Gottfried Lindauer (1839-1926) - Paratene Te Manu

Gottfried Lindauer (1839-1926)

Portrait de Paratene Te Manu
Auckland Art Gallery / Toi o Tāmaki

Paratene Te Manu était le fils de Kau Te Awha de Ngāpuhi. 

Paratene Te Manu est l'un des 14 Maoris qui se sont rendus en Angleterre à bord de l'Ida Ziegler en 1863 pour rencontrer la reine Victoria, apparaissant devant elle avec leurs vêtements traditionnels. 

Ils ont voyagé sous les auspices du gouvernement néo-zélandais et de William Jenkins, prédicateur laïc wesleyen de Nelson.

Te Manu a joué le porte pour le groupe pendant leur séjour. Dans une déclaration écrite, Paratene Te Manu fit, à son retour de Londres,  quelques observations et donna quelques explication sur la façon  dont s'était déroulé le long voyage vers l'Angleterre et comment il avait  survécu a la fois en mer  et à son séjour à Londres ! 

Gottfried Lindauer (1839- 1926) d'origine tchèque commença  par  étudier dès 1855,  la peinture  à

l'Académie des beaux-arts de Vienne (Autriche). Après avoir commencé une honnête carrière de sujets religieux en Autriche, il quitte soudainement la Bohême où il résidait pour aller s'installer en Moravie pendant trois ans.  De là, pour éviter d'être enrôlé dans les troupes de l'empire austro-hongrois, il part pour l'Allemagne et, en 1874, embarque sur un bateau en partance pour la Nouvelle-Zйlande, une terre lointaine et réputée sauvage dont l 'éloignement suffisant lui convient. 

C'est sur cette terre de Nouvelle Zélande, que Lindauer va devenir célèbre en peignant les portraits de tous les grands chefs Maoris de son temps. Les chefs maoris appréciant  hautement que Lindauer, peignent avec une précision jamais atteintes jusqu'alors leur tatouage rituels (les mokos) aussi bien que leur costumes, leurs ornements et leurs armes,  défilèrent littéralement dans son atelier lui passant commande de ce qui allait devenir la plus grande collection de portraits maoris de tous les temps.

Cette série de spectaculaires portraits grandeur nature des chefs maoris et des guerriers  fut exposée par Sir Walter Buller à l' Exposition coloniale et indienne de 1886,  propulsant ainsi  Lindauer sur la scène artistique coloniale comme le spécialiste incontesté des "Maoris at home", qui devint un sujet d'étude particulier.

L'un de ces portraits représentant un jeune danseur Poi (sans moko sur le visage), était tellement admiré par le prince de Galles que Sir Walter Buller le lui offrit.

Les portraits maoris de Lindauer, comme beaucoup de ceux que peignirent aussi Ellen von Meyern et Frances Hodgkins, ne représentaient pas seulement des hommes mais aussi des femmes symbolisant souvent une maternité primitive heureuse.  Son portrait de femme maori le plus célèbre est celui  de Heeni Hirini, aussi connue sous le nom d’Ana Rupene, portant un bébé sur le dos  et que Lindauer a peint plus de 30 fois !

Après être revenu une seule fois dans son pays natal en 1886–1887, Lindauer choisit de retourner s'installer définitivement en Nouvelle Zélande et de s'établir à Woodville, près de Wellington, après qu'il eut épousé Rebecca, fille de Benjamin Prance Petty.

Lindauer est est enterré dans le cimetière Old Gorge de Woodville en Nouvelle Zélande. 

Depuis son décès ses portraits maoris ont fait le tour du monde et l'ont établi comme un portraitiste sans équivalent des maori au tournant des 19 et 20e siècle.

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Lotte Laserstein (1898-1993) - Mongole

Lotte Laserstein (1898-1993) 

Mongole, 1927

Ol/holz, 27,1 x 21, 8cm

Das Verborgene Museum, Berlin 

 La  peintre et portraitiste allemande et suédoise Lotte Laserstein est entrée à l'Académie des arts de Berlin, dès que celle-ci ouvrit ses portes aux femmes. Laserstein étudia avec Erich Wolfsfeld. Elle finit ses études en deux ans. Elle préfère les modèles féminins qui selon elles posent mieux et plus longtemps en gardant des poses difficiles.  C'est ce qui rend ces portraits masculins d'aunt plus rares. Traute Rose est son modèle favoris et entraineuse de tennis et devient une amie figurant dans de nombreux tableaux.
Lotte Laserstein émigre en Suède pour fuir le nazisme (son père était d'origine juive). En 1937, à l'invitation d'une galerie suédoise, elle quitte l'Allemagne avec toute une série de tableaux. Six mois plus tard, elle se marie pour obtenir la nationalité suédoise. Pour survivre, elle peint surtout des portraits à la commande, mais aussi des paysages. Elle souffre des conditions matérielles et psychologiques de l'exil et son œuvre ne retrouve pas l'éclat des années berlinoises. Après la Deuxième Guerre mondiale, la mode est à l'abstrait et malgré une petite percée dans les pays anglo-saxons au début des années 1990, elle reste complètement inconnue dans son pays natal.

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Ferdinand Gueldry (1858-1945) - Le pêcheur au bord de l'eau

Ferdinand Gueldry (1858-1945)

Le pêcheur au bord de l'eau 

Huile sur toile, 46 x 55 cm

Collection privée (Aguttes)

Joseph Ferdinand Gueldry (1858-1945) est un artiste peintre et illustrateur français, spécialisé dans les scènes sportives d'aviron, cofondateur de la Société nautique de la Marne en 1876.

En 1874, il entre à l'École des beaux-art (Paris), rejoint l'atelier du peintre Jean-Léon Gérôme et le fréquente jusqu'en 1878.

Entretemps, il découvre l'aviron et devient un « canotier » de haute volée, puisqu'il décide d'organiser des compétitions sur la Marne. À partir de 1881, avec sa toile Une régate à Joinville, une grande partie de ses sujets représentés sont des canotiers ou des scènes nautiques mettant en scène des sportifs en maillots rayés et leurs publics. Cette période correspond aux années 1880-1890 ; le peintre s'installe à Bry-sur-Marne où il a son atelier et peut en même temps pratiquer son sport. 

