Médaille d'or olympique à l'effigie d'Alexandre Le Grand

 

Médaille d'or olympique à l'effigie d'Alexandre Le Grand
Recto-verso, entre 215-243, 5.34 x 0.75 cm
The Walters Art Museum 

 

Cette médaille a été découverte en Égypteà Aboukir. Elle fait partie d'un trésor qui comprenait une vingtaine de médailles similaires aujourd'hui dispersés dans divers musées) dix-huit lingots d'or et six cents pièces d'or émises par les empereurs romains de Severus Alexander à Constantin Ier. L'un des médaillons, maintenant au musée Calouste Gulbenkian à Lisbonne, porte une inscription qui  peut être traduite comme ;  "Jeux olympiques de l'année 274", une date correspondant à 242-243 de notre calendrier actuel. 

Il est possible que ces médailles aient été conçues exactement comme c'est le cas de nos jours omme des prix à remettre lors de cet événement. Alternativement, ils peuvent avoir été émis par l'empereur Caracalla  qui est représenté sur certains d'entre eux. Caracalla aimait être comparé au grand roi et conquérant Alexandre de Macédoine. Comme Alexandre, cet empereur romain fit la guerre en Orient et mourut au cours de sa campagne contre les Parthes. 

Ce médaillon particulier montre Alexandre le Grand regardant vers le ciel et portant un bouclier orné de signes du zodiaque. Ce portrait le montre les cheveux tirés en arrière. Il porte une armure décorée avec une figure d'Athéna sur la bandoulière et, sur la poitrine, une scène de la Gigantomachie (Guerre des Géants). Le verso représente Alexandre et Niké, déesse de la victoire, montés sur un char, flanqués des divinités Roma et Mars.

Alexandre le Grand ( Ἀλέξανδρος ὁ Μέγας) ou Alexandre III  (356 av. J.-C. -  323 av. J.-C.) fut un roi de Macédoine et l'un des personnages les plus célèbres de l'Antiquité. Fils de Philippe II, élève d'Aristote et roi de Macédoine à partir de 336, il devient l'un des plus grands conquérants de l'Histoire en prenant possession de l'immense empire perse et en s'avançant jusqu'aux rives de l'Indus.

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Art arabe Arabie du Sud - Visage masculin Stèle en albâtre

Art arabe
Visage Masculin
Stèle en albâtre, 20.3 cm
Arabie du Sud, 1e millénaire av. J.C.

Existe-t-il un art « arabe » ?  c'est la question que se pose l'Institut du monde Arabe de Paris ! Au tournant du XIXe et du XXe siècle, alors que l’histoire de l’art commence à s’intéresser au monde arabe, la question passionne les savants européens. Un art a-t-il pu naître « du sol stérile de l’Arabie » (Henry Wallis), où vivaient de frustes populations bédouines, de « race » sémite ? Si le sujet fait autant débat, c’est sans doute que le terme « arabe » lui-même est polysémique. Pour certains, il ne s’applique qu’aux habitants « originels » de la péninsule Arabique, c’est-à-dire essentiellement des Bédouins nomades, peuples du désert, dont la principale tradition artistique est poétique. Pour d’autres, il englobe, de manière plus vaste, toutes les populations, à l’origine de productions riches et diversifiées, qui ont adopté l’arabe comme langue vernaculaire.

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Henriette Wyeth (1907-1997) - Portrait de Peter Hurd, 1936

 

Henriette Wyeth (1907-1997)
Portrait de Peter Hurd, 1936
Hurd La Rinconada Gallery, San Patricio

 
Henriette Wyeth(1907-1997) était une artiste américaine connue pour ses portraits et ses natures mortes . Fille aînée de l'illustrateur NC Wyeth, elle a étudié la peinture avec son père et son frère Andrew Wyeth dans leur maison et leur studio à Chadds Ford, en Pennsylvanie .
Après son mariage avec l'artiste Peter Hurd  (ci-dessus), ils ont déménagé à San Patricio, au Nouveau-Mexique, au milieu des années 1930 et y ont élevé leurs trois enfants dans un ranch. Ils ont tous deux été inspirés par le paysage. L'une de ses citations bien connues est : " Comme je ne sais pas ce qui est important et ce qui ne l'est pas, alors j'econsidère que tout est immensément important."

Une grande partie de son travail est conservée au Roswell Museum and Art Center , à Roswell et à la Hurd La Rinconada Gallery à San Patricio, tous deux au Nouveau-Mexique. Ses peintures se trouvent également dans les collections permanentes du Brandywine River Museum en Pennsylvanie, du Los Angeles Athletic Club  de la National Portrait Gallery,  du New Mexico Museum of Art à Santa Fe et du Texas Tech University Fine Art Museum.  Le travail de Wyeth a également été exposé dans des institutions aussi remarquables que le Metropolitan Museum of Art de New York, le Carnegie Institute de Pittsburgh, Art Institute of Chicago et Roswell Museum of Art du Nouveau-Mexique. 

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Achille Zo (1826-1901) - Vendeur de fruits à Séville

Achille Zo (1826-1901)
Vendeur de fruits à Séville, 1864.
Huile sur toile 116.3 x 89.6 cm
Colección BBVA, Espagne

Achille Zo, est considéré comme l'un des peintres hispano-orientalistes les plus remarquables de la seconde moitié du XIXe siècle. Ses voyages dans le sud de l'Espagne ont contribué à consolider sa carrière car, en plus de lui fournir un important répertoire iconographique, ils lui ont permis de façonner son style personnel. Au cours de son voyage à travers l'Andalousie en 1860, l'artiste visita Séville, Cordoue et Grenade et dessina des croquis d'après nature qu'il utilisera plus tard pour ses peintures. Son œuvre était essentiellement composée de scènes de genre traditionnelles, ce qui lui a valu un succès et un prestige considérables tout au long de sa carrière.
C'est le cas de vendeur de fruits à Séville, un superbe exemple de sa période de mi-carrière, définie par l'équilibre compositionnel et les prouesses techniques. Tout dans ce travail a été minutieusement exécuté : de l'agencement de la scène à l'emplacement de la signature. Il révèle un intérêt pour l'étude de la figure et de ses éléments environnants, définis par une palette colorée et une grande luminosité, très en phase avec la gamme de couleurs locale. L'artiste tire le meilleur parti de la simplicité de la scène, créant un ensemble harmonieux avec une touche romantique qui s'intensifie encore à l'image du marchand de fruits andalou. On peut retrouver l'influence de Dominique Ingres (1780-1867) dans la maîtrise du dessin de la figure et dans sa qualité technique. Exécuté avec un coup de pinceau affirmé, c'est un exemple évident de portrait réaliste qui capture non seulement la physionomie du personnage, mais aussi son charisme et sa psychologie individuelle.
Exposé pour la première fois au 1864 Salon de Paris, ce tableau est devenu populaire après que Théophile Gautier en ait fait l'éloge dans sa critique de l'exposition. L'écrivain français, également épris d'Espagne, considérait Zo comme l'un des peintres qui traduisait le mieux l'essence de l'Espagne. Dans son rapport sur le salon, le critique d'art Edmond About a également salué la qualité de ce travail et mentionné le numéro d'inventaire (1992), dont l'étiquette est conservée sur le devant du cadre. Après sa présentation à Paris, l'œuvre fut exposée à l'Exposição Internacional do Porto en 1865, où elle fut achetée par le roi Ferdinand II du Portugal (1816-1885) pour sa collection privée et exposée dans la salle de musique de Palácio das Necessidades à Lisbonne. Le roi était fasciné par ce type de composition, très en phase avec le pittoresque Post- romantisme

