Théodore Chassériau (1819-1856) - Le calife de Constantine Ali-Ben-Hamet,

Théodore Chassériau (1819-1856) 

Le calife de Constantine Ali-Ben-Hamet, suivi de son escorte, 1845

 Musées du Château de Versailles 

Ce tableau illustre bien la « passion de la couleur et du mouvement » qui s'empare de  Theodpre Chasseriau à cette époque. Ce portrait équestre représente le chef des Haraktas, Ali Ben Ahmed, qui a par ailleurs invité Chassériau pendant sa visite à Paris est exposé au Salon de peinture et de sculpture de 1845. On  lui  reproche alors  une « imitation néfaste de l'art de Delacroix », bien que le tableau soit décrit comme « plein de grandeur et de majesté ». Il lui est également reproché un manque de science et de fermeté, et des membres mal attaché pour le cheval du premier plan.
La dernière grande rétrospective des œuvres de Chassériau a eu lieu, en 2002, au Grand Palais à Paris. Elle s'est déplacée ensuite au MET de New York et au Musée des beaux-arts de Strasbourg.
La première rétrospective en Asie, consacrée à Chassériau a été organisée par le Musée national de l'art occidental de Tokyo en 2017 sur le thème Théodore Chassériau : Parfum exotique.

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Ubaldo Gandolfi (1728-1781)- Untitled ca. 1740/1770,

Ubaldo Gandolfi (1728-1781)

Untitled, ca. 1740/1770, 

oiled charcoal and white chalk on paper 

Portland Art Museum 

Ubaldo Gandolfi (1728-1781) était un peintre italien de la fin du baroque , principalement actif dans et près de Bologne. Il s'est inscrit à l'âge de 17 ans à l' Académie Clémentine, où il a été apprenti avec Ercole Graziani le Jeune, Felice Torelli et Ercole Lelli. Il appartenait à une  famille d'artistes assez prolifiques : ses fils Giovanni Battista et Ubaldo Lorenzo ; son frère Gaetano ;  ses neveux Mauro, Democrito (qui devint l'élève d'Antonio Canova ) et sa nièce Clementina. 

La famille Gandolfi est considéré comme celles qui compte les derniers représentants de la manière de peindre caractéristique de l' Ecole bolognaise, qui avait eu son heure de gloire près de deux siècles plus tôt avec les Carrache.

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Marianne Loir (1715-1769) - Portrait de Monsieur de Fontaine

Marianne Loir (1715-1769)

Portrait de Monsieur de Fontaine

Stair Sainty Gallery, London

Fille du peintre et graveur parisien Nicolas Loir (1624-1779), et soeur du sculpteur Alexis III Loir (1712-1785), Marianne Loir se forma auprès de Jean-François de Troy (1679-1752) qui était alors directeur de l'Académie de France à Rome, où elle séjourne entre 1738 et 1746.

Elle quitte Paris vers 1765 pour la Provence, et devient membre de l'Académie des beaux-arts de Marseille en 1762. Elle semble avoir séjourné aussi  à Pau et à Toulouse.

En 1763, elle est active а Paris où elle peint le 1er septembre le portrait d'Antoine Duplа à l'age de 19 ans  aujourd'hui au MBA de Tours.

Dix de ses tableaux (ou attributions) sont recensés et datés entre 1745 et 1769


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Gustave Van de Woestijne (1881-1947) - Azur

Gustave Van de Woestijne (1881-1947)

Azur, 1928 

Musée Royal des Beaux Arts d'Anvers

Dans une interview datant de 1919, il déclarait  : « Chaque œuvre est un recommencement. Si deux toiles se ressemblent, cela devient du métier et non de l'art (...) Je n'aime pas les peintres qui se répètent. »

Son frère Karel propose de traiter son œuvre par tranches :  le groupe paysan, le groupe religieux et le groupe des expériences personnelles ; dans ce dernier il range surtout les portraits.

 Inventif, Gustave Van de Woestijne suggère des méthodes picturales délaissées, défend des points de vue inattendus mais féconds. 

Le modernisme qui dans l'entre-deux-guerres secoue l'art européen atteint aussi Van de Woestijne. Des éléments de composition cubiste (comme ici dans Azur ou dans Les buveuses de liqueur) et véristes (Portrait de M. De Zutterou Double portrait de M. et Mme Van Herrewege) apparaissent dans son oeuvre.  Sa production picturale est évaluée à 400 œuvres dont certaines ont  disparu...

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Paul-Albert Besnard (1849-1934) - Autoportrait à l'âge de 18 ans

Paul-Albert Besnard (1849-1934)  

Autoportrait à l'âge de 18 ans avec un chapeau de peintre de la Renaissance 

Paul-Albert Besnard, élève d'Alexandre Cabanel aaux Beaux Arts de  Paris fut un portraitiste reconnu de son vivant.  Il reçut de nombreuses commandes offcielles et contribua  notamment à la décoration de plusieurs monuments parisiens : le plafond du salon des Sciences de l’Hôtel de ville de Paris, le vestibule de l'Ecole de pharmacie de Paris, l’amphithéâtre de chimie de la Sorbonne, le plafond de la Comédie-Française, la coupole du Petit-Palais, la salle des mariages de la mairie du 1er arrondissement. Il participa également à la décoration de demeures privées parisiennes, comme l'hôtel Rouché, rue de Prony, aux côtés de Maurice Denis et George Desvallières.

Il réalisa aussi des décors а l'étranger : en 1908, il peint Union de l'Autriche-Hongrie et de la France à  l'ambassade de France а Vienne (Autriche), et en 1914, La Paix par l'arbitrage pour la salle de Justice du Palais de la Paix а La Haye.

Peintre académique comblé d'honneurs, Albert Besnard fut  nommé directeur de la Villa Médicis à Rome en 1913, succédant à Carolus-Duran puis directeur des Beaux-Arts de Paris en 1922.
Au moment de son décès, des obsèques nationales furent orgnaisées à l'église Saint-Ferdinand-des-Ternes à Paris, puis dans la cour Napoléon du palais du Louvre.

