Tranquillo Cremona (1837-1878 - Portrait de Nicola Massa

 

Tranquillo Cremona (1837-1878)
Portrait de Nicola Massa, 1867
Castello Visconteo, Pavie  

Tranquillo Cremona, frère du mathématicien Luigi Cremona, suit des études supérieures au lycée classique Ugo Foscolo de Pavie. Il est l'un des initiateurs du mouvement scapigliatura en peinture, s’inspirant de Francesco Hayez mais avec une approche de coloriste qu'il puise à Venise  où il séjourne entre 1852 et 1859. Par la suite, son  langage se tourne vers la recherche d'effets de flou et de douceur, qu'il obtient par la prévalence due l'effet de  sfumato (fumée) appliqué sur les contours. Il illustre ainsi une théorie de l'indéfini que beaucoup de formes d'art tentent a son époque d'appliquer. et dont Giuseppe Rovani est devenu le porte parole a travers son  livre Le tre arti (1874).
En 1870, Cremona parvient enfin au résultat  recherché , quand il présente I cugini, série d'œuvres qui ne manquent  de surprendre la bourgeoisie milanaise d'alors et le milieu artistique  dominé par le réalisme guindé de Giuseppe Bertini dont il fut également un élève.

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Philip de Làszlo (1869-1937) - Portrait de Armand de Gramont, duc de Guiche

 

 

 

Philip de Làszlo (1869-1937)
Portrait d'Armand de Gramont, duc de Guiche, 1904

Collection privée  

Antoine Auguste Agénor Armand de Gramont,(1879 -1962) est un gentilhomme français, 12e duc de Gramont, qui fut industriel et scientifique. C'était un ami proche de Marcel Proust. Amateur de peinture, Armand de Gramont avait rêvé de devenir peintre et exposé en 1904 un tableau au Salon des artistes français. Sa famille l'avait poussé vers des études plus sérieuses et il avait obtenu une licence ès sciences en 1902. En 1908, sur les conseils du professeur Carlo Bourlet, il établit un laboratoire pour des expériences d'aérodynamique, dans le jardin d'une maison de retraite fondée par ses beaux-parents à Levallois. En 1911, il soutient à la Faculté des sciences de Paris sa thèse pour le doctorat ès sciences intitulée "Essai d'aérodynamique du plan", première thèse consacrée en France à ce sujet. Il obtient ensuite le prix Fourneyron de l'Académie des sciences avec Gustave Eiffel. Au cours de la Première Guerre mondiale, Armand de Gramont est tout d'abord automobiliste interprète avec l'armée anglaise puis aviateur à la Section technique de l'aéronautique où il rencontre le savant Henri Chrétien. En mars 1916, le Service des fabrications de l'aviation du ministère de la Guerre demande à Gramont de transformer son laboratoire d'aérodynamique en atelier de fabrication d'appareils optiques, en particulier de collimateurs de visée. Il observe l'insuffisance de l'équipement de l'armée française en instruments d'optique de précision et l'absence d'ingénieurs capables de les mettre au point. Il prend alors la tête d'un comité en faveur de la création d'un "institut d'optique appliquée" chargé de la formation d'un corps d'ingénieurs-opticiens. Si la décision de principe fut prise par le Gouvernement dès 1916, l'Institut d'optique théorique et appliquée (Sup Optique), qu'il présida jusqu'à sa mort, ne commença ses activités qu'en 1920. Sa fille Corisande y fut élève-ingénieur.
La Maison de Gramont de Ritter (tome 2) indique que les obsèques d'Armand de Gramont eurent lieu dans l'intimité, en l'église de Mortefontaine le 6 août 1962 et son corps inhumé au caveau de la Maison toujours à Mortefontaine. Sa femme Elaine Greffulhe y avait été inhumée en février 1958". 

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Paul Cézanne (1839-1906) - Le buveur

 

 

Paul Cézanne (1839-1906)
Le buveur, 1890.
The Barnes Foundation

Paul Cézanne a peint environ 300 tableaux sur lesquels 54 sont parvenus jusqu'à nos jours. Il a également détruit une partie de son œuvre.
Cézanne a peint de nombreux portraits d'hommes, critiques et amis collectionneurs servant à tour de rôle, de modèles d'un archétype masculin. Mais en dehors de ses amis et des membres de sa famille, Paul Cézanne aime aussi peindre les paysans, les bonnes et les ouvriers agricoles du Jas-de-Bouffan. Il peint ainsi plusieurs portraits de son jardinier et celui d'une femme solide aux mains lourdes devant une simple cafetière. Des gens simples avec lesquels il aime vivre et manger un peu de fromage, des figues et des noix ou comme ici un abricot et un verre de vin ...

 
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Jan Havickszoon Steen (1626-1679) - Le boulanger Arend Oosterwaert et sa femme

Jan Havickszoon Steen (1626-1679)
Le boulanger Arend Oosterwaert et sa femme
Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid

Steen a peint quelques centaines de tableaux, caractérisés, surtout, par la connaissance du cœur humain, l’humour, et une utilisation exubérante de la couleur. Il représente fréquemment des valeurs morales dans des scènes du quotidien, en recourant à des images la plupart du temps symboliques. La vie quotidienne constitue le sujet de prédilection de Steen, qui a un style baroque. Un bon nombre de tableaux sont pleins d’animation, voire chaotiques et luxurieux, à tel point que ce genre de scènes a donné naissance à une expression couramment utilisée en néerlandais : « een huishouden van Jan Steen », c'est-à-dire « un ménage de (à la) Jan Steen ». Ses peintures renferment des indices subtils et de nombreux symboles qui laissent entendre que Jan Steen ne veut pas tant inviter le spectateur à imiter ce qui est représenté que, au contraire, donner à celui-ci une leçon morale. Souvent, elles se réfèrent à de vieux proverbes ou à d’anciens textes littéraires néerlandais. La famille du peintre faisait souvent fonction de modèle.
En dehors des peintures de genre, Steen a exploré des sujets variés : il a peint des scènes historiques, mythologiques et religieuses (Samson parmi les Philistins, Amnon et Hagar, Les Noces de Cana), des portraits – dont quelques autoportraits, peu vaniteux –, des natures mortes et des paysages. On vante ses représentations d’enfants, de même que sa maîtrise de la lumière et son souci du détail, notamment dans le rendu des matières textiles.
L’œuvre de Jan Steen put également jouir de l’estime de ses contemporains et, de ce fait, il gagna assez bien sa vie. À l’exception de deux de ses fils, Cornelis et Thadeus Steen, on ne lui connaît aucun élève, mais son travail constitua une source d’inspiration pour bien d'autres artistes.