Henri-Achille Zo est d'abord l'élève de son père Achille Zo, qui dirigeait l'Ecole des beaux-arts de Bordeaux, puis est admis en 1894 dans les ateliers des peintres Léon Bonnat et Albert Maignan à l'École des beaux-arts de Paris. Avec son père, qui fut le co-initiateur de l'Ecole de Bayonne, il partage une thématique commune : des scènes d'Espagne et de tauromachies. Il obtient une médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1900 et l’État lui octroie une bourse de voyage en 1901. Il expose au Salon des artistes français à partir de 1897 et remporte le prix national en 1905. Il expose régulièrement des oeuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1896 à 1934. Il travaille à Paris aux peintures du théâtre national de l'Opéra-Comique, à celles de la chapelle Notre-Dame-de-Consolation construite en hommage aux victimes de l'incendie du Bazar de la Charité, et devient professeur à l'Académie Julian à Paris. En 1903, il reçoit le prix Rosa Bonheur, puis le prix Trémont décerné par l'Institut. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1910, sous le parrainage de son maître Léon Bonnat. Il a illustré le Ramuntcho de Pierre Loti et les Nouvelles Impressions d'Afrique de Raymond Roussel (1932). 

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Jean Decourt ( 1530-1584) - Portrait de Charles IX

Jean Decourt (1530-1584)
Portrait de Charles IX, 1572
Bibliothèque nationale de France (BnF), Paris 

 

Charles IX (1550 -1574) fut roi de France pendant 14 ans, de 1560 à 1574, règne tragique encadré par la régence éclairée de sa mère, Catherine de Medicis.  Quatrième roi de la famille des Valois-Angoulême, fils d'Henri II, il succède à son frère François II à l'âge de 10 ans et meurt sans enfant mâle légitime à même pas 24 ans !
Sous son règne, le Royaume de France est déchiré par les guerres de religions, malgré un grand nombre d' efforts déployés par sa mère Catherine pour les empêcher. Après plusieurs tentatives de réconciliation, son règne déboucha sur le massacre de la Saint-Barthélemy, de sinistre mémoire.

 

 

La première mention dans les archives de Jean Decourt, appelé aussi Jehan De Court, remonte à 1553, dans un contrat d'apprentissage. Il est signalé comme « painctre de Monseigneur le prince de la Rochesurion suyvant la court »
 En 1562, il est mentionné comme peintre ordinaire de la reine Marie Stuart. Il est en effet probable qu'il ait effectué un voyage en Angleterre vers 1565 et se retrouve désigné comme valet de chambre de la reine, en 1566 et 1567. On conserve deux lettres de Jean Decourt adressées à William Cecil, grand trésorier d'Angleterre, datant de 1570 et 1571 dans lesquels il se présente comme peintre de Charles IX. Il a effectivement remplacé François Clouet à cette fonction quelque temps auparavant. En 1574, il prend officiellement la fonction de portraitiste officiel de la cour, toujours en remplacement de Clouet. Il apparaît ainsi dans les comptes royaux en 1578, 1580 et 1584 et disparaît probablement l'année suivante. Plusieurs œuvres de sa main sont mentionnées dans les textes : une miniature représentant Charles IX (1569), une effigie de Catherine de Médicis (1565), une image de Henri de France posée sur le lit de mort de Charles IX notamment, mais sans avoir été conservées. Aucune œuvre actuelle n'est attribuée avec certitude au peintre2. Il n'est sans doute pas apparenté à Jean Court dit Vigier, émailleur à Limoges.
Le fils de Jean Decourt, Charles (1555-1614), également peintre et portraitiste, l’a remplacé en tant que peintre ordinaire du roi en 1574 

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Ilya Repin (1844-1930) - Portrait de Korney Ivanovich Chukovsky

Ilya Repin (1844-1930)
Portrait de Korney Ivanovich Chukovsky, 1910.
Collection privée

Dès le début de son activité créatrice, dans les années 1870, Ilya Repin devient une des figures clés du réalisme russe. Il réussit à refléter dans sa production picturale la diversité de la vie qui l'entoure, à embrasser dans son œuvre toutes les dimensions de son époque, à aborder les thèmes qui traversent la société et à réagir vivement à l'actualité . Son langage pictural a une plasticité qui lui est personnelle, et il s'approprie différents styles, depuis celui des peintres espagnols et hollandais du 17e siècle jusqu'à ceux d'Alexandre Ivanov ainsi que des éléments des impressionnistes français qui lui sont contemporains, mais qu'il n'a jamais vénérés.
L'œuvre de Répine s'épanouit dans les années 1880. Il compose alors une galerie de portraits de ses contemporains, travaille comme peintre d'histoire et de scènes de genre.
Selon Vladimir Stassov, l'œuvre de Répine est ainsi une « encyclopédie de la Russie d'après l'abolition du servage ». Il passe les 30 dernières années de sa vie en Finlande, dans sa propriété des Pénates à Kuokkala. Il continue à y travailler, bien que moins intensément qu'avant. Il écrit des mémoires, dont une partie est publiée dans le livre de souvenir «Далёкое близкое» (Loin et proche). 

 

Korneï Ivanovitch Tchoukovski (Корне́й Ива́нович Чуко́вский),  (1882-1969) est un journaliste, poète, critique littéraire, traducteur et professeur de littérature russe, plutôt célèbre comme auteur de poèmes pour enfants, et père du fameux Docteur Aïbolit. Il a reçu le prix Lénine en 1962 pour ses études critiques sur Nikolaï Nekrassov.

