Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Le Penseur 1936

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Le Penseur 1936.
Collection Privée 

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une véritable icône de "l'art gay"

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John Singer Sargent ( 1865-1925) - Franck O'Meara

John Singer Sargent ( 1865-1925)
Portrait de Franck O'Meara, 1876.
Collection privée 

Frank O'Meara (1853 - 1888) fut  un artiste peintre irlandais,  mort à l'âge de 35 ans.  Son travail a été redécouvert à la fin des années 1990, les prix de ses peintures aux enchères atteignant des prix imprévus pour un peintre très peu connu. ll y a quelques constantes dans l'œuvre de Frank O'Meara : des figures de femmes seules, souvent près de l'eau avec des arbres d'automne nus, dans la lumière du soir. Un sentiment de mélancolie parcourt son œuvre que certains ont attribué à ses malheurs personnels dus à sa mauvaise santé, sa vie dans la pauvreté et deux amours ratés.

Au cours de sa carrière, John Singer Sargent peignit environ 900 toiles et plus de 2000 aquarelles, ainsi que d'innombrables croquis et dessins. Il fut actif en France et en Angleterre et peignit des compositions à personnages, compositions religieuses, scènes de genre, figures, portraits, intérieurs, paysages, marines, des compositions murales, à la gouache, à l'aquarelle. Ce fut aussi un dessinateur. Il est proche du courant de l'impressionnisme américain.

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John Koch (1909-1978)
Portrait de jeune homme
Private collection

John Koch fut l’un des principaux peintres réalistes américains du 20e siècle. Il peignit des tableaux issus de son univers personnel aussi bien que des représentations fidèles du quotidien de la vie américaine peuplées de modèles, de musiciens, de vues de son atelier ou de son appartement de New York. À travers ses oeuvres Koch fut un porte parole aussi discret que possible du mouvement réaliste, tout en assurant une présence constante et respectée.
Les compositions de Koch étaient élégantes. Ses tons chauds et ses couleurs invitent à entrer dans son monde où l'on peut découvrir de véritables trésors. Dans ces tableaux, les objets eux-mêmes sont choisis avec un soin soin particulier.
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Nikolai Ivanovich Feshin (1881-1955) - Le philosophe

Nikolai Ivanovich Feshin (1881-1955)
Le philosophe
Private collection

Nikolaï Fechine (Николай Иванович Фешин), est un peintre, graphiste, sculpteur, graveur russe, soviétique nationalisé ensuite américain. C'est un représentant, par sa peinture, de l'impressionnisme et de l'Art nouveau. Il entre à l'école des beaux-arts de Kazan à 13 ans, puis poursuit sa formation à Saint-Pétersbourg, où il est diplômé de l'académie impériale des beaux-arts, après y avoir été formé dans l'atelier d'Ilia Répine. Après ses études, il retourne à Kazan où il enseigne à l'école des beaux-arts qui porte aujourd'hui son nom : école des beaux-arts de Kazan N. Fechine. En 1916, il est nommé académicien à l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg.  À 42 ans, en 1923, Fechine émigre aux États-Unis avec sa famille, où il réside jusqu'à sa mort à l'âge de 73 ans, en 1955. En 1976, sa fille Iya Fechina (1914-2002), ballerine et critique d'art, fait transférer les cendres de son père de Californie à Kazan. Fechine était connu en Russie et en URSS, mais aux États-Unis il est considéré comme un artiste américain. Il a créé plus de 2 000 œuvres qui se trouvent dans plus de trente musées aux États-Unis sans compter les collections privées. La plus grande collection de ses œuvres se trouve au Musée des arts figuratifs du Tatarstan (plus précisément exposée dans la filiale du musée : la galerie d'art Khazine au Kremlin de Kazan). Ses toiles sont aussi présentées dans les musées de Saint-Pétersbourg, Tcheboksary, Kozmodemiansk, Kirov, et dans des collections privées.

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Frank Jay Haynes (1853 -1921) - Portrait de Yellow Dog, 1883

Frank Jay Haynes (1853 -1921)
Yellow Dog. (peuple Crow), 1883
Photo colorisée
Montana Historical Society

Les Crows, (Les Corbeaux) étaient également connus sous les noms de Absaroka ou Absáalooke. Les Crows sont une tribu amérindienne qui vivait historiquement dans la vallée de la rivière Yellowstone, et qui ont été déportés par le gouvernement des États-Unis dans une réserve au sud de Billings (Montana). Le centre politique des Crows est situé à Crow Agency (Montana). La tribu accueille tous les ans un grand rassemblement mêlant pow-wow, rodéo et parade ; c'est la Crow Fair qui se tient chaque année à Crow Agency en août.
L'habillement des Crows dépendait du sexe. Les femmes s'habillaient simplement, car elles passaient la majeure partie du temps à proximité du tipi. Elles portaient des robes faites de peaux de mouton ou de cerf, ornées de dents d'élan. Elles mettaient des jambières et des mocassins. Les femmes crows portaient les cheveux courts, contrairement aux hommes. Les hommes portaient la chemise, des jambières tenues par une ceinture, une robe, et des mocassins. Leurs cheveux étaient longs, et parfois mis en valeur par des accessoires...

Frank Jay Haynes (1853 -1921), plus connu sous le nom de F. Jay ou "le professeur" pour presque tous ceux qui le fréquentèrent , était un photographe professionnel, éditeur et entrepreneur du Minnesota qui a joué un rôle majeur dans la documentation des Etats unis du XIXe siècle et de la diversité de ses " peuples premiers " à travers des photographies prise de la période de la Conquête du Grand Nord-Ouest. Photographe officiel de la compagnie ferroviaire Northern Pacific Railway et du parc national de Yellowstone, pour la classification des premières concessions de transport dans le parc, il a publié ses photographies dans une série d' articles, de revues, de livres avant qu'elles ne deviennent des outils de référence et soient transformées en stéréogrammes et en cartes postales dès la fin du 19 siècle.
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Maurice van Essche (1906-1977) - Portrait d’homme

Maurice van Essche (1906-1977)
Portrait d’homme, vers 1935
Huile sur toile signée en bas à droite 70 x 50 cm
Collection Privée

Maurice van Essche était un artiste et professeur d'art sud-africain d'origine belge qui a acquis une reconnaissance nationale et internationale de son vivant. Il a étudié l'art à l'Académie de Bruxelles en 1924 sous la direction de James Ensor, mais a interrompu ses études en 1925 faute de financement, travaillant d'abord dans un atelier de vitraux, puis  comme concepteur des papiers peints - deux expériences qui se reflètent dans nombre de ses œuvres.  En 1933, il étudie brièvement auprès d'Henri Matisse en France , après l'avoir rencontré par hasard dans un magasin de fournitures pour artistes à Cagnes sur Mer. Par la suite, il continue à peindre et à étudier à plein temps grâce au parrainage de son frère aîné, Joseph Charles, et d'un groupe d'amis.

