Hans Burgkmair l'Ancien (1473-1531) - Autoportrait

 

Hans Burgkmair l'Ancien (1473-1531)

Autoportrait, 1517
Kuntsthalle Hamburg

Hans Burgkmair l’Ancien est un peintre et graveur sur bois du début du XVIe siècle. À la transition entre le gothique flamboyant et la Renaissance, il est, avec Hans Holbein l'Ancien et Hans Holbein le Jeune l'un des piliers de la triade d'Augsbourg. Burgkmair est l'un des pionniers de la peinture Renaissance en Allemagne méridionale, pour le dessin comme pour la gravure. Ses commanditaires furent rien moins que l'Empereur et les grands dignitaires du clergé. Stimulé par l'art italien, Burgkmair développa, surtout dans ses gravures sur bois, les motifs de la Renaissance et les combina magistralement avec la tradition du dernier gothique. Ses dernières compositions picturales se caractérisent par la palette plus chaude de la peinture vénitienne, ce qui a laissé supposé plusieurs retours à Venise (il est en tous cas certain qu'il y effectua un séjour vers 1515).
Cet autoportrait présente une surcharge AD, initiales de la signature d'Albrecht Dürer qui a sans doute été ajouté ultérieurement.

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Friedrich von Amerling (1803-1887) - Portrait de Franz Liszt

 

Friedrich von Amerling (1803-1887) 

Portrait de Franz Liszt en 1838

Collection particulière (Christie's)

Friedrich von Amerling fut peintre de la cour de François-Joseph Ier d'Autriche de 1835 à 1880. Avec Ferdinand Georg Waldmüller, c'est l'un des portraitistes autrichiens les plus renommés du XIXe siècle.  Lorsque von Amerling il peint ce portrait de Liszt , celui ci a  exactement 27 ans, il a fait la connaissance de Marie d'Agout depuis 5 ans  et ils ont déjà eut ensemble deux enfants : Blandine en 1835 et Cosima en 1837, celle là même qui épousera bine plus tard  Richard Wagner.   En 1838 Liszt a déjà composé ses Rapsodies  qui le rendront encore plus célèbres qu'il n'était ...
Ce jeune hongrois qui semblait sur le berceau duquel les dieux semblaient s'être particulièrement penché,  beau, intelligent, doué jusqu'au génie, traversa son siècle comme un météore.

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Sir Cecil Beaton (1904-1980) - Charles Henri Ford et Pavel Tchelitchew

 

Sir Cecil Beaton (1904-1980)
Charles Henri Ford (1913-2002) et Pavel Tchelitchew (1898–1957) en 1941

Les photographies que Beaton fit du cinéaste Charles Henri Ford et du peintre Pavel Tchelitchew qui eurent une relation amoureuse prolongée à partir du début des années 1930 représentent un tournant dans sa carrière  par rapport à ses portraits assez convenu qu'il faisait jusque là des  membres  de  la royauté et des célébrités de la jet set de son temps.  Ce sont des photos assez transgressives pour l'époque  comme celle ci qui représente les t^tes des deux amants posées l'une sur l'autre ou encore cette photo de Ford couché sur  un lit de journaux à sensation, symboles de la violence et de l'excès de la culture américaine.

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Peter Paul Rubens - Le Pêcheur africain et La Mort de Sénéque

 

Peter Paul Rubens (1577-1640)
Le Pêcheur Africain,  1602

 

Peter Paul Rubens (1577-1640)

La Mort de Sénèque 

Alte Pinakothek, Munchen

 

Il s'agit en fait d'un dessin réalisé en 1692 que Rubens réutilisa trait pour trait dans son grand tableau de 184,5 x 155,5 cm, La mort de Sénèque, actuellement conservé à l'Alte Pinakothek de Munich et qu'il peignit en 1614-1615 c'est à dire plus de 10 ans après ce dessin.
La mort de Sénèque est un épisode célèbre de l'Histoire romaine qui eut lieu sur ordre de l'empereur Néron qui voulut voir le philosophe stoïcien Sénèque (-4 / an 1) mourir sous ses yeux après avoir tenter de l'empoisonner à plusieurs reprises. Le philosophe finit par se suicider en se tranchant les veines dans son bain.
"Enfin il entra dans un bain chaud, et répandit de l'eau sur les esclaves qui l'entouraient, en disant: « J'offre cette libation à Jupiter Libérateur. » Il se fit ensuite porter dans une étuve, dont la vapeur le suffoqua. Son corps fut brûlé sans aucune pompe ; il l'avait ainsi ordonné par un codicille, lorsque, riche encore et très puissant, il s'occupait déjà de sa fin"
Tacite, Annales, XV, 63-64

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Hans Holbein The Younger (1497 -1543) - An Unidentified Man

 

Hans Holbein The Younger (1497 -1543)

An Unidentified Man - / c.1535-  

Black and Coloured Chalks, White Bodycolour (Gouache), Pen and Ink, Metalpoint 

Royal Collection Trust / Her Majesty Queen Elizabeth II

Hans Holbein le Jeune est un peintre et graveur allemand, l'un des peintres les plus importants de la Renaissance.Spécialisé dans les portraits, il devint à partir de 1536peintre-valet de chambre d'Henri VIII, puis très rapidement peintre officiel de la cour d'Angleterre. Entre 1538 et 1539, il voyagea en Europe afin de faire le portrait des princesses candidates au mariage avec Henri VIII après la mort de Jeanne Seymour. En 1540, c'est Anne de Clèves que le roi épouse. En 1543, entre le 7 octobre et le 29 novembre, en pleine gloire, Holbein Le Jeune meurt de maladie à l'âge de 46 ans environ. Beaucoup de ses œuvres se trouvent encore dans les collections royales britanniques. Recherchant derrière les apparences les expressions marquantes des visages, il fait souvent a synthèse entre les traditions gothiques et les nouvelles tendances humanistes.

