Pierre-Yves Tremois (1921-2020) - Orion

Pierre-Yves Tremois (1921-2020)
Orion
Gravure originale signée à l'encre
Sur vélin BFK Rives 57 x 45.5 cm.

Pierre-Yves Trémois, né en 1921 à Paris, était un dessinateur, peintre, graveur et sculpteur français., membre de l'Académie des beaux-arts . Après des études à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris Pierre-Yves Trémois obtient, en 1943, le premier Grand Prix de Rome de peinture et se consacre au burin et à l'eau-forte à partir de 1944 pour entamer une œuvre qui est estimée à plus de 1000 gravures. 

Tout au long de son oeuvre Pierre-Yves Trémois, montre son attirance pour le corps humain, les visages, mais aussi le monde animal (singes, insectes, escargots et crapauds) qu'il met très souvent en perspective.Yves Trémois propose, à partir de ces thèmes, des variations et des méditations sur les étreintes amoureuses, l'homme confronté à son double intérieur : le singe, ou les relations retrouvées  à l'ère d'Einstein, de Teilhard de Chardin et de Jacques Monod.

 "Refusant l'adhésion à un quelconque mouvement contemporain, ce peintre indépendant maintient avec autorité un style classique où il se distingue par un graphisme sobre, d'une grande pureté, et par une constante fidélité au sujet - projetant néanmoins ses figures humaines sur des formes protoplasmiques, il fait coexister ainsi plusieurs échelles de grandeur" 
In Les Muses, encyclopédie des arts

Yves Trémois fut élu à L'Académie de Beaux arts/ Instittut de France  le 8 Février 1878. 

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Marc Saint-Saëns (1903-1979) - Le feu

 

Marc Saint-Saëns (1903-1979)
Le feu
Tapisserie d’Aubusson tissée par l’atelier Glaudin-Brivet.
Avec son bolduc signé de l’artiste, 1945
Collection privée

« Le feu » est la 4e pièce d’une tenture des « Quatre éléments », commandée par Jansen, tissée chez Dumontet, et exposée en 1946 au Musée d’Art Moderne. Le recours aux mythes, à l’allégorie est fréquent chez l’artiste à l’époque : « Orion », « Diane », « Thésée et le Minotaure » sont contemporains. Ici, la figure toute en muscles d’un forgeron-Vulcain couleur de braises, irradiant devant son fond de flammes, laisse une inoubliable impression.

Marc Saint-Saëns participe au mouvement du Retour à l'ordre de l'entre-deux-guerres tout en exprimant un style qui lui est propre, onirique et poétique et inspiré de l'art méditerranéen de l'Antiquité et du Moyen Âge. 

Lurçat sollicite Saint-Saëns, d’abord fresquiste, dès 1940. Et, pendant la guerre, celui-ci produit ses premiers chefs d’oeuvre allégoriques, tapisseries d’indignation, de combat, de résistance : “les Vierges folles”, “Thésée et le Minotaure”. A l’issue de la guerre, tout naturellement, il rejoint Lurçat dont il partage les convictions (sur le carton numéroté et les tons comptés, sur l’écriture spécifique que requiert la tapisserie,…) au sein de l’A.P.C.T. (Association des Peintres-cartonniers de Tapisserie). Son univers, où la figure humaine, étirée, allongée, tient une place considérable (comparée notamment à la place qu’elle occupe chez ses confrères Lurçat, ou Picart le Doux), tourne autours de thèmes traditionnels : la femme, la Commedia dell’arte, les mythes grecs,…, sublimés par l’éclat des coloris et la simplification de la mise en page. Il évoluera ensuite, dans les années 60 vers des cartons plus lyriques, presque abstraits, où dominent éléments et forces cosmiques.

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Franck Tenney Johnson (1974-1939) - Ranchero, 1929

 

 

Franck Tenney Johnson (1974-1939)
Ranchero, 1929 

Autry Museum Of American West

 

Frank Tenney Johnson était un peintre americian qui a popularisé un style de peinture de cow-boys connu sous le nom de "The Johnson Moonlight Technique" qui comme son nom :l'indique saisi les sujets sous un clair de lune . Pour peindre ses tableaux, il utilisait des couteaux, des pinceaux et ses propres doigts ! Il a commencé à travailler comme illustrateur pour le magazine Field & Stream en 1904. puis pour les magazines Boys' Life, Cosmopolitan et Harpers Weekly.
En 1912, il rejoint l'artiste cow-boy Charles Russell lors d'une expédition culturelle visant à dessiner les populations indiennes dans la réserve des Blackfoot à l'est du parc national Glacier dans le Montana. Il  vécut et travailla au Lazy Ranch à Hayden, où il a obtint le titre "Cow-Puncher Artist".  En 1920, il s'installe au 22 Champion Place à Alhambra, Californie où il partagea un studio avec Clyde Forsythe. À ce moment de sa vie, ses peintures de chevalet étaient devenues plus populaires que ses illustrations, et il se concentra donc sur ce médium.
Entre 1931 et 1939, il passe une grande partie de son temps dans son studio de Cody, Wyoming juste à l'extérieur du parc national de Yellowstone. La plupart de ses peintures y ont été réalisées à partir d'études à l'intérieur du parc. Il a été appelé le "Maître de la peinture américaine au clair de lune" et le "Maître peintre du Far West", titre qu'il dut partager avec le grand Remington ! 

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Foujita (1886-1968) - Projet de fresques pour la chapelle

 

 

Foujita (1886-1968)
Projet de fresques pour la chapelle Foujita
Musée des Beaux arts de Reims

Testament artistique de l’artiste franco-japonais Léonard Tsuguharu Foujita , la chapelle Notre-Dame-de-la-Paix a été conçue et entièrement décorée par lui entre 1965 et 1966. Le peintre fantasque de l’école de Paris, qui s’est converti au christianisme à Reims en 1959, y déploie son univers très personnel, mêlant sa culture japonaise aux références de la Renaissance italienne. Bénie en 1966, la chapelle est étroitement liée au musée des Beaux-Arts qui conserve une importante collection de l’artiste. Léonard Foujita et sa dernière épouse Kimiyo y sont inhumés. 