En juillet 1939, il  remporte une bourse lors d'un concours organisé par le gouvernement belge, qui le charge d'entreprendre une expédition de peinture au Congo belge. Ses voyages et ses expériences en Afrique l'ont profondément influencé, et les visions et les émotions de cette période se sont répercutées sur son travail pour tout le reste de sa vie. En 1940, sa femme Lucette et son fils Ludovic fuient l'occupation allemande de la Belgique et le rejoignent au Congo. Lucette ne  supportant pas le climat tropicale,la famille se  déplace vers le climat relativement plus doux du Cap en Afrique du Sud plutôt que de retourner dans l'Europe déchirée par la guerre. 

Les premiers jours en Afrique du Sud ont été difficiles  van Essche troquant ses peintures et ses dessins contre de la nourriture et d'autres produits essentiels. Mais il devient assez  rapidement un membre éminent de la communauté artistique sud-africaine, exposant localement et plus tard en Europe également. En tant que membre actif du New Group, il a fortement contribué à l'exanasion de l'art contemporain en Afrique du Sud. Il avait une solide connaissance à la fois des tendances de l'art moderne et de l'histoire de la peinture européenne qu'il transmettait à travers  son rôle d'enseignant, un métier qu'il considérait comme aussi important que la création. Ainsi il enseigna à la Technical Art School de 1943 à 1945. En 1948, il fonda la Continental School of Art au Cap, qu'il quitte en 1951 pour devenir maître de conférences à la Michaelis School of Fine Art de l'Université du Cap. Il est nommé professeur des Beaux-Arts en 1962  et son succès en tant que professeur est attesté par le nombre de ses anciens élèves qui sont eux-mêmes devenus des artistes éminents. Van Essche a pris sa retraite du milieu universitaire en 1971, mais a continué à peindre de manière prolifique, malgré une mauvaise santé, notamment plusieurs crises cardiaques. Il a voyagé en Europe et s'est finalement installé près de Thonon, en France, à la demande de sa femme. Sa santé continuant de se détériorer, il ne put se déplacer pour assister à sa propre exposition rétrospective au Cap en 1974. L'Afrique lui manquait terriblement, peignant des scènes africaines tout en cherchant en vain l'inspiration locale. Ses nouveaux thèmes comprenaient les hippies et les musiciens, mais il a détruit une grande partie de ce travail. Ses paysages européens de cette période sont sombres et déprimés, en contraste frappant avec les scènes africaines. Ses huiles ont continué à bien se vendre en Afrique du Sud et sa réputation a grandi. 

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Jean Fouquet (1420-1481) - Autoportrait, 1450

Jean Fouquet (1420-1481)
Autoportrait, 1450
Émail sur cuivre , diamètre 8cm
Musée du Louvre, Paris

Cet autoportrait est facilement identifiable grâce au nom du peintre inscrit : « Joh[ann]es Fouquet ». Il présente trois encoches sur les bords qui lui servaient de fixation. Le médaillon consiste en une plaque de cuivre de 3 mm couverte d'un émail de couleur bleu sombre épais et brillant. Le portrait proprement dit ainsi que les lettres du nom sont réalisés à la peinture à l'or, faite d'or jaune, recouverte dans les zones sombres, comme les chevets et la joue gauche, d'une poudre métallescente à reflet rouge. Les yeux et les traits du visage et du nez sont réalisés par l'enlevage à l'aiguille de la peinture à l'ora. Ce type d'émaux ne ressemble à aucune technique d'émail utilisée à l'époque. Il est très difficile de trouver des médaillons équivalents. En réalité, ce procédé de camaïeu d'or se retrouve beaucoup plus dans l'enluminure et notamment dans le Livre d'heures d'Étienne Chevalier que dans l'émaillerie. La technique d'application de l'or sur le support fait plus penser au coup de pinceau du peintre qu'à l'art d'un émailleur, ce qui incite à penser à une intervention directe de Fouquet. Pour Daniel Arasse, l'emploi de cette technique du camaïeu d'or sert à Fouquet à « amoindrir le degré de la réalité de la figure pour laquelle elle est utilisée » afin, à l'inverse, de renforcer l'effet de réalité des panneaux.  Il jouait ainsi en tout cas sur le contraste entre l'éclat de l'or des médaillons et celui des couleurs des deux panneaux.

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Maurice Quentin de La Tour (1704-1788) - Portrait de Pierre-Louis Laideguive

Maurice Quentin de La Tour (1704-1788)
Portrait de Pierre-Louis Laideguive, 1765
Pastel sur papier coloré encollé sur toile, 9, 47 x 7,63 cm
Musée national de Catalogne

 

Le style du portraitiste pastelliste français Maurice Quentin de La Tour est facilement identifiable. Généralement traité en grand format, le sujet est bien placé dans la lumière, toujours de façon à estomper les disgrâces, toujours le coin des lèvres relevé pour évoquer un sourire. Le regard est toujours franc et les carnations parfaites dans leurs teintes et leurs nuances. Sa technique évoluera peu, plus ou moins estompée selon les périodes. Un élément important de sa méthode est la préparation du portrait qui se fait par des croquis rapides au pastel, généralement en série, destinés à trouver le cadrage et l'éclairage qui met le mieux en valeur son sujet.
La série des préparations pour le portrait de la Pompadour est édifiante de savoir-faire. Souvent seules ses préparations sont conservées.
De même ses thématiques sont récurrentes : lui-même (série continue d'autoportraits souvent rieurs ou  "vieux et rieur" , les grands de ce monde, les artistes et comédiens, les religieux et intellectuels. Parmi les portraits célèbres de Maurice Quentin de la Tour, on citera : Voltaire, Louis XV, D’Alembert, Jean-Jacques Rousseau, la dauphine Marie-Josèphe, le Prince François-Xavier de Saxe, le Prince Clément-Wenceslas de Saxe, Madame de Pompadour, Marie-Christine de Saxe, Choderlos de Laclos, Grimod de La Reynière, Belle de Zuylen, Justine Favart, etc..C
Lors des nostalgiques retours en grâce du siècle des Lumières, de La Tour sera recherché par les plus grands collectionneurs (Wildenstein, Gulbelkian, Getty, etc.)
À la fin du 19e siècle, beaucoup de pastels lui étaient aveuglément attribués, ce qui fait que beaucoup de faux de La Tour ou de faussement attribués circulent encore de nos jorus.
Indépendamment du personnage représenté, les portraits de de La Tour virent leur valeur fluctuer considérablement. Payés des fortunes de son vivant, ils devinrent invendables après la Révolution.
Il n'en reste pas moins vrai que la grande rétrospective, organisée à Versailles en 2004 pour le 300e anniversaire de sa naissance, a mis en évidence une remarquable cohérence stylistique et une incontestable maîtrise technique, qui le placent au premier plan de l'art européen sous Louis XV.

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Hyacinthe Rigaud (1659-1743) - Portrait de Pierre-Vincent Bertin

Hyacinthe Rigaud (1659-1743),
Portrait de Pierre-Vincent Bertin, 1685
Collection particulière

Hyacinthe Rigaud, né Jacinto Francisco Honorat Matias Rigau-Ros i Serra né dans la province du Roussillon, (et dont l'orthographe du nom fut francisée en Hyacinthe Rigaud) est considéré comme l’un des plus célèbres portraitistes français de la période classique. Pour Jacques Thuillier, professeur au Collège de France : « Hyacinthe Rigaud fut l’un de ces peintres français qui sous l’Ancien Régime connurent comme portraitistes la plus haute célébrité. Cette admiration était méritée à la fois par l’abondance de l’œuvre et par sa constante perfection1. » Dans le portrait ci-dessus, à l'arrière plan duquel apparait une magnifique Montage Sainte-Victoire, le peintre laisse volontiers transparaitre la suffisance et le ridicule du modèle que même son chien semble désapprouver ! 

