Peter Paul Rubens (1577-1640) - Etude de Cheval et de Cavalier

Peter Paul Rubens (1577-1640)
Etude de Cheval et de Cavalier
Collection privée

Peter Paul Rubens avait la réputation de travailler à un rythme très soutenu, réalisant 1403 peintures selon le catalogue de Michel Jaffé. Il réalisa surtout de grands projets religieux, des peintures mythologiques, et d'importantes séries de peintures historiques. L' 'un des peintres l'ayant le plus admiré, Delacroix le surnommait l'« Homère de la peinture ».
Rubens fut non seulement un artiste de renom mais aussi un diplomate et un habile négociant, ce qui fit de lui un personnage connu dans toute l'Europe de son temps. Sa fortune artistique fut immense. Prisé des Grands pour l'érudition et le charme de sa conversation, il joue également un rôle diplomatique important à son époque et jouit d'une position sociale sans égale chez les artistes de son temps.

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Eliot Hodgkin - Portrait of Douglas Fitzpatrick

Eliot Hodgkin (1905-1987)
Portrait of Douglas Fitzpatrick, 1930
Crayon, et aquarelle, 58.4 x 45.7 cm
Collection privée

Le peintre britannique Eliot Hodgkin est plus connu pour ses natures mortes minimalistes et à contenu très botanique que pour ces portraits qui font figure (si l'on peut dire) d'exception. Il est fort probable que ce portrait ait été commandé par le modèle, Douglas Fitzpatrick ou par un ami de collège de Hodgkin, Henry Thomas Upcher qu'il avait rencontré à West Acre House entre 1920-1924. On sait que Thomas Upcher et Fitzpatrick ont ​​voyagé ensemble en Europe dans les années 1930 et ont vécu ensemble à la fois à Bradfield Hall dans le Suffolk et à Sheringham Hall à Norfolk, dont Upcher hérita en 1954. On peut supposer que les deux hommes,  avec cette  évocation de cottages (représenté en haut à gauche) et d'un animal familier commun (le chien berger allemand,)  ont vécu ensemble toute leur vie. Douglas Fitzgerald (1906-1986) était surtout connu pour être un passionné de voitures anciennes, propriétaire de la célèbre Metallurgique, une voiture de 1907. Les habitants de Bradfield et Sheringham se souviennent encore  que Douglas avait coutume d'offrir des bières aux habitants du village en échange de leur aide pour pousser la voiture quand elle avait une faiblesse !  Le portrait est suffisamment énigmatique pour ne pas représenter le jeune homme avec l'objet de sa passion mais au milieu de fleurs avec la  tête de leur  chien berger allemand noyé dans les pétunias !
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Charles Gleyre ( 1806-1874) - Trois fellahs

Charles Gleyre ( 1806-1874)
Trois fellahs, 1835
Musée cantonal des Beaux-arts de Lausanne

Charles Gleyre, est un peintre suisse, qui enseigna essentiellement son art à Paris. En 1834, il commence à travailler avec John Lowell Jr., un riche industriel et amateur d'art américain qu'il accompagne pour un long voyage vers la Sicile, la Grèce, l'Égypte, le Soudan, puis le Proche-Orient, en échange de dessins des sites archéologiques qu'ils visitent.
Plusieurs de ses tableaux orientalistes sont détruits dans un incendie au Caire en 1837.
En 1843 il est nommé à l'École des beaux-arts de Paris en 1843, en remplacement de Paul Delaroche de qui il récupère aussi l' atelier, surnommé La République.
L'art de Charles Gleyre art prône un retour assez conservateur à l'antique au point qu'il dira même à Claude Monet : « Rappelez-vous donc, jeune homme, que, quand on exécute une figure, on doit toujours penser à l'antique. » Le soir même, Claude Monet réunit Frédéric Bazille, Auguste Renoir et Alfred Sisley et leur suggère, de quitter l'atelier de Gleyre, ce qu'ils feront 15 jours plus tard, au printemps 1863. Sisley aussi sera indigné par le dédain de Gleyre pour le paysage et incitera ses amis à quitter son atelier et à peindre dans la nature...

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Artus Quellinus (1609–1668) (Atelier de...) - Jupiter- c. 1650–c. 1665

Artus Quellinus (1609–1668) (Atelier de...)
Jupiter- c. 1650–c. 1665
Terracotta, H: 89 cm × L: 47.5 cm × Poid 78 kg
Rijksmuseum

Dans cette terre cuite en relief,  le dieu  Jupiter se tient sur la jambe gauche, la  droite étant pliée en appui   sur un sol accidenté, devant un fond plat bordé d'une frise.  Le haut du corps est légèrement tourné vers la gauche alors que la tête barbue est tournée dans la direction opposée. Il tient sa main droite à hauteur d'épaule, la gauche est dirigée vers le bas ; dans les deux mains  il tient  un de ses attributs les plus connus : un paquet d'éclairs ! Un vague toge est suspendue à son  bras droit, servant à masquer son  sexe. Au-dessous du genou plié se trouve l'aigle aux ailes déployées ; derrière le dieu et l'aigle, un bélier tente une percée vers la droite du cadre dont il semble presque sortir. 
 

Le sculpteur flamand Artus Quellinus  dit l'Ancien parce que le premier d'une longue dynastie d'artistes) ou Arnoldus Quellijn est considéré comme le représentant le plus important du courant baroque dans la sculpture dans les Pays-Bas méridionaux. Son œuvre a eu une influence majeure sur le développement de la sculpture en Europe du Nord. Il a réalisé la plupart de ses œuvres, des reliefs à sujets mythologiques en marbre ou terre cuite,  à Amsterdam.

Charles Demuth (1883–1935) - Deux trapézistes en rouge

Charles Demuth (1883–1935)
Deux trapézistes en rouge, 1917.
Aquarelle sur papier , 20.3 x 33 cm
Barnes Foundation, Philadelphia

Le  peintre et photographe américain Charles Demuth est avec Charles Sheeler, le principal représentant du mouvement précisionniste ou cubo-réaliste. Il s'intéresse essentiellement à la représentation cubiste de sujets urbains et industriels. Son style est caractérisé par des formes simplifiées et écrasées, traversées par des lignes de force qui rythment la composition.  Diplômé de la Franklin & Marshall Academy en 1901, il étudie ensuite à l'université Drexel en 1903 et 1904 puis à la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Philadelphie dont il est diplômé en 1910. Il y est l'élève de William Merritt Chase et y rencontre William Carlos Williams avec qui il restera ami toute sa vie. Entre 1907 et 1913, il effectue plusieurs séjours à Paris où il étudie à l'Académie Colarossi et à l'Académie Julian. Il y découvre le cubisme et y rencontre Marsden Hartley qui lui présentera d'Alfred Stieglitz. En 1912, il rencontre Robert Locher, lui aussi de Lancaster, avec qui il reste jusqu'à la fin de sa vie, en couple homosexuel. Dans les années 1920, sa série de portraits, collages d'objets, de lettres et de chiffres, annonce les réalisations à venir du pop art.