Arbitre international d'aviron, il se rend plusieurs fois en Angleterre, sur la Tamise, à la régate royale de Henley, d'où il tire une toile, Sur la Tamise, qu'il conserve toute sa vie.
 En 1902, Joris-Karl Huysmans écrira : « M. Gueldry est un des rares peintres qui aient tenté de s'affranchir de ses souvenirs d'école et d'aller droit à la nature. »
Une deuxième phase apparaît dans son travail à partir de 1885, quand Gueldry élargit son sujet aux représentations d'intérieurs d'usines et à la vie ouvrière in situ. Traitées de façon naturaliste, ces scènes apportent un point de vue documentaire au moment de la Deuxième Révolution industrielle. Gueldry pose sa palette aussi bien dans le Nord, saisissant les ouvrières du textile, que dans le bassin du Creusot. On compte aussi quelques scènes militaires, des marines, des scènes champêtres, des scènes d'intérieur et de rares portraits. Intéressés, les pouvoirs publics se portent alors acquéreur de certaines toiles de Gueldry.
Au Salon de 1898, sa toile Les buveurs de sang, représentant des femmes anémiées buvant le sang d'un bœuf égorgé dans un abattoir, fait sensation. Elle offre un autre aspect de l'œuvre de l'artiste, figurant des scènes de la vie urbaine (hors usines).
En 1908, il est nommé chevalier de la Légion d'honneur sous la parrainage d'Édouard Detaille.
Durant la Première Guerre mondiale, il peint l'horreur des tranchés, entre autres l'enfer de Verdun.
Dans les années 1920, il préside la Société libre des artistes français, après avoir été démissionnaire de la Société des artistes français en 1907.
Il meurt le 17 février 1945 à Lausanne, en partie oublié.
De son vivant et avant 1908, l'État français s'est porté acquéreur de onze toiles de Gueldry, dont deux seulement ont pour sujet l'aviron.

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François-Léon Bénouville (1795-1875) - La Colère d'Achille

 François-Léon Bénouville (1795-1875)

 La Colère d'Achille

Huile sur toile, 1,56 x 0,54 m, 1847

Musée Fabre,  Montpellier

(don Bruyas 1868)

Cette académie masculine fait partie des envois obligatoires que Bénouville, alors pensionnaire à l’Académie de France à Rome, devait adresser à Paris. Comme David quelques décennies plus tôt avec son  Hector, Benouville isole le personnage de son contexte historique pour concentrer l’attention sur le nu héroïque, prétexte à l’étude de l’anatomie. 

L’enseignement académique y est complètement assimilé : vigueur du dessin et de l’exécution, modelé juste et ferme, équilibre et solidité des attitudes, élégance des draperies, contrastes plastiques forts, grandeur nature du personnage, mise en page claire et évidente limitée au premier plan du tableau. Tout concourt à l’efficacité et à la monumentalité de l’image.
Mais ici le traitement réaliste du sujet ramène le héros impétueux de l’Iliade à sa dimension humaine. Au cours du célèbre épisode de la guerre de Troie, Agamemnon confisque à Achille son esclave favorite Briseis. Celui-ci refuse désormais le combat et se retire furieux sous sa tente. La fixité du regard, dans son outrance théâtrale, et la crispation des membres expriment toutes les tensions internes. Au-delà du simple exercice de style, ce tableau reflète un souci d’intériorité, révélant la place essentielle de l’homme dans l’œuvre de Bénouville. 

Notice du Musée Fabre   

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Henry Lamb (1883–1960) - Corporal J. Spencer wearing a beret

Henry Lamb (1883-1960)  

Corporal J. Spencer wearing a beret, 1942

Private collection

Henry Taylor Lamb est un peintre britannique né en Australie qui  fut un élève de Augustus John et un membre fondateur du Camden Town Group. 

Henry Lamb est connu pour ses portraits de soldats et son rendu inhabituel des silhouettes, comme l'illustre son portrait  le plus connu, celui de  Lytton Strachey exagérément allongé.  Il a été élu membre associé de la Royal Academy en 1940  puis membre permanent  en 1949. Il fut administrateur de la National Portrait Gallery en 1942 et de la Tate Gallery de 1944 à 1951. 

Outre The Imperial Museum of Warn  des œuvres de Lamb sont conservées dans des musées régionaux en Grande-Bretagne, dans la British Government Art Collection  et au Musée des beaux-arts du Canada qui conserve  la majorité des portraits des troupes canadiennes ayant participer à la Seconde guerre mondiale. 

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Sculpture antique - Protomé à motif de tête d'homme originaire de Carthage

Sculpture antique

Protomé à motif de tête d'homme originaire de Carthage

 H 0,19 m, terre cuite moulée et retouchée 

Ve siècle av. J.-C). 

Musé du Bardo, Tunis

Un protomé du grec : προτομή ; de προ / pro, « avant » et τέμνω/ temno« couper »  est une représentation en avant-corps d'un animal réel ou fictif.
En Occident, ce motif apparaît en Grèce au VIIe siècle av. J.-C. et se répand à l'époque hellénistique de nouveau à tout l'Orient. Il peut alors se trouver, notamment en numismatique, avec des figures humaines et non pas seulement animale, comportant une partie du poitrail.
C'est au XIXe siècle que ce terme est entré dans le vocabulaire de l'Histoire de l'art.

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Peter Paul Rubens (1577-1640) - Aeolus

Peter Paul Rubens (1577-1640)

Aeolus

Oil on canvas, 140 x 126 cm. Unknown date.

Museo Nacional del Prado, Madrid

Dans la mythologie grecque, la fonction d'Éole est celle d'un « régisseur », c'est-à-dire « d'un dispensateur, qui distribue, dispose » les vents en force et en direction : c'est exactement le sens du nom grec ταμίας / tamías employé par Homère. Le poète sait qu'il existe un régime des vents, qui soufflent en force et en direction variable selon les lieux et selon les saisons, et qui se lèvent ou tombent à certaines heures de la journée. C'est pourquoi Homère parle de véritables « routes des vents », en grec ἀνέμων κέλευθα / anémôn kéleutha, et le domaine de ces routes, c'est Éole qui l'administre. Mais il ne l'administre pas arbitrairement : Éole est soumis lui-même à la juste loi voulue par les dieux, ce que les Grecs appellent θέμις, Thémis, comme il le précise lui-même à Ulysse au vers 73.

Ce régime des vents était connu des gens de mer et deux grands savants de l'Antiquité, Aristote et Théophraste, l'ont étudié avec précision.

Dans cette toile Rubens explicite le rôle de dispensateur des vents qu' Eole joue auprès des différentes espèces d'oiseaux dont il est l'allié le plus sûr. On pourra s'étonner de l'emplacement dans la composition de certains oiseaux, mais ce serait oublier que Rubens ne manquait ni d'humour ni de malice.