Pierre-Vincent Bertin (1653-1711)  était un financier français et collectionneur avisé. De son cabinet de curiosités, on ne connaît que peu de choses sinon qu’il contenait plusieurs tableaux qui font la gloire de plusieurs collections mondiales. Ainsi, aux côtés d'une Adoration des Mages de Véronèse on pouvait voir la Judith de Giorgione (Saint-Pétersbourg, musée de l’Ermitage) ainsi que le Noli me tangere du Titien. Bertin avait également acquis, du propre cabinet de Colbert de Seignelay, un Christ apparaissant à la Madeleine toujours par le Titien ainsi que la Léda de Paul Véronèse que lui racheta le Régent.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N°65 - L'Homo sovieticus existe-t-il encore ?

 

 

OLEG LOMAKIN (1924-2011)
Athlète Russe
State Museum 

 

 

A l'époque de l’ U.R.S.S., le sport était souvent considéré comme un instrument de diplomatie. Il contribuait à vanter la bonne santé du pays et les performances de ses habitants... Le pays avait mis en place une culture physique populaire (la fizcultura) en totale opposition avec la pratique bourgeoise du sport. Avec cette nouvelle pratique destinée aux masses, l’Etat voulait façonner « l’homme nouveau soviétique » : un homme fort, avec une hygiène de vie saine, véhiculant le sens du collectif et l’amour de la Patrie. L’Etat commença à créer, sous la houlette du Ministère de la Santé, des organisations sportives capables d’allier diététique et sport. Apparurent alors des programmes de gymnastique thérapeutique spécifique au lieux de travail pour : stimuler la productivité, réduire l’absentéisme et diffuser de bonnes habitudes hygiéniques... L‘homo Sovieticus devait être équilibré, productif et surtout discipliné... 

Pour en savoir plus écoutez ce podcast....  

 

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2022- LES TABLEAUX QUI PARLENT 

Une série de podcast par Francis Rousseau

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783) - Portrait de Jean-Georges Noverre

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783)
Portrait de Jean-Georges Noverre
Pastel
Musée du Louvre Paris

Jean -Georges Noverre était un danseur, chorégraphe et théoricien de la danse très célèbre a son époque. 

L'œuvre de Jean Baptiste  Perronneau est tournée vers l'étude psychologique tout autant que celle de La Tour ; mais une technique moins fondue et la juxtaposition sur les visages de coloris parfois heurtés (qui rappelle singulièrement l'art des portraitistes anglais contemporains) lui confèrent l'accent d'une vérité plus rude. L'aspect un peu cru des figures explique la réticence de la clientèle de la Cour et a forcé Perronneau à choisir surtout des modèles masculins, qui restent le meilleur de son œuvre : Abraham Van Robais (1767, Louvre) ; là, Perronneau se rapproche davantage de Chardin, avec un sentiment d'intimité, une utilisation du clair-obscur et des reflets entre les différentes masses colorées qui font de lui un coloriste plus brillant que La Tour.

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Henry Tonks (1862-1937) - Traces of war

Henry Tonks (1862-1937)
Traces of war, c.1918

Henry Tonks, est un chirurgien britannique, devenu peintre, caricaturiste et professeur de beaux-arts.

Après ses études de médecine au Royal Sussex County Hospital de Brighton (1882–1885) puis au London Hospital de Whitechapel (1885–1888), Henry Tonks exerce la chirurgie au London Hospital sous la direction de Sir Frederick Treves. Élu au Royal College of Surgeons, il exerce au Royal Free Hospital de Londres et enseigne l'anatomie au London Hospital à partir de 1892.
En 1888, il commence à suivre les cours du soir à la Westminster School of Art, avec Frederick Brown pour professeur. Il expose ses œuvres avec le New English Art Club à partir de 1891 et en devient membre en 1895, associé aux peintres les plus novateurs de la période victorienne, parmi lesquels James McNeill Whistler, Walter Sickert, John Singer Sargent et George Clausen. Il est l'un des premiers artistes britanniques à subir l'influence de l'impressionnisme français.
Il succède à Frederick Brown à la tête de la Slade School of Fine Art, de 1918 à 1930, tout en ayant d'abord suggéré que Walter Sickert soit nommé à sa place.
Il prend sa retraite en 1930 et refuse d'être anobli.

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Henri Gervex (1852-1929) - Le Coltineur de Charbon

 

Henri Gervex (1852-1929)
Le Coltineur de Charbon
Huile sur toile, 117 x 70xm
Palais des beaux-arts de Lille 

Henri Gervex,  est un peintre et pastelliste français.
En 1871, il est reçu à l’École des beaux-arts de Paris dans l’atelier d'Alexandre Cabanel où il suit son enseignement pendant cinq ans comme condisciple de Jean-Louis Forain, Fernand Cormon et Eugène Damas. l fait aussi son apprentissage auprès du peintre orientaliste Eugène Fromentin. Gervex débute au Salon de 1873 en exposant une Baigneuse endormie. L’année suivante, il reçoit une médaille de seconde classe pour son Satyre jouant avec une ménade, dont le nu est influencé par le style de Cabanel, et est acheté par l’État pour le musée du Luxembourg. En 1876, il fait la connaissance d'Édouard Manet et fréquente les peintres impressionnistes. Sa peinture en subit l’influence et il éclaircit sa palette.
En 1878, il fait scandale en exposant Rolla, considéré comme son chef-d’œuvre Cette toile, inspirée d’un poème d’Alfred de Musset, est refusée par le jury du Salon pour les mêmes motifs que l’Olympia de Manet : représentant un nu prosaïque dans un décor contemporain, l’œuvre est qualifiée d’immorale.

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Jacques-Émile Blanche (1861-1942) - Portrait de René Crevel

Jacques-Émile Blanche (1861-1942)
Portrait de René Crevel
Huile sur toile 116 x 81cm
Musée Carnavalet, Paris

