour dans le vaporeux de la perspective. Cette représentation des échevins parisiens en costume et perruque s’appelle néanmoins la Convalescence de Louis XIV. 

Ses portraits, dans la tradition flamande de Rubens et van Dyck, gardent toujours une vie et une sensibilité qui font de lui l’un des plus grands peintres du règne de Louis XIV et de la Régence. 

Il laissa, à sa mort, 4 500 portraits.

 

 
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Sculpture antique - Buste de l'empereur Gratien

Buste  anonyme de l' Empereur Gratien,
qui régna de 367 à 383, connu aussi sous le nom de Flavius Gratianus Augustus (359 -383) 

 

 Gratien (en latin : Flavius Gratianus Augustus), né en 359 à Sirmium (actuelle Sremska Mitrovica en Serbie) et mort le 25 août 383 à Lugdunum, régna sur la partie occidentale de l’Empire romain de 367 à 383. Fils aîné de l’empereur Valentinien Ier, il accompagna son père au cours de campagnes sur les frontières du Rhin et du Danube. Élevé au rang d’Auguste en 367, il sera coempereur avec son père jusqu’à la mort de celui-ci en 375. Il gouverna alors la partie occidentale de l’Empire romain de concert avec son demi-frère, Valentinien II, également acclamé auguste par les généraux de Pannonie. Son oncle, Valens, était déjà empereur dans la partie orientale de l’empire. Par la suite, il fit campagne au-delà du Rhin chez les Lentiens qu’il vainquit lors de la bataille d'Argentovaria, en 378. La même année, Valens devait périr aux mains des Goths lors de la bataille d’Andrinople. Devant l’urgence de la situation militaire, Gratien, devenu seul Auguste, le remplaça par le général espagnol Théodose (r. 379 – 395) qui devait par la suite être le dernier empereur à régner seul sur un empire indivis... 

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Bartolomeo Veneto (1470-1531) - Giovanni Paolo Sforza

Bartolomeo Veneto (1470-1531)
Giovanni Paolo Sforza en 1515
National Gallery of Art, Washington

Quarante peintures sont généralement attribuées à Bartolomeo mais seulement neuf portent des inscriptions avec le nom de l'artiste. Une grande partie des œuvres généralement acceptées sont des peintures à thème religieux qui ont été peintes au début de sa carrière. Le plus ancien travail connu de Bartolomeo est daté de 1502, une Vierge à l'Enfant qui comporte un texte bien lisible « bartolamio mezo venizian e mezo cremonese » (Bartolomeo moitié-vénitien et moitié-Cremonese). L'inscription est intéressante pour la compréhension du peintre, pour l'élaboration de style, sur sa citoyenneté, ainsi qu'une référence à son influence stylistique diversifiée. La moitié vénitiennereflète sa connaissance de Gentile Bellini. La Cremonese suggère quelques connaissances de l'école Cremonese, fondée par Giulio Campi. Une autre inscription se trouve sur une Vierge à l'Enfant similaire. L'inscription est difficile à lire, et la date est inconnue. Ce qui reste est « 7 15 avril... bartolamio s...o de z... être...» laisse supposer que Bartolomeo a voulu indiquer qu'il fut l'élève de Gentile Bellini (« Zentile »).


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Edvard Munch (1863 - 1944) - Baigneurs

 

Edvard Munch (1863 - 1944)
Baigneurs, 1908
Private collection 

Le peintre et graveur norvégien Edvard Munch, peut être considéré, après l'exposition berlinoise de 1892, comme le pionnier de l'expressionnisme dans la peinture moderne. Il est très tôt réputé pour son appartenance à une nouvelle époque artistique en Allemagne et en Europe centrale. Son œuvre et son importance sont aujourd'hui reconnues en Europe et dans le monde.
Les œuvres de Munch les plus connues sont celles conçues au début des années 1890, notamment Le Cri. Son œuvre ne connaît véritablement le succès dans les pays nordiques qu'à partir de 1909, grâce à la grande exposition rétrospective organisée par son ami Jappe Nilssen et par Jens Thiis, directeur de la galerie nationale d'Oslo. Le peintre absent est momentanément convalescent dans une clinique privée de Copenhague, après y être entré en état de dépression nerveuse, victime de troubles graves du comportement, physiques et nerveux, en 1908.
Ses techniques de prédilection sont essentiellement la peinture et la tempera sur carton. Il est aussi un pionnier de l'art accessible à tous, un art dévoilé, montré et non caché, dans les rues et les espaces publics, dans les divers lieux de nature
L'artiste, au-delà de ses dessins, peintures, aquarelles, sculptures, laisse plus de 13 000 pages manuscrites, partagées entre journaux intimes, correspondances, carnets de création artistique et annotations, notes et croquis commentés parfois sur feuilles volantes. Les manuscrits sont environnés ou mêlés indissociablement de couleurs, de dessins et d'esquisses.

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Auguste Baud-Bovy (1848-1899) - Lioba ! Berger de l'Oberland bernois rappelant son troupeau

 

Auguste Baud-Bovy (1848-1899)
Lioba! Berger de l'Oberland bernois rappelant son troupeau, 1886
Musée cantonal des beaux arts, Genève 

L'artiste-peintre suisse, Auguste Baud-Bovy fut célèbre pour être un des premiers à peindre en posant son chevalet sur le motif en montagne et dans la neige.
Elevé au château de Gruyères, demeure devenue familiale la même année, il devient l'élève de Barthélemy Menn, familier du cercle entourant le peintre Daniel Bovy au château. Il délaisse le château en 1885 pour s'installer dans un chalet à Aeschi.
Joris-Karl Huysmans le visite et lui fait part de son angoisse en montagne.
Il a eu deux fils, André-Valentin, peintre et Daniel, écrivain, également conservateur du musée Rath, directeur de l'école des beaux-arts de Genève, président de la Commission fédérale des beaux-arts.
Il a entretenu une correspondance épistolaire avec Eugène Grasset, et visité Gustave Courbet à La Tour-de-Peilz et peint à ses côtés.
Il est le père de Daniel Baud-Bovy et le grand-père de Samuel Baud-Bovy.
Son cousin Maurice Baud (1866-1915), imprimeur, graveur sur bois, illustrateur et collaborateur des "Cahiers vaudois" gravera certains de ses tableaux.