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Claude-Marie Dubufe (1790-1864) - Apollon et Cyparisse

Claude-Marie Dubufe (1790-1864)

 Apollon et Cyparisse, 1821

Musée Calvet, Avignon, France

Claude-Marie Dubufe est un peintre français, né pendant la Révolution française à Paris.  Il débute au Salon de 1810 avec Apollon et Cyparisse  (ci-dessus) qui fut reçu dans l'indifférence. Puis il part en Italie en 1811 où il est présenté à la famille d'Orléans. Il commence alors une longue et brillante carrière de portraitiste de la noblesse et de la haute bourgeoisie.

En 1824 Dubufe est honoré de deux commandes officielles, la première pour La Naissance du duc de Bordeaux, et la seconde, pour commémorer Le Passage de la Bidassoa. En 1826, il ouvre un atelier et fonde, avec le baron Taylor et Duzats, une association pour venir en aide des artistes nécessiteux.

Il expose au Salon de 1827 deux toiles intitulées Les Souvenirs et Les Regrets qui assoient sa notoriété. Par la suite, il se fait une spécialité des têtes d'expressions féminines. qu'il peint toujours avec grâce er élégance  ne rechignant jamais à embellir quelques peu les plus défavorisées.

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Diego Velasquez (1599-1660) - La Fragua de Vulcano

Diego Velasquez (1599-1660)

La Fragua de Vulcano, 1630 

Museo  nacional del Prado, Madrid

 La Fragua de Vulcano (La Forge de Vulcain) est une célèbre huile sur toile de Diego Velazquez peinte à Rome en 1630, durant son premier voyage en Italie. Velazquez la peignit sans commande préalable, et la conserva jusqu’à 1634, date à laquelle il la vendit au roi, avec "la  Tunique de Joseph " et  d’autres oeuvres  pour le nouveau Palais du Buen Retiro. Elle se trouve aujourd'hui au musée du Prado  à Madrid où elle entra le 5 août 1819.

Le thème est emprunté aux Métamorphoses (4, 171-176 ) d’Ovide et décrit le moment où Apollon (à gauche du cadre) , « le dieu Soleil qui voit tout » révèle à Vulcain l’adultère de Vénus avec Mars dont il a été le informé. Vulcain, époux offensé par cette nouvelle perd à la fois « le contrôle de lui-même et le travail qu’était en train de réaliser de sa main ».

Dans la pénombre de l'atelier, illuminé par la cheminée et avec une dominante de couleurs terre,  le dieu solaire dont la tête irradie fait irruption. Il est vêtu d'un manteau jaune qui, avec le fragment de ciel bleu animent la composition. Les ombres modèlent les corps, mais, avec une lumière diffuse qui détaille les zones non éclairées il dépasse le clair-obscur, peut-être influencé par Guido Reni. 

Les mondes célestes et souterrains sont représentés par Apollon et Vulcain et se manifestent de manières différentes dans les corps nus. Apollon, blond et couronné de lauriers comme dieu de la poésie, exhibe un corps d'adolescent aux formes délicates et aux chairs blanches, d'apparence fragile mais dur comme un marbre antique. 

Il n'y a aucune idéalisation en revanche pour le corps de Vulcain et des cyclopes. Ce sont des travailleurs marqués par l'effort aux chairs tirées et aux muscles tendus qui observent atones le dieu soleil. Bien qu'il s'agisse encore de nus académiques qui rappellent le statuaire classique, ils ont été réinterprétés d'après nature, avec des modèles vivants et des visages communs.
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Carolus Duran (1837-1917) - Henri Regnault mort...

 Carolus Duran (1837-1917) 

Henri Regnault mort au champ de bataille, 1871 

Musée des  beaux-arts de Lille

Le peintre orientaliste Henri Regnault trouve la mort à l'âge de 27 ans à la bataille de Buzenval le 19 janvier 1871, atteint à la tempe par une balle prussienne. Il comptait, après la guerre, visiter l'Inde puis s'installer à Tanger, il avait acheté avec Georges Clairin un terrain et une maison surplombant le Socco où ils voulaient faire aménager un atelier.

Alors que la peinture française était en pleine évolution avec les impressionnistes et leurs disciples, il a souvent été reproché à Carolus-Duran, notamment par Camille Pissarro, de ne pas utiliser sa technique et son talent évidents de façon plus aventureuse et de ne se consacrer qu'à des portraits, certes rémunérateurs, mais conventionnels. Émile Zola écrit : « Carolus-Duran est un adroit ; il rend Manet compréhensible au bourgeois, il s'en inspire seulement jusqu'à des limites connues, en l'assaisonnant au goût du public. Ajoutez que c'est un technicien fort habile, sachant plaire à la majorité»
Carolus-Duran, ami de Degas et d'Édouard Manet, a su naviguer entre l'académisme d'un Cabanel et de ses disciples, et l'expérimentation de ses contemporains plus hardis. Il a su insuffler à ses portraits un naturel et une vie qui les font sortir du lot..
L'atelier de Carolus-Duran compte en moyenne vingt-cinq étudiants, dont les deux tiers sont anglais ou américains, parmi lesquels : John Singer Sargent, Ralph Wormeley Curtis, Maximilien Luce, Ramon Casas, James Carroll Beckwith, Hamilton Minchin, Will Hicok Low, Paul Helleu, Robert Alan Mowbray Stevenson, Theodore Robinson et Ernest Ange Duez.

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Louis Duffy (1908-1998) - Casualty n°1

Louis Duffy (1908-1998)

Casualty n°1, 1940

 Museum of New Zealand / Te Papa  Tongarewa, Wellington 

Casualty no. 1 was one of two works by Louis Duffy to be illustrated in 1942 in Blitz, one of the series of morale-boosting War Pictures by British Artists booklets published by Oxford University Press in conjunction with the British War Artists’ Advisory Committee (WAAC). 

