Camées antiques - Collection de Laurent de Médicis

 

Camées antiques
Collection de Laurent de Médicis
Museo Archeologico di Firenze

 Le scarabée égyptien était la forme primitive et embryonnaire du camée proprement dit. Ce sont les Égyptiens et les Orientaux qui ont appris aux Grecs à graver en relief des gemmes de cristal, de cornaline et de jaspe ; mais, si le procédé technique du camée est issu de la glyptique pharaonique, c'est aux Grecs qu'il appartiendra, en s'affranchissant des modèles égyptiens, de devenir des novateurs dans l'art de graver les pierres fines. Aux carapaces de scarabées, les Grecs substituaient des masques de Silène, des têtes de Gorgone, de nègre, des animaux, qui rappelaient, par le galbe général seulement, la forme scarabéoïdale traditionnelle. Du VIIe au IVe siècle avant notre ère les camées furent monochromes ; au IVe siècle, la gravure des pierres fines, participant à la période de splendeur qui s'ouvrait pour la Grèce, subit une transformation ; le lithoglyphe grava sur des agates de plusieurs couleurs de véritables bas-reliefs en miniature, sur lesquels il multiplia les personnages, traduisant les épisodes les plus compliqués de la mythologie. Les dimensions, la forme des gemmes, le style et le choix des sujets se transformèrent. Le plus habile des graveurs en pierres fines fut Pyrgotèle. Bien que, dès le VIe siècle, les lithoglyphes grecs aient signé leurs œuvres, il n'est resté aucune gemme signée de cet artiste.

Les Romains avaient connu de toute antiquité les gemmes taillées, mais ce ne fut qu'au cours du Ier siècle avant notre ère qu'ils recherchèrent les gemmes gravées en relief, dont les premières furent connues grâce à la dactyliothèque (écrin de pierres gravées et de camées) de P. Aemilius Scaurus, beau-fils de Sylla, et à la collection de joyaux et de camées de Mithridate, déposée par Pompée dans le temple de Jupiter Capitolin.

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Robinet Testard (actif 1471-1531) - Pygmées à dos de mouton combattant les grues et les cigognes

Robinet Testard (actif 1471-1531)
Pygmées à dos de mouton combattant les grues et les cigognes extrait de Les Secrets de l'Histoire Naturelle contenant les Merveilles et Autres Choses Mémorables du monde, 1480-1485 Paris,
22.971, folio 47
BnF, Paris

Robinet Testard est un artiste enlumineur actif entre 1471 et 1531 à Poitiers et Cognac. Il a été notamment peintre au service des comtes d'Angoulême. Il est parfois désigné sous le nom de convention de Maître de Charles d'Angoulême. Robinet Testard est identifié pour la première fois par Paul Durrieu en 1894 à partir de son œuvre principale, les Heures de Charles d'Angoulême. Deux autres manuscrits lui sont alors attribués : les Héroïdes et le Livre des eschecs amoureux. De nouveaux manuscrits lui sont ensuite attribués à l'occasion d'une grande exposition sur les manuscrits à peinture par Jean Porcher en 1955. Huit nouveaux manuscrits sont attribués par l'historien de l'art américain John Plummer à l'occasion d'une exposition à la Morgan Library and Museum de New York en 1982. François Avril à son tour ajoute quinze nouvelles œuvres au corpus de l'artiste en 19864 puis deux nouveaux manuscrits en 1993.
 D'après les types de manuscrits qu'il commence à enluminer au début de sa carrière, il est actif sans doute à Poitiers à partir de 1471. Il entre ensuite au service Charles d'Orléans à Cognac, juste après 1480, en produisant pour lui un livre d'heures actuellement à la Bibliothèque nationale de France (BnF). Il est fait valet de chambre du comte en 1484. Un compte daté de 1487 mentionne Robinet Testard comme enlumineur touchant une rente annuelle de 35 livres. À la mort du duc, il est chargé de peindre son chariot des funérailles. Il reste au service de sa femme, Louise de Savoie et lui réalise de nombreuses commandes. En 1515, il devient pensionnaire à 100 livres par an. À la même époque, il apparait dans les Roolles des officiers de l’hostel du roy avec le même traitement jusqu'en 1523. Il est encore mentionné en 1531 comme « le vieil Robinet, paintre » et perçoit alors la somme de 80 livres tournois.
Aucune documentation historique ne permet d'identifier ses œuvres, les attributions de ses œuvres ne se font que sur des critères stylistiques. Le premier style du peintre est marqué par l'influence du Maître de Jouvenel. 

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George Bellows (1882-1925) - Cleaning Fish

George Bellows (1882-1925)
Cleaning Fish
Oil on panel, 49, 5 x 33,6cm, 1913
The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City 

А 22 ans, George Bellows se forme chez le peintre new-yorkais Robert Henri. Assez rapidement, ses représentation de la vie quotidienne des habitants des villes américaines et et ses scènes de combats de boxe, toujours très mouvementées, le rendent célèbre.
Bellows appartient au groupe des peintres de la Ash Can School, qui se caractérise par un intérêt marqué pour une peinture très réaliste qui dresse une chronique du quotidien des citoyens et par le media lithographique. L'instantané, la photographie du réel est leur dénominateur commun.
Les œuvres de Bellows, très composées et très structurées brillent par leur expressivité, qu'il s'agisse de la description de faits divers ou de scènes saisies dans les milieux populaires ou marginaux. Toutes illustrent un violence omniprésente dans l'Amérique de la fin du 19e et du début du 20e siècle par laquelle s'expriment les tensions et les ambiguïtés même de la société américaine d'alors. En 1913, Bellows a un véritable choc en découvrant l'œuvre de Matisse et des Fauves et tache de s'en approcher en introduisant une certaine vigueur à sa peinture. Il est aussi influencé par le style dépouillé d'un autre élève de Robert Henri, devenu lui aussi célèbre : Edward Hopper. Il a collaboré au magazine progressiste The Masses. Sa carrière est interrompue brutalement par une péritonite mortelle en 1925. Il a aussi réalisé quelques paysages du Maine et de Rhode Island

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Jacques-Edme Dumont (1761-1844) (attribué à...) - Jeune homme et son chien

Jacques-Edme Dumont (1761-1844) (attribué à...)
Jeune homme et son chien,1820-30
Terre cuite
Collection privée 

