Helmut Kolle ( 1899 - 1931) - Matelot

Helmut Kolle (1899 - 1931)
Matelot, Um 1928-1930.

 Le peintre allemand Helmut Kolle, connu aussi sous le pseudonyme d'Helmut von Hügel, passa une grande partie de sa vie en France. À Paris, il visita le Louvre, étudia les grands maîtres, Géricault, Manet et on peut reconnaitre dans son travail les influences de Pablo Picasso, Georges Braque et même Henri Rousseau. Ses peintures figuratives sont la combinaison d'une tradition française classique, du cubisme et de l'expressionnisme allemand agrégé par son pinceau d'une façon très personnelle. Kolle a surtout peint des portraits de hommes jeunes forts et en bonne santé sans doute en réaction à son état maladif. Picasso ne tarissait pas d'éloges sur " la grande vitalité et la beauté de sa peinture. "
Kolle fut sans doute le peintre allemand le plus exposé dans les galeries parisiennes pendant l'entre-deux-guerres, et acheté régulièrement pour alimenter les collections des avant-gardes françaises et allemandes : Cocteau, Noailles, Rothschild, René Gaffé, Hessel, Roques, Uhde, Hürlimann, Waldemar George, H.P. Roché... furent ses collectionneurs.

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Nicolas de Staël (1914-1955) - Les Musiciens, souvenir de Sidney Bechet

 

Nicolas de Staël (1914-1955)
Les Musiciens, souvenir de Sidney Bechet
Huile sur toile, 162 x 114 cm, 1952-1953,
Centre Pompidou, Paris

Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine» alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère : " on y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son oeuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.

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Ramon Casas i Carbo (1866-1932) - Pere Romeu

Ramon Casas i Carbo (1866-1932)
Pere Romeu
Collection privée

Ramon Casas i Carbó, est un peintre et affichiste espagnol, promoteur du modernisme catalan. Il est surtout connu pour ses portraits et caricatures de l’élite catalane, espagnole et française.
En 1884, il expose à Barcelone l’œuvre Corrida de Toros. Il part souvent à Paris à l’Académie Gervex où il rencontre les peintres Santiago Rusiñol et Pierre Puvis de Chavannes. En 1889, il part en voyage avec son ami l’artiste post-impressionniste Rusiñol.
Il s’installe à Paris en 1890 au moulin de la Galette de Montmartre avec ses amis Rusiñol, Miquel Utrillo et Ramon Canudas. Il expose le Portrait d’Erik Satie au Salon du Champ-de-Mars et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, où il obtient le titre d'associé qui lui permet d’exposer deux œuvres chaque année sans être évalué par le jury d’admission.
En 1891, il expose une de ses œuvres plus connues intitulée Intérieur du Moulin de la Galette et il obtient une médaille à l’exposition internationale de Berlin où il envoie les œuvres Retrat de dama et Treball. L'année suivante, il gagne la médaille d’or à l’exposition internationale de Madrid avec l’œuvre Aire Lliure. Il expose aussi à l’Exposition universelle de 1893 à Chicago. C'est aussi dans ces années-là qu'il entame cette série de portraits intimistes comme Après le bain (Abbaye de Montserrat) ou Fatiguée (musée d'art de Dallas). Il y peint le même modèle, une jeune femme brune dans une chemise au col gansé de bleu, mêlant remarquablement l'intimité, le respect et le désir. Après cette période dominée par ses portraits et ses nus, il retourne à la représentation de scènes de foule, sur lesquelles il avait déjà travaillé dans les années 1880. Il revient finalement à Barcelone en 1896 et il installe son atelier chez ses parents. Avec l’œuvre Ball de tarda, il gagne une médaille de deuxième classe à l’exposition des beaux-arts de Barcelone, et il expose les œuvres Bona artilleria et Angoixa à l’exposition d’art de Berlin. L'année 1898 marque le début de sa carrière d’affichiste. Il gagne le concours publicitaire de la boisson Anís del Mono et dessine le affiches des campagnes publicitaires pour des marques comme Codorniu, Cigarillos Paris, entre autres. Par la suite, il commence sa collaboration avec les magazines modernistes Quatre Gats, édité par le cabaret éponyme en 1899, puis dans Pèl i Ploma où il publie ses illustrations et qu'il finance en partie (1899-1903).
En 1900, le comité international espagnol choisit deux de ses œuvres pour les présenter à l’Exposition universelle de Paris. Il visite cette exposition avec son ami Picasso, alors âgé de 19 ans dont il fera le portrait à cette occasion.
L’année suivante, il gagne sa première médaille à l’exposition de Munich avec l’œuvre Garrote vil. En 1903, il expose au Salon du Champ-de-Mars l’œuvre La Càrrega. Deux ans plus tard, il y expose l’œuvre Retrat eqüestre de d’Alfons XIII, qui est achetée par le millionnaire nord-américain Charles Deering qui lui commande le portrait de ses filles.
À partir de ce moment-là, il commence une forte amitié avec le millionnaire qui le mène à faire plusieurs voyages avec lui et à rester quelques mois aux États-Unis, où il brosse les portraits des amis du millionnaire. En 1918, il visite le champ de bataille de la Première Guerre mondiale où il peint Autorretrato con Cope Militar.
En 1922, il épouse Julia Peraire qui avait été son modèle pour plusieurs portraits (notamment La Sargantain), et il repart aux États-Unis.
En 1931, il participe à une exposition conjointe avec Rusiñol, Clarasó et Casas.

