Cornelis van Haarlem (1562-1638) - Etude pour le portrait d'un inconnu

 

Cornelis van Haarlem (1562-1638)
Etude pour le portrait d'un inconnu
Collection privée

Cornelis Corneliszoon van Haarlem ou Cornelis Cornelissen ou parfois francisé Corneille de Haarlem est un peintre et un dessinateur maniériste néerlandais.
Cornelis est né en 1562 dans une famille aisée de Haarlem. Ses parents ayant fui la ville lors du siège espagnol (décembre 1572 - juillet 1573), l'enfant fut confié au peintre Pieter Pietersz (v.1540-1603), qui l'éleva et lui apprit son art. Après un voyage en France – où il ne put poursuivre au-delà de Rouen à cause d'une épidémie de peste – (1579) et un séjour anversois d'un an destiné à parfaire sa formation sous la direction du maître Gillis Congnet, il revint à Haarlem où il s'installa définitivement vers 1580-81. C'est en 1583 qu'il y reçut sa première grande commande, le portrait de groupe des membres d'une milice bourgeoise : le Banquet de la Garde civique de Haarlem. La même année, Cornelis rencontra Hendrik Goltzius et Carel van Mander avec lesquels il fonda l'Académie de Haarlem. En 1588, la diffusion de cinq de ses œuvres par l'entremise de gravures de Goltzius lui apporta une certaine célébrité. Cornelis fut plus tard nommé peintre de la ville de Haarlem et, en 1630, il participa à la réorganisation de la guilde locale de Saint-Luc en réformant ses statuts médiévaux dans l'esprit de la Renaissance. Il fut également le régent de l'hospice des vieillards de Haarlem entre 1613 et 1619. Ses œuvres – souvent signées du monogramme CH – reflètent bien les travaux de l'Académie de Haarlem par une approche naturaliste, redevable de la pratique du dessin d'après nature comme de l'étude des sculptures antiques et qui a rapidement supplanté l'influence maniériste de Spranger. Il a réalisé non seulement des sujets bibliques ou mythologiques, mais aussi des portraits et des natures mortes. L'artiste possède un humour assez particulier : comme l'a noté Jacques Foucart, ses nus ont souvent la plante des pieds sale et Vénus a les ongles noirs ! . 

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Per Krafft Le Jeune (1777-1863) - Portrait du marchand Jacob Svante Wolter

Per Krafft Le Jeune (1777-1863)
Portrait du marchand Jacob Svante Wolter
Collection privée

Per Krafft le Jeune était un peintre suédois de portraits et de scènes historiques.
Krafft est né à Stockholm, Suède. Il était le fils du portraitiste Per Krafft l'Ancien (1724–1793) et de Maria Vilhelmina Ekebom (1749–1820) et était le frère de la miniaturiste portraitiste Wilhelmina Krafft (1778–1828). Alors qu'il n'est encore qu'un enfant de six ans, il commence ses études à l' Académie royale suédoise des beaux-arts (1783-1796). Il reçoit sa première médaille en 1787. Il y étudie jusqu'en 1796 ; notamment avec Lorens Pasch le Jeune. À 18 ans, iil reçoit sa première commande pour un portrait de l'homme politique français, François-Emmanuel Guignard de Saint-Priest.
Peu de temps après, sous l'influence de Louis Masreliez, il se rend à Paris, où il devient l'élève du peintre Jacques-Louis David.
En 1801, pour une grande exposition de l'Académie à Stockholm, Krafft envoie chez lui trois œuvres : Bélisaire, Cupidon souriant, et Pâris en berger, le tout composé dans un style néoclassique. En 1802, il se rend en Italie, où il dessine des paysages urbains, étudie les maîtres anciens et fait des copies de Raphaël. En mai 1803, il revient de Florence à Paris, où il devient un portraitiste très recherché.
En 1805, il retourna à Stockholm, où il avait été nommé peintre de la cour. En 1808, il est nommé professeur adjoint à l'Académie et, à la suite du décès de Carl Frederik von Breda en 1818, est promu professeur titulaire de dessin ; poste qu'il occupa jusqu'en 1856.
Au cours de sa carrière, Krafft a peint plus de 400 portraits, dont 60 dessins, et des centaines d'autres œuvres.

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Dominik Skutecký (1849-1921) - Tête de gondolier vénitien

 

Dominik Skutecký (1849-1921)
Tête de gondolier vénitien
Collection privée 

Dominik Skutecký était un peintre slovaque d'ascendance juive. Les formes alternatives de son nom incluent David, Domenico, Döme, Skutezky, Skuteczky et Skutetzky. Il se spécialise dans les paysages, les portraits et les scènes de genre. Après la mort de son père en 1859, sa famille s'installe à Vienne, où il commence ses études artistiques avec le sculpteur Johann Meixner. Il suit également des cours particuliers d'art à l' Académie des beaux-arts, où il étudie avec Carl Wurzinger et Karl von Blaas de 1865 à 1867. Après avoir reçu une bourse, il poursuit ses études à Venise de 1867 à 1870, où il travaille avec le peintre d'Histoire, Pompeo Marino Molmenti à l'Accademia di Belle Arti. Il  passe  aussi quelques mois à l'Académie des Beaux-Arts de Munich.  A partir des 1873, il réside à Vienne, où il est surtout portraitiste. Sa première grande exposition eut lieu au Künstlerhaus en 1875.  Lors de son premier séjour à Banská Bystrica, de 1884 à 1886, il se concentre sur les paysages et les scènes de genre de la paysannerie locale. Il s'y installe définitivement en 1889 et recommence à réaliser des portraits de notables de la région. Il a également créé de nombreuses peintures pour Copper Hammer, une manufacture de cuivre réputée pour ses pratiques de gestion progressistes.  Ses œuvres peuvent être vues à la Galerie nationale slovaque et à la Stredoslovenská galéria . Beaucoup sont dans des collections privées.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 69 - Lloyd Patterson : un afro américain chez les Soviets

       

 

 

C'est une histoire réellement fascinante que celle de l'acteur afro-américain Lloyd Walton Patterson (1910-1942) représenté sur ce portrait peint en 1932 par un ou une peintre soviétique anonyme retrouvé par hasard dans un magasin d'antiquités de Moscou en 1992. Ce tableau a été formellement authentifié en 1993 comme étant le portrait de Lloyd Patterson par sa propre épouse l'artiste ukrainienne Vera Aralova, et par un de leurs 3 enfants, James Patterson.Il est aujourd'hui exposé au Hillwood Estate Museum, à Washinton DC, en illustration des expériences, très peu connues en Europe, des Noirs américains dans la Russie impériale aussi bien que soviétique. Pour connaitre l'histoire, écoutez ce podcast... 

 

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John Singer Sargent (1856-1925) - Chorrojumo (Mariano Fernández Santiago)

John Singer Sargent (1856-1925),
Chorrojumo (Mariano Fernández Santiago), 1879
Watercolor over graphite
Private collection

Son  nom  de "Chorrojumo" vient de son métier d'origine, celui de forgeron, et sa célébrité est due en grande partie au peintre Mariano Fortuny qui, lors d'une visite à Grenade, le peignit déguisé en costume de gitan Goyesque vers 1868.  Car Mariano Fernández Santiago aimait en effet se présenter comme le roi des gitans (qu'il nétait pas mais peu importait !).   Vaniteux et rusé, il aimait le déguisement et  gagnait sa vie en racontant aux touristes des histoires sur l' Alhambra et se laissant photographier ou peindre. Il vendait des cartes postales de son portrait, habillé en tenue traditionnelle, comme celle dans laquelle il est peint ici par Singer Sargent.