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Pablo Picasso (1881-1973) - La Science et la Charité

Pablo Picasso (1881-1973) 

La Science et la Charité  (1897) 

Huile sur toile, 197 x 249.5 cm 

Museu Picasso, Barcelona

Picasso a donc 16 ans quand il peint cette toile curieuse, très éloignée de tout ce qu'il pourra jamais peindre dans le reste de sa carrière : un sujet convenu au possible,  une mise en scène compassée, une facture très conventionnelle...  on peut s'étonner qu'il n'est jamais détruit cette oeuvre. Peut être que s'il ne la' pas fait c'est justement parce qu'au-delà de la technique déjà parfaitement maitrisée à 16 ans, il y a quelque chose d'inexplicablement émouvant dans tout cela. Le rendu  du mur délabré et de la fenêtre  fermée constituent déjà un petit chef d'oeuvre en soi ...

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Rembrandt van Rijn (Dutch, 1606-1669) - Autoportrait avec cheveux en bataille

Rembrandt van Rijn (Dutch, 1606-1669) 

Autoportrait avec cheveux en bataille (c. 1631) 

Gravure,  6.4 x 6.1 cm.

 Rijksmuseum, Amsterdam

Ces autoportraits  en dessin  étaient une façon de montrer à ses élèves comment dessiner tel ou tel aspect d'un personnage.  Rembrandt s'appliquait  ainsi à lui -même toute sortes de traitement graphiques  à la limite de la caricature) qu'il n'osait sans doute appliquer à personne d'autres.  

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Henri-Pierre Danloux (1753-1809 - Portrait d'Auguste Frederic de Sussex

Henri-Pierre Danloux (1753-1809

 Portrait d'Auguste Frederic de Sussex

Fondation Bamberg, Toulouse

Augustus Frederick de Sussex ( 1773 -1843)  est un membre de la famille royale britannique de la Maison de Hanovre.  Né au palais de Buckingham, il est le sixième fils du roi George III et de la reine Charlotte de Mecklembourg-Strelitz. Après avoir passé son enfance en Grande-Bretagne, il est envoyé en 1786 en Allemagne avec ses frères Ernst et Adolphe, afin de faire ses études à l'université de Göttingen. C'est un jeune homme aimable et droit, dont le caractère doux et réservé tranche avec la dissipation de ses frères aînés. Souffrant d'asthme, il ne reçoit pas d'éducation militaire contrairement à ses frères. Il envisage même un moment d'embrasser la carrière ecclésiastique.
En 1801, Augustus, à 28 ans, reçoit les titres de duc de Sussex, de comte d'Inverness et de baron Arklow. Il est fait également membre de l'Ordre de la Jarretière. Il mène une vie discrète, enfermé dans son palais de Kensington, s'occupant de ses animaux et de son impressionnante collection de pendules. Prince cultivé, il est un grand protecteur des lettres et des arts. Il est d'ailleurs élu en 1816 président de la Royal Society of Arts. Franc-maçon, il devient en 1813 Grand-maître de la Grande Loge unie d'Angleterre, succédant à son frère le prince de Galles.

 Ce qui frappe d'emblée c'est la proximité de ce portrait avec celui du Jeune de Vignier publié dans ce blog il ya quelques mois déjà.  comme si Danloux affectionnait toujours le meme type de visage.

Henri-Pierre Danloux fut l’élève de Nicolas-Bernard Lépicié puis de Joseph-Marie Vien qu’il suivit à Rome où fit la connaissance de Jacques-Louis David.
Marié à Antoinette de Saint-Redan, fille adoptive de l'intendant Antoine Mégret d'Étigny, il commença une carrière de peintre de genre et de portraitiste notamment pour sa belle-famille et ses proches, les Pange : portrait du baron d'Étigny, de son frère et de sa belle-sœur, le comte et la comtesse de Sérilly avec leurs enfants, de François de Pange.

En compagnie de son épouse, il retourna en Italie juste avant la Révolution.
D'un milieu libéral, il condamne rapidement les débordements jacobins et émigre en Angleterre en 1792 où il réside jusqu'en 1802. Durant ce séjour il connaît un succès indéniable qui dépasse largement les cercles français.Une grande partie de sa belle famille est guillotinée le 10 mai 1794 avec la sœur du roi qui s'entremet pour permettre à la comtesse de Sérilly de garder la vie sauve.
Influencé par John Singleton Copley et par Henry Raeburn, il peint le portrait de nombreux anglais et écossais. Il expose régulièrement à la Royal Academy et devient le peintre attitré du comte d'Artois en émigration à Holyrood.
De retour en France, il expose de nouveau au Salon, mais ne rencontre pas le succès qu'il espérait.
Pour le Baron Portalis qui publia son journal « Distinguée, sincère, de couleur harmonieuse, encore parée des dernières élégances d’un siècle enchanteur, telle s’affirme, dans son incontestable originalité, la peinture de Danloux… Sous son pinceau, les coiffures prennent une ampleur qui ajoutent à la beauté… Son goût des attitudes imprévues propres à donner l’illusion de la vie, sa recherche du geste, la préoccupation d’animer la physionomie de ses modèles, sont autant de signes qui le font reconnaître à première vue. »

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Ferdinand Gueldry (1858-1945) - En réparant le canot

Ferdinand Gueldry (1858-1945)

En réparant le canot

Collection particulière

Joseph Ferdinand Gueldry (1858-1945) est un artiste peintre et illustrateur français, spécialisé dans les scènes sportives d'aviron, cofondateur de la Société nautique de la Marne en 1876.
En 1874, il entre à l'École des beaux-art (Paris), rejoint l'atelier du peintre Jean-Léon Gérôme et le fréquente jusqu'en 1878.
Entretemps, il découvre l'aviron et devient un « canotier » de haute volée, puisqu'il décide d'organiser des compétitions sur la Marne. À partir de 1881, avec sa toile Une régate à Joinville, une grande partie de ses sujets représentés sont des canotiers ou des scènes nautiques mettant en scène des sportifs en maillots rayés et leurs publics. Cette période correspond aux années 1880-1890 ; le peintre s'installe à Bry-sur-Marne où il a son atelier et peut en même temps pratiquer son sport. 