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Glyn Warren Philpot (1884 -1937) - Jeune homme à la Casquette à Visière anti solaire

 

Glyn Warren Philpot (1884 -1937)
Jeune homme à la casquette à visière anti-solaire 
Collection privée 

Glyn Warren Philpot, est un peintre et sculpteur anglais, surtout connu pour ses portraits à l'huile.
Il étudie à la Lambeth School of Art en 1900, puis à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens.

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Gottfried Lindauer (1839-1926) - Portrait de Rewi Manga Maniapoto

 

Gottfried Lindauer (1839-1926)
Portrait de Rewi Manga Maniapoto, 1882
Auckland Art Gallery

 

Rewi Manga Maniapoto (1807–1894) était un chef Ngāti Maniapoto qui dirigeait les forces rebelles du Kīngitanga pendant l' invasion de Waikato par le gouvernement néo-zélandais pendant les guerres de Nouvelle-Zélande.

 Gottfried Lindauer (1839- 1926) d'origine tchèque commença par étudier dès 1855, la peinture à
l'Académie des beaux-arts de Vienne (Autriche). Après avoir commencé une honnête carrière de sujets religieux en Autriche, il quitte soudainement la Bohême où il résidait pour aller s'installer en Moravie pendant trois ans. De là, pour éviter d'être enrôlé dans les troupes de l'empire austro-hongrois, il part pour l'Allemagne et, en 1874, embarque sur un bateau en partance pour la Nouvelle-Zйlande, une terre lointaine et réputée sauvage dont l 'éloignement suffisant lui convient.
C'est sur cette terre de Nouvelle Zélande, que Lindauer va devenir célèbre en peignant les portraits de tous les grands chefs Maoris de son temps. Les chefs maoris appréciant hautement que Lindauer, peignent avec une précision jamais atteintes jusqu'alors leur tatouage rituels (les mokos) aussi bien que leur costumes, leurs ornements et leurs armes, défilèrent littéralement dans son atelier lui passant commande de ce qui allait devenir la plus grande collection de portraits maoris de tous les temps.
Cette série de spectaculaires portraits grandeur nature des chefs maoris et des guerriers fut exposée par Sir Walter Buller à l' Exposition coloniale et indienne de 1886, propulsant ainsi Lindauer sur la scène artistique coloniale comme le spécialiste incontesté des "Maoris at home", qui devint un sujet d'étude particulier.
L'un de ces portraits représentant un jeune danseur Poi (sans moko sur le visage), était tellement admiré par le prince de Galles que Sir Walter Buller le lui offrit.
Les portraits maoris de Lindauer, comme beaucoup de ceux que peignirent aussi Ellen von Meyern et Frances Hodgkins, ne représentaient pas seulement des hommes mais aussi des femmes symbolisant souvent une maternité primitive heureuse. Son portrait de femme maori le plus célèbre est celui de Heeni Hirini, aussi connue sous le nom d’Ana Rupene, portant un bébé sur le dos et que Lindauer a peint plus de 30 fois !
Après être revenu une seule fois dans son pays natal en 1886–1887, Lindauer choisit de retourner s'installer définitivement en Nouvelle Zélande et de s'établir à Woodville, près de Wellington, après qu'il eut épousé Rebecca, fille de Benjamin Prance Petty.
Lindauer est est enterré dans le cimetière Old Gorge de Woodville en Nouvelle Zélande.
Depuis son décès ses portraits maoris ont fait le tour du monde et l'ont établi comme un portraitiste sans équivalent des maori au tournant des 19 et 20e siècle.

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Gustave Roud (1897-1976) - Fermier suisse (5)

Gustave Roud (1897-1976)
Fermier suisse, 1940
Série " Corps de Paysans
Tirage photographique sur papier
Bibliothèque cantonale et universitaire de Lausanne

La série "Corps de Paysans " constitue une part importante pour ne pas dire essentielle de la photographie de Gustave Roud. Posant généralement le torse dénudé, le jeune paysan au champ engage une imagerie de la puissance virile. Loin des photo reportages des campagnes, ces séries montrent un protocole de prise de vue réitéré avec différents modèles. Le paysan célébré dans la photographie se détache de la figure littéraire d’Aimé, dans la mesure où il ressemble davantage à une statue grecque ou à un athlète qu’à l’ange intercesseur. Modèle par excellence, Fernand Cherpillod a permis au photographe la mise en place d’une esthétique du paysan proche de l’athlétisme agricole ou d’un être premier accordé à la terre. Prenant son essor à la fin des années trente, cette esthétique déployée ensuite pendant des décennies entretient des liens étroits avec des pratiques de l’époque : la contre-plongée, l’arrière-fond du ciel, le choix du modèle lui-même jeune, musclé, imberbe ou glabre. La célébration du paysan est accompagnée d’une esthétique du désir que certaines mises en scène avec les ombres ou les objets érotisent. Mais ces mises en scène, peu nombreuses, laissent le plus souvent la place à la fascination du corps athlétique en tant que tel, dans une épopée silencieuse du faucheur solitaire.
Extrait de la notice du Site Gustave Roud.com