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Charles Cordier (1827-1905) - Un chinois

Charles Cordier (1827-1905)
Un chinois, 1853
Bronze émaillé et incrusté
Art Gallery of Hamilton, Canada

Henri-Joseph-Charles Cordier (1827-1905) est un sculpteur français né en Algérie, alors département français. Reprenant une technique remontant à l'Antiquité romaine, il utilise des marbres polychromes représentatifs du style orientaliste et de l'éclectisme propre au Second Empire.  Volontiers qualifié aujourd'hui "d'artiste colonial", Charles Cordier est l'auteur de 617 œuvres recensées, dont 365 bustes ethnographiques et 103 portraits bourgeois. Il avait obtenu une médaille de troisième classe au Salon de 1851, une de deuxième classe en 1853, avec rappel en 185711. Il fut  nommé chevalier de la Légion d'honneur le 6 août 1860
Le buste ci-dessus fait partie de son envoi  très remarqué de deux Chinois en bronze doré, argenté et émaillé à l'Exposition universelle de Paris  en 1855. Cordier emploie des marbres de Paros, des onyx taillés pour les draperies, des émaux sur cuivre, l'argent, l'or. Il teint par différents procédés les marbres de Carrare et emploie des pierres semi-précieuses, tout en modelant dans un style classique. Grâce à des bourses octroyées par le gouvernement, l'artiste peut étudier in situ pour « fixer les différents types humains qui sont au moment de se fondre dans un seul et même peuple ».  Les bronzes de Cordier sont aujourd'hui conservés par les plus grands musées du Monde et beaucoup se trouve dans les collections de SM la reine Elizabeth II, héritage de son ancêtre la reine Victoria qui appréciait particulièrement l'art de Cordier 

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Marin sur un fond rose

Yannis Tsarouchis (1910-1989),
Marin sur un fond rose, 1955
Huile sur toile,
Collection privée

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits des marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées. 


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Andrea Mantegna (1431-1506) - Le Parnasse ou Mars et Venus - Détail Mercure et Pégase

Andrea Mantegna (1431-1506)
Le Parnasse ou Mars et Venus, Détail Mercure et Pégase
Huile sur toile, 159 × 192 cm, 1497
Musée du Louvre, Paris

Dans ce tableau Mars et Vénus placés au-dessus d'un arc de pierre, devant un lit et fond de verdure, sont entourés à gauche par Antéros, signe de l'Amour céleste, qui décoche une flèche sur l'entrejambe de Vulcain. Les neuf muses sur le devant du tableau dansent, Apollon jouant de la lyre assis à gauche. À la droite du tableau Mercure est accompagné de Pégase (détail si dessus)  derrière eux tombent les cascades de l'Hélicon. Une ville est visible dans la trouée de l'arc de pierre. 

Destiné au premier studiolo d'Isabelle d'Este situé d'abord au château San Giorgio de Mantoue, le tableau fait partie d'un ensemble d'œuvres de Mantegna avec deux autres tableaux dont Minerve chassant les Vices du jardin de la Vertu.. Le tableau aurait été retouché sur plusieurs endroits (paysage dans la trouée de l'arc rocheux). Acheté par Richelieu, le tableau fit l'objet ensuite d'une saisie révolutionnaire pour être transféré au musée du Louvre.


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Marbre antique anonyme - Apollon, IIe s

 

Marbre antique anonyme
Apollon, IIe siècle
Musée du Bardo, Tunis 

 

 Cet Apollon contemporain de la Vénus de Milo est sans doute une œuvre de commande. Comme le rappelle françoise Duthoy dans son ouvrage consacré au IIe siècle, nous sommes  aujourd'hui peu enclins à considérer une sculpture antique comme un produit de consommation déterminé par un certain marché. Pourtant, l'analyse des procédés de fabrication mis en rapport avec ce que nous savons des commanditaires, montre à quel point les sculpteurs se sont adaptés à des situations variées, au IIe siècle après J-C, à Rome et à Tivoli. Les options très différentes retenues pour le choix des modèles et leur traduction dans le marbre, ont dépendu en grande partie des clients, comme le degré d'élaboration des sculptures jusqu'au traitement de la surface.
Toutefois, dans le cas des oeuvres les plus élaborées, réalisées dans des contextes impériaux, les variations ne se sont pas manifestées dans le choix de systèmes de traduction, toujours extrêmement précis. Elles concernent plutôt les mesures qui déterminèrent des proportions différentes, le traitement des détails et de la surface. Les empereurs ont favorisé certaines manières d'ateliers qui leur ont plu particulièrement.
C'est une situation très diverse que nous observons dans le cas des commandes non impériales : le plus souvent, on n'achetait pas une sculpture pour se faire plaisir, il s'agissait de répondre à des obligations ou de respecter des convenances. Les mentions de prix, même modestes, soulignent l'importance accordées à de telles commandes. Ces inscriptions témoignent aussi de la grande variété des dépenses et il est tentant de les attribuer au travail des sculpteurs qui réalisèrent des oeuvres plus ou moins coûteuses en fonction des moyens financiers de leurs clients.
Si la copie précise et raffinée était réservée aux plus fortunés, ceux-ci ont toutefois parfois acquis des oeuvres dont l'élaboration montre des lacunes. Et inversement, une famille modeste aura fait une dépense exceptionnelle pour obtenir le portrait d'un proche très ressemblant (avec l'intervention d'un spécialiste des empreintes et la réalisation d'un modèle intermédiaire). Mais fréquemment, et surtout à Rome où les possibilités de trouver un atelier ou un marchand adapté à ses ressources ne manquaient pas, l'élaboration d'une sculpture et sa facture donnent des indications sur le statut social du client comme sur ses goûts.