 Fils du sculpteur Edme Dumont (1720-1775), père du sculpteur Auguste Dumont (1801-1884) et de la compositrice Louise Farrenc (1804-1875), Jacques-Edme Dumont travaille d'abord dans l'atelier d'Augustin Pajou à partir de 1775 avant d'entrer dès 1777 à l'École royale des élèves protégés, toujours sous la direction de ce même sculpteur, œuvrant dans un style néo-classique. Obtenant le premier prix de sculpture en 1788, il part pour la villa Médicis à Rome la même année. Après un séjour à Naples, il rentre en France en 1793. Sous la Révolution, il traite de sujets littéraires comme Paul et Virginie ou Émile et Sophie. Il exécute un grand nombre de groupes, de statues et de bas-reliefs pour les monuments publics, entre autres : Le Général Marceau (1804) à Paris au palais du Luxembourg, ou Pichegru pour la ville de Lons-le-Saunier. Il réalise en 1819 la statue de Malesherbes, pour le bureau de Louis XVIII. Cette statue sera remployée dans le monument que concevra l'architecte Hippolyte Lebas pour le palais de Justice de Paris et qui sera inauguré en décembre 1822. On lui doit aussi des bustes comme celui de sa mère (Paris, musée du Louvre) ou du général Causse (château de Versailles).

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Enrico Bandini 1807-1849) - Ritratto dello scultore Tommaso Bandini

Enrico Bandini 1807-1849)
Ritratto dello scultore Tommaso Bandini
Pinacoteca Stuard, Parma

Enrico Bandini était un peintre italien , actif à Parme  en Italie et qui a passé l'essentiel de sa vie ans cette ville. Il sagot ici du portait de son couisn, le sculpteur Tommaso Bandini. Il s'est formé dans sa Parme natale, à l' Académie des Beaux-Arts de la ville avec Giovanni Tebaldi  Il a peint à la fois des portraits et des sujets sacrés. Il a peint Un dîner à Emmaüs pour l'église de Sala Baganza.

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Henri Regnault (1843-1871) - Portrait dit «Tête de Nègre»

Henri Regnault (1843-1871)
Portrait dit «Tête de Nègre», c.1869-1871
Musée des Beaux-Arts de Dijon

 
Henri Regnault est un artiste peintre orientaliste français. Il trouve la mort à l'âge de 27 ans à la bataille de Buzenval le 19 janvier 1871, atteint à la tempe par une balle prussienne. Il comptait, après la guerre, visiter l'Inde puis s'installer à Tanger, il avait acheté avec Georges Clairin un terrain et une maison surplombant le Socco où ils voulaient faire aménager un atelier...

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John Singer Sargent (1856-1925) - Man Reading (Nicola d’Inverno)

John Singer Sargent (1856-1925)
Man Reading (Nicola d’Inverno), c.1904-1908
Collection privée 

 

Au cours de sa carrière, John Singer Sargent peignit environ 900 toiles et plus de 2000 aquarelles, ainsi que d'innombrables croquis et dessins. Il fut actif en France et en Angleterre et peignit des compositions à personnages, compositions religieuses, scènes de genre, figures, portraits, intérieurs, paysages, marines, des compositions murales, à la gouache, à l'aquarelle. Ce fut aussi un dessinateur. Il est proche du courant de l'impressionnisme américain.

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Ernest Hébert (1817-1908) - Autoportrait,1850

Ernest Hébert (1817-1908)
Autoportrait, 1850
RMN- Château de Compiègne, France 

Ernest Hébert suivit une formation académique qui l’amena à remporter le grand prix de Rome en 1839. De son séjour à la villa Médicis, il conserva une attirance profonde pour l’Italie, où il séjourna à plusieurs reprises et par deux fois comme directeur de l’Académie de France à Rome. Ce tropisme italien marqua profondément son œuvre hantée de paysannes italiennes à la beauté mélancolique. Il ne l’empêcha pas cependant de briller dans les salons parisiens, notamment dans celui de son amie, la princesse Mathilde, avec qui il entretint une importante correspondance. L’inventaire des tableaux donnés par la veuve d’Hébert au Louvre (18 juillet 1924) précise : « Ce portrait fut peint en 1850 à Grenoble, place des Tilleuls dans une petite chambre devant la petite glace mobile conservée à La Tronche. Ernest Hébert, avant de partir pour Marseille, avait voulu laisser ce portrait à sa mère ».
Auteur du commentaire : Laure Chabanne

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Magnus Enckell (1877-1923) - Listeners of Music

Magnus Enckell (1877-1923)
Listeners of Music, 1897
Ateneum Musuem of Art, Finlande

Le peintre finlandais Knut Magnus Enckell, naît dans une famille de six enfants, dans la minorité suédophone du grand-duché de Finlande, rattaché à la couronne russe. Il est le premier peintre de Finlande à rompre de manière décisive avec les idéaux naturalistes de ses années de formation à Helsingfors de 1889 à 1891. Il fait à partir de 1891 un premier séjour à Paris, où il est l'élève de Jules Lefebvre et de Benjamin Constant à l'Académie Julian. Influencé tout d'abord par Puvis de Chavannes, il adopte les idées symbolistes et s'intéresse au spiritualisme très en vogue à cette époque. Lors d'un séjour en Bretagne, il réalise deux peintures au chromatisme ascétique, Autoportrait et Femme bretonne. Il se passionne pour la haute Renaissance et adhère aux conceptions idéalistes et mystiques de Peladan, dont il intègre dans ses toiles l'idéal de beauté, la figure de l'androgyne. Le garçon adolescent incarne dans de nombreux cercles de pensées de la fin du 19e siècle et du début du 20e siècle, l'androgynie et l'idéal de l'amour platonicien. Dans L'Éveil, qu'il peint pendant son second séjour à Paris en 1893, il se sert de la rigueur de la composition et de la transparence des couleurs pour tenter de parvenir au spirituel.  En 1894 et 1895, il séjourne à Milan, Florence, Ravenne, Sienne et Venise. Ces années-là sont celles d'un douloureux conflit intérieur et ses œuvres une réflexion sur la relation entre l'art et la vie. Les mois passés en Italie lui apportent la couleur, une atmosphère plus optimiste. Dans les premières années du xxe siècle, il s'intéresse à une peinture plus colorée, lumineuse, proche du postimpressionnisme, qui annonce la série des Baignades aux couleurs intenses et vivantes. Avec Willy Finch, Verner Thomé et Ellen Thesleff, il fonde en 1912 le Groupe Septem qui réunit les peintres partageant ses idées. 