Arbitre international d'aviron, il se rend plusieurs fois en Angleterre, sur la Tamise, à la régate royale de Henley, d'où il tire une toile, Sur la Tamise, qu'il conserve toute sa vie.
 En 1902, Joris-Karl Huysmans écrira : « M. Gueldry est un des rares peintres qui aient tenté de s'affranchir de ses souvenirs d'école et d'aller droit à la nature. »
Une deuxième phase apparaît dans son travail à partir de 1885, quand Gueldry élargit son sujet aux représentations d'intérieurs d'usines et à la vie ouvrière in situ. Traitées de façon naturaliste, ces scènes apportent un point de vue documentaire au moment de la Deuxième Révolution industrielle. Gueldry pose sa palette aussi bien dans le Nord, saisissant les ouvrières du textile, que dans le bassin du Creusot. On compte aussi quelques scènes militaires, des marines, des scènes champêtres, des scènes d'intérieur et de rares portraits. Intéressés, les pouvoirs publics se portent alors acquéreur de certaines toiles de Gueldry.
Au Salon de 1898, sa toile Les buveurs de sang, représentant des femmes anémiées buvant le sang d'un bœuf égorgé dans un abattoir, fait sensation. Elle offre un autre aspect de l'œuvre de l'artiste, figurant des scènes de la vie urbaine (hors usines).
En 1908, il est nommé chevalier de la Légion d'honneur sous la parrainage d'Édouard Detaille.
Durant la Première Guerre mondiale, il peint l'horreur des tranchés, entre autres l'enfer de Verdun.
Dans les années 1920, il préside la Société libre des artistes français, après avoir été démissionnaire de la Société des artistes français en 1907.
Il meurt le 17 février 1945 à Lausanne, en partie oublié.
De son vivant et avant 1908, l'État français s'est porté acquéreur de onze toiles de Gueldry, dont deux seulement ont pour sujet l'aviron.

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Ambrosius Benson (ca. 1484 - d. 1550) - Man Praying

Ambrosius Benson (ca. 1484 - d. 1550) 

Man Praying, late 1520s 

Oil on panel 45.5 × 37.5 cm 

Art Gallery of South Australia, Adelaïde

Ambrosius Benson  est un peintre flamand d'origine lombarde, lui même père de deux peintres. Les œuvres de Benson ont beaucoup de caractéristiques stylistiques en commun avec celles de Jan Provost et d'Adriaen Isenbrant. Les trois sont restés fidèles aux sujets gothiques flamands et à l'exécution méticuleuse, mais ils ont introduit des nouveautés italiennes. On reconnaît les figures de Benson généralement par leurs teints légèrement rougeâtres, leur nez droit et leurs longs doigts.
Par ailleurs, selon Dirk de Vos : « L'œuvre de Benson est caractérisée par un clair-obscur très méridional, fait de rouges et de verts sombres contrastant avec des tons d'ivoire, et des carnations aux ombres très marquées. La typologie et la composition, par ailleurs, s'appuient le plus souvent sur d'anciens exemples et modèles brugeois, et témoignent d'une influence évidente de Gérard David. L'exécution de ces schémas est toutefois souvent un peu raide. »

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Peter Paul Rubens (1577-1640) - Tête de jeune homme portant une armure

Peter Paul Rubens (1577-1640) 

Portrait  de jeune homme portant une armure

Huile sur panneau de chêne

Collection privée.

Ce thème du jeune soldat portant une armure, a été abordé par Rubens à de nombreuses reprises, soit comme étude destinée à être pour intégrée dans une composition plus complexe, soit comme portait isolé en soi. 

On en trouvera une autre exemple ICI 

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Edward Melcarth (1914-1973) - Untitled man

Edward Melcarth (1914-1973)

 Untitled man  

Private collection

Depuis sa mort en 1973 à Venise, Edward Melcarth a été largement oublié du public et des organisateurs d'expositions. A tel point  qu'il  n'y a , à ce jour, aucune  biographie officielle de Melcarth, peu d'articles le concernant et même pas de page Wikipedia !  

De nombreux détails de sa vie demeurent encore un mystère.

Pourtant Melcarth fut célèbre de son vivant (pas si lointain) et comptait parmi ses amis et mécènes l'éditeur flamboyant Malcolm Forbes, les écrivains Tennessee Williams et Gore Vidal et la célèbre  collectionneur d'art  Peggy Guggenheim, pour qui il avait d'ailleurs conçu ses célèbres lunettes de soleil en forme d'aile de chauve-souris.

Tentons d'élucider un peu le mystère de sa biographie (en français  et en anglais)  

Melcarth est né Edward Epstein en 1914 à Louisville (Etats-Unis). Il est allé à l'Université à Harvard et a étudié l'art à Londres et à Paris.

Dans les années 1930, Melcarth s'engage dans  la marine marchande et passe pas mal de temps au Moyen-Orient. Il revient a  New York, vraisemblablement après la deuxième guerre mondiale (à confirmer) et vit avec avec Thomas Painter, qui se revendique homosexuel et entretient une correspondance fournie et continue avec le chercheur sur le sexe Alfred Kinsey. 

En 1949-1950, Le couple Eptsein/Melcarth-Painter eut un autre compagnon de vie en commun  : l'artiste Henry Lex Faulkner. 

Le choix du pseudonyme  Melcarth  reste encore d e os jours un mystère et personne ne sait exactement  ni où ni comment Edward Epstein se l'ait trouvé. Le spécialiste de son oeuvre, Coleman pense que l'artiste aurait pu s'inspirer de "Melqart", un  dieu phénicien,  connu des seuls érudits  de la mythologie, du temps où il était  étudiant en Histoire à Harvard.

Les œuvres de Melcarth ressemblent à la fois à celles des maîtres de la Renaissance et des peintres figuratifs du XXe siècle comme Thomas Hart Benton. De nombreuses pièces mettent en scène de jeunes hommes musclés dans des scènes mêlant mythologie, religion, sexualité, conflits de travail et consommation de drogue. Ses peintures ont souvent des compositions et des perspectives inhabituelles.  Son peinture se trouve, pour beaucoup de ceux qui l'étudie, en  correspondance étrange avec l'oeuvre de l'écrivain français Jean Genet, bien qu'ils ne se rencontrèrent jamais. 

 © Francis Rousseau - Men Portraits  2019

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Edward Melcarth was largely forgotten after he died of cancer while living in Venice in 1973. There are no Melcarth biographies and few scholarly articles, and many details of his life remain a mystery. He has no Wikipedia entry.
Melcarth counted among his friends and patrons the flamboyant publisher Malcolm Forbes, writers Tennessee Williams and Gore Vidal, and art collector and socialite Peggy Guggenheim, for whom he designed some famous sunglasses shaped like bat wings.
Melcarth was born Edward Epstein in 1914 in Louisville.
He went to Harvard University and studied art in London and Paris.

Melcarth joined the Merchant Marine in the 1930s and spent time in the Middle East. 

He then lived in New York for many years with Thomas Painter, a gay man who corresponded for decades with sex researcher Alfred Kinsey. In 1949-50, they also had another roommate: Lexington artist Henry Faulkner.
One mystery is where the name Melcarth came from. Coleman said the artist might have invented it from Melqart, an ancient Phoenician god, because he was a student of history.