Jacques-Émile Blanche bénéficie d'une éducation cosmopolite, ayant été élevé à Passy dans une demeure qui avait appartenu à la princesse de Lamballe. Afin de la transformer en clinique, elle avait été acquise par son grand-père, Esprit Blanche, psychiatre qui a compté parmi ses patients Gérard de Nerval. Son père, Émile Blanche, est également aliéniste, travaillant dans le même établissement. Cette maison gardait toujours une atmosphère empreinte de l'élégance et du raffinement du xviiie siècle et a influencé ses goûts et son travail. Élève de Stéphane Mallarmé, son professeur d'anglais au lycée Condorcet à Paris, Jacques-Émile Blanche se lia d'amitié avec Henri Bergson et André Gide. Excellent pianiste, il hésita à une époque entre la peinture et la musique.
Bien qu'il ait reçu l'enseignement d'Henri Gervex, Jacques-Émile Blanche peut être considéré comme un peintre autodidacte. Il fit ses premiers pas dans le milieu mondain sous la bienveillante protection du comte Robert de Montesquiou. Il acquiert une grande réputation de portraitiste. Son style, vivant et raffiné, porte l'empreinte de sources française et anglaise.  Son père meurt en 1893 à Passy, en son domicile de la rue des Fontis, non loin de la clinique familiale. L'année suivante, cette voie est renommée rue du Docteur-Blanche. Jacques-Émile y résida également. En 1895, il épouse sa confidente et amie d'enfance Rose Lemoinne. Il fut aussi ami des surréalistes et des dadaïstes, parmi lesquels Jacques Rigaut, René Crevel et Jean Cocteau, dont la mère était très liée avec la famille Blanche. On peut compter parmi ses chefs-d'œuvre les portraits de son père, du poète Pierre Louÿs, du peintre Fritz Thaulowet ses enfants, d'Aubrey Beardsley et d'Yvette Guilbert.
Au début des années 1900, il est nommé chef d'atelier à l'Académie de la Palette. À partir de 1903, il expose au salon organisé par la Société nouvelle de peintres et de sculpteurs, dont il est membre. En 1926 se crée la Société belfortaine des beaux-arts, qui organise chaque année jusqu'à la Seconde Guerre mondiale des expositions importantes aux musées de Belfort auxquelles Jacques-Émile Blanche participe.
Il est élu membre de l'Académie des beaux-arts en 1935.
De 1902 et jusqu'à sa mort en 1942, il passe de longs moments dans sa propriété du manoir de Tôt à Offranville, près de Dieppe. Il fait don de nombreux tableaux et documents pour qu'y soit créé un musée. En 1995, cette commune ouvre le musée Jacques-Émile-Blanche. 


René Crevel (1900-1935) est un écrivain et poète français, dadaïste puis surréaliste, et membre de l'Ordre de Tolède de Luis Buñuel et de Federico García Lorca.
Né dans une famille de la bourgeoisie parisienne, René Crevel suit sa scolarité au lycée Janson-de-Sailly, où il rencontre Jean-Michel Frank (qui devient décorateur) et Marc Allégret (qui devient cinéaste). Après son bac, il fait des études de lettres et de droit à la Sorbonne mais délaisse les cours pour la lecture ou les discussions avec des artistes. Il fait la connaissance de Marcelle Sauvageot. Il n'a que 14 ans quand son père se suicide.
Pendant son service militaire, il rencontre Roger Vitrac et Max Morise. Il fait la connaissance d'André Breton en 1921 et rejoint les surréalistes. À la fin de 1922, il entraîne le groupe dans les expériences des « sommeils forcés », que Breton accepte avec bonne volonté dans un premier temps. Crevel impressionne par la qualité de son éloquence au point que celui-ci regrettera que les séances n'aient pu être enregistrées : « Nous aurions eu un document inappréciable, quelque chose comme le « spectre sensible » de Crevel. »
Exclu du mouvement en octobre 1925, il rejoint Tristan Tzara et dada. Il participe comme acteur à la mise au point de la pièce de Tzara Cœur à gaz dans un costume dessiné par Sonia Delaunay. Pour elle, il écrit l'article Les Robes de Sonia Delaunay, dans lequel il exalte le talent de l'artiste4. En 1926, il est atteint de tuberculose. En 1929, l'exil de Léon Trotski l'amène à renouer avec les surréalistes. Fidèle d'André Breton, il s'épuise à essayer de rapprocher surréalistes et communistes. Membre du Parti communiste français depuis 1927, il en est exclu en 1933.
Il s'investit beaucoup dans l'organisation du Congrès international des écrivains pour la défense de la culture, en 1935, où s'inscrit le groupe surréaliste. Breton est désigné comme porte-parole. Cependant, par suite d'une violente altercation avec Ilya Ehrenbourg, qui représente la délégation soviétique, ce dernier obtient l'interdiction de parole de Breton et son exclusion du congrès.
René Crevel, qui ne peut pas imaginer l'absence des surréalistes à ce congrès, en sort désabusé et écœuré. De plus, il vient d'apprendre, le 16 juin, qu'il souffrait d'une tuberculose rénale alors qu'il se croyait guéri. La nuit suivante, il se suicide au gaz dans son appartement, après avoir griffonné sur un papier « Prière de m'incinérer. Dégoût »

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Reginald Grenville Eves ( 1876-1941) - Porrait d'un soldat

Reginald Grenville Eves ( 1876-1941)
Porrait d'un jeune soldat
National Portrait Gallery, London

Reginald Grenville Eves,  est un peintre portraitiste britannique.qui fit ses études à l'University College School puis à la Slade School of Fine Art (1891-1895) où il est élève d'Alphonse Legros, Frederick Brown et Henry Tonks Il travaille dans le Yorkshire pendant cinq ans avant de revenir à Londres. En 1901, il présente ses œuvres à la Royal Academy puis il expose à la Société nationale des beaux-arts et au Salon des artistes français dès 1923. Il y obtient cette année-là une médaille d'argent puis y remporte une médaille d'or en 1926, année où il passe en hors-concours.  Élu membre associé de la Royal Academy en 19313, il devient académicien en 1939. Ses portraits les plus remarqués sont alors Thomas Hard,  Ernest Shackleton, George VI et Max Beerbohm. Lorsque la Seconde Guerre mondiale éclate, il est un des premiers artistes à devenir salarié à plein temps du War Artists' Advisory Committee avec Barnett Freedman, Edward Ardizzone et Edward Bawden. Il est envoyé en France en 1940 avec le Corps expéditionnaire britannique et peint de nombreux portraits à partir d'un hôtel où il réside à Arras.
Ses œuvres sont conservées, entre autres, à la Tate et à la  National Portrait Gallery.

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Peintre anonyme - Gaspard III de Coligny (1584-1646)

Anonyme
Gaspard III de Coligny (1584-1646) 

 

Gaspard III de Coligny, duc de Châtillon,  et seigneur de Châtillon-sur-Loing ,comte de Coligny , puis duc de Coligny, marquis d'Andelot, Pair, amiral de Guyenne et maréchal de France (1622). Gaspard de Coligny appartenait à la maison de Coligny (qui s'éteindra en 1694). Il était le fils de François de Coligny l'un des chefs protestants pendant les guerres de religion, et le petit fils d' l'amiral Gaspard II de Coligny (1519-1572) qui fut assassiné lord du terrifiant massacre de Nuit de la Saint Barthélemy.