Gustave Roud (1897-1976), un des principaux auteurs francophones de Suisse, est principalement connu pour ses proses poétiques. Depuis quelques années cependant, son activité de photographe apparaît également au premier plan : Gustave Roud est ainsi considéré comme l’un des grands écrivains-photographes européens de l’entre-deux-guerres et de l’immédiat après-guerre.
Loin d’être simplement un écrivain qui illustrerait sa démarche littéraire, Gustave Roud a eu une activité photographique intense dès l’âge de 16 ans jusqu’à la fin de sa vie, bien que celle ci n'ait jamais été exposée de son vivant. Malgré des expositions posthumes au Centre Beaubourg (Paris) et au musée de l’Elysée (Lausanne), ainsi que la publication d’un catalogue (Terre d’ombres, Slatkine, 2002), son statut de photographe est longtemps resté en marge de la littérature, selon la volonté d’ailleurs de Philippe Jaccottet qui a géré son œuvre après sa mort. Pourtant, Gustave Roud a conservé et transmis son travail abondant, accompli avec détermination et rigueur.
Les photos diffusées sur ce blog pour aider à la connaissance de ce grand photographe, appartiennent au Fonds photographique Gustave Roud, déposé à la Bibliothèque cantonale et universitaire de Lausanne par Françoise Subilia, et qui comprend 13.000 clichés divisées en 5 séries.

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Josip Račić (1885-1908) - Autoportrait en I906

 

Josip Račić (1885-1908)
Autoportrait en I906
Modern Gallery, Zagreb

Josip Račić (1885-1908) était un peintre croate au début du XXe siècle. Bien qu'il soit mort très jeune (il n'avait que 23 ans) et que son travail ait été principalement créé pendant ses années d'étudiant, il est l'un des peintres croates modernes les plus connus. Aujourd'hui, Račić est considéré comme l'un des représentants les plus importants de la peinture moderne croate. En 1908, il se rend à Paris où il peint une série d'aquarelles et d'huiles représentant des ponts, des avenues et des parcs parisiens. Il est mort d'une blessure par balle dans une chambre d'hôtel à Paris en juin 1908, après s'être suicidé.
Josip Račić est l'un des fondateurs de l'art croate moderne, le premier à intégrer le concept de conscience de soi et d'intégrité artistique à sa vie et à ses œuvres, "peinture pure", comme il l'appelait. Une caractéristique particulière de ses peintures est le fort sombre royaume de la spiritualité humaine. Une rétrospective de son travail a eu lieu à la galerie moderne de Zagreb et de Dubrovnik en 2008–2009, pour marquer le 100e anniversaire de la mort de l'artiste.

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Kishida Ryûsei (1891-1929) - Portrait de Mushanokôji Saneatsu, 1914

 

 

Kishida Ryûsei (1891-1929)
Portrait de Mushanokôji Saneatsu, 1914.
Tokyo Municipal Museum of Art

A peu près inconnu en occident, Ryūsei Kishida est considéré dans son pays  comme l’un des plus grands peintres du 20e siècle. Lié au mouvement Shirakaba (1910-1923), il symbolise, dans les manuels scolaires par exemple, la modernité de l’ère Taishō (1912-1926). 

Plusieurs grands historiens de l’art japonais moderne ont mis en évidence dans son travail, la spécificité de son réalisme et sa critique des avant-gardes.

 Kishida a réalisé de nombreux portraits, ainsi que des paysages terreux, dévoilant un goût qui lui est propre pour une texture à la fois fluide et grasse.

Ss tableaux, d'un format assez petit, sont les plus cotés sur le marché nippon. En 2000, sa toile Reiko un châle sur les épaules (1920) a été adjugée 360 millions de yens, établissant le record pour une œuvre moderne japonaise.

 

Mushanokôji Saneatsu  est un romancier et dramaturge japonais mort en 1976.  Né dans une famille de la noblesse japonaise, il étudie à Gakushūin et s'intéresse très jeune à la littérature et à la philosophie. Il est également très influencé par l'œuvre de Léon Tolstoï. Les écrits de Mushanokōji, surtout des romans et des pièces de théâtre, prônent une philosophie humaniste où le développement spirituel de l'être humain doit favoriser l'harmonie universelle. En 1918, il part fonder une communauté socialiste et utopique dans la préfecture de Miyazaki afin de mettre en pratique ses idées philosophiques. Il nomme cette communauté Atarashiki-mura (le nouveau village) et y continue son œuvre littéraire tout en s'adonnant à la peinture. Il renonce à l'expérience en 1926 et quitte le village. Il crée ensuite une galerie d'art à Tokyo et écrit des biographies avant d'interrompre ses travaux dans les années 1930 et voyage à travers l'Europe en 1936. Après la Seconde Guerre mondiale, il est brièvement mis à l'écart de toute fonction publique par les forces d'occupation américaines en raison de son appartenance à la Chambre des pairs du Japon et de son manque d'opposition à la guerre. Il fait son retour à la littérature en publiant Shinri sensei en 1950. Il est décoré de l'Ordre de la Culture en 1951 et devient membre de l'Académie des arts en 1952.

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Louis-Léopold Boilly (1761-1845) - Portrait d'Antoine Denis Chaudet

 

Louis-Léopold Boilly (1761-1845)
Portrait d'Antoine Denis Chaudet, 1763
Palais des Beaux-arts, Lille

 
Élève de Jean-Baptiste Stouf et d'Étienne Gois père, Antoine-Denis Chaudet remporte en 1784 un premier prix de Rome de sculpture sur le sujet de Joseph vendu par ses frères, et part pour l'Académie de France à Rome. Il y restera quatre ans. À son retour, en 1789, il est agréé à l'Académie royale de peinture et de sculpture. En 1805, il est nommé membre de l'Institut. Il est nommé professeur à l'École des beaux-arts de Paris, le 1er février 1810 en remplacement de Louis-Jean-François Lagrenée l'Aîné et aura pour successeur François-Frédéric Lemot le 8 septembre 1810. Sa statue de Napoléon Ier en imperator érigée en 1810 à Paris et couronnant la colonne de la Grande Armée, place Vendôme sera remplacée en 1863 par une figure d'Auguste Dumont.