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Victor Biennourry (1823-1893) - Etude de Soldat, 1851-52

 

Victor  Biennourry (1823-1893)
Etude de Soldat, 1851-52
Crayon Comté et pastel sur papier , 41,9x 30, 3 cm
The Metropolitan Museum of Art, New York 

Cette étude de soldat est un déssin prepartoire réalisé pour  les décors d'une chapelle de l'église Saint-Eustache à Paris, et en 1852 pour les chapelles Saint-Pierre et Saint-Paul de l’église Saint-Séverin.
Le peintre français Victor Eloi Biennourry fut l'élève de Michel Martin Drolling. Peintre d'histoire, il reçoit de nombreuses commandes publiques sous le Second Empire, pour le palais des Tuileries à Paris (salons de l'Impératrice, cabinet de travail de l'Empereur), pour le palais du Louvre et pour de nombreuses églises parisiennes. En parallèle, il réalisa des portraits officiels, dont celui de Charlemagne de Maupas, ministre de la Police générale, un compatriote champenois. En mai 1871, il décrit les Tuileries incendiées.


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William Bouguereau (1825-1905) - Egalité devant la mort

William Bouguereau (1825-1905)
Egalité devant la mort, 1848
Huile sur toile, 141 x 269 cm
Musée d'Orsay, Paris

Notice du Musée d'Orsay concernant cette œuvre :

"Egalité devant la Mort  est le premier tableau important de Bouguereau, jeune homme de 23 ans entré à l'Ecole des beaux-arts de Paris deux ans plus tôt. Soumis à une forte pression familiale, l'artiste doit réussir coûte que coûte. Comme l'écrira plus tard le critique Léon Plée, il est alors "pressé de se faire connaître". Pour sa première participation au Salon, Bouguereau présente cette toile monumentale et spectaculaire représentant un ange de la mort recouvrant d'un linceul le cadavre nu d'un jeune homme. L'image est susceptible de toucher tout un chacun par son évocation du caractère inéluctable de la mort. Cette vision sombre sonne comme une mise en garde, en témoigne cette notation sur un dessin préparatoire : "Egalité. Lorsque l'ange de la mort étendra sur vous son linceul, à quoi vous aura servi la vie si vous n'avez fait le bien sur la terre". Mais l'égalité dont il est ici question n'est pas tout à fait celle à laquelle aspirent, un peu partout en Europe au cours de l'année 1848, les Libéraux. Bouguereau adhère à une conception conservatrice et profondément religieuse, selon laquelle l'égalité, loin d'être un objectif politique ou social, n'existe que dans l'au-delà. Le tableau nous rappelle donc à la fois les inquiétudes de Bouguereau face aux évolutions politiques de son temps et ses doutes plus personnels quant à son propre avenir. Par son dépouillement et sa construction en frise, le tableau évoque le purisme de l'artiste néoclassique anglais John Flaxman (1755-1826). Son caractère funèbre et dramatique le rattache également au climat romantique. On songe au fameux tableau de Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823), La Justice et la Vengeance divine poursuivant le Crime (1808, Paris, musée du Louvre), et, plus récemment, à l'oeuvre d'Henri Lehmann (1814-1882), Jérémie dictant ses prophéties (1842, Angers, musée des Beaux-Arts), où figure un ange implacable tout à fait comparable."


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Charles André van Loo (1705-1765) - Homme nu dormant

 

Charles André van Loo (1705-1765)
Homme nu dormant
Collection privée 

 

 Charles André van Loo, dit Carle van Loo, est un peintre français, fils du peintre Louis-Abraham van Loo et le frère du peintre Jean-Baptiste van Loo (1684-1745). Il connut une carrière brillante et devint immensément célèbre, sous la protection de la Marquise de Pompadour pour laquelle il travailla énormément.
Il est le plus connu des membres de la dynastie des Van Loo, établie en France au 17e siècle.
Sa maîtrise technique est assurément exceptionnelle. Consciencieux, peu sûr de lui et peu instruit, il suivait les conseils de ses amis, se laissant influencer par la critique, modifiant ses compositions et n'hésitant pas à détruire ses œuvres. Ce fut le cas, par exemple, pour la première version de son œuvre Les Trois Grâces. Ceci explique la froideur de ses toiles les plus ambitieuses, en comparaison avec les esquisses préparatoires.
Diderot dira dans sa Notice sur Carle Vanloo en 1765 : « Le premier malotru assez confiant pour dire des bêtises était capable de lui barbouiller le plus beau tableau avec une sotte critique ; il en a gâté plus d’un sur des observations qui n'avaient souvent pas le sens commun ; et à force de changer, il se fatiguait sur son sujet, et finissait par une mauvaise composition, après en avoir effacé une excellente. »
Le succès public de ses tableaux fut considérable. On ne connaît pas d'équivalent à ce phénomène avant l'engouement suscité par la peinture morale de Jean-Baptiste Greuze et la peinture héroïque de Jacques-Louis David.

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Carl Moon (1878-1948) - A Navajo boy, 1907

 

Carl Moon (1878-1948)
A Navajo boy, 1907
Toned gelatin silver print, 243 x 175 mm
Private collection (Doyle NYC) 

Il existe  peu de biographies de Carl Moon pourtant photographe reconnu des peuples premiers du continent  américain. Il semblerait que ce soit les romans de James Fenimore Cooper qui aient éveillé très tôt l'intérêt  du jeune Carl Moon pour les Indiens d'Amérique. Plus tard il fut parmi les premiers américains à les regarder et à les photographier, dans un contexte social qui leur était particulièrement hostile. Étudiant la photographie dès sa sortie du lycée,  Carl Moon déménage en 1903 dans le sud-ouest des Etats-Unis et commence d'abord à peindre puis à photographier les Amérindiens qu'il croise au  Nouveau-Mexique. Ses portraits frappants, très personnalisés, cédant peu au folklore, attirèrent rapidement l'attention des autorités à tel point que le président Théodore Roosevelt l'invita à la Maison Blanche pour s'entretenir avec lui des peuples amérindiens. En 1907, Moon décide de se fixer dans la région du  Grand Canyon en Arizona, et se fait embaucher comme photographe pour la société Fred Harvey. Sept ans plus tard, Moon et sa femme Grace décide d'aller habiter à Pasadena (Californie) où ils se lancent dans les livres pour enfants : Grace écrit les texte et Carl s'occupe des  illustrations. En 1936, il publia un  coffret en  4 volumes Indians of the Southwest, illustré de ses nombreuses photographies, qu'il vendit pour la somme alors astronomique de... 3 500 $. À la fin de sa carrière, Moon avait photographié vingt-neuf tribus et villages de tout le sud-ouest américain. Son œuvre considérable reste une des plus importantes consacrées aux amérindiens.  