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Lorenzo Lotto (1480-1557) - Portrait d'un jeune homme, 1526

Lorenzo Lotto (1480-1557)
Portrait d'un jeune homme, 1526
Gemäldegalerie, Berlin

 

Lorenzo Lotto fut un très grand portraitiste parce qu’il considérait chaque individu non comme le protagoniste d’une histoire, mais comme une personne quelconque, une parmi tant d’autres, avec laquelle on parle et on se comprend. À l'opposé de ceux du Titien, les portraits de Lotto sont les premiers psychologiques : ce ne sont évidemment pas des portraits d’empereurs ou de papes, mais des gens de la petite noblesse ou de la bonne bourgeoisie. Dans le nombre, figurent aussi ceux d’artistes, d’hommes de lettres ou d’ecclésiastiques.
Sa grande découverte, qui fait la modernité de Lotto, est précisément celle du portrait comme dialogue, échange de confidence et de sympathie, entre un « soi » et un « autre ». Ils sont des témoignages authentiques et crédibles, même si la description physionomique n’est pas plus minutieuse que dans les portraits du Titien. Car, plutôt que de fixer le personnage tel qu’il est objectivement, Lotto préfère le montrer à l’instant où il se qualifie, où il s’adresse à un autre, et se prépare à un rapport humain sincère. Il ne dit pas : « admire-moi, je suis le roi, le pape, le doge, je suis le centre du monde » ; il dit plutôt : « voilà comment je suis fait à l’intérieur, voilà quels sont les raisons de ma mélancolie ou les fondements de ma foi, voilà quelles sont mes sympathies ».
Dans le portrait-dialogue, l’attitude du peintre est celle d’un confesseur, d’un interlocuteur qui pose les questions et interprète les réponses. […] La beauté qui irradie, comme une lumière intérieure, de ses personnages n’est pas une beauté naturelle, ni même une beauté spirituelle ou morale, mais simplement la beauté intérieure trahie, plus que révélée, par un regard, un sourire, la pâleur transparente d’un visage ou la molle attitude d’une main » (Argan).
Ses portraits montrent tous son respect de la nature, ses dons innés de dessinateur et une personnalité artistique remarquable. Il parvient toujours à une silhouette hardie, à un placement imposant du modèle dans la toile., au choix d'un geste parlant ou d'une nature morte évocatrice. La palette est superbe : ses bleu ardoise, ses rouges rutilants, ses vert olive et ses riches contrastes d'ombre et de lumière donnent vie et mouvement à ses portraits aussi animés et magistraux que ceux de Titien, mais très différents1.

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Nicolas de Largillière (1656-1746) - Portrait de Jean-André Souby

Nicolas de Largillière (1656-1746)
Portrait présumé de Jean-André Souby, vers 1729
Huile sur toile 81x 65cm
Collection Privée ( Drouot)

Jean André Soubry (1703-1774), est trésorier de France à Lyon – son père, Jacques Soubry (1656-1740), tenant la charge d’échevin dans la même ville. Les trésoriers de France, charge instaurée dès le XIIIe siècle, ne sont rien de moins que les administrateurs des Finances royales, assumant cette noble et haute tâche sous le nom de «Messieurs des Finances». La figure de celui-ci est pourtant bien jeune, autour de 26 ans lors de la réalisation de ce portrait par celui qui était demandé par les grands bourgeois, financiers, officiers et autres magistrats alors que son confrère et ami Hyacinthe Rigaud (1659-1743) officiait auprès de l’aristocratie – tant la qualité du résultat était parfait. En effet, comme nul autre, il savait allier à une vivacité et un esprit dans le traitement des visages un rendu des matières qui flattait au mieux le modèle représenté. La soie crisse, le drapé des velours casse là où il le doit, les dentelles – juste ce qu’il faut – font écho à la carnation. Si les portraits sont bien entendu réalisés d’après nature, en revanche, les tissus font l’objet d’études, d’où le degré de réalisme atteint, le souci du détail et la distinction qui s’en dégagent. À sa mort, Largillière aura contribué à renouveler la tradition française du genre pictural et à préparer la voie pour les générations suivantes. Cela vaut bien un record.

Nicolas de Largilliere (qui s'écrit aussi Largillierre) est  sans doute l’artiste le plus complet de sa génération. Ce peintre aux talents multiples était à l’aise aussi bien avec les natures mortes, qu’avec les tableaux historiques, les paysages ou les portraits, sa maîtrise technique lui permettant de jouer avec les matières, les couleurs et les lumières sans jamais  en faire un exercice froid. S’il s’était signalé par quelques tableaux historiques, il s’adonna plus particulièrement, sans renoncer à la grande peinture, au genre du portrait, dans lequel il excellait, surtout ceux des femmes où il savait démêler, dans leur physionomie, les traits constituant à la fois la beauté et le caractère. Il pouvait, sans s’écarter du modèle, y découvrir des grâces inaperçues et faire valoir les beautés apparentes, de façon que les femmes étaient d’autant plus sensibles aux flatteries de son pinceau, qu’il semblait n’avoir exprimé que la vérité, et qu’ainsi en regardant leur portrait, en les trouvait ressemblantes avant de les trouver belles. La ville de Paris ayant donné un repas à Louis XIV à l’occasion de sa convalescence, en 1687, voulut consacrer le souvenir de ce repas mémorable. Largillierre fut choisi pour le peindre, et, comme s’il eut compris ce que désiraient, au fond, les officiers du corps de ville, il fit leur portrait de grandeur naturelle au premier plan, leur prêta quelques gestes insignifiants, pour avoir l’occasion de peindre de belles mains à la Van Dyck, et rejeta Louis XIV et sa cour dans le vaporeux de la perspective. Cette représentation des échevins parisiens en costume et perruque s’appelle néanmoins la Convalescence de Louis XIV. 

Ses portraits, dans la tradition flamande de Rubens et van Dyck, gardent toujours une vie et une sensibilité qui font de lui l’un des plus grands peintres du règne de Louis XIV et de la Régence. 

Il laissa, à sa mort, 4 500 portraits.

 

 
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Sculpture antique - Buste de l'empereur Gratien

Buste  anonyme de l' Empereur Gratien,
qui régna de 367 à 383, connu aussi sous le nom de Flavius Gratianus Augustus (359 -383) 

 

 Gratien (en latin : Flavius Gratianus Augustus), né en 359 à Sirmium (actuelle Sremska Mitrovica en Serbie) et mort le 25 août 383 à Lugdunum, régna sur la partie occidentale de l’Empire romain de 367 à 383. Fils aîné de l’empereur Valentinien Ier, il accompagna son père au cours de campagnes sur les frontières du Rhin et du Danube. Élevé au rang d’Auguste en 367, il sera coempereur avec son père jusqu’à la mort de celui-ci en 375. Il gouverna alors la partie occidentale de l’Empire romain de concert avec son demi-frère, Valentinien II, également acclamé auguste par les généraux de Pannonie. Son oncle, Valens, était déjà empereur dans la partie orientale de l’empire. Par la suite, il fit campagne au-delà du Rhin chez les Lentiens qu’il vainquit lors de la bataille d'Argentovaria, en 378. La même année, Valens devait périr aux mains des Goths lors de la bataille d’Andrinople. Devant l’urgence de la situation militaire, Gratien, devenu seul Auguste, le remplaça par le général espagnol Théodose (r. 379 – 395) qui devait par la suite être le dernier empereur à régner seul sur un empire indivis... 