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Candido Portinari (1902-1963) - Portrait de Celso Kelly à Rio de Janeiro

Candido Portinari (1902-1963),
Portrait de Celso Kelly à Rio de Janeiro,
Huile sur toile, 120 x 120cm
Collection privée 

Le peintre brésilien Candido Portinari,  qui a réalisé plus de 6000 œuvres, est surtout célèbre pour ses immenses fresques Guerre et paix (1952-1956), conservées au siège des Nations-Unies à New York, inaugurées en 1957 mais en l'absence de l'artiste en raison de ses sympathies pour le Parti communiste, à une époque où les Etats-Unis étaient  marqués par le maccarthysme.

Celso Otavio do Prado Kelly  quant a lui est né à Niterói, Rio de Janeiro, le 6 juin 1906. Avocat diplômé de l'Université Fédérale de Rio de Janeiro (UFRJ) il fut un brillant intellectuel de son temps. C'est à lui que l'on dit la premiere exposition des oeuvre de Portinari en 1929 de même que la  biographie de ce peintre qui fit son ami. Kelly été critique de théâtre pour le journal de Rio de Janeiro "A Noite" pendant plusieurs décennies. Éducateur et homme de grande culture, il fut président du Pen Clube do Brasil entre 1956 et 1961, apportant au pays le XXXIe Congrès mondial du Pen Clube en 1960, qui se tint à Rio de Janeiro. Il est décédé à Rio de Janeiro en 1979 et a été honoré du nom de la Bibliothèque publique d'État située près de la gare centrale du Brésil.

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Yiannis Moralis (1916 -2009) - Autoportrait avec Nikos Nikolaou

Yiannis Moralis (1916 -2009)
Autoportrait avec Nikos Nikolaou,1937
Collection privée

Yiannis Moralis est né à Arta en 1916, sa famille s'installe à Athènes en 1927. En 1931, il s'inscrit à l'École des beaux-arts d'Athènes, où il étudie la peinture sous Constantinos Parthenis et Umbertos Argyros. Après avoir obtenu son diplôme en 1936, il reçut une bourse pour étudier à Rome pendant un an. Il s'installe ensuite à Paris et suit des cours de peinture et de fresque à l'École des Beaux Arts ainsi que des cours de mosaïque à l'École des Arts et Métiers. En 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale, Moralis revient en Grèce et rejoint les forces armées.
Il participe pour la première fois à une exposition en 1940. De nombreuses autres expositions suivent tant au niveau national qu'international.
A partir de 1947, Yiannis Moralis enseigne à l'École des beaux-arts d'Athènes jusqu'à sa retraite en 1983. En 1949, il forme « Armos », un groupe avec d'autres artistes dont : Nikos Hadjikyriakos-Ghikas, Yannis Tsarouchis, Nikos Nikolaou, Nikos Engonopoulos et Panayiotis Tetsis. ‘Armos’ a tenu sa première exposition en 1950 à Zappeion, Athènes.
À partir des années 1950, il évolue vers un style géométrique incorporant des formes courbes, s'éloignant des représentations figuratives réalistes de ses premiers travaux.
Au cours de sa carrière, Moralis a également participé à des décors de théâtre et à la conception de costumes pour le Théâtre national grec et le Ballet national grec. Il a également décoré des architectures telles que la façade du Hilton d'Athènes, la station de métro "Panepistimiou" et la gare centrale d'Athènes.
Il avait été nommé Commandeur de l'Ordre royal du Phénix en 1965 et de l'Ordre d'honneur en 1999.
Son travail est conservé à la National Gallery, Grèce, à la Municipal Gallery, Athènes, à la Municipal Gallery, Rhodes, à la Leventis Gallery, à la Averoff Gallery, au Vorres Museum, au Benaki Museum et dans de nombreuses autres collections publiques et privées.

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Anton Romako (1832-89) - Autoportrait

Anton Romako (1832-89)
Autoportrait, 1860
Musée du Belvédère, Vienne

Anton Romako est un peintre autrichien. Bien qu'il ait peint un grand nombre de paysages, il est principalement connu pour ses portraits et ses scènes historiques, peintes dans un style académique qui peut confinier à la mièvrerie ...par instant !  Ce merveilleux autoportrait au regard perdu dans le vague, fait exception à ses productions habituelles. Plusieurs de ses peintures sont aujourd'hui exposées au musée du Belvédère, à Vienne.
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Edmund Archer (1904-1986) - Howard Patterson of the Harlem Yankees

Edmund Archer (1904-1986)
Howard Patterson of the Harlem Yankees. 1940
Huile sur toile, 86, 7 x 74,1 cm
Whitney Museum of American Art

Edmund Archer fut un artiste américain surtout connu pour ses portraits d'Afro-Américains.Née dans uen famille de notables de Virginie, il suivra  continuellement des cours d'ar, t de l'enfance à l'âge adulte. Sa longue carrière comprenait des périodes passées à Richmond, Paris, New York et Washington, DC En plus de la peinture, il a été conservateur adjoint au Whitney Museum of American Art et instructeur à la Corcoran School of Art . Son style de portrait tendait vers une planéité semblable à celle des affiches qu'il fit  au début de sa carrière et plus tard vers un style modélisé plus traditionnel. Il a peint avec un haut degré de réalisme et a rarement expérimenté un quelconque degré d'abstraction. Les galeries et les musées lui offrirent de fréquentes expositions et les collectionneurs individuels et institutionnels lui procurèrent de confortables  revenus. En 1938, un critique a dit  de lui qu'il était considéré comme « l'un des meilleurs des jeunes artistes aux États-Unis ». Quelques mois plus tard, un autre critique a attribué son succès à un travail acharné : "Edmund Minor Archer a su  porfiter de quelques avantages, mais son succès est l'histoire d'un artiste sérieux et profondément talentueux qui a travaillé et étudié dans l'humilité et la dévotion, et a atteint tôt le sommet'.
En 1941, Archer fut photographié en train d'utiliser une technique inhabituelle dans laquelle il plaçait son chevalet à côté de son modèle et peignait à l'aide d'un pinceau attaché à une longue perche.
Certains de ses derniers portraits étaient exceptionnellement grands tout en affichant le style sculptural pour lequel il était devenu connu, approximativement grandeur nature, avec une individualité convaincante et une solide connaissance de l'anatomie dans ses peintures de personnages. 