Extraordinaire destinée que celle de Louis Léopold Boilly, peintre, miniaturiste, et graveur français, connu notamment pour ses scènes de la vie parisienne dans les années qui suivent la Révolution. Il expose pour la première fois au Salon de 1791 et se fait connaître tant pour ses portraits et ses peintures en trompe-l'œil que pour ses scènes de genre aux thèmes galants ou même grivois. En 1794, il est dénoncé par le peintre Jean-Baptiste Wicar, révolutionnaire puritain, et la Société républicaine des Arts menace de le faire poursuivre pour obscénité par le Comité de salut public. Pour sa défense, il invite les agents du Comité à venir dans son atelier et leur montre une série de toiles sur des sujets patriotiques, dont un Triomphe de Marat exécuté à l'occasion du concours de l'an II organisé par le gouvernement révolutionnaire. En 1823, Boilly produit une série de lithographies humoristiques intitulée "Les Grimaces", série qui va le mener, dira-t-il lui même, non sans humour directement à être fait chevalier de la Légion d'honneur puis, des années plus tard à devenir devient membre de l'Institut de France. " La grimace mène à tout, vous dis-je " écrira-t-il dans son discours de réception. Des 4500 portraits et 500 scènes de genre qu'il a peint dans sa carrière seule à peine le dixième est parvenu jusqu'à nous.

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Lucas Cranach the Elder (1472-1553) - Portrait d'un homme, 1522

Lucas Cranach the Elder (1472-1553)
Portrait d'un homme, 1522
National Gallery, Washington DC (Samuel H. Kress Collection) 

À partir d'un certain moment de sa vie, Cranach tourne le dos à la spontanéité de sa période viennoise et son art s’oriente alors vers un style s’approchant du maniérisme : les formes s’allongent, deviennent plus souples, les personnages prennent de l’importance par rapport au paysage devenu simple décor, leurs différentes poses sont élaborées et codifiées, et l’habillage raffiné.
Le besoin qu'avait Cranach d'adopter une méthode rationnelle pour produire des œuvres de grande qualité, en associant tout son atelier, apparait clairement avec la commande en 1533, d'une soixantaine de paires de petits portraits des deux frères, tous deux alors décédés, Frédéric le Sage et Jean le Constant. Certains historiens de l'art voient dans ce changement le début de la décadence qui va s'accentuant après 1525. D'autres jugent la production des années 1505 à 1525 d'égale valeur, quoique très différente de celle des années viennoises. Cette simplification voulue des formes, des compositions et des couleurs permet à l'atelier de copier à la demande, avec de simples variantes, les créations du maitre. Le pouvoir de séduction de l'artiste réside dans l'utilisation du pouvoir suggestif de la ligne sinueuse et du contraste des couleurs disposées en larges surfaces.

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Marsden Hartley (1877-1943) - Sauna finlandais-yankee

Marsden Hartley (1877-1943)
Sauna finlandais-yankee, 1938.
Collection du Weisman Art Museum de l'Université du Minnesota

 
Le peintre américain Marsden Hartley a séjourné à Paris dès 1912, période à laquelle il a fait partie du cercle de Gertrude Stein. L'année suivante il rencontre à Berlin, Vassily Kandinsky par lequel il est très impressionné au point de commencer à peindre une série de peintures abstraites, avec des formes aux contours très nets et aux couleurs vives C'est à cette époque aussi qu'il entame une histoire d'amour avec un officier allemand qui sera tué au combat pendant la Première Guerre mondiale et le laissera inconsolable. Il enchaînera ensuite les aller-retour entre l'Europe et les Etats-Unis avant de se fixer en 1937 dans le Maine après avoir déclaré qu'il voulait devenir «le peintre du Maine» et dépeindre la vie américaine à un niveau local. Hartley se rapproche alors du mouvement régionaliste, un groupe d'artistes actif du début au milieu du 20ème siècle et qui a tenté de représenter un"art américain différent". Il a continué à peindre dans le Maine, jusqu'à son décès en 1943.
Hartley a trouvé un expressionnisme original et très personnel qui donne toute sa mesure non pas tant dans ses natures mortes (assez rares) que dans les peintures des paysages et montagnes austères et tourmentés du Maine qu'il a merveilleusement peints.

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René Magritte (1898-1967) - La reproduction interdite

René Magritte (1898-1967)
La reproduction interdite, 1937
Musée Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

Ce tableau représente Edward James de dos regardant un miroir, qui ne reflète pas son visage mais son dos. De ce fait, il est impossible d'apercevoir le visage du personnage en question, qui est brun. En bas à droite du tableau, est posé sur la cheminée un livre correctement reflété. Ce livre est une copie d'un roman intitulé The Narrative of Arthur Gordon Pym of Nantucket (Les Aventures d'Arthur Gordon Pym) de l'écrivain américain Edgar Allan Poe.

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Jeune homme au lézard, 1er siècle - Stabies

Jeune homme au lézard, 1er siècle
Villa Ariana, Stabies 

 

Remerciement à Elisabeth Careri pour le souvenir  du lieu 

Stabies est une ancienne ville romaine, située à côté de Pompéi et touchant l'actuelle Castellammare di Stabia, à 16 km du Vésuve. Cette cité fut largement détruite, comme Pompéi, Herculanum et Oplontis sous deux mètres d'éjection tombées lors de l'éruption de 79 ap. J.-C.
À l'origine un petit port depuis le VIe siècle av. J.-C., toujours concurrencé par Pompéi, Stabies fut détruite une première fois par Lucius Cornelius Sulla en 89 av. J.-C. durant la guerre sociale Pline l'Ancien rapporte que la ville a été reconstruite pour devenir une station balnéaire appréciée des riches Romains. Il rapporte également que leurs luxueuses villas s'étendaient sur toute la côte, sur plusieurs kilomètres, toutes ayant une superbe vue panoramique de toute la baie de Naples.
Stabies est connue pour ses thermes romains ainsi que ses fresques.
Les fouilles de Stabies ont commencé en 1749 et continuent encore aujourd'hui.