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Sir Cedric Morris (1889-1982) - The Dancing Sailor

 

Sir Cedric Morris (1889-1982),
The Dancing Sailor, 1925
Private collection

Sir Cedric Lockwood Morris, 9e baronnet était un artiste britannique, professeur d'art et planteur. Il est né à Swansea dans le sud du Pays de Galles, mais a travaillé principalement en East Anglia. Il est surtout connu pour ses portraits, ses peintures de fleurs et ses paysages. Cedric Morris avait un style postimpressionniste souvent qualifié de "primitif. Dans son analyse des peintures de Morris, Richard Morphet a suggéré que «la force inhabituelle des peintures de Cédric découle de la projection du sujet à travers une économie dynamique de moyens en combinaison avec un sens aigu du réalisme pictural». En tant que portraitiste, il a produit nombre d'études remarquables de ses contemporains dont John Banting (1923), Rupert Doone (vers 1923), Mary Butts (1924), Barbara Hepworth (1931), Arthur Elton (1931), Rosamond Lehmann (1932), Les Sœurs [F. Byng Stamper et C. Byng Lucas] (1935), Lucian Freud (1940), Richard Hacher (1941), Mrs Ernest Freud (1942 ?), Belle of Bloomsbury (1948), ainsi que plusieurs saisissants autoportraits.

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Michel Martin Drolling (1786–1851) - Portrait de Nicolas Baptiste dit Baptiste aîné dans le rôle d'Horace

Michel Martin Drolling (1786 – 1851)
Portrait de Nicolas Baptiste dit Baptiste aîné dans le rôle d'Horace
Huile sur toile, nd
Musée des Beaux-Arts, Caen, France

Issu de la célèbre famille Baptiste, Baptiste aîné  (1761-1835) commence sa carrière théâtrale en 1791. Il devient alors rapidement reconnu dans les rôles de pères et de raisonneurs1. Ses grands succès furent : Robert chef de brigands de Lamartellière, le Glorieux de Destouches et les Deux Frères de Kotzebue. Il quitte le théâtre en 1828 pour devenir professeur à l'école de déclamation et se retire à Batignolles où il finit sa vie. Son frère Paul Eustache Anselme dit Baptiste cadet était aussi un comédien. Baptiste aîné était le père de Françoise-Joséphine Anselme Baptiste, comédienne et sociétaire de la Comédie-Française sous le nom de Madame Desmousseaux.


Michel Martin Drölling (1786-1851) est un peintre néoclassique français. Il est l’élève de son père Martin Drölling, puis de Jacques Louis David en 1806. Sa Colère d’Achille lui vaut d’obtenir le prix de Rome en 1810. Après avoir séjourné à l’Académie de France à Rome, de 1811 à 1816, il se fait connaître pour sa Mort d’Abel exposé au Salon de 1817. Il reçoit dès lors de nombreuses commandes et produit notamment La Loi descend sur terre, elle y établit son empire et y répand ses bienfaits pour le plafond de la salle des Hommes illustres du palais du Louvre, Les États-Généraux de Tours en 1836 et La Convention d'Alexandrie en 1837 pour le musée de l'Histoire de France au château de Versailles, Jésus au milieu des docteurs pour l’église Notre-Dame-de-Lorette de Paris en 1840. Il est élu membre de l’Académie des beaux-arts de l'Institut de France en 1837, et il est nommé professeur à l'École des beaux-arts de Paris. Ses peintures d’histoire répondent au style néoclassique.

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Alex Colville (1920-2013) - Infanterie, près de Nimègue, Hollande

Alex Colville  (1920-2013)
Infanterie, près de Nimègue, Hollande,1946,
Huile sut toile ,101,6 x 121,9 cm,
Collection Beaverbrook d’art militaire, Musée canadien de la guerre, Ottawa.

Alex Colville réalise ses premières œuvres au cours de son service en tant qu’artiste de guerre officiel durant la Seconde Guerre mondiale. Puisqu’il s’engage dans l’armée dès la fin de ses études à l’Université Mount Allison au Nouveau-Brunswick, Colville considère que sa production des années de guerre ne révèle pas vraiment son éventuel développement en tant qu’artiste. Son sentiment de n’avoir pas livré sa première œuvre de maturité avant 1950, soit quatre ans après avoir peint ce tableau à partir de croquis dessinés en 1945, est abondamment cité. Toutefois, cette peinture laisse présager de nombreuses préoccupations exprimées dans ses œuvres de plus grande maturité.

 Cette œuvre préliminaire est l’une des dix-sept esquisses du Musée canadien de la guerre associées à Infanterie, près de Nimègue, Hollande, représentant le Royal Winnipeg Rifles marchant le long d’une route hollandaise. Comme par exemple ici, la composition reflète les obsessions géométriques déployées dans les œuvres ultérieures de Colville, avec une vive forme diagonale traversant la toile, du coin supérieur gauche au coin inférieur droit du plan pictural. Les soldats canadiens qui traversent le bourbier de l’estuaire de l’Escaut en Hollande sont représentés sous la forme d’une série de figures qui avancent d’un pas lourd en arrière-plan, leur poids collectif semblant pousser la figure en tête dans notre espace visuel. Colville adopte le point de vue de l’homme qui devance la filée et qui regarde en arrière alors qu’il amorce un léger virage suggéré par le sillon rempli d’eau parallèle à leur trajectoire de marche.
Des lignes diagonales légèrement incurvées apparaissent souvent dans les compositions de Colville, par exemple dans Horse and Train (Cheval et train), 1954, Soldier and Girl at Station (Soldat et fille à la gare), 1953, West Brooklyn Road (Chemin West Brooklyn), 1996 et Traveller (Voyageur), 1992. Cette technique rompt la géométrie rigide de la composition, en conférant de la douceur aux lignes dures qui sont à la base de toutes les images de Colville. Peint à Ottawa après son retour d’outre-mer, ce tableau est une image composite : les mains de la figure principale sont modelées sur les mains de l’artiste, alors que le visage s’inspire de celui de son père : « Je voyais mon père comme une sorte de caporal », explique Colville1.

En plus de L’infanterie, près de Nimègue, le Musée canadien de la guerre possède dans sa collection de la Seconde Guerre mondiale des centaines de peintures, de dessins et d’aquarelles de Colville. Bien que ce tableau n’ait pas l’accent dramatique de Cheval et train et d’autres œuvres des années 1950, il contient les germes de la préoccupation de Colville sur la place de l’être humain dans un monde brisé. Ces personnages avancent à force de volonté, une volonté déclenchée par les ordres d’autrui, mais soutenue par leur seule volonté individuelle d’agir.

Extrait de "Alex Colville, Sa vie et son œuvre" par Ray Cronin  

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 68 - Diogène antispéciste ?

 

 JEAN-LÉON GÉRÔME  1824-1904)  
Diógène  
Huile sur toile,  101 cm x 74,5 cm, 1860  
Walters Art Museum, Baltimore

Diogène n'aimait personne d'autre que les animaux et en particulier les chiens qu'il considérait comme ses égaux. C'est un fait. Il ne se doutait pas en cela qu'il avait un considérable temps d'avance (2500 ans en gros) sur la pensée humaine puisque ce type de doctrine est précisément celui qui s'est exprimé à partir de 1970 dans un courant philosophie appelé l'antispécisme. Courant introduit par le psychologue anglais Richard.D. Ryder qui publia en 1971 l'ouvrage fondateur de la pensée animaliste " Animals, men and morals". La critique antispéciste fondée sur les mêmes modèles dialectiques que le racisme ou le sexisme, correspond de manière plus large à celle du « post-humanisme »Ce dernier a connu un développement certain avec les sciences sociales qui puisent leur source dans la pensée de Jean Jacques Rousseau et dont Claude Lévi-Strauss est le plus illustre représentant moderne.... 

