Jacopo Carrucci dit Le Pontormo (1494-1557) - Angelo dell'Annuncio di Santa Felicità

Jacopo Carrucci dit Le Pontormo (1494-1557)
Angelo dell'Annuncio di Santa Felicità

Jacopo Carucci  connu sous le nom de Jacopo da Pontormo, ou plus simplement de Pontormo, est  l'un des représentants les plus importants du mouvement maniériste dans la peinture italienne du 16e siècle.

Il est réputé pour les poses contorsionnées de ses personnages, ses perspectives forcées, ses couleurs acides et stylisées, ses modèles aux yeux écarquillés et aux expressions inquiètes (comme ci-dessus).

Figés dans des poses, ses personnages se détachent sur un fond fermé et les couleurs métalliques, parfois éblouissantes, transforment les figures en images d'elle-mêmes.

Bronzino fut son élève.

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Paul Cadmus (1904-1999) - Dancing on a Ladder.

Paul Cadmus (1904-1999)
Dancing on a Ladder.
Private collection

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publie, depuis 2016, l'intégralité des dessins connus.  

De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins, tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

 

Consultez aussi notre podcast 

LES TABLEAUX QUI PARLENT 

N° 48 - L'homme de Cadmus recroquevillé sur son animalité 

 

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Antonio Zeno Schindler (1823-1899) - Habitants des Iles Marquises

 

 

Antonio Zeno Schindler (1823-1899)
Habitants des Iles Marquises
Smithsonian Museum, Washington DC 

 
Antonio Zeno Schindler fut un artiste américain d'origine Bulgare, photographe, peintre et graveur qui écuma le monde e dans le but de récolter une importante collection de portraits ethographqiques.


 

Sandro Botticelli (1445-1510) - Portrait d'un jeune homme (c. 1469)

Sandro Botticelli (1445-1510)
Portrait d'un jeune homme, c. 1469
Tempera sur panneau, 51 x 33.7 cm.
Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Florence

L'identité du personnage représenté ainsi que l'emplacement original du tableau demeure inconnue. L'œuvre était répertoriée dans les anciens inventaires de palais Pitti depuis 1829 comme une réalisation d'Andrea del Castagno. C'est Adolfo Venturi qui le premier attribua l'œuvre à Botticelli en situant sa réalisation dans la période de jeunesse de l'artiste. Cette attribution est confirmée par d'autres critiques d'art comme Mandel, Bohm, Pons, Caneva, Luchs et Padovani. 

Le jeune homme encore adolesscent, est représenté en buste tourné des trois-quarts vers la gauche la tête orientée vers les spectateurs qu'il regarde, sur un fond de ciel azur devenant clair à l'horizon. Il est vêtu d'un riche vêtement de couleur rouge fermé au col et la tête est couverte par un « chaperon » avec le typique ruban retombant sur les épaules. Ses cheveux noir méticuleusement coiffés encadrent le visage ; les grands yeux fixent intensément le spectateur ; le nez prononcé, les lèvres charnues et le menton rond. La regard en biais, dirigé de haut en bas confère au personnage un ton aristocratique de supériorité.

Photographe anonyme - Fernando Pessoa à l'âge de 19 ans

 Photographe anonyme - Fernando Pessoa à l'âge de 19 ans en 1907

Fernando António Nogueira Pessoa  (1888-1935)   est un écrivain, critique, polémiste et poète portugais trilingue ( portugais, anglais, français). I l a vécu une partie de son enfance à Durban en Afrique du Sud. Théoricien de la littérature engagée dans une époque troublée par la guerre et les dictatures, inventeur inspiré par Cesário Verde du sensationnisme, ses vers mystiques et sa prose poétique ont été les principaux agents du surgissement du modernisme au Portugal. Prolifique et protéiforme, Pessoa est un auteur majeur de la littérature de langue portugaise dont le succès mondial croissant depuis les années quatre-vingt a été consacré par la Pléiade. Son œuvre, dont de nombreux textes écrits directement en anglais, a été traduite dans un grand nombre de langues, des langues européennes au chinois. Des hommes de théâtre, des chorégraphes, des compositeurs se sont désormais emparés de cette œuvre très riche pour des spectacles. Le cinéma également a produit des films inspirés par ce poète.

De son vivant, Fernando Pessoa a régulièrement écrit dans des revues littéraires portugaises dont celles qu'il a créées. En outre, il a fait paraître en anglais deux ouvrages mais sa mort prématurée ne lui a laissé le temps de publier qu'un seul livre en portugais, qui eut toutefois un succès retentissant : le recueil de poèmes Message, en 1934. À sa mort, on découvrit, enfouis dans une malle, 27 543 textes que l'on a exhumés peu à peu. Le Livre de l'intranquillité n'a été publié qu'en 1982 et son Faust en 1988. Tous ces manuscrits se trouvent depuis 1979 à la Bibliothèque nationale de Lisbonne. Son apport à la langue portugaise a été comparé au cours de l'hommage national officiel rendu le jour anniversaire de sa naissance, en 1988, à celui de Luís de Camões. Le nom ou l'image-symbole de Fernando Pessoa ont été donnés à de nombreuses institutions portugaises. Depuis 1996, il existe une université Fernando Pessoa à Porto.

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N° 72 - Alexander Deïneka : le héros a bon dos !

 

 

C'est le portrait d'un dos. En voyant le dos du héros soviétique qui est assis au premier plan et qui semble avoir plus de vertèbres à son actif qu'il ne devrait (un peu comme les médailles sur le torse des apparatchiks), on ne peut s'empêcher de penser à Ingres. et à son odalisque nue avec son surplus déraisonnable de vertèbres, dont près de la moitié sont inutiles. Ici, ces 7 vertèbres saillants entre les muscles de façon presque menaçante comme la queue d'un chien ou celle d'une raie manta, ou celle du bébé créature d'Alien de Ridley Scott, ce lot de vertèbres donc apparaissent juste au dessus d'une autre raie, celles des fesses du colosse écrasées sur le cube de bois qui sert de siège, Pour savoir la suite, écouter ce podcast....

Liens complémentaires à consulter pendant la lecture du podcast - 

Alexander Deïneka, 

Autoportrait, 1948 https://menportraits.blogspot.com/202...

- Les soldats nus https://menportraits.blogspot.com/201... https://menportraits.blogspot.com/201... 

 - Les conquérants de l'espace https://menportraits.blogspot.com/202... 

 - Le gardien de but https://menportraits.blogspot.com/201... 

- Les joueurs de Football https://menportraits.blogspot.com/202...