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John Minton (1917- 1957) - Le peintre et son modèle

John Minton (1917- 1957)

Le peintre et son modèle

Tate London 

Francis John Minton était un peintre, illustrateur, scénographe et enseignant anglais. Après des études en France, il devintprofesseur à Londres  tout en maintenant une production  importante d'œuvres. En plus des paysages, portraits et autres peintures, dont certains peints à une très grande échelle , il s'est forgé une réputation d'illustrateur de livres. Au milieu des années 1950, Minton s'est retrouvé en désaccord avec la tendance abstraite qui devenait alors à la mode et se sentait de plus en plus marginalisé. Souffrant  de problèmes psychologiques,  il se soigna lui-même avec de l'alcool avant de suicider en 1957.
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MPS n°2 - LE DOUTE / DOUBT

MPS n°2 - LE DOUTE / DOUBT

Le deuxième numéro du magazine gratuit 
MPS (Men Portraits Series) est en ligne

Version française : MPS n°2 / LE DOUTE

English text: MPS n°2/ DOUBT

 

Anna Bilińska-Bohdanowicz (1857-1893) - Portrait d'un homme à moitié nu

 

Anna Bilińska-Bohdanowicz (1857-1893)

 Portrait d'un homme à moitié nu, 1885 

Huile et  gouache sur toile,  97 x 67 cm

Musée national de Varsovie

L'artiste peintre polonaise Anna Bohdanowicz est née en Ukraine où son père pratiquait la médecine à Kiev. Michał Elwiro Andriolli lui donna ses premières leçons de peinture à Viatka. Elle eut ensuite comme professeur Wojciech Gerson avant d'étudier avec Marie Bashkirtseff à l'Académie Julian à Paris, où elle devint enseignante. Elle vécut rue de Fleurus (Paris), jusqu'à son mariage, en 1892, où elle épousa Antoni Bohdanowicz. Le couple  retournavivre à Varsovie où Anna souhaitait ouvrir une école d'art. Elle y mourut le 18 avril 1893.
Ses œuvres sont conservées au Musée national de Varsovie et au Musée national de Cracovie.

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Dick Ket (1902-1940) - Self Portrait 1926

Dick Ket (1902-1940)

Self Portrait, 1926

Private collection
 

Dick Ket était un peintre connu pour ses natures mortes et sa multitude d'autoportraits.
Ses natures mortes méticuleusement composées tournent toujours autour des mêmes thèmes et représentent souvent les mêmes objets à savoir des bouteilles, un bol vide, des œufs, des instruments de musique, des journaux... Ket a juxtaposé ces objets dans des arrangements angulaires, vus d'un point de vue élevé, dans un cadrage "en plongée", les ombres portées des objets créant toujours d'intéressantes diagonales. Dick Ket a réalisé environ 140 peintures, dont une quarantaine d'autoportraits. Ses expérimentations techniques de différents additifs dans la composition de ses pigments, medium et vernis, ont eut pour effet de provoquer un résultat étonnant et difficilement gérable par les conservateurs, puisque certaines de ses peintures ne sont pas complètement sèches après quatre vingt ans !!!
Le Rijksmuseum d'Amsterdam, le musée Arnhem et le musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam figurent parmi les musées présentant des œuvres de Dick Ket.

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Pierre-Yves Tremois (1921-2020) - L'Homme au singe

Pierre-Yves Tremois (1921-2020) 

L'Homme au singe, 1958

Fusain sur papier marouflé sur toile, 145 cm x 192 cm

Pierre-Yves Trémois, né en 1921 à Paris, est un dessinateur, peintre, graveur et sculpteur français., membre de l'Académie des beaux-arts . Après des études à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris Pierre-Yves Trémois obtient, en 1943, le premier Grand Prix de Rome de peinture et se consacre au burin et à l'eau-forte à partir de 1944 pour entamer une œuvre qui est estimée à plus de 1000 gravures. 

Tout au long de son oeuvre Pierre-Yves Trémois, montre son attirance pour  le corps humain, les visages, mais aussi le monde animal (singes, insectes, escargots et crapauds) qu'il met très souvent en perspective.Yves Trémois propose, à partir de ces thèmes, des variations et des méditations sur les étreintes amoureuses, l'homme confronté à son double intérieur : le singe, ou les relations retrouvées  à l'ère d'Einstein, de Teilhard de Chardin et de Jacques Monod.

 "Refusant l'adhésion à un quelconque mouvement contemporain, ce peintre indépendant maintient avec autorité un style classique où il se distingue par un graphisme sobre, d'une grande pureté, et par une constante fidélité au sujet - projetant néanmoins ses figures humaines sur des formes protoplasmiques, il fait coexister ainsi plusieurs échelles de grandeur" 
In Les Muses, encyclopédie des arts

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Corneille de Lyon (1500–1575) - Portrait d'Antoine de Bourbon

 

Corneille de Lyon  (1500–1575)
Portrait d'Antoine de Bourbon, 1548
Château Royal de Varsovie.