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Gueli Korjev (1925-2012) - Debout Ivan

Gueli  Korjev (1925-2012)
Debout, Ivan !,  1997
Collection privée

Le peintre russe  Gueli Korjev (Гелий Михайлович Коржев) est né le 7 juillet 1925 à Moscou, Capitale de la République Socialiste Fédérative Soviétique de Russie et mort le 27 août 2012 à Moscou, Russie.
Originaire de Moscou, Korjev est particulièrement connu pour son œuvre militante qui s'apparente au réalisme artistique prôné en son temps par l'État soviétique. Il est l'un des représentants du style sévère qui naît dans les années 1950 ; l'une de ses réalisations les plus connues est le triptyque Communistes peint en 1960.  Lui-même communiste convaincu, Korjev n'admet pas la chute du système soviétique qui intervient à la fin des années 1980 et son œuvre tardive, habitée de monstres et de mutants qui peuvent évoquer le travail de Jérôme Bosch, illustre sa critique du monde capitaliste dans lequel il vit désormais. Il intègre également à ses tableaux plus tardifs une influence de thèmes bibliques.

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Ernest Biéler (1863-1948)- Le Forgeron

Ernest Biéler (1863-1948)
Le Forgeron
Collection privée

Après ses études à Lausanne, Ernest Biéler suit, dès 1880, les cours de l’Académie Julian à Paris. Il obtient une médaille d’argent à l’Exposition universelle de 1900 à Paris. Il appartient, avec Raphaël Ritz, Édouard Vallet, Albert Chavaz et d’autres, à l’Ecole de Savièse. Biéler fut d’ailleurs fait bourgeois d’honneur de cette localité valaisanne.
Très attaché au Canton du Valais, il est surtout connu pour les magnifiques portraits de paysans (ci-dessus) et d'habitants de Savièse qu'il peignit tout au long de sa vie. Fier de son appartenance valaisanne, il a également créé pour bons de monuments locaux, des vitraux, des fresques, et pour notamment La Feêe des Vignerons, des costumes, des chars et des décors tout a fait étonnants.
Il passa les dernières années de sa vie dans sa maison du Monteiller (Rivaz).
Ses portraits se trouvent aujourd'hui dans de nombreuses prestigieuses collections privées en Suisse et a travers le monde.

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Aimé Morot (1850-1913) - Le Bon Samaritain

Aimé Morot (1850-1913)
Le Bon Samaritain, 1880
Musée du Petit Palais, Paris

Marie Bashkirtseff note son admiration pour Le Bon Samaritain (ci dessus) dans son journal, en 1880 :  

« Je me suis assise en face du Morot avec une lorgnette et je l'ai étudié. C'est le tableau qui me fait le plus complètement plaisir depuis que j'existe. Rien n'accroche, tout est simple, vrai, bien ; tout est fait d'après nature et ne rappelle en rien les affreuses beautés académiques et convenues. C'est adorable à regarder ; la tête de l'âne est bien, le paysage, le manteau, les ongles des pieds. C'est heureux, c'est juste, c'est bien ».
Aimé Morot étudie à l'Ecole de dessin et de peinture de Nancy avant de devenir, sur concours, l'élève du peintre Alexandre Cabanel à l'Ecole des beaux-arts de Paris le 31 mai 1869. Il concourt quatre fois, sans succès, pour le prix de Rome, avant de l'emporter en 1873 avec La Captivité des Juifs à Babylone. En épousant Suzanne Mélanie Gérôme, il devient le gendre du peintre Jean-Léon Gérôme. Il expose au Salon des artistes français de 1880 à 1912, où il obtient une médaille d'honneur lors de sa première participation pour Le Bon Samaritain (ci dessus).  Morot réalise des décors pour les édifices publics, tels que La Danse pour le plafond du salon d'honneur de l'hôtel de ville de Nancy, et La Danse à travers les âges pour le plafond de la salle des fêtes de celui de Paris. Il termine sa carrière au grade de commandeur de la Légion d'honneur, nommé le 16 mai 1910. 

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Eric Kennington (1888-1960) - Leading Seaman Walker of HMS Eclipse

Eric Kennington (1888-1960)
Leading Seaman Walker of HMS Eclipse, 1940
Private collection

Le peintre et sculpteur britannique Eric Kennington a été artiste de guerre officiel lors des deux Guerres mondiales. En tant que tel, Kennington s'est spécialisé dans les représentations de la vie quotidienne des soldats des aviateurs et des marins. Dans l'entre-deux-guerres, il a principalement travaillé sur des portraits et un certain nombre d'illustrations de livres.
En juin et juillet 1918, une exposition de l'œuvre de Kennington, The British Soldier a lieu à Londres et lui apporte le succès critique et la reconnaissance du public
Mais Kennington n'est pas satisfait de ses relations avec le Ministère de l'Information britannique  qui censure ses peintures. Il démissionne alors de sa commission d'artiste de guerre.
En novembre 1918, Kennington est mandaté par le Canadian War Memorials Scheme pour représenter les troupes canadiennes en Europe. Il retourne ainsi en France en tant que premier lieutenant temporaire attaché au 16e bataillon (canadien écossais). Les huit mois passés par Kennington en Allemagne, en Belgique et en France, travaillant pour les Canadiens, lui ont permis de produire 70 dessins.

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El Greco (1541-1614) - Etude de tête

El Greco (1541-1614)
Etude de tête, c.1600
Museum of Fine Arts, Budapest

Comme ses maitres Titien et Tintoret, El Greco était un excellent portraitiste. Cette étude d'une tête légèrement tournée vers la droite et regardant hors de la toile est peinte avec de larges coups de pinceau et semble être très peu détaillée, comme esquissée alors que le rendu du visage lui-même, les cheveux hérissés, la barbe et l'oreille, montre toutes les caractéristiques d'un travail très détaillé. Cette peinture est considérée comme une étude ou peut-être comme un exemplaire rescapé d'une série perdue concernant les apôtres (la toile est en effet dans le même format de demi-longueur que la série des apôtres). La spécialiste hongroise de Greco, Marianna Haraszti-Takács a suggéré qu'il pourrait s'agir d'un autoportrait en costume d'apôtre, ce qui plaide en ce sens, étant la représentation pensive du personnage.  Bien qu'il  n'ait  jamais été possible jusqu'à aujourdh'ui de trouver un autoportrait authentique d'El Greco, on fait souvent référence comme unique exemple à un autoportrait de jeunesse visible  dans le tableau intitulé Le Christ chassant les Marchands du Temple (The Minneapolis Institute of Art) datant de 1570-1575. 