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Toussaint Dubreuil (1558-1602) - Apollon victorieux de Python

Toussaint Dubreuil (1558-1602)
Apollon victorieux de Python
Collection privée 

 
Toussaint Dubreuil est le fils du  sellier Toussaint Dubreuil. Capable de jouer de la lance aussi bien qu'un jeune aristocrate,  il conserva la passion du cheval jusqu'à sa mort qui survint justement  au cours d'une chevauchée débridée. Il a été formé à la peinture à Paris par Médéric Fréminet. avant d'entamer une formation d'orfèvre.  Il dessina ses premiers projets pour les quatre bas-reliefs de la masse de l'ordre du Saint-Esprit réalisée par François II Dujardin. Il étudia l'anatomie avec un barbier et illustra le livre Historia anatomica humani corporis d'André du Laurens (1558-1609). Sa surprenante « manie du muscle » le fit devenir un spécialiste du nu.
On ne sait pas s'il a été se former en Italie, mais il a subi l'influence des maniéristes italiens, Michel-Ange, Pellegrino Tibaldi, Bartolomeo Passarotti, Nicolò dell'Abbate, Le Primatice. On n'a plus de trace de lui entre 1585 et 1593. Il s'est peut-être formé à Fontainebleau avec les artistes italiens maniéristes comme Ruggiero de Ruggieri, dont il épousa la fille. Ce dernier possédait deux caisses de rittratti de Michel-Ange. Il est devenu avec Martin Fréminet et Ambroise Dubois l'un des promoteurs de la seconde école de Fontainebleau, expression française du maniérisme tardif.
Toussaint Dubreuil fut le peintre d’Henri IV pour qui il réalisa avec son atelier de vastes campagnes de décors.
Ses œuvres furent massivement détruites, et peu d'éléments de ses décors nous sont parvenus. Le Louvre en conserve cinq vestiges dont trois toiles issues du cycle de La Franciade, sur les 78 compositions qu'il avait faites pour décorer le château de Saint-Germain-en-Laye (détruit en 1777), illustrant le poème de Pierre de Ronsard.
Il exécuta notamment de grandes commandes royales au château de Fontainebleau, comme les décors du pavillon des poêles (avec des scènes de l'histoire d'Hercule, tel Le jeune Hercule apprenant à tirer à l'arc). Tous ses décors sont aujourd'hui presque entièrement détruits, hormis quelques fragments attribuables à Dubreuil. Henri IV lui a aussi confié la décoration de la galerie des Chevreuils
Pour la petite galerie du palais du Louvre, il exécuta des portraits des prédécesseurs d'Henri IV (afin d'asseoir le pouvoir de celui-ci en tant que roi, et fondateur d'une nouvelle lignée). Les plafonds étaient quant à eux décorés de sujets allégoriques comme Jupiter écrasant les géants, et Hercule terrassant l'hydre de Lerne, le dieu et le héros prenant les traits du monarque lui-même. Ces décors ont été détruits par l'incendie de 1661.
Dubreuil a également fourni des cartons de tapisseries sur l'histoire de Diane, dont les œuvres tissées furent réalisées par la manufacture du faubourg Saint-Marcel à Paris. Elles sont aujourd'hui conservées au mobilier national, à Paris.
L'art de Dubreuil, bien que peintre français, allie aux inspirations maniéristes de la première école de Fontainebleau, une méticulosité dans la représentation et un goût des détails que l'on retrouve dans les écoles du Nord. S'il avait l'habitude de réaliser les "cartons" de ses compositions, il laissait à son atelier (composé notamment d'artistes nordiques) le soin de réaliser l'œuvre peinte.
Lestoile a écrit dans son Registre-journal : « Le vendredy 22 novembre... Ce jour, Dubreuil, peintre de sa Majesté, singulier en son art, et qui avoit et devisé tous ces beaux tableaux de Saint-Germain ; en revenant dudit Saint-Germain, à Paris, sur un cheval qui étoit rétif, et alloit fort dur, à son retour surpris d'un renversement de boyaux que les médecins appellent un mesirere, qui en moins de vingt-quatre heures l'envoya en l'autre monde. " 

 
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Gottfrid Kallstenius (1861-1943) - Modèle au repos

Gottfrid  Kallstenius (1861-1943)
Modèle au repos
Huile sur toile - 67 x 54 cm
Nationalmuseum, Stockholm 

 
Gottfrid Kallstenius est un peintre sudéois. Après des études chez Edvard Perséus, il est admis à l'Académie royale des beaux-arts de Suède en 1884 et obtient son diplôme en 1888. En 1891, il épouse la peintre Gerda Roosval. Peu de temps après, il  reçoit une bourse de voyage et le couple passent un été à Paris pour terminer leurs études. Puis ils décident d' aller vivre en Bretagne,  au Pouldu, où Paul Gauguin avait passé l'été précédent. Après environ un an, ils retournent à Paris où Gottfrid poursuit ses études avec Raphaël Collin avant de s'installer dans une  colonie d'artistes suédois à  Grez-sur-Loing.
Il a exécuté plusieurs grandes œuvres; notamment, un retable à Västervik et les peintures murales du bâtiment Nordstjernan, ainsi que des mosaïques au Konstnärshuset . Plus tard, il a fait une grande peinture de paysage pour le foyer du Royal Dramatic Theatre.
Il a également écrit plusieurs textes sur la peinture.

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Lucian Freud (1922-2011) - Leigh on a Green Sofa

Lucian Freud (1922-2011)
Leigh on a Green Sofa, 1993
Private collection

Lucian Freud est considéré comme un des peintres figuratifs les plus importants du 20e et du 21e siècle, l'« Ingres de l'existentialisme » selon la formule de l'historien de l'art, Herbert Read.
Il est notamment célèbre pour avoir peint, en 2001, le portrait de la reine Élisabeth II à l'occasion de son jubilé d'or, tableau qui a soulevé une polémique en Grande-Bretagne. Petit-fils du médecin et fondateur de la psychanalyse, Sigmund Freud, Lucian naît à Berlin. Son père, l'architecte Ernst Freud (1892-1970), est le plus jeune fils de Sigmund Freud. En 1934, pour échapper à l'antisémitisme nazi, Ernst Freud emmène sa famille à Londres.En 1938, à la suite de l'Anschluss, leur grand-père Sigmund les y rejoint.
Lucian Freud peint face à des modèles vivants dans le huis-clos de son atelier. Les vues de Londres ou de son jardin sont réalisées à partir du point d'ancrage de l'atelier. Il travaille toute la journée et les séances de pose qu'il inflige à ses modèles sont interminables.
À la fin de sa vie, les portraits de nus dominent sa peinture révélant l'intimité crue de ses modèles, celle de Leigh Bowery (Leigh on a Green Sofa ci-dessus)  de Sue Tilley ou de son fidèle assistant David Dawson (Sunny Morning-Eight Legs, 1997). Mais même les modèles habillés révèlent au spectateur leur nudité, la vérité de l'être qui perce toute apparence « Quand je peins des vêtements, je peins vraiment des gens nus couverts de vêtements » expliquait-t-il. 