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Clovis Trouille (1869-1975) pour Pierre Imans - Figure de Cire N° 996-329755 bis

 

 

Clovis Trouille (1869-1975) pour Pierre Imans,
Mannequin masculin, Figures de Cire N° 996-329755 bis, 1930- 40 

 

 

Pierre Imans a démarré son entreprise de mannequins de vitrine en 1896.
Elle fonctionna à plein régime entre les années 1920 et les années 1950 au n° 10 rue Crussol, dans le 11e arrondissement de Paris. Cette adresse professionnelle, un peu à la frontière du quartier des tailleurs et fabricants de vêtements parisiens, est indiquée sur toutes les images et catalogues de Pierre Imans jusqu'en 1965, date de la fermeture définitive de cette société. Les œuvres qui survécurent à la fermeture peuvent être vues aujourd'hui dans les musées du monde entier, où elles sont considérées comme des témoignages importants de la sculpture commerciale moderne... ce que pensait Imans lui-même, d'ailleurs.

Le peintre et sculpteur français Camille Clovis Trouille, se proclamait volontiers anticlérical et antimilitariste. Traumatisé par les effets de la Première Guerre mondiale, il se définissait même comme anarchiste. Clovis Trouille est peu connu du grand public car il ne recherchait pas, à proprement parler, la gloire. Il dira même : « Il est vrai que je n'ai jamais travaillé en vue d'obtenir un grand prix à une biennale de Venise quelconque, mais bien plutôt pour mériter dix ans de prison et c'est ce qui me paraît le plus intéressant. » Il ne voulait pas vendre ses toiles qui représentaient généralement des scènes érotiques glanées dans les maisons closes ou des scènes parisiennes quotidiennes. Lorsqu'il consentait à s'en séparer, il souhaitait parfois les récupérer afin d'y ajouter des détails : un personnage, des objets, ou simplement un grain de beauté...
Clovis Trouille commença à travailler - comme beaucoup d'autres sculpteurs - dans l'atelier de Pierre Imans, vers les années 1920 et il y travailla pendant 45 ans, jusqu'à la fermeture de la Société Imans !
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Frederick Childe Hassam (1859–1935) - Self Portrait, 1920

Frederick Childe Hassam (1859–1935)
Self Portrait, 1920
Etching with plate tone, 9.5 x 7.6 cm
Gift of Mrs. Childe Hassam, 1940
The MET 

Frederick Childe Hassam, est un peintre impressionniste américain des 19 et 20 siècles. Il était membre des Ten American Painters.  Parmi ses œuvres les plus connues, réalisées à la fin de sa vie, figure la Flag series. Il s'agit d'une trentaine de tableaux qu'il débuta en 1916, inspirés par la parade de préparation des engagés volontaires américains pour la Première Guerre mondiale sur la Cinquième avenue.  Le tableau le plus célèbre de la série, The Avenue in the Rain (1917), représentant des drapeaux américains et leur reflets sous la pluie, fait partie de la collection de la Maison-Blanche. Barack Obama l'a fait installer dans le bureau ovale dès le début de sa présidence.
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Christian Bérard (1902-1949) - Portrait de Jacques Dupont décorateur et peintre

Christian Bérard (1902-1949)
Portrait de Jacques Dupont décorateur et peintre, 1930 

Huile sur toile,  73,2 x 60 cm

Musée de Grenoble

 

Christian Jacques Bérard, couramment surnommé « Bébé » car il était assez joufflu, est un peintre, illustrateur, scénographe, décorateur et créateur de costumes français, Après des études au Lycée Janson-de-Sailly à Paris, il entre en 1920 à l'Académie Ranson. Très tôt dans sa vie, il est attiré par le théâtre dont il deviendra l'un des principaux créateurs de décors et de costumes au cours des années 1930 et 1940. Il travaille dès 1930 en étroite collaboration avec Jean Cocteau et Louis Jouvet, pour lesquels il réalise entre autres les costumes et/ou les décors de La Machine infernale (1934), L'École des femmes (1935), La Folle de Chaillot (1945) de Jean Giraudoux, Les Bonnes (1947) de Jean Genet et Dom Juan de Molière (1948), sa contribution la plus célèbre demeurant en 1946 la conception des décors et des costumes du film de Jean Cocteau, La Belle et la Bête. Avec Boris Kochno, rencontré aux Ballets russes de Monte-Carlo, il formait un couple très en vue dans le monde théâtral et les milieux mondains parisiens. En 1945, tous deux assurèrent la direction artistique du mythique Théâtre de la Mode. 

Jacques Dupont (1909-1978 )est un scénographe, décorateur de théâtre et peintre et illustrateur français.
Élève de l'Académie Ranson, Jacques Dupont est encore très jeune lorsqu'en 1924 la saison des Ballets russes le rapproche de Max Jacob, Jean Cocteau, Christian Bérard et Georges Auric . En même temps qu'il peint, il écrit des articles pour la revue L'Amour de l'art. Ensuite décorateur de théâtre et costumier, il collabore notamment avec les metteurs en scène André Barsacq, Félicien Marceau et Raymond Gérome. Il fut le compagnon du compositeur Henri Sauguet (1901-1989). Mort en 1978, Jacques Dupont repose au cimetière de Montmartre (27e division). En 1989, Henri Sauguet sera inhumé dans le même caveau.

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Corneille de Lyon (1500/1510–1575) - Jean de Bourbon-Vendôme

Corneille de Lyon (1500/1510–1575)
Jean de Bourbon-Vendôme
Musée du Louvre, Paris

Les portraits de Corneille de Lyon sont généralement de très petit format.
Schéma familier dans ses compositions, les personnages et la tête principalement sont reproduits la tête orientée à gauche ou à droite. La lumière provient souvent de gauche.
On peut imaginer que les modèles posaient tous dans l'atelier de Corneille.

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Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) - Dessin préparatoire pour Le Nil, Fontaine des Quatre Fleuves

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)
Dessin préparatoire pour Le Nil, Fontaine des Quatre Fleuves, Piazza Navonna, Roma
Gouache, fusain et crayon sur papier teinté
Museo Thyssen- Bornemisza, Madrid
 

Gian Lorenzo Bernini, dit Le Bernin ou Cavalier Bernin (Cavaliere Bernini) sculpteur, architecte et peintre. Artiste éminent, son abondante production typiquement baroque se caractérise par la recherche du mouvement, la torsion des formes, l'impression spectaculaire allant jusqu'à l'illusion. Elle le place comme figure de proue de l'art contemporain à Rome.