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Josep de Togores (1893-1970) - Groupe dhommes autour d'une guitare

Josep de Togores (1893-1970)
Grupo alrededor de una guitarra, 1937
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Josep de Togores i Llach était un peintre espagnol .Fils de Josep de Togores i Muntades, président de l'Association des clubs de football de Barcelone et co-fondateur du journal El Mundo Deportivo , à l'âge de 13 ans, Togores a contracté une méningite qui le rendit sourd , ce qui le consuisit à s'intéresser à la peinture. Grâce à une bourse de la Mairie de Barcelone , il se rend en 1907 à Paris où il découvrel'œuvre de Paul Cézanne. A Bruxelles, il peint un tableau ( El loco de Cerdanyola ) qui est primé à l'Exposition internationale. De retour en Catalogne  Togores fait partie de l'Association Courbet de Barcelone ; une fois la Première Guerre mondiale terminée, il revient à Paris, où il découvre le surréalisme grâce à ses relations avec Georges Braque, Arístides Maillol, Max Jacob ou Picasso, signant même un contrat d'exclusivité avec son marchand, Daniel-Henri Kahnweiler, jusqu'en 1931 . Ce sera sa période la plus surréaliste et expérimentale. Au cours des années 1920, il commence à se faire connaître en Europe et, au cours des années suivantes, il explore différents styles tels que le cubisme ou l'académisme, se laissant influencer par l' avant- garde de l'époque et s'inspirant du classicisme. En 1932, il est a  nouveau de retour à  Barcelone où il change de marchand, entame une relation avec Francesc Cambó et commence à peindre des portraits de la haute société catalane. Il meurt en 1970 des suites d'un accident de la circulation : il est percuté par une voiture sur le Paseo de Gracia de Barcelone... comme un autre célèbre artiste catalan Gaudi !   

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Glyn Warren Philpot (1884 -1937) - Un soldat italien

 

Glyn Warren Philpot (1884 -1937)
Un soldat italien, 1915
Grosvenor Galleries 

Las de peindre des portraits mondain sà Londres, Glyn Warren Philpot, décide de s'installer à Paris où il avait étudié dès le début du siècle à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens. Il commence à changer de style dès avant la Première guerre mondiale opte pour un style plus moderne, plus plat et plus stylisé que son ancienne manière. Ce nouveau style lui vaut un accueil plus que mitigé de la part de ses premiers admirateurs londoniens dont ilv a d'ailleurs s 'éloigner peu à peu. Si bien qu'en avril 1932, on peut lire dans Scotsman : « Glyn Philpot est entrain de tourner au Picasso ». il s'en faut de beaucoup mais la touche moderne ne plait pas. Dommage car elle est superbe et ce dessin qui est le tout premier où il manifeste son intérêt pour les modèles masculins noirs (qui seront récurrents dans toute son œuvre), est d'une grande beauté.

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Santiago Rusiñol i Prats (1861-1931) - Carles Mani i Roig et Pere Ferran, 1895

 

Santiago Rusiñol i Prats (1861-1931)
Carles Mani  i Roig et Pere Ferran, 1895
Dessin 31 x47,5 cm
MNAC, Barcelona 

 
Santiago Rusiñol est un peintre espagnol symboliste et post-impressionniste, aussi auteur et dramaturge. Fils rebelle d'un riche industriel, il se tourne très tôt vers le milieu artistique et part pour Paris. À la fin des années 1880, il revient à Barcelone pour développer la vie culturelle de la ville en créant, entre autres, le cabaret Els Quatre Gats, avec Pere Romeu, Ramon Casas i Carbo et Miquel Utrillo, qui ouvre ses portes en 1897. Dans ce café se regroupent de jeunes artistes dont Pablo Picasso. Rusiñol exerce, à l'époque, une grande influence sur Picasso qui commence sa carrière, en lui définissant la place de l'artiste moderne dans le monde.
Entre 1899 et 1903, Picasso fait 21 portraits de Santiago Rusiñol.
Rusiñol est aussi un organisateur d'événements comme le Festival modernista dans le port de pêche de Sitges où il a laissé de nombreux bâtiments, dont le Musée Cau Ferrat
Artiste complet, il a écrit aussi des nouvelles et joué dans des pièces.

