LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 89 - Frederic Remington peint les chasseurs ...

 

 

"Les chasseurs d’orages", célèbre tableau de Frederic Remington, s’inspire d’une coutume Sioux qui consistait à chasser les orages comme on chassait des animaux ou comme on éloignait des importuns c’est a dire avec un arc et des flèches puis plus tard avec un fusil. Dans "The Oregon Trail", l'auteur Francis Parkman raconte comment un ancien Oglala Sioux assimilait le tonnerre à « un grand oiseau noir avec ses ailes rugissantes » qui était difficile à abattre car il bougeait sans arrêt et a une vitesse folle. Quand cet oiseau mythique surnommé « l’oiseau du tonnerre » (Thunderbird en anglais) battait des ailes au-dessus d'un lac, les Sioux frappaient la foudre dans l'eau même. Ils disaient que" l’oiseau du tonnerre avait des ailes mais pas de corps, des yeux mais pas de visage et des dents mais pas de bouche". 

 Pour connaitre la suite écouter ce podcast - 

Pour voir d'autres toiles de Frederic Remington : https://menportraits.blogspot.com/sea...

Frantisek Kupka (1871-1957) - Self-Portrait

 

Frantisek Kupka (1871-1957)
Self-Portrait, 1910
Narodni Galerie v Praze (Czech Republic).

Le peintre tchèque František Kupka compte parmi les pères de l'abstraction avec Vassili Kandinsky, Gino Severini, Piet Mondrian, Kasimir Malevitch, Auguste Herbin et Robert Delaunay.
De son vivant, il a assisté à de nombreux bouleversements de l'art, du symbolisme au pop art, en passant par l'impressionnisme, le cubisme, et bien sûr l'art abstrait, mais il aura toujours voulu garder son indépendance, sa liberté par rapport à tous les mouvements de l'Art moderne. Bien qu'il soit un pionnier de l'abstraction, il refusera toujours l'appellation d'artiste abstrait. Il écrivit :
« Ma peinture, abstraite ? Pourquoi ? La peinture est concrète : couleur, formes, dynamiques. Ce qui compte, c'est l'invention. On doit inventer et puis construire. »

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Jean Fouquet (1420-1481) - Portrait du bouffon Gonella

Jean Fouquet (1420-1481)
Portrait du bouffon Gonella, 1447 - 1450
Huile sur panneau, 36 x 24 cm
Kunsthistorisches Museum / Vienna

Le portrait représente peut-être Pietro Gonnella, qui exerçait le métier de bouffon au sein de la cour de la maison d'Este à Ferrare. C'est ainsi qu'il est identifié dans le premier inventaire dans lequel il est indiqué, celui des collections de l'archiduc Léopold-Guillaume de Habsbourg, daté de 1659. Il est décrit ainsi : « une petit portrait (...) du fou Gonella, avec la barbe courte et un bonnet rouge en habit rouge et jaune ». Jean Fouquet pourrait avoir rencontré le personnage, selon Otto Pächt, lors de son séjour en Italie et particulièrement à Ferrare en 1445, quelque temps avant son passage à Rome et son portrait du pape Eugène IV. L'usage héraldique des couleurs de son costume confirmerait ce rapprochement de la maison d'Este. Cependant, cette identification du personnage est remise en question par plusieurs historiens de l'art. En effet, l'analyse dendrochronologique du tableau a certes révélé que le bois datait du second quart du xve siècle, mais qu'il s'agissait de chêne de la Baltique, couramment utilisé dans la peinture du nord de l'Europe mais très rarement dans la peinture italienne. Selon Nicole Reynaud par exemple, il pourrait être antérieur à son séjour à Rome et avoir été réalisé plutôt en France vers 1440..
Dans l'inventaire de 1659, le tableau est décrit comme un original de Giovanni Bellini dans le style d'Albrecht Dürer. Les premiers historiens de l'art et notamment Eduard von Engerth  en 1882, reconnaissent très vite en effet une influence nordique et non italienne, mais plutôt provenant de Jan van Eyck. Louis Gonse y voit plutôt un Pieter Brueghel l'Ancien dans le style de van Eyck toujours. La datation dendrochronologique a définitivement écarté l'hypothèse van Eyck. 

En 1974, Otto Pächt avance pour la première fois l'attribution à Jean Fouquet. Il le rapproche des portraits de Charles VII et de Guillaume Jouvenel des Ursins et souligne la proximité avec la tête d'un personnage représenté dans la foule au premier plan de la scène du Lit de justice de Vendôme du manuscrit du Boccace de Munich. Une réflectographie infrarouge en 1981 a révélé des notations de couleurs en français sous la peinture. L'attribution à Fouquet est désormais admise par la quasi-totalité des historiens de l'art, si ce n'est par Albert Châtelet ou François Avril qui la mettent encore en doute1.
Le tableau contient à la fois une représentation du visage très détaillée et soignée, très expressif et un costume aux plis rudimentaires, sans modelé moelleux. Les mains sont dessinées de manière assez maladroite pour le peintre français. Selon Carlo Ginzburg, sa pose les bras croisés serait une allusion du peintre au Christ de douleur ou Imago pietatis, iconographie d'origine byzantine. Le peintre ferait ainsi une allusion à la fin tragique du modèle : celui-ci serait en effet mort de peur à la suite de la mise en scène de sa propre mort.


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Jean Clouet (1480-1541) - Portrait de François 1er en Saint Jean-Baptiste

Jean Clouet (1480-1541)
Portrait de François 1er en Saint Jean-Baptiste, 1518
Huile sur toile 96 x 79 cm
Collection privée.