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Halfdan Egedius (1877-1899) - Le rêveur. Portrait de l'artiste Torleiv Stadskleiv

Halfdan Egedius (1877-1899)
Le rêveur.  Portrait de l'artiste Torleiv Stadskleiv, 1895
Huile sur toile, 100 x 81.5 cm
National Gallery of Norway, Oslo

Le peintre, dessinateur et graveur norvégien, Halfdan Egedius commence à peindre a commencé à l'âge de 5 ans, montrant très tôt des capacités artistiques exceptionnelles. A tel point que dès l'age de 9 ans, il fréquenta l'école d'art Knud Bergslien, où il fut élève de 1886 à 1889. En 1891, il fut l'élève d'Erik Werenskiold, et de 1891 à 1892, il étudia aux Arts et Métiers. En 1894, il fréquente l'école d'art Harriet Backer. Au printemps 1896, il fut l'élève de Kristian Zahrtmann à Copenhague. Dès l'âge de 15 ans, il a commencé à peindre les paysages de Telemark. Professionnellement connu sous le nom de Halfdan Johnsen Egedius, il est actif de l'âge de 16 ans jusqu'à sa mort prématurée à l'âge de 21 ans. Au cours de sa courte vie, il a réussi à créer plusieurs chefs-d'œuvre dans une variété de styles assez peu commune. Il est surtout connu pour ses illustrations du Heimskringla dans un style inspiré par Werenskiold. Egedius tomba malade lors d'un séjour d'été à Telemark en 1898, et après avoir rechuté avant Noël, fut hospitalisé à Christiania, où il mourut en février 1899, à l'âge de 22 ans. La cause du décès était l'actinomycose, une infection bactérienne qui attaque les organes internes. Il a été enterré dans le cimetière de Vestre Aker. Cinquante ans après sa mort, une pierre commémorative a été érigée. Peintre hyperdoué, le destin ne lui aura pas laisser le temps d'exprimer tout son talent.

L'artiste Torleiv Stadskleiv (1865 -1946 ) dont il peint ici  le portrait  dans une attitude rêveuse devant un rayon de lumière qui s'écrase au sol à travers une fenêtres a lui aussi vécu toute sa vie dans le comté norvégien de Telemark où il trouvé l'inspiration de ses  paysages romantiques.
 Lorsque Halfdan Egedius s'installe à Bø en 1895,  Egedius et Stadskleiv développent une étroite amitié et s'influencent artistiquement.

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Jean-Étienne Liotard (1702-1789)- Portrait masculin

Jean-Étienne Liotard (1702-1789)
Portrait masculin,  1755
Collection privée

Le peintre genevois Jean-Etienne Liotard (1702-1789) a voyagé à Naples, à Rome, à Vienne, en Hollande, à Londres et surtout à Constatinople. Surnommé le peintre turc à cause du costume oriental qu'il avait choisi de porter depuis son passage à Constantinople il a peint beaucoup de portraits (dont celui d'un pape) et un nombre très restreint de natures mortes. Collectionneur, expert en peintures pour les anciens maîtres, il futégalement l'auteur d'un Traité des principes et des règles de la peinture (1781).
 

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Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564) - Tête de guerrier

 

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564)
Tête de guerrier (Conte di Canossa), 1550-1560
The British Museum

Ce dessin réalisé par Michel Ange représente la tête idéale d'un guerrier vu de profil. Le casque, tout à fait fantastique, se compose de la tête d'une créature ressemblant à un chien avec une bouche béante dont le museau constitue le sommet au casque et la la mâchoire inférieure une protection pour l'oreille du guerrier. L'œil perçant de l'animal reflète celui du guerrier lui-même. Une rangée de plumes et un panache avec un chien accroupi complètent le casque. Le contenu belliqueux de la figure est renforcé par le décor de masque du plastron et du groupe de lutteurs figurant sur l'épaule et représentant soit Hercule et Cacus soit Caïn et Abel. Ce dessin de grande qualité est presque universellement considéré comme une copie d'après un original perdu par Michel-Ange lui même qu'il avait réalisé à la fin des années 1520/30. Cet exemplaire est daté de la seconde moitié du XVIe siècle. Le guerrier dont la tête est représentée est connu comme étant le «Comte de Canossa» d'après le nom donné dans le lettrage de la gravure d'Antonio Tempesta de 1613 qui reproduit ce dessin.

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Anne-Louis Girodet de Roussy -Trioson dit Girodet (1767-1824) - Etude de tête pour un oriental

 
Anne-Louis Girodet de Roussy -Trioson dit Girodet (1767-1824)
Etude de tête pour un oriental
Collection privée (via Leclere)

De grandeur nature, cette tête est  vue de profil et tournée vers le ciel ; elle est coiffée d'un turban rouge et d'un  burnous appelé à l'époque de Girodet un barnouffe. Elle n'est pas terminée. Les portraits d'orientaux peints et esquissés par Girodet constituent un ensemble majeur dans son œuvre. Tout au long de sa carrière, Girodet  a peint plusieurs têtes d'orientaux. Un certain nombre d'entres elles se ressemblent par leur sujet, leur format quasi identique et leur cadrage au tiers du torse, montrant une tête enturbannée; elles forment ainsi une série de portraits: Tête d'Oriental au turban bleu (Doullens, Musée Lombard); Tête de Mameluck à la fleur d'hibiscus (Toile, 78 x 63 cm; Île d'Aix, Musée Napoléon); Portrait dit de Notis Botzaris ; Portrait de Mustapha (Musée Girodet); Tête d'Oriental au burnous esquissé (différent de celui ci dessus . Notre tableau vient s'ajouter à ce groupe. La moustache de notre homme, sa barbe et ses sourcils rappellent les traits de Mustapha, peint en 1819. La touche libre des étoffes confrontée au fini parfait de son visage le rapprochent du Portrait dit de Notis Botzaris et permettent de situer notre œuvre des années 1815-1820. L'inachèvement qui révèle la virtuosité et la technique du pinceau et l'usage de la toile laissée en réserve rapprochent notre portrait de l'Odalisque conservée au musée de Montargis et montre que la représentation de la figure humaine est première. Cette suite de têtes flamboyantes et exotiques, au regard lourd et impénétrable illustrent une peinture solaire, en pendant aux peintures lunaires du thème d'Ossian ou de Sapho. 