Carles Mani i Roig (1867-1911) (à droite dans le dessin ci -essus)  est un sculpteur catalan. Il fut à contre-courant des mouvements de son époque et chercha un style personnel qui ne fut pas compris de ses contemporains qui fit que son œuvre fut très restreinte. Artiste indépendant et solitaire, sa personnalité étrange selon les mots de qui l'a approché l'empêcha de s'intégrer à la vie de Barcelone où il s'était installé dans les années 1890. Il eut une vie difficile, pleine de désillusions.

Ramon Casas i Carbo - Autoportrait, 1883

 

Ramon Casas i Carbo
Autoportrait, 1883
Huile sur toile 96 x 115,5 cm
MNAC - Museu Nacional d'Art de Catalunya, Barcelona

Ramon Casas i Carbó, est un peintre et affichiste espagnol, promoteur du modernisme catalan. Il est surtout connu pour ses portraits et caricatures de l’élite catalane, espagnole et française.
En 1884, il expose à Barcelone l’œuvre Corrida de Toros. Il part souvent à Paris à l’Académie Gervex où il rencontre les peintres Santiago Rusiñol et Pierre Puvis de Chavannes. En 1889, il part en voyage avec son ami l’artiste post-impressionniste Rusiñol.
Il s’installe à Paris en 1890 au moulin de la Galette de Montmartre avec ses amis Rusiñol, Miquel Utrillo et Ramon Canudas. Il expose le Portrait d’Erik Satie au Salon du Champ-de-Mars et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, où il obtient le titre d'associé qui lui permet d’exposer deux œuvres chaque année sans être évalué par le jury d’admission.
En 1891, il expose une de ses œuvres plus connues intitulée Intérieur du Moulin de la Galette et il obtient une médaille à l’exposition internationale de Berlin où il envoie les œuvres Retrat de dama et Treball. L'année suivante, il gagne la médaille d’or à l’exposition internationale de Madrid avec l’œuvre Aire Lliure. Il expose aussi à l’Exposition universelle de 1893 à Chicago. C'est aussi dans ces années-là qu'il entame cette série de portraits intimistes comme Après le bain (Abbaye de Montserrat) ou Fatiguée (musée d'art de Dallas). Il y peint le même modèle, une jeune femme brune dans une chemise au col gansé de bleu, mêlant remarquablement l'intimité, le respect et le désir. Après cette période dominée par ses portraits et ses nus, il retourne à la représentation de scènes de foule, sur lesquelles il avait déjà travaillé dans les années 1880. Il revient finalement à Barcelone en 1896 et il installe son atelier chez ses parents. Avec l’œuvre Ball de tarda, il gagne une médaille de deuxième classe à l’exposition des beaux-arts de Barcelone, et il expose les œuvres Bona artilleria et Angoixa à l’exposition d’art de Berlin. L'année 1898 marque le début de sa carrière d’affichiste. Il gagne le concours publicitaire de la boisson Anís del Mono et dessine le affiches des campagnes publicitaires pour des marques comme Codorniu, Cigarillos Paris, entre autres. Par la suite, il commence sa collaboration avec les magazines modernistes Quatre Gats, édité par le cabaret éponyme en 1899, puis dans Pèl i Ploma où il publie ses illustrations et qu'il finance en partie (1899-1903).
En 1900, le comité international espagnol choisit deux de ses œuvres pour les présenter à l’Exposition universelle de Paris. Il visite cette exposition avec son ami Picasso, alors âgé de 19 ans dont il fera le portrait à cette occasion.
L’année suivante, il gagne sa première médaille à l’exposition de Munich avec l’œuvre Garrote vil. En 1903, il expose au Salon du Champ-de-Mars l’œuvre La Càrrega. Deux ans plus tard, il y expose l’œuvre Retrat eqüestre de d’Alfons XIII, qui est achetée par le millionnaire nord-américain Charles Deering qui lui commande le portrait de ses filles.
À partir de ce moment-là, il commence une forte amitié avec le millionnaire qui le mène à faire plusieurs voyages avec lui et à rester quelques mois aux États-Unis, où il brosse les portraits des amis du millionnaire. En 1918, il visite le champ de bataille de la Première Guerre mondiale où il peint Autorretrato con Cope Militar.
En 1922, il épouse Julia Peraire qui avait été son modèle pour plusieurs portraits (notamment La Sargantain), et il repart aux États-Unis.
En 1931, il participe à une exposition conjointe avec Rusiñol, Clarasó et Casas.

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Hans Erni (1909-2015) - Nu

Hans Erni (1909-2015)
Nu
Collection Privée.