La fontaine des Quatre-Fleuves ( Fontana dei Quattro Fiumi) (1648 - 1651) fut bâtie par le Bernin au centre de la piazza Navona à Rome, devant l'église de Sant'Agnese in Agone. Elle est inaugurée le 21 juin 1651. Elle est de type baroque.
Les quatre fleuves qu'elle représente symbolisent chacun un continent : le Danube (Europe) sculpté par Antonio Raggi, le Gange (Asie) sculpté par Claude Poussin, le Nil (Afrique) (le visage voilé car on ne connaissait pas sa source) sculpté par Giacomo Antonio Fancelli et le Rio de la Plata (Amérique) (tient un sac dont s'écoulent des pièces d'or pour montrer la richesse du continent) sculpté par Francesco Baratta. C'est une œuvre de commande du pape Innocent X : la colombe et le rameau d'olivier en haut de l'obélisque au centre de la fontaine sont l'emblème de sa famille (les Pamphili) qui avait un palais sur la place. Cet obélisque apporté à Rome par Caracalla provient du cirque de Maxence. Cette fontaine a été financée par une taxe très impopulaire sur le pain, la viande et le sel.
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Joseph Christian Leyendecker (1874-1951) - Couverture du magazine Collier 's du 22 Novembre 1917

 

 

 

Joseph Christian Leyendecker (1874-1951) 

Couverture du magazine Collier 's du 22 Novembre 1917

 

Et allons - y ... tu m'envoies ton gros missile,  je te montre mon gros missile!  C'est de circonstance !

Joseph Christian Leyendecker fut l'un des plus importants illustrateurs américains du début du xxe siècle. Il est surtout connu pour ses affiches, livres, illustrations publicitaires, ainsi que la création de la figure du « Arrow Collar Man » pour la marque Arrow, et ses couvertures pour The Saturday Evening Post.
Entre 1896 et 1950, Leyendecker a peint plus de 400 couvertures de magazines. Pendant l'âge d'or de l'illustration américaine, pour The Saturday Evening Post seul, J. C. Leyendecker a produit 322 couvertures, ainsi que plusieurs publicités pour ses pages intérieures. Aucun autre artiste jusqu'à l'arrivée de Norman Rockwell deux décennies plus tard, ne fut plus étroitement identifié avec cette revue3. Leyendecker a pratiquement inventé l'idée du concept moderne de l'illustration de magazine.
Il a beaucoup collaboré aussi au magazine hebdomadaire Collier's dont il réalisé de très nombreuses et célèbres couvertures... comme celle ci. Le magazine Collier's fut fondé en 1888 par le journaliste Peter Fenelon Collier (1849-1904) qui y développa pour la première fois de l'Histoire le journalisme d'investigation. Le magazine continua de paraitre longtemps après la mort de son créateur ruiné, puis cessa toute parution en janvier 1957. Une brève tentative de réédition eut lieu en 2012, en vain.

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Laurits Tuxen (1853–1927) - Portrait de Peder Severin Krøyer

Laurits Tuxen (1853–1927)
Portrait de Peder Severin Krøyer, 1904.
Museum of Fine Arts, Budapest

Le peintre et sculpteur danois Laurits Regner Tuxen, a fait partie des peintres de Skagen. Il a grandi à Copenhague et fait ses études à l'Académie royale des beaux-arts du Danemark aux côtés de Peder Severin Krøyer.
En 1870, il découvre la station balnéaire de Skagen, dans le Jutland, pointe septentrionale du Danemark, où il retournera fréquemment et possédera une résidence d'été. Il intègre dès lors le groupe des peintres de Skagen dont il peignit beaucoup les paysages et les peintres membres du groupe de Skagen.
Entre 1880 et 1900, il peint les portraits de membres des principales familles royales européennes dont Christian IX du Danemark ou la Reine Victoria d'Angleterre ou Nicolas II tsar de Russie.
En 1914 il fait un voyage d'études en Grèce où il peindra l'entrée du roi George Ier de Grèce dans Salonique.
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Laton Alton Huffman (1854-1931) - Hih Bear, Miniconjou or Oglala

 

Laton Alton Huffman (1854-1931)
Hih Bear, du Clan  Miniconjou ou du Clan Oglala

The Library of Congress, Washington D.C.

Laton Alton Huffman était un photographe américain qui témoigna de la vie et des personnalités des Amérindiens. Né dans le comté de Winneshiek, dans l'Iowa, il a passé la majeure partie de sa vie à photographier les environs de sa maison, dans le Montana. Ayant d’abord travaillé à Fort Keogh, il a commencé peu a peu à vendre les images qu'il tirait de ses négatifs sur plaque de verre.

Les Miniconjous constituent l'un des sept clans qui forment la tribu Lakota. Miniconjou (ou Minneconjou) signifie « Ils plantent près de l'eau ». Les Miniconjous vivent actuellement dans la réserve de Cheyenne River (Dakota du Sud, aux États-Unis). Avec les Sans-Arcs (Itázipčho, Itazipcola, Hazipco - "Ceux qui chassent sans arcs") et les Two Kettles (Oóhe Núŋpa, Oóhenuŋpa, Oohenonpa - "Deux fois bouillis") ils ont été considérés comme appartenant au Lakota Central et ont été divisés en plusieurs bandes (thiyóšpaye).

Les Oglalas ou Oglala Lakota sont l'un des sept clans des premières nations qui forment la tribu des Lakotas. Cette entité est apparue au xviiie siècle. Au début du xixe siècle les Oglalas se séparent des autres Sioux Lakotas : vers 1830, ils rassemblent quelque 3 000 membres. Oglala signifie « ils se dispersent » en langue lakota. Tashunca-Uitco (Crazy Horse) était l'un des chefs de ce clan au xixe siècle. Les Oglalas ont participé à la bataille de Little Bighorn. Les Oglalas vivent désormais dans la réserve indienne de Pine Ridge (Dakota du Sud, aux États-Unis), à la frontière avec le Nebraska et à moins de 100 km du Wyoming. C'est la deuxième plus grande réserve indienne des États-Unis. Au recensement de 2000, 15 221 Oglalas y résident et en 2008, on compte 42 357 membres de cette tribu.