This small publication noted that Duffy was ‘serving in the Directorate of Camouflage, Ministry of Home Security’.

Between 1940 and 1945 some 6000 works of art were produced for the WAAC by a wide spectrum of British artists, and the committee organized nine travelling exhibitions of war art for tour both within the United Kingdom and overseas. A key exhibition, Britain at War, was staged at New York’s Museum of Modern Art in 1941 and other displays travelled throughout the Commonwealth.16 Louis Duffy’s Casualty no. 1 was among the seventy-eight works included in the Exhibition of British War Pictures that toured throughout Australia in 1943. This exhibition was accompanied by a commentary by the journalist and travel writer Henry Vollam Morton who remarked upon how the average visitor will find himself judging a picture, not as a work of art, but as an interpretation of life in war-time. The pictures which stand out from their companions are those which tell a story and do not really require a title.

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Kishida Ryûsei (1891-1929)- Self-portrait 1913

Kishida Ryûsei (1891-1929)

Self-portrait 1913

Toyota Municipal Museum of Art

A peu près inconnu en occident, Ryūsei Kishida est considéré dans son pays  comme l’un des plus grands peintres du 20e siècle. Lié au mouvement Shirakaba (1910-1923), il symbolise, dans les manuels scolaires par exemple, la modernité de l’ère Taishō (1912-1926). 

Plusieurs grands historiens de l’art japonais moderne ont mis en évidence dans son travail, la spécificité de son réalisme et sa critique des avant-gardes.

 Kishida a réalisé de nombreux portraits, ainsi que des paysages terreux, dévoilant un goût qui lui est propre pour une texture à la fois fluide et grasse.

Ss tableaux, d'un format assez petit, sont les plus cotés sur le marché nippon. En 2000, sa toile Reiko un châle sur les épaules (1920) a été adjugée 360 millions de yens, établissant le record pour une œuvre moderne japonaise.

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Frans Masereel (1889-1972) -Trois buveurs au cabaret

Frans Masereel (1889-1972) 

Trois buveurs au cabaret, 1928

FMS

Frans Masereel est un graveur, peintre et illustrateur belge  qui  a principalement travaillé entre la Suisse, l'Allemagne et la France. Artiste engagé, humaniste, libertaire, pacifiste antimilitariste, marqué par le tourment sanglant de la Première Guerre mondiale, ses œuvres dénoncent sans concessions les horreurs de la guerre, de l'oppression et de l'injustice sociale.

Auteur d'une œuvre abondante, illustrateur infatigable, pédagogue, son travail graphique le plus connu est sans doute Mon livre d'heures (1919) : il est consiéйré à ce titre comme le précurseur du roman graphique.

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David Bomberg (1890-1957) - Portrait of Mark Getler

David Bomberg (1890-1957) 

Portrait of  Mark Getler, 1911, 1912

Pencil 

Private collection  

David Garshen Bomberg, très peu connu en France  est un peintre anglais qui fut l"un des artistes les plus audacieux de sa génération dans son pays.  En 1913, il est renvoyé de la  Slade School of Fine Art en raison de ses audaces qui "violent l'approche traditionnelle" de l'école.

Il part alors en voyage en France où il rencontre Modigliani et Picasso. Au cours des années précédant la Première guerre mondiale, Bomberg peint une série de compositions géométriques complexes combinant les influences du Cubisme et du Futurisme et le situant à l'avant-garde du Vorticisme.   Cela est si audacieux à cette époque que personne ne le comprend (mais que beaucoup d'autres en France s'en inspirent!). A partir des années 1920, son style avant gardiste étant totalement rejeté, il se met à voyager beaucoup, visitant la Palestine (1923-27), l'Espagne (1934-35), le Maroc (1930), la Grèce (1930) et la Russie (1933) et peignant  dans un style de plus en plus expressionniste un grand nombre de  portraits et de paysages inspirés de la nature.  

On le qualifie souvent et assez bizarrement de  "rendez vous manqué de l'avant garde anglaise". 


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François Clouet (1515-1572)- Jeune homme avec une barbe

François Clouet (1515-1572)

Jeune homme avec une barbe 

Musée du Louvre, Paris

François Clouet est un artiste-peintre dessinateur français de la Renaissance. Fils de Jean Clouet, lui même dessinateur et peintre célèbre en son temps, François Clouet continue l’œuvre de portraitiste de son père, et son art présente beaucoup d'analogie avec le style dont Jean a été l’inventeur : même sobriété, concentration sur la recherche de ressemblance et même soin d'éviter tout détail superflu.  Les dessins de François Clouet toutefois sont réputés ne pas posséder la légèreté aérienne de ceux de Jean Clouet, mais en tant que portraits ils ne sont pas moins saisissants. C'est lui  qui le premier  s'est avisé de leur donner un fini qui atteste qu'il ne les considérait plus comme des esquisses préparatoires, mais comme des œuvres d'art achevées en elles-mêmes. On pourrait dire, que les 54 dessins authentiques de François Clouet, répartis entre le musée Condé de Chantilly et le Cabinet des estampes au Musée du Louvre à Paris, surpassent encore ceux de son père dans la voie que celui-ci avait ouverte.

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Jean Clouet (1475/85-1541) - Portrait de Jean de Bueil

Jean Clouet (1475/85-1541) 

Portrait de Jean de Bueil, seigneur de Fontaine-Guérin

Musée Condé, Chantilly, France

 Ce portrait représente le membre le plus connu de la Maison de Bueil : Jean V de Bueil, célèbre pour avoir qui a participé au Siège d'Orléans (1428-1429) en compagnie de Jeanne d'Arc. 

La famille de Bueil est une famille noble française parmi les plus importantes de la région  de Touraine, le premier Bueil connu étant le Chevalier Barthélémy III de l'Ile-Bouchard, en 1231.

Ils apparaissent au début du 14e siècle comme Seigneurs de Bueil-en-Touraine et au début du15e siècle comme les héritiers du Comté de Sancerre.