Melcarth’s works resembles both those of Renaissance masters and 20th-century figurative painters like Thomas Hart Benton. Many pieces feature muscular young men in scenes that mix mythology, religion, sexuality, labor struggles and drug use. His paintings often have unusual compositions and perspectives. His art is a “bonanza” for an academic museum, Horodner said, because there is so much there for students to discuss.
© Tom Eblen - Lexington Herald Leader 2018

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Nicolas Régnier (1591-1667) - Portrait masculin

Nicolas Régnier (1591-1667) 

Portrait masculin, 1620/1630 

Huile sur toile  109 cm × 72.5 cm 

Kunsthistorisches Museum Vienna, Gemäldegalerie 

Nicolas Régnier, dit Regnier ou encore Niccolò Renieri est un peintre baroque influencé par le caravagisme qui a peint une grande partie de son œuvre en Italie, d'abord à Rome puis surtout à Venise. Son lieu et son époque de naissance font de lui un homme à double culture, des "peintres du nord" (et non pas "flamande") et française. 

Peintre apprécié, il devient aussi collectionneur et entrepreneur à succès et construit une vaste fortune.

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Lucian Freud (1922-2011)- Interior at Paddington

Lucian Freud (1922-2011)

Interior at Paddington, 1951

Walker art gallery

Lucian Freud est considéré comme un des peintres figuratifs les plus importants du 20e et du 21e siècle, l'« Ingres de l'existentialisme » selon la formule de l'historien de l'art, Herbert Read.
Il est notamment célèbre pour avoir peint, en 2001, le portrait de la reine Élisabeth II à l'occasion de son jubilé d'or, tableau qui a soulevé une polémique en Grande-Bretagne.

Petit-fils du médecin et fondateur de la psychanalyse, Sigmund Freud, Lucian naît à Berlin. Son père, l'architecte Ernst Freud (1892-1970), est le plus jeune fils de Sigmund Freud. En 1934, pour échapper à l'antisémitisme nazi, Ernst Freud emmène sa famille à Londres.En 1938, à la suite de l'Anschluss, leur grand-père Sigmund les y rejoint.
Lucian Freud peint face à des modèles vivants dans le huis-clos de son atelier. Les vues de Londres ou de son jardin sont réalisées à partir du point d'ancrage de l'atelier. Il travaille toute la journée et les séances de pose qu'il inflige à ses modèles sont interminables.
À la fin de sa vie, les portraits de nus dominent sa peinture révélant l'intimité crue de ses modèles, celle de Leigh Bowery, de Sue Tilley ou de son fidèle assistant David Dawson (Sunny Morning-Eight Legs, 1997). Mais même les modèles habillés révèlent au spectateur leur nudité, la vérité de l'être qui perce toute apparence « Quand je peins des vêtements, je peins vraiment des gens nus couverts de vêtements » expliquait-t-il.

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Giovanni Segantini (1858-1899) - Selbstportrait, 1893

Giovanni Segantini (1858-1899)

Selbstportrait, 1893

 Crayon Conté sur papier

St Gallen Museum of art

 Le peintre italien  Giovanni Segantini est rattaché au courant du symbolisme. C'est un peintre de genre, qui a représenté des sujets typiques, dont des paysages de montagnes. Pour Philippe Dagen du journal Le Monde, « Il s'agit d'un des artistes majeurs de son temps, entre symbolisme, postimpressionnisme et primitivisme »
Il perd sa mère à sept ans, et son père un an plus tard puis il fréquente l'Académie des beaux-arts de Brera à Milan.
Vers 1888 Segantini développa à Milan une solide amitié avec un peintre qui avait déjà atteint une grande renommée, Francesco Filippini, qui lui dédie le tableau "Impression de la lagune".
En 1895, il reçoit le premier Grand Prix de la première Biennale de Venise.
Il s'installe en Suisse, à Maloja, près de Saint-Moritz, en Haute-Engadine, où il peint de nombreux paysages. Il y mourra. Sur sa tombe est écrit « Arte e amore vincono il tempo » (« L'art et l'amour triomphent du temps »).

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Felix Bonfils (1831-1885) - Saîs coureurs au Caire

Felix Bonfils (1831-1885)

Saîs coureurs au Caire 

Albumen silver print from glass negative, 1870

 The MET museum  (not on view)

Félix Bonfils fut d'abord relieur à Saint-Hippolyte-du-Fort dans les Cévennes. Il déménagea à Beyrouth en 1867 où il ouvrit avec sa femme Marie-Lydie Cabanis Bonfils et son fils Adrien, l'atelier photographique Maison Bonfils, qu'il renomma en 1878 Bonfils et Cie. 

Bonfils photographia au Liban, en Égypte, Palestine, Syrie et Grèce ainsi qu'à Constantinople à partir de 1876.

Quatre ans plus tard, il confie à la Société française de photographie le résultat de sa stupéfiante activité : 15 000 épreuves d'après 591 négatifs de l'Égypte, la Palestine, la Syrie et la Grèce, ainsi que 9 000 vues stéréoscopiques. Malgré le climat très chaud de ces pays, ses clichés sont réalisés à l'aide de collodion humide qui doit être développé très rapidement.
En 1872, Bonfils publie Architecture antique, un album composé de 22 planches. Ces photographies sont largement diffusées par des agents au Moyen-Orient, dans les pays anglophones et en France.  Ces vues pouvaient être achetées à l'unité, mais elles étaient également proposées sous forme d’albums. 

À partir de 1876, Bonfils, de retour à Alès, se consacre à la publication de son Catalogue des vues photographiques de l'Orient : Constantinople, l'Égypte, la Palestine, la Syrie et la Grèce. 

Bonfils propose 545 images numérotées en une grande diversité de formats. Le catalogue se termine par une liste de 133 numéros de Costumes divers disponibles en 33 épreuves de moyen format (18 × 24 cm) et en 100 vues stéréoscopiques.

Ses œuvres devinrent célèbres grâce aux touristes du Moyen-Orient qui rapportaient ses photographies en souvenir.
Ces photographies, produites par l'atelier, pouvaient parfois être l'œuvre de son fils Adrien ou des assistants de l'entreprise.
En 1876, il revint à Alès où il ouvrit un autre atelier vers 1881. 

Celui de Beyrouth n'en fut pas fermé pour autant. Sa femme Marie-Lydie et son fils en assurèrent la conduite après la mort de Félix en 1885. Cet établissement ne cessa qu'en 1905, quand un incendie le détruisit.
L'activité de l'entreprise Bonfils se poursuivit plusieurs décennies après la mort de son fondateur. 

Elle fut rachetée en 1918 par Abraham Guiragossian, associé depuis 1909, qui en conserva le nom. Elle est mentionnée dans le Guide bleu en 1932.