 
Jean ou Jehannet Clouet (v. 1485-1540/1541)  est un peintre portraitiste originaire des Pays-Bas bourguignons du XVIe siècle.  Peintre de François Ier, il est l’auteur d’une œuvre abondante et variée. Quoique sa biographie ait été longtemps mal établie, Jean Clouet est largement reconnu comme l’un des peintres les plus importants de son époque et l’un des plus grands représentants de l’art du portrait.  Bien qu'étranger, Jean Clouet fait presque toute sa carrière en France : on ne peut l'étudier en dehors de la tradition du portrait français. À cette époque, les portraits se rencontrent surtout dans les enluminures de manuscrits à titre d'élément décoratif et rarement indépendants. La première personnalité d'importance, dans le domaine du portrait français, est Jean Fouquet (vers 1420-1425-vers 1481). Son portrait de Charles VII, au Louvre, peint vers 1445 est le premier des grands portraits royaux, et dut exercer une influence sur Jean Clouet. Par rapport au reste de l'Europe, le portrait en France était sur le déclin lorsque Jean Clouet se met au service de François Ier en 1516. Jean Clouet, qui figure sur la liste des peintres du roi en 1516, est un portraitiste dont la précision n'est alors égalée que par celle d'Holbein. Avant de réaliser le grand portrait de François Ier, il fait un dessin préparatoire avec la fidélité pleine de délicatesse qui est l'apanage des portraitistes français du XVIe siècle. Le souvenir de Jean Clouet s'est vite estompé. On a confondu son œuvre avec celle de son fils François Clouet. Il faut attendre notre siècle pour que le rang de premier grand maître français de la renaissance lui soit rendu.

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Harold Harvey (1874–1941) - The Potatoes Harvest

Harold Harvey (1874–1941)
The Potatoes Harvest
( La récolte des pommes de terres)
Newlyn Galleries

Harold Harvey (1874–1941) était un peintre de l'Ecole de Newlyn qui a peint des scènes de pêcheurs, d'agriculteurs et de mineurs de Cornouailles de la classe ouvrière et des paysages de ces mêmes Cornouailles. Il est  formé à la Penzance School of Arts sous Norman Garstin et à l' Académie Julian à Paris (1894–1896).  Après avoir terminé ses études à Paris, Harvey revient à Penzance et commence à travailler avec Norman Garstin en utilisant aussi bien la  peintures à l'huile que l'aquarelle.  De 1909 à 1913, il est associé de la Royal Cambrian Academy of Art de Conwy et, en 1910, il est membre de la South Wales Art Society. À partir de 1910 environ et jusqu'au début des années 1930, il est membre de la Newlyn Society of Artists, en particulier avec des artistes de la vallée de Lamorna .
En 1920, Harvey et son meilleur ami Ernest Procter fondent l'école Harvey-Procter à Newlyn, en Cornouailles.

 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 88 - Qui sont les animaux les plus riches du...

Felix Bonfils (1831-1885) - Bédouin de Palmyre

Felix Bonfils (1831-1885)
Bédouin de Palmyre
Photochrome couleur, 1890-1900 

Félix Bonfils fut d'abord relieur à Saint-Hippolyte-du-Fort dans les Cévennes. Il déménagea à Beyrouth en 1867 où il ouvrit avec sa femme Marie-Lydie Cabanis Bonfils et son fils Adrien, l'atelier photographique Maison Bonfils, qu'il renomma en 1878 Bonfils et Cie.
Bonfils photographia au Liban, en Égypte, Palestine, Syrie et Grèce ainsi qu'à Constantinople à partir de 1876.
Quatre ans plus tard, il confie à la Société française de photographie le résultat de sa stupéfiante activité : 15 000 épreuves d'après 591 négatifs de l'Égypte, la Palestine, la Syrie et la Grèce, ainsi que 9 000 vues stéréoscopiques. Malgré le climat très chaud de ces pays, ses clichés sont réalisés à l'aide de collodion humide qui doit être développé très rapidement.
En 1872, Bonfils publie Architecture antique, un album composé de 22 planches. Ces photographies sont largement diffusées par des agents au Moyen-Orient, dans les pays anglophones et en France. Ces vues pouvaient être achetées à l'unité, mais elles étaient également proposées sous forme d’albums.
À partir de 1876, Bonfils, de retour à Alès, se consacre à la publication de son Catalogue des vues photographiques de l'Orient : Constantinople, l'Égypte, la Palestine, la Syrie et la Grèce.
Bonfils propose 545 images numérotées en une grande diversité de formats. Le catalogue se termine par une liste de 133 numéros de Costumes divers disponibles en 33 épreuves de moyen format (18 × 24 cm) et en 100 vues stéréoscopiques.
Ses œuvres devinrent célèbres grâce aux touristes du Moyen-Orient qui rapportaient ses photographies en souvenir.
Ces photographies, produites par l'atelier, pouvaient parfois être l'œuvre de son fils Adrien ou des assistants de l'entreprise.
En 1876, il revint à Alès où il ouvrit un autre atelier vers 1881.
Celui de Beyrouth n'en fut pas fermé pour autant. Sa femme Marie-Lydie et son fils en assurèrent la conduite après la mort de Félix en 1885. Cet établissement ne cessa qu'en 1905, quand un incendie le détruisit. L'activité de l'entreprise Bonfils se poursuivit plusieurs décennies après la mort de son fondateur.
Elle fut rachetée en 1918 par Abraham Guiragossian, associé depuis 1909, qui en conserva le nom. Elle est mentionnée dans le Guide bleu en 1932.
Bonfils est très présent dans les grands Musées américains (The MET) et surtout au Musée de l'Université de Pennsylvanie.
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Albert Weisgerber (1878-1915) - In The Beer Garden

Albert Weisgerber (1878-1915)
In The Beer Garden, 1905

Albert Weisgerber  est un artiste peintre et graveur sur bois allemand.  De 1897 à 1901, il étudie à l'académie des arts de Munich avec comme professeur Franz von Stuck. Il se lie d'amitié pendant ces années à Hans Purrmann, Paul Klee, Wassily Kandinsky, et Karl Arnold. En 1898, il crée le cercle d'artistes Sturmfackel avec son ami Alfred Kubin. Il gagne sa vie en produisant des illustrations pour le magazine Jugend sous la forme de xylographies. En 1907, il épouse Margarete Pohl et rencontre le succès lors d'expositions d'art à Munich et à Dresde. En 1913, il est le président fondateur du collectif d'artistes Münchner Neue Secession, dissident de la Sécession munichoise, qui allie des peintres tels qu'Alexej von Jawlensky, Gustav Jagerspacher, Paul Klee et Alexander Kanoldt. Il intègre l'armée allemande lors de la Première Guerre mondiale et décède en tant que lieutenant le 10 mai 1915 à l'ouest de Lille, à l'âge de 37 ans. 