La branche ainée se maintient pendant six générations à la tête du Comté de Sancerre. René de Bueil, le dernier comte de Sancerre, le vend à Henri II De Bourbon, prince de Condé. 

En 1665 cette branche comtale disparaît.

La famille de Bueil a donné un archevêque de Bourges, un évêque d'Angers, un gouverneur du Mans, un Maître des Arbalétriers de France, quatre Grand bouteiller de France et un amiral de France.

Le duché de La Vallière, ou Vaujours, s'assoit sur les terres de Châteaux-Vaujours (Anjou) et de Saint-Christophe (Touraine). À l'origine ces terres composaient une baronnie appartenant à la Famille de Bueil, de 1398 à 1667.

Les dessins de Jean Clouet constituent l'introduction naturelle à son œuvre, en tant qu'études préparatoires aux miniatures et peintures. Plus nombreux que ces dernières, les dessins restent le témoignage de son travail de 1515 à 1540. Ils rendent possibles l'identification des miniatures et peintures et leur attribution à Jean Clouet ; ils attestent la haute qualité et l'importance de son œuvre. Pour mieux comprendre le style de Clouet et son évolution, il faut étudier les dessins dans leur ordre chronologique généralement reparti en trois périodes.

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Frederick Inman Monsen (1865-1929) - Poo-wish-ke-ja-le-kiss

Frederick  Inman Monsen (1865-1929) 

Portrait of  "Poo-wish-ke-ja-le-kiss, Navajo. 

Painted Desert, Arizona. ca 1900

Frederick Inman Monsen was born in Norway and immigrated to the United States with his family in the late 1870s. Frederik Monsen assisted his father and photography teacher in photographing the Denver and Rio Grande Railroad. He spent several years as an itinerant photojournalist, and also worked as a photographer for the Geological Survey, where not only took pictures but also conducted ethnographic experiments of the Rocky Mountains. He quickly became recognized as a geological expert in the American Southwest, and his photography reflected his local knowledge.
During the 1880s, he joined the Geological Survey at the U.S. and Mexican border, and accompanied Generals George Crook and Nelson Miles on their Apache expedition that concluded with the successful capture of Geronimo in 1886.
Frederik I. Monsen became a student of Native American culture, which was reflected in his tribal photographs.  Over a period of eighteen years, Frederik I. Monsen's photographic journey took him throughout the southwestern United States, the California mountains, and Mexico. He became the first professional photographer to record the daily lives of the Hopi and Navajo.
Kodak was  Frederik I. Monsen's camera of choice, and he traveled with three small Kodaks for their ease of portability. They could be easily strapped to his belt, which enabled him to snap candid shots of tribal life. He remembered all too well the unnatural poses necessitated by the dry plate process, but the Kodak enabled  Frederik I. Monsen to capture natural expressions because his subjects were often blissfully unaware they were being photographed.
After settling in California,  Frederik I. Monsen established a studio and museum in San Francisco. He spent several years as a sought-after lecture. Eventually, he amassed a photographic collection that included more than 10,000 plates, most of which were sadly lost in the great San Francisco earthquake and fire of 1906. In 1909, the Eastman Kodak Company published a collection of Mr. Monsen's photographs entitled With a Kodak in the Land of the Navajo.
After seeing an exhibit of his photographs, one observer described it as "the most complete ethnographic series of pictures of Indian life and manners of Southwestern United States." 
The mounted enlargements of Frederik I. Monsen 's remaining collection of photographs are now housed in San Marino, California's Huntington Library and in the Museum of the University of Oslo, Norway.

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Corneille de Lyon (1500-1575) - Portrait d'Anne de Montmorency

Corneille de Lyon  (1500 -1575) 

Portrait d'Anne de Montmorency,  1533 

Museum of Fine Arts, Boston (Mass.)

Créé duc et pair en 1551, Anne de Montmorency était devenu un des plus puissants seigneurs de France, possédant près de 600 fiefs, aimant les arts et protégeant Bernard Palissy ainsi que Jean Bullant, l'architecte de ses deux châteaux de Chantilly et d'Écouen. Ce château d'Écouen peut lui-même symboliser l'homme que fut Anne de Montmorency : à la fois forteresse stratégique et imposante, mais aussi palais des arts inspirés des plus grandes œuvres architecturales d'Italie.
Sous le règne de Henri II (1547-1559), dont Anne de Montmorency est le mentor, le connétable fait la connaissance de Philibert Delorme qui travaille pour le roi dans les châteaux de Saint-Maur, Anet et Meudon.  Anne de Montmorency lui commande la rénovation du château de Fère-en-Tardenois.
De son épouse Madeleine de Savoie, Anne de Montmorency eut 12 enfants.
Deux de ses arrière-petits-fils furent d'éminents chefs militaires : le maréchal de Turenne (1611-1675) et le Grand Condé (1621-1686).

Le peintre  d'origine hollandaise, Corneille arrive au début des années 1530 à Lyon, ville dont il va adopter le nom.. Il connaît immédiatement une grande réussite dans le genre du portrait et devient peintre royal, titre qu'il garde toute sa vie. Marié à une lyonnaise, bien intégré dans sa cité et jouissant d'une aisance confortable, il ne la quitte pas même durant les guerres de religion. Protestant, il est persécuté et revient à la religion catholique pour éviter l'exil. Corneille de Lyon  travaille principalement à l’huile sur des supports de bois. Il peint les zones de chair très légèrement alors que les arrière-plans naturels sont plus forts. Son style se rapproche de celui d’Hans Holbein l'Ancien, particulièrement dans l’utilisation de bordures.