 
Hans Erni est un peintre, graphiste, graveur et illustrateur suisse. Durant sa jeunesse, il travaille comme dessinateur en bâtiment chez l'architecte Friedrich Felder. En 1927, il rejoint l'école d'art de Lucerne. Dès 1928, il monte à Paris étudier à l'Académie Julian qui lui attribue un prix. Un an plus tard, il part pour Berlin et d'autres villes d'Europe. Il y rencontre Kandinsky et Mondrian. Ses influences sont clairement cubistes au travers de Braque et Picasso. À la fin des années 1930, il fait plusieurs voyages à Londres où il découvre les mouvements abstraits. De 1930 à 1934, il travaille sous le pseudonyme de François Grèque. Il adhère au groupe Abstraction-Création et en 1937-1938, à Londres, il rencontre et devient ami de Henry Moore, Ben Nicholson, Barbara Hepworth et les émigrés allemands membres du Bauhaus. Ce n'est qu'après la guerre que son génie éclate avec de nombreuses peintures et expositions. Erni travaille dans plusieurs ateliers disséminés en Europe. Il devient célèbre avec la réalisation d'une grande peinture murale pour l'Exposition nationale suisse de 1939 à Zurich, sur laquelle il rend un discret hommage au designera utomobile Paul Jaray, son voisin à Lucerne.  Il participe à la création de l'Alliance suisse, un groupe d'artistes helvétiques, et concourt aux compétitions artistiques des Jeux olympiques d'été de 19485. Erni est aussi à l'origine de nombreux timbres destinés aux PTT suisses (Poste, Télégraphe et Téléphone), l'organisation Pro Juventute, le Liechtenstein et l'ONU. En 1979, le musée portant son nom s'ouvre à Lucerne près du Musée suisse des transports.  En 1992, Erni réalise le portrait du Secrétaire Général de l'ONU, Javier Pérez de Cuéllar, portrait qui est affiché dans le bâtiment de l'ONU à New York. L'ONU a, en quelque sorte, joué le rôle de mécène puisque de nombreuses œuvres d'Erni ont été commandées par l'organisation. Erni est un peintre très populaire en Suisse. Son talent ne se limite pas à la peinture, mais s'exprime également par la sculpture et la gravure. Son style unique, avec des contours marqués d'un trait blanc, des personnages charnus mais fidèlement représentés aux côtés d'animaux, l'a rendu célèbre. La science, l'histoire et la mythologie sont des thèmes récurrents, ses peintures mettent en scène le contraste entre l'Antiquité, le monde contemporain et les civilisations. De nombreuses expositions lui sont consacrées, que ce soit en Suisse ou en Europe.

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Vladimir Evgrafovich Tatlin (1885-1953) - Le marin. Autoportrait, 1911

Vladimir Evgrafovich Tatlin (1885-1953)
Le marin. Autoportrait, 1911.
Musée d'Etat Russe, Saint-Pétersbourg

Vladimir Ievgrafovitch Tatline ( Владимир Евграфович Татлин), est un peintre et sculpteur soviétique constructiviste. Vladimir Tatlin est né le 16 (28) décembre 1885 à Moscou dans la famille d'un ingénieur ferroviaire. Après la mort de sa mère, la famille a déménagé à Kharkiv. Il s'enfuit de chez lui à 14 ans et s'engage comme mousse pour deux ans à bord d'un vapeur de la Mer Noire : il découvre la France, la Palestine, la Turquie et le Maroc. En 1902, il fréquente l'Ecole des Beaux Arts de Penza puis en 1907–1908 celle de Moscou, où il est l'élève de Michel Larionov. En 1912, il expose des peintures et des dessins dont il trouve l'inspiration dans les pays traversés (Égypte, Turquie, Grèce). Il joue du bandoura dans un orchestre folklorique ukrainien en 1913, à Berlin, puis vient à Paris avec une seule idée en tête : rencontrer Picasso. Pour pouvoir rester à Paris, Tatline demande au maître espagnol de l'engager comme domestique ; mais Picasso refuse et Tatline rentre en Russie où il exécute son premier relief peint : La Bouteille. Le peintre est dès lors sculpteur. Ce sens de l'espace, il l'a découvert dans les scénographies auxquelles il a travaillé entre 1911 et 1913. L'objet est représenté d'une manière dissociée en trois éléments métalliques : le premier, une plaque de métal pour la forme ; le deuxième, un morceau de métal arrondi en cylindre pour le volume, et le troisième, un grillage métallique pour la transparence. La suppression du cadre attribue dès lors à l'espace réel la fonction de "contre-relief ".  En 1914, il s'engage ainsi dans la réalisation de tels « contre-reliefs », premiers jalons de la sculpture abstraite, qui s'appuie sur les principes de la construction et la culture des matériaux dans laquelle la masse et le volume s'éclipsent, pour laisser place à une intersection de plans où l'air circule. « De vrais matériaux dans le vrai espace », telle est sa devise. À la sculpture, classique et académique par la taille et la fonte s'est substitué l'art de coller, de souder, d'emboîter des pièces les unes dans les autres. Il passe par plusieurs mouvements artistiques, fasciné particulièrement par le fauvisme et le cubisme. Mais il veut selon son expression que « l'art soit descendu de son piédestal ». Il transpose le cubisme dans l'espace et abandonne bientôt la peinture de chevalet. Il participera à la fameuse exposition suprématiste de décembre 1915 à janvier 1916, intitulée « Exposition 0,10 », avec un de ses premiers « contre-reliefs ». Il voulait matérialiser l'art avec des montages, des assemblages. Il recherchait la mort de l'œuvre d'art de musée : l'œuvre doit participer à la vie et à la construction du monde. Son œuvre la plus célèbre est son projet pour un Monument à la Troisième Internationale, datant de 1919-1920 mais qui ne sera jamais construit (ce devait être une véritable tour habitée). Elle constitue également l'œuvre la plus emblématique du constructivisme, dont Tatline fut le principal inspirateur. Dan Flavin a rendu hommage à cette œuvre dans sa série Monuments for V. Tatlin, qui comprend une cinquantaine de pièces constituées de sept néons blancs. En 1920, l'artiste dadaïste Raoul Hausmann, pionnier du photomontage, réalise un portrait intitulé Tatlin at home, un collage composé de photos, papiers et gouache considéré comme une œuvre emblématique du mouvement dada, conservé au musée national de Stockholm. Il s'agit de représenter le portrait intime de Vladimir Tatline, lui-même spécialiste du collage.  Entre 1925 et 1928, Tatlin est professeur à l'Institut d'art de Kiev (maintenant NAOMA), à la tête de la faculté des disciplines formelles et techniques.
En 2012, le musée Tinguely à Bâle consacre à l'œuvre de Tatline une exposition intitulée Tatlin. Un nouvel art pour un monde nouveau.



