Anne-Louis Girodet de Roussy Trioson dit Girodet (1767-1824) - Etude de profil

Anne-Louis Girodet de Roussy Trioson dit Girodet (1767-1824)
Etude de profil
Huile sur toile,
Collection privée 

 

 

Bien qu'ayant commencé comme un fidèle disciple de son maître Jacques-Louis David, Girodet s'efforce ensuite de développer un style personnel, jouant avec les effets de lumière. À la peinture d'Histoire, il préfère une sorte de symbolisme éthéré. Dramatisant à l'excès ses sujets, il excelle dans la pose et le travail de la lumière. Il bouscule les codes de la sensibilité en les transposant dans les scènes religieuses. Lors de son séjour de cinq ans en Italie, Girodet se démarque de la gravité et de la retenue de David et envoie au Salon en guise d'académie imposée, Le Sommeil d'Endymion (Musée du Louvre) dont le caractère onirique et étrange est considéré comme une des premières manifestations du romantisme. Ses tableaux plurent aux romantiques par les sentiments exaltés qu'il y représentait. Honoré de Balzac en fait l'éloge dans Sarrasine (1831) qui était par ailleurs un grand admirateur de Girodet, le cite encore dans La Bourse et La Maison du chat qui pelote. Il excelle dans la vérité des portraits, parfois allégoriques (Jean-Baptiste Belley, Mademoiselle Lange en Danaé), souvent intimes — le fils de son père adoptif a été peint à trois époques : jeune enfant, préadolescent et adolescent —, il sait révéler l'âme de ses personnages comme dans son célèbre Portrait de Chateaubriand (Saint-Malo, musée d’Histoire de la Ville et du Pays Malouin). Un de ses portraits, Mademoiselle Lange en Danaé (1799), fait scandale à cause de ses allusions sexuelles satiriques. Cette anecdote, où Girodet se venge de la célèbre Merveilleuse Mademoiselle Lange de n'avoir pas apprécié un premier portrait d'elle, illustre bien le caractère irascible et incontrôlable de ce peintre. Il réalisa des décors peints pour les demeures de Napoléon, premier consul puis empereur, et participa à la représentation de l'épopée napoléonienne. Sa peinture d'histoire s'arrange souvent avec les faits pour leur donner une dimension métaphysique ou esthétique : dans sa Révolte du Caire, il peint plusieurs belligérants n'ayant jamais participé à l'événement. Dans la Légende napoléonienne, l’Apothéose des Héros français morts pour la patrie pendant la guerre de la Liberté (1802) représente le barde Ossian accueillant au paradis les généraux Desaix, Kléber, Marceau, Hoche et Championnet. Cette toile ne cesse d’étonner par son côté novateur annonçant le premier romantisme. Girodet a aussi illustré des livres, notamment des éditions de Jean Racine et de Virgile. Le graveur Barthélemy Joseph Fulcran Roger réalisa plusieurs gravures en taille-douce des illustrations de Girodet, notamment d'un portrait de Constance de Salm.

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Willem van der Vliet (1584-1642) - Un érudit entouré de figures avec masques 1627, aussi appelé " Allégorie" (détail et integralité)

Willem van der Vliet (1584-1642),
Un érudit  entouré de figures avec masques 1627, aussi appelé " Allégorie"
Huile sur toile 112 cm x149 cm
Collection privée ( Sotheby's)