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George Catlin (1796-1872) - Theodore-Burr Catlin in Indian Costume

George Catlin (1796-1872)
Theodore-Burr Catlin in Indian Costume
Private collection 

 

George Catlin est un artiste-peintre américain spécialisé dans la représentation des Indiens d'Amérique et de leurs us et coutumes.
En 1821, George Catlin abandonne une brillante carrière d'avocat, pour se consacrer а sa passion : peindre les indiens. Il voyage beaucoup dans les vastes territoires américains, et rapporte des peintures, des dessins et des objets d'artisanat. Son œuvre offre un témoignage essentiel sur la culture amérindienne.
Son style est caractérisé par un trait synthétique et un minimalisme des couleurs, révélateur des conditions difficiles de ses voyages, et de la rapidité d'exécution nécessaire. En 1838, Catlin crée l'Indian Gallery, destinée à rassembler le matériel qu'il a constitué. Elle est présentée sur la côte Est des Etats-Unis, ainsi qu'en Europe, oщ elle rencontre un grand succès.
En 1845, le roi de France Louis-Philippe reçoit à Paris, au Palais des Tuileries, George Catlin accompagné d'une troupe de danseurs amérindiens. Ces derniers interprètent un spectacle de danses traditionnelles. Le roi et la Cour sont charmés et impressionnés par le coup de pinceau artistique du maître qui peint l'évènement. Louis-Philippe commanda une série de toiles de l'artiste. Ces œuvres sont exposées au Musée du Quai Branly à Paris
En 1852, victime d'une spéculation financière, Catlin fait faillite et, s'intégrant difficilement à la vie urbaine, il repart en voyage parmi les tribus d'Indiens. En 1860, il tente l'exploration de la jungle équatoriale sud-américaine, mais n'y retrouve pas son rapport particulier avec le monde amérindien.

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George-Daniel de Monfreid (1856–1929) - Portrait de Victor Segalen

George-Daniel de Monfreid (1856–1929)
Portrait de Victor Segalen, 1909
Huile sur toile, 65x51cm
Collection privée

George-Daniel de Monfreid  lest un peintre, sculpteur, graveur, céramiste et maître-verrier français.
Ami et confident de Paul Gauguin, il est le père de l'écrivain Henry de Monfreid.

Dans sa recherche sur les circonstances du décès de Gauguin, Monfreid est contacté par un médecin de marine, Victor Segalen. Ce dernier avait été recueillir les derniers éléments (peintures, sculptures, écrits) de Gauguin aux Marquises. Il veut en savoir plus sur l’artiste et rencontre Monfreid à son retour en France. Rapidement, leurs relations deviennent chaleureuses. Monfreid fait le Portrait de Victor Segalen (1909) et de son épouse. Une collaboration s’établit alors entre les deux hommes pour l’illustration des œuvres littéraires de Segalen, Monfreid préparant des sculptures sur bois pour cela. Il prépare une couverture pour Les Immémoriaux, un récit épique sur l’ancienne religion tahitienne ou encore pour René Leys, un roman sur la vie d’un jeune Européen à la cour de Pékin.

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Anonyme Ecole française - Portrait de Georges Lacombe

Anonyme Ecole française, 1910.
Portrait de Georges Lacombe (1866-1916
Huile sur toile 65 x 50 cm
Collection privée

Georges Lacombe est un peintre et sculpteur français. Il est surnommé « le nabi sculpteur » dans le groupe des nabis. Son aventure nabi ne dura que cinq ans, mais assura  au peintre sa place dans l'histoire de l'art. Lacombe est un mystique qui n'a pas la foi. Tout dans sa peinture étonne, inquiète, invente, est conscience d'union au monde au-delà des apparences. Un art brut, vrai, composé de sous-bois de silence, de mers insolites, des créations du monde, des miracles latents, de mers rouges traversées par un cavalier noir, de ciels jaunes découpés de silhouettes, des rochers comme des idoles barbares, paysage de commencement du monde... 

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Nicolas Neufchâtel ou Lucidel (1524 -1567) - Portrait d'un notable de Niuremberg

Nicolas Neufchâtel ou Lucidel (1524 -1567)
Portrait d'un notable de Niuremberg, c. 1560 – 1570.
Huile sur toile , 81 x 65cm
Kunsthistorisches Museum, Vienna

 
Nicolas Neufchâtel, aussi appelé Lucidel, est un peintre probablement originaire de Mons en Belgique.  La première mention documentée concernant Nicolas Neufchâtel date de 1539, année où un certain Colyn van Nieucasteel figure dans les registres de la guilde de Saint-Luc d'Anvers en tant qu'élève de Pieter Coecke van Aelst. L'année suivante, il est signalé à Mons. Il aurait ensuite travaillé à Malines et à Bruges. De 1561 à 1567, il vit à Nuremberg, où il semble qu'il se soit réfugié en raison de ses convictions calvinistes. On ne sait rien de sa biographie après 1567. Portraitiste réputé, il réalise des portraits de notables de Nuremberg qui associent le lyrisme italien d'un Titien, la profondeur psychologique de l'école allemande et un souci du détail typiquement flamand. 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°76 - Esclave à Rome ? quelle galère !

 

Jean-Léon Gérôme (1824-1904)
Marché romain aux esclaves, 1884
The Walters Arts Museum
 

Il y avait mille façon de devenir esclave dans le monde antique. La plus courante était par naissance. Si les parents étaient esclaves, leurs enfants le devenaient inévitablement à leur tour et il était très difficile de sortir de cette condition. On pouvait aussi devenir esclave aussi pour des dettes, un père pouvait ainsi vendre son fils ou sa fille pour purger une créance. Un enfant abandonné et qu’on l'on recueillait, pouvait aussi devenir, de facto, esclave. 