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Battista Franco Veneziano dit Il Semolei (1510 -1561) - Le mauvais larron

Battista Franco Veneziano dit Il Semolei (1510 -1561)
Le mauvais larron
The MET, New York

Peintre maniériste et graveur à l'eau-forte qui a travaillé  à Rome, Urbino et Venise, Battista Franco réalisa vers 1555 pour le cardinal Barbaro le tableau du retable de la chapelle Barbaro à l’Église San Francesco della Vigna à Venise. C'est lui qui a réalisé les grotesques et les décorations latérales de l'escalier d'Or au palais des doges à Venise.

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Eugène Lami (1800-1890) - Le Baron Alphonse de Rothschild dans sa chambre au château de Ferrières

Eugène Lami (1800-1890)
Le Baron Alphonse de Rothschild dans sa chambre au château de Ferrières. c.1865.
Collection privée

Eugène Lami étudia d'abord la peinture avec Horace Vernet qui, en 1817, l'envoya poursuivre sa formation auprès du baron Gros à l'École des beaux-arts où il fit la connaissance de Théodore Géricault et apprit l'aquarelle du peintre romantique anglais Richard Parkes Bonington. Ses représentations de sujets militaires appelèrent sur lui l'attention de la famille royale. Louis-Philippe lui commanda de nombreux tableaux à sujets militaires pour le musée de l'Histoire du France qu'il avait créé au château de Versailles.
Par la suite, Eugène Lami s'orienta alors vers des scènes de genre, peignant la vie élégante de la cour et de la bourgeoisie. Il se tourna vers l'aquarelle, qui devait devenir sa technique de prédilection pour le reste de sa vie.
En 1844, Henri d'Orléans, duc d'Aumale, fait appel à lui pour l'aménagement de ses appartements privés au château de Chantilly. Le duc d'Orléans fait de même pour ses appartements aux Tuileries.
Il fut également chargé par le baron James de Rothschild  son principal mécène, de la décoration du château de Ferrières, achevé en 1859 et du château Rothschild à Boulogne-Billancourt, achevé en 1861.

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Sculpture antique - Phanès

Aion - Chronos - Phanes - Eros, né de l'oeuf primordial
Bas relief,  2e siècle
Galleria Estense, Modena

Dans la mythologie grecque Phanès est né de l'œuf primordial créé par Nyx seule, brisé en deux par Chronos et sa femme Ananké. Une fois l'œuf brisé, la partie du dessous devient la terre et la partie du dessus le ciel. Sur ce bas relief Phanés est entouré des signes du Zodiaque.
Phanès est, selon la théogonie orphique, le dieu primordial de la création

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Edward Poynter (1836-1919) - Paul and Apollos

Edward Poynter (1836-1919)
Paul and Apollos, 1872
Tate

Fils de l'architecte Ambrose Poynter, il est né à Paris. Il a commencé ses études au Brighton College avant de les poursuivre à Londres, à Rome (où il devint un admirateur de Michel-Ange) et avec Charles Gleyre à Paris (où il rencontra James McNeill Whistler).
Il est célèbre pour ses grands tableaux historiques, comme Israel en Égypte (1867), Visite de la Reine de Saba (1871-1875) et Le roi Salomon (1890) et a exposé à l'exposition annuelle du Royal Glasgow Institute of the Fine Arts. Poynter a occupé plusieurs postes officiels : il fut le premier Slade Professor de 1871 à 1875, fut principal de la National Art Training School de 1875 à 1881, directeur de la National Gallery de 1894 à 1904 (supervisant l'ouverture de la Tate Gallery), et devint membre de la Royal Academy en 1876. À la mort de Sir John Millais en 1896, Edward lui succéda comme Président de la Royal Academy et fut anobli  la même année. Il fut fait baronnet en 1902.
Poynter a épousé Agnes Macdonald dont la sœur Georgiana était la femme d'Edward Burne-Jones.

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Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) - Etude pour Don Pedro de tolede baisant l'épe d'Henry IV

 

 

 

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867)
Etude pour Don Pedro de Tolède baisant l'épée d'Henry IV
Musée Ingres, Montauban

Conformément à la volonté de l'artiste de léguer à sa ville natale une grande partie de ses dessins
(4 500) ainsi que certains objets personnels, le musée Ingres ouvre ses portes au milieu du 19e siècle dans l'enceinte de l'ancien palais épiscopal de Montauban ; Armand Cambon, Montalbanais élève d'Ingres, fut son exécuteur testamentaire et le premier conservateur du musée. Alors que la Seconde Guerre mondiale se prépare, un grand nombre d’œuvres quittent le musée du Louvre pour être cachées. C'est ainsi que le musée Ingres a servi de cachette pour la Joconde et un grand nombre d'œuvres du Louvre entre 1939 et 1945.

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Erich Gerlach (1909-2000) - Autoportrait 1945

Erich Gerlach (1909-2000) 

Autoportrait 1945

En 1923, il commença un apprentissage de lithographe et de dessinateur de patrons, qu'il interrompit un an a peine après l'avoir commencé. À partir de 1927, il étudie le dessin et la peinture à l'Académie des arts appliqués de Dresde avec Paul Hermann, Georg Erler et Arthur Drescher. À partir de 1931, il a travaillé avec Otto Griebel en tant que graphiste au Musée de l'Hygiène de Dresde, dont il est licencié en 1936 pour des raisons politiques. Freelance à partir de 1937, embauché pour travailler à nouveau en tant que graphiste au Musée de l'Hygiène avec Hermann Glöckner. Il a continué à y travailler après 1945.
En 1974, il a reçu le prix d'art de la RDA et en 1977 le prix national.