Acquis à la vente Girodet par Jacob, le tableau entre directement dans la collection de l'homme de lettre et ancien receveur général des finances, Basile-Joseph Ducos (Bordeaux 1767 - Paris 1836). Il lui achète aussi l'esquisse de La Révolte du Caire conservée aujourd'hui à l'Art Institute de Chicago. De 1811 à 1836, Basile-Joseph Ducos est Régent de la Banque de France. Collectionneur et mécène, il possède l'esquisse de Régulus de David, le Portrait de Madame Pasta du Baron Gérard, l'esquisse de Trois chevaux lancés au galop de Géricault actuellement au musée des Beaux-Arts de Caen, un tableau d'Isabey et un tableau de Constable. Ducos cède notre tableau à son ami, le Comte Pierre David. Secrétaire d'Etat chargé de la légation de Malte. En résidant entre 1803 et 1806 à Malte, Naples et Rome, auprès du Grand-Maître de l'ordre de Malte, il côtoie Pierre-Narcisse Guérin qui peint Madame David en Didon dans son tableau conservé au Louvre. Nous remercions Madame Lemeux-Fraitot dd'avoir participé à la rédaction de cette notice. 

 Note de la Maison de Ventes Leclere



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Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) - L’Attaque

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806)
L’Attaque (fin des années 1770)
Encre, lavis brun, pierre noire
Pushkin Museum, Moscou

Ce dont on peut être sûr et ce qui fait l'originalité de ce dessin c'est qu'il ne s'agit pas d'une attaque galante  ou d 'une scène pastorale comme Fragonard en a tant peint ! Il s'agit bien d'une scène de combat, " bonne droite", d'un vrai coup poing envoyé avec la dernière vigueur dans le visage de l'adversaire, dans une scène de combat où se mêlent des personnages enturbannés.   Un sujet inattendu chez ce peintre de la douceur de vivre... 

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Maerten van Heemskerck (1498-1574) - Portrait d'un homme en manteau de fourrure

Maerten van Heemskerck (1498-1574)
Portrait d'un homme en manteau de fourrure
Collection privée  (Via Sotheby's NYC, 2011)

Ce portrait représente un bel homme du début du moyen âge, vêtu d'un pourpoint noir dont dépasse un  col fin blanc délicatement  plissée et  un  riche manteau doublé de fourrure.  Il porte un béret noir. Il regarde à droite, avec une expression déterminée et réfléchi. Dans sa main droite, il tient ce qui semble être une tasse. Derrière lui se trouve un vaste paysage ponctué par une forteresse  perchée au sommet d'une montagne des buissons et deux personnages devisant sur un chemin. Bien que l'on ne sache pas quel est le lien de cet homme avec le paysage, la réponse peut être contenu dans l'objet qu'il tient sa main. et qui a été identifié non pas comme une tasse mais comme une  boussole. Bien qu'aucune aiguille ne soit représentée, et qu'il soit donc impossible de confirmer cette identification, les boussoles étaient souvent utilisées un guise  emblèmes iconographiques pour figurer  le guidage des  âmes chrétiennes. Tout comme une aiguille de boussole pointe toujours vers le nord, la boussole morale du chrétien doit toujours pointer vers les actes exemplaires de Jésus-Christ. Si l'on accepte cette lecture, alors la lointaine «ville sur la colline» devient le paradis, ou le salut, et les deux personnages sur le chemin - l'un montrant le chemin et guidant l'autre - deviennent  la conscience et l'âme humaine, cherchant la route  e la rédemption. Mais cette interprétation - plutôt théologique - ne saurait être la seule qui convienne à de cet énigmatique portrait. Il se peut  aussi que ce tableau ait autrefois eut un pendant,  et soit un double portrait d'un homme et de sa femme dont la seconde partie aurait disparu. Bien que, si tel est le cas, il faut souligner que la position de l'homme est inversée : d'autres premiers portraits de Heemskerck représentent généralement l'homme regardant à gauche et la femme à droite (voir, par exemple, son Portrait de Pieter Gerritsz Bicker et sa femme Anna Pietersd. Codde de 1529, au Rijksmuseum, Amsterdam, inv. Nos A 3518 et 3519).
Maarten van Heemskercka, est l'un des portraitistes et peintres d'histoire majeurs des Pays-Bas. Il est célèbre pour sa série des Sept Merveilles du monde. Heemskerck fut un peintre prolifique.


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Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914) Portrait of Saiyad Ahmad Hussain

 

Rudolf Swoboda Jr. (1859-1914)
Portrait of Saiyad Ahmad Hussain, 1888
The Royal Trust Collection

Rudolf Swoboda Jr. est un artiste peintre autrichien, qui connut une popularité certaine en tant que peintre orientaliste. En 1886, la reine Victoria, Reine d'Angleterre et Impératrice des Indes, lui commanda une peinture d’un groupe d’artisans indiens qu'elle avait invités à Windsor à l’occasion du Golden Jubilee. La reine apprécia tellement le travail de Swoboda, qu’elle lui paya le voyage en Inde pour qu’il réalise des portraits de ses habitants.
En Inde, Swoboda rencontra Rudyard Kipling, lequel écrivit une lettre apparemment très critique sur lui l'accusant de "ne rechercher que le pittoresque et de ne choisir pour que des personnages caricaturaux de l'Inde" . C'est ignoré que la Reine Victoria avait laissé des instructions très directives à Swoboda : "Les croquis que Sa Majesté souhaite avoir - représenteront les différents types de nationalités qui composent les Indes. Ils devront être constitués de têtes de même taille que celles déjà réalisées pour La Reine, ainsi que de petits portraits en pieds. Sa Majesté ne souhaite pas que les images soient trop grandes, et vous propose plutôt de rapporter des croquis d'apres lesquels vous peindrez vos tableaux apres votre retour. "
Lorsque la reine Victoria reçut les peintures, elle en fut très satisfaite et les considéra comme , "de si belles têtes… de belles choses". Swoboda travailla ensuite pour la reine pendant onze ans, produisant plus de 40 portraits de ses sujets du sud-asiatiques, (dont celui ci dessus) qui sont conservés aujourd'hui à Osborne House.et dans les collections du Royal Trust. 

Ce portrait de Saiyad Ahmad Hussain fait partie selon la reine Vicoria, de ces " Beaux portraits peint de mes 3 Indiens dont  2 grandeur nature '' . Swoboda  les peignit  à Osborne pêndant l'été 1888, après son retour d'Inde. Saiyad Ahmad Hussain fut engagé comme l'un des " intendants indiens '' de la reine le 10 janvier 1888. La reine rencontra Hussain pour la première fois le samedi 3 mars de la même année, écrivant dans son journal d'Osborne House sur l'île de Wight "Un domestique indien, que Gen. Dennehy a trouvé pour moi, a appelé Ahmed Hussain, un homme fin, ressemblant à un soldat, très grand et mince." Hussain accompagna la reine à Balmoral en juin, comme elle le note,: "Je regardais Ahmed, l'un de mes serviteurs indiens, effectuer un accrochage de tente, ce qu'il fit à merveille, monté sur un cheval arabe, qui m'appartenait, et que personne ne montait." Le fait que cette peinture soit peinte  grandeur nature, la différencie des autres  nombreux portraits de modèles sud-asiatiques produits par Swoboda pour la reine, dont la plupart sont au format tête et épaule, ou buste. Hussain apparaît également fréquemment dans le «tableau-vivant» de la reine, joué à Balmoral pour l'amusement de la famille royale. Il est représenté à l'arrière-plan, tenant une amphore, sur une photographie de Charles Albert Wilson, dans une scène de «Rebecca» réalisée le 5 octobre 1888.