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Natori Shunsen (1886-1960) - Onoue Kikugoro VI as Hayano Kampei - Nakamura Ganjiro

Natori Shunsen (1886-1960)
Onoue Kikugoro VI as Hayano Kampei - Nakamura Ganjiro
Rijksmuseum 

 

Extrait de la série "Shunsen Nigaoe Shu" ("Collection de portraits de Shunsen") qui contient les plus beaux portraits Okubi-e de Shunsen. Ils ont été vendus par souscription entre 1925 et1929.
Cette estampe montre l'acteur Ichimura Uzaemon XV dans le rôle d'Iriya Naozamurai dans la pièce de kabuki "Kochiyama to Naozamurai". C'est l'un des modèles les plus populaires de la série. 

 

Natori Shunsen / 名取春仙 est considéré aujourd'hui comme le dernier maître de l'art du kabuki yakusha-e, l'art des images d'acteurs, un genre très spécifique de la culture nippone. Il est né dans la préfecture de Yamanashi mais sa famille s'installe à Tokyo peu après sa naissance et il demeure dans la capitale jusqu'à sa mort en 1960. Shunsen s'intéresse aux portraits d'acteurs kabuki alors qu'il travaille en tant qu'illustrateur pour le journal Asahi Shimbun. À cette époque, il a l'occasion de rencontrer l'éditeur Shozaburo Watanabe. En 1925, Shunsen et Watanabe travaillent ensemble sur une série de 36 portraits d'acteurs. Cette série contient quelques-uns des plus beaux dessins de kabuki de Shunsen. Watanabe produit luxueusement chaque estampe avec un tirage limité à 150 exemplaires et ne les vend que par souscription. La série dure jusqu'en 1929, suivie d'une série supplémentaire de 15 autres portraits d'acteur publiée jusqu'en 1931. Les portraits d'acteurs de Shunsen ressortent principalement du genre ōkubi-e (grande tête), format qui lui permet de se concentrer sur les expressions et les émotions du visage du sujet. Shunsen continue de travailler en tant qu 'artiste pour artiste pour le théâtre kabuki mais ne dessine plus aucune tête d'acteur avant le début des années 1950. De 1951 à 1954, il collabore de nouveau avec Watanabe à une autre série de 30 portraits d'acteurs. Comme dans la précédente série, ces dessins sont magnifiquement imprimés et très expressifs, particulièrement les portraits ōkubi-e.

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Theodore Robinson (1852-1896) - Autoportrait lisant

 

 

Theodore Robinson (1852-1896)
Autoportrait lisant
Huile sur toile 33, 7 x 26 cm
Collection privée Margaret et Raymond Horowitz

Theodore Robinson  était un peintre américain célèbre pour ses paysages impressionnistes. Il fut l'un des premiers artistes américains à adopter l'impressionnisme à la fin des années 1880. Il fréquenta Claude Monet à Giverny. Plusieurs de ses toiles sont considérées comme des chefs d'œuvre de l'impressionnisme américain. Il commença des études d'art à l'Art Institute of Chicago en 186. En 1874, il intégra l'Académie américaine de design et l'Art Students League à New York. En 1876, il partit pour Paris, où il fut l'élève de Carolus-Duran puis de Jean-Léon Gérôme à l'École des beaux-arts. Il peignit ses premières toiles à Paris en 1877, et passa l'été à Grez-sur-Loing. Après plusieurs voyages à Venise et Bologne, il retourna aux États-Unis en 1879, où il resta plusieurs années. Pendant cette période, il adopta le style réaliste et représenta des personnes exécutant des tâches agricoles ou domestiques.
En 1884, Theodore Robinson retourna en France, où il vécut huit années, tout en faisant des séjours en Amérique. Il vécut beaucoup à Giverny, le centre de l'impressionnisme, autour de la figure de
Claude Monet . De tous les artistes américains, il fut le plus proche du maître français, qui lui donnait des conseils. Robinson peignit plusieurs toiles dans un style impressionniste traditionnel, influencé par Claude Monet. Ainsi, Capri, peint en 1890, s'inspire probablement des Falaises à Varengeville, Pourville, et Étretat. À Giverny, Robinson réalisa quelques-unes de ses meilleures toiles : des paysages ruraux, des femmes. La Débâcle (1892) est considérée comme une œuvre de maturité. Il quitta la France en 1892 et obtint une place d'enseignant à la Brooklyn Art School. Il fut en relation avec d'autres peintres impressionnistes américains comme John Henry Twachtman et Julian Alden Weir, et séjourna à la Cos Cob Art Colony dans le Connecticut. C'est là qu'il peignit une série de marines au Riverside Yacht Club. Il passa les classes d'été à Napanoch, près des montagnes Catskill, où il peignit quelques paysages. Il enseigna également à l'Evelyn College de Princeton, puis à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Philadelphie.
En 1895, il réalisa plusieurs toiles dans le Vermont et écrivit une lettre à Claude Monet en février 1896, annonçant son retour à Giverny. Mais il mourut en avril à New York à l'âge de 43 ans, d'une crise d'asthme aigu. Aujourd'hui, les toiles de Theodore Robinson sont conservées au Metropolitan Museum of Art de New York, à la Corcoran Gallery of Art de Washington et à l'Art Institute of Chicago.

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Arabie pré- islamique - Stèle anthropomorphe, IVe mill. av. J.C

Arabie pré- islamique - Stèle anthropomorphe, IVe mill. av. J.C
Grès, H 100 x L. 38 cm,
Ha'il-El-Maakir-Qaryat al Kaafa, Musée national de Riyad, Arabie Saoudite

Trouvée dans un petit village près de Ha'il dans le nord-ouest de l'Arabie saoudite, cette stèle anthropomorphe (de type humain) était l'une des trois découvertes dans la région. Le trio rejoint un corpus de plus de soixante sculptures en bas-relief à forme humaine datant du quatrième millénaire avant notre ère. et découvert à travers la péninsule arabique au cours des quatre dernières décennies. Malgré le vaste territoire sur lequel elles ont été trouvées (environ 2 300 kilomètres, s'étendant de la Jordanie au nord au Yémen au sud), ces stèles partagent certaines caractéristiques et caractéristiques