Pour connaitre la suite : écoutez ce podcast 

 Liens à consulter pendant l'coute du podcast 

- Esclaves servant des pains, mosaïque antique https://menportraits.blogspot.com/202... 

- Portraits d'athlètes du cirque, mosaïque antique https://menportraits.blogspot.com/202...

Joseph Maclise (1815-1880) - Position des viscères chez l'homme

 

 

Joseph Maclise (1815-1880)

Location of Viscera in Vivo, from Surgical Anatomy, 2nd edition (London/ J. Churchill, 1856)/ 

Plate 25, 1856, lithograph.

 

Joseph Maclise (1815-1880) était un anatomiste et artiste britannique. Ses œuvres, telles que Comparative Osteology (1847), Surgical Anatomy (1851) et On Dislocations and Fractures (1859) contiennent des images d'anatomie appliquée à la chirurgie. Mais ce ne sont pas les illustrations anatomiques auxquelles nous sommes habitués aujourd'hui (cliniques et objectives). Le travail de Maclise a été influencé par les tendances artistiques et scientifiques de son époque et, par conséquent, ses personnages disséqués chirurgicalement sont d'inspiration classique. 

 

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Jan Gossaert (1479-1532) - Portrait d'un Banquier (c. 1530)

Jan Gossaert  (1479-1532)
Portrait d'un Banquier(c. 1530)
Huile sur bois,  63.6 x 47.5 cm.
National Gallery, Washington DC (Alisa Mellon Bruce Fund)

 

Représenté  à peu près jusques à la taille, derrière son bureau, un homme à la peau lisse et rose pâle écrit dans un livre ouvert avec une plume d'oie alors qu'il regarde le spectateur, entouré de papiers, de stylos et d'encre, et d'autres objets. Son corps est un peu incliné vers notre gauche mais il penche légèrement la tête en arrière et nous regarde du coin de ses yeux marron foncé sous des sourcils arqués. Il a un nez court et rond, des pommettes saillantes et ses lèvres rose pâle sont légèrement pincées. Ses cheveux courts et châtains se bouclent sur ses oreilles et une frange balaye son front. Son béret noir est orné d'un insigne métallique avec un "I A S" entrelacé. Il porte une veste rouge cramoisie aux manches bouffantes rouges ornées de bandes noires. Les revers noirs s'ouvrent sur un vêtement sombre qui a un panneau gris étain sur le haut de la poitrine et des manches grises. Le vêtement blanc en dessous ressort le long de l'encolure et des poignets à ses poignets. Sa main gauche, à notre droite, repose avec les doigts étendus sur une page avec une écriture dans le livre ouvert, et il porte une bague en or incisée avec "IS" sur son index et une bande en or avec une gemme rouge rubis sur son auriculaire. Il écrit le début d'un mot avec son autre main. Devant lui, sur le rebord, se trouve un talc percé de minuscules trous dans le haut, une loupe, un encrier noir et une petite paire de ciseaux. Près d'un coude, à notre droite, se trouve une pile de pièces de monnaie, une balance avec des poids, un petit livre relié en cuir et un réceptacle pour le papier enroulé et les plumes. Une épaisse liasse de papiers ondulés et froissés pend de chaque côté de sa tête. La pile à gauche est marquée "Alrehande Misseven" et la pile à notre droite est étiquetée "Alrehande Minuten". Un poignard noir, un pompon et un ensemble d'au moins quatre orbes de la taille d'une balle de ping-pong sont suspendus entre les gerbes, sur le fond sombre.  C'et( le portrait d'un banquier dans la hollande du 16e siècle.

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Henri-Pierre Danloux (1753-1809) - Jean-Baptiste Can Hanet dit Cléry

Henri-Pierre Danloux (1753-1809)
Jean-Baptiste Can Hanet dit Cléry, 1798
Musées du Château de Versailles


Jean-Baptiste Cant Hanet, dit Cléry, est un valet de chambre du duc de Normandie à Versailles et aux Tuileries, puis le dernier valet de Louis XVI à la prison du Temple.  L'unique œuvre de la main de Cléry est Journal de ce qui s'est passé à la tour du Temple pendant la captivité de Louis XVI (Londres, 1798). Afin de discréditer ces mémoires, le Directoire fait publier une fausse édition intitulée Mémoires de Monsieur de Cléry sur la détention de Louis XVI. Dès que Cléry en eut connaissance, il fit paraître une réclamation en juillet 1801, dans le Spectateur du Nord dirigé par Amable de Baudus et publié à Hambourg. Un des frères de Cléry, Pierre-Louis Hanet, a publié à Paris en 1825 des Mémoires où il s'efforce de justifier ses actions au service de la Première République  et tente de montrer qu'il est resté fidèle à la royauté. Les Mémoires de Pierre-Louis Cant Hanet ont été éditées en 1825 en deux volumes.

 Le peintre, dessinateur et graveur français Henri-Pierre Danloux fut l’élève de Nicolas-Bernard Lépicié puis de Joseph-Marie Vien qu’il suivit à Rome où fit la connaissance de Jacques-Louis David. Après son mariage, il commença une carrière de peintre de genre et de portraitiste notamment pour sa belle-famille et ses proches les Thomas de Pange : portrait du baron d'Étigny, de son frère et de sa belle-sœur, le comte et la comtesse de Sérilly avec leurs enfants, de François de Pange.
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Patrick Procktor (1936 - 2003) - Vasco

Patrick Procktor (1936 - 2003)
Vasco
Watercolour, 1987
Private collection

 

