Bonifacio Veronese (1487-1553) - Ritratto di un giovane

Bonifacio Veronese (1487-1553)

Ritratto di un giovane,  1510 

The State Hermitage Museum, St Petersburg, Russia

Bonifazio de' Pitati appelé Bonifazio Veronese ou Bonifazio Veneziano est un peintre italien actif au 16e siècle à Venise, à ne pas confondre avec Paul Veronese  (1528-1588)  qu'il précède mais qui fut son contemporain pendant une vingtaine d'années et qui fut aussi actif à Venise.

Dès son arrivée à Venise où son atelier devient très actif très rapidement,  on le surnomme  Bonifacio Veronese.  Son atelier, en concurrence avec celui de Titien, n'a jamais atteint le même niveau de célébrité. mais il eut tout de même plusieurs élèves ou assistants prestigieux, dont Le Tintoret, Jacopo Bassano et Andrea Schiavone.

Ses œuvres avant 1528 reflètent l'influence du style contemporain de Venise, ainsi que des anciens maîtres tels que Bellini et Giorgione., lui meme ayant été  l'élève de Palma le Vieux, dont l'influence est visible dans beaucoup de ses tableaux religieux. Ses peintures commencent à s'écarter de ce  style traditionnel après 1528, époque où il commence à expérimenter le maniérisme, mais continue d'exécuter des tableaux de facture plus classique dès qu'il s'agit de sujets religieux, pour des patrons locaux.

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Egon Schiele (1890-1918) - Autoritratto 1912

Egon Schiele (1890-1918)  

Autoritratto 1912 

Leopold Museum, Vienna

Schiele a fait près d'une centaine d'autoportraits se représentant parfois nu, avec un visage desséché et tourmenté, ou avec un strabisme très marqué, allusion humoristique à son nom de famille, le verbe « schielen » signifiant loucher en allemand. Beaucoup de critiques hostiles à son art, de son vivant, n'hésitèrent d'ailleurs pas à multiplier ces jeux de mots pour définir son art. Ses peintures provoquaient, et provoquent toujours sans doute encore les spectateurs, suscitant  un certain malaise ce qu'elle évoque de la mort et de l'érotisme qu'elle mêle souvent sans  distinction... Schiele a laissé environ 300 peintures, 17gravures et lithographies, 2 gravures sur bois, de nombreuses sculptures et 3 000 dessins, aquarelles ou gouaches.

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Jean-Baptiste Debret (1768-1848) - Portrait d'un indien Camacan

Jean-Baptiste Debret (1768-1848)

 Portrait d'un indien Camacan, ca.1818-2820
Voyage pittoresque et historique au Brésil

 Jean-Baptiste Debret est un peintre d'histoire français, frère de l'architecte François Debret et le cousin de Jacques-Louis David dont il devint l'élève. Sous le Premier Empire il réalisa, comme son cousin,  de nombreuses peintures officielles pour le régime et pour l'empereur. Après la chute de Napoléon 1er,  il accepta une proposition du roi du Portugal Jean VI en exil au Brésil, et fit partie d'une mission d'artistes venus rejoindre la cour.
La défaite de Napoléon en 1815 fut un rude coup pour les artistes néoclassiques comme lui  qui perdaient le principal pilier financier et idéologique de leur art. À cette époque, lui et l'architecte Grandjean de Montigny furent invités à participer à une mission d'artistes français qui devait partir pour la Russie à la demande du tsar Alexandre Ier. En même temps le marquis de Marialva, ambassadeur du Portugal à Paris préparait une mission vers le Brésil. Joachim Lebreton, futur directeur de cette mission, les sollicita. Ils choisirent le Brésil et s'embarquèrent au Havre le 22 janvier 1816 sur le Calpe, voilier nord-américain, avec les 40 artistes qui composaient la mission, dont le plus notable était le peintre Nicolas-Antoine Taunay. Le Calpe accosta à Rio de Janeiro le 26 mars 1816.
 Debret vécut au Brésil 15 années et fit une carrière de peintre officiel de l'empire brésilien. Son carnet d'aquarelles intitulé Voyage pittoresque et historique au Brésil, révèle la profondeur de la relation personnelle et émotionnelle qu'il a eu avec ce pays.  En 1831, il  revint en France en avançant des raisons de santé et ne retourna plus au Brésil qui lui-même connaissait des bouleversements politiques.  La légende raconte que après son abdication, l'empereur du Brésil Pedro Ier et Debret se rencontrèrent par hasard au coin d’une rue de Paris. L’ancien empereur et son peintre d’histoire y auraient fait échange de politesses. Le premier aurait civilement offert sa maison de Paris à l’artiste qu’il avait naguère décoré de l’Ordre du Christ en le traitant d’homme vertueux.

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Georges Bouche (1874-1941) - Autoportrait

Georges Bouche (1874-1941)

Autoportrait
Collection privée 

Georges Bouche commence à peindre des petits formats dès l’âge de quatorze ans ;  il voue à ce moment là une admiration enthousiaste au peintre paysagiste lyonnais Louis-Hilaire Carrand (1821-1899) qu'il rencontre à la fin de sa vie, alors que celui-ci mène une existence misérable.  L'influence de ce grand peintre proche de l'Ecole de Barbizon, lui-même très influencé par Gustave Moreau se fera sentir de façon sensible sur tout l'oeuvre de Georges Bouche. 

D’abord élève d’architecture à l’Ecole des Beaux-Arts de Lyon, Bouche quitte sa ville natale et s’installe à Paris où il rencontre Pierre Laprade avec qui il se lie d’amitié et fonde un atelier commun. Les styles de l'un et l'autre sont pour un temps très entremêlés jusqu'au moment où, découvert par  le marchand Ambroise Vollard, Laprade quitte l’atelier.