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Benjamin West (1738-1820) - Self portrait

Benjamin West (1738-1820) 

Self portrait, 1770

Museum of fine arts, Baltimore 

Le peintre Benjamin West  est le premier peintre né en Amérique qui obtint une renommée artistique internationale.
Né dans un milieu modeste des Treize colonies  (les Etats Unis n'existaient pas encore), il se fait remarquer par ses talents artistiques dans la haute société de Philadelphie pour laquelle il exécute des portraits. Son talent est tel que certains de ses clients vont même se cotiser pour lui payer un séjour d'étude en Europe.
Il se rend à Rome à l'âge de 22 ans où il fait la connaissance de Johann Joachim Winckelmann et du néoclassicisme naissant. En 1763, après trois ans en Italie, il s'installe définitivement à Londres  pour ne jamais retourner en Amérique.
Il se spécialise dans la peinture d'Histoire.
Ses premiers tableaux apparentés à ce genre datent du début des années 1770, soit une quinzaine d'années avant les grands tableaux historiques de Jacques-Louis David en France.
Contrairement à ses confrères, il ne se limite pas à l'histoire ancienne. En 1770, par exemple, il réalise le tableau La Mort du général Wolfe qui montre les derniers instants du général britannique James Wolfe pendant la Bataille de Québec (1759) au cours de la Guerre de Sept Ans. Certaines personnes ont payé l'artiste pour figurer parmi les personnages qui entourent le défunt sur ce tableau.En 1771, il mit en scène la rencontre entre William Penn et les Amérindiens dans sa Pennsylvanie natale, commémorant ainsi le traité signé par Penn avec les Amérindiens un siècle plus tôt.
Ces œuvres connurent un immense succès en Angleterre.
En 1772, il fut nommé peintre d'histoire du roi de Grande-Bretagne (George III). Il fut l’ami du souverain et peignit quelque 60 toiles pour lui. Il reçut une commande pour faire des peintures religieuses dans la chapelle du château de Windsor, mais elle fut annulée en 1801.
En 1792, il succéda à Joshua Reynolds en tant que président de la Royal Academy, dont il fut l'un des fondateurs en 1768. Il enseigna à des étudiants européens et américains.

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Jacques de Lalaing (1858-1917) - Les prisonniers de guerre

Jacques de Lalaing (1858-1917) 

Les prisonniers de guerre, 1883  

Palais des Beaux Arts de Lille 

Jacques de Lalaing se distingue surtout comme portraitiste et peintre animalier. On lui doit également des scènes historiques (ci-dessus), des groupes allégoriques en bronze et des monuments funéraires. 

Il réalise en tant que peintre-décorateur et sculpteur de nombreuses commandes publiques.
À partir de 1896 il est membre de l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles et en devient le directeur de 1904 à 1913.
En juin 1909, il dirige la délégation d'artistes belges à Munich, lors de la dixième exposition quatriennale des beaux-arts organisée par la Münchener Künstler Genossenschaft et la Münchener Secession, qui eut lieu dans le "Palais de Verre". Il y participe également à titre personnel pour la peinture à l'huile et pour la sculpture.
On peut voir certaines de ces œuvres dans les musées d'Anvers, Bruges, Bruxelles, Gand, Lille et Tournai.

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Hercule dit "de Massicault"

Hercule  dit "de Massicault" 

Marbre blanc, 2,02 m - Seconde moitié du IIIe siècle.

Musée du Bardo. Tunis 

L' Hercule de Massicault est une statue romaine ( seconde moitié du IIIe siècle) de marbre trouvée à Massicault, l'actuelle municipalité de Borj El Amri, en Tunisie. La statue, réaliste, est l'une des œuvres antiques emblématiques conservées au Lusée national du Bardo, dans la proche banlieue de Tunis.
L’homme est debout. Il porte une tunique et une peau de lion sur le dos et sur sa tête. Il tient du blé et du pavot ; un chien Cerbère se trouve à ses côtés. Il portait également une massue qui a disparu.
Le corps est traité sans relief alors que le visage est d’un réalisme remarquable.
Gilbert Charles-Picard y a vu un initié aux mystères d'Éleusis, culte à la fois agraire et lié au retour à la vie.

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Léon Cogniet (1794-1880) - Tête de Jeune homme, étude pour Caïn et Abel,

Léon Cogniet (1794-1880) 

Tête de Jeune homme, étude pour Caïn et Abel, vers 1820. 

Huile sur papier marouflé sur toile

Musée des Beaux-Arts d'Orléans, France

Léon Cogniet entre en 1812 à l'École des beaux-arts de Paris où il est l'élève de Pierre-Narcisse Guérin qui déclare dans une lettre à Léon Cogniet : « Croyez-bien que j'ai été votre ami plus encore que votre maître ».

Dans l'atelier de Guérin, il rencontre Eugène Delacroix et Théodore Géricault, avec lequel il se lie d'une grande amitié. Il fréquente également l'atelier de Jean-Victor Bertin. En 1814, il est prix de perspective et, en 1815, prix du Torse, ce qui lui ouvre les portes du concours pour le prix de Rome. 

Il s'y présente en 1815, peignant Briseis pleurant Patrocle pendant les Cent-Jours, et y est reçu deuxième prix. Il tente à nouveau le concours l'année suivante. Après un échec en 1816 avec Œnone refusant de secourir Pâris blessé, son Hélène délivrée par Castor et Pollux lui vaut le prix de Rome en 1817. La même année, il débute au Salon. 

Il est pensionnaire de l’Académie de France à Rome de 1817 à 1822.

À partir de 1843, n'exposant que rarement au Salon, Léon Cogniet se consacre essentiellement à l'enseignement dont il est une des figures les plus importantes au 19e siècle. Il est professeur de dessin à Paris au lycée Louis-le-Grand de 1831 à 1876, où il a pour élève Edgar Degas, et à l'École polytechnique de 1847 à 1861. En 1849, Léon Cogniet est élu et nommé membre de l'Institut. Il est nommé professeur de peinture à l'École des beaux-arts de Paris en 1851.

En 1662 selon Ernest Vinet,  Léon Cogniet ne peint plus beaucoup : « Toujours plus soucieux des autres que de lui-même, sa grande préoccupation, depuis des années, c’est d’ouvrir les voies à la jeunesse artiste, de la guider, de la soutenir avec une persistance et une sagesse que l’on ne saurait trop louer ».

Le Musée des Beaux Arts d'Orléans possède une très belle collection de Coignet.  

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Laton Alton Huffman (1854 - 1931) - Wolf voice

Laton Alton Huffman (1854 - 1931) 

Wolf voice

Wolf Voice (Voix de loup) était né dans la tribu "Gros Ventre" mais appartenait à la tribu Cheyenne par le mariage de sa mère originaire du nord de Cheyenne. 

Il se rendit avec les Cheyenne au fort Keogh (1877) pour y rencontrer ensuite le général Miles en 1878/1879.  Il a joué un rôle important d'interprète pour le lieutenant Clark lorsque Little Wolf s'est rendu au Fort Keogh.  Il était membre des scouts indiens du lieutenant Casey.