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Thomas Eakins (1844-1916) - Etude de tête de pêcheur pour " En Réparant le Filet "

Thomas Eakins (1844-1916)
Study of a Man's Head for "Mending the net"
(Etude de tête de pêcheur pour " En Réparant le Filet ")
Collection privée

Thomas Cowperthwaite Eakins est un peintre, sculpteur et photographe américain, associé au courant moderniste du réalisme américain. Admis à l'École des beaux-arts de Paris dans les ateliers de Jean-Léon Gérôme, puis de Léon Bonnat de 1866 à 1868, il séjourne ensuite quelque temps à Pont-Aven à l'instigation de Robert Wylie. Il voyage ensuite en Espagne avant de retourner aux États-Unis où il commence une brillante carrière de peintre réaliste et se spécialise dans la peinture des sportifs (boxeurs, lutteurs, rameurs, joueurs de base ball... ). Amoureux de la vérité optique, il s'intéresse aussi à la photographie. En 1882, il devient professeur à l'académie des beaux-arts de Pennsylvanie, une école d'art avant-gardiste où l'on enseigne notamment la photographie. En 1886, il perd son poste de professeur à l'académie pour avoir admis un public féminin lors d'un cours d'anatomie d'après modèle masculin... 

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Frederic Remington (1861-1909) - The End of the Day

Frederic Remington (1861-1909)
The End of the Day, c. 1904
Oil on canvas
Frederic Remington Art Museum, Ogdensburg, New York

 

Dans cette magnifique toile, peinte en 1904, le grand Frederic Remington choisit de décrire une tempête de neige sous une lumière blafarde de  fin de journée (le titre du tableau est "Fin de Journée") dans une petite ville du Grand Nord américain où le climat a toujours été rude. Un homme se presse de libérer de leur attelage de traineau, deux chevaux fourbus et couverts de neige... La palette qu'il choisit  pour cette scène crépusculaire est celle du noir et blanc intégral à l'exception de deux touches de jaunes, figurant les lumières des bougies ou du feu dans la maison du bout du village.  Un trait de génie de ce grand coloriste qui sut peindre la  tombée du jour et la nuit comme personne...

Frederic Sackrider Remington fut un peintre, dessinateur et sculpteur américain qui se spécialisa dans la description de l'Ouest américain. Né à Canton, dans l'Etat de New York, il passa son enfance à chasser et à monter à cheval tout en commençant à réaliser quelques croquis et dessins. Il a suivi des cours d'art à l'université de Yale, où il trouvait le football et la boxe plus intéressants que l'art. А la mort de son père, il devient employé de bureau et s'établit à Albany. Puis il fait son premier voyage dans l'Ouest et devient "homme d'affaires" à Kansas City. Dans la foulée, il publie ses illustrations et ses dessins dans des publications telles que le Collier's Weekly et Harper's Magazine.
Alors qu'il est devenu mondialement célèbre pour ses descriptions de la vie dans l'Ouest américain, en peignant aussi bien les cow boys que les indiens et leurs chevaux, Remington n'a visité la région qu'à deux ou trois reprises, en y restant quelques mois seulement. Ces descriptions de la vie des pionniers avant que le Far West ne soit mis en valeur par le cinéma et que ce genre de vie ne disparaisse, sont des documents inestimables.
En 1892, il part en voyage en Russie et tombe en admiration devant les bronzes de Lanceray, dont il avait pu découvrir des œuvres exposées à Philadelphie en 1876. Il s'en inspira pour créer sa célèbre série de bronzes Bronco Buster.
En 1898, il se fait engager par William Randolph Hearst, pour devenir correspondant de guerre et illustrateur du conflit hispano-américain de 1898. Il s'ennuie très vite dans ce travail, mais il rend tout de même compte de la bataille de San Juan Hill et dessine l'assaut des forces américaines menées par Theodore Roosevelt.
Obèse, victime d'une très mauvaise hygiène alimentaire et d'une déplorable hygiène de vie, Frederic Remington meurt d'une appendicite aggravée en péritonite.
Son oeuvre sur l'Ouest américain a influencé la photographie du film La Charge héroïque de John Ford. Frederic Remington fut aussi le personnage central du tome 40 des Aventures de Lucky Luke, L'Artiste peintre dans lequel le cowboy qui tire plus vite que son ombre assure la protection dans l'ouest américain. C'est dans cet album que l'on apprend d'ailleurs que Frederic Remington avait la mauvaise habitude de brûler les toiles qui ne lui plaisaient plus. Et c'était vrai ! Bon nombre de témoignages sans doute fabuleux ont ainsi disparu à tout jamais.

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Newell Convers Wyeth (1882-1945) - A Young Maine Fisherman

 

Newell Convers Wyeth (1882-1945)
A Young Maine Fisherman, 1933
(Un Jeune Pêcheur du Maine, 1933)
Huile sur toile, 133 x 122cm
Bank of America Merrill Lynch Collection

Les Wyeth sont une dynastie de trois générations d'artistes américains dont Andrew Wyeth (1917-2009) est le plus connu auprès du public français. Newell Convers Wyeth  (1882-1945) le père de Andrew, fut surtout connu pour ses talents d'illustrateur et notamment grâce à L'Ile au trésor de Stevenson qui le renditcélèbre. Toutes les aventures qu'il illustra eurent pour cadre Wilmington dans le Delaware où il décida de vivre. Puis il choisit de se consacrer à de plus grandes oeuvres, proche de ses aspirations artistiques. Ses peintures sont très réalistes et ses descendants reprendront ses personnages en costume et de trois quarts.

 
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Barbara Hepworth (1903-1975) - Surgery

 

Barbara Hepworth (1903-1975)
Surgery, c.1949
Huile et crayon sur papier collé sur carton
Collection Privée

Barbara Hepworth est une sculptrice et artiste peintre britannique qui fit des études en arts plastiques en 1920 à la Leeds College of Art and Design puis au Royal College of Art de 1921 à 1924, où elle rencontre le sculpteur Henry Moore. Son œuvre s'inscrit dans la recherche d'une forme idéale, mais une forme idéale qui reste dépendante d'une conception esthétique classique. Cette forme idéale se fonde sur une idée de la beauté, qui, d'inspiration classique, trouve des traits dans la conception formelle de la Grèce antique. Elle veut donner à son œuvre une unité parfaite. Ainsi, dans la publication de Unit One en 1934, elle écrit que son objectif est de « projeter dans un médium plastique un peu de la vision abstraite et universelle de la beauté. »Ainsi, à la différence de Moore, les trous ont une fonction esthétique et non dynamique, car ils offrent une variété infinie de courbes, donnant à la nature la capacité de reprendre ses droits sur l'œuvre. La sculpture s'intègre dans l'espace, elle « fait corps » avec l'espace.