Georges Bouche épouse alors la peintre Emilie Charmy et continue à travailler seul, réagissant contre les facilités d’harmonies des Post-Impressionnistes et des Fauves, s’attachant à prouver que les excès de couleur risquent de tuer la lumière. A travers une pâte rugueuse, il obtient un effet de légèreté et de transparence inégalée dans le domaine de la peinture,  si ce n'est par Alberto Giacometti quelques années plus tard. En 1902, il expose pour la première fois et participe régulièrement au Salon d’automne, au Salon des indépendants et à la Nationale. Il est représenté à l’exposition des « Maîtres indépendants 1895-1937 » au Petit Palais de Paris.

Lorsqu’il rencontre le succès, Georges Bouche est au seuil de la mort. L’exposition de 1939 à Paris est la dernière de son vivant. Quand la Seconde Guerre mondiale éclate, le peintre se retire dans sa propriété d’Auvergne où il décède peu de temps après. Son oeuvre  magnifique est, depuis son décès, demeurée dans un oubli aussi injuste qu'incompréhensible, car il s 'agit là d'un très grand peintre du 20e siècle.

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Paul Cézanne (1839-1906) - Portrait 1866-67

Paul Cézanne (1839-1906)

Portrait, 1866-67

Ce portrait fait partie de la   série  "frénétique (un par jour) à en croire Zola, de portraits que Cézanne peint  dès  son installation à Aix en Provence à la fin de l'été 1866. C'est son oncle maternel, l'huissier Dominique Aubert. qui lui servait alors le plus souvent de modèle. 

Le modèle est représenté sous différents angles, costumé en moine, ou coiffé d'un turban, ou encore d'un bonnet de coton, sans que l'on sache le sens exact de ces travestissements.
Le portrait ci-dessus par contre semble échapper à cette règle et ne ressemble pas vraiment à la physionomie de l'Oncle Dominique 

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Vincenzo Foppa (1427-1515) - Ritratto d'uomo anziano

Vincenzo Foppa (1427-1515) 

 Ritratto d'uomo anziano

Philadelphia Museum of Art

Vincenzo Foppa est un des premiers grands peintres de l'Ecole lombarde, rendu célèbre pour sa peinture naturaliste et vivante.

Sa première oeuvre certaine, les Trois Crucifiés de Bergame (Académie Carrara) est signée et daéйe de 1456. Actif en divers endroits du Duché de Milan, il est а Pavie en 1458 et émerge comme un des peintres lombards les plus en vue. Il est а Gênes en 1461, puis de nouveau а Pavie en 1462, année où il se rend а Milan.

En 1468, il peint les fresques de la chapelle de Pigello Portinari а la Basilique Sant'Eustorgio de 

Son style s'apparente à celui d'Andrea del Castagno et de Carlo Crivelli et il est reconnu de son vivant, particulièrement pour sa coméйtence dans différents modes de perspective. 

Beaucoup de ses oeuvres ont été perdues.

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François Le Moyne I (1688-1737) - Tête d'un homme barbu

François Le Moyne I (1688-1737) 

Tête d'un homme barbu, profil gauche  

The MET, New York City 

Le peintre François Lemoyne  I ou Le Moine,  (à ne pas confondre avec Jean-Baptiste Lemoyne II)  Premier peintre du Roi, fut considéré comme un très grand maître par ses contemporains, commanditaire aussi bien qu'artistes. Il est l'un des pères du style rococo et le maître et ami de Charles-Joseph Natoire et François Boucher.

En 1732, Louis XV, lui confia la décoration du salon d'Hercule à Versailles. Il obtenait là une commande considérable tout comme celles de Le Brun auparavant. Il en conçut non pas fierté mais ivresse et enthousiasme. Il allait pouvoir faire ce que ces deux maîtres précités avaient fait au palais des Doges. Il y consacrera quatre ans pour réaliser ce rêve, mais dont il sortira las, brisé physiquement et moralement. Quatre années de luttes, de misères, d’acharnement où il faisait, défaisait, s’écoulèrent ainsi. Il avait vieilli au point d’inquiéter ses familiers, il était courbé, ne connaissant plus aucune joie, aucun plaisir, interdisant farouchement l’accès de ses pensées secrètes. Lorsque Louis XV le nomma premier peintre, en 1736,  une fois au sommet de toutes les hiérarchies, pourvu d’une charge qui l’élevait au-dessus de ses confrères, il n’en fut pas plus heureux ou satisfait. Il sombra, au contraire, dans une profonde dépression  qui le mena au suicide un an plus tard. 

La grande découverte de son œuvre allait avoir lieu le 26 septembre 1736. Cent quarante figures mythologiques, tout un Olympe galant offraient aux yeux le spectacle de leur beauté, de leurs teintes harmonieuses, d’une science qui évoquait les maîtres vénitiens mais affirmaient plus encore une triomphante originalité. Dès le seuil de la grande porte, Louis XV, Marie Leczinska, le duc d’Antin se tinrent là, frappés d’admiration et d’étonnement. Toutes les autres peintures qui se tenaient dans les pièces voisines paraissaient ternes comparées aux orchestrations flamboyantes du peintre. Voltaire dira : « Il n’y a pas en Europe de plus vaste ouvrage de peinture que le plafond de Lemoyne et je ne sais s’il y en a de plus beaux ». Il s’était montré dans ce chef-d’œuvre l’égal du grand Tiepolo. Louis XV lui décerna les éloges qui eussent comblé tout autre maître, de même toute la Cour, mais Le Moyne semblait ne plus pouvoir supporter la tension à laquelle il s’était soumis ; atteignant le but ardemment souhaité, il perdait pied. Le 4 Juin 1737, le peintre se saisir de son épée, et se la planter dans le corps а plusieurs reprises,  tavant d'aller ouvrir à l'ami qui venait le visiter.

L’émotion fut grande à la Cour et à la ville. Sur un chevalet reposait sa dernière œuvre Le Temps révélant la vérité où figure l'allégorie portant la faux et qui était une commande. L’Eglise, en dépit de son geste, ne lui refusa pas ses pompes, ce qui donne un idée assez bonne de l'état de considération  dans lequel il était dans tout le royaume. 