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Frank Albert Rinehart (1861-1928) - Portrait d'un amérindien du peuple Sioux

Frank Albert Rinehart (1861-1928)
Portrait d'un amérindien  du peuple Sioux, 1900
Smithsonian Library, Washington  DC 

Les Sioux sont un important groupe ethnique et linguistique amérindien du centre et du sud-est de l'Amérique du Nord, parlant originellement des langues dites « siouanes ». Le peuple sioux est souvent subdivisé en plusieurs sous-groupes : les Catobas aujourd'hui presque disparus (il existe encore une petite réserve dans la Caroline du Sud) les chiwere, les dhegiha, les winnebago, les mandan, etc...
Le même nom « sioux » est utilisé pour indiquer un groupe spécifique de tribus, culturellement et linguistiquement très proches : Lakotas, Nakotas et Dakotas, noms qui signifient tous « alliés ».

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Bonifacio Lázaro Lozano (1906 - 1999) - Nazaré

Bonifacio Lázaro Lozano (1906-1999)
Nazaré, 1943
Collection privée 

 Bonifacio Lázaro Lozano est un peintre luso-espagnol qui se  définissait lui-même comme un « peintre ibérique » bien qu'il soi surtout connu pour ses peintures taurines et ses fresques monumentales des gens de mer de Nazaré, au Portugal. Après les années de formation entre 1932 et 1945, il peint dans un langage assez académique le destin tragique des pêcheurs de soin lieu de naissance au  Portugal, Nazaré . En 1945, il participe à la 1re Exposition d'arts plastiques du Groupe des artistes portugais (GAP), à la Société nationale des beaux-arts de Lisbonne, et le fit par la suite très regulièrement . En 1946, il s'installe à Lisbonne dans le quartier des artistes de Campo de Ourique, sur la Rua Coelho da Rocha.  Pendant de nombreuses années, il fait des voyages à travers l'Europe qui se reflètent dans ses cahiers, admirant les peintures et reliefs médiévaux et les primitifs italiens, références esthétiques de ses peintures successives.


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Albrecht Dürer (1471-1528) - Tête de Saint Marc

Albrecht Dürer (1471-1528)
Tête de Saint Marc, 1526
Staatliche Museen, Berlin

Il s'agit d'une étude de l'apôtre Saint Marc pour le grand tableau de Munich. Avec son expression d'exaltation spirituelle, la tête dans ce dessin est nettement supérieure à celle du tableau. Dessinées comme en mouvement, les mèches de cheveux ajoutent une vivacité à l'ensemble du portrait.

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Charles Lebrun (1619-1690) - Etude pour Alexandre

Charles Lebrun (1619-1690)
Etude pour Alexandre, vers 1660-61
Musée du Louvre, Paris

Peintre officiel, le style de Lebrun (ou Le Brun) est au service de la monarchie absolue de Louis XIV. Sa peinture est typiquement aulique, avec des effets théâtraux et néanmoins une constante recherche d'équilibre et de clarté. Son art se fonde sur une parfaite maitrise du dessin et une utilisation des coloris qui vise l'harmonie. Le Brun est également l'archétype du peintre cultivé, à la fois praticien et théoricien des arts, qui place la peinture au rang des arts libéraux. Dans sa volonté de célébrer le pouvoir absolu, Le Brun utilise des concepts et des symboles de pouvoir qu'il mélange : dans la galerie des Glaces, l'ordre français fait la synthèse des objets antiques et français (coq, lys). Le soleil devient l'allégorie du bon gouvernement. Il représente Louis XIV en prince parfait, comme l'aboutissement des princes précédents.
En tant que premier peintre du Roi, il réalise surtout des peintures de grand format ou des décors allégoriques pour des plafonds (huile sur toile marouflée). Il a souvent développé des cycles historiques en plusieurs tableaux (par exemple l'Histoire d'Alexandre, ci dessus, conservée au Louvre).
Pour ce qui est des thèmes abordés, Le Brun se consacre principalement à la peinture d'histoire, placée au sommet de la hiérarchie des genres au 17e siècle par l'académicien André Félibien : ce sont des scènes tirées de l'histoire mythologique, de l'histoire réelle (comme à la galerie des Glaces qui est un exposé des dix-neuf premières années du règne de Louis XIV) ou de l'histoire sainte (peinture religieuse).


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Joseph Christian Leyendecker (1874-1951) - Taking a Swim

Joseph Christian Leyendecker (1874-1951)
Taking a Swim
The Saturday Evening Post

Le maitre nageur dans toute sa splendeur !!! Si idéalement virilisé qu'il en devient asexué !
Joseph Christian Leyendecker fut l'un des plus importants illustrateurs américains du début du xxe siècle. Il est surtout connu pour ses affiches, livres, illustrations publicitaires, ainsi que la création de la figure du « Arrow Collar Man » pour la marque Arrow, et ses couvertures pour The Saturday Evening Post
Entre 1896 et 1950, Leyendecker a peint plus de 400 couvertures de magazines. Pendant l'âge d'or de l'illustration américaine, pour The Saturday Evening Post seul, J. C. Leyendecker a produit 322 couvertures, ainsi que plusieurs publicités pour ses pages intérieures. Aucun autre artiste jusqu'à l'arrivée de Norman Rockwell deux décennies plus tard, ne fut plus étroitement identifié avec cette revue3. Leyendecker a pratiquement inventé l'idée du concept moderne de l'illustration de magazine.
Il a beaucoup collaboré aussi au magazine hebdomadaire Collier's dont il réalisé de très nombreuses et célèbres couvertures... comme celle ci. Le magazine Collier's fut fondé en 1888 par le journaliste Peter Fenelon Collier (1849-1904) qui y développa pour la première fois de l'Histoire le journalisme d'investigation. Le magazine continua de paraitre longtemps après la mort de son créateur ruiné, puis cessa toute parution en janvier 1957. Une brève tentative de réédition eut lieu en 2012, en vain.