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Andrea Solario (1460-1524) - Portrait d'un homme, 1500

Andrea Solario (1460-1524)
Portrait d'un homme, 1500,
Huile sur panneau de bois, 42 x32 cm
Pinacoteca de Brera, Milano 

 

Il s'agit ici d'un portrait de fiançailles comme Solario en exécuta beaucoup, le plus célèbre étant celui conservé a la National Gallery de Londres. 

Issu d'une dynastie d'artistes et d'architecte, Antonio Solario ou Solari se forme dans un environnement lombard très ouvert aux apports nordiques et sensible à la proximité de Venise.
Il fut un des plus importants peintres de l'école de Léonard de Vinci. Il fut un des tout premiers italiens à s'expatrier en France de 1507 à 1510 avant la venue de Rosso et du Primatice que François Ier attire à Fontainebleau à partir de 1530.

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Hendrik Goltzius (1558-1617) - Selfportrait, 1593

Hendrik Goltzius (1558-1617)
Selfportrait, 1593
Black and colored chalk, pen and gray ink, watercolors, heightened with white
Albertina, Vienna 

Hendrik Goltz ou Hendrick Goltz, connu sous la forme latinisée de son nom, Goltzius est un dessinateur, peintre et graveur néerlandais (Pays-Bas espagnols puis Provinces-Unies).
Ses gravures, très prisées, issues de ses propres dessins ou transposant les œuvres de ses contemporains, contribuèrent efficacement à la diffusion du maniérisme en Europe.
Conscient de la valeur de son art et animé de la volonté d'indépendance propre aux créateurs passionnés et désintéressés, Goltzius adopta pour devise Eer boven Golt, ce qui signifie littéralement « l'honneur est au-dessus de l'or » ou, par jeu de mot, « l'honneur est sur Golt[z] ».

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Duncan Grant (1885-1978) - Les acrobates

 

 

 
Duncan Grant (1885-1978)
Les acrobates, fusain et aquarelle
Collection privée 

 

 

Duncan James Corrow Grant est un peintre britannique (écossais), designer de textiles, de poteries, de décors de théâtre et de costumes qui occupa une place centrale dans le Bloomsbury Group principalement composé de Virginia Woolf, E. M. Forster et Mary (Molly) MacCarthy, Lytton Strachey, John Maynard Keynes, Vanessa Bell, Roger Fry, Desmond MacCarthy, Clive Bell et Leonard Woolf..
En tant que fils de militaire, il passa une grande partie de son enfance en Birmanie et en Inde, mais pas du tout dans l'atmosphère exotique et luxueuse de l'armée des Indes que l 'on pourrait imaginer, son père faisant partie des soldats les plus pauvres de l'Empire, ce que l'on appelait, "l'Armée des Pauvres".
Entre 1899 et 1900, Grant a vécu avec sa tante et son oncle, Sir Richard et Lady Strachey et leurs enfants (Lytton Stachey) découvrant un monde d 'élégance et de raffinements esthétiques qui lui étaient jusqu'alors inconnus.
Pendant cette année qui fut décisive dans la formation du jeune Grant, il accompagna assidument sa tante Lady Strachey dans ses activités de peintre du dimanche, ce qui lui donna accessoirement l'opportunité de rencontrer toute une série de peintres assez connus. Etonnée par les talents de son neveu "pauvre", Lady Strachey réussit à persuader ses parents de l'autoriser à se charger de son éducation artistique. Ainsi au cours de l'hiver 1904-1905, Grant visita l'Italie où, à la demande de Harry Strachey, il réalisa des copies d'une partie des fresques de Masaccio dans la chapelle de Brancacci.
En 1909 Grant, rendit visite à Gertrude Stein à Paris et vit sa collection qui comprenait des peintures, entre autres, de Picasso et de Matisse. Pendant l'été de cet même année, Grant rendit visite à Matisse lui-même dans sa maison de Clamart.
Au delà de ses moeurs très libres et de sa vie sentimentale bisexuelle très fournie, à la fois avec Vanessa Bell, John Maynard Keynes, David Garnett, Roger Fry et Paul Roche (entre autres)... Duncan Grant est surtout connu pour un style de peinture, qui se situe dans le prolongement des post-impressionnistes français, dont Roger Fry avec lequel il travailla souvent, surtout dans le cadre des Ateliers Omega, qu'il fonda en 1913 et qui était une véritable entreprise d'art décoratifs mêlant céramiques, textiles et décors peints d'un genre très particulier...
Vanessa Bell et Duncan Grant continuèrent à vivre ensemble pendant plus de quarante ans, ce qui n'empêcha nullement Grant d'avoir des relations homosexuelles régulières.
Durant les dernières années de la vie de Grant, son ancien amant le poète Paul Roche (1916-2007), qu'il connaissait depuis1946, prit soin de lui et lui permit de maintenir son mode de vie à Charleston, où Angelica s'installa à son tour. En contrepartie, Grant fit de Roche son cohéritier avec sa fille Angelica.
Grant mourut finalement dans la maison même de Paul Roche en 1978.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Les Baigneurs, 1920 (dessin + toile)

 

Pablo Picasso (1881-1973)
Les  Baigneurs, 1920
Collection privée

Le thème des baigneurs à la plage a été traité à de nombreuses reprises par Picasso comme dans La flûte de Pan publié dans ce blog. Ce beau dessin des années 20 est un dessin préparatoire à la toile qu'il peignit l'année suivante et que voici :

Henry Lamb (1883-1960) - Corporal W. J. Courtney 40th Battalion

Henry Lamb (1883-1960)
Corporal W. J. Courtney 40th Battalion, 1942
National Portrait Gallery, London

Henry Taylor Lamb est un peintre britannique né en Australie qui fut un élève de Augustus John et un membre fondateur du Camden Town Group.
Henry Lamb est connu pour ses portraits de soldats et son rendu inhabituel des silhouettes, comme l'illustre son portrait le plus connu, celui de Lytton Strachey exagérément allongé. Il a été élu membre associé de la Royal Academy en 1940 puis membre permanent en 1949. Il fut administrateur de la National Portrait Gallery en 1942 et de la Tate Gallery de 1944 à 1951.
Outre The Imperial Museum of Warn des œuvres de Lamb sont conservées dans des musées régionaux en Grande-Bretagne, dans la British Government Art Collection et au Musée des beaux-arts du Canada qui conserve la majorité des portraits des troupes canadiennes ayant participer à la Seconde guerre mondiale.