L'Arabie pré islamique désigne la péninsule arabique avant le VIIe siècle, soit avant l'apparition de l'islam, incluant la préhistoire et l'histoire de cette région. Dans l'Antiquité, à l'époque de l'Empire romain, les auteurs gréco-latins divisent l'Arabie en trois régions distinctes : l'Arabie Heureuse, au Sud, qui correspond au Yémen actuel ; l'Arabie centrale, peuplée de nomades et de sédentaires et qui vivent dans l'orbite de l'Arabie Heureuse ; et l'Arabie pétrée, sous influence des Empires byzantin et perse.  Alors qu'aujourd'hui l'Arabie saoudite est surtout célèbre pour ses déserts et ses réserves de pétrole, à l'époque préhistorique, l'environnement et le paysage étaient radicalement différents - plus fertiles et luxuriants, et facilement accessibles aux humains : les premiers pétroglyphes de pierre représentent des personnes chassant des autruches, un oiseau incapable de voler et qui fut une proie facile pendant des milliers d'années. C'était à l'époque néolithique, du VIe au IVe millénaire avant notre ère. lorsque la péninsule arabique ressemblait plus à une savane qu'à un désert, ces petits groupes de chasseurs-cueilleurs ont progressivement déplacé leur économie de la prédation à la production en domestiqué des animaux tels que les moutons, les chèvres et le bétail, et en s'installant dans des oasis et des régions montagneuses liées à les uns aux autres par des sentiers de caravane. En raison des conditions climatiques changeantes, ces sites de peuplement n'étaient souvent que temporaires - occupés de manière saisonnière mais répétée, et probablement pendant des siècles - mais c'est ce besoin constant de mouvement qui a stimulé la communication entre les régions et l'interaction entre ses sociétés. Mais plus que de simples personnes se déplaçaient sur les sentiers des caravanes d'Arabie : des idées et des objets voyageaient aussi.

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Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914) - Sher Muhammad

 

 

 
Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914) 
Sher Muhammad,1886-88

Oil on pannel, 29,8 x9,1 cm
The Royal Trust Collection / Her Majesty the Queen Elizatbeth II 

 

 

Rudolf Swoboda Jr. est un artiste peintre autrichien, qui connut une popularité certaine en tant que peintre orientaliste. En 1886, la reine Victoria, Reine d'Angleterre et Impératrice des Indes, lui commanda une peinture d’un groupe d’artisans indiens qu'elle avait invités à Windsor à l’occasion du Golden Jubilee. La reine apprécia tellement le travail de Swoboda, qu’elle lui paya le voyage en Inde pour qu’il réalise des portraits de ses habitants.
En Inde, Swoboda rencontra Rudyard Kipling, lequel écrivit une lettre apparemment très critique sur lui l'accusant de "ne rechercher que le pittoresque et de ne choisir pour que des personnages caricaturaux de l'Inde" . C'est ignoré que la Reine Victoria avait laissé des instructions très directives à Swoboda : "Les croquis que Sa Majesté souhaite avoir - représenteront les différents types de nationalités qui composent les Indes. Ils devront être constitués de têtes de même taille que celles déjà réalisées pour La Reine, ainsi que de petits portraits en pieds. Sa Majesté ne souhaite pas que les images soient trop grandes, et vous propose plutôt de rapporter des croquis d'apres lesquels vous peindrez vos tableaux apres votre retour. "
Lorsque la reine Victoria reçut les peintures, elle en fut très satisfaite et les considéra comme , "de si belles têtes… de belles choses". Swoboda travailla ensuite pour la reine pendant onze ans, produisant plus de 40 portraits de ses sujets du sud-asiatiques, (dont celui ci dessus) qui sont conservés aujourd'hui à Osborne House.et dans les collections du Royal Trust. 

Ce portrait de Sher Muhammad que Swoboda peignit à deux reprises le représente âgé de 39 ans. Il  était le chef d'un village près de Rawalpindi, qui faisait autrefois partie de l'Empire britannique des Indes depuis 1849, aujourd'hui la quatrième plus grande ville de la province du Pendjab au Pakistan. Comme un autre portrait de cette série par Swoboda, d'Ala Yar, ce travail semble être inachevé, car l'artiste n'a appliqué qu'une couche de fond blanc à l'arrière-plan, et a laissé l'écharpe sur son épaule gauche assez hâtivement esquissée sur la réserve laissée apparente.

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Pierre Tal Coat (1905-1985) - Autoportrait au chapeau mou , ca 1927

 

Pierre Tal Coat (1905-1985)
Autoportrait au chapeau mou, ca 1927
Collection particulière 

 

Pierre Tal Coat, pseudonyme de Pierre Jacob est un peintre, graveur et illustrateur français de l'École de Paris. Fils de marin pêcheur, il devint commence des études de peinture après avoir obtenu une bourse de pupille de la nation.
En 1956, seize de ses peintures sont présentées à la Biennale de Venise avec celles de Jacques Villon et de Bernard Buffet. Aux côtés de Joan Miró et de Raoul Ubac, il collabore en 1963 aux réalisations de la Fondation Maeght par une mosaïque pour le mur d'entrée et reçoit en 1968 le grand prix national des arts. Une exposition rétrospective lui est consacrée au Grand Palais à Paris en 1976.

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Joshua Reynolds (1723-1792) - Archibald Montgomerie 11th earl of Eglinton 1783.

Joshua Reynolds (1723-1792)
Archibald Montgomerie, 11th earl of Eglinton, 1783.
Royal collection, UK 

Archibald Montgomerie, 11e comte d'Eglinton 1726 - 1796) était un général écossais et député au Parlement britannique. Il était également le chef de clan du clan Montgomery. Montgomerie a combattu pendant la guerre de Sept Ans, où il a servi avec George Washington. Il était également le mécène du poète Robert Burns.
Il fut Grand Maître de la Loge Maçonnique de Mère Kilwinning, de 1771 à 1796.  

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Lucas Cranach the Elder (1472–1553) - Portrait of a Man in a Black Cap

Lucas Cranach the Elder (1472–1553)
Portrait of a Man in a Black Cap (c. 1535-50)
Oil on paper, possibly over black chalk, 19.5 x 25 cm.
The Morgan Library & Museum, New York

À partir d'un certain moment de sa vie, Cranach tourne le dos à la spontanéité de sa période viennoise et son art s’oriente alors vers un style s’approchant du maniérisme : les formes s’allongent, deviennent plus souples, les personnages prennent de l’importance par rapport au paysage devenu simple décor, leurs différentes poses sont élaborées et codifiées, et l’habillage raffiné.
Le besoin qu'avait Cranach d'adopter une méthode rationnelle pour produire des œuvres de grande qualité, en associant tout son atelier, apparait clairement avec la commande en 1533, d'une soixantaine de paires de petits portraits des deux frères, tous deux alors décédés, Frédéric le Sage et Jean le Constant. Certains historiens de l'art voient dans ce changement le début de la décadence qui va s'accentuant après 1525. D'autres jugent la production des années 1505 à 1525 d'égale valeur, quoique très différente de celle des années viennoises. Cette simplification voulue des formes, des compositions et des couleurs permet à l'atelier de copier à la demande, avec de simples variantes, les créations du maitre. Le pouvoir de séduction de l'artiste réside dans l'utilisation du pouvoir suggestif de la ligne sinueuse et du contraste des couleurs disposées en larges surfaces.
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Paul Gauguin (1848-1903) - Homme à la hache