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Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel-Ange (1475-1564) - Nu masculin, vu de face, dans une attitude d’effort

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel-Ange (1475-1564)
Nu masculin, vu de face, dans une attitude d’effort
Plume et encre brune,0,375 x 0,2197 m
Musée du Louvre, Paris

Ce dessin ne peut être rattaché à aucun projet connu de Michel-Ange. En revanche, son style et sa technique sont caractéristiques des années 1505-1506. Par le jeu savant des hachures à la plume, il modèle ce nu dans la lumière et lui confère une monumentale plasticité. Les points forts de la collection du Louvre, accessible sur la base Joconde et sur le site de l’agence photographique de la RMN, est dominée par les études de figures où croquis, reprises et repentirs s’entremêlent. S’y distinguent les dessins de jeunesse à la plume (Ascension de saint Jean l’Evangéliste, Copie d’après Giotto, Esquisse pour le David de bronze...), les études pour une Bataille de Cascina restée au stade du carton, les dessins pour la chapelle funéraire des Médicis dans la Sacrestia Nuova de l’église San Lorenzo de Florence, un ensemble de délicates sanguines (plusieurs Vierge à l’Enfant, Léda et le cygne...) et une émouvante série des dessins de la vieillesse (Le Christ en croix entre la Vierge et saint Jean).

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Ruth Miller Kempster (1904-1978) - Working Stiff (Travailler dur)

Ruth Miller Kempster (1904-1978)
Working Stiff (Travailler dur) 1934
Collection privée

Ruth Miller Kempster, également connue sous le nom de Ruth Blanchard Miller était une artiste américaine. En 1932, elle remporta une médaille d'argent aux concours d'art des Jeux Olympiques pour sa peinture Struggle (Lutte).
Elle avait commencé ses études par un cours par correspondance du Kansas City Art Institute. avant de les poursuivre à la Stickney Memorial Art School de Pasadena, puis l' Otis Art Institute de Los Angeles. Elle étudiéa aussi la sculpture, la peinture et la lithographie à la Art Students League de New York. Dans les années 1930, Miller enseigna à l'École des beaux-arts de Pasadena.

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Pinturicchio (1452 -1513) - Cristo tra i dottori (particolare)

 

 

Pinturicchio (1452 -1513)
Cristo tra i dottori (particolare), 1501
Affresco Collegiata di Santa Maria Maggiore, Spello (Constance)

Pinturicchio ou Pintoricchio, né Bernardino di Betto (1452 – 1513), est un peintre italien du 15e siècle, élève du Pérugin, à al fois comblé d'honneurs et mal aimé ! Il est le type même de l'artiste complet de la Renaissance, capable de maîtriser à la fois l'art de la peinture sur panneau, de la fresque et de la miniature. Il a travaille pour certaines des personnalités les plus importantes de son temps, dont plusieurs papes. Il est l'un des grands maîtres de l'école ombrienne de la seconde moitié du 15e siècle avec Le Pérugin et le jeune Raphaël. Son surnom (qu'il accepte en signant ainsi) vient de piccolo pintore soit « peintre" surnom qui lui a été donné a cause de sa petite, taille sachant que par le talent il fut plutôt l'un des plus grands peintres de la renaissance
Il pouvait parfois être très aimé ou, à d'autres moments de sa vie, très critiqué. A Rome, après avoir longtemps eut la faveur des Borgia, il fut délaissé au début du 16 e siècle comme s'il était déjà démodé alors qu' à Sienne au même moment il soulevait l'admiration générale. Bien qu'aimé et récompensé par les puissants de son temps, il fut longtemps laissé dans l'ombre, par la littérature artistique et notamment par Vasari, qui dans les Vies parle de lui, presque exclusivement de façon négative. La haute estime qui accompagna Pinturicchio dans sa vie n'était pas tant dictée par sa rapidité à exécuter une oeuvre, comme le dit perfidement Vasari, que par sa capacité à toujorus interpréter excellemment les besoins de ses clients. Les érudits du 19e et du début du 20e siècle valorisé un peu plus l'oeuvre de Pinturicchio, alors que ses peintures entraient dans les plus grandes collections internationales et intégraient les grands musées et collections d'Europe et d'Amérique. La monographie d'Enzo Carli (1960) fut fondamentale dans sa "rehabilitaon".

Polidoro da Caravaggio (Polidoro Caldara) (1495- 1543) - Etude, sanguine, 1535

 

 

Polidoro da Caravaggio (Polidoro Caldara) (1495- 1543)
Etude, sanguine, 1535
Musée régional de Messine

Polidoro Caldara, dit Polidoro da Caravaggio est un peintre de la Renaissance italienne, élève de Raphaël, qui travailla à Rome (1514-1527), à Naples (1524, 1527-1528) et à Messine (1528-1543 ?) et qui fut aussi, à la fin de sa vie, architecte. Polidoro entame aussi une œuvre de dessinateur et réalise des portraits, d'enfants notamment et d'inconnus qu'il croise dans la rue, dans les auberges ou dans les bordels. Dans ses dessins, il excelle dans le clair-obscur et montre son attachement à l'antique. En 1527, le sac de Rome par les troupes de l'empereur Charles Quint pousse Polidoro à s'enfuir. Il se réfugie d'abord à Naples où il peint une figure de saint Pierre dans la chapelle principale de Sainte-Marie-des-Grâces et d'autres œuvres en tant qu'aide d'autres peintres. Cependant Polidoro estime qu'à Naples il n'est pas reconnu à sa juste valeur et s'embarque pour Messine où davantage considéré, il se remet à l'ouvrage en travaillant avec acharnement et en se perfectionnant dans la pratique de la couleur. Son domestique et élève, Tonno Calabrese, l'assassine à coups de couteau pour lui voler une importante somme d'argent qu'il venait de recevoir alors qu'il s'apprêtait, riche et reconnu, à retourner à Rome. Il eut Aurelio Busso (ou Buso) de Crema comme élève. Ses frises al fresco ont grandement inspiré les Petits maîtres allemands. 