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José Tapiró y Baró (1830-1913) - Retrato de un anciano marroquí

José Tapiró y Baró (1830-1913) 

Retrato de un anciano marroquí

Colección privada

Ami d'enfance de Mariano Fortuny, le peintre espagnol Josep Tapiro y Baro (1830-1913)  a étudié le dessin avec lui dans la classe de Domingo Soberano.  Les deux amis voyagèrent ensemble pendant 7 ans dans toute l'Europe  avant que Tapiro ne décide de s'installer  en 1876 à Tanger au Maroc où il restera pendant 40 ans, jusqu'à sa mort.  Il trouvera presque toujours son inspiration dans cette ville au tempérament ouvert, avec sa particularité de cohabitation paisible de plusieurs cultures qui enrichissait sans doute l'aspect visuel de ses rues.

Littéralement enthousiasmé par la lumière et les couleurs du Maroc, Josep Tapiro devient rapidement ce qu'il est convenu d'appeler un peintre « orientaliste. Il peint de nombreuses huiles et aquarelles aux couleurs éclatantes, des portraits ou des scènes de genre typiquement marocaines. Son style pourtant  est très différent de ce qu’on assimile aujourd’hui à l’orientalisme. En effet il s’installe au Maroc pour peindre la société maghrébine, la réalité de la société marocaine et non un rêve idéalisé d'orient comme le font d’autres disciples de Fortuny  qui ont adherer au mouvement orientaliste sans jamais quitter l’Europe.

A Tanger, Tapiro y Baro transforme un ancien théâtre du quartier juif de la Fuente Nueva en atelier-musée de style mauresque dans lequel il rassemble une collection d'objets orientaux, d’antiquités et de ses propres oeuvres. 

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Roland W. Reed (1864-1934) - A man in Canyon de Chelly

Roland W. Reed (1864-1934) 

A man in Canyon de Chelly, Arizona.

Hand-painted photo print, 1920  

The Library of Congress, Washington DC.

Roland (Royal Jr.) W. Reed  est un  artiste et photographe américain, qui faisait partie d'un groupe de photographes amérindiens du début du XXe siècle connu sous le nom de  " pictorialistes ".

Les pictorialistes furent notamment influencés par l'impressionnisme, et leur photographie se caractérisent par une attention particulière portée sur l'éclairage et le focus. 

Plutôt que d'enregistrer une image telle qu'elle était dans la réalité , les pictorialistes étaient plus intéressés par le fait de  recréer une image telle qu'ils pensaient qu'elle aurait pu (ou du) être. En partie artistes et scientifiques, ils se sont efforcés de faire en sorte que leurs re-créations soient d'une non seulement haute exigence  artistique, mais aussi d'une précision ethnologique indiscutable. 

Au début du 20ème siècle, beaucoup parmi les pictorialistes ayant noté le tournant négatif que prenait la vie des Amérindiens, dans les Réserves,  recréèrent ainsi sur les photographies la vie et les  coutumes des Indiens  telles qu'elles étaient dans leur passé glorieux plutôt que de les portraiturer  dans les conditions  dégradantes dans lesquelles ils étaient parquer. 

Roland W. Reed fait partie des meilleurs  photographes de ce mouvemnnt, notamment à travers ses photos colorisées conservées à La Bibliothèque du  Congrès à Washington. 

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Henri Regnault (1843-1871) - Automédon...

Henri Regnault (1843-1871) 

Automédon ramenant les coursiers d'Achille des bords du Scamandre, 1868.

Museum of Fine Arts Boston

Henri Regnault est un artiste peintre orientaliste français. Il trouve la mort à l'âge de 27 ans à la bataille de Buzenval le 19 janvier 1871, atteint à la tempe par une balle prussienne. Il comptait, après la guerre, visiter l'Inde puis s'installer à Tanger, il avait acheté avec Georges Clairin un terrain et une maison surplombant le Socco où ils voulaient faire aménager un atelier.

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Larry Rivers (1923 - 2002) - Parts of the Face

Larry Rivers (1923-2002) 

Parts of the Face / French Vocabulary Lesson, 1961

Tate, London

Larry Rivers (de son vrai nom Yitzroch Loiza Grossberg) était un artiste américain, musicien, cinéaste,  acteur occasionnel et peintre que certains experts considèrent aujourd'hui comme le parrain du " Pop Art " ou au moins son "Grand père"... si tant qu'Andy Warhol en soit le père !

Fils d'immigrants juifs d'Ukraine, Larry  Rivers a commencé à se faire connaitre comme saxophoniste ans un pub du Bronx, avant d'étudier sérieusement la musique à la Juilliard School of Music avec Miles Davis, avec lequel il fut amis jusqu'à la mort de Miles en 1991.

Rivers a commencé à peindre dès 1947 tout en étudiant à l'Ecole Hans Hofmann. Vivant alors au Chelsea Hotel, connu pour  héberger des artistes qui payaient leur chambre en laissant leurs oeuvres ou leurs droits d'auteurs au patron,  il y croisa  Bob Dylan, Janis Joplin, Leonard Cohen, Arthur C. Clarke, Dylan Thomas, Sid Vicious mais aussi plusieurs personnes associées à la Factory d'Andy Warhol dont Rivers devint vite un ami. Rivers amena d'ailleurs à la Factory  plusieurs de ses amis français comme Yves Klein, Arman, Martial Raysse, Jean Tinguely, Niki de Saint-Phalle, Christo, Daniel Spoerri... 

En tant qu'artiste peintre, Rivers reste  connu pour un travail sur l'histoire de la révolution russe que sa galerie  la célèbre Marlborough Gallery à  New York promotionna à l'envie, mais surtout pour toute une série d'oeuvres sulfureuses.  Un bon nombre de ses oeuvres sont d'ailleurs toujours plus ou moins interdites d'exposition  dans les musées américains ou de diffusion télévisuelle dans le cas de ses films.

Bisexuel , Rivers eut de nombreuses histoires d'amours avec quelques unes des plus importantes  figures du Village des années 70- 80. Au moment de sa mort en 2002, il vivait avec le poète Jeni Olin qui était devenu son compagnon. 

En 2002, une grande rétrospective du travail de Rivers a eu lieu à la Corcoran Gallery of Art à Washington. L' Université de New York a acheté des correspondances et d'autres documents de la Fondation Larry Rivers pour les conserver dans ses archives.