 Pour connaitre la suite, écoutez ce podcast...

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Roy Lichtenstein (1923-1997) - Moitié de visage avec col

Roy Lichtenstein (1923-1997)
Moitié de visage avec col, 1963
Collection privée

Roy Lichtenstein, est un des artistes les plus importants du mouvement pop art américain. Ses œuvres s'inspirent de la publicité et de l'imagerie populaire de son époque, ainsi que des bandes dessinées (« comics »). Il décrit lui-même son style comme étant « aussi artificiel que possible ». On estime qu'il a laisseéau total 4 500 œuvres en circulation dans le monde.

Glyn Warren Philpot (1884 -1937) - Un soldat italien

 

Glyn Warren Philpot (1884 -1937)
Un soldat italien, 1915
Grosvenor Galleries 

Las de peindre des portraits mondain sà Londres, Glyn Warren Philpot, décide de s'installer à Paris où il avait étudié dès le début du siècle à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens. Il commence à changer de style dès avant la Première guerre mondiale opte pour un style plus moderne, plus plat et plus stylisé que son ancienne manière. Ce nouveau style lui vaut un accueil plus que mitigé de la part de ses premiers admirateurs londoniens dont ilv a d'ailleurs s 'éloigner peu à peu. Si bien qu'en avril 1932, on peut lire dans Scotsman : « Glyn Philpot est entrain de tourner au Picasso ». il s'en faut de beaucoup mais la touche moderne ne plait pas. Dommage car elle est superbe et ce dessin qui est le tout premier où il manifeste son intérêt pour les modèles masculins noirs (qui seront récurrents dans toute son œuvre), est d'une grande beauté.

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Claudio Bravo (1936-2011) - Les vestiaires d'un match de football

 

Claudio Bravo (1936-2011)
Les vestiaires d'un match de football
Huile sur toile
Baltimore Museum of Art

Claudio Bravo (ne pas confondrre avec son homonyme footballer !)  est un artiste peintre chilien ayant  principalement vécu et travaillé à Tanger et à Taroudant, au Maroc.

En 1945, Claudio Bravo rejoint le Colegio San Ignacio à Santiago du Chili et étudie les arts au studio de Miguel Venegas Cienfuentes à Santiago. En 1954, il présente sa première exposition au Salón 13 à Santiago. Il n'a alors que dix-sept ans. En 1955, il danse professionnellement avec la Compañía de Ballet de Chile et travaille pour le Teatro de Ensayo de la Universidad Católica de Chile. Dans les années 1960, il s'établit à Madrid et devient portraitiste. Il acquiert une large reconnaissance pour la virtuosité technique avec laquelle il imite le réel.  Il commença sa carrieèe en faisant le portrait du dictateur philippin Marcos et ss femme Imelda, qui s'était prie d'une passion pour sa peinture...  ce qui ne lui rendit pas forcément service à Bravo !
En 1970, il  fait sa première exposition à la Staempfli Gallery à New York en 1970, qui reçoit alors l'appréciation du renommé critique d'art du New York Times John Canaday. Des années plus tard cependant, lorsque l'œuvre de Bravo devient un miroir du mouvement hippie, Canaday décrie l'œuvre de Bravo, la décrivant comme étant « de piètre qualité et vulgaire ». A partir de 1971, Bravo décida de s’installer  au Maroc. Il achete d’abord à Tanger une maison cossue du 19e siècle. Il la transforme et en peint les murs en blanc pour y faire entrer cette lumière de la Méditerranée si présente dans ses toiles. Il dispose également d’un atelier à Marrakech et d’un autre à Taroudant. Il y vit de façon quasi monacale, peignant plus de huit heures par jour, exigence qui l’a fait qualifier par son ami Mario Vargas Llosa de « moine laïque et d’aristocrate solitaire ». Le 4 juin 2011, Claudio Bravo succombe à Teroudant d'une crise d'épilepsie, alors qu'il est en train de dessiner son dernier tableau, qui représentait un voile tombant sur le mur de sa chambre.  Il confie, dans un film réalisé sur lui par Philippe Aubert, et présenté à New York en novembre 2010 et à Montréal en mars 2011, à quel point il est attaché au Maroc, voulant rendre à ce pays tout ce qu'il lui avait donné. Il a laissé toute sa fortune à son ami Bachir Tabchich qui l'a accompagné à Tanger et à Taroudant.

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Romeo Gregori (1900 - 1940) - Tête de Boxeur

Romeo Gregori I (1900 - 1940)
Tête de Boxeur, 1934,
Terracota , 38 x 28 x cm

Romeo Gregori était un artiste impressionniste et moderne italien. Cette œuvre exposée à la Biennale de Venise de 1934 est aujourd'hui dans une collection privée de même que les autres têtes sculptées par Gregori sur le même modèle. Il fut célèbre en son temps pour avoir sculpté en 1937, le buste du roi d'Italie d'alors.

 

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Giuseppe Molteni (1800-1867) - Ritratto di giovanni

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Giuseppe Molteni (1800-1867)
Ritratto di giovanni
Colection privée

Giuseppe Molteni est un peintre italien qui fut actif au 19e siècle.
Après avoir été e contraint d'abandonner ses études de peinture à l'Académie de Brera pour des raisons financières, Giuseppe Molteni s'oriente vers la restauration de tableaux anciens à Bologne en tant qu'élève de Giuseppe Guizzardi. De retour à Milan, il devient restaurateur d'œuvres et consultant pour le  musée du Louvre, le British Museum et pour de grands collectionneurs européens. Il revient vers la peinture  en 1828 en initiant un genre connu sous le nom de inaugurant« Ritratto ambientato » caractérisé par la représentation minutieuse d'habits somptueux et de postures aristocratiques, ce qui lui vaut son succès et le met en compétition avec son confrère Francesco Hayez. Mais il sait être aussi capable de peindre des portraits d'une grande vérité et d'une acuité  cime le démontre la composition ci-dessus

Pendant son séjour à la cour de Vienne, en 1837 il réalise le portrait de Ferdinand Ier, découvre le Biedermeier, fait la connaissance du peintre Friedrich von Amerling et de Johann Friedrich Overbeck
A partir de  1837, son intérêt se tourne vers la peinture de genre, peignant dès lors des scènes populaires de la vie quotidienne. Il est présent constamment aux expositions des Beaux-Arts  de Brera jusqu'aux années 1850, puis, en 1854, il abandonne la peinture pour le poste de conservateur de la Pinacothèque de Brera

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George Caleb Bingham (1811–1879) - Mississippi Fisherman

George Caleb Bingham (1811–1879)
Mississippi Fisherman (c. 1851)
Huile sur toile, 29 1/2 x 24 1/2 i
Marshall Field Collection, Chicago

George Caleb Bingham est  à la fois le peintre du mythe américain, représentant des scènes qui soulignent le rôle positif des colons dans l'apport de la civilisation vers les terres sauvages, amis aussi celui de la vie quotidienne des citoyens ordinaires. Ses scènes de chasse et scènes de la vie quotidienne sur les fleuves, et notamment le Mississippi, ont contribué à forger sa renommée nationale dès 1840.
En 1848, il est élu à l'Assemblée générale du Missouri, devenant ainsi l'un des rares artistes à avoir été un homme politique de l'État. Membre du Parti démocrate, il exprime sa passion pour la politique en peignant une série de tableaux représentant la liesse populaire lors des périodes d'élections.
Tombées dans l'oubli après sa mort, ses œuvres, qui sont associées au mouvement du Luminisme américain, sont redécouvertes dans les années 1930. Un de ses tableaux les plus célèbre Les Marchands de fourrures descendant le Missouri (1845), est exposé au Metropolitan Museum of Art de New York.