Patrick Procktor (RA) était un peintre et graveur britannique. Patrick Procktor est né à Dublin, fils cadet d'un comptable d'une compagnie pétrolière, mais a déménagé à Londres lorsque son père est décédé en 1940. Dès l'âge de 10 ans, il a fréquenté la Highgate School - où un de ses professeurs fut le peintre paysagiste Kyffin Williams. Les revenus de sa mère étaient insuffisants pour financer ses études supérieures et après avoir travaillé chez un marchand de matériaux de construction au nord de Londres, Agé de 18 ans, Procktor, se fait enrôlé dans la Royal Navy où, pendant son service national, il apprend à parler russe. Pendant sa période londonienne, Procktor a vécu à Manchester Street, Marylebone où il est vite devenu l'ami de Derek Jarman , Francis Bacon et Cecil Beaton (plusieurs photographies de Procktor apr Beaton sont exposée à la National Portrait Gallery. Malgré ses penchants homosexuels, en 1973, Procktor épouse une veuve, voisine et restauratrice Kirsten Benson. Elle a vendu son restaurant (Odin's) à Peter Langan , et Procktor, Hockney, Bacon et Lucian Freud ont tous fourni des peintures à accrocher sur les murs de la brasserie Odin's et Langan's en échange du gite et du couvert. Porktor apparait en personne edans le biopic tourné sur Hockney en 1974, A bigger Splash.

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Kazimierz Pochwalskin (1855-1940) - Portrait du Count Benedykt Henryk Tyszkiewicz

Kazimierz Pochwalskin (1855-1940)
Portrait du Count Benedykt Henryk Tyszkiewicz, 1889
Musée National de Cracovie

Kazimierz Teofil Pochwalski est un peintre polonais connu principalement pour ses portraits, bien qu'il ait anbrdé tous les genres. Pochwalski est issu d'une famille qui a produit plusieurs générations de peintres et son jeune frère Władysław est également devenu un artiste célèbre. De 1871 à 1879, il étudie à l' Académie des Beaux-Arts de Cracovie auprès de Jan Matejko, puis à l' Académie des Beaux-Arts de Munich , de 1879 à 1888. S'ensuivent des études à Vienne et à Paris, où il est influencé par l'oeuvre de Léon Bonnat. ll a été directeur de la Société des amis des beaux-arts de Cracovie et a beaucoup voyagé, visitant la Grèce, l'Italie, la Turquie et l'Égypte.
De 1893 à 1918, il est professeur à l' Académie des beaux-arts de Vienne, où il peint de nombreux portraits à la cour impériale et devient membre de la Sécession viennoise. Il retourna en Pologne en 1919 et continua à peindre des portraits de personnages notables.
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Rembrandt (1607-1669) - Un franciscain

 

 

 

Rembrandt (1607-1669) 

 Un franciscain 

Huile sur toile, 89 x 66,5 cm 

National Gallery, London 

Rembrandt n'est pas un peintre de la beauté ou de la richesse, mais il a montré la compassion et l'humanité, qui sont ressorties dans l'expression de ses personnages, qui sont parfois indigents ou usés par l'âge. En raison de son empathie pour la condition humaine, il a été appelé « l'un des grands prophètes de la civilisation » par plusieurs historiens.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N* 75 - Ronald Reagan et le concept du trou blanc

 

 

Très difficile de savoir d'ou vient exactement cette photo. Les robots de Google la classe dans les publicités de sous-vêtements vintage et ceux de GPT (un nouveau moteur de recherche, au nom décidément très inspiré) l'attribue - sans certitude cependant - à une séance de pause incluse dans un des nombreux films où l'acteur Ronald Reagan faisait de la figuration. Que voit on ? Le modèle tente ici de prêter son corps maigrelet au façonnage d'une statuette représentant un athlète lanceur de poids. En effet comme l'atteste le reflet dans le miroir, c'est un bine un poids qu'il tient dans l'autre main. Il y a déjà quelque peu hiatus entre la plastique du modèle et ce qu'il est sensé représenter, le physique d'un lanceur de poids étant plus de celui du taureau que d'un gracile lévrier. Quoiqu'il en soit L'anatomie du modèle est souligné ici, du bout d'un stylet insistant, par un professeur en blouse blanche plus clinicien qu'artiste, indiquant à lune jeune élève sculptrice impeccablement permanentée - et qui, notons le, manie déjà la glaise avec une belle dextérité - le détail qu'elle ne doit pas manqué. En l'occurrence la région de l'arcade crurale appelé aussi "Ligament de Poupart" qui relie l'épine iliaque antéro-supérieure à l'épine pubienne. Voilà c'est dit ! 

 

 Si vous voulez connaitre la suite, écoutez le podcast ! 

Charles Milton Bell (1848 -1893) - Uriewici or Jack Tendoy

 

Charles Milton Bell (1848 -1893)
Uriewici or Jack Tendoy, son of Chief Tendoy, Lemhi Shoshone. ca. 1880.
Yale Collection of Western Americana,
Beinecke Rare Book and Manuscript Library.

Charles Milton Bell (1848 -1893) était un photographe américain connu pour ses portraits d' Amérindiens et d'autres personnalités des États-Unis de la fin du 19 e siècle  Il a été consacré par la Bibliothèque du Congrès comme  "l'un des principaux photographes portraitistes de Washington au cours du dernier quart du XIXe siècle" .
Bell fut le plus jeune membre d'une famille de photographes connue pour leur studio de photographies, l'un des premiers, à Washington, DC dans les années 1860 et 1870. Il reprit le studio familial Bell & Brothers et ouvrit son propre studio, CM Bell, en 1873. Bell  travailla avec Ferdinand Vandeveer Hayden, qui  lui envoya nombre d'Amérindiens pour faire leurs portraits. Bell réalisa  aussi des photographies d'Amérindiens pour le ministère de l'Intérieur et le Bureau d'ethnologie américaine. Après la mort de Bell en 1893, sa femme continua à exploiter le studio avec ses fils. Il fut  vendu au début des années 1900 à Atha & Cunningham qui en conservèrent le nom d'origine. Les négatifs de Bell furent vendus à IM Boyce qui les revendit lui même au Bureau of American Ethnology pour finit à l' American Genetic Association qui en fit don à la Bibliothèque du Congrès à Washington . La collection CM Bell Studio de la Bibliothèque du Congrès comporte aisni 30 000 négatifs sur verre  créés par le Bell  et ses successeurs entre  1873 et  1916. 