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Jules-Bastien Lepage (1848-1884) - Deux autoportraits

  

Jules Bastien-Lepage (1848-1884) 

1. L'homme blessé ou portrait de l'artiste, 1880 

2. Autoportrait, 1884

Musée d'Orsay, Paris 

Jules Bastien, dit Jules Bastien-Lepage est un peintre naturaliste français qui n'a malheureusement pas pu donner toute la mesure de son talent,  puisqu'il meurt prématurément à 36 ans,  dans son atelier de la rue Legendre à Paris, d'une tumeur cancéreuse à l'abdomen. Malgré cette carrière  très courte qui  s'étend sur à peine 10 années, il laisse une œuvre originale et innovante. Ses toiles figurent dans les plus grands musées du monde : Paris, Londres, New York, Moscou, Melbourne, Philadelphie, etc. 

Origine provinciale modeste, il monte a  Paris  en 1867 et  entre à l'Administration générale des postes en tant que surnuméraire, ce qui lui laisse le temps de travailler le dessin.

 Il a réalisé au moins 3 ou 4 autoportrait dont le premier a été publié ici même.

2018 - Men Portraits 
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Vasily Vereshchagin (1842–1904) - A Zyrian

Vasily Vereshchagin (1842–1904) 

A Zyrian 

The Russian Museum, St. Petersburg, Russia.

Vasily Vasilievich Vereshchagin (également orthographié Vereschagin)  fut un peintre réaliste russe de la seconde moitié du 19ème siècle, surtout célèbre pour ses scènes de bataille, à la fois contemporaines et historiques. Il fut l'un des premiers peintres russes à être largement reconnu en dehors de son pays natal et eut de nombreuses expositions en Europe et aux Etats-Unis. Bien que son succès ait été fondé sur ses peintures de guerre et le combat, et en dépit du fait qu'il ait été un officier bardé de décoration, Vereshchagin fut toujours et très ouvertement critique par rapport  à toute guerre, qu'il considérait comme une  "grande injustice ".  Cela le mit souvent en  difficulté et même en conflit ouvert avec les divers pouvoirs de son époque.   Il trouva la mort pendant  la guerre russo-japonaise, lors du naufrage du cuirassé Petropavlovsk, touché par une mine, au large de Port-Arthur.

Exposé principalement à la Galerie Tretiakov à Moscou, il est devenu aujourd'hui le symbole du pacifisme russe.

La ville de Verechtchaguino, dans le kraï de Perm, a été nommée  ainsi en son honneur.

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Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564) - Etude de corps masculin, demi torse,

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564)

Etude de corps masculin, demi torse, visage, pieds, doigts

Collection particulière 

Ce dessin a fait partie de la grande exposition retrospective consacrée par le MET de New York aux dessins  (150 oeuvres) de Michel-Ange en Novembre 2017, dessins conservés pour la plupart dans les Musées du Vatican ou dans les collections du Windsor Royal Trust (Collections de la Reine Elizabeth II).   " La perfection du dessin (clef de l’expression picturale) vous est si familière que vous voyez dans la représentation du corps humain la fin de l’art, c’est-à-dire dans ce qu’il a de particulièrement inaccessible », écrivait le dramaturge Pierre l’Arétin au sujet du « divin » Michel-Ange. 

Selon Carmen Bambach, conservatrice des dessins et estampes au Metropolitan Museum of Art : 

 « Michel-Ange était un puissant dessinateur. Quand il dessinait, c’était avec son œil et sa compréhension de la sculpture. On retrouve parfois chez lui une certaine brutalité parce qu’il voulait repousser certaines idées »

Adolphe Brune (1902-1875) - Joseph, le nègre

Adolphe Brune (1902-1875) 

 " Joseph, le nègre " 

Musée de Cahors Henri-Martin / Musées d'Occitanie, France  

 Cette oeuvre  qui n'est pas présentée de façon permanente dans le musée qui la conserve représente un modèle célèbre. 

Joseph apparaît en effet dans Le Radeau de la Méduse de Géricault (c'est l'homme qui, vu de dos, agite un morceau de tissu au navire passant au loin), ou dans une étude de Chassériau conservée au musée Ingres de Montauban. Les contemporains  décrivent Jospeh non seulement comme admirablement beau, large d'épaules, les hanches minces, mais aussi d'un caractère affable et Géricault semble l'avoir apprécié comme modèle moins pour son physique, capable de rivaliser avec  des statues antiques que pour le charme de sa personnalité. Voici la biographie de Joseph  brossée par  Émile Gigault de La Bedollière dans son ouvrage Le Modèle paru en 1840 : 

"A ce propos nous dirons que tous les peintres ont leur modèle de prédilection, qu’ils reproduisent incessamment dans leurs tableaux. Qu’un artiste rencontre dans la rue un homme aux traits mâles et fortement accentués, à la physionomie expressive, à la tournure athlétique, fût-ce sous les haillons d’un chiffonnier, l’artiste l’endoctrinera et l’aura bientôt fait passer de l’échoppe à l’atelier. C’est ainsi que Géricault recruta parmi les acteurs de madame Saqui le nègre Joseph, qui, venu de Saint-Domingue à Marseille, et de Marseille à Paris, avait été engagé dans la troupe acrobate pour jouer les Africains. Le Naufrage de la Méduse amena une nombreuse clientèle à Joseph, et ses épaules larges et son torse effilé la lui ont conservée, malgré ses impardonnables distractions. Car pensez-vous que l’Haïtien, brûlé par le soleil des tropiques, va demeurer tranquille dans sa pose comme Napoléon sur la Colonne ? Non : vous voyez tout à coup sa figure s’épanouir, ses grosses lèvres s’ouvrir, ses dents blanches étinceler ; il se parle à lui-même, il se conte des histoires, il rit à gorge déployée ; il songe à son pays natal ; réchauffé par la chaleur du poêle, il rêve le climat des Antilles ; au milieu des émanations  de la tôle rougie et de la couleur à l’huile, il respire le parfum des orangers. O illusions !" 