  - Travailleurs italiens de déplaçant en vélo https://menportraits.blogspot.com/202...

Gertrude Käsebier (1852-1934) - Portrait of Alvin Langdon Coburn en 1902

 

Gertrude Käsebier (1852-1934)
Portrait of Alvin Langdon Coburn (c. 1902)
Platinum print, 24.1 x 19.1 cm.
The Museum of Modern Art, New York 

Gertrude Käsebier est une photographe professionnelle portraitiste américaine,  l'une des plus influentes photographes américaines du début du xxe siècle. Elle est célèbre pour ses images de la maternité, ses puissants portraits de natifs américains et par le fait qu'elle a promu la photographie comme une carrière pour les femmes.  
Elle étudia également le dessin à la peinture mais se passionna tout particulièrement pour la photographie. Comme beaucoup d´étudiants en art à l'époque, Gertrude Käsebier décida de voyager en Europe pour compléter sa formation. Elle commença en passant plusieurs mois à étudier la chimie photographique en Allemagne en 1894, où elle eut la possibilité de confier ses enfants à la belle-famille à Wiesbaden. Elle passa le reste de l´année à étudier en France auprès du peintre américain Franck DuMond.  En 1895, elle retourna à Brooklyn. Son mari étant assez gravement malade, et ses ressources financières étant alors limitées, elle décida de devenir photographe professionnelle.  Un an plus tard, elle devint l'assistante du portraitiste photographe Samuel H. Lifshey, ce qui lui permit d'apprendre à tenir un studio et à élargir ses connaissances des techniques d´impression. Il est néanmoins évident qu'elle possédait déjà à l'époque une grande maîtrise de la photographie. Tout juste un an plus tard, elle exposa 150 photographies, ce qui était un nombre impressionnant pour un seul artiste à cette époque, au Boston Camera Club. Les mêmes clichés furent montrés en février 1897 au Pratt Institute.  Le succès de cette exposition fut l´occasion d´une nouvelle exposition à la Photographic Society of Philadelphia en 1897. Elle vint également commenter ses œuvres là-bas, et encouragea les femmes à faire carrière dans la photographie en disant "Je recommande sérieusement aux femmes ayant un goût artistique de s´entraîner dans le champ encore jeune de la photographie moderne. Cela me semble particulièrement adapté pour elles, et les quelques qui s´y sont déjà aventurées y ont reçu un succès gratifiant et rémunérateur".

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Oskar Zwintscher (1870-1916) - Autoportrait avec la Mort

Oskar Zwintscher (1870-1916)
Autoportrait avec la Mort

 

Zwintscher étudie de 1887 à 1890 à l'académie de Leipzig avant d'entrer à l'académie des beaux-arts de Dresde, où il devient l'élève notamment de Ferdinand Pauwels et de Leon Pohle. Il devient ensuite artiste libre à Meissen où il demeure quelques années au château de l'Albrechtsburg et peut bénéficier de la bourse du legs Munkeltsche qui permet à des artistes saxons de travailler librement pendant trois ans. Il expose au public ses premières œuvres en 1898 et reçoit un premier prix, donné par Ludwig Stollwerck, avec un jury composé des professeurs Emil Doepler, Woldemar Friedrich, Bruno Schmitz et Franz Skarbina de Berlin, ainsi que d'un représentant de la firme Stollwerck. Il présente également sa série Les Saisons cette même année et en 1900 celle de L'Orage. Il reçoit un autre prix en 1904 pour ses illustrations pour les chocolats de la firme Stollwerck.
Les illustrations de Zwintscher sont dans la tradition de Holbein ou de Cranach. Elles ne montrent aucune subjectivité, mais demeurent dans l'esprit réaliste des anciens maîtres. Le jeune peintre est influencé également par Arnold Böcklin. Il est lié d'une amitié étroite avec le peintre et sculpteur Sascha Schneider (qui sera l'auteur de sa sculpture de sépulture). Zwintscher est nommé en 1904 professeur à l'académie des beaux-arts de Dresde. On lui reproche aujourd'hui sa ferme opposition d'alors à l'impressionnisme. Un contemporain le décrit comme « un bon Saxon et fils authentique du Moyen Âge, mais aussi asocial et excentrique ».

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Philippe Bluzot (bn.1957) - L'ivresse des jours heureux

 

 

Philippe Bluzot (bn.1957)
L’ivresse des jours heureux, 2022
Huile sur toile 81x 65cm (phase finale)

@philippebluzot #philippebluzot

 

De son œuvre, l'artiste français Philippe Bluzot né en 1957,  parle ainsi :
"L’enregistrement visuel (photos, videos…) est la source de mon travail de peintre comme peut l’être l’enregistrement sonore pour certaines formes de musique.
Je taille dans ces matériaux pour en réaliser une composition picturale. Je capte donc des images prises dans le réel, rassemble des clichés susceptibles d’être exploités dans l’idée de réaliser un tableau ; viennent alors les premiers choix pour finalement élaborer un projet, un thème à partir d’images recomposées.
Je me confronte à des clichés qui suscitent en moi le désir de leur donner un corps, une présence ; l’acte de peindre met l’image à l’épreuve de mes sens, je pars à la conquête d’un espace; je tente de rendre visibles mes sensations, de créer un évènement.
S’élabore ainsi au gré des toiles mon propre langage plastique, une image suscitant en moi d’autres images.
Le quotidien (scènes de rues, de la vie familiale..) est ma principale source d’inspiration.
La peinture à l’huile, mon médium de prédilection, me permet de manifester le trouble du réel ; en ce sens que ce que l’on a sous les yeux n’est jamais ce que l’on imagine. Cela passe par la (re)construction d’un espace sensible où l’intervention de la main, l’emploi des pigments, la composition, les valeurs, la lumière, les recherches de matière sont autant de questionnements, de champs d’investigation sur les apparences du monde dans lequel on baigne.
Je me frotte à cette réalité et tente d’en faire apparaître ou exister une présence capable, par sa puissance visuelle, d’interpeller le regard. "
Son style  peut  être assimilé  au courant figuratif  hyper réaliste français contemporain. Les thème, quant à eux, luis sont fournis par la société ans lequel nous vivons, dont il est souvent un observateur méticuleux et sans concession.  Depuis sa première exposition en 1981 dans le cadre du Festival d'Avignon intitulée «Midi et Demie» (Sous la direction Alain Avila, il n' a cessé d 'exposer.  Le web et les réseaux sociaux amplifient aujourd'hui  l'impact de son travail et lui donne une visibilité nouvelle.