En juin 2015, l'historienne d'art Hannah Williams tente de comprendre les motivations du geste de Le Moyne, révélant de nombreux pans opaques, notamment une sombre affaire de jalousies au sein de l'Académie...

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Vasily Vereshchagin (1842–1904) - Fakir

Vasily Vereshchagin  (1842–1904)  

Fakir, 1874

 Galerie Tretiakov, Moscou

Vasily Vasilievich Vereshchagin (également orthographié Vereschagin)  fut un peintre réaliste russe de la seconde moitié du 19ème siècle, surtout célèbre pour ses scènes de bataille, à la fois contemporaines et historiques. Il fut l'un des premiers peintres russes à être largement reconnu en dehors de son pays natal et eut de nombreuses expositions en Europe et aux Etats-Unis. Bien que son succès ait été fondé sur ses peintures de guerre et le combat, et en dépit du fait qu'il ait été un officier bardé de décoration, Vereshchagin fut toujours et très ouvertement critique par rapport  à toute guerre, qu'il considérait comme une  "grande injustice ".  Cela le mit souvent en  difficulté et même en conflit ouvert avec les divers pouvoirs de son époque. Il trouva la mort pendant la guerre russo-japonaise, lors du naufrage du cuirassé Petropavlovsk, touché par une mine, au large de Port-Arthur. Cette carrière auprès des armées lui fournit l'opportunité de visiter beaucoup des pays avec lesquels le sien était en conflit et de dresser souvent de saisissants portraits des habitants qu'il y croisait. 

Exposé principalement à la Galerie Tretiakov à Moscou, il est devenu aujourd'hui le symbole du pacifisme russe. La ville de Verechtchaguino, dans le kraï de Perm, a été nommée ainsi en son honneur.

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Sir John Lavery (1856-1941)

Sir John Lavery (1856-1941)

Portrait of a smoker  

Ce  peintre portraitiste irlandais est considéré  comme l'un des grands artistes témoins de la Première Guerre mondiale. À l'instar de son compatriote irlandais William Orpen, il est commissionné pour être officiellement peintre de guerre au début de la Première Guerre mondiale. Mais son séjour sur le font de l'Ouest tourne court, puisque blessé, lors de l'attaque d'un Zeppelin, il retourne à Londres assez rapidement. Là il continuera à peindre  essentiellement des navires et des avions de guerre mais aussi des portraits. comme celui-ci..

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Konstantin Somov (1869–1939) - Autoportrait 1898

Konstantin Somov (1869-1939)

Autoportrait 1898

Russian State Museum 

  Konstantin Somov (1869-1939) étudia la peinture à l'Académie impériale des beaux-arts et fréquenta pendant trois ans l'atelier d' Ilia Répine. Il se lia pendant ses études avec Serge Diaghilev et Léon Bakst et se rendit avec eux à Paris en 1897. Il devint membre de l'Académie impériale en 1913 et fut nommé professeur à l'École des beaux-arts de Pétrograd (Saint-Pétersbourg) en 1918. Il émigre aux États-Unis en 1923 mais ne reste qu'un an dans ce pays qu'il déclare "incompatible avec son tempérament artistique". Il s'installe alors à Paris, où il illustre entre autres Manon Lescaut, Daphnis et Chloé et les poèmes de Pouchkine. Vers la fin de sa vie, il peint surtout des portraits. À sa mort en 1939, il est inhumé au cimetière de Sainte-Geneviève-des-Bois.
Au début du 21e siècle, les peintures de Constantin Somov connaissent un regain de popularité et leur valeur sur le marché de l'art s'est en conséquence beaucoup accrue. Ainsi le 14 juin 2007, son paysage intitulé L'Arc-en-ciel (1927) a été vendu à 7,33 millions de dollars chez Christie's.

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Vintage photo of men - Model in art school

Vintage photo of men

Model in art school, ca 1912, 

Cleveland Ohio

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Jean-Baptiste II Lemoyne (1704-1778)

 Jean-Baptiste II Lemoyne  (1704-1778) 

Portrait du sculpteur Étienne- Maurice Falconet, 1741 

The MET, NYC 

Plusieurs artistes d'une même dynastie répondent au nom de Jean-Baptiste Lemoyne. 

Celui dont il est question ici est Jean-Baptiste II Lemoyne qui était un sculpteur français.

Fils du sculpteur Jean-Louis Lemoyne (1665-1755) et neveu du sculpteur Jean-Baptiste Lemoyne (dit Jean-Baptiste I Lemoyne) (1679-1731), il fut l'élève de Robert Le Lorrain, à l'Académie royale de peinture et de sculpture. Il obtient le prix de Rome en sculpture de 1725. Il  représente alors la grande tradition de la sculpture française et devient  le portraitiste attitré du roi Louis XV et son statuaire monumental.

Considéré comme un des maîtres de l’école baroque est aussi, par certains aspects, un sculpteur néoclassique, Étienne Maurice Falconet,( 1716- 1791 est le contemporain  de Jean-Baptiste II Lemoyne.    Ses œuvres les plus célèbres sont L'Amour menaçant (Paris, musée du Louvre) et le Monument à Pierre le Grand, dit Le Cavalier de bronze à Saint-Pétersbourg, en Russie.

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Jacopo Carrucci dit Le Pontormo (1494-1557) - Portrait d'un jeune homme portant un chapeau rouge

Jacopo Carrucci dit Le Pontormo (1494-1557)

Portrait d'un jeune homme portant un chapeau rouge, 1529
The National Gallery, London

Jacopo Carucci  connu sous le nom de Jacopo da Pontormo, ou plus simplement de Pontormo, est  l'un des représentants les plus importants du mouvement maniériste dans la peinture italienne du 16e siècle.

Il est réputé pour les poses contorsionnées de ses personnages, ses perspectives forcées, ses couleurs acides et stylisées, ses modèles aux yeux écarquillés et aux expressions inquiètes (comme ci-dessus).