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Tritone con amorini e delfini - Pavement de mosaïque

Tritone con amorini e delfini
Pavement de mosaïque
Terme del Foro di Ercolano

 

 

La mosaïque est une forme d'art romain par excellence car ni la Grèce classique ni les Grecs d'Alexandrie n'avaient su lui donner la richesse du répertoire iconographique qu'elle a eue sous l'Empire romain et encore moins la répandre dans tout le bassin méditerranéen comme le fit Rome. La mosaïque polychrome est totalement maitrisée par les Romains dès le IIe siècle av. J.-C.
Grâce à l'activité de ses ateliers itinérants, toutes les provinces situées autour du mare nostrum, ont connu dès les débuts de l'expansion romaine cet art qui a trouvé un terrain d'élection dans les pays où la lumière est reine.
On distingue plusieurs types de mosaïques : « l’opus vermiculatum » consiste à imiter le plus fidèlement possible les effets de la peinture et ses nuances, les tesselles sont alors d’une extrême finesse (quelques millimètres de côté). Dans « l’opus tesselatum » les cubes sont un peu plus gros (8 à 10 mm de côté) mais la rapidité d’exécution permet de recouvrir de grandes surfaces. Différentes tendances se distinguent : les ateliers de Rome et d’Ostie qui connaissent leur apogée au IIe siècle, sous les règnes de Trajan et d’Hadrien, privilégient les figures noires sur fond blanc et les effets graphiques crées par ce contraste.
Les ateliers africains, qui témoignent du succès de la mosaïque dans tout l’empire, préfèrent les compositions polychromes avec un goût marqué pour les scènes de chasse ou d’amphithéâtre. Dans la partie orientale de l’Empire, on privilégie les scènes mythologiques dans un rendu plus proche de la peinture.
L'exposition, organisée en 2001 par l'Union Latine au musée archéologique de Madrid, a mis l'accent sur l'art de la mosaïque tel qu'il est illustré dans les pays du bassin méditerranéen.
L'une de ses particularités majeures est l'abondance et l'extrême diversité des représentations animale.
 

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William Wegman (bn. 1943) - Chip and Batty Explore Space

 

 

William Wegman (bn. 1943)
Chip and Batty Explore Space, 2001
NASA Art Program

 

William Wegman, est un photographe d'art, renommé pour ses clichés mettant en scène ses chiens, des braques de Weimar. Un jour, un rayon de lumière passa juste devant lui et c'est ainsi que Wegman décida de l'appeler « Man Ray », avec un petit hommage au peintre et photographe américain de l'époque, très en vogue.
Dans une interview, Wegman assure que les chiens bougent souvent, qu'ils ne regardent pas vers l'objectif, et qu'il faut un temps conséquent pour arriver à produire une photographie convenable.
En substituant le chien à l’homme, il apparaît davantage comme un artiste conceptuel qui s’adapte, plutôt que comme celui qui se revendique. On dépasse l'image du simple « compagnon fidèle », le chien revêt ici les valeurs sociales et individuelles, entre conformisme et décalage. William Wegman reprend, renverse, flirte avec les codes et les mœurs de la société, sans pour autant avoir recours à une signification stricte à chaque photographie.

Le Programme d'art de la NASA a été créé en 1962 par le gouvernement des  États-Unis  de l' époque en vue de passer commande à des artistes contemporains plus ou moins célèbres d'œuvres dont le but devait être de porter témoignage sur l'histoire de l'exploration spatiale à travers les yeux des artistes. Norman Rockwell et Robert Rauschenberg furent ainsi  par exemple sollicités parmi de nombreux autres artistes américains.
Le premier directeur du programme artistique a été James Dean (NASA). Il privilégia les artistes qui s'exprimaient sur  différents médiums (peintures, photos, etc...)  Pour donner aux artistes la meilleure expérience possible, la NASA leur a permis un accès unique aux sites et aux matériaux des missions spatiales. Les participants étaient présents sur les sites de lancement.
Toutes les œuvres, des croquis aux produits finis, ont été données à la NASA pour être utilisées dans les musées et les expositions. La collection comprend désormais 2500 œuvres de plus de 350 artistes.

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Witkacy (1885–1939) - Autoportrait

Stanisław Ignacy Witkiewicz dit Witkacy (1885-1939)
Autoportrait 1910,
Huile sur toile 48 × 38 cm
Muzeum Narodowe, Poznań (MNP) 

Stanisław Ignacy Witkiewicz, dit Witkacy est un dramaturge, philosophe, pamphlétaire, peintre, photographe et romancier polonais. Il a touché par son immense curiosité d'homme de la Renaissance tous les domaines intellectuels et artistiques du 20e siècle. Il fut membre du premier groupe polonais avant-gardiste, formisme, auteur de la théorie esthétique de la Forme Pure, créateur de l’Entreprise Portraitiste.