 Antoine de Bourbon (1518 -1562  est le Premier prince du sang de la maison capétienne de Bourbon, membre de la branche cadette de Bourbon-Vendôme, qui vécut sous les règnes des rois Henri II, François II et Charles IX. Duc de Vendôme et roi de Navarre par son mariage avec Jeanne d'Albret, sa vie futest marquée par son oscillation entre le catholicisme et la réforme protestante. Il se décida pour la religion catholique, tandis que sa femme devint une protestante convaincue. Il participe aux affrontements durant la première guerre de religion, en tant que chef de l'armée royale. Il trouva la mort au siège de Rouen en 1562. I
ll est le père du roi Henri IV, fondateur de la dynastie royale des Bourbons, avec lequel il apratage une indéniable ressemblance physique sur ce splendide portrait.

Les portraits de Corneille de Lyon sont généralement de très petit format.
Schéma familier dans ses compositions, les personnages et la tête principalement sont reproduits la tête orientée à gauche ou à droite. La lumière provient souvent de gauche.
On peut imaginer que les modèles posaient tous dans l'atelier de Corneille.

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Carlos Federico Sáez (1878-1901) - Un ciociaro

 

Carlos Federico Sáez (1878-1901)

Un ciociaro

 Pastel sobre papel  44 cm x 35 cm

 Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo  

Artiste uruguayen, né à Montevideo, Carlos Federico Sáez a peint principalement des portraits. Son style se caractérise par des coups de pinceau très larges qui parviennent cependant toujours à donner au rendu de ses personnages une précision très réaliste. Pendant son séjour en Italie, il a peint plusieurs portraits à l 'huile sur "la réserve" de la toile (la toile est laissée visible), une technique très novatrice à la fin du 19 e siècle, où elle n'était utilisée sur papier que par de rares aquarellistes et qui fut beaucoup très utilisée au 20e siècle dans l’art abstrait.
Au cours de sa courte carrière, il a réalisé plus de 70 peintures à l'huile et 100 dessins. Il est considéré comme l'un des principaux artistes uruguayens et le premier à produire de l'art véritablement moderne.
Peu ou pas du tout connu en Europe, les œuvres de ce grand peintre sont principalement conservées en Uruguay au Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo, au musée Juan Manuel Blanes de Montevideo, à la galerie Pinacoteca Eusebio Giménez de sa ville natale de Mercedes et au MALBA de Buenos Aires.

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Sebald Beham (1500-1550) - Tête d'homme

  

Sebald Beham (1500-1550)
Tête d'homme, 1549
Pen and iron gall ink, 15.2 x 10.5 cm
The Metropolitan Museum of Art

Cette tête grimaçante qui appartient à un homme au physique assez grossier et réputé vulgaire à l'époque où il a été dessiné (front bas et sourcil broussailleux, nez très épaté, lèvres dites "négroïdes" partage les mêmes caractéristiques que l'on trouve dans d'autres études de tête existantes de Beham conservées dans les musées de Berlin, Dresde et Vienne. Ce dessin a peut-être servi d'esquisse préliminaire à une gravure sur bois qui ne fut jamais exécutée avant la mort de Beham un an plus tard, en 1550.

Hans Sebal Beham est un illustrateur, dessinateur de vitraux et graveur . Auteur prolifique, on lui attribue plus de 1500 estampes comprenant des burins, des eaux-fortes, et des xylographies. Il fut également créateur de cartes à jouer, de motif de papier-peint et de divers objets de décoration raffinés dont un plateau de table. Francfort étant au XVIe siècle un centre important du livre illustré , il travailla pour divers éditeurs publiant des bibles, des traités scientifiques et musicaux, des chroniques, des manuels d'apprentissage et des recueils  de recttes de cuisine.

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Bartolomeo Veneto (1470-1531) - Ritratto di uomo

 

Bartolomeo Veneto (1470-1531)  

 Ritratto di uomo, 1512

Museum of Fine Arts, Houston 

Bartolomeo Veneto ou Bartolomeo Veneziano  pour lequel plusieurs dates de naissance (1470 ou 1502) et de mort (1531 ou 1455) sont données, est un peintre italien de la Renaissance qui fut actif entre 1502 et 1530. Tous ses tableaux ont été peints sur bois et quelques-uns par la suite ont été transférés sur toile. Ses premières œuvres sont caractérisées par une certaine dureté du dessin et par de vivaces échanges chromatiques. Par la suite, grâce à l'influence de la Renaissance lombarde, sa peinture s'enrichit d'une forte intensité de couleur.
Quarante peintures sont généralement attribuées à Bartolomeo mais neuf seulement portent des inscriptions avec le nom de l'artiste. Une grande partie des œuvres généralement acceptées sont des peintures à thème religieux qui ont été peintes au début de sa carrière. Parmi les oeuvres non religieuses il y a le célèbre "Portrait d'une courtisane idéalisée en déesse Flore" peint en 1520 conservé au Städel Museum de Francfort et qui est censée être la seule représentation connue de la belle et fatale Lucrèce Borgia.

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Henry Lamb (1883-1960) - Sergeant-major G.F. Parkin.

 

Henry Lamb (1883-1960)  

Sergeant-major G.F. Parkin. Battalion, Rtr19427, 1940

The Imperial Museum of War

Henry Taylor Lamb est un peintre britannique né en Australie qui fut un élève de Augustus John et un membre fondateur du Camden Town Group.
Henry Lamb est connu pour ses portraits de soldats et son rendu inhabituel des silhouettes, comme l'illustre son portrait le plus connu, celui de Lytton Strachey exagérément allongé. Il a été élu membre associé de la Royal Academy en 1940 puis membre permanent en 1949. Il fut administrateur de la National Portrait Gallery en 1942 et de la Tate Gallery de 1944 à 1951.
Outre The Imperial Museum of War des œuvres de Lamb sont conservées dans des musées régionaux en Grande-Bretagne, dans la British Government Art Collection et au Musée des beaux-arts du Canada qui conserve la majorité des portraits des troupes canadiennes ayant participer à la Seconde guerre mondiale.