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Jacques Azema (1910-1979) - Jeune arabe avec une coupe remplie d'eau

Jacques Azema (1910-1979)
Jeune arabe avec une coupe remplie d'eau
Gouache sur carton
Collection privée

Professeur de peinture, d’abord à Marrakech puis à l’École des Beaux-Arts de Casablanca dans les années 1960, Azéma a exercé une importante in- fluence sur les artistes marocains de son époque. « Peintre », « figuratif » et « Français » – dans un Maroc tout juste affranchi du protectorat, Azéma faisait alors forcément figure d’académique auprès de ses confrères avant-gardistes. Sa peinture se caractérise par une grande sensualité. Le plus souvent, il s’agit de travaux à la gouache, ce qui explique leur grain très particulier et leur gamme chromatique étonnante, très douce. Dans le décalage entre l’environnement quotidien et les images d’Azéma s’engouffrent toutes les puissances du rêve : séduction des paysages oniriques, mais aussi visions plus inquiétantes provoquées par le kif, dont les écrivains de Tanger ont abondamment évoqué les attraits et les périls. Rêveries des corps nus, aussi, tels qu’ils s’alanguissent dans la moiteur du hammam. L’érotisme est assurément l’une des clefs de l’univers du peintre. Son cousinage avec Chirico ne peut que frapper, avec ses personnages traités comme des statues-colonnes et l’italianité de ses villes ou de ses collines, tirant le Maroc vers des courbes et des teintes ombriennes. On mesure ainsi combien il n’y a  rien de naïf dans l’art d’Azéma.

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Franz Hals (1580/83-1666) - Portrait d’un homme dit « L’Homme à la main sur le cœur »

 Franz Hals (1580/83-1666),
Portrait d’un homme dit « L’Homme à la main sur le cœur », 1631
Huile sur toile 62,5 x 52 cm.
Musba (Musée des Beaux arts de Bordeaux)

Dans ce portrait, qui appartenait à l'ancienne collection Lacaze et fut acheté par la ville de  Bordeaux en 1829, un homme jeune, représenté en buste sur un fond neutre, porte un vêtement noir rehaussé par la blancheur d’un col de batiste et tient sa main droite largement ouverte sur sa poitrine. Sa tête étant légèrement tournée vers la droite, une partie de son visage est dans l’ombre. L’ébauche de sourire et la main posée sur le cœur augurent de son caractère enjoué.
Le marquis de Lacaze voyait dans cette œuvre un autoportrait de Frans Hals. Or en 1632, l’artiste avait 52 ans. Le modèle devint un « peintre flamand » pour le conservateur bordelais Emile Vallet en 1881, puis « Anton van Dyck » en 1921. Mais l’âge indiqué du modèle (26 ans) et le portrait du maître anversois par Rubens (Londres, château de Windsor, collection royale) renvoient cet homme dans l’anonymat.
L’attribution de l’œuvre à Frans Hals fut aussi remise en question à partir du catalogue de Charles Manciet en 1933. Mais W. van Bode et A. Bredius au début du XXe siècle, puis O. Le Bihan l’ont (l’a) de nouveau confirmée ; ce dernier a rapproché l’œuvre d’un Portrait d’homme daté de 1634 et conservé au Szépmüvészeti Múzeum de Budapest.
Avec une économie de détails et de couleurs, Hals élabore un portrait subtil aux contours bien affirmés et avec une variété de noirs qui traduisent les différents ornements de son habit. Le visage et la main présentent la juxtaposition de beiges, roses et orangés qui rendent les carnations plus chaleureuses. En revanche, la chevelure est simplement brossée.
Ce portrait correspond à cette période des années 1630-1635, au cours de laquelle Hals recherche une simplification de ses compositions, plutôt statiques, et un dessin plus affirmé sur des fonds neutres et sombres, à l’exemple du portrait de Budapest précédemment cité, ou d’un Portrait d’homme (1630) conservé dans les collections royales anglaises.

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Giovanni Boldini (1842-1931) - Portrait de Georges Goursat, dit Sem,

Giovanni Boldini (1842-1931)
Portrait de Georges Goursat, dit Sem, 1902"
Huile sur toile 91,5 x 73 cm
Musée des Arts décoratifs, Paris

Datée de 1902, elle représente Georges Goursat, dit Sem (1863-1934) l'un des amis de Boldini et aussi célèbre illustrateur, affichiste, caricaturiste, dessinateur de presse, chroniqueur mondain, et écrivain français.
Il existe de nombreuses caricatures de Boldini par Sem, son inséparable compagnon de fête dans les lieux à la mode de la Belle Époque. Boldini a aussi réalisé plusieurs effigies du dessinateur : un pastel, une aquarelle et deux peintures à l'huile dont ce portrait en pied donné par la famille Goursat au musée des Arts décoratifs en 1954.
Sem est représenté dans une pose assurée qui sera également celle du Portrait de Mlle Lantelmeen 1907, c'est-à-dire de face, bien planté sur ses jambes, les mains sur les hanches manifestant une certaine impatience1, cette similitude créant un lien entre ces deux personnages effrontésCe portrait prouve le talent de Boldini dans l'immédiateté. Arborant une grande élégance avec son manteau et son costume gris, sa canne à la main et son chapeau melon sur la tête, épousant le style des dandys britanniques, Sem, qui fut également un talentueux chroniqueur de la mode masculine, semble avoir été saisi sur le vif, venu chercher le peintre à son atelier pour une sortie mondaine.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 71 - Qui portait la culotte à Rome ?

Et bien nous allons traiter dans ce podcast d’une sujet essentiel : le port du slip dans le Bas Empire Romain. Le port du sous vêtement a connu un grande désaffection en occident a partir de la chute de ‘l’Empire Romain jusqu’à la fin du moyen Age. Pourtant il était assez répandu dans la Grèce antique et dans la Rome Impériale à l’image de de l’Egypte des Pharaons qui en avaient instauré l’usage sous forme de pagne, aussi bien à la cour que dans les champs ou sur les chantiers de constructions. On ne retrouve tous les modèles sur ces véritables catalogues de pierres que constituent les fresques de tombeaux égyptiens, les fresques crétoises, les terres cuites de l’époque Hellénistiques et enfin les mosaïques romaines. Ainsi la tres célèbre mosaïques des Gladiateurs que l’on voit ici datant de la fin de la période impériales, véritables catalogue des tendances en la maitre si on peut dire. 