Louis Léopold Boilly, (1761-1845) - Etudes de trois têtes

Louis Léopold Boilly (1761-1845)

Etudes de trois  têtes, 1823

The MET

Ce dessin de Boilly  réalisé à la  craie noire et  à la craie blanche, fait partie de la série de caricatures et grimaces qu'il dessina vers la fin de sa vie. Actuellement conservé au MET à New York où il fait partie du don de Jill Newhouse en 2011, il n'est cependant pas encore exposé au public.

Rosa Bonheur (1822-1899) - Portrait du Col.William F. Cody dit Buffalo Bill

Rosa Bonheur (1822-1899)

Portrait du Col.William F. Cody dit Buffalo Bill, 1889

 Buffalo Bill Historical Center  

А l'occasion de l'Exposition universelle de Paris de 1889, Rosa Bonheur  invite Buffalo Bill dans son domaine où ce dernier arrive en lui offrant une panoplie de sioux. Elle fait le portrait  du légendaire héros américain , ce qui lui permet lors  l'Exposition universelle de 1893 à Chicago, de faire  partie de la délégation de femmes françaises artistes présentées et  regroupées dans le Woman's Building.

La gloire qu'elle connait de son vivant en tant  qu'artiste peintre et sculptrice, spécialisée dans les scènes de genre avec des animaux, faiblit rapidement après sa mort, sa peinture étant trop éloignée des tendances modernes. À partir des années 1980, des publications biographiques l'associent aux débuts du féminisme en raison de la vie très émancipée qu'elle a menée.

2018 - Men Portraits 
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Michael Peter Ancher (1849-1927) - The lifeboat is taken through the dunes,

Michael Peter Ancher (1849-1927)

The lifeboat is taken through the dunes,1883

Statens Museum for Kunst 

Michael Peter Ancher était un artiste danois réaliste appartenant au courant réaliste qui peignit des scènes de la vie quotidienne de la  petite communauté de Skagen parmi lesquelles beaucoup de scènes de  pêche et de portraits de pêcheurs. Un des tableaux qui l'ont rendu célèbre est celui qu'il réalisa en  1879 Vil han klare pynten (Va-t-il contourner le point ?) qui représente un moment dramatique de la vie des heroïques pêcheurs de Skagen confrontés à la dure réalité du travail en mer  dans dans un environnement souvent hostile.  Ses oeuvres principales ont  pour noms explicites : Transport du beateau de sauvetage  à travers  les dunes (1883)  (ci dessus) ou encore L'équipage est sauvé (1894) ou encore Le noyé (1896).  Michael Ancher a été très influencé par sa formation classique à l'Académie royale danoise des beaux-arts qui imposait des règles strictes de composition.  En combinant cette composition classique stricte avec les enseignements du naturalisme, Michael Ancher a créé un art très unique que l'on a voulu qualifier un  peu maladroitement  d' art  moderne figuratif monumental et qui vaut beaucoup plus que ces catégorisations pompeuses. 

Jean-Léonard Lugardon (1801-1884) - Portrait d'homme au crayon noir

Jean-Léonard Lugardon (1801-1884)  

Portrait d'homme au crayon noir
Collection particulière

 Cet artiste peintre suisse né à  Genève, fut élève d'Antoine-Jean Gros à Paris et d'Ingres à Florence.

 Il  exposa à Genève à partir de 1823 et fut présent aux Salons du Louvre dès 1827.  Ses talents de dessinateur et sa grande maitrise du crayon noir l'ont propulsé au rang des grands maîtres du genre.  

Il semblerait qu'il ait été moins à l'aise dans le maniement du pinceau ...

William Dring (1904 -1990) - Lieutenant Commander Harry John Hall

William Dring (1904 -1990)

 Lieutenant Commander Harry John Hall

National Maritime Museum 

Dennis William Dring était un portraitiste anglais qui a étudié à la Slade School of Fine Art entre 1922 et 1925, où il a remporté plusieurs prix et bourses. Il enseigna le dessin et la peinture à la Southampton School of Art jusqu'en 1942. À la fin des années 1920, les architectes Edwin Lutyens et Albert Edward Richardson commandèrent à Dring un certain nombre de peintures murales.

Au début de la Deuxième Guerre mondiale, Dring exécuta plusieurs commandes de portraits pour le Comité consultatif des artistes de guerre,(War Artists' Advisory Committee). 

En 1942, il travaille à temps plein pour le Comité et se  spécialise dans les "portraits d'Amirauté" 

A partir de ce moment  là, toute sa carrière se peintre s'oriente autour des faits de guerre et de ses héros, une spécialisation  " artistique " tout à fait anglo-saxonne. 

Soixante-quatre des portraits que Dring à peint  en temps de guerre, principalement des pastels, font partie de la collection de l'Imperial War Museum, qui possède également 5 peintures à l'huile, sans parler de la quarantaine de portraits au pastel sont conservés au  National Maritime Museum.

Henri Rousseau (1844-1910) - Portrait de Monsieur X

Henri Rousseau (1844 - 1910) 