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Alan Beeton (1880-1942) Reposing I

 

Alan Beeton (1880-1942)

Reposing I, 1927

Collection de la famille Beeton

L’artiste britannique Alan Beeton  fut connu pour ses  curieuses compositions où il plaçait au centre de la toile, un mannequin de bois,  accessoire qui servait dans l’atelier des peintres à faciliter la représentation des attitudes humaines. Pour Beeton, le mannequin  ne sert plus à esquisser une attitude humaine que l'on enlèvera une fois le dessin fini, mais il devient un objet qui a le premier rôle dans le tableau. Son mannequin androgyne assez usagé est un modèle parisien haut de gamme, qu'il transforme systématiquement en  héros principal de situations imaginaires. Tantôt dans des attitudes improbables qu'aucun humain ne prendrait, tantôt dans des poses banales, le travail de Beeton se place dans la lignée des artistes et photographes dadaïstes et surréalistes, faisant magnifiquement écho à l’idée d’André Breton selon laquelle  " le mannequin moderne serait une expression du merveilleux ". Mais si Beeton avait sans doute en partie connaissance des travaux des surréalistes, sa série de tableaux est empreinte d’une humanité et d’un humour bienveillant absent de leurs œuvres, Le mannequin semble être pour Beeton un compagnon avec lequel il partage son atelier et non un corps étranger dérangeant.

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Barbara Hepworth (1903-1975) Prevision

 

Barbara Hepworth (1903-1975) 

Prevision, 1948

Huile et crayon sur papier

Collection  particulière

Barbara Hepworth est une sculptrice et artiste peintre britannique qui fit des études en arts plastiques en 1920 à la Leeds College of Art and Design puis au Royal College of Art de 1921 à 1924, où elle rencontre le sculpteur Henry Moore.  Son œuvre s'inscrit dans la recherche d'une forme idéale, mais une forme idéale qui reste dépendante d'une conception esthétique classique. Cette forme idéale se fonde sur une idée de la beauté, qui, d'inspiration classique, trouve des traits dans la conception formelle de la Grèce antique. Elle veut donner à son œuvre une unité parfaite. Ainsi, dans la publication de Unit One en 1934, elle écrit que son objectif est de « projeter dans un médium plastique un peu de la vision abstraite et universelle de la beauté. »Ainsi, à la différence de Moore, les trous ont une fonction esthétique et non dynamique, car ils offrent une variété infinie de courbes, donnant à la nature la capacité de reprendre ses droits sur l'œuvre. La sculpture s'intègre dans l'espace, elle « fait corps » avec l'espace.

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MPS n°1 - LA FOLIE DES GRANDEURS / DELUSIONS OF GRANDEURS / DELIRIOS DE GRANDEZA

Le n°1 de MPS - LA FOLIE DES GRANDEURS

est en ligne



MPS (Men Portraits Series) est un magazine thématique gratuit regroupant une vingtaine d'images 
publiées sur ce blog depuis 2011.
Elles sont accompagnées d'une nouvelle analyse textuelle.
Le magazine en plusieurs langues est consultable en ligne
en cliquant sur les liens ci-dessous.


Version française : MPS n°1 / LA FOLIE DES GRANDEURS

English text: MPS n°1 / DELUSIONS OF GRANDEURS

Español : MPS n°1 / DELIRIOS DE GRANDEZA

Henri-Pierre Danloux (1753-1809) - Le baron de Besenval dans son salon de compagnie

  

Henri-Pierre Danloux (1753-1809) 

Le baron de Besenval dans son salon de compagnie, 1791

National Gallery London 

Pierre Victor, baron de Besenval de Brünstatt, est un écrivain, courtisan et militaire d'origine suisse au service de la France. Grâce à la protection de son ami, le duc de Choiseul, il est nommé inspecteur général des Suisses et Grisons, tâche délicate dont il s'acquitte avec conscience. Lorsque Choiseul est disgracié en 1770, Besenval se démet de sa charge. 

En 1767, il achète l'hôtel Chanac de Pompadour (actuelle ambassade de Suisse), rue de Grenelle, où il fait faire d'importantes transformations pour y loger sa collection de tableaux dont on peut avoir un aperçu dans le portrait ci-dessus. En 1782, il fait construire en sous-sol par Brongniart une somptueuse mais glaciale salle de bains en marbre, ornée de reliefs de Clodion, qui fit se récrier tout Paris et dont on assure qu'elle ne servit qu'une seule fois. Les bas-reliefs ont été déplacés dans lecourant du xxe siècle et sont aujourd'hui exposés au Louvre, en situation dans une pièce.
Ecrivain de salon et séducteur impénitent, Il accumule les maîtresses ; il devient l'amant de la marquise de Polignac ou de la célèbre actrice Mademoiselle Clairon. Peu fait pour la vie conjugale, il ne se marie pas et laisse sa sœur, la marquise de Broglie, tenir sa maison.