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Josep de Togores (1893-1970) - Groupe dhommes autour d'une guitare

Josep de Togores (1893-1970)
Grupo alrededor de una guitarra, 1937
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Josep de Togores i Llach était un peintre espagnol .Fils de Josep de Togores i Muntades, président de l'Association des clubs de football de Barcelone et co-fondateur du journal El Mundo Deportivo , à l'âge de 13 ans, Togores a contracté une méningite qui le rendit sourd , ce qui le consuisit à s'intéresser à la peinture. Grâce à une bourse de la Mairie de Barcelone , il se rend en 1907 à Paris où il découvrel'œuvre de Paul Cézanne. A Bruxelles, il peint un tableau ( El loco de Cerdanyola ) qui est primé à l'Exposition internationale. De retour en Catalogne  Togores fait partie de l'Association Courbet de Barcelone ; une fois la Première Guerre mondiale terminée, il revient à Paris, où il découvre le surréalisme grâce à ses relations avec Georges Braque, Arístides Maillol, Max Jacob ou Picasso, signant même un contrat d'exclusivité avec son marchand, Daniel-Henri Kahnweiler, jusqu'en 1931 . Ce sera sa période la plus surréaliste et expérimentale. Au cours des années 1920, il commence à se faire connaître en Europe et, au cours des années suivantes, il explore différents styles tels que le cubisme ou l'académisme, se laissant influencer par l' avant- garde de l'époque et s'inspirant du classicisme. En 1932, il est a  nouveau de retour à  Barcelone où il change de marchand, entame une relation avec Francesc Cambó et commence à peindre des portraits de la haute société catalane. Il meurt en 1970 des suites d'un accident de la circulation : il est percuté par une voiture sur le Paseo de Gracia de Barcelone... comme un autre célèbre artiste catalan Gaudi !   

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Icône (Novembre)

 

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Icône (Novembre)
Tsarouchis Foundation, Greece

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une véritable icône de "l'art gay"

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Thomas Eakins (1844-1916) - Sailing

Thomas Eakins ( 1844-1916)
Sailing, c. 1875
Philadelphia Museum of Art

Thomas Cowperthwaite Eakins est un peintre, sculpteur et photographe américain, associé au courant moderniste du réalisme américain. Admis à l'École des beaux-arts de Paris dans les ateliers de Jean-Léon Gérôme, puis de Léon Bonnat de 1866 à 1868, il séjourne ensuite quelque temps à Pont-Aven à l'instigation de Robert Wylie. Il voyage ensuite en Espagne avant de retourner aux États-Unis où il commence une brillante carrière de peintre réaliste et se spécialise dans la peinture des sportifs (boxeurs, lutteurs, rameurs, joueurs de base ball... ). Amoureux de la vérité optique, il s'intéresse aussi à la photographie. En 1882, il devient professeur à l'académie des beaux-arts de Pennsylvanie, une école d'art avant-gardiste où l'on enseigne notamment la photographie. En 1886, il perd son poste de professeur à l'académie pour avoir admis un public féminin lors d'un cours d'anatomie d'après modèle masculin...

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William Sidney Mount (1807-1868) - Herald in the Country

 

William Sidney Mount (1807-1868)
Herald in the Country
Oil on canvas
The Long Island Museum

 
William Sidney Mount, est un peintre américain, contemporain de l'Hudson River School. Après un début de carrière consacré aux sujets historiques, il se dirige vers la peinture de genre dont on le crédite d'être le fondateur aux Etats-Unis. Ses œuvres traitent notamment du quotidien des fermiers de Long Island (comme ci-dessus) en s'inspirant des peintures de genre anglaises. Mount fut également fasciné par les Noirs qu'il a beaucoup peint et représenté dans presque tous ces tableaux et toujours de manière digne, ce qui n'était pas souvent le cas à son époque. Huit de ses peintures et dessins ont été publiés dans Men Portraits depuis quelques années.
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Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009) - Un Marin

Vasiliy Vasil'evich Strigin (1918-2009)
Un Marin, 1966
Huile sur carton, 60x49 cm
Collection privée

Né dans la région de Volgograd, Vasiliy Vasil'evich Strigin reçoit son diplôme de l'Ecole d'art de Stalingrad en 1939. Il participe activement à ce que les Russes appellent alors la grande guerre patriotique du 2 juillet 1941 et que nous appelons la Seconde guerre mondiale, en tant que commandant au département des communications, batterie 544 du régiment d'artillerie. Il continua à servir dans la 117e brigade d'artillerie RVGK, au quartier général du Département des renseignements avec le grade de sergent. Il a pris une part active aux batailles de Moscou, de Vyazma et à la terrible et légendaire bataille de Stalingrad. Il a participé à la libération de Smolensk, Minsk, s'est battu en Lituanie, en Prusse, a participé à l'assaut de Koenigsberg.
Pour ses hauts faits militaires, il reçut l'ordre de Patriotes de guerre I degré, l'Etoile rouge et les médailles "Pour le courage", "Pour le mérite militaire", "Pour la défense de Moscou", "Pour la capture de Koenigsberg" et bien d'autres encore.
Après la guerre, il fut membre de l'Union des artistes de l'URSS. Il a été élu à deux reprises président du conseil d'administration de la branche de Volgograd de l'Union des artistes et passa l'essentiel de sa vie à Volgograd.
Il fait partie des artistes qui ont magnifié, à travers ses tableaux typiques du style Réalisme Soviétique, toutes une époque de l'histoire de la Russie principalement dans les actions quotidiennes de ses héros anonymes.

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Robert Nanteuil (1623-1678) - Autoportrait

Robert Nanteuil (1623-1678)
Autoportrait, 1666
Pastel,
Musée des Offices, Florence

Robert Nanteuil, est un graveur, dessinateur et pastelliste français.  Il fut presque exclusivement peintre de portraits. Il expérimenta dans ce domaine des techniques diverses, toujours raffinées, du dessin sur parchemin à la gravure au burin et surtout, pendant sa période tardive, au pastel. Son œuvre compte plus de deux-cent-quarante portraits des membres de la cour et des grands dignitaires du royaume. Il grava onze fois le portrait de Louis XIV, deux fois celui d’Anne d’Autriche, quatorze fois celui de Mazarin, six fois celui de Colbert, dix fois celui de Louvois. On lui doit également des portraits de Christine de Suède, ainsi que ceux de quelques artistes de son époque tels que Philippe de Champaigne, Le Brun et Mignard. Nanteuil assurait qu’il s’était fait des règles infaillibles pour bien saisir la ressemblance. Il disait qu’il y a de certains traits du visage qu’il faut extrêmement considérer, parce qu’ils servent de mesure à tous les autres ; et que, quand une fois on a dessiné exactement ces traits, le reste est comme immanquable. Dans le portrait en pastel que dessina Nanteuil de Madeleine de Scudéry, celle-ci ne devait peut-être pas être trop ressemblante, du moins si l’on en juge par les vers suivants, qu’elle lui adressa pour le remercier : " Nanteuil, en faisant mon image, A de son art divin signalé le pouvoir ;  Je hais mes yeux dans mon miroir, Je les aime dans son ouvrage "