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Sidney Edward Dickinson (1890 - 1980) - Portrait of Bryan Baker

 

Sidney Edward Dickinson (1890 - 1980)
Portrait of Bryan Baker

Dickinson  était le fils d'un pasteur congrégationaliste. Ses parents déménageaient fréquemment. Dickinson a étudié avec George Bridgman et William Merritt Chase à l' Art Students League de New York de 1910 à 1911, et de 1910 à 1912, il a été l'élève de Douglas Volk à l'école de la National Academy of Design. ] Il a passé du temps à voyager à travers le pays en faisant du travail manuel, en travaillant dans des camps de bûcherons et en trouvant un emploi comme roadman d'arpenteur et ouvrier agricole

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Gustave Caillebotte (1848-1894) - Baigneur s'apprêtant à plonger

Gustave Caillebotte (1848-1894)
Baigneur s'apprêtant à plonger, 1878
Collection particulière 

 Le peintre français Gustave Caillebotte réalisa tout au long de sa vie plusieurs autoportrait de lui dont certains dans des cadrages très nouveaux et photographiques pour l'époque. Celui ci est plus traditionnelle si ce n'est que le parasol, véritable deuxième personnage de la toile occupe un bon quart de l'espace total. Peut-être même occupe-t-il la première place avec cette magnifique lumière rose et jaune que le tissu laisse filtrer en touches mi impressionniste mi pointilliste. Le chien, lui, fait la sieste à l'ombre du parasol.
En dehors des tableaux qu'il a peint et a laissé dans de nombreux musées et collections américaines, Gustave Caillebotte fut aussi mécène, collectionneur et organisateur des expositions impressionnistes de 1877, 1879, 1880 et 1882. Le talent de Caillebotte fut longtemps méconnu (sauf aux États-Unis) au profit de son rôle de « mécène éclairé ». Le peintre fut redécouvert dans les années 1970 à l'initiative de collectionneurs américains. Les rétrospectives de ses œuvres sont désormais fréquentes. Certains de ses tableaux se trouvent au musée d'Orsay à Paris.
Caillebotte est l'un des premiers grands peintres français à exposer régulièrement aux États-Unis, où il rencontra un vif succès, et où se trouvent aujourd'hui nombre de ses toiles. Il est l'un des fondateurs du courant « réaliste », qu'illustra par exemple au 20e siècle l'américain Edward Hopper.
Fortuné, il n'a pas besoin de vendre ses toiles pour vivre, si bien que ses descendants possèdent encore près de 70 % de ses œuvres. À sa mort, Martial et Auguste Renoir son exécuteur testamentaire, prennent les dispositions pour que l’État accepte le legs de ses tableaux impressionnistes.
Les historiens d'art qualifient volontiers cet artiste « d’original et audacieux ». Sa technique ne l'est pas moins assez proche de l'art photographique, mais, par de puissants effets de perspectives tronquées, les distances et les premiers plans sont écrasés et l'horizon absent, d'où la perception instable et plongeante (Caillebotte invente la vue en plongée dans la peinture). Les effets de vue plongeante s'imposent dans son art à travers les personnages au balcon et ses vues en surplomb des rues et des boulevards.

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Frank Xavier Leyendecker (1876-1924) - Le Forgeron

Frank Xavier Leyendecker (1876-1924)
Le Forgeron

Frank Xavier Leyendecker est un illustrateur américain. Il travailla avec son frère Joseph Christian Leyendecker, dans leur atelier, d'abord à Chicago, et ensuite à New York et à New Rochelle. Il étudia un temps à l'Académie Julian à Paris. Il était réputé pour son travail sur les vitraux tout autant que pour ses illustrations d'affiches, de magazines et publicitaires. Leyendecker a exercé la fonction de juge d'un concours pour le premier Strathmore Water Color Contest, sponsorisé par la Mittineague Paper Company du Massachusetts. Il participa à la deuxième exposition de la Society of Illustrators de la galerie internationale de New York où ses œuvres présentées furent considérées comme des « éléments important ». Il travailla beaucoup pour le magazine Life pour lequel il dessina de nombreuses couvertures.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 87 - La folle affaire du Bronzino disparu

Marbre antique - Apollon citharède

 

Marbre antique
Apollon citharède
Musée du Bardo, Tunis

Le modèle d'origine des Apollons citharèdes remonte au type de l'Apollon de Mantoue, apparu au 5e siècle av. J.-C., dont une copie en marbre est conservée au Louvre et dont des déclinaisons ont été retrouvées notamment à Pompéi.

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Adèle Romany (1769-1846) - Portrait de Joseph-Dominique Fabry-Garat jouant de la lyre

Adèle Romany (1769-1846)
Portrait de Joseph-Dominique Fabry-Garat jouant de la lyre,1809
Boston Museum of Fine Arts 

Adèle de Romance ou Adèle Romany  également connue sous le nom de Madame Romany ou Madame Romanée est une artiste peintre française, considérée en son temps comme une grande portraitiste.

À l'occasion de son mariage avec François Antoine Romany elle devient l'élève de Jean-Baptiste Regnault (1754-1829) dont l'atelier pour élèves féminines est dirigé par son épouse. 

Il n'existe pas d'autres détails sur l' éducation artistique d'Adèle Romany.

 Elle participe à son premier Salon en 1793, en tant qu’élève de Regnault. Elle en reprend la manière précise et excelle dans les rendus de matières et les détails des costumes.

 Pendant quarante ans, entre 1793 à 1833, quatre-vingts de ses œuvres sont exposées aux Salons !   Elle a représenté beaucoup d'acteurs, d'actrices et de musiciens en particulier ; c'est pourquoi la plus importante collection de ses œuvres se trouve à la Comédie-Française.

De 1800 à la fin du Premier Empire, elle recueille un certain nombre de commentaires approbateurs de journalistes. Au Salon de 1808, elle reçoit une médaille de seconde classe, d'une valeur de 250 Francs. Parmi ses œuvres les plus admirées, figurent son Autoportrait avec ses enfants (1800),  Portrait de Mlle A. P., exposé au Salon de 1806, et les portraits des actrices Mlle Raucourt (Salons de 1812 et 1814) et Mlle Emilie Leverd (Salons de 1808 et 1814).

Son excellent Portrait de Talma (1818) a longtemps été attribué par erreur à François Gérard. 