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Charles Fairfax Murray (1849-1919) - Self Portrait

Charles Fairfax Murray (1849-1919)
Self Portrait
Brush and brown wash and pencil, some extraneous blue watercolor, on paper
36.2 x 25.4 c, avant 191
Morgan Library & Museum

Charles Fairfax Murray est un peintre, marchand d'art, collectionneur d'art, mécène et historien de l'art anglais qui est associé à la deuxième vague du préraphaélisme. Repéré par John Ruskin à l'âge de 16 ans, Fairfax Murray est engagé en 1867 comme premier assistant d'atelier chez Edward Burne-Jones. Il devient rapidement l'un des membres du cercle de Dante Gabriel Rossetti, co-fondateur du mouvement préraphaélite ; il noue également des amitiés avec William Morris et Philip Webb. Il travaille pour l'entreprise d'art décoratif que dirige Morris, où il contribue à exploiter les dessins de Burne Jones ; il enlumine également des manuscrits de Morris.  À partir de 1888, il se lie d'intimité avec Blanche Richmond, qui posait pour lui et avec qui il va avoir plusieurs enfants. Murray est alors très respecté comme connaisseur et conseiller de collectionneurs privés. Il possède également un nombre considérable et croissant de tableaux de maîtres anciens, dont Portrait de son frère de Rembrandt, Enfant Jésus avec la Vierge et Saint Jean de Botticelli et Lucas Vosterman de van Dyck.
Son but a toujours été de mettre les œuvres qu'il possédait dans les collections publiques ; en 1904, il vend sa collection de plus de 800 dessins préraphaélites au Birmingham Museum and Art Gallery. Il donne son Titien Tarquin et Lucrèce, plus d'une douzaine de Constable, les quatre premiers Gainsborough et un Corot au Fitzwilliam Museum à Cambridge ainsi que des épreuves Morris et des manuscrits de la collection de William Morris. 

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Hendrick ter Brugghen (1588-1629) - Democrite riant

 

Hendrick ter Brugghen (1588-1629)
Democrite  riant, 1628
Huile sur toile, 85,7 cm x 70,0 cm
Rijksmuseum, Amsterdam

Bien qu'il disparût prématurément, l' œuvre  d'Hendrick ter Brugghen semble avoir été très appréciée de son vivant, et elle exerça une grande influence sur ses contemporains. Ainsi, Constantin Huygens le célèbre-t-il comme l’un des meilleurs peintres d’histoire néerlandais. Par ailleurs, sa façon de traiter les sujets religieux se retrouve chez Rembrandt, tandis que des éléments stylistiques apparaissent chez Frans Hals et Johannes Vermeer, lequel fut vraisemblablement influencé par son utilisation de la couleur. Malgré tout, à Utrecht, ter Brugghen sera resté dans l’ombre de Van Honthorst, dont l'œuvre connut un succès plus important. Son Démocrite riant ci-dessus était destiné à être le pendant du portrait d'un autre philosophe Héraclite, beaucoup moins rieur  !

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Auguste Chabaud ( 1882-1955) - Le Bar aux Canotiers

Auguste Chabaud ( 1882-1955)
Le Bar aux Canotiers
Huile sur toile c. 1908.

 
Entré à l'école des beaux-arts d'Avignon en 1896, Auguste Chabaud a pour maître Pierre Grivolas. Puis en 1899, il part à Paris poursuivre ses études à l'Académie Julian et à École des beaux-arts, dans l'atelier de Fernand Cormon (1845-1924). Il rencontre Henri Matisse et André Derain. La propriété viticole de ses parents subit la crise de 1900, obligeant Auguste Chabaud à redescendre dans le Midi.  En 1901, Auguste Chabaud doit quitter Paris pour gagner sa vie, il s'embarque comme pilotin sur un navire et découvre la côte occidentale africaine. La même année son père meurt ; il hérite avec son frère de la propriété viticole et des terres que seul son frère va gérer. À cette période, Chabaud travaille beaucoup sur  des papiers de boucherie. En 1907, il expose au Salon des indépendants  avec les fauves. Il va découvrir une nouvelle vie, celle de la nuit parisienne et des cabarets. Les collectionneurs commencent à s'intéresser à son travail. À Montmartre où il a son atelier, il peint les rues et les places animées ou désertes, les scènes de la vie nocturne et les maisons closes. En 1911, il entame sa période cubiste, travaille de grands formats et sculpte. S'ensuivent de nombreuses expositions dont celle de New York en 1913 où il expose aux côtés d'Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck et Pablo Picasso, puis à Chicago et Boston. Ses toiles de la période fauve décrivent la vie nocturne parisienne : cabarets, cafés théâtre, prostituées, aux teintes de couleurs vives (jaune, rouge) contrastant avec les couleurs de la nuit (bleu marine, noir).  À son retour de la Première Guerre mondiale, en 1919, Auguste Chabaud s'installe définitivement à Graveson, dans les Alpilles. À partir de 1920, il entame sa période bleue où il emploie le bleu de Prusse à l'état pur, dans laquelle la Provence, ses personnages et ses coutumes sont mis en avant. Le Sud, qu'il n'a jamais cessé de peindre, même dans sa période parisienne, va l'occuper désormais exclusivement. Comme l'avait fait Paul Cézanne avec la montagne Sainte-Victoire, Auguste Chabaud immortalisera « la montagnette », peignant des scènes de campagne, des paysans arpentant les collines et sentiers des Alpilles. Il y restera jusqu'à la fin de sa vie, vivant reclus dans sa maison avec sa femme et ses sept enfants. Surnommé l'« ermite de Graveson », il meurt en 1955.

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Camée (Antinous)

Camée (Antinous), (131–38 avant J.-C.)
Calcédoine noire et or  3,4cm
The Getty Museum

De nombreux camées à l 'effigie d'Antinous ont été réalisés sous l'Antiquité romaine ou à partir de pièces antiques sous la Renaissance. Celui-ci est l'un des plus beaux qui soient parvenus jusques à nous.   
Lors de la vente de camées et d’intailles chez Christie’s New York, en avril dernier, le Getty museum a acquis 17 lots dont cette calcédoine noire romaine gravée en creux d’un portrait d’Antinoüs, amant de l’empereur romain Hadrien. Avec sa partie manquante imaginée en or par le sculpteur, cette intaille (131–38 avant J.-C.)  a atteint $2 millions. 