Laton Alton Huffman était un photographe américain  qui témoigna de la  vie et des personnalités des Amérindiens. Né dans le comté de Winneshiek, dans l'Iowa, il a passé la majeure partie de sa vie à photographier les environs de sa maison, dans le Montana. Ayant d’abord travaillé à Fort Keogh, il a commencé peu a peu à vendre les images qu'il tirait de ses négatifs sur plaque de verre.

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Fransisco Laso (1823-1869) - Haravicu

Fransisco Laso (1823-1869) 

Haravicu

Oil on canvas,  1860

Museo Nacional de Bellas Artes, Lima, Perú.

Considéré comme l'un des premiers paysages «modernes» du Pérou, Haravicu est connu des autochtones pour être  l'une des dernières haltes ou refuges dans les montagnes péruviennes. Le terme "haravicu" désigne les poètes de l'empire Inca qui  transmettaient leur savoir de façon orale uniquement. Dans le tableau de Laso, le locuteur de gauche lève la main pendant que le groupe de personnages attend attentivement. En plaçant cette transmission de l'histoire et de la culture orales dans les montagnes péruviennes, Laso suggère que la mémoire d'un  passé  très ancien pouvait encore survivre au sein des peuples autochtones du Pérou, avant qu'ils n'entrent en communion à leur tour avec sommets  des Andes éternelles.

José Francisco Domingo Laso de la Vega et de los Ríos, dit Fransisco Laso était un peintre péruvien du XIXe siècle , précurseur de l' Indigenismo péruvien. et connu comme portraitiste.
Il a passé son enfance à Arequipa avant de déménager à Lima pour étudier le droit, mais l'a rapidement abandonné. Il s'inscrit à l'Académie de dessin et de peinture dirigée par le peintre équatorien Javier Córtez, où il rencontre le peintre péruvien Ignacio Merino , qui l'encourage à se perfectionner en Europe. Laso se rend à Paris en 1843, où il exerce dans l'atelier du peintre suisse Charles Gleyre. En 1847, il fait un passage en Italie où il apprécie particulièrement les peintures de Véronèse.

En 1849, il revient  à Lima et y ouvre une école d'art.  Il voyage alors régulièrement à l'intérieur du Pérou peignant plusieurs endroits de la côte ainsi que les hauts plateaux andins, dans des œuvres  qui laissent toujours une place prépondérante à la vie et aux coutumes des indiens autochtones.  

Il meurt en1868,  victime de l'épidémie de fièvre jaune qui ravage alors Lima.

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Lotte Laserstein (1898-1993) - Der Motorradfahrer (Le motocycliste)

Lotte Laserstein (1898-1993) 

Der Motorradfahrer (Le motocycliste) 1929

National Museum of Women in the Arts, Washington D.C.

Lotte Laserstein est une peintre et portraitiste allemande et suédoise. Elle entre à l'Académie

ie des arts de Berlin, qui avait ouvert ses portes aux femmes depuis peu. Laserstein étudie avec Erich Wolfsfeld. Elle finit ses études en deux ans. Elle préfère les modèles féminins qui selon elles posent mieux et plus longtemps en gardant des poses difficiles. Traute Rose est son modèle favori et entraineuse de tennis et devient une amie figurant dans de nombreux tableaux.
Lotte Laserstein émigre en Suède pour fuir le nazisme (son père était d'origine juive). En 1937, à l'invitation d'une galerie suédoise, elle quitte l'Allemagne avec toute une série de tableaux. Six mois plus tard, elle se marie pour obtenir la nationalité suédoise. Pour survivre, elle peint surtout des portraits à la commande, mais aussi des paysages. Elle souffre des conditions matérielles et psychologiques de l'exil et son œuvre ne retrouve pas l'éclat des années berlinoises. 

Après la Deuxième Guerre mondiale, la mode est à l'abstrait et malgré une petite percée dans les pays anglo-saxons au début des années 1990, elle reste complètement inconnue dans son pays natal.
Ses oeuvres sont exposées au National Museum of Women in the Arts
Une exposition lui a été récemment consacrée au Städel Museum à Francfort-sur-le-Main.

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Stanisław Wyspiański (1869-1907) - Self-portrait

Stanisław Wyspiański  (1869-1907) 

Self-portrait, 1897 

Stanisław Mateusz Ignacy Wyspiański, est un dramaturge, poète, peintre, metteur en scène, architecte et ébéniste polonais. Il fut l'un des artistes européens les plus prolifiques et remarquables de son époque. La production artistique de Wyspiański est pour le moins éclectique comprenant aussi bien des pièces de théâtre  que des recueils de poésie, des dessins, croquis, peintures à l'huile de paysages  pastel, portraits et autoportraits, vitraux, illustrations,  affiches et mêmes dessins de meubles et d'intérieurs....
Ses dessins, tels que son autoportrait de 1890 et les notes  ses Voyages en Europe et en Pologne, font partie des œuvres les plus connues de Wyspiański.

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Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) - Le garçon d'office

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) 

Le garçon d'office (c. 1738) 

Huile sur toile  46 x 37 cm. 

The Hunterian Museum, Glasgow, UK

Reçu à l’Académie royale de peinture et de sculpture en 1728 avec La Raie, Chardin s’illustre essentiellement dans la peinture de nature morte. Les critiques et amateurs apprécient particulièrement l’attention passionnée qu’il porte à « la vie silencieuse des objets ». Mais pour atteindre un plus large public, il produit aussi, dès 1733, des tableaux à figures : des scènes de genre et des portraits. Il est souvent sollicité pour réaliser des portraits d’enfant. Il en présente au moins quatre au Salon de 1738,  dont celui ci dessus et  L’Enfant au toton,  célèbre portrait d’Auguste-Gabriel Godefroy, fils du joaillier et banquier Charles Godefroy.
Comme L’Enfant au toton, le portrait ci dessus Le garçon d'office est plus qu’un simple portrait. Soigneusement vêtu et coiffé des attributs qu'imposent son travail, ce garçon d'office  n’est pas figé dans une pose traditionnelle. Il se tient debout devant un baquet rempli d'eau  au dessus duquel il est en train de nettoyer soigneusement une cruche (à vin ou à huile).  Son regard se perd sur un détail hors cadre à gauche de la composition. la seule touche de couleur viv de cette toile  est apporté par le rouge vif des pintes posées au sol et  qui servent à mesurer les liquides.  

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Cornelius de Bruyn (1652-1727) - "Homme juif au Caire"

Cornelius de Bruyn  (1652-1727) 

"Homme juif au Caire" 

In Voyage au Levant. 1700.