Un an après que ce portrait ait été peint (pendant le siège de Florence), la mort d'Andrea del Sarto fait sombrer Pontormo dans un profond désespoir qu'il avait jusque-lа réussi à contenir. Il s'engage dans une entreprise titanesque commandée par les Médicis : la décoration de l'abside de l'église de san Lorenzo. Ces fresques, dont on ne connaît que les cartons préparatoires, ont complètement disparu.

C'est dans le domaine du portrait qu'il aboutit à ses résultats les plus  durables, bien que seulement 15 exemplaires de ces portraits soient parvenus jusqu'à nous. Figés dans des poses, ses personnages se détachent sur un fond fermé et les couleurs métalliques, parfois éblouissantes, transforment les figures en images d'elle-mêmes.

Bronzino fut son élève.

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Pavel Tchelitchew (1898-1957) - Figure in armor

Pavel Tchelitchew (1898-1957)

Figure in armor 

Private collection

Pavel Tchelitchew qui appartenait à l'aristocratie russe suivit sa famille à Kiev apres la révolution de 1917 avant d émigrer en France en1923.  C'est à Paris qu'il fit ses débuts de portraitiste. Au Salon d'automne de 1925, Gertrude Stein remarqua son talent et lui acheta tout le contenu de son atelier. C'est par son intermédiaire d'ailleurs qu'il fit la connaissance de René Crevel et Christian Bérard mais aussi d' Edith Sitwell, dont Tchelitchew réalisa le portrait.  C'est chez Gertrude Stein aussi que  Tchelitchew rencontra celui qui allait devenir son compagnon pendant de nombreuses années, le poète et écrivain américain Charles Henri Ford (1908-2002) dont il a très souvent fait le portrait. A Paris, Pavel Tchelitchew travailla ensuite pour Serge de Diaghilev en créant des décors et des costumes des Ballets russes en 1928. En 1930, Tchelitchew présenta ses oeuvres dans le cadre d'une exposition collective au Museum of Modern Art de New York,  tout juste ouvert depuis un an seulement.

En 1933,  il décide de s'installer avec son compagnon Charles Henri Ford à New York où il continue à travailler pour des metteurs en scène et des chorégraphes, comme  George Balanchine ou A. Everett Austin (Wadsworth Atheneum de Hartford).  

Tchelitchew acquit la nationalité américaine en 1952.

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Bartolomeo Passarotti (1529–1592)

Bartolomeo Passarotti (1529–1592)

Domenico Giulani and his Servant

Bartolomeo Passarotti ou Passerotti est un peintre et graveur italien maniériste de la Renaissance tardive connu surtout pour ses peintures sacrées et ses portraits. Membre de la Compagnie des Quatre Arts, il participa а la « querelle » pour la séparation des peintres et des membres de la corporation des Bourreliers, Gainiers et Fourbisseurs, octroyée en 1569. Portraitiste de plus en plus réputé, il s'intéressa à la fin des années 1580 à la peinture de scènes de genre. Sensible aux recherches contemporaines du naturaliste Aldovrandi, il fut un collectionneur passionné d'antiquités et de curiosités, allant jusqu'à constituer un « musée », enrichi par la suite par son fils Tiburzio. Il mourut en 1592.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Πορτρέτο ναύτη

Yannis Tsarouchis (1910-1989)

Πορτρέτο ναύτη 1976.

(Portrait d'un marin, 1976)

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης ) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930,  il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre.  En 1935  et 1936, il se rend Istanbul, en  Italie à Paris où il  rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.

Il affectionnait particulièrement les portraits des marins et  militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. 

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Zinaida Serebriakova (1884-1967) - Marin à Collioure

Zinaida Serebriakova (1884-1967) 

 Marin à Collioure, 1930

Collection privée

Zinaïda Serebriakova se trouvait dans la propriété familiale de Neskoutchnoïe, lorsqu'éclata la Révolution d'Octobre et sa vie se trouva brutalement transformée. Son mari Boris mourut en 1919 du typhus contracté dans les prisons bolchéviques. Ruinée après la confiscation des biens familiaux et sans un sou avec quatre enfants et sa mère malade à charge, elle abandonna l'huile pour dessiner au fusain et au crayon. Elle refusa de dessiner dans le style futuriste en vogue ou de faire les portraits de commissaires politiques puissants. Elle trouva donc un emploi au musée archéologique de Kharkov où elle était chargée de reproduire les collections du musée. Elle décida finalement de déménager à Petrograd en décembre 1920 chez son grand-père. Son grand appartement avait été divisé en chambres communautaires (les kommunalka), mais heureusement avaient été attribuées à des artistes et acteurs de théâtre. Zinaïda en partageant cet appartement communautaire put dessiner leurs portraits et reprendre des forces morales.

Cependant la situation devenant de pire en pire et la ville souffrant de la faim (suites de la guerre civile entre les communistes et les armées blanches), elle se résolut à émigrer à Paris en 1924.

Arrivée à l'automne 1924 à Paris, où elle reçoit la commande de décorer de grands panneaux, Zinaïda Serebriakova ne peut plus retourner en Russie, où sont restés ses enfants et sa mère (ses deux cadets la rejoindront plus tard). Elle profite de voyages en Afrique (sous passeport Nansen) grâce à l'invitation du baron Jean de Brouwer, son mécène belge, en 1928 et en 1930 et se rend au Maroc. Elle est fascinée par les paysages de l'Atlas et dessine des femmes arabes et des paysages aux couleurs vives. Elle séjourne avec son mari à Camaret en 1925 et 1926 et revient en Bretagne en 1934, cette fois-ci à Pont-l'Abbé, puis à Lesconil et à partir de 1937 à Concarneau.

À cette époque, elle peint un cycle de tableaux consacrés à la Bretagne et aux marins, représentant aussi de nombreux portraits de bigoudènes. Elle reçoit la nationalité française en 1947. 