 
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William Blake Richmond (1842- 1921) - Orphée de retour du royaume des morts

William Blake Richmond (1842- 1921)
Orphée de retour du royaume des morts, 1885
Huile sur toile
The Royal Academy of Arts, London

 
William Blake Richmond (à ne pas confondre avec William Blake 1757-1827) est un peintre britannique  qui pratiqua à la fois la peinture de portraits et les techniques du vitrail et de la mosaïque : on lui doit notamment une partie des décorations de la cathédrale Saint-Paul de Londres.
Il a été Maître de l'Art Workers' Guild en 1891.

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François Boucher (1703-1770) - Apollon

 

 

François Boucher (1703-1770)
Apollon
Musée du Louvre, Paris

Le peintre français François Boucher, représentatif du style rococo fut un maître particulièrement prolifique, qui aborda tous les genres : peinture religieuse, sujets mythologiques, scènes rustiques, paysages, animaux, décorations de monuments et de maisons particulières, modèles de tapisserie. C’est peut-être le plus célèbre peintre et artiste décoratif du XVIIIe siècle. Il estimait lui-même, un an avant sa mort, avoir produit plus de 10.000 dessins, mais trouvait encore le temps de travailler dix heures par jour à des représentations idylliques et voluptueuses de thèmes classiques, mythologiques et érotiques, d’allégories décoratives et de scènes pastorales. Il était peintre de la cour de Louis XV et le favori de la marquise de Pompadour, dont il a peint plusieurs portraits. Boucher ne chercha pas à reproduire la réalité. C'était un peintre précieux et sensuel, utilisant des coloris brillants, des lignes serpentines et une profusion d'accessoires pittoresques. Sa prédilection pour les nus féminins lui vaut, de son vivant, le surnom de « peintre des Grâces » que l'on railla assez facilement en "peintre des grasses" par allusion aux formes avantageuses de ses modèles !... mais il dessina aussi quelques magnifiques nus masculins comme celui-ci...

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Adriaen Thomasz Key (1544-1589) - Portrait d'un homme âgé de 65 ans

 

Adriaen Thomasz Key (1544-1589)
Portrait d'un homme âgé de 65 ans, 1578
Huile sur bois, 45.5 x36 cm
Museum Boijmans Van Beuningen

 
Bien qu'il ait réalisé des autels pour les églises d'Anvers, il est surtout connu comme portraitiste, genre dans lequel  - comme on peut le voir ici -  il excelle, son art se caractérisant par une extrême précision. Son plus célèbre portrait est celui de  Guillaume Ier, prince d'Orange  conservé au Rijksmuseum d'Amsterdam avec cinq autres cinq de ses portraits.  Adriaen Thomas Key (dit « Le Jeune»), est un peintre flamand,  probablement le fils d'Adriaen Thomas Key (dit « L'Ancien »). Adriaen Thomas Key a été formé et a collaboré avec Willem Key avec lequel il entretient probablement un lien de parenté. À la mort de ce dernier, en 1568, il s'inscrit à la guilde de Saint-Luc d'Anvers et reprend sans doute l'atelier de son maître. Bien que calviniste, il reste dans sa ville natale après la prise d'Anvers par les troupes espagnoles en 1585, où il est mentionné pour la dernière fois en 1589.

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Ghislandi ou Fra Galgario (1655-1743) - Ritratto del conte Giovanni Secco Suardo con domestico

 

 

 

Ghislandi ou Fra Galgario (1655-1743)
Ritratto del conte Giovanni Secco Suardo con domestico
Olio su tela, 125 x 111 cm
Accademia Carrara, Bergamo

Représentant d'une famille bergamasque de tradition ancienne, Giovanni Secco Suardo s'abandonne à nos yeux habillé de manière informelle, avec sa chemise défaite, la tête rasée, sans perruque, en présence d'un vieux serviteur  à la présence marquante. Le contraste entre l'expression légèrement raide du gentilhomme et l'expression amusée du serviteur est le véritable sujet de la peinture, également magistrale en ce qui concerne la  technique picturale  et la splendeur chromatique de Ghislandi.
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Francisco de Zurbarán (1598-1664) - Tête d'un Moine Portant une Capuche

Francisco de Zurbarán (1598-1664)
Tête d'un Moine Portant une Capuche, 1635-55
Craie noire et lavis gris avec des traces de plume et d'encre, 27,7 x 19,6 cm.
The British Museum, London.

 

En 1600, il y avait trente-sept couvents à Séville. Dans les vingt-cinq années qui ont suivi, quinze nouvelles maisons ont été fondées. Les couvents sont été de grands mécènes, très exigeants quant à la composition et à la qualité des œuvres. Ainsi, par contrat, Zurbarán acceptait que des tableaux lui soient retournés s'ils ne donnent pas satisfaction. Les religieux et religieuses étaient très sensibles à la dimension esthétique des représentations, et ils pensaient que la beauté était plus stimulante pour l'élévation de l'âme que la médiocrité. Ces abbés et abbesses étaient le plus souvent des personnes cultivées, érudites, raffinées, aux jugements de goût très sûrs.
Dans l'église, il y a presque toujours un retable comportant des scènes de la vie du Christ. Par ailleurs, au cours du xviie siècle, les sacristies — où sont rangés les vêtements sacerdotaux — sont de plus en plus richement décorées. On place aussi des tableaux dans le cloître, le réfectoire, les cellules et souvent les œuvres médiévales sont détruites. Dans la bibliothèque et la salle du chapitre, on trouve plutôt la vie du fondateur et des personnalités importantes de l'Ordre. Ces exigences étant celles de tous les couvents, les peintres de second ordre pouvaient faire des "séries", mais les maîtres reconnus se renouvelaient, approfondissaient leur art et recueillaient les plus nombreuses commandes.

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Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson dit Girodet (1767-1824) - Portrait du violoniste Alexandre Boucher

 

 

Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson dit Girodet (1767-1824)
Portrait du violoniste Alexandre Boucher, 1819
Musée du Louvre.