Pour savoir la suite, écoutez ce podcast en cliquant sur l'image 

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Jean-Théodore Géricault (1791-1824) - Etude de dos pour " Le Radeau de La Méduse" (d'après le modèle Joseph)

Jean-Théodore Géricault (1791-1824)
Etude de dos pour " Le Radeau de La Méduse" (d'après le modèle Joseph)
Huile sur toile, 56 x 46 cm
Musée Ingres-Bourdelle, Montauban 

 

Pour plus  de détails sur cette œuvre, consulter le podcast 

LES  TABLEAUX QUI PARLENT 

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Emile Friant (1863-1932) - L'intérieur d'Atelier

Emile Friant (1863-1932)
L'intérieur d'atelier, 1882 Huile sur panneau, 46 x 38 cm.
Collection privée (via Drouot)

La toile représente le peintre Emile Friant lui même (à gauche) agé de 19 ans,  et son no moins jeune collègue  adepte du courant naturaliste  Jules Bastien-Lepage. Ces deux jeunes artistes, croqués sur le vif dans leur atelier, révèlent une évidente modernité. auquise très tôt aux Beaux-arts de Nancy. Au Salon de 1882, Intérieur d’atelier attire l’attention, et se voit même choisi par Le Monde Illustré pour être reproduit en Une. Certains critiques estiment que cette œuvre, plus que L’Enfant prodigue, garantit un avenir prometteur à Émile Friant. Pourtant, son auteur rata d’une voix la médaille de bronze… le vote de son maître Cabanel, qui ne voulait pas flatter trop tôt son jeune élève.

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Anna Bilińska-Bohdanowicz (1854-1893) Le sculpteur George Grey Barnard dans son atelier

Anna Bilińska-Bohdanowicz (1854-1893)
Le sculpteur George Grey Barnard dans son atelier 1890.
Huile sur toile, 148 x 96 cm

State Museum of Pennsylvania, Harrisburg

Anna Bilińska-Bohdanowicz,  est une artiste peintre polonaise née en Ukraine (alors située  dans l' Empire russe) où son père pratiquait la médecine dans la région de Kiev. Michał Elwiro Andriolli lui donne ses premières leçons de dessin à Viatka. Déménageant avec sa famille à Varsovie, elle ne peut s'inscrire dans une académie des beaux-arts, les établissements étant réservés aux hommes, mais étudie le piano entre 1875 et 1877 au conservatoire de la ville. À vingt ans, elle reprend cependant son apprentissage de la peinture dans une école privée, avec comme professeur Wojciech Gerson. En 1882, elle voyage en Europe et s'installe à Paris. Elle peut alors étudier à l'Académie Julian, comme Marie Bashkirtseff et plusieurs artistes femmes, et y reçoit l'enseignement de Tony Robert-Fleury et William Bouguereau. Elle expose et remporte plusieurs prix4. Elle habite rue de Fleurus (Paris) jusqu'à son mariage, en 1892, où elle épouse Antoni Bohdanowicz. Le couple retourne à Varsovie, où Anna Bilińska-Bohdanowicz, de santé fragile, rêvait d'ouvrir une école d'art réservée aux femmes, mais elle meurt peu de temps après, d'une crise cardiaque, le 18 avril 1893.

George Grey Barnard (1863 - 1938) est un sculpteur et collectionneur américain. Il fait ses études à l'Art Institute of Chicago puis travaille dans l'atelier parisien de Jules Cavelier (1883-1887) tout en fréquentant l'école des beaux-arts. Il séjourne à Paris pendant douze ans. Après avoir connu le succès au Salon de 1894, où il expose six sculptures, il retourne aux États-Unis en 1896 et s'installe à New York. L'influence du sculpteur français Auguste Rodin est perceptible dans ses premiers travaux. Il travaille dans son atelier de Moret-sur-Loing (situé 4, rue des Fossés) de 1903 à 1911. En 1912, il achève une série de sculptures pour le nouveau capitole d'Harrisburg en Pennsylvanie. The Great God Pan, réalisé juste après son retour de France, est au départ prévu pour orner le Dakota Building sur Central Park West. Alfred Corning Clark, constructeur du Dakota, a financé ses débuts ; lorsque Clark meurt en 1896, sa famille fait cadeau au MET de la statue Two Natures en sa mémoire et le bronze géant Pan est offert à l'université Columbia par le fils de Clark, Edward Severin Clark, en 1907. Barnard meurt d'une crise cardiaque le 24 avril 1938 au Harkness Pavilion du Centre médical de l'université Columbia à New York. Il est alors en train de travailler sur une statue d'Abel, trahi par son frère Caïn, lorsqu'il tombe malade.
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Barthélemy d'Eyck (1410/20–1472/75) (attribué à) - Louis II d'Anjou, roi de Sicile

Barthélemy d'Eyck (1410/20–1472/75) (attribué à)
Louis II d'Anjou, roi de Sicile
Dessin à la plume plume et encre noire, aquarelle, 22,2 x 22,9 cm
BnF (Bibliothèque nationale de France)

Barthélemy d'Eyck fut un peintre et valet de chambre du roi René d'Anjou. comte de Provence, actif en Anjou et en Provence entre 144 et 1469). IL fut aussi connu sous les noms de Barthélemy d'Aick, Barthélemy de Ayck, Barthélemy Deyck, Barthélemy Deick, Barthélemy de Eyck, Barthélemy de Eik,
Barthélemy de Eck, Maître de l'Annonciation d'Aix.
On a proposé de l'identifier au Maître du Coeur d'amour épris, au Maître de l'Annonciation d'Aix et au Maître du roi René. Ce portrait qui lui est attribué est celui, comme il est écrit au versod du dessin  : "Roy Loys père du bon roy Regné"

 

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Stanisław Ignacy Witkiewicz dit Witkacy (1885-1939) - Portrait d'un homme (mon ami),

Stanisław Ignacy Witkiewicz dit Witkacy (1885-1939)
Portret mężczyzny (Mój przyjaciel), 1918
Portrait d'un homme (mon ami), 1918
Pastel sur papier 62,5 x 48 cm
Musée National de Varsovie 

 

Stanisław Ignacy Witkiewicz, dit Witkacy est un dramaturge, philosophe, pamphlétaire, peintre, photographe et romancier polonais. Il a touché par son immense curiosité d'homme de la Renaissance tous les domaines intellectuels et artistiques du 20e siècle. Il fut membre du premier groupe polonais avant-gardiste ( Formisme)  auteur de la théorie esthétique de la Forme Pure, créateur de l’Entreprise Portraitiste.
Il s'est rendu célèbre par ses excentricités, sa consommation de peyotl ou encore son mauvais caractère. Le 18 septembre 1939, il se suicide en se tranchant les veines de la gorge dans un champ du village de Jeziory Wielkie en Polésie (aujourd'hui en Ukraine), alors qu'il fuyait la progression des armées soviétiques qui avaient envahi la Pologne la veille. Il ne commence à être plus largement reconnu qu'à la fin des années 1950, grâce aux mises en scène de Tadeusz Kantor et au livre collectif qui lui fut consacré en 1957. Son théâtre complet ne sera publié qu'en 1962, en Pologne. « Aujourd'hui il est considéré, non seulement comme la personnalité la plus marquante de l'entre-deux-guerres polonais, mais aussi comme l'écrivain qui a ouvert aux lettres polonaises le chemin de la modernité. À ce titre, il fait partie d'un trio comprenant également Bruno Schulz et Witold Gombrowicz », souligne Anna Fiałkiewicz-Saignes.