Après la mort de Staline, elle arrive à reprendre contact par courrier avec ses proches restés en Russie et plus encore à l'époque de Khrouchtchev. Une grande exposition rétrospective de ses œuvres se tient en URSS en 1960, après 36 ans d'absence, organisée par sa fille Tatiana, décoratrice au théâtre d'art de Moscou. À partir de 1966, ses tableaux sont de plus en plus exposés en Union soviétique, surtout à Moscou, Léningrad et Kiev.

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Gabriel-Jacques de Saint-Aubin (1724-1780) - Momus

Gabriel-Jacques de Saint-Aubin (1724-1780) 

Momus, 1752

Morgan Library and Museum

Gabriel-Jacques de Saint-Aubin est un dessinateur, graveur à l’eau-forte et peintre français qui fut l’élève de Jeaurat et de Collin deVermont.

L’art de Saint-Aubin se distingue par son penchant pour l’observation de la société dans les rues de la capitale française, dont il croquait les scènes où les amusements au gré de ses promenades. А ce titre, ses gravures à l’eau-forte et ses grandes aquarelles constituent une trace précieuse de la vie artistique parisienne au 18e siècle. Il griffonna son quotidien sur un exceptionnel carnet de plus d'une centaine de pages dont le Louvre fit l'acquisition en  1941. L'ensemble du carnet, reproduit à l'échelle réelle, est aujourd'hui édité sous le titre Livre de croquis de Gabriel de Saint-Aubin. Il réunit 108 pages dont 103 illustrées et annotées entre 1759 et 1778. 

Le Momus dont il s 'agit dans ce dessin est celui qui apparaît dans Platée, ballet de Jean-Philippe Rameau. Dans cet opéra-ballet, Momus,  encourage Thespis, inventeur mythique de la comédie, à ne pas épargner les immortels dans ses moqueries et, au deuxième acte, organise sur l'ordre de Jupiter une fête en l'honneur de la naïade, malheureuse victime de la supercherie du plus puissant des dieux.

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Albrecht Dürer (1471-1528) - Constructed Head of a Man in Profile.

Albrecht Dürer (1471-1528) 

Constructed Head of a Man in Profile.ca. 1512-1513- 

Morgan Library  and Museum

Les spécialistes recensent un bon millier de dessins de Durer. Certaines de ses études sont aquarellées.

« L'art d'Albrecht Dürer marque l'apogée de la peinture à la sortie du Moyen Âge. Sa maîtrise absolue du dessin rigoureux et d'une coloration sensuelle fascinent aujourd'hui comme de son temps » 

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Edgar Degas (1834-1917) - Nu masculin se penchant

Edgar Degas (1834-1917)

Nu masculin se penchant pour ramasser un objet 

Etude pour la Fille de Jephté, c. 1859-1861

Même à la fin de sa carrière, Degas n’abandonna pas l’approche académique qui consiste à mettre en place une composition à l’aide de dessins préparatoires, et notamment d’études d’après modèle vivant. De la même façon qu’il préparait ses tableaux d’histoire, il a souvent recours au dessin pour ses dernières scènes de la vie moderne. Il continue à appliquer les préceptes d’Ingres. 

L’influence d’Ingres fut certainement prépondérante dans sa jeunesse. À vingt et un ans, le jeune Degas obtient de rencontrer le vieux maître dans son atelier. La même année, il copie avec passion des œuvres présentées dans la rétrospective consacrée à Ingres. Peint à cette époque, le premier grand autoportrait de Degas fait clairement référence à celui d’Ingres datant de 1804. Le jeune artiste ne s’est cependant pas représenté en peintre mais en dessinateur, un porte-fusain à la main, se remémorant peut-être les conseils qu’Ingres venait de lui prodiguer : « Faites des lignes, beaucoup de lignes, et vous deviendrez un bon artiste. »

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Ignacio Zuloaga y Zabaleta (1870-1945)

Ignacio Zuloaga y Zabaleta (1870-1945) 

Retrato del marques de Villamarciel, 1893

 Ignacio Zuloaga y Zabaleta, fut l'un des plus importants peintres espagnols de la fin du 19e et du début du 20e siècle,  principalement connut comme portraitiste de tous les personnages importants de l'Espagne de son temps et-  comme il était un grand aficionado - pour ses portraits de toreros célèbres ou inconnus et pour ses scènes de corrida. Il est aussi l'auteur du portrait du collectionneur d'art Carlos de Beistegui qui est exposé au Louvre, dans la Salle Beistegui au 2eme étage du pavillon Sully ; selon les volontés de son commanditaire ce portrait doit y être exposé en permanence au sein de l'importante collection dont il avait fait  donation au Louvre.

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Frans Masereel (1889-1972) - Matelot accoudé

Frans Masereel (1889-1972) 

Matelot accoudé, 1929

Frans Masereel est un graveur, peintre et illustrateur belge qui a principalement travaillé entre la Suisse, l'Allemagne et la France. Artiste engagé, humaniste, libertaire, pacifiste antimilitariste, marqué par le tourment sanglant de la Première Guerre mondiale, ses œuvres dénoncent sans concessions les horreurs de la guerre, de l'oppression et de l'injustice sociale.

Auteur d'une œuvre abondante, illustrateur infatigable, pédagogue, son travail graphique le plus connu est sans doute Mon livre d'heures (1919) : il est considéré à ce titre comme le précurseur du roman graphique.

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Tristram Hillier (1905-1983) - Spanish Peasants Drinking

Tristram Hillier (1905-1983) 

Spanish Peasants Drinking, 1963

Tate, London 

Fils d'un banquier et diplomate, Tristram Hillier est né  à Pékin. Catholique romain, il a fait ses études à Downside School. En 1922, il retourna en Chine pour étudier la langue. Il a poursuivi ses etudes artistiques principalement à Paris avec André Lhote, ainsi qu'à l'Atelier Colarossi.  C'est à Paris qu'il rencontre Giorgio de Chirico et Max Ernst qui l'influence grandement et l'entraine dans le mouvement surréaliste auquel il resta fidèle jusqu'à la fin de sa vie.  