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Pablo Picasso (1881-1973) - Torero. Etude pour "Le Tricorne"

Pablo Picasso (1881-1973),
Torero. Etude pour "Le Tricorne"
Gouache, 1919
Collection privée

Une étude à mi-chemin entre l'arlequin, figure emblématique de l'oeuvre de Picasso au début du 20e siècle et le Torero.

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Agustín Esteve Marqués (1753-1830) - Etude de nus masculins

Agustín Esteve Marqués (1753-1830)
Etude de nus masculins, 1795
Complutense, Madrid

 
Ce dessin qui rappelle beaicup celui des  Baigneurs, 1920  de Picasso, a été fait par Agustín Esteve y Marqués, peintre espagnol, principalement actif à la cour royale de Madrid. Agustín Esteve était un portraitiste de la couronne espagnole, il a été influencé par Francisco Goya et de nombreuses copies des portraits du grand maître. Le portrait de la marquise de San Andrés de Parme est l'un de ses chefs d'œuvre. Esteve est né et a grandi à Valence avant  d'étudier à l'Académie des beaux arts de San Carlos.  Comme Goya, Esteve s'est établi lorsque le néoclassicisme de Raphaël Mengs était encore dominant à Madrid. Cependant, à la fin du xviiie siècle, Esteve a aussi été influencé par Goya. Le 14 juin 1800, le roi a nommé Esteve ,peintre de la cour. Il recevait un salaire de 6 000 réals, à comparer aux 15 000 que les peintres recevaient à l'époque et aux 65 000 perçus par Francisco Goya.

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Frederic Remington (1861-1909) - The Love Call

Frederic Remington (1861-1909)
The Love Call, 1909
Oil on canvas, (31 x 28 in.)
Sid Richardson Museum, Fort Worth, Texas

The Love Call (L'Appel de l'Amour) représente un indien solitaire jouant de la flûte à côté d'un arbre, ans la pénombre grandissante du crépuscule Appelle-t-il ainsi son amour ? À l'époque où il fut peint, les critiques divergeaient sur l'aspect romantique du tableau, les uns soulignant son attrait poétique et féminin tandis que d'autres préféraient y voir un "paysage intéressant"‚ produit de manière réaliste. On pourrait tout aussi bine la qualifier de Cézannienne dans l'usage de ses bleus. Un indéniable itair de famille aussi avec certains Picasso de la "période bleue".
Remington termina The Love Call, en juillet 1909, en une seule séance alors qu'il traversait une période intensément créative en juillet 1909 : " J'ai travaillé dans d'excellentes conditions techniques: la couleur vibrait littéralement tout autour de moi ", écrit-il dans son journal le 6 juillet 1909. Il a noté qu'il avait également travaillé sur deux autres peintures ce jour-là mais qu'il restait encore du temps pour ses occupations quotidiennes et même pour parler avec ses voisins. Le tableau a servi de toile de fond à la rencontre du pape Paul VI et du président Lyndon Johnson en octobre 1965 au Waldorf Astoria à New York. The Love Call n'a été exposé que deux fois à partir du moment où il a été peint et est ensuite resté dans des collections privées jusqu'en 1996, date à laquelle il a été acquis par le Sid Richardson Museum qui conserve plusieurs toiles parmi les belles de Remington. 