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Bartolomeo Veneto (1470-1531) - Giovanni Paolo Sforza

Bartolomeo Veneto (1470-1531)
Giovanni Paolo Sforza en 1515
National Gallery of Art, Washington

Quarante peintures sont généralement attribuées à Bartolomeo mais seulement neuf portent des inscriptions avec le nom de l'artiste. Une grande partie des œuvres généralement acceptées sont des peintures à thème religieux qui ont été peintes au début de sa carrière. Le plus ancien travail connu de Bartolomeo est daté de 1502, une Vierge à l'Enfant qui comporte un texte bien lisible « bartolamio mezo venizian e mezo cremonese » (Bartolomeo moitié-vénitien et moitié-Cremonese). L'inscription est intéressante pour la compréhension du peintre, pour l'élaboration de style, sur sa citoyenneté, ainsi qu'une référence à son influence stylistique diversifiée. La moitié vénitiennereflète sa connaissance de Gentile Bellini. La Cremonese suggère quelques connaissances de l'école Cremonese, fondée par Giulio Campi. Une autre inscription se trouve sur une Vierge à l'Enfant similaire. L'inscription est difficile à lire, et la date est inconnue. Ce qui reste est « 7 15 avril... bartolamio s...o de z... être...» laisse supposer que Bartolomeo a voulu indiquer qu'il fut l'élève de Gentile Bellini (« Zentile »).


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Edvard Munch (1863 - 1944) - Baigneurs

 

Edvard Munch (1863 - 1944)
Baigneurs, 1908
Private collection 

Le peintre et graveur norvégien Edvard Munch, peut être considéré, après l'exposition berlinoise de 1892, comme le pionnier de l'expressionnisme dans la peinture moderne. Il est très tôt réputé pour son appartenance à une nouvelle époque artistique en Allemagne et en Europe centrale. Son œuvre et son importance sont aujourd'hui reconnues en Europe et dans le monde.
Les œuvres de Munch les plus connues sont celles conçues au début des années 1890, notamment Le Cri. Son œuvre ne connaît véritablement le succès dans les pays nordiques qu'à partir de 1909, grâce à la grande exposition rétrospective organisée par son ami Jappe Nilssen et par Jens Thiis, directeur de la galerie nationale d'Oslo. Le peintre absent est momentanément convalescent dans une clinique privée de Copenhague, après y être entré en état de dépression nerveuse, victime de troubles graves du comportement, physiques et nerveux, en 1908.
Ses techniques de prédilection sont essentiellement la peinture et la tempera sur carton. Il est aussi un pionnier de l'art accessible à tous, un art dévoilé, montré et non caché, dans les rues et les espaces publics, dans les divers lieux de nature
L'artiste, au-delà de ses dessins, peintures, aquarelles, sculptures, laisse plus de 13 000 pages manuscrites, partagées entre journaux intimes, correspondances, carnets de création artistique et annotations, notes et croquis commentés parfois sur feuilles volantes. Les manuscrits sont environnés ou mêlés indissociablement de couleurs, de dessins et d'esquisses.

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Auguste Baud-Bovy (1848-1899) - Lioba ! Berger de l'Oberland bernois rappelant son troupeau

 

Auguste Baud-Bovy (1848-1899)
Lioba! Berger de l'Oberland bernois rappelant son troupeau, 1886
Musée cantonal des beaux arts, Genève 

L'artiste-peintre suisse, Auguste Baud-Bovy fut célèbre pour être un des premiers à peindre en posant son chevalet sur le motif en montagne et dans la neige.
Elevé au château de Gruyères, demeure devenue familiale la même année, il devient l'élève de Barthélemy Menn, familier du cercle entourant le peintre Daniel Bovy au château. Il délaisse le château en 1885 pour s'installer dans un chalet à Aeschi.
Joris-Karl Huysmans le visite et lui fait part de son angoisse en montagne.
Il a eu deux fils, André-Valentin, peintre et Daniel, écrivain, également conservateur du musée Rath, directeur de l'école des beaux-arts de Genève, président de la Commission fédérale des beaux-arts.
Il a entretenu une correspondance épistolaire avec Eugène Grasset, et visité Gustave Courbet à La Tour-de-Peilz et peint à ses côtés.
Il est le père de Daniel Baud-Bovy et le grand-père de Samuel Baud-Bovy.
Son cousin Maurice Baud (1866-1915), imprimeur, graveur sur bois, illustrateur et collaborateur des "Cahiers vaudois" gravera certains de ses tableaux.


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Clovis Trouille (1869-1975) pour Pierre Imans - Figure de Cire N° 996-329755 bis

 

 

Clovis Trouille (1869-1975) pour Pierre Imans,
Mannequin masculin, Figures de Cire N° 996-329755 bis, 1930- 40 

 

 

Pierre Imans a démarré son entreprise de mannequins de vitrine en 1896.
Elle fonctionna à plein régime entre les années 1920 et les années 1950 au n° 10 rue Crussol, dans le 11e arrondissement de Paris. Cette adresse professionnelle, un peu à la frontière du quartier des tailleurs et fabricants de vêtements parisiens, est indiquée sur toutes les images et catalogues de Pierre Imans jusqu'en 1965, date de la fermeture définitive de cette société. Les œuvres qui survécurent à la fermeture peuvent être vues aujourd'hui dans les musées du monde entier, où elles sont considérées comme des témoignages importants de la sculpture commerciale moderne... ce que pensait Imans lui-même, d'ailleurs.

Le peintre et sculpteur français Camille Clovis Trouille, se proclamait volontiers anticlérical et antimilitariste. Traumatisé par les effets de la Première Guerre mondiale, il se définissait même comme anarchiste. Clovis Trouille est peu connu du grand public car il ne recherchait pas, à proprement parler, la gloire. Il dira même : « Il est vrai que je n'ai jamais travaillé en vue d'obtenir un grand prix à une biennale de Venise quelconque, mais bien plutôt pour mériter dix ans de prison et c'est ce qui me paraît le plus intéressant. » Il ne voulait pas vendre ses toiles qui représentaient généralement des scènes érotiques glanées dans les maisons closes ou des scènes parisiennes quotidiennes. Lorsqu'il consentait à s'en séparer, il souhaitait parfois les récupérer afin d'y ajouter des détails : un personnage, des objets, ou simplement un grain de beauté...
Clovis Trouille commença à travailler - comme beaucoup d'autres sculpteurs - dans l'atelier de Pierre Imans, vers les années 1920 et il y travailla pendant 45 ans, jusqu'à la fermeture de la Société Imans !
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Frederick Childe Hassam (1859–1935) - Self Portrait, 1920

Frederick Childe Hassam (1859–1935)
Self Portrait, 1920
Etching with plate tone, 9.5 x 7.6 cm
Gift of Mrs. Childe Hassam, 1940
The MET 

Frederick Childe Hassam, est un peintre impressionniste américain des 19 et 20 siècles. Il était membre des Ten American Painters.  Parmi ses œuvres les plus connues, réalisées à la fin de sa vie, figure la Flag series. Il s'agit d'une trentaine de tableaux qu'il débuta en 1916, inspirés par la parade de préparation des engagés volontaires américains pour la Première Guerre mondiale sur la Cinquième avenue.  Le tableau le plus célèbre de la série, The Avenue in the Rain (1917), représentant des drapeaux américains et leur reflets sous la pluie, fait partie de la collection de la Maison-Blanche. Barack Obama l'a fait installer dans le bureau ovale dès le début de sa présidence.
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Christian Bérard (1902-1949) - Portrait de Jacques Dupont décorateur et peintre

Christian Bérard (1902-1949)
Portrait de Jacques Dupont décorateur et peintre, 1930 

Huile sur toile,  73,2 x 60 cm

Musée de Grenoble

 

Christian Jacques Bérard, couramment surnommé « Bébé » car il était assez joufflu, est un peintre, illustrateur, scénographe, décorateur et créateur de costumes français, Après des études au Lycée Janson-de-Sailly à Paris, il entre en 1920 à l'Académie Ranson. Très tôt dans sa vie, il est attiré par le théâtre dont il deviendra l'un des principaux créateurs de décors et de costumes au cours des années 1930 et 1940. Il travaille dès 1930 en étroite collaboration avec Jean Cocteau et Louis Jouvet, pour lesquels il réalise entre autres les costumes et/ou les décors de La Machine infernale (1934), L'École des femmes (1935), La Folle de Chaillot (1945) de Jean Giraudoux, Les Bonnes (1947) de Jean Genet et Dom Juan de Molière (1948), sa contribution la plus célèbre demeurant en 1946 la conception des décors et des costumes du film de Jean Cocteau, La Belle et la Bête. Avec Boris Kochno, rencontré aux Ballets russes de Monte-Carlo, il formait un couple très en vue dans le monde théâtral et les milieux mondains parisiens. En 1945, tous deux assurèrent la direction artistique du mythique Théâtre de la Mode. 