Sa première exposition personnelle a eu lieu à la galerie Lefevre en 1931; il exposa plus tard principalement à  la Tooth 's Gallery. À partir de 1933, il rejoint le  groupe Unit One dirigé par Paul Nash. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il sert dans la réserve des volontaires de la Royal Navy avec les Français libres. Après la guerre, il vit en France,  en Espagne, puis en Angleterre où il finit sa vie.  Une rétrospective de ses œuvres a eu lieu à la Worthing Gallery en 1960. 

Les œuvres de Tristram Hillier sont conservées dans les collections de la Tate Gallery et dans de nombreuses autres collections publiques et privées

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François-Emile Barraud (1899-1934) - Père Favre Le Graveur

François-Emile Barraud (1899-1934) 

Père Favre Le Graveur

Franзois-Emile Barraud, est un artiste peintre suisse, aussi dessinateur, graveur et sculpteur. Issu d'une fratrie de quatre enfants et d'un père graveur sur boîtiers de montres, François Barraud a œuvré à Paris dans les Années folles, multipliant natures mortes et portraits dans l'esprit pictural de Balthus. Il meurt de la tuberculose à l'âge de 34 ans, à Genève.

Ses frères, Aurèle, Aimé et Charles, sont également peintres.
 Des expositions de son oeuvre ont eut lieu  au Kunstmuseum de Winterthur, et au Musée des beaux-arts de La Chaux-de-Fonds en 2005.

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Alexej Von Jawlensky (1864-1941) - Der Glöckner

Alexej Von Jawlensky (1864-1941) 

Der Glöckner (Le bossu) 1905

Lenbachlaus Munchen

Alexej von Jawlensky est un peintre russe expressionniste. Initialement  destiné à devenir militaire, il poursuit ses études à  l'Ecole des Cadets de Moscou où il a l'occasion de voir pour la première fois une exposition de peinture... c'est un évènement qui va bouleverser sa vie. Il commence dès lors à  peindre et va faire de fréquente visites à la Galerie Tretiakov.
 En 1884 il est nommé lieutenant, en poste à Moscou. Il peint des paysages et la steppe tatare et, en 1898, il obtient son transfert pour Saint-Pétersbourg où se trouve l'Acadйmie impйriale des beaux-arts dont il suit les cours. En 1890, il rencontre Ilia Répine, le grand peintre russe réaliste et romantique de l'époque.  En 1905, il travaille а Carantec, en Bretagne, et grâce а l'intervention de Diaghilev, il envoie six toiles au Salon d'automne qui sont exposées dans la section russe.
A Munich, il fait la connaissance du « nabi » et peintre-moine et mystique Jan Verkade1 et de Paul Sérusier. Il achète en 1908 un tableau de Van Gogh et rencontre le danseur russe Alexandre Sakharoff qui devient son ami intime.
Jawlensky passe ses été à Murnau, dans le sud de la Bavière, dans la « Maison des Russes », en compagnie de Werefkin, Kandinsky, autant de peintres qui font partie des fondateurs de la Nouvelle Association des Artistes de Munich (Neue Kunstlervereinigung Munchen) ou NKVM, qui donne naissance en 1912 au groupe nommé « Der Blaue Reiter » (Le Cavalier Bleu). А cette époque, Jawlensky rencontre Franz Marc et Emil Nolde.
En 1914, première exposition de la Sécession munichoise (Neue Munchner Sezession), puis, après la déclaration de la guerre, Jawlensky se réfugie en Suisse а Saint-Prex. Dans un grand isolement, il commence à peindre la vue qu'il a de sa fenêtre : c'est la série des Variations.
А Zurich, qui est devenu un lieu de rencontre pour les artistes et écrivains européens fuyant la guerre, Jawlensky fait la connaissance de Jean Arp, Wilhelm Lehmbruck et Marie Laurencin. Il commence ses séries des Têtes mystiques et des Visions du Messie. De 1918 à 1921, il s'installe à Ascona et commence la série des Têtes Abstraites. Il rencontre avec le poete Rainer Maria Rilke et le sculpteur Archipenko. En 1921, il quitte Ascona et s'installe à Wiesbaden.
 En 1938, il cesse de peindre.

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Thomas Eakins (1844-1916) - The Wrestlers 1905

Thomas Eakins (1844-1916)

The Wrestlers, 1905

 Museum of Fine Arts, Boston

Thomas Cowperthwaite Eakins est un peintre, sculpteur et photographe américain, associé au courant moderniste du réalisme américain. Admis à l'École des beaux-arts de Paris dans les ateliers de Jean-Léon Gérôme, puis de Léon Bonnat de 1866 à 1868, il séjourne ensuite quelque temps à Pont-Aven à l'instigation de Robert Wylie. Il voyage ensuite en Espagne avant de retourner aux États-Unis où il commence une brillante carrière de peintre réaliste et se spécialise dans la peinture des sportifs.
Amoureux de la vérité optique, il s'intéresse aussi à la photographie. En 1882, il devient professeur à l'académie des beaux-arts de Pennsylvanie, une école d'art avant-gardiste où l'on enseigne notamment la photographie. En 1886, il perd son poste de professeur à l'académie pour avoir admis un public féminin lors d'un cours d'anatomie d'après modèle masculin...

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Nicolai Ivanovich Fechin (1881-1955) - Portrait of Konstantin Lepilov

Nicolai Ivanovich Fechin (1881-1955)

 Portrait of Konstantin Lepilov, 1909

The State Russian Museum, St Petersburg

Nicolai Ivanovich Fechin (Николай Иванович Фешин) est un peintre américain, d'origine russe. Né à Kazan, il est décédé à Santa Monica (Californie). Fechin est essentiellement connu comme portraitiste et aussi pour quelques unes de ses oeuvres représentant les peuples amérindiens.