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Jacob-Ferdinand Voët (1639-1700) - Autoportrait en buste

Jacob Ferdinand Voet (1639-1700)
Autoportrait en buste
Huile sur toile,73x58cm \ avec cadre 91x77cm
Collection,privée, courtesy Sotheby's New York 01.2022

Jacob Ferdinand Voet a peint cet autoportrait presque monochrome en juillet 1681 à Milan. Il est très étroitement lié à deux autres autoportraits, dont l'un date d'environ 1673 et se trouve aujourd'hui à la Galleria degli Uffizi, Florence, et l'autre, qui est également inscrit et datable de 1682/6, se trouve à la Pinacothèque Brera, Milan. Celui-ci se situe entre les deux et présente Voet comme un artiste magistral ainsi qu'un homme de statut et de richesse. Voet fut célébré à Rome dans les années 1670 comme portraitiste de la noblesse, bien qu'il ait été contraint de partir lorsque le pape Innocent XI eût désapprouvé ses portraits de femmes un peut trop suggestifs. Il arrive à Milan en 1680 et en 1681, année de cet autoportrait, il est également enregistré au service des Médicis à Florence. L'accent mis sur le modèle sur un fond uni et l'accent mis sur les yeux sont les caractéristiques de ses portraits de modèles de l'élite, et ici il se présente comme tout aussi important. 

 

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Portrait d'un Jeune Homme

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Portrait d'un Jeune Homme, 1966
Collection privée

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une vertiable icône de "l'art gay"

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Pieter Christoffel Wonder (1780-1852) - Portrait de Laurens van Schaik

Pieter Christoffel Wonder (1780-1852)
Portrait de Laurens van Schaik
Kroller-Muller Museum, Otterlo

Wonder fut en grande partie autodidacte. Il apprit son art principalement grâce à la copie des Maîtres anciens  bien qu'entre 1802 et 1804, il ait suivi quelques cours à la Kunstakademie Düsseldorf.  En 1807, il fonde la " Genootschap Kunstliefde " (Société de l'Amour de l 'Art) à Utrecht avec d'autres artistes. Jan Kobell en est le directeur. De 1823 à 1831, il travailla en Angleterre, où il se fit connaître comme portraitiste. Il  peignit aussi quelques scènes d'intérieur et des copies d'œuvres de Raphaël.

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Andrew Wyeth (1917-2009) - Nogeeshik

Andrew Wyeth (1917-2009)
Nogeeshik, 1972
Tempera, 62.5 × 54.3 cm
Seatle Art museum 

 

 

On  sait  très peu de choses sur Nogeeshik né en 1941, si ce n'est qu'il était Alconquin, membre de la tribu Ojibwa. Dans les années 60-70, il  fit profession d'être un artiste Ojibwe à Walpole Island, au Canada, tout en clamant haut et fort avait son désir d'un meilleur sort pour les peuples autochtones. Désir qui le mena à Boston où ils devient une figure politique des communautés autochtones et rencontra Andrew Wyeth. qui peignit de lui ce magnifique portrait.  De nombreux portraits de lui ont été réalisés à cette époque là.  Beaucoup voyait en lui une sorte de Martin Luther King de la cause des peuples autochtones. La fin de sa vie fut tragique, pris dans un incendie (probablement d'origine criminelle, comme il y en avait beaucoup à cette époque) dont il ne put s'extirper.

Le peintre aquarelliste américain Andrew Newell Wyeth, classé parmi les peintres « régionalistes » et réalistes américains est issu d'une dynastie d'artistes dont son propre père Newell Convers Wyeth (1882-1945), illustrateur connu qui fréquenta des célébrités de son temps comme Francis Scott Fitzgerald et Mary Pickford. Décidant de ne pas confronter son fils aux systèmes de l'éducation nationale ou privée, c'est lui même qui se charge de son éducation à la maison, l’initie à l’art, et tout particulièrement à l'art du paysage rural américain. À cette époque, il admire et est sensible à l'œuvre du peintre Winslow Homer. Plus tard, il apprend à maîtriser les techniques associées à l’aquarelle à base d'œuf, la tempera. Andrew Wyeth commence à peindre dans des nuances de bruns et de gris seulement. Il s’inspire de son entourage pour réaliser ses tableaux. Ses sujets préférés sont la terre et les habitants de sa ville natale, ainsi que ses proches. Sa grande maîtrise picturale lui permet de montrer sa réflexion mélancolique sur le temps qui passe et la faillibilité humaine.
Son fils Jamie, né en1946, est également un peintre et portraitiste reconnu. ____________________________________________
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Paul Cadmus (1904-1999) - Reclining Male Nude

Paul Cadmus (1904-1999)
Reclining Male Nude
Crayon sur papier teinté

Private collection  

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publi, depuis 2016, l'intégralité des dessins connus De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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Alexander Deïneka (1899-1969) - Les conquérants de l'Espace

Alexander Deïneka (1899-1969)
Les conquérants de l'Espace, 1961
Collection privée 

 Alexandre Alexandrovitch Deïneka (Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка) est un peintre, graphiste et sculpteur soviétique. Membre fondateur des groupes Ost (Être) et Octobre, il réalisa la première grande œuvre historique révolutionnaire en 1928 : La Défense de Petrograd.
Vers 1931, il devient membre de l'Association des artistes prolétariens (AKhRR).
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il réalise des peintures monumentales et dramatiques, dont Banlieue de Moscou. Novembre 1941 constitue la première œuvre. Il parvient à transmettre une grande souffrance à travers son travail (Le Village brûlé, 1942), autant que l'enthousiasme héroïque (La Défense de Sébastopol, 1942).
Après la guerre, il continue de peindre et reprend son travail de mosaïque, notamment pour le palais des congrès du Kremlin.
Pour Les Joueurs de hockey (1960), il est récompensé du prix Lénine en 1964.
Certaines de ses oeuvres, notamment ses représentations de sportifs ou de soldats, comme dans Après la Bataille , sont d'une étonnante liberté et légèreté malgré le contexte répressif de l'URSS.

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Agustín Esteve Marqués (1753-1830) - Etude de nus masculins

Agustín Esteve Marqués (1753-1830)
Etude de nus masculins, 1795
Complutense, Madrid

 
Ce dessin qui rappelle beaicup celui des  Baigneurs, 1920  de Picasso, a été fait par Agustín Esteve y Marqués, peintre espagnol, principalement actif à la cour royale de Madrid. Agustín Esteve était un portraitiste de la couronne espagnole, il a été influencé par Francisco Goya et de nombreuses copies des portraits du grand maître. Le portrait de la marquise de San Andrés de Parme est l'un de ses chefs d'œuvre. Esteve est né et a grandi à Valence avant  d'étudier à l'Académie des beaux arts de San Carlos.  Comme Goya, Esteve s'est établi lorsque le néoclassicisme de Raphaël Mengs était encore dominant à Madrid. Cependant, à la fin du xviiie siècle, Esteve a aussi été influencé par Goya. Le 14 juin 1800, le roi a nommé Esteve ,peintre de la cour. Il recevait un salaire de 6 000 réals, à comparer aux 15 000 que les peintres recevaient à l'époque et aux 65 000 perçus par Francisco Goya.