Elle a aussi réalisé un portrait d'Elizabeth Vigée Le Brun, grande peintre-portraitiste du 18e siècle s'il en fut,  et qui était son amie. 

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Otto Greiner (1869–1916) - Nu Masculin

Otto Greiner (1869–1916)
Nu Masculin, 1896
Musée national de Varsovie

 Otto Greiner fut le premier artiste allemand à utiliser la technique de la lithographie non seulement pour la reproduction, mais aussi pour la conception originale de ses œuvres. Ses représentations naturalistes, assez caractéristiques de son époque trouvent moins d'échos parmi le public d'aujourd'hui. Ses quelques peintures monumentales de grand format comprennent : Ulysse et les sirènes, sur laquelle il a travaillé à Rome pendant trois ans (généralement considéré comme perdu depuis la Seconde Guerre mondiale) a en réalité été coupé en morceaux par les troupes russes au moment de la libération de Leipzig pour servir de bâche de transport) ; Prometheus, Hercule à Omphale (créé à Rome en 1905), L'école des sorcières est sa seul grande toile consacrée aux femmes. Otto Greiner à réalisé également de nombreux portraits et traita de sujets mythologiques et fantastiques. Ces thèmes constituent l'essentiel de ses 112 œuvres graphiques et quelques grandes peintures.


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Ernest Biéler (1863-1948) - Portrait du peintre par lui-même

 

Ernest Biéler (1863 - 1948)
Portrait du peintre par lui-même

 

Après ses études à Lausanne, Ernest Biéler suit, dès 1880, les cours de l’Académie Julian à Paris. Il obtient une médaille d’argent à l’Exposition universelle de 1900 à Paris. Il appartient, avec Raphaël Ritz, Édouard Vallet, Albert Chavaz et d’autres, à l’Ecole de Savièse. Biéler fut d’ailleurs fait bourgeois d’honneur de cette localité valaisanne.
Très attaché au Canton du Valais, il est surtout connu pour les magnifiques portraits de paysans (ci-dessus) et d'habitants de Savièse qu'il peignit tout au long de sa vie. Fier de son appartenance valaisanne, il a également créé pour bons de monuments locaux, des vitraux, des fresques, et pour notamment La Fête des Vignerons, des costumes, des chars et des décors tout a fait étonnants.
Il passa les dernières années de sa vie dans sa maison du Monteiller (Rivaz).
Ses portraits se trouvent aujourd'hui dans de nombreuses prestigieuses collections privées en Suisse et a travers le monde.

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Pellegrino Tibaldi (1527-1596) - Etude de silhouette pour Eole

Pellegrino Tibaldi (1527-1596)
Etude de silhouette pour Eole
The MET, NYC

 

Pellegrino Tibaldi ou Pellegrino di Tibaldo de Pellegrini dit il Pellegrini est un peintre italien de la Renaissance et un architecte appartenant à l'école lombarde.
Fils d'un tailleur de pierres, je jeune Pellegrino accomplit sa formation culturelle à Bologne, comme peintre à l'école de Bartolommeo Ramenghi dit il Bagnacavallo, et comme architecte dans l'ambiance des nouveautés apportées par Giulio Romano et Sebastiano Serlio. Puis il séjourne à Rome pendant deux années où il est au contact des œuvres de Michel-Ange et de quelques-uns des maniéristes (dont Perin del Vaga), qui l'influencent dans ses premières œuvres, comme la décoration de l'appartement de Paul III au Castel Sant'Angelo. Il effectue ensuite de nombreuses commandes pour le cardinal Luigi Poggi à Bologne. Il peint les fresques de l'Histoire d'Ulysse dans le Palazzo Poggi, les scènes de la Vie de saint Jean-Baptiste dans la chapelle des Poggi à Bologne, et les scènes de la Vie de Moïse dans le Palazzo Sacchetti à Rome. A Ancône, il peint des fresques pour la loggia dei Mercanti et le Palazzo Ferretti. En 1561, il rencontre le cardinal Carlo Borromeo, qui l'emploie à Milan, la plupart du temps comme architecte dans la tâche presque sans fin de construire la cathédrale tout en travaillant sur divers projets comme la cour du palais archiépiscopal (1564-1570), San Fedele (1569-1579) et San Sebastiano (1577). À Milan il travaille également en tant qu'architecte civil, projetant le Spinola, Erba Odescalchi et les palais de Prospero Visconti.
En 1586, il est en Espagne, où il a suivi et remplacé Federico Zuccari en tant que peintre principal de la cour. Il peint dans les cloîtres inférieurs de l'Escorial sur demande du roi Philippe II. Ses plus grands travaux sont les fresques de la bibliothèque. Après neuf ans, il revient en Italie et est nommé architecte du dôme de Milan charge qu'il occupe jusqu'à sa mort.
On le trouve aussi ingénieur militaire à Ancône et à Ravenne avant son arrivée en Lombardie bref une parfaite figure de la Renaissance, bizarrement très peu médiatisée de nos jours.

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David Hockney (bn. 1937) Nick Wilder in his pool

David Hockney (bn. 1937)
Nick Wilder in his pool, 1964.
Collection privée 

  This painting reflects the impact of Hockney’s move in 1964 to California, with its sunny climate, relaxed lifestyle and vibrant colours. The pool, in Hollywood, belonged to Los Angeles gallery owner Nicholas Wilder. The figure is Hockney’s new lover and muse, Peter Schlesinger.
Hockney based the painting partly on a Polaroid photograph of Peter leaning against an MG sports car. The painting’s shape echoes the format of a photograph. A border of un-primed canvas was left ‘to make the picture look more like a painting’. Hockney wanted to emphasise the process of picture-making and expose the trickery involved.
To depict the reflection of light on the window and in the water he follows the conventions of comics and advertisements, using parallel or rope-like wriggly lines over strong, flat colours. Masking tape was used to create the straight lines in the scene.


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David Teniers II le Jeune (1610–1690) – Le Fumeur Flamand

David Teniers II le Jeune (1610–1690)
Le Fumeur Flamand, 1640
Huile sur toile, 21.5 x16 cm

David Teniers II, dit le Jeune,est un peintre, graveur, dessinateur, peintre miniaturiste et copiste flamand. C'est un artiste extrêmement polyvalent connu pour sa production prolifique. Il est un innovateur dans un large éventail de genres tels que l'histoire, le paysage, le portrait et la nature morte. Il est le plus connu en tant que le premier peintre de genre de son époque. Teniers est particulièrement connu pour avoir développé le genre paysan, la scène de tavernes, des images de collections d'art et des scènes avec des alchimistes et des médecins.