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Andrea Mantegna (1431-1506) - Portrait d'un homme

Andrea Mantegna (1431-1506)
Portrait d'un homme, c. 1470
Tempera sur bois, transférée d'un panneau, 24 x 19 cm.
National Gallery, Washington DC 

 

 

Avant d'être attribué à Mantegna ce tableau a été un temps attribué à  Giovanni Bellini.  L'œuvre est généralement datée des mêmes années que la Camera degli Sposi ( La Chambre des Epoux)  ou de toute façon des années 1460-1470, en raison des similitudes entre le sujet et l'un des personnages représentés ici.

Le panneau est documenté pour la première fois en 1906 dans une collection privée à Gaál, en Hongrie. Plus tard, il faisait partie de diverses collections à Budapest,  Paris et à New York.

En 1950, il fut acquis par Samuel H. Kress qui fit don de sa collection à   la  National Galleryde Washington 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 73 - Bernard Buffet, une vision tragique de l'intime ?

 

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 73

 Bernard Buffet, une vision tragique de l'intime ?

En 1948, Bernard Buffet, encore mineur puisqu'il vient à peine d'avoir 20 ans, concourt avec une toile qu'il a peinte l'année précédente intitulé " Deux hommes dans une chambre ", pour le Prix de la critique, récemment fondé par Augustin Rumeau et son épouse, propriétaires de la galerie Saint-Placide à Paris. Il en sort lauréat ex-aequo avec Bernard Lorjou, de vingt ans son aîné. A cette époque là où beaucoup de carrières artistiques se décidaient à St Germain de Près, le choc est à la hauteur de l'évènement. Le succès est immense. A tel point que cette toile va rester exposée pendant deux années entière sur les cimaise de la galerie Saint Placide. "Deux hommes dans une chambre", l'un nu, l'autre se déshabillant, l'un assis, l'autre debout, tous deux en position frontale, hiératique, comme transposés d'une fresque égyptienne. Immédiatement, le spectateur y perçoit tout le désarroi de l'après-guerre,les interrogations d'une jeunesse affamée aussi bien du point de vue culturelle que physiologique.... 

Pour connaitre la suite, écoutez ce podcast

Jacopo Carrucci dit Le Pontormo (1494-1557) - Angelo dell'Annuncio di Santa Felicità

Jacopo Carrucci dit Le Pontormo (1494-1557)
Angelo dell'Annuncio di Santa Felicità

Jacopo Carucci  connu sous le nom de Jacopo da Pontormo, ou plus simplement de Pontormo, est  l'un des représentants les plus importants du mouvement maniériste dans la peinture italienne du 16e siècle.

Il est réputé pour les poses contorsionnées de ses personnages, ses perspectives forcées, ses couleurs acides et stylisées, ses modèles aux yeux écarquillés et aux expressions inquiètes (comme ci-dessus).

Figés dans des poses, ses personnages se détachent sur un fond fermé et les couleurs métalliques, parfois éblouissantes, transforment les figures en images d'elle-mêmes.

Bronzino fut son élève.

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Paul Cadmus (1904-1999) - Dancing on a Ladder.

Paul Cadmus (1904-1999)
Dancing on a Ladder.
Private collection

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publie, depuis 2016, l'intégralité des dessins connus.  

De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins, tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

 

Consultez aussi notre podcast 

LES TABLEAUX QUI PARLENT 

N° 48 - L'homme de Cadmus recroquevillé sur son animalité 

 

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Antonio Zeno Schindler (1823-1899) - Habitants des Iles Marquises

 

 

Antonio Zeno Schindler (1823-1899)
Habitants des Iles Marquises
Smithsonian Museum, Washington DC 

 
Antonio Zeno Schindler fut un artiste américain d'origine Bulgare, photographe, peintre et graveur qui écuma le monde e dans le but de récolter une importante collection de portraits ethographqiques.


 

Sandro Botticelli (1445-1510) - Portrait d'un jeune homme (c. 1469)

Sandro Botticelli (1445-1510)
Portrait d'un jeune homme, c. 1469
Tempera sur panneau, 51 x 33.7 cm.
Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Florence

L'identité du personnage représenté ainsi que l'emplacement original du tableau demeure inconnue. L'œuvre était répertoriée dans les anciens inventaires de palais Pitti depuis 1829 comme une réalisation d'Andrea del Castagno. C'est Adolfo Venturi qui le premier attribua l'œuvre à Botticelli en situant sa réalisation dans la période de jeunesse de l'artiste. Cette attribution est confirmée par d'autres critiques d'art comme Mandel, Bohm, Pons, Caneva, Luchs et Padovani. 

Le jeune homme encore adolesscent, est représenté en buste tourné des trois-quarts vers la gauche la tête orientée vers les spectateurs qu'il regarde, sur un fond de ciel azur devenant clair à l'horizon. Il est vêtu d'un riche vêtement de couleur rouge fermé au col et la tête est couverte par un « chaperon » avec le typique ruban retombant sur les épaules. Ses cheveux noir méticuleusement coiffés encadrent le visage ; les grands yeux fixent intensément le spectateur ; le nez prononcé, les lèvres charnues et le menton rond. La regard en biais, dirigé de haut en bas confère au personnage un ton aristocratique de supériorité.