 À 13 ans, il entre dans une école d'art de Kazan puis poursuit ses études à l'Académie russe des beaux-arts de Saint-Pétersbourg. En 1904, il voyage en Sibérie où il est fasciné par les paysages et les indigènes. 

En 1909, il obtient le Prix de Rome et parcourt plusieurs capitales d'Europe. 

À Munich, il reçoit une médaille d'or à l'Exposition internationale.  En 1910, il est alors invité à exposer à l'Institut Carnegie à Pittsburgh (Pennsylvanie). De retour à Kazan, il y devient professeur.  En 1923, devant la famine en Russie, il émigre avec sa famille à New York et enseigne à la New York Academy of Art. Il expose aussi à la National Academy of Design où il remporte, en 1924, le premier prix. En 1926, il obtient de même une médaille à l'Exposition internationale de Philadelphie.

En 1926, atteint par la tuberculose il part s'installer à Taos au Nouveau-Mexique puis commença à voyager  eu Mexique, au Japon, à Java et Bali et à travers le Pacifique.

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Paul Cadmus (1904-1999) - Nu couché

Paul Cadmus (1904-1999) 

Nu couché

Paul Cadmus  est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et reçoit de nombreuses commandes.
Dans les années 1960, son œuvre révèle plus franchement aux yeux du public une forme d'homoérotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins, tandis que son style évolue vers le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donne plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nu masculins, et de filles et garçons du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.


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Károly Ferenczy (1862-1917) - Summer

 Károly Ferenczy (1862-1917)

Summer 1902

Hungarian National Gallery, Budapest

Károly Ferenczy est un peintre hongrois,  membre éminent de la colonie d'artistes de Nagybánya, il est considéré comme le père de l'impressionnisme et du postimpressionnisme hongrois et le fondateur du la peinture hongroise moderne.  Né dans une famille juive hongroise en Autriche, ayant perdu tres jeune sa mere, il  voyage en Italie puis en France où il vient  étudier la peinture à l'Académie Julian à Paris en 1887. Deux ans plus tard, il s' installe en Hongrie avec sa femme; le couple aura trois enfants, qui deviendront  eux-mêmes tous trois  des artistes. En 1893, il emmène sa jeune famille à Munich, où il passa les trois années suivantes à perfectionner son art avec le peintre hongrois Simon Hollósy et entretient autour de lui uncercle des jeunes artistes dont il deviendra la principale figure. En 1906, il se voit offrir un poste d'enseignant à l'École royale de dessin de Hongrie, devenue l'Université des beaux-arts de Hongrie, tout en retournant à Nagybánya en été pour enseigner pendant l'été. Károly Ferenczy a abordé abordé à peu près tous les sujets picturaux possible même s'il reste avant tou un  grand paysagiste et un portraitiste  ay style immdiatement reconnaissable.  

A la fin de sa vie, "réconcilier l'idéal esthétique abstrait et la beauté sensuelle devint une préoccupation centrale de son art".

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Michael Peter Ancher (1849-1927) - Will he round the point ?

Michael Peter Ancher (1849-1927)

Vil han klare pynten (Will he round the point ?) 1879

 Skagens Museum

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Mitchell Jamieson (1915-1976) - Astronaut Gordon Cooper

Mitchell Jamieson (1915-1976)  

Astronaut Gordon Cooper - The first Steps, 963

Smithsonian National Air and Space Museum

Mitchell Jamieson était un peintre américain qui  étudia à la Abbott School of Art et à la Corcoran School of Art. Dans les années 1930, il se rendit à Key West et aux îles Vierges américaines pour y peindre dans le cadre du projet artistique du Département du Trésor et reçut des commandes de peintures murales pour les bureaux de poste d’Upper Marlboro et de Laurel, au Maryland.  

Jamieson a servi dans l’armée américaine entre 1944 et 1945. Il a été l’un des soldats de la plage d’Omaha lors du jour J le 6 juin 1944. Pendant la guerre, il a créé de nombreuses toiles  à partir de ce qu’il avait vu pendant son séjour dans l’armée. A partir de cette époque, il devint un des peintres favoris des  gouvernements américain.s successifs.  Ses œuvres figurent dans des collections de la Maison Blanche, à la galerie d'art Corcoran, au Metropolitan Museum of Art, au Brooklyn Museum, au Whitney Museum of American Art et au Seattle Art Museum.

Entre autres commandes officielles, Jamieson a été chargé de peindre une peinture murale dans ce qui est maintenant le département de Stewart Lee Udall pour commémorer le célèbre concert de Marion Anderson au Lincoln Memorial, le 9 avril 1939. Intitulée «Un incident dans la vie américaine contemporaine», la fresque est toujours à la vue du public qui visite le bâtiment. 

Il participa aussi au projet artistique initié par la NASA lorsque l'administrateur James E. Webb décida de  commander à plusieurs dizaines d'artistes des oeuvres commémorant les grands moments de la conquête spatiale américaine. 

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Walter McClintock (1870-1949) - Eagle Arrow

 Walter McClintock (1870-1949)

Eagle Arrow. A Siksika man. Montana. 

Glass lantern slide, Early 1900s.  

Yale Collection of Western Americana, Beinecke Rare Book and Manuscript Library.

Le photographe américain Walter McClintock était ce que l'on appelait alors  d'un terme peu élégant  un "Semihole", c'est à dire un Indien qui ne s'assumait pas. Diplômé de Yale en 1891, il devint rapidement un expert des Indiens Black Feet qui vivaient au nord de la rivière Missouri.

McClintock arriva au bon moment, celui ou les autorités américaines, avaient décidé qu'il valait mieux "folkloriser" et assimiler les tribus indiennes que de les exterminer. C'était l' époque des spectacles de Buffalo Bill, des peintures de Frederic Remington et de Charles M. Russell.