 
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Domenico Capriolo (1494 1528) - Portrait de Lelio Torelli

Domenico Capriolo (1494-1528)
Portrait de Lelio Torelli, 1528
Bowes Museum

Domenico Capriolo est un peintre de la Renaissance italienne. Il réalise des portraits dans le style de Giorgione ainsi que des tableaux religieuxil commence très tôt sa carrière de peintre, et semble très proche du style de Giorgione, au moins pour les sujets de ses œuvres. Très rapidement il s'établit à Trévise (1517), et épouse Camilla, fille du peintre Pier Maria Pennacchi. Dans sa phase de maturité, Capriolo semble prisonnier d'un goût provincial, incapable de toute innovation se bornant à ce qu'il appris dans sa  jeunesse. Il oublie peu à peu son giorgionismo pour trouver d' autres références telle que Giovanni Gerolamo Savoldo ou Pordenone. Sa mort prématurée a empêché nouvelle évolution dans son style.Capriolo meurt assassiné par son beau-père, à la suite d'une querelle concernant la dot de sa femme. Sordide histoire...

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Dick Ket (1902-1940) - Un autoportrait

Dick Ket (1902-1940)
Un autoportrait, 1926
Musée Boijmans Van Beuningen

Dick Ket était un peintre connu pour ses natures mortes et sa multitude d'autoportraits qu'il ne se lassait pas de faire et de refaire ! 
Ses natures mortes méticuleusement composées avec ces objets  vus d'un point de vue élevé, dans un cadrage en plongée, les ombres portées des objets créant toujours d'intéressantes diagonales. Dick Ket a réalisé environ 140 peintures, dont une quarantaine d'autoportraits. Ses expérimentations techniques de différents additifs dans la composition de ses pigments, medium et vernis, ont eut pour effet de provoquer un résultat étonnant et difficilement gérable par les conservateurs, puisque certaines de ses peintures ne sont pas complètement sèches après quatre vingt ans !!!
Le Rijksmuseum d'Amsterdam, le musée Arnhem et le musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam figurent parmi les musées présentant des œuvres de Dick Ket.

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Carlos Federico Sáez (1878-1901) - Estudio

 

Carlos Federico Sáez (1878-1901)
Estudio
Pastel sobre papel, 35 x 28 cm-
Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo

 

Artiste uruguayen, né à Montevideo, Carlos Federico Sáez a peint principalement des portraits. 

Son style se caractérise par des coups de pinceau très larges qui parviennent cependant toujours à donner au rendu de ses personnages une précision très réaliste. Pendant son séjour en Italie, il a peint plusieurs portraits à l 'huile sur "la réserve" de la toile (la toile est laissée visible), une technique très novatrice à la fin du 19 e siècle, où elle n'était utilisée sur papier que par de rares aquarellistes et qui fut beaucoup très utilisée au 20e siècle dans l’art abstrait.

Au cours de sa courte carrière, il a réalisé plus de 70 peintures à l'huile et 100 dessins. Il est considéré comme l'un des principaux artistes uruguayens et le premier à produire de l'art véritablement moderne.

Peu ou pas du tout connu en Europe, les œuvres de ce grand peintre sont principalement conservées en Uruguay au Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, au musée Juan Manuel Blanes de Montevideo, à la galerie Pinacoteca Eusebio Giménez de sa ville natale de Mercedes et au MALBA de Buenos Aires.

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Candido Portinari (1903-1962) - Cangaceiro

Candido Portinari (1903-1962)
Cangaceiro ( Paysan brésilien)
Musée des Beaux Arts de Sao Paulo

 
Candido Portinari est un peintre brésilien, auteur de près de 6 000 œuvres, qui vont de petites esquisses à de vastes peintures murales. Il est l'un des plus importants artistes brésiliens dans le courant du néo-réalisme. Portinari est célèbre pour ses immenses fresques Guerre et paix (1952-1956), conservées au siège des Nations unies à New York ; elles sont inaugurées en 1957 mais en l'absence de l'artiste en raison de ses sympathies pour le Parti communiste, à une époque où les États-Unis sont marqués par le maccarthysme. 

 

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Rogier van der Weyden (1399-1464) (élève de) - Portrait masculin

Rogier van der Weyden (1399-1464) (élève de)
Portrait masculin,1450,
Huile sur toile, 14 x 10 in.
Indianapolis Museum of Art.

 

 Rogier van der Weyden était l'un des artistes les plus influents du XVe siècle. Il s'installe à Bruxelles, où il est nommé peintre officiel de la ville en 1436 et entretient un atelier chargé. Il a exécuté des retables et des portraits pour les institutions religieuses, les fonctionnaires de la cour et les puissants ducs des Pays-Bas bourguignons. Ce portrait qui représente un personnage de haut rang, comme l'atteste son pourpoint  doublé de fourrure, n'a pas les mains jointes en position de prière comme souvent chez  Rogier van der Weyden mais posées sur l'une sur l'autre dans une attitude de pose ou d'attente. La facture très  limpide du visage  laisse d'autre part penser qu'il ne s'agit pas d'une toile de van der Weyden mais d'un de ses suiveurs.

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Elaine de Kooning (1918-1989) - Portait de Fairfield Porter

 

Elaine de Kooning (1918-1989)

Portait de Fairfield Porter, 1954
MoMA 

Elaine de Kooning a réalisé des peintures et des dessins abstraits et figuratifs de natures mortes, de paysages urbains et de portraits. Son travail a été influencé par les artistes Willem de Kooning (son mari) et Arshile Gorky, des artistes qui ont travaillé de manière abstraite et aussi bien que figurative. Ses premiers travaux comprenaient des aquarelles et des natures mortes, dont cinquante croquis à l'aquarelle inspirés d'une statue du jardin du Luxembourg à Paris.  Son style concernant la peinture de portrait a été ter apprécié, bien que sprincipalement figuratif. Elle a produit un corpus varié d'œuvres au cours de sa vie, y compris des sculptures, des gravures et des œuvres inspirées de dessins rupestres, le tout en plus de ses nombreuses peintures. Son travail présente une combinaison entre la peinture et le dessin, la surface et le contour, le trait et la ligne, la couleur et la lumière, la transparence et l'opacité. Interrogée sur son style, elle a répondu: «Je m'intéresse plus au caractère qu'au style. Le caractère sort du travail. Le style est appliqué ou imposé au travail. Le style peut être une prison." Étant l'épouse du célèbre Willem de Kooning, elle n'a reçu une réelle reconnaissance que quelques années avant sa mort.