Après la mort de Louis XV et l'avènement de Louis XVI en 1774,  Besenval devient l'un de ses commensaux favorisde la reine Marie-Antoinette . Le baron de Besenval n'est alors plus un jeune homme : il a cinquante ans passés, mais son regard vif, son visage plein et l'aisance de ses manières le laissent croire plus jeune qu'il ne l'est. C'est un homme robuste et il tient de sa mère – une cousine de Marie Leszczynska – ce charme slave qui lui donne toute sa séduction. Ses contemporains le qualifient de « gai, quelque esprit, un corps à toute épreuve ». Un franc appétit des jouissances de la vie, l'habitude de prendre les choses du bon côté sont autant de qualités qui lui permettent d'être admis dans le cercle privé de la « Société de la Reine ».
Mais la faveur de Besenval ne tarde pas à décliner, sans doute à cause d'un épisode raconté par Jeanne Campan, la femme de chambre de la reine,  dans ses Mémoires : Besenval ayant été prié par la reine dans ses petits appartements crut à une avance déguisée et tomba aux pieds de la souveraine. Celle-ci lui dit d'un ton glacial : « Levez-vous, Monsieur, le roi ignorera un tort qui vous ferait disgracier pour toujours. » Après cet épisode, Marie-Antoinette prit ses distances, même si Besenval continua de figurer dans son cercle.
Il n'en reste pas moins que le baron de Besenval demeure un témoin intéressant, notamment grâce à ses Mémoires, de la vie de cour sous Louis XVI, où il était aux premières loges. et de lavie sousl'anien regile en général.  Quand Marie-Antoinette prend ses distances avec la duchesse de Polignac quelques années avant la Révolution, Besenval se targue de rapporter que « la reine [la] comblait toujours, mais ne lui disait plus cependant que les choses faites, sans la consulter sur celles qui étaient à faire. »
De sa position privilégiée, Besenval assiste à l'agonie de l'Ancien Régime. Bien qu'ami des lettres, il déteste les Philosophes et s'oppose à Beaumarchais lorsque celui-ci cherche à obtenir l'autorisation duRoi pour faire représenter Le Mariage de Figaro.
Arreté après la Révolution Française,  on l'accuse d'avoir voulu assiéger Paris et fomenter l'incendie de la ville et le massacre de ses habitants. Grâce à une efficace plaidoirie de De Sèze, ces accusations absurdes sont réduites à néant et Besenval obtint son acquittement. Mais sa santé s'est altérée avec l'emprisonnement. Un médecin charlatan lui prescrit un régime de truffes, de pâtés et de jambon qui achève de le tuer. Il meurt le 2 juin 1791.

Le peintre, dessinateur et graveur français Henri-Pierre Danloux fut l’élève de Nicolas-Bernard Lépicié puis de Joseph-Marie Vien qu’il suivit à Rome où fit la connaissance de Jacques-Louis David. Après son mariage, il commença une carrière de peintre de genre et de portraitiste notamment pour sa belle-famille et ses proches les Thomas de Pange : portrait du baron d'Étigny, de son frère et de sa belle-sœur, le comte et la comtesse de Sérilly avec leurs enfants, de François de Pange.
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Jared French (1905-1988) - Model not posing

 

Jared French  (1905- 1988)

Model not posing, 1940

Private collection 

Jared French était un peintre américain appartenant au courant dit du Réalisme magique.
Il faisait partie d’un groupe d’artistes et amis qui s’était spécialisé dans l’utilisation de l’ancienne technique de la tempera à l’œuf, et qui comprenait notamment George Tooker et Paul Cadmus.
De la fin des années 1930 jusqu'au début des années 1940, French réalise des peintures murales pour le Works Progress Administration. Ces peintures de French sont souvent décrites comme sinistres et inquiétantes, avec leur défilé de silhouettes immobiles et silencieuses inspirées des statues grecques de la période archaïque. Par la suite, son travail s'orienta vers une sorte de " bio-morphisme classique" avec des formes organiques étranges, colorées, suggestives.
En 1937, French se maria à Margaret Hoening. Pendant 8 ans, Paul Cadmus et le couple French passent leurs étés sur Fire Island et forment le collectif de photographe PaJaMa pour Paul, Jared et Margaret. Ils se mettent en scène dans diverses photographies en noir et blanc avec leurs amis, à la fois nus et vêtus. La plupart de ces amis présentés dans les photographies étaient parmi les jeunes artistes, danseurs et écrivains de New York, et la plupart étaient beaux et gays.
French et Cadmus posent en 1938 pour une série du photographe George Platt Lynes, qui ne sera publiée qu'après la mort de Lynes.
À la fin des années 1940, French et sa femme ont une relation avec Cadmus et son compagnon George Tooker. Quand les French achètent une maison à Hartland dans le État du Vermont, ils offrent à Cadmus une maison sur leur propriété.
French la reprendra plus tard pour l'offrir à son amant Roberto Gianatta.

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Francesco del Cossa (1435-1477) - Portrait d'homme

Francesco del Cossa (1435-1477) 

Portrait d'homme, 1472-77

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Disciple de Cosmè Tura avec Ercole Ferrarese, Francesco del Cossa montre dans son œuvre une maîtrise de la représentation plastique des personnages et des détails architecturaux qu'il apprend en étudiant les œuvres de Piero della Francesca, de Francesco Squarcione, de Mantegna et aussi de Donatello.
Il revient à Ferrare vers 1469, retrouve Tura et Ercole et vers 1470, il travaille avec eux aux décorations de la salle des Mois du palais Schifanoia et réalise les peintures allégoriques de trois des douze mois sur les dessins de Cosmé Tura.
Le faible paiement qu'il obtient des fresques du palais Schifanoai l'amène à quitter Ferrare pour retourner définitivement à Bologne.
À partir de 1472, il réalise la fresque de la Madone du Baracano à Bologne puis, en 1473, le grand retable dit polyptyque Griffoni (Ercole Ferrarese en exécute la prédelle).
Il meurt de la peste vers 1477-1478.
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Jean-Léon Gérôme (1824-1904) - Portrait of an Egyptian Fellah.