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Renato Guttuso (1911-1987) - Ritratto di Pietro Consagra

 

Renato Guttuso (1911-1987)
Ritratto di Pietro Consagra, 1945
Collection privée

Renato Guttuso est un peintre italien, représentant du réalisme. Résistant, antifasciste, très tôt engagé aux côtés des communistes, Guttuso se caractérise toutefois par un art qui transcende toute considération politique et par une identité sicilienne qui se situe aux antipodes du régionalisme.

Pietro Consagra (1920-2005) est un sculpteur italien connu pour ses sculptures de fer et de bronze principalement.  Son art commence à être largement connu à partir du milieu des années 1950 et a été exposé partout dans le monde, notamment à la Peggy Guggenheim Collection de Venise.  En 1960, il remporte le Grand Prix de la sculpture à la Biennale de Venise.

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Pierre-Yves Trémois (1921-2020) - Esquisse pour l'Apocalypse

 

Pierre-Yves Trémois (1921-2020)
Esquisse pour l'Apocalypse, 1960
Collection privée

Pierre-Yves Trémois, est un dessinateur, peintre, graveur et sculpteur français, membre de l'Académie des beaux-arts. Après des études à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris où il est élève de Fernand Sabatté, Pierre-Yves Trémois obtient, en 1943, le premier Grand Prix de Rome de peinture et se consacre au burin et à l'eau-forte à partir de 1944 pour entamer une œuvre qui est estimée à plus de mille gravures.Tout au long de son oeuvre Pierre-Yves Trémois, montre son attirance pour  le corps humain, les visages, mais aussi le monde animal (singes, insectes, escargots et crapauds) qu'il met très souvent en perspective.Yves Trémois propose, à partir de ces thèmes, des variations et des méditations sur les étreintes amoureuses, l'homme confronté à son double intérieur : le singe, ou les relations retrouvées  à l'ère d'Einstein, de Teilhard de Chardin et de Jacques Monod : "Refusant l'adhésion à un quelconque mouvement contemporain, ce peintre indépendant maintient avec autorité un style classique où il se distingue par un graphisme sobre, d'une grande pureté, et par une constante fidélité au sujet - projetant néanmoins ses figures humaines sur des formes protoplasmiques, il fait coexister ainsi plusieurs échelles de grandeur" 

In Les Muses, encyclopédie des arts

Pierre Yves Trémois est  décédé le 16 août 2020.

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Antoine Berjon (1754-1843) - Autoportrait au chapeau bicorne

Antoine Berjon (1754-1843)
Autoportrait au chapeau bicorne
Collection privée

Antoine Berjon, n est un peintre et illustrateur français, réputé pour ses natures mortes de fleurs. Originaire du quartier lyonnais de Vaise et contemporain de Pierre-Joseph Redouté, il a été formé pour la « fabrique lyonnaise », ses compositions étant utilisées par les dessinateurs des fabriques de soieries et tissus. La Révolution l'oblige à quitter Lyon pour Paris, mais, vivant misérablement, il regagne Lyon vers 1810 et travaille dans une entreprise de broderies. Il devient, par décret du 6 juillet 1810, professeur de dessin à l’école des Beaux-Arts de Lyon. Il est chargé d'une classe de fleurs destinée à former les dessinateurs d'une nouvelle fabrique de tissage mise au point par l'ingénieur mécanicien Jacquard (Métier Jacquard). Outre ses activités en tant que professeur à l'École de beaux-arts de Lyon, il est également un portraitiste de la société lyonnaise, portraits qu'il réalise à l'huile ou à la sépia. Il pratiqua aussi la miniature et la gravure. Victime d'une cabale ultraroyaliste fomentée par son collègue, le peintre Pierre Révoil, Berjon est chassé de son poste en 1823, il est remplacé par Augustin Alexandre Thierriat. Il vit alors très retiré dans une pension et continue pendant une vingtaine d'années à dessiner et à peindre en solitaire, laissant un œuvre abondant qui se distingue par son inspiration poétique.

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Francesco Salviati (1510-1563) - L'incrédulité de saint Thomas

Francesco Salviati (1510-1563)
L'incrédulité de saint Thomas, 1543-1547
Musée du Louvre, Paris 

L'Incrédulité de saint Thomas est un tableau de Francesco Salviati commandé entre 1543 et 1547 par Thomas II Gadagne, conseiller florentin (de son vrai nom Tomaso Guadagni) de François Ier, pour la chapelle des Florentins au Couvent des Jacobins de Lyon. Dès son arrivée sur les lieux ce tableau impressionne au point d'être repris par de nombreux artistes de l 'époque et sur divers supports y compris sur des gravures. Ainsi, après le déclin de la vie artistique lyonnaise à partir du 17e siècle, ce tableau est l'une des rares œuvres à être citées, notamment par Giorgio Vasari dans ses Vite. Le choix du sujet par Thomas II Gadagne reflète son orientation politique "anti-médis", qui est également celle de l'artiste. Le tableau décrit la célèbre scène biblique de l'apparition du Christ ressuscité à l'apôtre Thomas, à genoux devant Lui et touchant la plaie au côté, en présence des apôtres. Jésus vêtu du seul périzonium (le pagne d'origine minoenne qui servit à cacher la nudité du Christ en croix) est debout près de sa bannière, entouré des autres apôtres vêtus d'amples draperies. Les experts pensent que le portrait visible en buste de trois-quarts serait un autoportrait du peintre.

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Franz Xaver Winterhalter (1805–1873) - Portrait de l'architecte Karl Joseph Berckmüller

Franz Xaver Winterhalter (1805–1873)
Portrait de l'architecte Karl Joseph Berckmüller
Musée des Beaux-Arts  d'Amiens
Don du Général Leclerc de Hautecloque, 1945

Ce portrait illustre l’amitié qui lie dans leur jeunesse l’architecte Karl Joseph Berckmüller, connu pour ses réalisations à Karlsruhe, et Franz Xaver Winterhalter, l’un des portraitistes les plus célèbres du 19eme siècle qui fit le portrait des grands de son monde comme l'imperatice Elizabeth d'Autriche (Sissi), l'impératrice Eugénie ou la reine Victoria, ect... .La signature de Winterhalter, comme gravée dans la pierre, apparait comme étant  à la fois une allusion au métier du modèle et une affirmation des ambitions du jeune peintre. 