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Glyn Warren Philpot (1884 -1937) - Head of a man, c. 1912-13

 

 

Glyn Warren Philpot (1884 -1937)
Head of a man c. 1912-13
Charcoal with white heightening on brown paper 26.5 × 25.5 mm. 

Courtesy of Agnews Gallery.

Las de peindre des portraits mondain sà Londres, Glyn Warren Philpot, décide de s'installer à Paris où il avait étudié dès le début du siècle  à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens. Il commence à changer de style dès avant la Première guerre mondiale  opte pour un style plus moderne, plus plat et plus stylisé que son ancienne manière. Ce nouveau style lui vaut un accueil  plus que mitigé de la part de ses premiers admirateurs londoniens dont ilv a d'ailleurs s 'éloigner peu à peu. Si bien qu'en  avril 1932, on peut lire dans Scotsman : « Glyn Philpot est entrain de tourner au Picasso ». il s'en faut de beaucoup mais la touche moderne ne plait pas. Dommage car elle est superbe et ce dessin qui est le tout premier où il manifeste son intérêt pour les modèles masculins noirs (qui seront récurrents dans toute son œuvre),  est d'une grande beauté. 

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D'après Coco Chanel (1883-1971) - Dessin de costume pour Le Train Bleu de Darius Mihaud

 

D'après Coco Chanel (1883-1971)
Dessin de costume pour " Le Train Bleu" de Darius Mihaud

Le Train bleu est un ballet en un acte de Bronislava Nijinska, musique de Darius Milhaud, livret de Jean Cocteau, décors d'Henri Laurens, costumes de Coco Chanel. Le rideau de scène a été peint d'après Deux femmes courant sur la plage, un tableau de Pablo Picasso.
Créé par les Ballets russes de Serge de Diaghilev au Théâtre des Champs-Élysées de Paris le 20 juin 1924, il a pour interprètes principaux Bronislava Nijinska, Lydia Sokolova, Anton Dolin et Léon Wojcikowski. Le Train Bleu, critique sociale des années folles, sera assez peu apprécié du public à sa création.
Ce dessin, communiqué par Silvia Catan est san doute une copie d'un original de Chanel, postérieur de 6 ans a la date de création. 

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Pablo Picasso (1881-1973) - Arlequín con espejo (Arlequin au miroir)

 

 

Pablo Picasso (1881-1973)
Arlequín con espejo, 1923
(Arlequin au miroir, 1923)
Museo nacional Thyssen Bornemisza.

 

L'Arlequin est une figure récurrente dans l'œuvre de Picasso.  Il en a peint preès d'une cinquantaine qui prennent pour modèles  soit son fils Paul enfant soit des amis peintres mais toujours des personnages qui lui sont proches.  Ce personnage de la Commedia dell’arte a été pour l'artiste espagnol une représentation de son double. Arlequin incarnait pour Picasso une image de solitude et de mélancolie.
Avec ces Arlequins, on est loin du Picasso cubiste. Les personnages ont souvent des expressions réalistes. Il en a beaucoup en peindre durant sa période rose, et bleue. Certains des Arlequins de l'artiste ont une allure inachevée. On a l'impression que la toile n'est pas terminée, ce qui donne un aspect de technique du collage.  La fonction d'Arlequin était celle d'un valet comique, célèbre pour ses pirouettes et ses acrobaties. On ne s'étonnera pas que Picasso ait été attiré par ce personnage complexe, tant l'artiste était lui-même difficile à cerner. Ce thème connut  un succès  immédiat auprès du public et des collectionneurs.   Dans une lettre datée de janvier 1921, son marchand Paul Rosenberg lui réclame "mes Arlequins !!!!".  La profusion des tableaux de Picasso sur ce thème démontrent en tout cas l'influence du   marché dans la fabrication de chefs-d'œuvres, mais  aussi celui du goût du public. Ainsi par exemple ,c'est grâce à l'engouement et la mobilisation du public  que l'"Arlequin" de Bâle, en dépôt au musée de la ville, a pu y rester. A la suite de cette manifestation du public en faveur d'une de ses oeuvres, Picasso, touché, fit même un don important au Kunstmuseum.

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Duncan Grant (1885-1978) - Les acrobates

 

 

 
Duncan Grant (1885-1978)
Les acrobates, fusain et aquarelle
Collection privée 

 

 