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Gentile Bellini (1429-1507) - Scribe assis, 1479

Gentile Bellini (1429-1507)
Scribe assis, 1479
Isabella Stewart Gardner Museum

Gentile Bellini est envoyé à Constantinople, en 1479, pour exécuter le portrait du sultan Mehmet II, en plein coeur de la Renaissance. Pour la civilisation occidentale, le portrait représentait lors le symbole de cette nouvelle conscience de l’homme au centre du monde, mais il n’en allait pas de même pour la civilisation orientale. En Turquie, comme dans les autres pays de religion musulmane, toute représentation figurée était interdite. Cependant un art figuratif existe bel et bien : c'est celui de la miniature persane. Cet art est né pour illustrer les poèmes et les contes qui commencent à fleurir, vers 969, avec la littérature persane. Cet « art du livre », comme il est également nommé, ne donne pas à voir des personnages identifiables, tirés du réel comme l’on en trouve dans la peinture occidentale. Les personnages de ces miniatures sont des êtres ‘stéréotypés’, car leur représentation suit un schéma bien précis. C'est pendant son séjours a Constantinople que Bellini fit aussi le portrait de ce scribe assis de la Cour de Mehmet II et il le fit en suivant l'exemple des miniatures personnes qu'il adapta aux exigence figuratives de la peinture vénitienne. 

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Maso di San Friano (1531 - 1571) - Doppio ritratto maschile

Maso di San Friano (1531-1571)
Doppio ritratto maschile
Galleria Farnese, Museo di Capodimonte, Napoli

Ce portrait est probablement celui d'un des  conseillers particulièrement influents du duc  Cosme de Medicis, du nom de Loreznzo Pagni  (le plus âgé des deux) accompagné d'un de ses proches Zanobi (le plus jeune).

Tommaso Manzuoli dit Maso da San Friano ou Maso di San Friano (1531 - 1571) est un peintre italien de l'école florentine du Cinquecento. Il est l'élève de Pier Francesco Foschi, ou selon Borghini, de Carlo Portelli, ensuite il devient le second de Giorgio Vasari. Son retable de la Visitation de 1560 pour la chiesa di San Pier Maggiore à Florence représente la conclusion de sa phase juvénile et confirme sa nouvelle orientation pour le style de Rosso Fiorentino. Après 1561, il peint l'Ascension pour l'église d'Ognissanti de Florence, et Ia Rencontre de Gioacchino et d'Anna pour l'église de Saint Felicita, qui attestent l'affirmation du genre florentin, confirmé par la qualité de sa participation aux cérémonies des obsèques de Michel-Ange en 1564 et pour les noces de François Ier de Médicis et de Jeanne de Habsbourg en 1565.
Son parcours artistique se termine avec sa participation à la décoration du Studiolo de François Ier  de Medicis au Palazzo Vecchio en 1571, pour lequel il peint les deux panneaux avec Dédale et Icare et Les Mines de diamants. Ici, comme dans les retables et dans les peintures de petit format, le langage de Maso est toujours attentif aux effets de la lumière, qui défie les figures, et s'accorde aux principes de d'expression et de decorum inspirés de la Contre-Réforme.

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Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) - Le polisseur de marbre

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)
Le polisseur de marbre, 1884
Collection Privée

Fils du comte Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa et d'Adèle Tapié de Céleyran, Henri de Toulouse-Lautrec est né dans l'une des plus illustres familles nobles de France, qui s'enorgueillissait de descendre en droite ligne des comtes de Toulouse, les plus puissants seigneurs féodaux du royaume jusqu'au XIIIe siècle. Malgré son nom illustre, cette famille vit au XIXe siècle comme une famille de la noblesse plus ou moins aisée de province. Les mariages dans la noblesse se faisaient couramment entre cousins afin d'éviter la division des patrimoines et l'amoindrissement de la fortune. Ce fut le cas des parents d'Henri, cousins au premier degré, c'est à dire issus de germains. Ils eurent deux garçons, Henri, l'aîné et, quatre ans plus tard, son frère Richard-Constantin, qui mourut un an après. L'incompatibilité d'humeur entre les deux parents entraîna leur séparation et Henri resta sous la garde de sa mère. Il grandit entre Albi, le château du Bosc (demeure de ses grands-parents paternels) et le château de Celeyran (demeure de la famille de sa mère) où il a peint quelques magnifiques portraits, très éloignés des peintures de cabarets et de la vie parisienne qui le rendirent célèbre à travers le monde.
Henri de Toulouse-Lautrec a eu, de son propre aveu, une enfance plutôt heureuse, jusqu'au moment où se révèle, en 1874, une maladie qui affecte le développement des os, la pycnodysostose, maladie génétique, due sans doute à la consanguinité de ses parents. Ses os sont fragiles et, le 30 mai 1878, il trébuche et tombe. Le médecin diagnostique le fémur gauche brisé et, en raison de sa maladie, la fracture se réduit mal. Entre mai 1878 et août 1879, il souffre de cette fracture du fémur bilatérale qui aggrave son retard de croissance : il ne dépassera pas la taille de 1,52 m. On essaye de le guérir au moyen de décharges électriques et en lui plaçant à chaque pied une grande quantité de plomb.
Ce traitement qui se révèlera inutile, lui infligera d'atroces souffrances...

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MPS N° 8 - SOLITUDES ET ISOLEMENTS

MPS N°8- Octobre 2020

Le n° 8 du magazine gratuit MPS (Men Portraits Series)

tiré du blog Men Portraits, est en ligne.
 

Thème de ce mois d'Octobre 2020 :
"SOLITUDES ET ISOLEMENTS " .
 

Un thème d'actualité en quelque sorte !
Une version PDF existe aussi ... sur demande.

Désormais MPS  sera trimestriel