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Francis-Antoine Conscience (1795-1840) (attribué à) - Portrait ou auto-portrait d'artiste dessinant

Francis-Antoine Conscience (1795-1840) (attribué à)
Portrait ou auto-portrait d'artiste dessinant, porte mine à la main, sur fond de paysage
Huile sur toile 108 x 88,5 cm.
Collection privée 

 

Francis-Antoine Conscience, né a Besançon était un  peintre et lithographe, exposant sous le nom de Francis de ? 1795 à 1840.

"Francis s'était pris au sérieux depuis qu'il m'avait pour élève et que, dans mon enthousiasme, j'avais entraîné avec moi mon camarade le baron Fraguier. Nous dessinions d'après un modèle vivant, et, pour ma part, j'y allais comme un enragé. Mais Francis ne savait pas enseigner ; il ne savait que nous dire qu'il faut dessiner par plans, c'est-à-dire par petits carrés.
Un beau matin, Francis me planta là et partit pour Paris. Mais, peu après, il m'écrivit, me disant de rester à Besançon, où je vivrais heureux à faire des portraits ; car, à Paris, les plus grands artistes végétaient et même mouraient de faim, tant le goût de la peinture était en décadence.
À plusieurs années de là, quand je fus moi-même à Paris, je retrouvai mon Francis. Il vint me surprendre un beau matin, portant sa pierre lithographique sous le bras. Je demeurais alors quai Malaquais. Il se mit à table pour déjeuner ; toujours gai et toujours prodiguant les calembours, comme c'était la mode alors. À la fin, il m'avoua qu'il n'avait plus de chez lui et qu'il ne savait où aller percher ! On lui fit un lit le soir sur le canapé de l'atelier, — en attendant !… Toutefois, trois mois après, sa situation n'avait nullement changé. Il se levait de bon matin et rentrait ponctuellement à huit heures, mais si gai, que je n'y comprenais rien.
J'ai su depuis que c'était grâce à un petit vin blanc du quartier auquel il allait dire deux mots. Il emportait, du reste, une feuille de papier et, avec la plume et l'encre du marchand de vin, il dessinait tout ce qui passait devant la fenêtre homme, femme, chien, cheval, etc...
Il les saisissait à la course, littéralement, avec une telle rapidité, mais une telle bonne foi, que souvent la queue ou même tout le train de derrière du cheval lui manquait si par hasard il avait passé au trot !…
J'ai fait relier en un gros volume in-folio toutes les premières impressions de ces matinées, pour les conserver. "

 In Causeries sur les artistes de mon temps par  Jean Gigoux 

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François Joseph Guiguet (1860-1937) - Autoportrait

 

 

François Joseph Guiguet (1860-1937)
Autoportrait
Huile sur panneau, 53 x 39 cm 

Musée François Guiguet

François Joseph Guiguet est un peintre et lithographe français né à Corbelin (Isère). Il débute au Salon des artistes français en 1885 avec Le Retour du jeune Tobie. A partir de 1889, il habite au 13, rue Ravignan, qui deviendra plus tard le Bateau-Lavoir, où il a son atelier jusqu'en 1905.  François Guiguet se lie d'amitié avec Pierre Puvis de Chavannes, Edgar Degas. Entre 1993 et 1910, Guiguet produit des lithographies en couleurs, dont publications dans L'Estampe moderne (1897) et L'Estampe nouvelle (1905). En 1905, il quitte le Bateau-Lavoir pour le 21, rue de Navarin à Paris, où il jouit d'un plus grand atelier qu'il conservera jusqu'à sa mort. François Guiguet est très apprécié comme portraitiste, qui n'achève ses œuvres qu'après de multiples études préparatoires et de nombreuses séances de poses. En plus des portraits de commande, il peint la vie des artisans (forgeron, menuisier, couturière, etc.) et, en moindre mesure, des paysages et des natures mortes. Il trouve une source d'inspiration dans sa maison natale.
En 1985, Louis Guiguet, neveu du peintre, donne à la ville de Corbelin la part revenue à sa famille pour la création d'un musée. En plus du cachet de la succession, est appliqué un cachet ovale « Collection maison natale » sur l'ensemble des œuvres qui constitue ce fonds (78 huiles sur toile, 13 aquarelles et plus de 3 500 dessins de l'artiste). Situé dans l'ancienne chapelle du couvent du xviie siècle, le musée est inauguré le 1er juillet 1989. L'Association François Guiguet6, créée la même année, et aidée par Jean-Pierre Michel, assure le fonctionnement de l'établissement jusqu'à sa fermeture par la Municipalité en 2011.
Depuis la fermeture du musée, la Ville de Corbelin — toujours propriétaire de la collection — a déposé les œuvres du peintre à la maison Ravier à Morestel où elles sont conservées et exposées.
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Cornelis van Haarlem (1562-1638) - Etude pour le portrait d'un inconnu

 

Cornelis van Haarlem (1562-1638)
Etude pour le portrait d'un inconnu
Collection privée