Duncan James Corrow Grant est un peintre britannique (écossais), designer de textiles, de poteries, de décors de théâtre et de costumes qui occupa une place centrale dans le Bloomsbury Group principalement composé de Virginia Woolf, E. M. Forster et Mary (Molly) MacCarthy, Lytton Strachey, John Maynard Keynes, Vanessa Bell, Roger Fry, Desmond MacCarthy, Clive Bell et Leonard Woolf..
En tant que fils de militaire, il passa une grande partie de son enfance en Birmanie et en Inde, mais pas du tout dans l'atmosphère exotique et luxueuse de l'armée des Indes que l 'on pourrait imaginer, son père faisant partie des soldats les plus pauvres de l'Empire, ce que l'on appelait, "l'Armée des Pauvres".
Entre 1899 et 1900, Grant a vécu avec sa tante et son oncle, Sir Richard et Lady Strachey et leurs enfants (Lytton Stachey) découvrant un monde d 'élégance et de raffinements esthétiques qui lui étaient jusqu'alors inconnus.
Pendant cette année qui fut décisive dans la formation du jeune Grant, il accompagna assidument sa tante Lady Strachey dans ses activités de peintre du dimanche, ce qui lui donna accessoirement l'opportunité de rencontrer toute une série de peintres assez connus. Etonnée par les talents de son neveu "pauvre", Lady Strachey réussit à persuader ses parents de l'autoriser à se charger de son éducation artistique. Ainsi au cours de l'hiver 1904-1905, Grant visita l'Italie où, à la demande de Harry Strachey, il réalisa des copies d'une partie des fresques de Masaccio dans la chapelle de Brancacci.
En 1909 Grant, rendit visite à Gertrude Stein à Paris et vit sa collection qui comprenait des peintures, entre autres, de Picasso et de Matisse. Pendant l'été de cet même année, Grant rendit visite à Matisse lui-même dans sa maison de Clamart.
Au delà de ses moeurs très libres et de sa vie sentimentale bisexuelle très fournie, à la fois avec Vanessa Bell, John Maynard Keynes, David Garnett, Roger Fry et Paul Roche (entre autres)... Duncan Grant est surtout connu pour un style de peinture, qui se situe dans le prolongement des post-impressionnistes français, dont Roger Fry avec lequel il travailla souvent, surtout dans le cadre des Ateliers Omega, qu'il fonda en 1913 et qui était une véritable entreprise d'art décoratifs mêlant céramiques, textiles et décors peints d'un genre très particulier...
Vanessa Bell et Duncan Grant continuèrent à vivre ensemble pendant plus de quarante ans, ce qui n'empêcha nullement Grant d'avoir des relations homosexuelles régulières.
Durant les dernières années de la vie de Grant, son ancien amant le poète Paul Roche (1916-2007), qu'il connaissait depuis1946, prit soin de lui et lui permit de maintenir son mode de vie à Charleston, où Angelica s'installa à son tour. En contrepartie, Grant fit de Roche son cohéritier avec sa fille Angelica.
Grant mourut finalement dans la maison même de Paul Roche en 1978.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Les Baigneurs, 1920 (dessin + toile)

 

Pablo Picasso (1881-1973)
Les  Baigneurs, 1920
Collection privée

Le thème des baigneurs à la plage a été traité à de nombreuses reprises par Picasso comme dans La flûte de Pan publié dans ce blog. Ce beau dessin des années 20 est un dessin préparatoire à la toile qu'il peignit l'année suivante et que voici :

Auguste Chabaud ( 1882-1955) - Le Bar aux Canotiers

Auguste Chabaud ( 1882-1955)
Le Bar aux Canotiers
Huile sur toile c. 1908.

 
Entré à l'école des beaux-arts d'Avignon en 1896, Auguste Chabaud a pour maître Pierre Grivolas. Puis en 1899, il part à Paris poursuivre ses études à l'Académie Julian et à École des beaux-arts, dans l'atelier de Fernand Cormon (1845-1924). Il rencontre Henri Matisse et André Derain. La propriété viticole de ses parents subit la crise de 1900, obligeant Auguste Chabaud à redescendre dans le Midi.  En 1901, Auguste Chabaud doit quitter Paris pour gagner sa vie, il s'embarque comme pilotin sur un navire et découvre la côte occidentale africaine. La même année son père meurt ; il hérite avec son frère de la propriété viticole et des terres que seul son frère va gérer. À cette période, Chabaud travaille beaucoup sur  des papiers de boucherie. En 1907, il expose au Salon des indépendants  avec les fauves. Il va découvrir une nouvelle vie, celle de la nuit parisienne et des cabarets. Les collectionneurs commencent à s'intéresser à son travail. À Montmartre où il a son atelier, il peint les rues et les places animées ou désertes, les scènes de la vie nocturne et les maisons closes. En 1911, il entame sa période cubiste, travaille de grands formats et sculpte. S'ensuivent de nombreuses expositions dont celle de New York en 1913 où il expose aux côtés d'Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck et Pablo Picasso, puis à Chicago et Boston. Ses toiles de la période fauve décrivent la vie nocturne parisienne : cabarets, cafés théâtre, prostituées, aux teintes de couleurs vives (jaune, rouge) contrastant avec les couleurs de la nuit (bleu marine, noir).  À son retour de la Première Guerre mondiale, en 1919, Auguste Chabaud s'installe définitivement à Graveson, dans les Alpilles. À partir de 1920, il entame sa période bleue où il emploie le bleu de Prusse à l'état pur, dans laquelle la Provence, ses personnages et ses coutumes sont mis en avant. Le Sud, qu'il n'a jamais cessé de peindre, même dans sa période parisienne, va l'occuper désormais exclusivement. Comme l'avait fait Paul Cézanne avec la montagne Sainte-Victoire, Auguste Chabaud immortalisera « la montagnette », peignant des scènes de campagne, des paysans arpentant les collines et sentiers des Alpilles. Il y restera jusqu'à la fin de sa vie, vivant reclus dans sa maison avec sa femme et ses sept enfants. Surnommé l'« ermite de Graveson », il meurt en 1955.