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Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) - Portrait d'un jeune artiste

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806)
Portrait d'un jeune homme, censé être Jacques-André Naigeon
Huile sur toile, 81, 5 x 65 cm
Musée du Louvre, Paris

Jacques-André Naigeon (1735-1810)  est un homme de lettres, traducteur et philosophe français presque totalement inconnu de nos jours et qui traversa la période troublée de la Révolution française avec un certain brio pour ne pas dire avec talent ! Avant d’écrire et de publier des livres pour son propre compte, Naigeon en publia pour le compte d’autrui. Familier de la maison d’Holbach et de l’officine philosophique qui s’y tenait, il a pour emploi de revoir les manuscrits du baron, d’en augmenter la dose d’athéisme, quand il ne la trouve pas suffisante, puis de les faire recopier et imprimer. Prudent, le baron d’Holbach ne voulait pas que son écriture soit livrée à  éditeur ; et ses manuscrits, quoique fort lisibles, étaient tous recopiés avant de passer à l’imprimerie. C’est ainsi qu'a été préparée et disposées pour la publication la plus grande part des productions philosophiques du baron d’Holbach, et en particulier son Système de la nature, qui parut sous le pseudonyme de feu Mirabaud.
 lus tard, ce sont ses propres œuvres que publie Naigeon. Agréé, comme disciple de d’Holbach et de Diderot, dans le groupe des philosophes et des encyclopédistes, il prend une part active, à côté de ses maîtres, à cette guerre sans relâche, dirigée non seulement contre les dogmes, les mystères et les rites de la religion révélée, mais encore contre les principes essentiels de la religion naturelle, tels que l’existence de Dieu, la Providence, les peines et les récompenses à venir, l’immatérialité et l’immortalité de l’âme, le libre arbitre. Chargé de la partie philosophique de l’Encyclopédie méthodique, Naigeon y prêche le fatalisme, le matérialisme, l’athéisme, notamment dans les articles consacrés à Collins, à Campanella, à Vanini et au curé Meslier. Il trouve pourtant mauvais, à une époque où il voulait devenir membre du Corps législatif, en 1804, que Sylvain Maréchal et Lalande lui aient donné place dans leur Dictionnaire des Athées. À défaut du Corps législatif, Naigeon devient membre de l’Institut de France en 1795, section de morale de la classe des sciences morales et politiques où il fut entièrement passif.

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Anthony Van Dyck (1599-1641) - Portrait des princes palatins

Anthony Van Dyck (1599-1641)
Portrait des princes palatins, 1637
Musée du Louvre, Paris

Anthony van Dyck est un peintre et graveur baroque flamand, surtout portraitiste, qui a été le principal peintre de cour en Angleterre, après avoir connu un grand succès en Italie et en Flandre. Il est notamment réputé pour les portraits qu'il réalisa du roi Charles Ier d'Angleterre, de sa famille et de la cour, peints avec une élégance décontractée qui influencera notablement les portraitistes anglais pendant près d'un siècle et demi. Il peignait également des sujets religieux et mythologiques, et était aussi un maître de la gravure à l'eau-forte.

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Anthonis Mor (1520-1575) - Alessandro Farnese en armure, 1561

Anthonis Mor (1520-1575)
Alessandro Farnese en armure, 1561
Collection privée

Antonio Moro, ou Anthonis Mor (est un peintre flamand. On le connait sous divers noms : son prénom est tantôt Anthonis, Antoon, Antonis, Anthony, Anthonius ou Antonio, son nom est tantôt Mor, More ou Moro, et il est également identifié par son titre acquis au cours de sa vie : Van Dashorst. Portraitiste très apprécié, il fait une carrière internationale, qui le mène а Bruxelles, Madrid, Lisbonne, Londres, Utrecht et Anvers.

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Albin Egger-Lienz (1868–1926) - Finale, 1918

Albin Egger-Lienz (1868–1926)
Finale, 1918
Sammlung Leopold, Vienna

Fils illégitime d'une jeune paysanne et de Georg Egger, peintre d'église et photographe, Albin Egger-Lienz est initié à la peinture par son père. Il poursuit ensuite ses études à l'Académie des beaux-arts de Munich entre 1884 et 1893. Son style subit alors principalement l'influence de Franz Defregger et de Jean-François Millet. En 1899, il s'installe à Vienne où il participe à la formation du mouvement Hagenbund. Dans les années qui suivent, il est particulièrement impressionné par l'œuvre de Ferdinand Hodler et son style évolue vers l'expressionnisme monumental. En 1911 et 1912, il enseigne à l'École des beaux-arts de Weimar. Mobilisé en 1914, il devient peintre de guerre jusqu'en 1917. À la fin de la Première Guerre mondiale, il s'installe définitivement dans la province de Bolzano.

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Adriaen Brouwer (1605?-1638) - La potion amère

Adriaen Brouwer (1605?-1638)
La potion amère,
Städel Museum, Frankfurt

Reprenant des sujets chers à Pieter Brueghel l'Ancien (vie paysanne), qu'il traite dans le style influencé par Frans Hals, et Pierre-Paul Rubens par l’intensité lumineuse et la transparence de ses couleurs, Brouwer excella dans les scènes de genre. Il peignit exclusivement des scènes de la vie paysanne et de tavernes – danses paysannes, joueurs de cartes, fumeurs, buveurs et bagarres –, caractérisés par une grande vivacité des caractères et par un sens de l’observation remarquable. Il exerça une influence significative non seulement sur Josse van Craesbeeck, que Brouwer aurait connu en prison et formé, mais également sur David Rijckaert, David Teniers le Jeune et les Hollandais Adriaen Van Ostade, Cornelis et Herman Saftleven. Rubens estimait hautement ses peintures au point d’en acheter un certain nombre pour sa collection d’œuvres d’art. Plusieurs dizaines de tableaux ainsi que plusieurs dessins sont à l'heure actuelle attribués à Adriaen Brouwer. Ces attributions sont la plupart du temps incertaines, étant donné que l'artiste ne signait et ne datait qu'extrêmement rarement ses œuvres – elles portent éventuellement ses initiales : un monogramme (qui ne constitue pas pour autant une garantie d'authenticité) –, et que bon nombre d'artistes de cette époque ou des suivantes ont donné dans le même genre. Ces attributions font parfois l'objet de révision.