Paul Gauguin (1848-1903)
Homme à la hache, 1891
Gouache diluée, plume et encre noire
sur vélin crème fixé sur papier Japon crème, 31, 7 x 22, 8 cm
Art Institute Chicago

 

Le peintre français Paul Gauguin est un peintre post impressionniste, chef de file bien connu de l'École de Pont-Aven et inspirateur des Nabis. Il est considéré comme l'un des peintres français majeurs du 19e siècle. En 1874, la connaissance qu'il fait de Camille Pissaro et la première exposition du courant impressionniste, l'inclinent à devenir amateur d'art et à s'essayer alors à la peinture. En 1882, il abandonne son emploi de courtier en bourse pour se consacrer uniquement à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen où Pissaro vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de quarante tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours et quelques natures mortes très classiques. Cela ne suffit pas pour vivre et il part avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague.
Ses affaires ne vont pas bien et il revient à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. Il est déchiré par cette situation. Il expose avec les impressionnistes régulièrement de 1876 à 1886.
C'est en juillet 1886 que Paul Gauguin effectue un premier séjour en Bretagne. Il s'installe pour 3 mois à la pension Le Gloanec, à Pont-Aven où vit une colonie d'artistes. Il y rencontre le très jeune peintre (et écrivain) Emile Bernard adepte du " Cloisonnisme ", une technique picturale cernant chaque plan de couleur d'une fine cloison, un peu à la manière de la technique du vitrail ou des estampes japonaises.
Influencé par Emile Bernard et par le courant symboliste, Paul Gauguin renonce à l'impressionnisme pour élaborer, une nouvelle théorie picturale, le " Synthétisme ". Sa recherche va alors dans le sens d'une simplification des formes, il élimine les détails pour ne garder que la forme essentielle, simplification obtenue par l'usage du cerne et de l'aplat de couleur.
Nabis et Synthétistes, inspirés également par Stéphane Mallarmé et les symbolistes littéraires, partageront pendant quelques temps des convictions communes sur la nécessité de libérer la peinture de sa sujétion au réel et de laisser davantage de place à l'idée ou à la symbolique. Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Odilon Redon font partie de ce mouvement.
Gauguin retournera en Bretagne en 1889 et 1890, au Pouldu, tout proche de Pont-Aven, deux lieux où chaque été une importante colonie d'artistes tentera d'élaborer une nouvelle peinture. Il y loge à " la Buvette de la Plage " de Marie Henry, en compagnie des peintres Meyer de Haan, Sérusier et Filiger.
En 1891, ruiné, il s'embarque pour la Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres dont le succès a été assuré par deux articles enthousiastes d'Octave Mirbeau. Il s'installe à Tahiti où il espère pouvoir fuir la civilisation, tout ce qui est artificiel et conventionnel.
Influencé par l'environnement tropical et la culture polynésienne, son œuvre gagne en force, il réalise des sculptures sur bois et peint ses plus beaux tableaux, notamment son œuvre majeure, aujourd'hui au Musée des Beaux arts de Boston au titre explicite de D'où venons nous? Que sommes sommes, Où allons nous ? qu'il considère lui-même comme son testament pictural. En 1901, il va vivre a Atuona dans les îles Marquises. Il lui semble être au paradis. Il va vite déchanter en se rendant compte des abus des autorités et en essayant de se battre pour les indigènes. Malgré ce combat auprès des autorités, Gauguin reste peu apprécié des Polynésiens en général et des Marquisiens en particulier, qui ont l'impression d'avoir eu affaire à un homme qui s'est servi d'eux, de leur culture ancestrale et surtout des femmes, comme si cela lui était dû. Affaibli, fatigué de lutter, il meurt au printemps 1903. Il est enterré dans le cimetière d'Atuona.

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2022 - A Still Life Collection
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Augustus John (1878–1961) - Portrait of Morley Kennerley

Augustus  John (1878-1961)
Portrait of Morley Kennerley (1902–1985)
Oil on canvass,58x 56 cm
National Museum Wales, Cardiff.

Augustus Edwin John, est un peintre, dessinateur et graveur britannique, qui fit partie du Camden Town Group, fondé par Walter Sickert. Plusieurs œuvres d'Augustus John sont exposées à la National Portrait Gallery de Londres, parmi lesquelles un portrait de Lady Ottoline Morrell et deux portraits de Lawrence d'Arabie, l'un sur toile et l'autre au crayon.
Il a été élu membre de la Royal Academy (RA) le 5 décembre 19282 et a été fait membre de l'Ordre du Mérite britannique (OM) en 1942.

Morley Kennerley était le fils de Mitchell Kennerley et le responsable de la maison d 'édition britannique Faber and Faber.

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Leonid Pasternak (1862-1945) - Boris Pasternak au bord de la Baltique à Merekule

Leonid Pasternak (1862-1945)
Boris Pasternak au bord de la Baltique à Merekule, 1910
Galerie Tretiakov, Moscou

Leonid Ossipovitch Pasternak (Леонид Осипович Пастернак), né à Odessa dans un famille juive de 5 enfants est un peintre post-impressionniste russe. Son père est hôtelier. Tôt, le jeune garçon développe un goût prononcé pour le dessin, incompris au début de sa famille. De 1878 à 1881, il étudie dans une école de dessin d'Odessa puis entre à la faculté de médecine de l'université de Moscou. De 1883 à 1885, il étudie à la faculté de Droit de l'université de Nouvelle Russie à Odessa. Parallèlement, Pasternak se consacre au dessin et à l'étude de la peinture. Il fréquente en 1882 l'atelier d'Evgraf Sorokine et plus tard prend des cours d'eau-forte avec Ivan Chichkine. Puis, au milieu des années 1880, il part pour Munich, dans le royaume de Bavière, à l'académie des beaux-arts. Le collectionneur Pavel Tretiakov lui achète son tableau Lettre de la maison pour sa Galerie Tretiakov, et Pasternak décide alors de déménager à Moscou.  Il participe aux expositions des peintres ambulants et devient membre de l'union artistique Mir iskousstva (Le monde de l'art). Il enseigne ensuite à l'académie de peinture de Moscou. Après les années de chaos de la Révolution, Pasternak obtient la permission de se faire soigner en Allemagne. Il part avec sa femme et ses filles, en 1921, pour Munich et ne retournera jamais en Russie. En exil, il fait les portraits de Sergueï Eisenstein, de Rainer Maria Rilke.  Il se rend en Palestine en 1924.  Pendant la montée des périls, à l'époque du Troisième Reich, il émigre à Londres, avec sa famille, en 1938, où sa femme meurt l'année suivante. 