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Duncan Grant (1885-1978) - Paul Roche reclining

Duncan Grant (1885-1978)
Paul Roche reclining
Private collection

Duncan James Corrow Grant est un peintre britannique (écossais), designer de textiles, de poteries, de décors de théâtre et de costumes qui occupa une place centrale dans le Bloomsbury Group principalement composé de Virginia Woolf, E. M. Forster et Mary (Molly) MacCarthy, Lytton Strachey, John Maynard Keynes, Vanessa Bell, Roger Fry, Desmond MacCarthy, Clive Bell et Leonard Woolf..
En tant que fils de militaire, il passa une grande partie de son enfance en Birmanie et en Inde, mais pas du tout dans l'atmosphère exotique et luxueuse de l'armée des Indes que l 'on pourrait imaginer, son père faisant partie des soldats les plus pauvres de l'Empire, ce que l'on appelait, "l'Armée des Pauvres".
Entre 1899 et 1900, Grant a vécu avec sa tante et son oncle, Sir Richard et Lady Strachey et leurs enfants (Lytton Stachey) découvrant un monde d 'élégance et de raffinements esthétiques qui lui étaient jusqu'alors inconnus.
Pendant cette année qui fut décisive dans la formation du jeune Grant, il accompagna assidument sa tante Lady Strachey dans ses activités de peintre du dimanche, ce qui lui donna accessoirement l'opportunité de rencontrer toute une série de peintres assez connus. Etonnée par les talents de son neveu "pauvre", Lady Strachey réussit à persuader ses parents de l'autoriser à se charger de son éducation artistique. Ainsi au cours de l'hiver 1904-1905, Grant visita l'Italie où, à la demande de Harry Strachey, il réalisa des copies d'une partie des fresques de Masaccio dans la chapelle de Brancacci.
En 1909 Grant, rendit visite à Gertrude Stein à Paris et vit sa collection qui comprenait des peintures, entre autres, de Picasso et de Matisse. Pendant l'été de cet même année, Grant rendit visite à Matisse lui-même dans sa maison de Clamart.
Au delà de ses moeurs très libres et de sa vie sentimentale bisexuelle très fournie, à la fois avec Vanessa Bell, John Maynard Keynes, David Garnett, Roger Fry et Paul Roche (entre autres)... Duncan Grant est surtout connu pour un style de peinture, qui se situe dans le prolongement des post-impressionnistes français, dont Roger Fry avec lequel il travailla souvent, surtout dans le cadre des Ateliers Omega, qu'il fonda en 1913 et qui était une véritable entreprise d'art décoratifs mêlant céramiques, textiles et décors peints d'un genre très particulier...
Vanessa Bell et Duncan Grant continuèrent à vivre ensemble pendant plus de quarante ans, ce qui n'empêcha nullement Grant d'avoir des relations homosexuelles régulières.
Durant les dernières années de la vie de Grant, son ancien amant le poète Paul Roche (1916-2007), qu'il connaissait depuis1946, prit soin de lui et lui permit de maintenir son mode de vie à Charleston, où Angelica s'installa à son tour. En contrepartie, Grant fit de Roche son cohéritier avec sa fille Angelica.
Grant mourut finalement dans la maison même de Paul Roche en 1978.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Jongleur à la Nature morte

Pablo Picasso (1881-1973)
Jongleur à la Nature morte
Gouache sur carton, 1905
The National Gallery of Art, Washington

Selon la notice de la National Gallery of Art de Washington, contrairement à la majeure partie des oeuvres de la série des Saltimbanques de Picasso, Le jongleur à la Nature morte, est une œuvre d'atelier, le modèle tenant une pose sur un arrière-plan rde rideau attaché , à côté d'une nature morte posé esur un carton. Cette dernier est composés de manière plutôt désinvolte, mais comprend  un vase lié déjà vu dans le tableau  La famille des Saltimbanques. Le jongleur  lui même  a pu être identifié comme un modèle utilisé par Picasso pour plusieurs tableaux à l'automne 1905. Sa physionomie et la position de ses mains se retrouvent dans celles du Garçon à la pipe. Bien qu'il soit cousin des acrobates de la Famille des Saltimbanques, Le Jongleur en diffère par la frontalité très formelle de sa posture. 

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