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Boris Taslitzky (1911-2005) - Depression, Camp de Buchenwald, 1945

 

Boris Taslitzky (1911-2005)
Dépression, camp de Buchenwald, 1945
Musée de la Résistance nationale 

 

Boris Taslitzky déclarait que toute sa vie avait été marquée par la guerre. Après l'échec de la révolution de 1905, ses parents fuient la Russie pour Paris ; lors de la première guerre mondiale, en 1915, son père est tué en combattant dans l'armée française et en 1942, sa mère, parce que juive, est arrêtée et assassinée par les nazis au camp d'Auschwitz. 

Dès les premières heures, Boris Taslitzky s'engage dans la Résistance. Mobilisé, il est fait prisonnier et s'évade. Coupable d'avoir réalisé des dessins engagés, il est à nouveau arrêté. Son activité de subversion ne faiblit pas au cours de son incarcération dans les prisons de Vichy, à la centrale de Riom, puis au camp de Saint-Sulpice-La -ointe où, avec la complicité des autres prisonniers, il peint un ensemble de fresques qui, après un article d'Aragon publié dans Regards, lui vaut le titre de « Maître de Saint Sulpice ». 

Même dans l'enfer concentrationnaire nazi de Buchenwald, il ne désarme pas : grâce à la solidarité et à l'organisation de résistance clandestine, Boris Taslitzky produit près de 200 croquis et dessins (dont celui ci-dessus), ainsi que cinq aquarelles. Rendant hommage au talent et au courage de son ami peintre, Aragon fait publier dès 1946 l'album, 111 dessins faits à Buchenwald. Après une réédition en 1978 de l'Association française Buchenwald-Dora, l'ensemble très largement enrichi est récemment paru chez Biro Editeur. 

Le Musée d'Art et d'Histoire du Judaïsme a consacré à ce témoignage graphique exceptionnel une exposition en 2006.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 84 - Jack London en pagne de cheveux humains

Bernard Buffet (1928-1999)- Homme à la plage

Bernard Buffet (1928-1999)
Homme à la plage, 1948
Collection privée

 

Le peintre français expressionniste  Bernard Buffet a peint aussi bien des personnages que des animaux, des nus,des  paysages, des intérieurs, des natures mortes... Aquarelliste, c'est également un peintre de décors de théâtre et un illustrateur. Il remporte le concours d’entrée de l'École nationale supérieure des beaux-arts en décembre 1943 à 15 ans, passant deux ans dans l'atelier du peintre Eugène Narbonne où il est déjà considéré comme très doué. Il s'y lie notamment d'amitié avec les peintres Maurice Boitel et Louis Vuillermoz.

En 1947, il expose L'Homme accoudé au Salon des indépendants et en décembre a lieu sa première exposition particulière présentée par Pierre Descargues, à la Librairie des impressions d'art.  On y reconnait déjà un graphisme très caractéristique qui sera tout au long de sa vie, la marque du peintre. L'État, par l'intermédiaire de Raymond Cogniat, lui fait son premier achat pour le Musée national d'art moderne de Paris avec la peinture Nature morte au poulet. En 1955, il obtient la première place au référendum organisé par la revue Connaissance des arts désignant les dix meilleurs peintres de l'après-guerre. Il peint les maquettes des décors et des costumes pour La Chambre argument de Georges Simenon qui devient son ami.

Élu à l’Académie des beaux-arts au fauteuil de Paul Jouve, Bernard Buffet est alors le plus jeune académicien jamais élu sous la coupole.

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Felix Michal Wygrzywalski (1875 -1944) - Pêcheur

 

Felix Michal Wygrzywalski (1875 -1944)
Nad ciepłym morzem (Au bord de la mer chaude)
Musée de Cracovie

Feliks Michał Wygrzywalski se forme de 1893 à 1898 à l'Académie des beaux-arts de Munich (Kunstakademie) et à l'Académie Julian à Paris. En 1900, il s'installe à Rome, où il rencontre une jeune Italienne, Rosa Imassa, qu'il épouse. Au cours de son séjour à Rome, pour compléter sa formation, il effectue des copies d'œuvres d'un certain nombre de maîtres de la Renaissance, en particulier du Caravage, de Raphaël, du Guerchin, de Vélasquez ou de Titien. Il y peint également des paysages et des nus. En 1906, à la recherche de nouveaux thèmes et de nouvelles couleurs, il se rend en Égypte, où il peint de nombreuses scènes orientalistes. En 1908, il s'installe à Lviv, dans l'ouest de l'Ukraine, où il est chargé de décorer les murs de la Chambre de commerce et d'industrie de la ville. C'est à cette époque qu'il commence à s'intéresser à la scénographie et à concevoir des décors de théâtre. Au cours de la Première Guerre mondiale, il reste en Russie, à Rostov-sur-le-Don, où il est professeur de dessin. Son fils, Feliks Kazimierz Wygrzywalski (1903-1966) était également peintre.

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Eric von Otter (1889-1923) - Kenya, c. 1920.

Eric von Otter (1889-1923)
Kenya, c. 1920.

Eric von Otter, Lodwar, baron et aventurier. Eric émigra au Kenya en 1913 .  " Je suis parti pour l'Afrique !" C'est le seul message que sa femme Helga Maria von Otter trouva sur sa table de cuisine un matin d'automne à Östergötland, en Suède, au début du siècle dernier. Ue fois arrivé au Kenya, il seconvertit à l'islam et trouva un emploi dans une plantation de café. C'est aussi là qu'il rencontra Karen Blixen et ftomba amoureux d'elle, sans etre payé le moins du monde de retour !
Puis vint la Première Guerre mondiale et Erik rejoignit les King's African Rifles, un régiment britannique composé de plusieurs bataillons. Il était un tireur très habile, d'où le surnom "Bwana Risasi" ou M. One Shot ! Il reçut la Croix militaire pour ses actions courageuses au pont de Zugunatto en Tanzanie où ils se battit contre les Allemands.... Accessoirement il fit qeuqleus photos. Ce sont elles qui aujorud 'hui restent de lui ! 