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Piero di Cosimo (1462-1522) - Portraits de Giuliano et Francesco Giamberti da Sangallo

 

Piero di Cosimo (1462-1522)
Portraits de Giuliano et Francesco Giamberti da Sangallo, 1482 et 1485
Huile sur toile 47.5cm × 33.5cm
Rijksmuseum

Ce diptyque exceptionnel représente  le grand architecte florentin Giuliano da Sangallo et son père récemment décédé Francesco, qui était à la fois architecte et musicien. ils font partie des premiers parmi premiers portraits qui définissent des modèles par leur profession : un stylet et un compas font allusion à l'architecture, la partition à la musique. Les deux disciplines reposent sur des notions d'harmonie et de proportion.

Piero di Cosimo né Pietro di Lorenzo di Chimenti, parfois appelé Piero di Lorenzo est un peintre italien de l'école florentine, quelquefois qualifié de « dernier des grands primitifs italiens ». Piero di Cosimo est un artiste insolite, raffiné et singulier, qui étonne encore aujourd'hui par son bouillonnement et la liberté étonnante de son imagination créative. Sa contribution au panorama artistique de l'époque en constitue une note dissonante et, précisément pour cette raison, lui confère un grand charme. Des références culturelles hétérogènes peuvent être trouvées dans sa peinture, allant de la clarté des primitifs flamands à la charge expressive de Léonard de Vinci, jusqu'à l'instabilité nerveuse de Filippino Lippi. Cet éclectisme fait de lui un étranger, toujours en équilibre entre des retours nostalgiques sur le passé et des impulsions soudaines de maniérisme. Vasari décrit sa personnalité singulière, la qualifiant d'« ingéniosité abstraite et dissemblable ». Dès le 16e siècle, Vasari campe un personnage ambigu : un salvatico, un sauvage qui fuit les hommes, qui vit à l'écart du bruit, soucieux d'économiser le feu, imaginant des batailles des villes et des paysages dans les dessins laissés par les crachats sur les murs. Pour lui, c'est un « primitif », celui qui ne sait pas s'adapter à la société moderne, l'homme qui mène une vie « plus proche de la bête que de l'humain ». Mais, toujours selon Vasari, c'est aussi l'un des « beaux génies » que la Toscane peut opposer à la Lombardie au début du siècle : maître parfait de la technique à l'huile, il est également spécialiste des chars de parade et de grands retables, œuvres éminemment sociales ; son image, celle de l'« homme sauvage » d'une société raffinée, que reprendront les surréalistes en 1938, est à nuancer fortement. ____________________________________________

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Pierre-Auguste Renoir (French, 1841-1919) - Albert Cahen d'Anvers

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
Albert Cahen d'Anvers 1881
Huile sur toile, 79.9 x 63.8 cm.
The J. Paul Getty Museum, Malibu CA

Albert Cahen fut un compositeur français, issu d’une famille de banquiers anversois, les Cahen d’Anvers. Il fut l’élève du compositeur César Franck. Il est notamment connu pour ses opérettes et ce sont ses “mélodies” qui lui permettent de passer à la postérité. Parmi ses oeuvres totalement oubléies aujourd'hui  : Jean le Précurseur, poème biblique (1874) ou encore La Belle au Bois Dormant (1886), Fleur des Neiges,(1891) ballet en 1 acte  ou encore La Femme de Claude, (1896). Habitant à Paris au 118, rue de Grenelle, dans le petit hôtel de Villars (aujourd'hui collège Paul Claudel-d'Hulst), il fit faire ce très beau  portrait par Auguste Renoir en 1881.

C'est en 1855 que le père de Renoir, un modeste tailleur de pierres de Limoges établi à Paris depuis 1845, met son fils Auguste âgé de 14 ans en apprentissage dans une fabrique de porcelaine, rue du Temple, où l'adolescent est initié à la peinture sur porcelaine. L'introduction d'une machine mettra fin à cette expérience et plusieurs autres suivront, dont la peinture de tentures d'Eglise pour des missionnaires d'outre-mer.
Huit ans plus tard, en avril 1862, le jeune Renoir disposait d'assez d'argent pour entrer à l'École des Beaux-Arts. Parallèlement aux cours de l'Ecole, il fréquente aussi l'Atelier privé de Charles Gleyre où il se liera d'amitié avec ses condisciples Alfred Sisley, Frédéric Bazille et Claude Monet.
Avec ses amis du Café Guerbois, en particulier Bazille et Monet, il poursuit sls recherches sur la lumière naturelle, il travaille souvent «sur le motif» dans la forêt de Fontainebleau.
Ses recherches artistiques vont alors couvrir un large éventail, étant moins sûr que d'autres peintres de la direction à prendre, tenu qu'il est par la double nécessité de vendre des tableaux pour vivre et de se tailler une place sur la scène parisienne. En plus de belles oeuvres de vues citadines et de paysages, comme les vues de Paris qu'il peint avec Monet au printemps 1867 ("Le Pont des Arts"), son propos artistique s'exprime aussi dans de nombreuses scènes de genre, des portraits en plein air, comme "Les Fiancés", qui séduisent le spectateur par leur luminosité et leur expressivité.
À partir de 1864, il expose ou tente d'exposer au Salon. Accepté en 1864, refusé malgré l'intervention de Camille Corot en 1866, il n'eut pas davantage de chance l'année suivante, avec une "Diane chasseresse" qui permet de discerner l'influence qu'exerçait Gustave Courbet sur la production de Renoir à cette époque.
Il peut montrer sa "Lise à l'ombrelle" (1867) au Salon de 1868, œuvre influencée par Courbet.
Si Renoir, avec "La Grenouillère" et quelques autres toiles datées de 1869 et 1870, affirme les composantes essentielles de la peinture impressionniste, en particulier la division des tons, sa recherche délibérée d'une clarté accrue par une couche légère de peinture qui apparaît dès 1872, va caractériser l'exécution de la plupart des œuvres traditionnellement rattachées à sa période impressionniste: "La loge" (1874), "Le chemin montant dans les herbes" (1875), "Le Moulin de la Galette" (1876), "La balançoire" (1876), "Portrait de Jeanne Samary" (1877), "Les canotiers à Chatou".et son Autoportrait où son oeil vif ne perd aucun détail.
Ce parti pris semble bien constituer l'élément capital sur lequel s'appuient alors ses recherches plastiques et, petit à petit, naît une œuvre que certains n'hésiteront pas à qualifier d'anti-impressionniste.
Sa caractéristique principale est l'emploi d'une pâte plus ou moins épaisse mais toujours résineuse, c'est-à-dire, contrairement à la pâte d'un Monet, fort peu diluée dans l'essence de térébenthine, donc peu dégraissée.
Pendant ces années "misère", Renoir aura peint de fabuleuses toiles impressionnistes, aujourd'hui des chefs d'œuvres connus dans le monde entier.