Jacques Dupont (1909-1978 )est un scénographe, décorateur de théâtre et peintre et illustrateur français.
Élève de l'Académie Ranson, Jacques Dupont est encore très jeune lorsqu'en 1924 la saison des Ballets russes le rapproche de Max Jacob, Jean Cocteau, Christian Bérard et Georges Auric . En même temps qu'il peint, il écrit des articles pour la revue L'Amour de l'art. Ensuite décorateur de théâtre et costumier, il collabore notamment avec les metteurs en scène André Barsacq, Félicien Marceau et Raymond Gérome. Il fut le compagnon du compositeur Henri Sauguet (1901-1989). Mort en 1978, Jacques Dupont repose au cimetière de Montmartre (27e division). En 1989, Henri Sauguet sera inhumé dans le même caveau.

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Corneille de Lyon (1500/1510–1575) - Jean de Bourbon-Vendôme

Corneille de Lyon (1500/1510–1575)
Jean de Bourbon-Vendôme
Musée du Louvre, Paris

Les portraits de Corneille de Lyon sont généralement de très petit format.
Schéma familier dans ses compositions, les personnages et la tête principalement sont reproduits la tête orientée à gauche ou à droite. La lumière provient souvent de gauche.
On peut imaginer que les modèles posaient tous dans l'atelier de Corneille.

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Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) - Dessin préparatoire pour Le Nil, Fontaine des Quatre Fleuves

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)
Dessin préparatoire pour Le Nil, Fontaine des Quatre Fleuves, Piazza Navonna, Roma
Gouache, fusain et crayon sur papier teinté
Museo Thyssen- Bornemisza, Madrid
 

Gian Lorenzo Bernini, dit Le Bernin ou Cavalier Bernin (Cavaliere Bernini) sculpteur, architecte et peintre. Artiste éminent, son abondante production typiquement baroque se caractérise par la recherche du mouvement, la torsion des formes, l'impression spectaculaire allant jusqu'à l'illusion. Elle le place comme figure de proue de l'art contemporain à Rome.

La fontaine des Quatre-Fleuves ( Fontana dei Quattro Fiumi) (1648 - 1651) fut bâtie par le Bernin au centre de la piazza Navona à Rome, devant l'église de Sant'Agnese in Agone. Elle est inaugurée le 21 juin 1651. Elle est de type baroque.
Les quatre fleuves qu'elle représente symbolisent chacun un continent : le Danube (Europe) sculpté par Antonio Raggi, le Gange (Asie) sculpté par Claude Poussin, le Nil (Afrique) (le visage voilé car on ne connaissait pas sa source) sculpté par Giacomo Antonio Fancelli et le Rio de la Plata (Amérique) (tient un sac dont s'écoulent des pièces d'or pour montrer la richesse du continent) sculpté par Francesco Baratta. C'est une œuvre de commande du pape Innocent X : la colombe et le rameau d'olivier en haut de l'obélisque au centre de la fontaine sont l'emblème de sa famille (les Pamphili) qui avait un palais sur la place. Cet obélisque apporté à Rome par Caracalla provient du cirque de Maxence. Cette fontaine a été financée par une taxe très impopulaire sur le pain, la viande et le sel.
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Joseph Christian Leyendecker (1874-1951) - Couverture du magazine Collier 's du 22 Novembre 1917

 

 

 

Joseph Christian Leyendecker (1874-1951) 

Couverture du magazine Collier 's du 22 Novembre 1917

 

Et allons - y ... tu m'envoies ton gros missile,  je te montre mon gros missile!  C'est de circonstance !

Joseph Christian Leyendecker fut l'un des plus importants illustrateurs américains du début du xxe siècle. Il est surtout connu pour ses affiches, livres, illustrations publicitaires, ainsi que la création de la figure du « Arrow Collar Man » pour la marque Arrow, et ses couvertures pour The Saturday Evening Post.
Entre 1896 et 1950, Leyendecker a peint plus de 400 couvertures de magazines. Pendant l'âge d'or de l'illustration américaine, pour The Saturday Evening Post seul, J. C. Leyendecker a produit 322 couvertures, ainsi que plusieurs publicités pour ses pages intérieures. Aucun autre artiste jusqu'à l'arrivée de Norman Rockwell deux décennies plus tard, ne fut plus étroitement identifié avec cette revue3. Leyendecker a pratiquement inventé l'idée du concept moderne de l'illustration de magazine.
Il a beaucoup collaboré aussi au magazine hebdomadaire Collier's dont il réalisé de très nombreuses et célèbres couvertures... comme celle ci. Le magazine Collier's fut fondé en 1888 par le journaliste Peter Fenelon Collier (1849-1904) qui y développa pour la première fois de l'Histoire le journalisme d'investigation. Le magazine continua de paraitre longtemps après la mort de son créateur ruiné, puis cessa toute parution en janvier 1957. Une brève tentative de réédition eut lieu en 2012, en vain.

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Laurits Tuxen (1853–1927) - Portrait de Peder Severin Krøyer

Laurits Tuxen (1853–1927)
Portrait de Peder Severin Krøyer, 1904.
Museum of Fine Arts, Budapest

Le peintre et sculpteur danois Laurits Regner Tuxen, a fait partie des peintres de Skagen. Il a grandi à Copenhague et fait ses études à l'Académie royale des beaux-arts du Danemark aux côtés de Peder Severin Krøyer.
En 1870, il découvre la station balnéaire de Skagen, dans le Jutland, pointe septentrionale du Danemark, où il retournera fréquemment et possédera une résidence d'été. Il intègre dès lors le groupe des peintres de Skagen dont il peignit beaucoup les paysages et les peintres membres du groupe de Skagen.
Entre 1880 et 1900, il peint les portraits de membres des principales familles royales européennes dont Christian IX du Danemark ou la Reine Victoria d'Angleterre ou Nicolas II tsar de Russie.
En 1914 il fait un voyage d'études en Grèce où il peindra l'entrée du roi George Ier de Grèce dans Salonique.
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Laton Alton Huffman (1854-1931) - Hih Bear, Miniconjou or Oglala

 

Laton Alton Huffman (1854-1931)
Hih Bear, du Clan  Miniconjou ou du Clan Oglala

The Library of Congress, Washington D.C.