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Albrecht Dürer (1471-1528) - Bildnis eines Geistlichen

Albrecht Dürer (1471-1528)
Bildnis eines Geistlichen (Un homme d'église)
National Gallery of Art, Wahsington DC

 Ce tableau fut considéré à Nuremberg (au 18 e siècle, comme etant le portrait de  Johann Dorsch, un frère augustin qui s'était converti assez tôt au porstestantisme. Cette identification fut cependant contestée par divers critiques, puisque Dorsch devint curé de la paroisse Saint-Jean de Nuremberg en 1528. D'autres ont émis l'hypothèse qu'il s'agissait d'un portrait de Huldrych Zwingli, le grand réformateur suisse ; mais seuls existent de lui des portraits de profil, qui ne permettent pas  à une comparaison raisonnable ou à une attribution fiable. La plupart des critiques opteraient pour la première identification, aussi parce que, selon des études plus récentes, la rencontre entre Zwingli et Dürer n'aurait pas pu avoir lieu avant 1519, à l'occasion d'une mission à Zurich à laquelle il participa avec son ami Pirckheimer et Martin Tucher.
Comme dans le portrait de Wolgemut (Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg), Dürer réussit à exprimer efficacement la personnalité vigoureuse du sujet, modelant la tête avec une légère rotation vers la gauche, vers la lumière, et l'encadrant d'un sévère vêtement noir sur fond vert. Les coups de pinceau fins, notamment pour les cheveux et les cils, sont très bien conservés

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James Hart Dyke (b.1966) - Soldier, Camp Bastion, Afghanistan, 2007

James Hart Dyke (b.1966)
Soldier, Camp Bastion, Afghanistan, 2007
Oil on canvas 45 x 45 cm
Courtesy John Mitchell Fine Arts, London

James Hart Dyke’s work is centred on landscape painting, from the domesticity of paintings of country houses to paintings generated from physically demanding expeditions over remote mountains. James has also undertaken a series of projects including accompanying HRH The Prince of Wales as the official artist on royal tours, working as ‘artist in residence’ for The British Secret Intelligence Service, working as an artist embedded with the British Forces in war zones, working for the producers of the James Bond films and working as ‘artist in residence’ for Aston Martin. These projects required him to respond in many different ways and have allowed him to experiment with more graphic forms of painting influenced by his studies as an architect at the Royal College of Art. His portraits have been shown at the National Portrait Gallery and at the Royal Society of Portrait Painters exhibitions.
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Gustave Caillebotte (1848-1894) - Portrait d'un collegien

Gustave Caillebotte (1848-1894)
Portrait d'un collégien, 1879.
Collection privée

Le peintre français Gustave Caillebotte réalisa tout au long de sa vie plusieurs autoportrait de lui dont certains dans des cadrages très nouveaux et photographiques pour l'époque. Celui ci est plus traditionnelle si ce n'est que le parasol, véritable deuxième personnage de la toile occupe un bon quart de l'espace total. Peut-être même occupe-t-il la première place avec cette magnifique lumière rose et jaune que le tissu laisse filtrer en touches mi impressionniste mi pointilliste. Le chien, lui, fait la sieste à l'ombre du parasol.

En dehors des tableaux qu'il a peint et a laissé dans de nombreux musées et collections américaines, Gustave Caillebotte fut aussi mécène, collectionneur et organisateur des expositions impressionnistes de 1877, 1879, 1880 et 1882. Le talent de Caillebotte fut longtemps méconnu (sauf aux États-Unis) au profit de son rôle de « mécène éclairé ». Le peintre fut redécouvert dans les années 1970 à l'initiative de collectionneurs américains. Les rétrospectives de ses œuvres sont désormais fréquentes. Certains de ses tableaux se trouvent au musée d'Orsay à Paris.
Caillebotte est l'un des premiers grands peintres français à exposer régulièrement aux États-Unis, où il rencontra un vif succès, et où se trouvent aujourd'hui nombre de ses toiles. Il est l'un des fondateurs du courant « réaliste », qu'illustrera par exemple au 20e siècle l'américain Edward Hopper.
Fortuné, il n'a pas besoin de vendre ses toiles pour vivre, si bien que ses descendants possèdent encore près de 70 % de ses œuvres. À sa mort, Martial et Auguste Renoir son exécuteur testamentaire, prennent les dispositions pour que l’État accepte le legs de ses tableaux impressionnistes.
Les historiens d'art qualifient volontiers cet artiste « d’original et audacieux ». Sa technique ne l'est pas moins assez proche de l'art photographique, mais, par de puissants effets de perspectives tronquées, les distances et les premiers plans sont écrasés et l'horizon absent, d'où la perception instable et plongeante (Caillebotte invente la vue en plongée dans la peinture). Les effets de vue plongeante s'imposent dans son art à travers les personnages au balcon et ses vues en surplomb des rues et des boulevards.


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Constant Troyon (1810 - 1865) - Cavalier en Camargue

Constant Troyon (1810 - 1865)
Cavalier en Camargue
Huile sur panneau parqueté, 23 x 29.3 cm
Collection Privée ( via Christie's)

 
Constant Troyon est le fils de Jean-Marie-Dominique Troyon (1780-1817), peintre d'ornement et doreur à la Manufacture de Sèvres, et de son épouse Jeanne Pracht, ouvrière plumassière. Après avoir étudié les bases de son art avec Denis Désiré Riocreux (1791-1872), peintre, conservateur du musée de Sèvres, et Camille Roqueplan, il rencontre en 1830 le peintre Paul Huet avec qui il travaille. Dès ses débuts, il s'intéresse à la peinture de paysage et multiplie les études dans les bois de Meudon, de Compiègne ou de Saint-Cloud. Il présente ses premières oeuvres, encore imprégnées de l'enseignement néo-classique, au Salon de 1833. Sa rencontre avec le peintre Jules Dupré est décisive. Ce dernier l'encourage à travailler en plein air et lui apprend à voir et à apprécier les sites chaotiques de la forêt de Fontainebleau ainsi que l'esthétique des Théodore Rousseau, Camille Corot ou Narcisse Diaz de la Peña.
Tout en restant fidèle à ses amis, il s'oriente cependant de plus en plus vers la peinture animalière grâce à laquelle il rencontre un vif succès. Il aime peindre les chiens et met en œuvre dans ses tableaux de chasse un talent de coloriste exceptionnel.
En 1846-1847, il découvre les peintres paysagistes du siècle d'or néerlandais comme Paulus Potter ou Aelbert Cuyp. Troyon fait alors des animaux domestiques le sujet principal de ses tableaux. Il est d'un talent réaliste convaincu. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur après le Salon de 1849 et commence enfin à recevoir des commandes. Comme ses amis de l'école de Barbizon, il ne connaît la consécration qu'au Salon de 1855. Théophile Gautier vanta son style large et ample. En 1863, il entreprend un voyage à travers le Berry, le Limousin (École de Crozant) et la Bretagne avec les peintres Jules Dupré et Louis Cabat.  Eugène Boudin, a travaillé dans son atelier. Atteint par la folie, il peint, durant ses derniers mois, des vaches dans des arbres,  dont aucun tableau ne semble avoir été conservé. Il est inhumé à Paris au cimetière de Montmartre.