Bien qu'ayant commencé comme un fidèle disciple de son maître Jacques-Louis David, Girodet s'efforce ensuite de développer un style personnel, jouant avec les effets de lumière. À la peinture d'Histoire, il préfère une sorte de symbolisme éthéré. Dramatisant à l'excès ses sujets, il excelle dans la pose et le travail de la lumière. Il bouscule les codes de la sensibilité en les transposant dans les scènes religieuses. Lors de son séjour de cinq ans en Italie, Girodet se démarque de la gravité et de la retenue de David et envoie au Salon en guise d'académie imposée, Le Sommeil d'Endymion (Musée du Louvre) dont le caractère onirique et étrange est considéré comme une des premières manifestations du romantisme. Ses tableaux plurent aux romantiques par les sentiments exaltés qu'il y représentait. Honoré de Balzac en fait l'éloge dans Sarrasine (1831) qui était par ailleurs un grand admirateur de Girodet, le cite encore dans La Bourse et La Maison du chat qui pelote. Il excelle dans la vérité des portraits, parfois allégoriques (Jean-Baptiste Belley, Mademoiselle Lange en Danaé), souvent intimes — le fils de son père adoptif a été peint à trois époques : jeune enfant, préadolescent et adolescent —, il sait révéler l'âme de ses personnages comme dans son célèbre Portrait de Chateaubriand (Saint-Malo, musée d’Histoire de la Ville et du Pays Malouin). Un de ses portraits, Mademoiselle Lange en Danaé (1799), fait scandale à cause de ses allusions sexuelles satiriques. Cette anecdote, où Girodet se venge de la célèbre Merveilleuse Mademoiselle Lange de n'avoir pas apprécié un premier portrait d'elle, illustre bien le caractère irascible et incontrôlable de ce peintre. Il réalisa des décors peints pour les demeures de Napoléon, premier consul puis empereur, et participa à la représentation de l'épopée napoléonienne. Sa peinture d'histoire s'arrange souvent avec les faits pour leur donner une dimension métaphysique ou esthétique : dans sa Révolte du Caire, il peint plusieurs belligérants n'ayant jamais participé à l'événement. Dans la Légende napoléonienne, l’Apothéose des Héros français morts pour la patrie pendant la guerre de la Liberté (1802) représente le barde Ossian accueillant au paradis les généraux Desaix, Kléber, Marceau, Hoche et Championnet. Cette toile ne cesse d’étonner par son côté novateur annonçant le premier romantisme. Girodet a aussi illustré des livres, notamment des éditions de Jean Racine et de Virgile. Le graveur Barthélemy Joseph Fulcran Roger réalisa plusieurs gravures en taille-douce des illustrations de Girodet, notamment d'un portrait de Constance de Salm.

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Bartolomeo Passarotti (1529-1592) - Tête d'homme

 

 

Bartolomeo Passarotti (1529-1592)
Tête d'homme, vers 1560-157
Collection privée

Bartolomeo Passarotti ou Passerotti est un peintre et graveur italien maniériste de la Renaissance tardive connu surtout pour ses peintures sacrées et ses portraits. Membre de la Compagnie des Quatre Arts, il participa а la « querelle » pour la séparation des peintres et des membres de la corporation des Bourreliers, Gainiers et Fourbisseurs, octroyée en 1569. Portraitiste de plus en plus réputé, il s'intéressa à la fin des années 1580 à la peinture de scènes de genre. Sensible aux recherches contemporaines du naturaliste Aldovrandi, il fut un collectionneur passionné d'antiquités et de curiosités, allant jusqu'à constituer un « musée », enrichi par la suite par son fils Tiburzio. Il mourut en 1592.

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Paulus Hector Mair (1517-1579) - Traité d'escrimes "De arte athletica "

Paulus Hector Mair (1517-1579)
Traité d'escrimes "De arte athletica ", Tome I, Manuscrit de Munich,
Bibliothèque d'État de Bavière.

Paulus Hector Mair (1517-1579) est un fonctionnaire d'Augsbourg intéressé par les arts martiaux de son temps. Il a recueilli des Fechtbüch (traités d’escrime allemands) et a entrepris de rassembler toutes les connaissances sur l'art de l'escrime dans un recueil destiné à dépasser tous les livres précédents. Pour ce faire, il a engagé le peintre Jörg Breu le Jeune, ainsi que deux tireurs expérimentés, qu’il a chargé de perfectionner les techniques avant qu’elles soient peintes. Le projet a été très coûteux, durant quatre ans, et selon Mair, nécessitant d’y consacrer la majeure partie des revenus et des biens de sa famille. Trois versions manuscrites de la compilation, et une plus tardive et moins complète, ont été préservées. Non seulement Paulus Hector Mair a dépensé des sommes considérables pour ses collections et ses projets, mais il a également eu un mode de vie très dispendieux, afin d’accueillir dans des réceptions les plus importants bourgeois d'Augsbourg.  Ses propres revenus n'étaient pas suffisants pour cela, et pendant de nombreuses années, il a détourné des fonds de la ville, dont la responsabilité lui avait été confiée depuis 1541. Ses malversations ont été découvertes en 1579, et Mair a été pendu comme un voleur à l'âge de 62 ans. Ces traités d’escrime (notamment celui conservé à Munich) peuvent être considérés comme les plus beaux de l’histoire de l’escrime. Ils sont représentatifs de l’école allemande de Johannes Liechtenauer.

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Jacques Ier Laudin (c. 1627-1695) - Claudius César à cheval

 

Jacques Ier Laudin (c. 1627-1695)
Claudius César à cheval, de la série d'émaux "12 Césars à Cheval "
19 x 15 cm
Collection privée

Ce César à cheval fait partie d'une suite de 12 plaques en émail peint sur cuivre en grisaille sur fond noir et rehauts d'or.  Avec Jacques Ier Laudin l’émaillerie  atteignit à Limoges sous la  Renaissance une perfection technique inégalée.  Qualité de la grisaille toujours très élevée, contours tracés solidement mais  modelé très subtil, et brillant éclatant de l’émail se détachant  sur le fond noir. sont autant des caractéristiques  ces émaux que ce grand maitre. 

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Francis Bacon (1909-1992) - Asleep

Francis Bacon (1909-1992)
Asleep
Private collection 

 

Le thème du personnage endormi et recroquevillé sur lui même en position fœtale est un thème récurrent dans l'œuvre de Bacon. Plusieurs de ses tableaux y font directement allusion. Dans celle -ci le personnage parait inclus dans un cercle qui n'existe plus. IL faut garder en mémoire que  Francis Bacon a détruit plusieurs centaines de ses peintures et en a "mutilé" beaucoup d'autres en les découpant de leur chassis ou en les  retaillant. Quarante de ces toiles, trouvées dans l’atelier de Bacon après sa mort, se trouvent maintenant dans la Galerie  The Hugh Lane à Dublin . Margarita Cappock les a publiés en 2005 sous le titre «Toiles détruites», ce qui a soulevé des questions sur les réelles intentions de Bacon quant à ces destructions-mutilations. Les implications psychologiques sont en tous les cas claires ! Quatre  de ces toiles retirées  sont apparues sur le marché en avril 2007, et cinq autres, provenant d’une source distincte, ont été vendues en juin 2007 ; six fragments de toile qui avaient été donnés dans les années 1950 à l'artiste de Cambridge Lewis Todd, ont été mis aux enchères en mars 2013.
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