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Santiago Rusiñol i Prats (1861-1931) - Carles Mani i Roig et Pere Ferran, 1895

 

Santiago Rusiñol i Prats (1861-1931)
Carles Mani  i Roig et Pere Ferran, 1895
Dessin 31 x47,5 cm
MNAC, Barcelona 

 
Santiago Rusiñol est un peintre espagnol symboliste et post-impressionniste, aussi auteur et dramaturge. Fils rebelle d'un riche industriel, il se tourne très tôt vers le milieu artistique et part pour Paris. À la fin des années 1880, il revient à Barcelone pour développer la vie culturelle de la ville en créant, entre autres, le cabaret Els Quatre Gats, avec Pere Romeu, Ramon Casas i Carbo et Miquel Utrillo, qui ouvre ses portes en 1897. Dans ce café se regroupent de jeunes artistes dont Pablo Picasso. Rusiñol exerce, à l'époque, une grande influence sur Picasso qui commence sa carrière, en lui définissant la place de l'artiste moderne dans le monde.
Entre 1899 et 1903, Picasso fait 21 portraits de Santiago Rusiñol.
Rusiñol est aussi un organisateur d'événements comme le Festival modernista dans le port de pêche de Sitges où il a laissé de nombreux bâtiments, dont le Musée Cau Ferrat
Artiste complet, il a écrit aussi des nouvelles et joué dans des pièces.

Carles Mani i Roig (1867-1911) (à droite dans le dessin ci -essus)  est un sculpteur catalan. Il fut à contre-courant des mouvements de son époque et chercha un style personnel qui ne fut pas compris de ses contemporains qui fit que son œuvre fut très restreinte. Artiste indépendant et solitaire, sa personnalité étrange selon les mots de qui l'a approché l'empêcha de s'intégrer à la vie de Barcelone où il s'était installé dans les années 1890. Il eut une vie difficile, pleine de désillusions.

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 67 - Charley Garry : du bordel à la mine ?

 

 

Charley Garry (1891-1973) 

Le piqueur,

Fresque minière Plafond du Carreau de Faulquemont Houillères du Bassin de Lorraine 

 

Curieuse œuvre que celle de Charley Garry, peintre léger, très parisien et très mondain, roi du joli minois et des boudoirs poudrés à qui l'on confia la peinture d'une des professions les plus difficiles qui soient, celle de mineur de fond. La grande fresque minière en 5 tableaux qu'il conçut pour honorer la Commande des Houilleres de Lorraine au bassin de Faulquemont, sans doute en tre 1935 et 1940, apparait aujourd'hui comme un témoignage poignant de la dureté des conditions de travail et de l'héroïsme de ses hommes sacrifiés -y a lil d'autres mots? - sur l'autel de l'industrialisation triomphante de l'Europe via le charbon, le progrès, le bien être supposé de l'humanité et que sais je encore....

 Pour en savoir plus écouter ce podcast...

Ramon Casas i Carbo - Autoportrait, 1883

 

Ramon Casas i Carbo
Autoportrait, 1883
Huile sur toile 96 x 115,5 cm
MNAC - Museu Nacional d'Art de Catalunya, Barcelona

Ramon Casas i Carbó, est un peintre et affichiste espagnol, promoteur du modernisme catalan. Il est surtout connu pour ses portraits et caricatures de l’élite catalane, espagnole et française.
En 1884, il expose à Barcelone l’œuvre Corrida de Toros. Il part souvent à Paris à l’Académie Gervex où il rencontre les peintres Santiago Rusiñol et Pierre Puvis de Chavannes. En 1889, il part en voyage avec son ami l’artiste post-impressionniste Rusiñol.
Il s’installe à Paris en 1890 au moulin de la Galette de Montmartre avec ses amis Rusiñol, Miquel Utrillo et Ramon Canudas. Il expose le Portrait d’Erik Satie au Salon du Champ-de-Mars et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, où il obtient le titre d'associé qui lui permet d’exposer deux œuvres chaque année sans être évalué par le jury d’admission.
En 1891, il expose une de ses œuvres plus connues intitulée Intérieur du Moulin de la Galette et il obtient une médaille à l’exposition internationale de Berlin où il envoie les œuvres Retrat de dama et Treball. L'année suivante, il gagne la médaille d’or à l’exposition internationale de Madrid avec l’œuvre Aire Lliure. Il expose aussi à l’Exposition universelle de 1893 à Chicago. C'est aussi dans ces années-là qu'il entame cette série de portraits intimistes comme Après le bain (Abbaye de Montserrat) ou Fatiguée (musée d'art de Dallas). Il y peint le même modèle, une jeune femme brune dans une chemise au col gansé de bleu, mêlant remarquablement l'intimité, le respect et le désir. Après cette période dominée par ses portraits et ses nus, il retourne à la représentation de scènes de foule, sur lesquelles il avait déjà travaillé dans les années 1880. Il revient finalement à Barcelone en 1896 et il installe son atelier chez ses parents. Avec l’œuvre Ball de tarda, il gagne une médaille de deuxième classe à l’exposition des beaux-arts de Barcelone, et il expose les œuvres Bona artilleria et Angoixa à l’exposition d’art de Berlin. L'année 1898 marque le début de sa carrière d’affichiste. Il gagne le concours publicitaire de la boisson Anís del Mono et dessine le affiches des campagnes publicitaires pour des marques comme Codorniu, Cigarillos Paris, entre autres. Par la suite, il commence sa collaboration avec les magazines modernistes Quatre Gats, édité par le cabaret éponyme en 1899, puis dans Pèl i Ploma où il publie ses illustrations et qu'il finance en partie (1899-1903).
En 1900, le comité international espagnol choisit deux de ses œuvres pour les présenter à l’Exposition universelle de Paris. Il visite cette exposition avec son ami Picasso, alors âgé de 19 ans dont il fera le portrait à cette occasion.
L’année suivante, il gagne sa première médaille à l’exposition de Munich avec l’œuvre Garrote vil. En 1903, il expose au Salon du Champ-de-Mars l’œuvre La Càrrega. Deux ans plus tard, il y expose l’œuvre Retrat eqüestre de d’Alfons XIII, qui est achetée par le millionnaire nord-américain Charles Deering qui lui commande le portrait de ses filles.
À partir de ce moment-là, il commence une forte amitié avec le millionnaire qui le mène à faire plusieurs voyages avec lui et à rester quelques mois aux États-Unis, où il brosse les portraits des amis du millionnaire. En 1918, il visite le champ de bataille de la Première Guerre mondiale où il peint Autorretrato con Cope Militar.
En 1922, il épouse Julia Peraire qui avait été son modèle pour plusieurs portraits (notamment La Sargantain), et il repart aux États-Unis.
En 1931, il participe à une exposition conjointe avec Rusiñol, Clarasó et Casas.