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Vintage photo of men - Un charbonnier de la Compagnie Transatlantique

 

 

Photo anonyme
Un charbonnier de la Compagnie Transatlantique de Fort de France, Martinique, 1900

Leonard de Vinci (1452-1519) Le prisonnier

 

 

 

Leonard de Vinci  (1452-1519)  

Le prisonnier  

Collection privée

 

Léonard de Vinci n'a pas été un peintre prolifique (seule une quinzaine de peintures de Leonard de Vinci sont parvenues jusqu'à nous) mais il l'a été comme dessinateur, remplissant ses journaux de petits croquis et de dessins détaillés afin de garder une trace de tout ce qui avait attiré son attention.
Son premier dessin daté est un paysage, Paysage de la vallée de l'Arno (1473), qui montre la rivière, les montagnes, le château Montelupo et les exploitations agricoles au-delà de celui-ci dans le plus grand détail.
Il existe de nombreuses études de beaux jeunes hommes, souvent associées à Salai, avec le visage rare, très admiré et caractéristique que l'on appelle le « profil grec » . Ces visages sont souvent en contraste avec ceux d'un guerrier. Salai est souvent dépeint dans des costumes et des déguisements. Léonard est connu pour avoir conçu des décors pour des processions traditionnelles. D'autres dessins, souvent minutieux, montrent des études de draperies. Le Musée Léon-Bonnat de Bayonne conserve un dessin de Léonard de Vinci représentant Bernardo di Bandino Baronchelli (l'un des assassins de Julien de Médicis lors de la conjuration des Pazzi), après sa pendaison à l’une des fenêtres du Palazzo del Capitano di Giustizia à Florence...

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Karl Olof Lindeqvist (1858 -1927) - Portrait d'Akseli Gallen-Kallela en 1906

Karl Olof Lindeqvist (1858 -1927)
Portrait d'Akseli Gallen-Kallela en 1906
Collection privée

Karl Olof (Kaarle Olavi) Lindeqvist (1858 -1927 ) était un docteur finlandais en philosophie, historien et chargé de cours qui fut un mai du peintre finlandais Akseli Gallen-Kallela, qu'il photographia sur ses skis en train d'arpenter la campagne finlandaise portant son matériel de dessin et de peinture en bandoulière.

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Raymond Rochette (1906-1993) - Le Grand Brasero

Raymond Rochette (1906-1993)
Le Grand Brasero
Huile sur bois, 1956.
130 x 110 cm.
Eco Musée Creusot Monceau, Collection Rochette. 

 

Le peintre français Raymond Rochette a commencé à peindre des tableaux représentant les paysages de son Morvan natal  des scènes de la vie rurale et de nombreux portraits.

Dès son enfance, il est fasciné par l’univers de la métallurgie lourde. Du Maroc, où il réalise son service national, il rapportera des paysages lumineux, mais dès cette époque il écrit à ses parents

 « Je crois qu’il serait intéressant de peindre les hommes au travail, suant, rouges avec les énormes machines, la poussière et la vapeur ».

En 1949, (13 ans après sa première demande), il obtient l’autorisation d’entrer dans l’usine du Creusot et d’y peindre. Rapidement accepté par les ouvriers, il les représente de plus en plus souvent, minuscules à côté des machines qu’ils dominent.  À partir des années 1980, l’homme apparaît au premier plan et de nombreux tableaux représentent soudeurs, meuleurs, chauffeurs, lamineurs... Le feu des coulées et du métal rougeoyant a toujours capté l’attention de Raymond Rochette.

 
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Paolo Veronese (1528-1588) - Portrait d' Alessandro Vittoria

Paolo Veronese (1528-1588)
Portrait d' Alessandro Vittoria,
Huile sur toile, 110, 5 x 81, 9cm
The MET, New York 

Paolo Caliari, dit Il Veronese, en référence à sa ville de naissance, Vérone, est un peintre vénitien qui eut une réelle popularité de son vivant. Connu comme un grand coloriste mais aussi comme un fresquiste hors pair surtout dans le domaine du trompe-l’œil, ses travaux les plus célèbres sont des cycles narratifs raffinés, d'inspiration religieuse, mythologique ou allégorique, exécutés selon un style dramatique et coloré, avec des arrangements majestueux et scintillants.qu'amplifie encore plus la dimension monumentale des œuvres.
Sa palette claire, ses ombres colorées, son univers poétique, la grâce sensuelle de ses personnages et son sens du décor en font un maître incontournable de la peinture du 16e siècle.
Il est également célèbre pour sa série de portraits aux visages éblouissants de naturel.
À sa mort, en 1588, Véronèse ne laisse pas d’école, mais son œuvre va influencer toute la peinture postérieure et de nombreux artistes comme Vélasquez ou Rubens puis, au 19e siècle, Eugène Delacroix et Paul Cézanne.

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Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891-1967) - Marin de la Flotte Rouge

Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891-1967)
Marin de la Flotte Rouge, 1937
Collection privée

Vladimir Vasilyevich Lebedev (Влади́мир Васи́льевич е́бедев) a commencé sa carrière à l'age de 14 ans en peignant des cartes postales vendues dans une boutique de Saint-Pétersbourg. Sa première exposition à l'Académie des Beaux-Arts a eu lieu cinq ans plus tard. En 1913, il commence à travailler comme caricaturiste politique pour plusieurs journaux satiriques, dont le célèbre Satirikon (Сатирикон). À ce moment-là, il était déjà un illustrateur prolifique pour les magazines pour enfants Jackdaw ( Галчонок ), Le Journal Bleu (Синий Журнал), Le Jounnal de Tout le Monde (Журнал для всех) et Argus (Аргус) et, en 1917, il avait également illustré le livre pour enfants Le Lion et le Taureau.
Entre 1920 et 1922, quelques années seulement après la Révolution, Lebedev a été embauché pour créer plus de 500 affiches, ou pancartes, pour l'Agence télégraphique russe ( ROSTA ) et le Département de l'Agitation et de la Propagande (Agitprop ). Le but dans les deux cas était de promouvoir la solidarité de la classe ouvrière. Étant donné que les journaux et l'alphabétisation étaient limités, les affiches étaient stratégiquement affichées dans des vitrines vides - connues sous le nom de fenêtres ROSTA - qui fonctionnaient comme une forme grossière de communication de masse. Les affiches de Lebedev se distinguaient par leur imagerie austère et simplifiée : une seule figure, aux couleurs vives, construite à partir de formes géométriques épargnées et engagée dans divers types de travail.
Dans les années 1910 et 1920, il côtoyait bon nombre des personnalités les plus influentes du mouvement artistique d' avant-garde soviétique radical, parmi lesquelles le constructiviste Vladimir Tatline le cubo-futuriste Ivan Puni, le suprématiste Kazimir Malevitch le futuriste Vladimir Maïakovski et l' acméiste et formaliste littéraire. critique Nikolaï Pounine. Au milieu des années 1920, il s'associe au poète Samuil Marshak pour créer à la fois des livres d'images et des « livres de production » politiquement conscients. Cette dernière forme, unique à l'Union soviétique, racontait des histoires qui enseignaient aux enfants « le monde des travailleurs et comment les choses sont faites ». Vladimir Vasilyevich Lebedev faisait lui même partie intégrante de l' avant-garde russe : peintre, un caricaturiste politique et affichiste, avec un style expérimental influencé par l'art populaire russe, le lubki, le futurisme, le constructivisme, le suprématisme, le productionnisme et le cubisme. Pionnier dans le domaine de l'illustration pour enfants, il reconnaîtra plus tard son rôle dans l'invention d'un nouveau style d'illustration.