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Pierre Mignard (1612- 1695) - Philippe de France, duc d'Orléans, dit Monsieur

Pierre Mignard (1612- 1695)
Philippe de France, duc d'Orléans, dit Monsieur
Château de Versailles, France

On prête ce mot à Monsieur,  qui était donc le frère du roi de France Loius XIV. A u  de ses favoris qui lui  demandait :  " Dois- je vous  appeler  Monseigneur, Votre Altesse Royale,  Monsieur?  " Il aurait répondu :  "Appelez moi Madame et brisons là jeune insolent!  "

Pierre Mignard reste un des plus célèbres peintres classiques français et une des portraitistes les plus demandés du 17e siècle. Ami des beaux esprits de son temps (Molière, La Fontaine, Racine, Boileau...), il fit les portraits de Bossuet, de la princesse Palatine, de la duchesse de Châtillon, de la comtesse de Fiesque, de Julie d'Angennes, de Mlle de Montpensier, de Mlle de Valois, de la grande-duchesse de Toscane, de Mme de la Sablière, de la duchesse de Brissac, de la duchesse de Ventadour, de Mme de Montespan, de Mme de Maintenon, de Mlle de La Vallière, de Mme de Sévigné, de Mlle de Grignan, de Mlle de Fontanges et de Mme de Tencin. Il a par ailleurs peint dix fois Louis XIV  et une ou deux fois Monsier, son frère !

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Pascal Dagnan-Bouveret (1852-1929) - Chevaux à l'abreuvoir

 

Pascal Dagnan-Bouveret  (1852-1929)
Chevaux à l'abreuvoir, 1884,
Huile sur toile, 225 x 175 cm.
Musée d’Orsay, Paris

Fils d'un tailleur parisien, Pascal Dagnan-Bouveret est admis à l'École des beaux-arts de Paris dans l'atelier d'Alexandre Cabanel, puis dans celui de Jean-Léon Gérôme. Il se lie d'amitié à cette époque avec Jules Bast-Lepage et Gustave Courtois, avec qui il partage un atelier à Neuilly-sur-Seine.
Dans les années 1896-1897, il s'intéresse à des sujets religieux, et fréquente les cercles symbolistes. Il est proche de la comtesse Renée de Béarn qui lui achète La Cène, important tableau installé dans la "salle byzantine" de l'hôtel de Béarn. Il obtient de nombreux succès en particulier aux États-Unis où il reçoit des commandes de la famille Frick, là l'origine de la célèbre Frick collection Vers la fin de sa carrière il exécute surtout des portraits. Il reçoit le grand prix de l'Exposition universelle de 1900 pour l'ensemble de son œuvre. Il est élu membre de l'Académie des beaux-arts le 27 octobre 1900 et en deviendra président en 1914. La fin de sa vie est endeuillée par la perte de son fils Jean Dagnan, médecin et agrégé de philosophie, victime de la grippe espagnole.
Il laisse de nombreuses œuvres au musée Georges-Garret de Vesoul.
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Paul van Somer (1577-1621) - Sir Rowland Cotton (1581–1634)

 

 

Paul van Somer (1577-1621)
Sir Rowland Cotton (1581–1634), 1618
Private collection

Paul van Somer également connu sous le nom de Paulus van Somer, était un artiste flamand arrivé d'Anvers en Angleterre sous le règne du roi Jacques Ier d'Angleterre et qui devint l'un des principaux peintres de la cour royale. Il a peint un certain nombre de portraits de James et de son épouse, la reine Anne de Danemark, et de nobles tels que Ludovic Stuart, comte de Lennox, Elizabeth Stanley, comtesse de Huntingdon et Lady Anne Clifford. Il est parfois désigné comme «Paul van Somer I» pour le distinguer du graveur du même nom qui fut actif en Angleterre entre 1670 et 1694. Paul van Somer est à certains égards une figure insaisissable: on ne sait pas grand-chose de lui, et son art est rarement décrit.

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Oleg Gadalov (1935 - 2016) - Les Géologues

Oleg Gadalov (1935 - 2016)
Les Geologues, 1935
Huile sur toile
Musée d 'Etat Russe.

Oleg Sergeevich Gadalov appartenait à la famille Gadalov, l'une des familles de marchands les plus célèbres de la province de Yenisei en Sibérie. A l'âge de 14 ans, il entre à l'Ecole Centrale d'Art de l'Académie des arts d'URSS. Après avoir obtenu son diplôme de l'école d'art, en 1956, il entre à la faculté de peinture de l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture  Repin de l'Académie des Arts d'URSS. Il y  a étudie dans l'atelier de la'rtiste soviétique Yuri Neprintsev (1956-1963).  

La toile "Les Géologues" fut célèbre pour avoir  reçu "une excellente évaluation " de la part des Membre de l'Union des artistes de l'URSS dont Gadalov était lui-même membre. Elle devint un tableau phare de la Propagande soviétique  atteignant une niveau de notoriété dont on a peine a avoir idée, aidé en cela par une promotion  savamment orchestrée par le Parti Communiste. Entre 1973-1977, Gadalov a travaillé dans l'atelier  de la marine au Musée central de la marine de Leningrad. Aujourd'hui Saint Petersbourg.