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Aubrey Beardsley (1872- 1898) - The Abbé

Aubrey Beardsley (1872- 1898)
The Abbé
Musée d'Orsay, Paris

The Abbé,  est une sorte d’autoportrait de l’artiste, le titre faisant allusion à ses propres  initiales : AB. Cet "abbé" dandy est emblématique de la beauté selon Beardsley où triomphent à  la fois le masculin et  le féminin, cet être élégant a une silhouette étrange, des jambes et une allure d’oiseau. Beardsley aimait beaucoup le 17e et le 18e siècles dot il collectionnait les dessins et gravures  pour l’exubérance des costumes et des perruques bouclées.  On retrouve cette exubérance dans  la profusion de traits parallèles de ce dessin, saturé de détails et comme passé par une impression photomécanique. Cette surabondance de détails doit rendre l’atmosphère capiteuse du jardin fantastique dans lequel se trouve The Abbé. On distingue notamment en haut à gauche un papillon à jambes, un de ces gracieux monstres en constante métamorphose dont l’artiste a le secret. Figure incontournable de la scène londonienne de la fin du 19e siècle, Aubrey Beardsley mort à l'âge de 25 ans  la tuberculose, fut véritablement dessinateur virtuose!  À travers ses dessins élégants toujours en noir et blanc, il a construit un univers graphique étrange et anticonformiste. Ses illustrations de La Mort d’Arthur de Thomas Malory ou de Salomé d’Oscar Wilde notamment le mettent sur le devant de la scène. Artiste aux multiples inspirations, il fut longtemps ignoré des artistes du 20 siècle, jusqu'à ce que tout une jeune génération  dont Damien Mac Donald, renouvelle totalement  à partir de son inspiration, son style unique dans l'Histoire de l'Art.   ____________________________________________________ 2021 - Men Portraits Un blog de Francis Rousseau

Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson dit Girodet (1767-1824) - Profil d'homme

 

Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson dit Girodet (1767-1824)
Profil d'homme
Crayon noir, estompe
Annoté Girodet en bas à droite
Collection privée  (via Artcurial)

 

 

 Bien qu'ayant commencé comme un fidèle disciple de son maître Jacques-Louis David, Girodet s'efforce ensuite de développer un style personnel, jouant avec les effets de lumière. À la peinture d'Histoire, il préfère une sorte de symbolisme éthéré. Dramatisant à l'excès ses sujets, il excelle dans la pose et le travail de la lumière. Il bouscule les codes de la sensibilité en les transposant dans les scènes religieuses.  Lors de son séjour de cinq ans en Italie, Girodet se démarque de la gravité et de la retenue de David et envoie au Salon en guise d'académie imposée, Le Sommeil d'Endymion (Musée du Louvre) dont le caractère onirique et étrange est considéré comme une des premières manifestations du romantisme. Ses tableaux plurent aux romantiques par les sentiments exaltés qu'il y représentait. Honoré de Balzac en fait l'éloge dans Sarrasine (1831)  qui était par ailleurs un grand admirateur de Girodet, le cite encore dans La Bourse et La Maison du chat qui pelote.  Il excelle dans la vérité des portraits, parfois allégoriques (Jean-Baptiste Belley, Mademoiselle Lange en Danaé), souvent intimes — le fils de son père adoptif a été peint à trois époques : jeune enfant, préadolescent et adolescent —, il sait révéler l'âme de ses personnages comme dans son célèbre Portrait de Chateaubriand (Saint-Malo, musée d’Histoire de la Ville et du Pays Malouin). Un de ses portraits, Mademoiselle Lange en Danaé (1799), fait scandale à cause de ses allusions sexuelles satiriques. Cette anecdote, où Girodet se venge de la célèbre Merveilleuse Mademoiselle Lange de n'avoir pas apprécié un premier portrait d'elle, illustre bien le caractère irascible et incontrôlable de ce peintre. Il réalisa des décors peints pour les demeures de Napoléon, premier consul puis empereur, et participa à la représentation de l'épopée napoléonienne. Sa peinture d'histoire s'arrange souvent avec les faits pour leur donner une dimension métaphysique ou esthétique : dans sa Révolte du Caire, il peint plusieurs belligérants n'ayant jamais participé à l'événement. Dans la Légende napoléonienne, l’Apothéose des Héros français morts pour la patrie pendant la guerre de la Liberté (1802) représente le barde Ossian accueillant au paradis les généraux Desaix, Kléber, Marceau, Hoche et Championnet. Cette toile ne cesse d’étonner par son côté novateur annonçant le premier romantisme. Girodet a aussi illustré des livres, notamment des éditions de Jean Racine et de Virgile. Le graveur Barthélemy Joseph Fulcran Roger réalisa plusieurs gravures en taille-douce des illustrations de Girodet, notamment d'un portrait de Constance de Salm. 

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Francisco de Goya (1746-1828) - Homme enlevant les puces à son chien

Francisco de Goya (1746-1828)
Homme enlevant les puces à son chien
Aquarelle sur ivoire c. 1824-25.
Collection privée

L’évolution stylistique de Goya fut peu commune. Son œuvre commence approximativement en 1771 avec ses premières fresques pour la basilique du Pilar à Saragosse et termine en 1827 avec ses dernières toiles, dont la Laitière de Bordeaux. Durant ces années, le peintre produisit presque 700 peintures, 280 gravures et plusieurs milliers de dessins. L’œuvre évolua depuis le rococo, typique de ses cartons pour tapisseries jusqu’aux très personnelles peintures noires, en passant par les peintures officielles pour la cour de Charles IV d’Espagne et de Ferdinand VII d’Espagne. La thématique goyesque est ample : le portrait, les scènes de genre (chasse, scènes galantes et populaires, vices de la société, violence, sorcellerie), les fresques historiques, religieuses, ainsi que des natures mortes.

 
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Vintage photo of men - Sigmund Freud avec deux de ses fils

Sigmund Freud avec deux de ses fils pendant la première guerre mondiale, 1916
Collection privée 

La famille Freud, dont les membre les plus célèbres sont le psychanalyste Sigmund Freud(1856-1939) et son petit fils le peintre Lucian Freud (1922-2011) est une famille juive originaire de Galicie, en Pologne, mais émigrée à Vienne, en Autriche, au milieu du 19e siècle.
Avec l'Anschluss et la Seconde Guerre mondiale, la famille se disperse en Europe et en Amérique du Nord.
Sigmund Freud (1856-1939) et son épouse Martha Bernays (1861-1951) sont les parents de 6 enfants  (4 garçons et 2 filles) et les grands-parents de près d'une trentaine de petits-enfants. Ses fils furent  :  Martin Freud (1889-1967) à droite sur la photo) Oliver Freud à gauche sur la photo (1891-1969), Ernst L. Freud  (1892-1970), Clemens Rafael Freud (1924–2009).

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