Photographe anonyme - Fernando Pessoa à l'âge de 19 ans

 Photographe anonyme - Fernando Pessoa à l'âge de 19 ans en 1907

Fernando António Nogueira Pessoa  (1888-1935)   est un écrivain, critique, polémiste et poète portugais trilingue ( portugais, anglais, français). I l a vécu une partie de son enfance à Durban en Afrique du Sud. Théoricien de la littérature engagée dans une époque troublée par la guerre et les dictatures, inventeur inspiré par Cesário Verde du sensationnisme, ses vers mystiques et sa prose poétique ont été les principaux agents du surgissement du modernisme au Portugal. Prolifique et protéiforme, Pessoa est un auteur majeur de la littérature de langue portugaise dont le succès mondial croissant depuis les années quatre-vingt a été consacré par la Pléiade. Son œuvre, dont de nombreux textes écrits directement en anglais, a été traduite dans un grand nombre de langues, des langues européennes au chinois. Des hommes de théâtre, des chorégraphes, des compositeurs se sont désormais emparés de cette œuvre très riche pour des spectacles. Le cinéma également a produit des films inspirés par ce poète.

De son vivant, Fernando Pessoa a régulièrement écrit dans des revues littéraires portugaises dont celles qu'il a créées. En outre, il a fait paraître en anglais deux ouvrages mais sa mort prématurée ne lui a laissé le temps de publier qu'un seul livre en portugais, qui eut toutefois un succès retentissant : le recueil de poèmes Message, en 1934. À sa mort, on découvrit, enfouis dans une malle, 27 543 textes que l'on a exhumés peu à peu. Le Livre de l'intranquillité n'a été publié qu'en 1982 et son Faust en 1988. Tous ces manuscrits se trouvent depuis 1979 à la Bibliothèque nationale de Lisbonne. Son apport à la langue portugaise a été comparé au cours de l'hommage national officiel rendu le jour anniversaire de sa naissance, en 1988, à celui de Luís de Camões. Le nom ou l'image-symbole de Fernando Pessoa ont été donnés à de nombreuses institutions portugaises. Depuis 1996, il existe une université Fernando Pessoa à Porto.

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N° 72 - Alexander Deïneka : le héros a bon dos !

 

 

C'est le portrait d'un dos. En voyant le dos du héros soviétique qui est assis au premier plan et qui semble avoir plus de vertèbres à son actif qu'il ne devrait (un peu comme les médailles sur le torse des apparatchiks), on ne peut s'empêcher de penser à Ingres. et à son odalisque nue avec son surplus déraisonnable de vertèbres, dont près de la moitié sont inutiles. Ici, ces 7 vertèbres saillants entre les muscles de façon presque menaçante comme la queue d'un chien ou celle d'une raie manta, ou celle du bébé créature d'Alien de Ridley Scott, ce lot de vertèbres donc apparaissent juste au dessus d'une autre raie, celles des fesses du colosse écrasées sur le cube de bois qui sert de siège, Pour savoir la suite, écouter ce podcast....

Liens complémentaires à consulter pendant la lecture du podcast - 

Alexander Deïneka, 

Autoportrait, 1948 https://menportraits.blogspot.com/202...

- Les soldats nus https://menportraits.blogspot.com/201... https://menportraits.blogspot.com/201... 

 - Les conquérants de l'espace https://menportraits.blogspot.com/202... 

 - Le gardien de but https://menportraits.blogspot.com/201... 

- Les joueurs de Football https://menportraits.blogspot.com/202...

  - Travailleurs italiens de déplaçant en vélo https://menportraits.blogspot.com/202...

Gertrude Käsebier (1852-1934) - Portrait of Alvin Langdon Coburn en 1902

 

Gertrude Käsebier (1852-1934)
Portrait of Alvin Langdon Coburn (c. 1902)
Platinum print, 24.1 x 19.1 cm.
The Museum of Modern Art, New York 

Gertrude Käsebier est une photographe professionnelle portraitiste américaine,  l'une des plus influentes photographes américaines du début du xxe siècle. Elle est célèbre pour ses images de la maternité, ses puissants portraits de natifs américains et par le fait qu'elle a promu la photographie comme une carrière pour les femmes.  
Elle étudia également le dessin à la peinture mais se passionna tout particulièrement pour la photographie. Comme beaucoup d´étudiants en art à l'époque, Gertrude Käsebier décida de voyager en Europe pour compléter sa formation. Elle commença en passant plusieurs mois à étudier la chimie photographique en Allemagne en 1894, où elle eut la possibilité de confier ses enfants à la belle-famille à Wiesbaden. Elle passa le reste de l´année à étudier en France auprès du peintre américain Franck DuMond.  En 1895, elle retourna à Brooklyn. Son mari étant assez gravement malade, et ses ressources financières étant alors limitées, elle décida de devenir photographe professionnelle.  Un an plus tard, elle devint l'assistante du portraitiste photographe Samuel H. Lifshey, ce qui lui permit d'apprendre à tenir un studio et à élargir ses connaissances des techniques d´impression. Il est néanmoins évident qu'elle possédait déjà à l'époque une grande maîtrise de la photographie. Tout juste un an plus tard, elle exposa 150 photographies, ce qui était un nombre impressionnant pour un seul artiste à cette époque, au Boston Camera Club. Les mêmes clichés furent montrés en février 1897 au Pratt Institute.  Le succès de cette exposition fut l´occasion d´une nouvelle exposition à la Photographic Society of Philadelphia en 1897. Elle vint également commenter ses œuvres là-bas, et encouragea les femmes à faire carrière dans la photographie en disant "Je recommande sérieusement aux femmes ayant un goût artistique de s´entraîner dans le champ encore jeune de la photographie moderne. Cela me semble particulièrement adapté pour elles, et les quelques qui s´y sont déjà aventurées y ont reçu un succès gratifiant et rémunérateur".

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