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Jean-Pierre Saint Ours. (1752-1809) - Etude de nu

Jean-Pierre Saint Ours (1752-1809).
Etude de nu pour
“Le Choix des Enfants de Sparte : le Père présentant son fils au juge," c. 1785.
Crayon su papier
Collection privée

Jean-Pierre Saint-Ours, est un peintre et dessinateur genevois. D’une famille de réfugiés huguenots établis à Genève à la fin du XVIIe siècle, Saint-Ours fut l’élève de son père, Jacques, avant de se rendre à Paris en 1769, est formé à l'Académie des beaux-arts dans l’atelier de Joseph-Marie Vien. Peintre d'histoire néoclassique, portraitiste d’effigies historiées et créateur de tableaux dessinés,  il a subi l'influence de Poussin et  du nouveau classicisme. Bien que lauréat du Prix de Rome en 1780, il se voit refuser une bourse d'étude à l’Académie de Rome car il n’est pas français et entreprend le voyage à ses frais. Après 12 ans passés à Rome, il retourne à Genève en 1792, en pleins troubles politiques, pour défendre sa patrie et ses idées. Il préfère cependant, se consacrer aux portraits historiés de notables culturels, scientifiques et politiques.

Sur le plan iconographique, Saint-Ours se distingua de ses contemporains en peignant des sujets rares représentant « les traits de mœurs de peuples différents de l'Antiquité » : Le choix des enfants de Sparte,(ci dessus)  Les Mariages germains et Les jeux olympiques sont trois œuvres importantes avec leurs dessins et études préparatoires. Bon peintre et excellent dessinateur, sa proximité d'inspiration avec François-André Vincent peut se voir, dans son Amour et Psyché dont un dessin et tableau qui évoquent l'Orithye enlevée par Borée vers 17812de son ami. Aux feuilles à la Sanguine proche de celle de Fragonard et d'Hubert Robert, s'ajoutent des œuvres comparables à Jacques-Louis David, et d'autres témoignant déjà d'une sensibilité préromantique. Influencé par la série du Lévite d'Éphraïm, d'après Jean-Jacques Rousseau, qui fut profonde sur Saint-Ours. Les quatorze épisodes de cette histoire, peints à l'huile puis exécuté au Lavis, s'étalent entre 1799 et 1806. Dans la galerie des portraits, ceux de notable genevois, montrent dans ce genre que le peintre n'avait rien a envier à ses collègues européens. Le Portrait de Jacques Tremblay dans la campagne genevoise évoque celui de Goethe par Johann Heinrich Wilhelm Tischbein, et certains tableaux de François-Xavier Fabre.

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Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666) - Homme Tarairiu

 

Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666)
Homme Tarairiu
Huile sur toile, 1641, 2,72 x 1,73cm
National Museum of Denmark

 

Précisons tout de suite qu'aucun graffiti n'a été ajouté sur cette toile et que tout le dessin est original, fruit de la transcription exacte de ce que le peintre a vu !

Le peintre hollandais Albert Eckhout, est connu pour ses toiles de la flore, de la faune et des habitants du Brésil. Eckhout et Frans Post étaient les artistes les plus célèbres de l'entourage de Johan Maurits de Nassau alors qu'il était gouverneur général du Brésil néerlandais de 1637 à 1644. On sait peu de choses sur la formation d'Eckhout, ses débuts de carrière et les raisons de sa nomination, et on ne sait pas exactement quand il est arrivé au Brésil. Parce que certaines peintures attribuées à Eckhout représentaient des peuples Araucano et africains ainsi que des lamas, des plantes et des arbres, certains ont suggéré qu'Eckhout aurait pu faire partie de l'expédition de Hendrick Brouwer au Chili en 1643 ou aurait pu visiter l'Afrique de l'Ouest avec les forces du colonel Hans Coen qui a capturé Elmina en 1637. D'autres pensent qu'il faisait partie de l'expédition de l'amiral Cornelis Jol et du colonel James Henderson qaund ils ont occupé l'Angola en 1641. Enfin, on ne sait pas exactement quand Eckhout est revenu en Europe ou combien de temps il est resté au service de Maurits, masi l'on sait qu'en 1645, Eckhout était de retour à Groningen. Entre 1648 à 1652, il vécut à Amersfoort avant de s'installer à Dresde, où il passa dix ans (1653 à 1663) comme peintre à la cour de l'électeur de Saxe, Johann Georg II. On pense qu'Eckhout est mort à Groningen en 1665.

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Andrea del Castagno (1417-1457) - Portrait masculin

 

 

 

Andrea del Castagno (1417-1457)
Portrait masculin (c. 1450)
Tempera on panel, 54 x 40.5 cm.
National Gallery, Washington DC (Andrew W. Mellon Collection)  

L'identité de ce monsieur a l'air un peu hautain et dégoûté semble être celle d'un membre de la famille florentine  Del Nero, dans les collections de laquelle   le portrait dut répertorié au 19e siècle, comme  "portrait de famille". D'autre pensent qu'il s'agit d'un membre de la famille Torrigiani sans que rien ne vienne le prouver vraiment.  Ce portrait dépeint en tout cas a merveille le type de personnage assez charismatique que l'on pouvait rencontrer à Florence sous la Renaissance : raffiné mais roublard, esthète mais un peu bandit !
Andrea del Castagno né Andrea di Bartolo di Bargilla est quant à lui, un peintre florentin de la Renaissance qui, par ses forts et minutieux clairs-obscurs a influencé l'école de Ferrare.