 

Jean-Léon Gérôme (1824-1904)

Portrait of an Egyptian Fellah.

Black chalk.  ca. 1856. 

 J. Paul Getty Museum

Jean-Léon Gérôme est un peintre et sculpteur français, membre de l'Académie des beaux-arts. Il composa des scènes orientalistes, mythologiques, historiques et religieuses. А partir de 1878, il réalise des sculptures, principalement en polychromie, qui représentent souvent des scènes de genre, des personnages ou des allégories. Nommé grand officier de la Légion d'honneur, Gérôme est distingué lors des différentes Expositions universelles auxquelles il participe et il fait figure de peintre officiel à la fin du XIXe siècle. Il devient professeur à l’Ecole des beaux-arts, durant près de quarante ans, et forma plus de 2 000 élèves.

Considéré comme l'un des artistes français les plus célèbres de son temps, Jean-Léon Gérôme est l'un des principaux représentants de la peinture académique du Second Empire. et de la colonisation française. Aprиs avoir connu un succès et une notoriété considérable de son vivant, son hostilité violente vis-а-vis des avant-gardes, et principalement des impressionnistes, le fait tomber dans l'oubli après sa mort. Son œuvre est redécouverte à la fin du XXe siècle, et rencontre une postérité inattendue en devenant, entre autres, une source d'inspiration pour le cinéma.
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Helmut Kolle (1899-1931) - Soldat assis

 

Helmut Kolle (1899-1931) 

Soldat assis, 1926

Collection privée

Le peintre allemand Helmut Kolle, connu aussi sous le pseudonyme d'Helmut von Hügel, passa une grande partie de sa vie en France. À Paris, il visita le Louvre, étudia les grands maîtres, Géricault, Manet et on peut reconnaitre dans son travail les influences de Pablo Picasso, Georges Braque et même Henri Rousseau. Ses peintures figuratives sont la combinaison d'une tradition française classique, du cubisme et de l'expressionnisme allemand agrégé par son pinceau d'une façon très personnelle. Kolle a surtout peint des portraits de hommes jeunes forts et en bonne santé sans doute en réaction à son état maladif. Picasso ne tarissait pas d'éloges sur " la grande vitalité et la beauté de sa peinture. "
Kolle fut sans doute le peintre allemand le plus exposé dans les galeries parisiennes pendant l'entre-deux-guerres, et acheté régulièrement pour alimenter les collections des avant-gardes françaises et allemandes : Cocteau, Noailles, Rothschild, René Gaffé, Hessel, Roques, Uhde, Hürlimann, Waldemar George, H.P. Roché... furent ses collectionneurs.

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Gustave Courtois (1852-1923) - Le Trieur de Maïs

 

Gustave Courtois (1852-1923)

 Le Trieur de Maïs 

Musée d'art et d'histoire de Pontarlier, France

Né en plein milieu du 19e siècle en France, rien ne prédestinait vraiment Gustave Courtois fils d'un garçon charcutier et d'un blanchisseuse à devenir peintre. A ceci près que sa mère qui lui était totalement dévouée remarqua très vite l' intérêt pour l'art que le jeune Gustave développa dès qu'il fut scolarisé au lycée de Vesoul, intérêt aussi relevé par son professeur de dessin Victor Jeanneney.  C'est alors que la décision est prise de la faire entrer à l'Ecole municipale de dessin de Vesoul. 

Ses dessins furent présentés à Jean-Léon Gérôme qui lui conseilla en 1869 d’entrer à l’Ecole des beaux-arts de Paris.

Très proche ami de Pascal Dagnan-Bouveret,  Gustave Courtois décida sitôt qu'il fut en age d'en faire une profession de partager son atelier de peintre  avec lui, à Neuilly-sur-Seine à partir des années 1880. Il enseignait parallèlement la peinture à l’Académie de la Grande Chaumière et à l’Académie Colarossi de Paris où étudiaient, entre autres, Georges d’Espagnat et Maurice Prendergast. Il eut pour élèves deux étudiants inscrits à l’Ecole Nationale des Beaux-arts : Robert Fernier  et Robert Bouroult.

Réfugié au Tessin avec son ami Carl Ernst von Stetten pendant toute la durée de la Grande Guerre, il entretint une correspondance très suivie avec Robert Fernier alors que ce dernier se trouvait au front.

Il est l'auteur de portraits, de scènes de genre, de scènes religieuses ou mythologiques très souvent peuplées de voluptueux nus masculins.

Archétype de ce que l'on a appelé  pendant un temps les" peintres provinciaux ", avant de juger l'appellation péjorative, Sss œuvres sont conservées dans les musées de Besançon, Marseille, Bordeaux, Pontarlier et du Luxembourg.