Laton Alton Huffman était un photographe américain qui témoigna de la vie et des personnalités des Amérindiens. Né dans le comté de Winneshiek, dans l'Iowa, il a passé la majeure partie de sa vie à photographier les environs de sa maison, dans le Montana. Ayant d’abord travaillé à Fort Keogh, il a commencé peu a peu à vendre les images qu'il tirait de ses négatifs sur plaque de verre.

Les Miniconjous constituent l'un des sept clans qui forment la tribu Lakota. Miniconjou (ou Minneconjou) signifie « Ils plantent près de l'eau ». Les Miniconjous vivent actuellement dans la réserve de Cheyenne River (Dakota du Sud, aux États-Unis). Avec les Sans-Arcs (Itázipčho, Itazipcola, Hazipco - "Ceux qui chassent sans arcs") et les Two Kettles (Oóhe Núŋpa, Oóhenuŋpa, Oohenonpa - "Deux fois bouillis") ils ont été considérés comme appartenant au Lakota Central et ont été divisés en plusieurs bandes (thiyóšpaye).

Les Oglalas ou Oglala Lakota sont l'un des sept clans des premières nations qui forment la tribu des Lakotas. Cette entité est apparue au xviiie siècle. Au début du xixe siècle les Oglalas se séparent des autres Sioux Lakotas : vers 1830, ils rassemblent quelque 3 000 membres. Oglala signifie « ils se dispersent » en langue lakota. Tashunca-Uitco (Crazy Horse) était l'un des chefs de ce clan au xixe siècle. Les Oglalas ont participé à la bataille de Little Bighorn. Les Oglalas vivent désormais dans la réserve indienne de Pine Ridge (Dakota du Sud, aux États-Unis), à la frontière avec le Nebraska et à moins de 100 km du Wyoming. C'est la deuxième plus grande réserve indienne des États-Unis. Au recensement de 2000, 15 221 Oglalas y résident et en 2008, on compte 42 357 membres de cette tribu.

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Natori Shunsen (1886-1960) - Onoue Kikugoro VI as Hayano Kampei - Nakamura Ganjiro

Natori Shunsen (1886-1960)
Onoue Kikugoro VI as Hayano Kampei - Nakamura Ganjiro
Rijksmuseum 

 

Extrait de la série "Shunsen Nigaoe Shu" ("Collection de portraits de Shunsen") qui contient les plus beaux portraits Okubi-e de Shunsen. Ils ont été vendus par souscription entre 1925 et1929.
Cette estampe montre l'acteur Ichimura Uzaemon XV dans le rôle d'Iriya Naozamurai dans la pièce de kabuki "Kochiyama to Naozamurai". C'est l'un des modèles les plus populaires de la série. 

 

Natori Shunsen / 名取春仙 est considéré aujourd'hui comme le dernier maître de l'art du kabuki yakusha-e, l'art des images d'acteurs, un genre très spécifique de la culture nippone. Il est né dans la préfecture de Yamanashi mais sa famille s'installe à Tokyo peu après sa naissance et il demeure dans la capitale jusqu'à sa mort en 1960. Shunsen s'intéresse aux portraits d'acteurs kabuki alors qu'il travaille en tant qu'illustrateur pour le journal Asahi Shimbun. À cette époque, il a l'occasion de rencontrer l'éditeur Shozaburo Watanabe. En 1925, Shunsen et Watanabe travaillent ensemble sur une série de 36 portraits d'acteurs. Cette série contient quelques-uns des plus beaux dessins de kabuki de Shunsen. Watanabe produit luxueusement chaque estampe avec un tirage limité à 150 exemplaires et ne les vend que par souscription. La série dure jusqu'en 1929, suivie d'une série supplémentaire de 15 autres portraits d'acteur publiée jusqu'en 1931. Les portraits d'acteurs de Shunsen ressortent principalement du genre ōkubi-e (grande tête), format qui lui permet de se concentrer sur les expressions et les émotions du visage du sujet. Shunsen continue de travailler en tant qu 'artiste pour artiste pour le théâtre kabuki mais ne dessine plus aucune tête d'acteur avant le début des années 1950. De 1951 à 1954, il collabore de nouveau avec Watanabe à une autre série de 30 portraits d'acteurs. Comme dans la précédente série, ces dessins sont magnifiquement imprimés et très expressifs, particulièrement les portraits ōkubi-e.

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Theodore Robinson (1852-1896) - Autoportrait lisant

 

 

Theodore Robinson (1852-1896)
Autoportrait lisant
Huile sur toile 33, 7 x 26 cm
Collection privée Margaret et Raymond Horowitz

Theodore Robinson  était un peintre américain célèbre pour ses paysages impressionnistes. Il fut l'un des premiers artistes américains à adopter l'impressionnisme à la fin des années 1880. Il fréquenta Claude Monet à Giverny. Plusieurs de ses toiles sont considérées comme des chefs d'œuvre de l'impressionnisme américain. Il commença des études d'art à l'Art Institute of Chicago en 186. En 1874, il intégra l'Académie américaine de design et l'Art Students League à New York. En 1876, il partit pour Paris, où il fut l'élève de Carolus-Duran puis de Jean-Léon Gérôme à l'École des beaux-arts. Il peignit ses premières toiles à Paris en 1877, et passa l'été à Grez-sur-Loing. Après plusieurs voyages à Venise et Bologne, il retourna aux États-Unis en 1879, où il resta plusieurs années. Pendant cette période, il adopta le style réaliste et représenta des personnes exécutant des tâches agricoles ou domestiques.
En 1884, Theodore Robinson retourna en France, où il vécut huit années, tout en faisant des séjours en Amérique. Il vécut beaucoup à Giverny, le centre de l'impressionnisme, autour de la figure de
Claude Monet . De tous les artistes américains, il fut le plus proche du maître français, qui lui donnait des conseils. Robinson peignit plusieurs toiles dans un style impressionniste traditionnel, influencé par Claude Monet. Ainsi, Capri, peint en 1890, s'inspire probablement des Falaises à Varengeville, Pourville, et Étretat. À Giverny, Robinson réalisa quelques-unes de ses meilleures toiles : des paysages ruraux, des femmes. La Débâcle (1892) est considérée comme une œuvre de maturité. Il quitta la France en 1892 et obtint une place d'enseignant à la Brooklyn Art School. Il fut en relation avec d'autres peintres impressionnistes américains comme John Henry Twachtman et Julian Alden Weir, et séjourna à la Cos Cob Art Colony dans le Connecticut. C'est là qu'il peignit une série de marines au Riverside Yacht Club. Il passa les classes d'été à Napanoch, près des montagnes Catskill, où il peignit quelques paysages. Il enseigna également à l'Evelyn College de Princeton, puis à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Philadelphie.
En 1895, il réalisa plusieurs toiles dans le Vermont et écrivit une lettre à Claude Monet en février 1896, annonçant son retour à Giverny. Mais il mourut en avril à New York à l'âge de 43 ans, d'une crise d'asthme aigu. Aujourd'hui, les toiles de Theodore Robinson sont conservées au Metropolitan Museum of Art de New York, à la Corcoran Gallery of Art de Washington et à l'Art Institute of Chicago.

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