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Cuno Amiet (1868-1961) - Le violoniste

 

 

Cuno Amiet (1868-1961)
Le violoniste`

 Cuno Amiet est un peintre suisse considéré comme des pionniers de l'art moderne en Suisse.  Suiveur de l'Ecole de Pont Aven dont il était un grand admirateur a ses débuts, il se rapproche plus tard de Ferdinand Hodler et se fait une identité par un usage très personnel de la couleur.
Sur les 4000 tableaux qu'il a peints, à peu près 1000 sont des autoportraits !

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Eero Nelimarkka (1891-1977) - Autoportrait devant la fenêtre, 1922

Eero Nelimarkka (1891-1977)
Autoportrait devant la fenêtre, 1922,
Huile sur toile,
Collection privée.

 

 Le peintre finlandais Eero Aleksander Nelimarkka est connu pour ses paysages d' Ostrobotnie (les Lakeus), mais également pour ses nombreux autoportraits dont celui ci fait partie. Il a peint également des  portraits de notables finlandais et des membres de leur famille et des natures mortes aux sujets souvent inhabituels.
En 1912, Nelimarkka vient étudier à Paris à l'Académie de la Grande Chaumière et à l'Académie Julian. En 1945, devenu un artiste connu, il se consacre à l'enseignement et crée la "Fondation Nelimarkka"avec mission de préserver et de promouvoir la production et le travail de la vie d'Eero Nelimarkka. En 1964, la fondation construit le Musée Nelimarkka dans la ferme de son père à Alajärvi, dans le sud de l'Ostrobotnie. Sa collection est riche d'environ 1700 œuvres.
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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 83 - Pavel Tchelitchew : De la Nudité sans visage

Boris Grigoriev (1886-1936) - Shalyapin in 1918

 

Boris Grigoriev (1886-1936)
Shalyapin in 1918
Private Collection 

Le peintre russe Boris Dmitrievitch Grigoriev (Бори́с Дми́триевич Григо́рьев) fait partie du mouvement de l'avant-garde russe.
Quand il vit à l'étranger, il poursuit des travaux d'illustration des grands écrivains russes.
Au début du 21e siècle ses dessins se trouvent dans les collections détenues par ses héritiers.
A travers un oeuvre très foisonnant et divers, Grigoriev est surtout connu comme un maître du dessin et du portrait. Ses œuvres se situent dans la lignée de l'avant-garde russe, mais sans aller jusqu'à l'abstraction. Il préfère représenter son sujet plus par le rôle qu'il a joué plutôt que pour lui-même.
Il aime le grotesque, mais l'utilise pour montrer l'intelligence de ses personnages, plutôt que dans un sens satyrique ou moqueur.

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Carlos Federico Sáez (1878-1901) - Estudio de joven

 

Carlos Federico Sáez (1878-1901)
Estudio de joven
Pastel sobre papel , 35 x 28 cm
Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo

 

Artiste uruguayen, né à Montevideo, Carlos Federico Sáez a peint principalement des portraits. 

Son style se caractérise par des coups de pinceau très larges qui parviennent cependant toujours à donner au rendu de ses personnages une précision très réaliste. Pendant son séjour en Italie, il a peint plusieurs portraits à l 'huile sur "la réserve" de la toile (la toile est laissée visible), une technique très novatrice à la fin du 19 e siècle, où elle n'était utilisée sur papier que par de rares aquarellistes et qui fut beaucoup très utilisée au 20e siècle dans l’art abstrait.

Au cours de sa courte carrière, il a réalisé plus de 70 peintures à l'huile et 100 dessins. Il est considéré comme l'un des principaux artistes uruguayens et le premier à produire de l'art véritablement moderne.

Peu ou pas du tout connu en Europe, les œuvres de ce grand peintre sont principalement conservées en Uruguay au Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, au musée Juan Manuel Blanes de Montevideo, à la galerie Pinacoteca Eusebio Giménez de sa ville natale de Mercedes et au MALBA de Buenos Aires.

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Charles Wellington Furse (1868-1904) - Portrait of Robert Bridges,

Charles Wellington Furse (1868-1904)
Portrait of Robert Bridges, 1894
National Portrait Gallery

Charles Wellington Furse est un peintre anglais.Fils du Révérend. C. W. Furse, archidiacre de Westminster, et recteur de St John's il descend aussi de Joshua Reynolds. Il ne vécut pas très longtemps, mais si bref qu'ait été le temps que le destin lui impartit, cela ne l'empêcha pas de devenir un « artiste important » au point d'occuper une place éminente dans l'histoire de l'art du portrait en Angleterre, qui va de l'époque où Antoine van Dyck « fut appelé à la cour de Charles Ier d'Angleterre jusqu'au xxe siècle » Dès l'âge de sept ans il réalisa des dessins en vue d'illustrer les romans de Walter Scott. Il entra à la Slade School of Fine Art en 1884, obtenant la bourse Slade l'année suivante. Il complète sa formation à l'Académie Julian à Paris. Il vit son travail acharné souvent interrompu par la maladie, « car les symptômes de la tuberculose étaient déjà apparus quand il fréquentait la Slade School. La réalisation d'un important tableau intitulé Cain est sa première contribution à la Royal Academy à laquelle il fut élu l'année de sa mort. Quelques années auparavant, il avait ardemment soutenu le New English Art Club aux expositions duquel il contribua de manière constante » Il peignait ses portraits de telle façon que les personnes représentées y apparaissent avec naturel, semblant dégagées des contraintes liée à la pause dans l'atelier de l'artiste. En octobre 1900 il épouse Katharine Symonds, la fille de John Addington Symonds. Il meurt quatre ans plus tard après lui avoir donné deux fils.