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Hans Erni (1909-2015) - Nu

Hans Erni (1909-2015)
Nu
Collection Privée.

 
Hans Erni est un peintre, graphiste, graveur et illustrateur suisse. Durant sa jeunesse, il travaille comme dessinateur en bâtiment chez l'architecte Friedrich Felder. En 1927, il rejoint l'école d'art de Lucerne. Dès 1928, il monte à Paris étudier à l'Académie Julian qui lui attribue un prix. Un an plus tard, il part pour Berlin et d'autres villes d'Europe. Il y rencontre Kandinsky et Mondrian. Ses influences sont clairement cubistes au travers de Braque et Picasso. À la fin des années 1930, il fait plusieurs voyages à Londres où il découvre les mouvements abstraits. De 1930 à 1934, il travaille sous le pseudonyme de François Grèque. Il adhère au groupe Abstraction-Création et en 1937-1938, à Londres, il rencontre et devient ami de Henry Moore, Ben Nicholson, Barbara Hepworth et les émigrés allemands membres du Bauhaus. Ce n'est qu'après la guerre que son génie éclate avec de nombreuses peintures et expositions. Erni travaille dans plusieurs ateliers disséminés en Europe. Il devient célèbre avec la réalisation d'une grande peinture murale pour l'Exposition nationale suisse de 1939 à Zurich, sur laquelle il rend un discret hommage au designera utomobile Paul Jaray, son voisin à Lucerne.  Il participe à la création de l'Alliance suisse, un groupe d'artistes helvétiques, et concourt aux compétitions artistiques des Jeux olympiques d'été de 19485. Erni est aussi à l'origine de nombreux timbres destinés aux PTT suisses (Poste, Télégraphe et Téléphone), l'organisation Pro Juventute, le Liechtenstein et l'ONU. En 1979, le musée portant son nom s'ouvre à Lucerne près du Musée suisse des transports.  En 1992, Erni réalise le portrait du Secrétaire Général de l'ONU, Javier Pérez de Cuéllar, portrait qui est affiché dans le bâtiment de l'ONU à New York. L'ONU a, en quelque sorte, joué le rôle de mécène puisque de nombreuses œuvres d'Erni ont été commandées par l'organisation. Erni est un peintre très populaire en Suisse. Son talent ne se limite pas à la peinture, mais s'exprime également par la sculpture et la gravure. Son style unique, avec des contours marqués d'un trait blanc, des personnages charnus mais fidèlement représentés aux côtés d'animaux, l'a rendu célèbre. La science, l'histoire et la mythologie sont des thèmes récurrents, ses peintures mettent en scène le contraste entre l'Antiquité, le monde contemporain et les civilisations. De nombreuses expositions lui sont consacrées, que ce soit en Suisse ou en Europe.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Le Penseur 1936

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Le Penseur 1936.
Collection Privée 

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une véritable icône de "l'art gay"

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John Singer Sargent ( 1865-1925) - Franck O'Meara

John Singer Sargent ( 1865-1925)
Portrait de Franck O'Meara, 1876.
Collection privée 

Frank O'Meara (1853 - 1888) fut  un artiste peintre irlandais,  mort à l'âge de 35 ans.  Son travail a été redécouvert à la fin des années 1990, les prix de ses peintures aux enchères atteignant des prix imprévus pour un peintre très peu connu. ll y a quelques constantes dans l'œuvre de Frank O'Meara : des figures de femmes seules, souvent près de l'eau avec des arbres d'automne nus, dans la lumière du soir. Un sentiment de mélancolie parcourt son œuvre que certains ont attribué à ses malheurs personnels dus à sa mauvaise santé, sa vie dans la pauvreté et deux amours ratés.

Au cours de sa carrière, John Singer Sargent peignit environ 900 toiles et plus de 2000 aquarelles, ainsi que d'innombrables croquis et dessins. Il fut actif en France et en Angleterre et peignit des compositions à personnages, compositions religieuses, scènes de genre, figures, portraits, intérieurs, paysages, marines, des compositions murales, à la gouache, à l'aquarelle. Ce fut aussi un dessinateur. Il est proche du courant de l'impressionnisme américain.

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John Koch (1909-1978)
Portrait de jeune homme
Private collection

John Koch fut l’un des principaux peintres réalistes américains du 20e siècle. Il peignit des tableaux issus de son univers personnel aussi bien que des représentations fidèles du quotidien de la vie américaine peuplées de modèles, de musiciens, de vues de son atelier ou de son appartement de New York. À travers ses oeuvres Koch fut un porte parole aussi discret que possible du mouvement réaliste, tout en assurant une présence constante et respectée.
Les compositions de Koch étaient élégantes. Ses tons chauds et ses couleurs invitent à entrer dans son monde où l'on peut découvrir de véritables trésors. Dans ces tableaux, les objets eux-mêmes sont choisis avec un soin soin particulier.
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Nikolai Ivanovich Feshin (1881-1955) - Le philosophe

Nikolai Ivanovich Feshin (1881-1955)
Le philosophe
Private collection

Nikolaï Fechine (Николай Иванович Фешин), est un peintre, graphiste, sculpteur, graveur russe, soviétique nationalisé ensuite américain. C'est un représentant, par sa peinture, de l'impressionnisme et de l'Art nouveau. Il entre à l'école des beaux-arts de Kazan à 13 ans, puis poursuit sa formation à Saint-Pétersbourg, où il est diplômé de l'académie impériale des beaux-arts, après y avoir été formé dans l'atelier d'Ilia Répine. Après ses études, il retourne à Kazan où il enseigne à l'école des beaux-arts qui porte aujourd'hui son nom : école des beaux-arts de Kazan N. Fechine. En 1916, il est nommé académicien à l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg.  À 42 ans, en 1923, Fechine émigre aux États-Unis avec sa famille, où il réside jusqu'à sa mort à l'âge de 73 ans, en 1955. En 1976, sa fille Iya Fechina (1914-2002), ballerine et critique d'art, fait transférer les cendres de son père de Californie à Kazan. Fechine était connu en Russie et en URSS, mais aux États-Unis il est considéré comme un artiste américain. Il a créé plus de 2 000 œuvres qui se trouvent dans plus de trente musées aux États-Unis sans compter les collections privées. La plus grande collection de ses œuvres se trouve au Musée des arts figuratifs du Tatarstan (plus précisément exposée dans la filiale du musée : la galerie d'art Khazine au Kremlin de Kazan). Ses toiles sont aussi présentées dans les musées de Saint-Pétersbourg, Tcheboksary, Kozmodemiansk, Kirov, et dans des collections privées.

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Frank Jay Haynes (1853 -1921) - Portrait de Yellow Dog, 1883

Frank Jay Haynes (1853 -1921)
Yellow Dog. (peuple Crow), 1883
Photo colorisée
Montana Historical Society

Les Crows, (Les Corbeaux) étaient également connus sous les noms de Absaroka ou Absáalooke. Les Crows sont une tribu amérindienne qui vivait historiquement dans la vallée de la rivière Yellowstone, et qui ont été déportés par le gouvernement des États-Unis dans une réserve au sud de Billings (Montana). Le centre politique des Crows est situé à Crow Agency (Montana). La tribu accueille tous les ans un grand rassemblement mêlant pow-wow, rodéo et parade ; c'est la Crow Fair qui se tient chaque année à Crow Agency en août.
L'habillement des Crows dépendait du sexe. Les femmes s'habillaient simplement, car elles passaient la majeure partie du temps à proximité du tipi. Elles portaient des robes faites de peaux de mouton ou de cerf, ornées de dents d'élan. Elles mettaient des jambières et des mocassins. Les femmes crows portaient les cheveux courts, contrairement aux hommes. Les hommes portaient la chemise, des jambières tenues par une ceinture, une robe, et des mocassins. Leurs cheveux étaient longs, et parfois mis en valeur par des accessoires...