Cornelis Corneliszoon van Haarlem ou Cornelis Cornelissen ou parfois francisé Corneille de Haarlem est un peintre et un dessinateur maniériste néerlandais.
Cornelis est né en 1562 dans une famille aisée de Haarlem. Ses parents ayant fui la ville lors du siège espagnol (décembre 1572 - juillet 1573), l'enfant fut confié au peintre Pieter Pietersz (v.1540-1603), qui l'éleva et lui apprit son art. Après un voyage en France – où il ne put poursuivre au-delà de Rouen à cause d'une épidémie de peste – (1579) et un séjour anversois d'un an destiné à parfaire sa formation sous la direction du maître Gillis Congnet, il revint à Haarlem où il s'installa définitivement vers 1580-81. C'est en 1583 qu'il y reçut sa première grande commande, le portrait de groupe des membres d'une milice bourgeoise : le Banquet de la Garde civique de Haarlem. La même année, Cornelis rencontra Hendrik Goltzius et Carel van Mander avec lesquels il fonda l'Académie de Haarlem. En 1588, la diffusion de cinq de ses œuvres par l'entremise de gravures de Goltzius lui apporta une certaine célébrité. Cornelis fut plus tard nommé peintre de la ville de Haarlem et, en 1630, il participa à la réorganisation de la guilde locale de Saint-Luc en réformant ses statuts médiévaux dans l'esprit de la Renaissance. Il fut également le régent de l'hospice des vieillards de Haarlem entre 1613 et 1619. Ses œuvres – souvent signées du monogramme CH – reflètent bien les travaux de l'Académie de Haarlem par une approche naturaliste, redevable de la pratique du dessin d'après nature comme de l'étude des sculptures antiques et qui a rapidement supplanté l'influence maniériste de Spranger. Il a réalisé non seulement des sujets bibliques ou mythologiques, mais aussi des portraits et des natures mortes. L'artiste possède un humour assez particulier : comme l'a noté Jacques Foucart, ses nus ont souvent la plante des pieds sale et Vénus a les ongles noirs ! . 

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Per Krafft Le Jeune (1777-1863) - Portrait du marchand Jacob Svante Wolter

Per Krafft Le Jeune (1777-1863)
Portrait du marchand Jacob Svante Wolter
Collection privée

Per Krafft le Jeune était un peintre suédois de portraits et de scènes historiques.
Krafft est né à Stockholm, Suède. Il était le fils du portraitiste Per Krafft l'Ancien (1724–1793) et de Maria Vilhelmina Ekebom (1749–1820) et était le frère de la miniaturiste portraitiste Wilhelmina Krafft (1778–1828). Alors qu'il n'est encore qu'un enfant de six ans, il commence ses études à l' Académie royale suédoise des beaux-arts (1783-1796). Il reçoit sa première médaille en 1787. Il y étudie jusqu'en 1796 ; notamment avec Lorens Pasch le Jeune. À 18 ans, iil reçoit sa première commande pour un portrait de l'homme politique français, François-Emmanuel Guignard de Saint-Priest.
Peu de temps après, sous l'influence de Louis Masreliez, il se rend à Paris, où il devient l'élève du peintre Jacques-Louis David.
En 1801, pour une grande exposition de l'Académie à Stockholm, Krafft envoie chez lui trois œuvres : Bélisaire, Cupidon souriant, et Pâris en berger, le tout composé dans un style néoclassique. En 1802, il se rend en Italie, où il dessine des paysages urbains, étudie les maîtres anciens et fait des copies de Raphaël. En mai 1803, il revient de Florence à Paris, où il devient un portraitiste très recherché.
En 1805, il retourna à Stockholm, où il avait été nommé peintre de la cour. En 1808, il est nommé professeur adjoint à l'Académie et, à la suite du décès de Carl Frederik von Breda en 1818, est promu professeur titulaire de dessin ; poste qu'il occupa jusqu'en 1856.
Au cours de sa carrière, Krafft a peint plus de 400 portraits, dont 60 dessins, et des centaines d'autres œuvres.

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Dominik Skutecký (1849-1921) - Tête de gondolier vénitien

 

Dominik Skutecký (1849-1921)
Tête de gondolier vénitien
Collection privée 

Dominik Skutecký était un peintre slovaque d'ascendance juive. Les formes alternatives de son nom incluent David, Domenico, Döme, Skutezky, Skuteczky et Skutetzky. Il se spécialise dans les paysages, les portraits et les scènes de genre. Après la mort de son père en 1859, sa famille s'installe à Vienne, où il commence ses études artistiques avec le sculpteur Johann Meixner. Il suit également des cours particuliers d'art à l' Académie des beaux-arts, où il étudie avec Carl Wurzinger et Karl von Blaas de 1865 à 1867. Après avoir reçu une bourse, il poursuit ses études à Venise de 1867 à 1870, où il travaille avec le peintre d'Histoire, Pompeo Marino Molmenti à l'Accademia di Belle Arti. Il  passe  aussi quelques mois à l'Académie des Beaux-Arts de Munich.  A partir des 1873, il réside à Vienne, où il est surtout portraitiste. Sa première grande exposition eut lieu au Künstlerhaus en 1875.  Lors de son premier séjour à Banská Bystrica, de 1884 à 1886, il se concentre sur les paysages et les scènes de genre de la paysannerie locale. Il s'y installe définitivement en 1889 et recommence à réaliser des portraits de notables de la région. Il a également créé de nombreuses peintures pour Copper Hammer, une manufacture de cuivre réputée pour ses pratiques de gestion progressistes.  Ses œuvres peuvent être vues à la Galerie nationale slovaque et à la Stredoslovenská galéria . Beaucoup sont dans des collections privées.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 69 - Lloyd Patterson : un afro américain chez les Soviets

       

 

 

C'est une histoire réellement fascinante que celle de l'acteur afro-américain Lloyd Walton Patterson (1910-1942) représenté sur ce portrait peint en 1932 par un ou une peintre soviétique anonyme retrouvé par hasard dans un magasin d'antiquités de Moscou en 1992. Ce tableau a été formellement authentifié en 1993 comme étant le portrait de Lloyd Patterson par sa propre épouse l'artiste ukrainienne Vera Aralova, et par un de leurs 3 enfants, James Patterson.Il est aujourd'hui exposé au Hillwood Estate Museum, à Washinton DC, en illustration des expériences, très peu connues en Europe, des Noirs américains dans la Russie impériale aussi bien que soviétique. Pour connaitre l'histoire, écoutez ce podcast... 

 

Podcast culturel et éducatif en français

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John Singer Sargent (1856-1925) - Chorrojumo (Mariano Fernández Santiago)

John Singer Sargent (1856-1925),
Chorrojumo (Mariano Fernández Santiago), 1879
Watercolor over graphite
Private collection

Son  nom  de "Chorrojumo" vient de son métier d'origine, celui de forgeron, et sa célébrité est due en grande partie au peintre Mariano Fortuny qui, lors d'une visite à Grenade, le peignit déguisé en costume de gitan Goyesque vers 1868.  Car Mariano Fernández Santiago aimait en effet se présenter comme le roi des gitans (qu'il nétait pas mais peu importait !).   Vaniteux et rusé, il aimait le déguisement et  gagnait sa vie en racontant aux touristes des histoires sur l' Alhambra et se laissant photographier ou peindre. Il vendait des cartes postales de son portrait, habillé en tenue traditionnelle, comme celle dans laquelle il est peint ici par Singer Sargent.