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Hans Holbein the Younger (1497-1543) - George Brooke, 9th Baron Cobham

 

Hans Holbein the Younger (1497-1543),  

George Brooke, 9th Baron Cobham c.1532-43

Royal Collection Trust 

Buste tourné vers l'avant, et présentant une chemise ouverte, George Brooke, 9th Baron Cobham,  porte une casquette de genre "béret"  sur un crâne totalement rasé.
George Brooke, 9e baron Cobham (c.1497-1558) était un courtisan  célèbre et valeureux soldat du règne d'Henri VIII, élevé à l'Ordre de la jarretière pendant le règne d'Edouard VI. Ce dessin est vraisemblablement une copie d'après une peinture perdue de Holbein


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Giorgio da Castelfranco dit Giorgione (1478-1510) - Portrait d'un Archer

 

Giorgio da Castelfranco dit Giorgione (1478-1510)

Portrait d'un Archer  (c.1507-1510)

Huile sur toile  53.50 x 41.50 cm

The Scottish National Gallery, Edinburgh

Giorgio Barbarelli ou Zorzi da Vedelago ou da Castelfranco, dit Giorgione est le premier grand peintre vénitien du Cinquecento italien.
Il n'a vécu que 32 ans mais ce fut suffisant poru q'uil devienne l'un des peintres les plus célèbres de Venise, de son vivant. La plupart de ses tableaux ont été commandés principalement par des collectionneurs, de  personnalités cultivées,  dans un contexte aujourd'hui mal connu qui  rend ces tableaux bien mystérieux.
Giorgione innova dans sa pratique de peintre, de façon a pouvoir modifier son tableau au moment même où il peignait. Le dessin était donc moins contraignant. Cette pratique s'est, rapidement, communiquée à tous les peintres vénitiens et bien au-delà jusqu'à aujourd'hui : elle ouvrait la création à une plus grande spontanéité et à une plus grande recherche en matière de peinture.
On ignore tout de son patronyme : Giorgio, en vénitien Zorzo ou Zorzi, de Castelfranco Veneto, lieu de naissance. Sa maison natale a été transformée en musée, où l'une des rares œuvres qui lui est attribuée avec certitude est exposée : la « Frise des arts libéraux et mécaniques ». On dit que le surnom de Giorgione (Giorgione ou Zorzon signifient Grand Georges) lui fut donné par Giorgio Vasari « pour son allure et sa grandeur d’âme ».
Les œuvres qui lui sont attribuées le sont bien rarement avec un consensus général et le catalogue raisonné établi en 1996 par Jaynie Anderson se limite à 24 tableaux à l'huile sur bois ou sur toile et deux dessins, l'un à l'encre brune et au lavis, l'autre à la sanguine.

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Ubaldo Gandolfi (1728-1781) - Etude d'homme nu

 

Ubaldo Gandolfi (1728-1781)

Etude d'homme nu

Sanguine

National Library of Brazil

Ubaldo Gandolfi est un peintre italien du baroque tardif, appartenant à l'école bolonaise.
Avec son frère Gaetano, Ubaldo Gandolfi fait partie d'une famille d'artistes prolifiques : ses fils Giovanni Battista et Ubaldo Lorenzo, et ses neveux Mauro, Democrito (élève d'Antonio Canova) et sa nièce Clementina furent les derniers représentants de la peinture bolonaise, née deux siècles après les Carracci.
Il a pient des toiles à sujets mythologiques du Palazzo Marescalchi à Bologne, dont deux sont conservées aujourd'hui aux États-Unis, au Museum of North Carolina. Il a laissé de nombreux dessins et sanguines conservées en Italie ou au MET à New York
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Gerardo Sacristán Torralba (1907-1964) - Campesinos de Haro

 

Gerardo Sacristán Torralba (1907-1964)

Campesinos de Haro (Agriculteurs de Haro) 

Private collection  

Il s'agit d'un portrait d'un père et de ses fils de retoyr des champs après une journée de labeur. 

Dans la besace du père ,on peut voir l'embout en corne fixé par un collier rouge, très caractéristique de la Zahato, cette gourde de peau, outre traditionnelle des bergers basques. habituellement portée en bandoulière par le cordon rouge qui fait le tour de la zahato, elle ici glissée dans la besace. Le pere porte aussi un bâton en bois d'olivier.

Un des fils porte un lourd panier de fruits et de légumes qu'il rapporte des champs. Son frère (la ressemblance est trop frappante pour qu'il ne  le soit pas) ferme la marche en regardant le paysage d'oliviers qui borde la rivière.  Scène idyllique d'une époque ou l'Espagne était une nation agricole qui ne pratiquait pas l'agriculture industrielle intensive et destructrice d'aujourd'hui.

Considéré comme l'un des grands portraitistes espagnols du 20e siècle, Gerardo Sacristán Torralba, participa cependant à très peu d'expositions de son vivant. Il n'aimait pas l'exercice et préférait ne pas montrer ses commandes de portraits au public.
On les retrouve aujourd'hui dans des collections privées en Espagne et dans le sud de la France.

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Vasily Vereshchagin (1842-1904) - Moine Komuso

  

Vasily Vereshchagin (1842-1904)

Moine Komuso, 1904

The Russian State Museum, St. Petersburg, Russia

Les komusō (虚無僧)  étaient des moines mendiants japonais de l'école Fuke du bouddhisme zen, pendant la période d'Edo entre 1600-1868. Les Komusō se distinguaient par le tengai, un panier de paille de jonc ou de roseau, qu'ils portaient sur la tête afin de manifester l'absence d'ego spécifique. Ces moines sont aussi connus pour leurs morceaux solo de shakuhachi (une flûte de bambou japonaise). Ces pièces de musique, appelées honkyoku (« pièces originales ») étaient interprétées pendant une pratique méditative appelée suizen, à titre d'aumône, comme méthode pour atteindre l'illumination, ou encore comme procédé de guérison.
Après la période Edo, le gouvernement japonais introduisit des réformes, abolissant la secte Fuke.
En effet le port du tengai garantissant l'anonymat des moines komusō eut tendance à être détourné de son usage pour servir de camouflage pour les samouraïs, particulièrement les ronins, et probablement aussi les ninjas, qui d'ailleurs étaient parfois (et même souvent) membres de la caste des samouraïs. (Le terme « ninja » désigne ceux qui utilisaient des techniques de guerre non conventionnelles ou mal acceptées à l'époque : désinformation, espionnage, trahison, fuite, embuscade, assassinat, etc.) Ainsi, il était fréquent qu'un samouraï soit initié à ces méthodes, comme le célèbre Yagyū Jūbei Mitsuyoshi.
Le répertoire musical des komusō a survécu à l'abolition de la secte, et il est à nouveau joué depuis le xxe siècle.