McClintock arriva en territoire Blackfeet avec un enregistreur à cylindre de cire. Il y réalisa plus de 50 enregistrements de chansons tribales, de discours et de prières, son but étant de créer un opéra basé sur des mythes indiens. L'opéra fut finalement composé par Arthur Finley Nesbit et connut  un échec retentissant. Heureusement les très précieux enregistrements sur cylindre des incantations tribales qui servirent de documentations à l 'opéra raté, sont conservées à la Bibliothèque du Congrès de Washington où elles figurent parmi les archives les plus consultées pour cette période de l'histoire.

Vexé par cet échec musical, McClintock  retourna sur le terrain tribal armé, cette fois ci, d'une caméra et, entre 1896 et 1912, prit plus de 2 000 photographies  des Black feet mais aussi de membres d'autres tribus constituant ainsi, à nouveau,  l'un des fonds photographiques les plus précieux de son temps.  

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Marie-François Firmin-Girard (1828-1921) - Portrait d'un homme et de son chien.

Marie-François Firmin-Girard (1828-1921)

 Portrait d'un homme et de son chien.

François-Marie Firmin, dit Firmin-Girard, est un peintre d’histoire, de sujets religieux, de scènes de genre, de portraits, de paysages, de natures mortes et de fleurs.

Elève aux Beaux Arts de Paris de  de Charles Gleyre et Jean-Léon Gérôme,  il remporte le deuxième prix de Rome en 1861 et installe son atelier boulevard de Clichy à Paris.  Firmin-Girard fut certainement un des peintres les plus appréciés du public de son époque à Paris, à tel point qu'il fut qualifié par  Émile Zola, " artiste des plus convenus".

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Lucas Cranach the Elder (1472-1553) - Henry- le-Pieux

Lucas Cranach the Elder (1472-1553)

  1.  Portrait en pied  d'Henry Le Pieux, Electeur de Saxe, 1514

Gemдldegalerie Alte Meister, Dresden

2. Portrait  d'Henry Le Pieux. Atelier de Cranach 

Lucas Cranach L'ancien fit deux portraits très différents d'Henri, surnommé « le Pieux » (der Fromme)  né le 16 mars 1473 à Dresde et mort le 18 août 1541 à Dresde. Il appartenait à la branche albertine de la Maison de Wettin  et fut de 1539 à 1541 duc de Saxe et de Sagan et, sous le nom de Henri V également margrave de Misnie. Il succéda à son frère aîné Georges « le Barbu » malgré les réticences de ce dernier dues aux convictions luthériennes d'Henry le Pieux, convictions qui lui valurent d'ailleurs aussi son surnom !

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Louis Léopold Boilly (1761-1845) - La vue des raisins blancs

Louis Léopold Boilly (1761-1845)

La vue des raisins blancs

En 1823, Boilly produit une série de lithographies humoristiques intitulée Les Grimaces. dont ce dessin faut partie. Son œuvre, qui compte au total environ 4500 portraits (dont seulement le dixième nous sont parvenus) et cinq cents scènes de genre, passe de mode après la Restauration. Elle est surtout appréciée aujourd'hui pour son intérêt documentaire.  Tres apprécié de son vivant,   Boilly est certainement le seul peintre opposant aux régimes révolutionnaires, qui ait traversé toutes les périodes troublées de la Terreur à l'Empire pour mourir paisiblement la Restauration !

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José Tapiró y Baró (1830-1913) - Portrait d'un marocain

José Tapiró y Baró (1830-1913) 

Portrait d'un marocain 1913.

Ami d'enfance de Mariano Fortuny, le peintre espagnol Josep Tapiro y Baro (1830-1913)  a étudié le dessin avec lui dans la classe de Domingo Soberano.  Les deux amis voyagèrent ensemble pendant 7 ans dans toute l'Europe  avant que Tapiro ne décide de s'installer  en 1876 à Tanger au Maroc où il restera pendant 40 ans, jusqu'à sa mort.  Il trouvera presque toujours son inspiration dans cette ville au tempérament ouvert, avec sa particularité de cohabitation paisible de plusieurs cultures qui enrichissait sans doute l'aspect visuel de ses rues.

Littéralement enthousiasmé par la lumière et les couleurs du Maroc, Josep Tapiro devient rapidement ce qu'il est convenu d'appeler un peintre « orientaliste. Il peint de nombreuses huiles et aquarelles aux couleurs éclatantes, des portraits ou des scènes de genre typiquement marocaines. Son style pourtant  est très différent de ce qu’on assimile aujourd’hui à l’orientalisme. En effet il s’installe au Maroc pour peindre la société maghrébine, la réalité de la société marocaine et non un rêve idéalisé d'orient comme le font d’autres disciples de Fortuny  qui ont adherer au mouvement orientaliste sans jamais quitter l’Europe.

A Tanger, Tapiro y Baro transforme un ancien théâtre du quartier juif de la Fuente Nueva en atelier-musée de style mauresque dans lequel il rassemble une collection d'objets orientaux, d’antiquités et de ses propres oeuvres.

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Mary Cassatt (1844-1926) - Toreador

Mary Cassatt (1844-1926)

 Toreador, 1873 

(pastel) 

Institute of Art of Chicago 

Plutôt célèbre pour ses portraits d'enfants et de femmes, la peintre américaine Mary Cassatt a peint aussi des hommes comme cet inattendu portrait de toréador peint à deux reprises,  l'atteste !  Dans l'une de ces oeuvres on le voit  hautain et assez macho, en conversation avec une belle gitane et ici  solitaire et agité,  et allumant cigarette après cigarette !  

Amie d'Edgar Degas, elle est souvent rattachée à l'impressionnisme, qui aura une grande influence sur son oeuvre. Ses peintures, ses gravures et ses dessins de maturité doivent cependant plutôt être comparés à ceux produits par la génération de peintres post-impressionnistes : Toulouse-Lautrec ou encore les Nabis, avec qui elle partage un net intérêt pour les peintres et graveurs de l'ukiyo-e, période du japonisme.

Elle exerça également l'activité d'agent et de conseillère de grands amateurs de peinture. Ses tableaux, présents dans les grands musées américains et à Paris, continuent d'être régulièrement exposés.

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