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Sir Cedric Morris (1889-1982) - The Dancing Sailor

 

Sir Cedric Morris (1889-1982),
The Dancing Sailor, 1925
Private collection

Sir Cedric Lockwood Morris, 9e baronnet était un artiste britannique, professeur d'art et planteur. Il est né à Swansea dans le sud du Pays de Galles, mais a travaillé principalement en East Anglia. Il est surtout connu pour ses portraits, ses peintures de fleurs et ses paysages. Cedric Morris avait un style postimpressionniste souvent qualifié de "primitif. Dans son analyse des peintures de Morris, Richard Morphet a suggéré que «la force inhabituelle des peintures de Cédric découle de la projection du sujet à travers une économie dynamique de moyens en combinaison avec un sens aigu du réalisme pictural». En tant que portraitiste, il a produit nombre d'études remarquables de ses contemporains dont John Banting (1923), Rupert Doone (vers 1923), Mary Butts (1924), Barbara Hepworth (1931), Arthur Elton (1931), Rosamond Lehmann (1932), Les Sœurs [F. Byng Stamper et C. Byng Lucas] (1935), Lucian Freud (1940), Richard Hacher (1941), Mrs Ernest Freud (1942 ?), Belle of Bloomsbury (1948), ainsi que plusieurs saisissants autoportraits.

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Michel Martin Drolling (1786–1851) - Portrait de Nicolas Baptiste dit Baptiste aîné dans le rôle d'Horace

Michel Martin Drolling (1786 – 1851)
Portrait de Nicolas Baptiste dit Baptiste aîné dans le rôle d'Horace
Huile sur toile, nd
Musée des Beaux-Arts, Caen, France

Issu de la célèbre famille Baptiste, Baptiste aîné  (1761-1835) commence sa carrière théâtrale en 1791. Il devient alors rapidement reconnu dans les rôles de pères et de raisonneurs1. Ses grands succès furent : Robert chef de brigands de Lamartellière, le Glorieux de Destouches et les Deux Frères de Kotzebue. Il quitte le théâtre en 1828 pour devenir professeur à l'école de déclamation et se retire à Batignolles où il finit sa vie. Son frère Paul Eustache Anselme dit Baptiste cadet était aussi un comédien. Baptiste aîné était le père de Françoise-Joséphine Anselme Baptiste, comédienne et sociétaire de la Comédie-Française sous le nom de Madame Desmousseaux.


Michel Martin Drölling (1786-1851) est un peintre néoclassique français. Il est l’élève de son père Martin Drölling, puis de Jacques Louis David en 1806. Sa Colère d’Achille lui vaut d’obtenir le prix de Rome en 1810. Après avoir séjourné à l’Académie de France à Rome, de 1811 à 1816, il se fait connaître pour sa Mort d’Abel exposé au Salon de 1817. Il reçoit dès lors de nombreuses commandes et produit notamment La Loi descend sur terre, elle y établit son empire et y répand ses bienfaits pour le plafond de la salle des Hommes illustres du palais du Louvre, Les États-Généraux de Tours en 1836 et La Convention d'Alexandrie en 1837 pour le musée de l'Histoire de France au château de Versailles, Jésus au milieu des docteurs pour l’église Notre-Dame-de-Lorette de Paris en 1840. Il est élu membre de l’Académie des beaux-arts de l'Institut de France en 1837, et il est nommé professeur à l'École des beaux-arts de Paris. Ses peintures d’histoire répondent au style néoclassique.

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Alex Colville (1920-2013) - Infanterie, près de Nimègue, Hollande

Alex Colville  (1920-2013)
Infanterie, près de Nimègue, Hollande,1946,
Huile sut toile ,101,6 x 121,9 cm,
Collection Beaverbrook d’art militaire, Musée canadien de la guerre, Ottawa.

Alex Colville réalise ses premières œuvres au cours de son service en tant qu’artiste de guerre officiel durant la Seconde Guerre mondiale. Puisqu’il s’engage dans l’armée dès la fin de ses études à l’Université Mount Allison au Nouveau-Brunswick, Colville considère que sa production des années de guerre ne révèle pas vraiment son éventuel développement en tant qu’artiste. Son sentiment de n’avoir pas livré sa première œuvre de maturité avant 1950, soit quatre ans après avoir peint ce tableau à partir de croquis dessinés en 1945, est abondamment cité. Toutefois, cette peinture laisse présager de nombreuses préoccupations exprimées dans ses œuvres de plus grande maturité.

 Cette œuvre préliminaire est l’une des dix-sept esquisses du Musée canadien de la guerre associées à Infanterie, près de Nimègue, Hollande, représentant le Royal Winnipeg Rifles marchant le long d’une route hollandaise. Comme par exemple ici, la composition reflète les obsessions géométriques déployées dans les œuvres ultérieures de Colville, avec une vive forme diagonale traversant la toile, du coin supérieur gauche au coin inférieur droit du plan pictural. Les soldats canadiens qui traversent le bourbier de l’estuaire de l’Escaut en Hollande sont représentés sous la forme d’une série de figures qui avancent d’un pas lourd en arrière-plan, leur poids collectif semblant pousser la figure en tête dans notre espace visuel. Colville adopte le point de vue de l’homme qui devance la filée et qui regarde en arrière alors qu’il amorce un léger virage suggéré par le sillon rempli d’eau parallèle à leur trajectoire de marche.
Des lignes diagonales légèrement incurvées apparaissent souvent dans les compositions de Colville, par exemple dans Horse and Train (Cheval et train), 1954, Soldier and Girl at Station (Soldat et fille à la gare), 1953, West Brooklyn Road (Chemin West Brooklyn), 1996 et Traveller (Voyageur), 1992. Cette technique rompt la géométrie rigide de la composition, en conférant de la douceur aux lignes dures qui sont à la base de toutes les images de Colville. Peint à Ottawa après son retour d’outre-mer, ce tableau est une image composite : les mains de la figure principale sont modelées sur les mains de l’artiste, alors que le visage s’inspire de celui de son père : « Je voyais mon père comme une sorte de caporal », explique Colville1.