Portrait de Monsieur X (Pierre Loti), 1910  

Kunsthaus Zurich, Suisse

Ce portrait de face, avec le visage inexpressif - comme la plupart des portraits de Rousseau - a été identifié comme étant, celui de Pierre Loti avec un chat. On y voit un personnage coiffé d’une chechia rouge, fumant une cigarette, en présence d’une chatte tigrée confortablement installée sur un coussin rouge, le tout se découpant sur un paysage de plein air dans lequel se dresse des cheminées d’usine !
Selon les experts, aux paysages agrestes des portraits de la Renaissance dont la composition veut emprunter les codes, Rousseau substitue une paysage de la mutation industrielle qui bat son plein en ce début de XXe siècle.
Parfait …. À ceci près qu’ il y a polémique sur l’identité du personnage représenté !
En effet lorsque Henri Rousseau exposa ce tableau au Salon des Indépendants de 1906, le titre en était « Portrait de Mr F. »! Il faisait ainsi explicitement référence au commanditaire de l’œuvre, l’écrivain Edmond Franck. On sait aujourd’hui qu’après l’avoir acquis, Edmond Franck très insatisfait de son portrait le détruisit purement et simplement et sans été d’âme !
En 1952, soit 53 ans après avoir été peinte, on retrouve cette toile à la Galerie Charpentier à Paris qui la met en vente, sous le nom de Portrait de Mr X (Pierre Loti) », pour une somme assez rondelette, la «cote de Rousseau ayant considérablement monté depuis son décès.
C’est alors qu’Edmond Franck réapparait et se manifeste auprès du galeriste en écrivant :
« Je puis vous assurer que cette œuvre n’a jamais été le portrait de Pierre Loti, qu’elle est mon propre portrait exécuté par le douanier Rousseau à mon propre domicile avec mon propre chat «
Evidemment 50 ans plus tard, le chat n’est plus là pour témoigner !
La question reste : Pierre Loti avait-il un chat ? La réponse est « Oui « . Il adorait même les chats qui selon ses propres mots « apportaient à son existence tourmentée une présence qui défiait le temps « . Loti en eût au moins 7 qu’il appela invariablement Moumoutte et leurs petits Mimi .
Et s’il s'agissait du Portrait de Moumoutte avec un homme moustachu portant une chechia rouge ? 

 

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Pierre Julien (1731-1804) - Ganymède

Pierre Julien (1731-1804)

Ganymede versant le nectar à Jupiter changé en aigle, 1776-1777
Marbre H. : 1,02 m. ; L. : 0,57 m. ; Pr. : 0,44 m.

Musée du Louvre, Paris

Jupiter, amoureux de Ganymède, enleva le jeune homme et en fit son échanson.
Cette pièce de Pierre Julien fut présentée comme pièce de réception à l'Académie Royale en 1776.
L'oeuvre ayant été refusée par l'Académie, Pierre Julien exécuta dès 1777 cette version en marbre (conservée au Louvre) pour son ami et protecteur Jean Hyacinthe Hocquart, président au Parlement de Paris et marquis de Montfermeil. Deux dplans différents sont présentées ci-dessous:  

Laton Alton Huffman (1854-1931) - A Crow Scout

Laton Alton Huffman (1854-1931) 

A Crow Scout, 1879

Laton Alton Huffman was an American photographer of Frontier and Native American life. Born in Winneshiek County, Iowa, he spent most of his life photographing the area around his Montana home. Having initially worked at Fort Keogh, he started to sell prints of his glass plate negatives.

Alphonse Périn (1798-1874) - Autoportrait

Alphonse Périn (1798-1874) 

Autoportrait 

Musée des Beaux-Arts de Reims 

Alphonse Périn est un peintre français qui fut  lauréat en 1821 d'un troisième prix de Rome dans la catégorie du paysage historique

Christian Bérard (1902-1949) - Le Figurant

Christian Bérard (1902-1949) 

 Le figurant vers 1946-48

Collection particulière 

Christian Jacques Bérard, couramment surnommé « Bébé » car il était assez joufflu  est un peintre, illustrateur, scénographe, décorateur et créateur de costumes français,  Après des études au Lycée Janson-de-Sailly à Paris, il entre en 1920 à l'Académie Ranson. Très tôt dans sa vie,  il est attiré par le théâtre dont il deviendra l'un des principaux créateurs de décors et de costumes au cours des années 1930 et 1940. Il travaille dès 1930 en étroite collaboration avec Jean Cocteau et Louis Jouvet, pour lesquels il réalise entre autres les costumes et/ou les décors de La Machine infernale (1934), L'École des femmes (1935),  La Folle de Chaillot (1945) de Jean Giraudoux, Les Bonnes (1947) de Jean Genet  et Dom Juan de Molière (1948), sa contribution la plus célèbre demeurant en 1946 la conception des décors et des costumes du film de Jean Cocteau, La Belle et la Bête.

Avec Boris Kochno, rencontré aux Ballets russes de Monte-Carlo, il formait un couple très en vue dans le monde théâtral et les milieux mondains parisiens. En 1945, tous deux  assurèrent la direction artistique du mythique Théâtre de la Mode.

Jean-Théodore Géricault (1791-1824) - Portrait de Joseph

Jean-Théodore Géricault (1791-1824)  

Portrait de Joseph c.1818-19 

Getty Center.

Texte de Jean Nayrolles :  

 "Peint par Géricault (Getty Center, ci-dessus), Chassériau (Musée de Montauban) et Adolphe Brune (Musée de Cahors)  à plusieurs années de distance, un même modèle, connu sous le nom de Joseph, sert trois visions différentes du Noir au XIXe siècle. Au-delà de cette divergence des regards, se pose la question de la reconnaissance d'un modèle dont le succès fut considérable auprès des peintres de l'époque romantique...  Car "Le Nègre Joseph "a laissé un nom en tant que modèle masculin, ce qui est une sorte de prouesse à l'intérieur d'un régime artistique où la reconnaissance d'une identité singulière n'allait en principe qu'aux modèles féminins. Ce n'est peut-être qu'un hasard. Mais c'est peut-être  aussi un état de faits dicté par une image mentale du Noir répandue dans les milieux progressistes et abolitionnistes du milieu du XIXe siècle. Le saint-simonien Gustave d'Eichthal soutenait que la race blanche était le principe masculin de l'humanité tandis que la race noire en formait le principe féminin ; et il insistait sur les caractères respectivement actifs et passifs de chacune d'elles. Un écho de cette théorie résonne dans un  tableau de Chassériau conservé au Louvre, la Toilette d'Esther, où l'une des deux servantes de la princesse juive est en fait un travesti noir. Alors, le souvenir du nom de Joseph parmi ceux des modèles féminins est-il vraiment une exception qui confirme la règle ?"

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