Frank Jay Haynes (1853 -1921), plus connu sous le nom de F. Jay ou "le professeur" pour presque tous ceux qui le fréquentèrent , était un photographe professionnel, éditeur et entrepreneur du Minnesota qui a joué un rôle majeur dans la documentation des Etats unis du XIXe siècle et de la diversité de ses " peuples premiers " à travers des photographies prise de la période de la Conquête du Grand Nord-Ouest. Photographe officiel de la compagnie ferroviaire Northern Pacific Railway et du parc national de Yellowstone, pour la classification des premières concessions de transport dans le parc, il a publié ses photographies dans une série d' articles, de revues, de livres avant qu'elles ne deviennent des outils de référence et soient transformées en stéréogrammes et en cartes postales dès la fin du 19 siècle.
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Maurice van Essche (1906-1977) - Portrait d’homme

Maurice van Essche (1906-1977)
Portrait d’homme, vers 1935
Huile sur toile signée en bas à droite 70 x 50 cm
Collection Privée

Maurice van Essche était un artiste et professeur d'art sud-africain d'origine belge qui a acquis une reconnaissance nationale et internationale de son vivant. Il a étudié l'art à l'Académie de Bruxelles en 1924 sous la direction de James Ensor, mais a interrompu ses études en 1925 faute de financement, travaillant d'abord dans un atelier de vitraux, puis  comme concepteur des papiers peints - deux expériences qui se reflètent dans nombre de ses œuvres.  En 1933, il étudie brièvement auprès d'Henri Matisse en France , après l'avoir rencontré par hasard dans un magasin de fournitures pour artistes à Cagnes sur Mer. Par la suite, il continue à peindre et à étudier à plein temps grâce au parrainage de son frère aîné, Joseph Charles, et d'un groupe d'amis.

En juillet 1939, il  remporte une bourse lors d'un concours organisé par le gouvernement belge, qui le charge d'entreprendre une expédition de peinture au Congo belge. Ses voyages et ses expériences en Afrique l'ont profondément influencé, et les visions et les émotions de cette période se sont répercutées sur son travail pour tout le reste de sa vie. En 1940, sa femme Lucette et son fils Ludovic fuient l'occupation allemande de la Belgique et le rejoignent au Congo. Lucette ne  supportant pas le climat tropicale,la famille se  déplace vers le climat relativement plus doux du Cap en Afrique du Sud plutôt que de retourner dans l'Europe déchirée par la guerre. 

Les premiers jours en Afrique du Sud ont été difficiles  van Essche troquant ses peintures et ses dessins contre de la nourriture et d'autres produits essentiels. Mais il devient assez  rapidement un membre éminent de la communauté artistique sud-africaine, exposant localement et plus tard en Europe également. En tant que membre actif du New Group, il a fortement contribué à l'exanasion de l'art contemporain en Afrique du Sud. Il avait une solide connaissance à la fois des tendances de l'art moderne et de l'histoire de la peinture européenne qu'il transmettait à travers  son rôle d'enseignant, un métier qu'il considérait comme aussi important que la création. Ainsi il enseigna à la Technical Art School de 1943 à 1945. En 1948, il fonda la Continental School of Art au Cap, qu'il quitte en 1951 pour devenir maître de conférences à la Michaelis School of Fine Art de l'Université du Cap. Il est nommé professeur des Beaux-Arts en 1962  et son succès en tant que professeur est attesté par le nombre de ses anciens élèves qui sont eux-mêmes devenus des artistes éminents. Van Essche a pris sa retraite du milieu universitaire en 1971, mais a continué à peindre de manière prolifique, malgré une mauvaise santé, notamment plusieurs crises cardiaques. Il a voyagé en Europe et s'est finalement installé près de Thonon, en France, à la demande de sa femme. Sa santé continuant de se détériorer, il ne put se déplacer pour assister à sa propre exposition rétrospective au Cap en 1974. L'Afrique lui manquait terriblement, peignant des scènes africaines tout en cherchant en vain l'inspiration locale. Ses nouveaux thèmes comprenaient les hippies et les musiciens, mais il a détruit une grande partie de ce travail. Ses paysages européens de cette période sont sombres et déprimés, en contraste frappant avec les scènes africaines. Ses huiles ont continué à bien se vendre en Afrique du Sud et sa réputation a grandi. 

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Jean Fouquet (1420-1481) - Autoportrait, 1450

Jean Fouquet (1420-1481)
Autoportrait, 1450
Émail sur cuivre , diamètre 8cm
Musée du Louvre, Paris

Cet autoportrait est facilement identifiable grâce au nom du peintre inscrit : « Joh[ann]es Fouquet ». Il présente trois encoches sur les bords qui lui servaient de fixation. Le médaillon consiste en une plaque de cuivre de 3 mm couverte d'un émail de couleur bleu sombre épais et brillant. Le portrait proprement dit ainsi que les lettres du nom sont réalisés à la peinture à l'or, faite d'or jaune, recouverte dans les zones sombres, comme les chevets et la joue gauche, d'une poudre métallescente à reflet rouge. Les yeux et les traits du visage et du nez sont réalisés par l'enlevage à l'aiguille de la peinture à l'ora. Ce type d'émaux ne ressemble à aucune technique d'émail utilisée à l'époque. Il est très difficile de trouver des médaillons équivalents. En réalité, ce procédé de camaïeu d'or se retrouve beaucoup plus dans l'enluminure et notamment dans le Livre d'heures d'Étienne Chevalier que dans l'émaillerie. La technique d'application de l'or sur le support fait plus penser au coup de pinceau du peintre qu'à l'art d'un émailleur, ce qui incite à penser à une intervention directe de Fouquet. Pour Daniel Arasse, l'emploi de cette technique du camaïeu d'or sert à Fouquet à « amoindrir le degré de la réalité de la figure pour laquelle elle est utilisée » afin, à l'inverse, de renforcer l'effet de réalité des panneaux.  Il jouait ainsi en tout cas sur le contraste entre l'éclat de l'or des médaillons et celui des couleurs des deux panneaux.