Cornelis de Bruijn ou de Bruyn, dit en français Corneille le Brun  est un graveur, peintre, voyageur et écrivain néerlandais (Provinces-unies) du siècle d'or.

 Il entrepris deux grands voyages (1674-1693) et (1701-1708). Le livre illustré qu'il publia au bout de son premier périple est le premier au monde contenant des gravures en couleurs.
En 1681, il arrive en Égypte, alors ottomane, et y gravit la pyramide de Chéops ; il laisse sa signature au sommet du monument. Il est le premier à dessiner une partie de l'intérieur de l'édifice. Cependant, « éreinté et brûlé par la chaleur étouffante du soleil », il repart dès le soir de son arrivée non sans croquer auparavant quelques figures typiques dans les rues du Caire, comme celle de ce musicien juif.
On ignore  toujours comment Cornelis de Bruijn finançait ses voyages ; il est possible qu'il se soit servi de lettres de rente, sortes de traveler's cheques de l'époque. 

Sur ls route, en tout cas il trouvait fréquemment à se loger chez des marchands néerlandais.

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Sculpture antique anonyme - Gaulois blessé de Délos

Gaulois blessé de Délos

Marbre, circa 100 av. JC

Musée national archéologique, Athènes

Statue d'un guerrier gaulois trouvée dans l'Agora des Italiens à Délos. 

Ce thème du guerrier blessé est apparu dans la statuaire grecque à la suite de la victoire d’Attale Ier de Pergame sur les Gaulois  en 237 av. J.-C.,

Le guerrier, blessé à la cuisse, est tombé à terre sur son genou droit et tente de se défendre avec son bras gauche. Sur le sol repose а côté de lui un casque galate. 

Cette oeuvre est présentée par le Musé qui al conserve comme un exemple typique de la sculpture hellénistique tardive, caractéristique de l'Ecole  de Pergame

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Paul Gavarni (1804-1866) - V'la l'coco ou Le Vendeur de chocolat

Paul Gavarni (1804-1866)

"V'la l'coco ou Le Vendeur de chocolat  " (vers 1855-1856), 

Walters Art Museum, Baltimore

Gavarni, dit Paul Gavarni, pseudonyme de Sulpice-Guillaume Chevalier est un dessinateur, aquarelliste et lithographe français.
Ses séries lithographiques (Les Enfants terribles, Fourberies de femmes) et ses dessins en font un observateur moqueur, parfois amer, de la société parisienne sous Louis-Philippe et le Second Empire. Il rejoint en cela les Goncourt, qui l'admiraient, et avec lesquels il était très lié.
Gavarni s'était fait une spécialité de l'illustration du Carnaval de Paris, à tel point que, parlant de cette fête, un journal écrivait, plus de vingt ans après la disparition de l'artiste : « Le mot de Gavarni semble de plus en plus juste. – Le carnaval ! disait-il, ça n'existe pas, c'est moi qui l'ai inventé à raison de cinquante francs le dessin ! »
Au nombre de ses œuvres, Gavarni publia en 1848 un recueil de gravures intitulé : Les Débardeurs. Dans sa préface, P. J. Stahl (pseudonyme de Pierre-Jules Hetzel) écrit : « Le débardeur, en effet, a un second père ; ce père, c'est Gavarni, par qui le carnaval, cette réalité souvent grossière, brutale et licencieuse, est devenu une folie charmante, une comédie pleine de sel et parfois de raison, une illusion gracieuse, une image enfin et un portrait dont tout le défaut est d'être supérieur en tout à son modèle, qui s'efforcerait en vain de l'égaler. » Le débardeur était un personnage typique du Carnaval de Paris : une femme ou une jeune fille vêtue d'un débardeur ou pantalon de préférence très moulant.

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Emile Antoine Bayard (1837-1891) - De la terre a la lune

Emile Antoine Bayard (1837-1891) 

Illustration pour "De la terre a la lune " de  Jules Verne,1870. 

Editions Hetzel, Paris 

Emile Antoine Bayard, est  un peintre, décorateur, dessinateur et illustrateur français.

Ce sont principalement ses dessins pour des commandes éditoriales qui retiennent aujourd'hui l'attention des amateurs. Sans être aussi audacieux que Paul Gavarni, il savait harmoniser les gestes aux expressions des visages, rendant ainsi ses personnages particulièrement expressifs.
Élève de Léon Cogniet, Émile Bayard est un contemporain de Gustave Doré. Il commence sa carrière à 15 ans et expose des dessins au fusain entre 1853 et 1861. Il s'agit en majorité de portraits et d'études de chevaux.
Son talent est alors régulièrement mis à contribution pour illustrer journaux et périodiques de l'époque. Ses dessins se retrouvent dans Le Journal de la jeunesse, Le Tour du monde, L'Illustration, Le Journal pour rire et le Journal des voyages.
L'éditeur Louis Hachette, qui l'apprécie beaucoup, fait souvent appel à lui pour mettre en image des romans, notamment ceux de la Bibliothèque rose. Il illustre ainsi Les Misérables de Victor Hugo, François le bossu et Le Général Dourakine de la comtesse de Ségur, La Case de l'oncle Tom de Harriet Beecher Stowe, L’Immortel d’Alphonse Daudet, De la Terre à la Lune et Autour de la Lune de Jules Verne. Pour Hetzel, il se charge d'illustrer Romain Kalbris, d'Hector Malot.

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Jack Kerouac (1922-1969)

Vintage photo of men 

Jack Kerouac (1922-1969)

Naval Reserve Enlistment photograph, 1943

National Archives - Us Gov 

Au printemps 1942, Jack Kerouac s'engage dans la marine marchande au printemps. Il embarque aussitôt à Boston sur le USS Dorchester, à destination de Mourmansk en mer Blanche soviétique.

Kerouac croit ainsi renouer avec ses origines de marin breton, mais la traversée le déçoit. Seule sune escale au Groenland et une rencontre avec un Inuit dans un fjord l'interesse. C'est au cours de cette période qu'il écrit son premier roman, The Sea Is My Brother (La Mer est mon frère). Le manuscrit de ce roman  longtemps onsidéré comme perdu a finalement été retrouvé par le beau-frère de Jack Kerouac et  édité en 2011. 

En décembre 1942, est de retour à New York mais comme il a   signé un contrat d'engagement avec l'US Navy avant son départ, il doit effectuer un temps sur un navire militaire.  LA photo ci dessus est extraite de cet engagement signé. 

Pour tenter de s'extraire de la Marine qu'il ne  supporte déjà plus, il simule la folie et  va jusqu'à passer quelques semaines dans un  hôpital psychiatrique. 

Il est finalement renvoyé de la marine pour cause d'« indifférence caractérisée »
De retour à la vie civile, il dépense sa solde entière dans les bars.