Vasily Vasilievich Vereshchagin fut un peintre réaliste russe de la seconde moitié du 19ème siècle, surtout célèbre pour ses scènes de bataille, à la fois contemporaines et historiques. Il fut l'un des premiers peintres russes à être largement reconnu en dehors de son pays natal et eut de nombreuses expositions en Europe et aux Etats-Unis.

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Vincenzo Catena (1470-1531) - Portrait du Doge Andrea Gritti

 

Vincenzo Catena (1470-1531)  

Portrait du Doge Andrea Gritti (c. 1523-31) 

Huile sur toile, 97.2 x 79.4 cm.   

National Gallery, London (not on view)

Andrea Gritti (1455-1538) a été élu doge c'est à dire chef de la Sérenissime république de Venise  en 1523. Cette peinture a probablement été réalisée peu de temps après. Il porte son costume officiel de Doge et sur l'un des doigts de sa main gauche, une bague en or  représentant le doge agenouillé devant Saint Marc, le saint patron de Venise.
Le portrait de Catena communique très bien tout le pouvoir et l'autorité de Gritti, dont la carrière militaire et diplomatique fut extrêmement brillante. Son visage est représenté presque de profil sur un fond sombre, comme le profil d'une règle sur une médaille. Il semble regarder vers quelqu'un  qui se situe en dehors du cadre tout en nous faisant un signe de la main droite dont le doigt pointée pourrait être un geste rhétorique,  rappelant ses compétences en tant que politicien.

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Annibale Carracci, Annibale Carracci (1560-1609) - Esclave galérien au travail

 

Annibale Carracci (1560-1609)

Esclave galérien au travail, 1585-90. 

Fondation Jan Krugier.

Annibale Carracci, en français Annibal Carrache dit aussi "Le Carrache" est un peintre italien qui travaillait en général avec son frère Agostino et son cousin Lodovico et connut de son vivant une grande renommée.Avec Le Caravage, auquel il a été opposé dès le 17e siècle, il est considéré comme le rénovateur de la peinture italienne à la fin du 16e siècle. Comme lui, il utilisa en effet un style différent pour mettre en application les principes du Concile de Trente et se dégager du maniérisme finissant. Il donna naissance à une nouvelle conception classique et naturaliste de la peinture, faisant définitivement basculer cet art dans le classicisme, qui devint l'une des grandes orientations de la peinture au 17e siècle.

La classification de Carrache est assez difficile. Le peintre est en effet à la fois baroque, dans l'illusionnisme, l'exubérance des formes, la composition foisonnante et classique, de par sa mise en page équilibrée, son dessin net, la qualité sculpturale de ses personnages. On doit plutôt lui reconnaître un certain éclectisme, sans lui nier un style personnel, plutôt que de tenter de l'enfermer dans une catégorie.

On divise généralement la carrière d'Annibal Carrache en deux temps : celui de Bologne, jusqu'en 1595, puis celui de Rome jusqu'à sa mort en 1609. Toutefois, ses dernières œuvres, peintes après la galerie Farnèse doivent être considérées à part (ex : Jupiter et Junon) car elles relèvent d'une esthétique toute différente.

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Rogier van der Weyden (c. 1399–1464) - Portrait de Jean Gros

Rogier van der Weyden (c. 1399–1464)

Portrait de Jean Gros (c. 1460-64) 

Huile sur panneau , 36.5 x 27 cm. 

The Art Institute of Chicago 

Rogier van der Weyden était l'un des artistes les plus influents du XVe siècle. Il s'installe à Bruxelles, où il est nommé peintre officiel de la ville en 1436 et entretient un atelier chargé. Il a exécuté des retables et des portraits pour les institutions religieuses, les fonctionnaires de la cour et les puissants ducs des Pays-Bas bourguignons.
Les armoiries, la devise et une poulie peinte au dos de ce portrait identifient le sujet de ce tableau comme étant Jean Gros, fonctionnaire de la puissante cour de Bourgogne. Jean Gros est ici représenté au tout  l début d'une carrière    au cours de laquelle il amassa une fortune considérable et mena une vie tout à fait privilégiée démontrant ainsi que les bourgeois pouvaient mener aussi grand train que les aristocrates lorsqu'ils réussissaient dans les affaires.  

Rogier van der Weyden présente le visage plutôt allongé du fonctionnaire  sur un fond uni et sombre,  qui accentue les traits du modèle et rend encore plus expressif le  geste de prière de ses mains jointes. Cette posture indique que le panneau faisait autrefois partie d'un diptyque, un retable pliable et portable utilisé pour la dévotion privée : le regard dévot et abstrait de Gros était en fait dirigé vers un autre panneau portant l'image de la Vierge à l'enfant  qui se trouve aujourdh'ui conservée  au Musée des Beaux-Arts de Tournai (France).
Ce type de diptyque,  probablement  conçu à l'origine vers 1400 pour remercier les princes des donations  qu'ils faisaient, a été adaptée par  Rogier van der Weyden pour tous les membres de la cour bourguignonne qui en faisaient la demande, prince ou simple fonctionnaire...


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