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Maurice Quentin de La Tour (1704-1788) - Portrait de Pierre-Louis Laideguive

Maurice Quentin de La Tour (1704-1788)
Portrait de Pierre-Louis Laideguive, 1765
Pastel sur papier coloré encollé sur toile, 9, 47 x 7,63 cm
Musée national de Catalogne

 

Le style du portraitiste pastelliste français Maurice Quentin de La Tour est facilement identifiable. Généralement traité en grand format, le sujet est bien placé dans la lumière, toujours de façon à estomper les disgrâces, toujours le coin des lèvres relevé pour évoquer un sourire. Le regard est toujours franc et les carnations parfaites dans leurs teintes et leurs nuances. Sa technique évoluera peu, plus ou moins estompée selon les périodes. Un élément important de sa méthode est la préparation du portrait qui se fait par des croquis rapides au pastel, généralement en série, destinés à trouver le cadrage et l'éclairage qui met le mieux en valeur son sujet.
La série des préparations pour le portrait de la Pompadour est édifiante de savoir-faire. Souvent seules ses préparations sont conservées.
De même ses thématiques sont récurrentes : lui-même (série continue d'autoportraits souvent rieurs ou  "vieux et rieur" , les grands de ce monde, les artistes et comédiens, les religieux et intellectuels. Parmi les portraits célèbres de Maurice Quentin de la Tour, on citera : Voltaire, Louis XV, D’Alembert, Jean-Jacques Rousseau, la dauphine Marie-Josèphe, le Prince François-Xavier de Saxe, le Prince Clément-Wenceslas de Saxe, Madame de Pompadour, Marie-Christine de Saxe, Choderlos de Laclos, Grimod de La Reynière, Belle de Zuylen, Justine Favart, etc..C
Lors des nostalgiques retours en grâce du siècle des Lumières, de La Tour sera recherché par les plus grands collectionneurs (Wildenstein, Gulbelkian, Getty, etc.)
À la fin du 19e siècle, beaucoup de pastels lui étaient aveuglément attribués, ce qui fait que beaucoup de faux de La Tour ou de faussement attribués circulent encore de nos jorus.
Indépendamment du personnage représenté, les portraits de de La Tour virent leur valeur fluctuer considérablement. Payés des fortunes de son vivant, ils devinrent invendables après la Révolution.
Il n'en reste pas moins vrai que la grande rétrospective, organisée à Versailles en 2004 pour le 300e anniversaire de sa naissance, a mis en évidence une remarquable cohérence stylistique et une incontestable maîtrise technique, qui le placent au premier plan de l'art européen sous Louis XV.

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Hyacinthe Rigaud (1659-1743) - Portrait de Pierre-Vincent Bertin

Hyacinthe Rigaud (1659-1743),
Portrait de Pierre-Vincent Bertin, 1685
Collection particulière

Hyacinthe Rigaud, né Jacinto Francisco Honorat Matias Rigau-Ros i Serra né dans la province du Roussillon, (et dont l'orthographe du nom fut francisée en Hyacinthe Rigaud) est considéré comme l’un des plus célèbres portraitistes français de la période classique. Pour Jacques Thuillier, professeur au Collège de France : « Hyacinthe Rigaud fut l’un de ces peintres français qui sous l’Ancien Régime connurent comme portraitistes la plus haute célébrité. Cette admiration était méritée à la fois par l’abondance de l’œuvre et par sa constante perfection1. » Dans le portrait ci-dessus, à l'arrière plan duquel apparait une magnifique Montage Sainte-Victoire, le peintre laisse volontiers transparaitre la suffisance et le ridicule du modèle que même son chien semble désapprouver ! 

Pierre-Vincent Bertin (1653-1711)  était un financier français et collectionneur avisé. De son cabinet de curiosités, on ne connaît que peu de choses sinon qu’il contenait plusieurs tableaux qui font la gloire de plusieurs collections mondiales. Ainsi, aux côtés d'une Adoration des Mages de Véronèse on pouvait voir la Judith de Giorgione (Saint-Pétersbourg, musée de l’Ermitage) ainsi que le Noli me tangere du Titien. Bertin avait également acquis, du propre cabinet de Colbert de Seignelay, un Christ apparaissant à la Madeleine toujours par le Titien ainsi que la Léda de Paul Véronèse que lui racheta le Régent.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°65 - L'Homo sovieticus existe-t-il encore ?

 

 

OLEG LOMAKIN (1924-2011)
Athlète Russe
State Museum 

 

 

A l'époque de l’ U.R.S.S., le sport était souvent considéré comme un instrument de diplomatie. Il contribuait à vanter la bonne santé du pays et les performances de ses habitants... Le pays avait mis en place une culture physique populaire (la fizcultura) en totale opposition avec la pratique bourgeoise du sport. Avec cette nouvelle pratique destinée aux masses, l’Etat voulait façonner « l’homme nouveau soviétique » : un homme fort, avec une hygiène de vie saine, véhiculant le sens du collectif et l’amour de la Patrie. L’Etat commença à créer, sous la houlette du Ministère de la Santé, des organisations sportives capables d’allier diététique et sport. Apparurent alors des programmes de gymnastique thérapeutique spécifique au lieux de travail pour : stimuler la productivité, réduire l’absentéisme et diffuser de bonnes habitudes hygiéniques... L‘homo Sovieticus devait être équilibré, productif et surtout discipliné... 

Pour en savoir plus écoutez ce podcast....  

 

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2022- LES TABLEAUX QUI PARLENT 

Une série de podcast par Francis Rousseau

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783) - Portrait de Jean-Georges Noverre

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783)
Portrait de Jean-Georges Noverre
Pastel
Musée du Louvre Paris

Jean -Georges Noverre était un danseur, chorégraphe et théoricien de la danse très célèbre a son époque. 

L'œuvre de Jean Baptiste  Perronneau est tournée vers l'étude psychologique tout autant que celle de La Tour ; mais une technique moins fondue et la juxtaposition sur les visages de coloris parfois heurtés (qui rappelle singulièrement l'art des portraitistes anglais contemporains) lui confèrent l'accent d'une vérité plus rude. L'aspect un peu cru des figures explique la réticence de la clientèle de la Cour et a forcé Perronneau à choisir surtout des modèles masculins, qui restent le meilleur de son œuvre : Abraham Van Robais (1767, Louvre) ; là, Perronneau se rapproche davantage de Chardin, avec un sentiment d'intimité, une utilisation du clair-obscur et des reflets entre les différentes masses colorées qui font de lui un coloriste plus brillant que La Tour.

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Henry Tonks (1862-1937) - Traces of war

Henry Tonks (1862-1937)
Traces of war, c.1918

Henry Tonks, est un chirurgien britannique, devenu peintre, caricaturiste et professeur de beaux-arts.

Après ses études de médecine au Royal Sussex County Hospital de Brighton (1882–1885) puis au London Hospital de Whitechapel (1885–1888), Henry Tonks exerce la chirurgie au London Hospital sous la direction de Sir Frederick Treves. Élu au Royal College of Surgeons, il exerce au Royal Free Hospital de Londres et enseigne l'anatomie au London Hospital à partir de 1892.
En 1888, il commence à suivre les cours du soir à la Westminster School of Art, avec Frederick Brown pour professeur. Il expose ses œuvres avec le New English Art Club à partir de 1891 et en devient membre en 1895, associé aux peintres les plus novateurs de la période victorienne, parmi lesquels James McNeill Whistler, Walter Sickert, John Singer Sargent et George Clausen. Il est l'un des premiers artistes britanniques à subir l'influence de l'impressionnisme français.
Il succède à Frederick Brown à la tête de la Slade School of Fine Art, de 1918 à 1930, tout en ayant d'abord suggéré que Walter Sickert soit nommé à sa place.
Il prend sa retraite en 1930 et refuse d'être anobli.

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Henri Gervex (1852-1929) - Le Coltineur de Charbon

 

Henri Gervex (1852-1929)
Le Coltineur de Charbon
Huile sur toile, 117 x 70xm
Palais des beaux-arts de Lille 

Henri Gervex,  est un peintre et pastelliste français.
En 1871, il est reçu à l’École des beaux-arts de Paris dans l’atelier d'Alexandre Cabanel où il suit son enseignement pendant cinq ans comme condisciple de Jean-Louis Forain, Fernand Cormon et Eugène Damas. l fait aussi son apprentissage auprès du peintre orientaliste Eugène Fromentin. Gervex débute au Salon de 1873 en exposant une Baigneuse endormie. L’année suivante, il reçoit une médaille de seconde classe pour son Satyre jouant avec une ménade, dont le nu est influencé par le style de Cabanel, et est acheté par l’État pour le musée du Luxembourg. En 1876, il fait la connaissance d'Édouard Manet et fréquente les peintres impressionnistes. Sa peinture en subit l’influence et il éclaircit sa palette.
En 1878, il fait scandale en exposant Rolla, considéré comme son chef-d’œuvre Cette toile, inspirée d’un poème d’Alfred de Musset, est refusée par le jury du Salon pour les mêmes motifs que l’Olympia de Manet : représentant un nu prosaïque dans un décor contemporain, l’œuvre est qualifiée d’immorale.