En plus de L’infanterie, près de Nimègue, le Musée canadien de la guerre possède dans sa collection de la Seconde Guerre mondiale des centaines de peintures, de dessins et d’aquarelles de Colville. Bien que ce tableau n’ait pas l’accent dramatique de Cheval et train et d’autres œuvres des années 1950, il contient les germes de la préoccupation de Colville sur la place de l’être humain dans un monde brisé. Ces personnages avancent à force de volonté, une volonté déclenchée par les ordres d’autrui, mais soutenue par leur seule volonté individuelle d’agir.

Extrait de "Alex Colville, Sa vie et son œuvre" par Ray Cronin  

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 68 - Diogène antispéciste ?

 

 JEAN-LÉON GÉRÔME  1824-1904)  
Diógène  
Huile sur toile,  101 cm x 74,5 cm, 1860  
Walters Art Museum, Baltimore

Diogène n'aimait personne d'autre que les animaux et en particulier les chiens qu'il considérait comme ses égaux. C'est un fait. Il ne se doutait pas en cela qu'il avait un considérable temps d'avance (2500 ans en gros) sur la pensée humaine puisque ce type de doctrine est précisément celui qui s'est exprimé à partir de 1970 dans un courant philosophie appelé l'antispécisme. Courant introduit par le psychologue anglais Richard.D. Ryder qui publia en 1971 l'ouvrage fondateur de la pensée animaliste " Animals, men and morals". La critique antispéciste fondée sur les mêmes modèles dialectiques que le racisme ou le sexisme, correspond de manière plus large à celle du « post-humanisme »Ce dernier a connu un développement certain avec les sciences sociales qui puisent leur source dans la pensée de Jean Jacques Rousseau et dont Claude Lévi-Strauss est le plus illustre représentant moderne.... 

 Pour connaitre la suite, écoutez ce podcast...

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Roy Lichtenstein (1923-1997) - Moitié de visage avec col

Roy Lichtenstein (1923-1997)
Moitié de visage avec col, 1963
Collection privée

Roy Lichtenstein, est un des artistes les plus importants du mouvement pop art américain. Ses œuvres s'inspirent de la publicité et de l'imagerie populaire de son époque, ainsi que des bandes dessinées (« comics »). Il décrit lui-même son style comme étant « aussi artificiel que possible ». On estime qu'il a laisseéau total 4 500 œuvres en circulation dans le monde.

Glyn Warren Philpot (1884 -1937) - Un soldat italien

 

Glyn Warren Philpot (1884 -1937)
Un soldat italien, 1915
Grosvenor Galleries 

Las de peindre des portraits mondain sà Londres, Glyn Warren Philpot, décide de s'installer à Paris où il avait étudié dès le début du siècle à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens. Il commence à changer de style dès avant la Première guerre mondiale opte pour un style plus moderne, plus plat et plus stylisé que son ancienne manière. Ce nouveau style lui vaut un accueil plus que mitigé de la part de ses premiers admirateurs londoniens dont ilv a d'ailleurs s 'éloigner peu à peu. Si bien qu'en avril 1932, on peut lire dans Scotsman : « Glyn Philpot est entrain de tourner au Picasso ». il s'en faut de beaucoup mais la touche moderne ne plait pas. Dommage car elle est superbe et ce dessin qui est le tout premier où il manifeste son intérêt pour les modèles masculins noirs (qui seront récurrents dans toute son œuvre), est d'une grande beauté.

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Claudio Bravo (1936-2011) - Les vestiaires d'un match de football

 

Claudio Bravo (1936-2011)
Les vestiaires d'un match de football
Huile sur toile
Baltimore Museum of Art

Claudio Bravo (ne pas confondrre avec son homonyme footballer !)  est un artiste peintre chilien ayant  principalement vécu et travaillé à Tanger et à Taroudant, au Maroc.

En 1945, Claudio Bravo rejoint le Colegio San Ignacio à Santiago du Chili et étudie les arts au studio de Miguel Venegas Cienfuentes à Santiago. En 1954, il présente sa première exposition au Salón 13 à Santiago. Il n'a alors que dix-sept ans. En 1955, il danse professionnellement avec la Compañía de Ballet de Chile et travaille pour le Teatro de Ensayo de la Universidad Católica de Chile. Dans les années 1960, il s'établit à Madrid et devient portraitiste. Il acquiert une large reconnaissance pour la virtuosité technique avec laquelle il imite le réel.  Il commença sa carrieèe en faisant le portrait du dictateur philippin Marcos et ss femme Imelda, qui s'était prie d'une passion pour sa peinture...  ce qui ne lui rendit pas forcément service à Bravo !
En 1970, il  fait sa première exposition à la Staempfli Gallery à New York en 1970, qui reçoit alors l'appréciation du renommé critique d'art du New York Times John Canaday. Des années plus tard cependant, lorsque l'œuvre de Bravo devient un miroir du mouvement hippie, Canaday décrie l'œuvre de Bravo, la décrivant comme étant « de piètre qualité et vulgaire ». A partir de 1971, Bravo décida de s’installer  au Maroc. Il achete d’abord à Tanger une maison cossue du 19e siècle. Il la transforme et en peint les murs en blanc pour y faire entrer cette lumière de la Méditerranée si présente dans ses toiles. Il dispose également d’un atelier à Marrakech et d’un autre à Taroudant. Il y vit de façon quasi monacale, peignant plus de huit heures par jour, exigence qui l’a fait qualifier par son ami Mario Vargas Llosa de « moine laïque et d’aristocrate solitaire ». Le 4 juin 2011, Claudio Bravo succombe à Teroudant d'une crise d'épilepsie, alors qu'il est en train de dessiner son dernier tableau, qui représentait un voile tombant sur le mur de sa chambre.  Il confie, dans un film réalisé sur lui par Philippe Aubert, et présenté à New York en novembre 2010 et à Montréal en mars 2011, à quel point il est attaché au Maroc, voulant rendre à ce pays tout ce qu'il lui avait donné. Il a laissé toute sa fortune à son ami Bachir Tabchich qui l'a accompagné à Tanger et à Taroudant.

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Romeo Gregori (1900 - 1940) - Tête de Boxeur

Romeo Gregori I (1900 - 1940)
Tête de Boxeur, 1934,
Terracota , 38 x 28 x cm

Romeo Gregori était un artiste impressionniste et moderne italien. Cette œuvre exposée à la Biennale de Venise de 1934 est aujourd'hui dans une collection privée de même que les autres têtes sculptées par Gregori sur le même modèle. Il fut célèbre en son temps pour avoir sculpté en 1937, le buste du roi d'Italie d'alors.

 

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