Robert Seymour Bridges, fut un poète anglais, poète lauréat à partir de 1913 et membre de l'Ordre du Mérite. Bridges naît à Walmer, dans le Kent, et étudie au collège d'Eton et au Corpus Christi Colleged'Oxford. Il suit des études de médecine à l'hôpital St Bartholomew's de Londres et commence à pratiquer avant l'âge de quatorze ans et se retire pour écrire de la poésie. Il devient ensuite médecin assistant à l'hôpital pour enfants Great Ormond Street et médecin au Great Northern hospital, quand une infection pulmonaire le contraint à se retirer en 1882. À partir de cette date, il se consacre à l'écriture et à la recherche littéraire. L'œuvre littéraire de Bridges a commencé bien avant son retrait, avec son premier recueil de poèmes, publié en 1873. En 1884, il se marie avec Monica Waterhouse, fille d'Alfred Waterhouse, et passe le reste de sa vie retiré à la campagne, d'abord  à Yattendon, dans le Berkshire, puis à Boar's Hill, à Oxford, où il meurt. Il est le père de la poétesse Elizabeth Daryush et d'Edward Bridges et le grand-père du diplomate Thomas Bridges.

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Charles Camille Chazal (1825 -1875) - Portrait d'un dandy

Charles Camille Chazal (1825 -1875)
Portrait d'un dandy
Huile sur toile
Collection privée

Aucune information sur ce peintre, pourtant présent dans de nombreuses grandes collections, sinon qu'il serait lié à Paul Gauguin par la famille de la mère de ce dernier. 

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Jacques-Louis David (1748–1825) - Portrait du flûtiste et compositeur François Devienne,

 

Jacques-Louis David (1748–1825)
Portrait du flûtiste et compositeur François Devienne, 1792,
Huile sur toile, 75 x59,5cm
Musée royaux des Beaux-arts de Belgique 

Portrait d'une grande expressivité que celui peint par Jacques Louis David de François Devienne, compositeur français, qui fut également flûtiste, bassoniste et enseignant. À l'âge de 10 ans, il compose sa première œuvre, une messe. En 1779, ses études terminées, c'est le baron de Bagge, mécène et compositeur, qui s'occupe de son entretien. De 1780 à 1785 il est au service du cardinal de Rohan. Il y joue de la flûte (son maître a été Félix Rault) et du basson. En 1788 il est bassoniste au Théâtre de Monsieur, puis en 1793 à l'opéra de Paris. De plus, il compose. Parmi ses opéras composés durant les années 1790, un opéra-comique à caractère révolutionnaire lui apporte le succès, les Visitandines, comédie en deux actes et en prose, mêlée d’ariettes, créée au Théâtre Feydeau le 7 août 1792, sur un livret de Louis-Benoît Picard. Si les compositions concertantes de Devienne, surnommé le « Mozart français», peuvent être comparées à celles de Franz Anton Hoffmeister (qui en a écrit 25 pour la flûte), leur style brillant et leur sens de la mélodie rappellent en effet plutôt Mozart. Mozart, durant son séjour à Paris en 1778, a assisté à des concerts donnés par le Concert spirituel des Tuileries, mais c'est sans doute plus tard que Devienne y joua ses propres compositions. Devienne fut interné à l'asile de Charenton en 1803 et y meurt le 5 septembre de la même année. Jean-Pierre Rampal, dans les années 1960 et 1970, a tiré de l'oubli ses compositions pour flûte.

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Christian Bérard (1902-1949) - Portrait présumé de Boris Kochno`

 

Christian Bérard (1902-1949)
Portrait présumé de Boris Kochno`
Collection privée.

 

Christian Jacques Bérard, couramment surnommé « Bébé » car il était assez joufflu, est un peintre, illustrateur, scénographe, décorateur et créateur de costumes français, Après des études au Lycée Janson-de-Sailly à Paris, il entre en 1920 à l'Académie Ranson. Très tôt dans sa vie, il est attiré par le théâtre dont il deviendra l'un des principaux créateurs de décors et de costumes au cours des années 1930 et 1940. Il travaille dès 1930 en étroite collaboration avec Jean Cocteau et Louis Jouvet, pour lesquels il réalise entre autres les costumes et/ou les décors de La Machine infernale (1934), L'École des femmes (1935), La Folle de Chaillot (1945) de Jean Giraudoux, Les Bonnes (1947) de Jean Genet et Dom Juan de Molière (1948), sa contribution la plus célèbre demeurant en 1946 la conception des décors et des costumes du film de Jean Cocteau, La Belle et la Bête. Avec Boris Kochno, il formait un couple très en vue dans l les milieux mondains parisiens. En 1945, tous deux assurèrent la direction artistique du mythique Théâtre de la Mode.  

Boris Kochno est un écrivain et librettiste français d'origine russe. Amant du compositeur Karol Szymanowski pendant ses études, il arrive à Paris en 1920 et y fait la connaissance de Serge de Diaghilev, dont il devient l'amant et qui l'engage comme secrétaire, puis comme principal collaborateur. Kochno écrit ainsi le livret des Fâcheux (1924), de La Chatte (1927) et du Fils prodigue (1929).
À la mort de Diaghilev en 1929, Kochno hérite avec Serge Lifar de ses archives et collections, qu'il complètera et dont la Bibliothèque nationale de France a acquis une importante partie.
Soucieux de perpétuer l'œuvre de Diaghilev, Kochno encourage la création des Ballets russes de Monte-Carlo, sous la direction du colonel de Basil et de René Blum. L'expérience dura trois ans et se solda par la rupture entre les deux directeurs et la création de deux compagnies concurrentes.
Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Kochno participa avec Roland Petit à la création des Ballets des Champs-Élysées. Christian Bérard, rencontra Boris Kochno aux Ballets russes de Monte-Carlo et ils formèrent  un couple très en vue.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 82 - Qui étaient les Samedistes ?

 

 

 

 

Podcast culturel, éducatif et ludique à l'usage des francophones 

 

Ce groupe qui s'exprima pendant 7 petites années de 1916 à 1923, c'est à dire alors que la Première mondiale faisait le plus de ravages et pendant la période dites des années folles, était un groupe de jeunes gens pleins de vie et d'idées pour bouleverser le monde. C'est le bondissant Jean Cocteau qui les presse de se regrouper autour de réunions qui ont lieu, tous les samedi, ce qui valut au groupe le nom de "Samedistes " avant de celui de Groupe des Six! 

Pour connaitre la suite écouter ce podcatst