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Jacques-Émile Blanche (1861-1942) - Portrait de René Crevel

Jacques-Émile Blanche (1861-1942)
Portrait de René Crevel
Huile sur toile 116 x 81cm
Musée Carnavalet, Paris

Jacques-Émile Blanche bénéficie d'une éducation cosmopolite, ayant été élevé à Passy dans une demeure qui avait appartenu à la princesse de Lamballe. Afin de la transformer en clinique, elle avait été acquise par son grand-père, Esprit Blanche, psychiatre qui a compté parmi ses patients Gérard de Nerval. Son père, Émile Blanche, est également aliéniste, travaillant dans le même établissement. Cette maison gardait toujours une atmosphère empreinte de l'élégance et du raffinement du xviiie siècle et a influencé ses goûts et son travail. Élève de Stéphane Mallarmé, son professeur d'anglais au lycée Condorcet à Paris, Jacques-Émile Blanche se lia d'amitié avec Henri Bergson et André Gide. Excellent pianiste, il hésita à une époque entre la peinture et la musique.
Bien qu'il ait reçu l'enseignement d'Henri Gervex, Jacques-Émile Blanche peut être considéré comme un peintre autodidacte. Il fit ses premiers pas dans le milieu mondain sous la bienveillante protection du comte Robert de Montesquiou. Il acquiert une grande réputation de portraitiste. Son style, vivant et raffiné, porte l'empreinte de sources française et anglaise.  Son père meurt en 1893 à Passy, en son domicile de la rue des Fontis, non loin de la clinique familiale. L'année suivante, cette voie est renommée rue du Docteur-Blanche. Jacques-Émile y résida également. En 1895, il épouse sa confidente et amie d'enfance Rose Lemoinne. Il fut aussi ami des surréalistes et des dadaïstes, parmi lesquels Jacques Rigaut, René Crevel et Jean Cocteau, dont la mère était très liée avec la famille Blanche. On peut compter parmi ses chefs-d'œuvre les portraits de son père, du poète Pierre Louÿs, du peintre Fritz Thaulowet ses enfants, d'Aubrey Beardsley et d'Yvette Guilbert.
Au début des années 1900, il est nommé chef d'atelier à l'Académie de la Palette. À partir de 1903, il expose au salon organisé par la Société nouvelle de peintres et de sculpteurs, dont il est membre. En 1926 se crée la Société belfortaine des beaux-arts, qui organise chaque année jusqu'à la Seconde Guerre mondiale des expositions importantes aux musées de Belfort auxquelles Jacques-Émile Blanche participe.
Il est élu membre de l'Académie des beaux-arts en 1935.
De 1902 et jusqu'à sa mort en 1942, il passe de longs moments dans sa propriété du manoir de Tôt à Offranville, près de Dieppe. Il fait don de nombreux tableaux et documents pour qu'y soit créé un musée. En 1995, cette commune ouvre le musée Jacques-Émile-Blanche. 


René Crevel (1900-1935) est un écrivain et poète français, dadaïste puis surréaliste, et membre de l'Ordre de Tolède de Luis Buñuel et de Federico García Lorca.
Né dans une famille de la bourgeoisie parisienne, René Crevel suit sa scolarité au lycée Janson-de-Sailly, où il rencontre Jean-Michel Frank (qui devient décorateur) et Marc Allégret (qui devient cinéaste). Après son bac, il fait des études de lettres et de droit à la Sorbonne mais délaisse les cours pour la lecture ou les discussions avec des artistes. Il fait la connaissance de Marcelle Sauvageot. Il n'a que 14 ans quand son père se suicide.
Pendant son service militaire, il rencontre Roger Vitrac et Max Morise. Il fait la connaissance d'André Breton en 1921 et rejoint les surréalistes. À la fin de 1922, il entraîne le groupe dans les expériences des « sommeils forcés », que Breton accepte avec bonne volonté dans un premier temps. Crevel impressionne par la qualité de son éloquence au point que celui-ci regrettera que les séances n'aient pu être enregistrées : « Nous aurions eu un document inappréciable, quelque chose comme le « spectre sensible » de Crevel. »
Exclu du mouvement en octobre 1925, il rejoint Tristan Tzara et dada. Il participe comme acteur à la mise au point de la pièce de Tzara Cœur à gaz dans un costume dessiné par Sonia Delaunay. Pour elle, il écrit l'article Les Robes de Sonia Delaunay, dans lequel il exalte le talent de l'artiste4. En 1926, il est atteint de tuberculose. En 1929, l'exil de Léon Trotski l'amène à renouer avec les surréalistes. Fidèle d'André Breton, il s'épuise à essayer de rapprocher surréalistes et communistes. Membre du Parti communiste français depuis 1927, il en est exclu en 1933.
Il s'investit beaucoup dans l'organisation du Congrès international des écrivains pour la défense de la culture, en 1935, où s'inscrit le groupe surréaliste. Breton est désigné comme porte-parole. Cependant, par suite d'une violente altercation avec Ilya Ehrenbourg, qui représente la délégation soviétique, ce dernier obtient l'interdiction de parole de Breton et son exclusion du congrès.
René Crevel, qui ne peut pas imaginer l'absence des surréalistes à ce congrès, en sort désabusé et écœuré. De plus, il vient d'apprendre, le 16 juin, qu'il souffrait d'une tuberculose rénale alors qu'il se croyait guéri. La nuit suivante, il se suicide au gaz dans son appartement, après avoir griffonné sur un papier « Prière de m'incinérer. Dégoût »

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Reginald Grenville Eves ( 1876-1941) - Porrait d'un soldat

Reginald Grenville Eves ( 1876-1941)
Porrait d'un jeune soldat
National Portrait Gallery, London

Reginald Grenville Eves,  est un peintre portraitiste britannique.qui fit ses études à l'University College School puis à la Slade School of Fine Art (1891-1895) où il est élève d'Alphonse Legros, Frederick Brown et Henry Tonks Il travaille dans le Yorkshire pendant cinq ans avant de revenir à Londres. En 1901, il présente ses œuvres à la Royal Academy puis il expose à la Société nationale des beaux-arts et au Salon des artistes français dès 1923. Il y obtient cette année-là une médaille d'argent puis y remporte une médaille d'or en 1926, année où il passe en hors-concours.  Élu membre associé de la Royal Academy en 19313, il devient académicien en 1939. Ses portraits les plus remarqués sont alors Thomas Hard,  Ernest Shackleton, George VI et Max Beerbohm. Lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate, il est un des premiers artistes à devenir salarié à plein temps du War Artists' Advisory Committee avec Barnett Freedman, Edward Ardizzone et Edward Bawden. Il est envoyé en France en 1940 avec le Corps expéditionnaire britannique et peint de nombreux portraits à partir d'un hôtel où il réside à Arras.
Ses œuvres sont conservées, entre autres, à la Tate et à la  National Portrait Gallery.

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