1 Détail 

2. Tableau entier

Cette scène énigmatique, dont un autre détail a déjà été publié ans ce blog il y a deux ans, a échappé à l'interprétation pendant près de quatre siècles. Les théories sur son interprétation divisent encore les observateurs. Le tableau complet représente une pièce remplie de personnages.  Un homme barbu et âgé est assis à un bureau chargé de livres, en conversation avec une femme qui se tient à côté de lui et qui semble avoir retiré un masque qu'elle tient de deux doigts posés à travers l'emplacement des yeux Derrière l'homme âgé, un jeune individu, peut-être une femme d'ailleurs, tient un masque au-dessus de la tête de l'homme tout en souriant au spectateur. Le masque arbore une moustache rouge et une petite barbe, peut-être une version plus jeune de l'homme assis (détail déjà publié). Au loin, une silhouette en turban dont le masque porte une longue barbe noire regarde le spectateur. À l'extrême droite, un autre homme masqué (c'est le détail publié aujorud'hui) tien tun flacon enveloppé dans un tissu sous son bras et un livre ou un sac à main dans son autre main regarde dans le vague. La signification exacte qui se cache derrière cette oeuvre de ravail de Vliet est toujours inconnue, à ce jour et il n'est même pas certain que la scène soit conçue comme une allégorie.
Si l'on s'en tient à une interprétation littérale de ce que l'on voit, il pourrait aussi simplement s'agir d'une peinture de genre représentant un dramaturge parlant à une troupe d'acteurs et d'actrices, les conseillant sur leurs rôles.

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Francesco Salviati (1510–1563) - Portrait de Carlo Rimbotti

Francesco Salviati (1510–1563)
Portrait de Carlo Rimbotti, c.1548.
Huile sur panneau de bois, 52,5 x 41,2 cm.
The Metropolitan Museum of Art

Selon l'analyse du MET, Salviati a peint le médecin florentin Carlo Rimbotti alors que les deux hommes appartenaient à la même société littéraire, l'Accademia Fiorentina. La qualité de la présence suggère du modèle qu'il s'agissait d'un portrait non officiel fait pour un ami. L'observation précise - notez les grains de beauté sur le front et le front de Rimbotti - contraste avec la formalité et l'artifice du portrait de Bronzino accroché à proximité ua MET . Au contraire de Bronzino. Salviati tente toujours d'encourager le spectateur à se rapprocher de son modèle .

Vasari considérait Salviati comme l'une des rares personnalités artistiques polyvalentes parmi les maniéristes. Devenu célèbre comme peintre, il était aussi un grand dessinateur ; il créa également des modèles pour des œuvres relevant d'autres techniques : gravures, médailles et emblèmes, cartons de tapisseries destinés à de somptueuses tentures."

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Alphonse Legros (1837-1911) - Tête d'homme regardant vers le haut

Alphonse Legros (1837-1911)
Tête d'homme regardant vers le haut, c.1890.
Pointe d'argent sur papier préparé
Collection privée 

 Alphonse Legros, est un peintre, graveur, sculpteur et médailleur français naturalisé britannique. Quasiment inconnu en France de nos jours, il fut pourtant assez célèbre de son vivant surtout auprès des peintres français pour son perfectionnisme et son académisme intransigeant.
Poussé par Whistler, il s'installe à Londres en 1863 où il obtient d'abord un poste de professeur de gravure à la South Kensington School of Art avant d'être appelé au University College de Londres où, de 1876 à 1892, il est un maître dévoué à son enseignement et à ses élèves, approfondissant l'étude des artistes anciens comme Holbein, Rubens ou les dessinateurs italiens de la Renaissance. De fait, son influence sur les dessinateurs britanniques de la fin du siècle est importante et durable, il participe au regain d'intérêt de l'époque pour la gravure, et est l'un de ceux qui remettent à l'honneur la pointe d'argent, une technique alors tombée en désuétude.
En 1880, il est membre fondateur de la Royal Society of Painter-Printmakers. Sans être parfaitement anglophone, mais reconnu par l’establishment, il obtient la nationalité britannique en 1881 et poursuit sa création en Angleterre, surtout dans le domaine de la gravure (eaux-fortes et médaillons), sans abandonner cependant ses liens avec la France : en 1862, il est membre fondateur de la Société des aquafortistes cofondée par Alfred Cadart à Paris, avec lequel il restera en lien.

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Frans Floris (1519-1570) - Tête d'homme casqué (Mars?)

Frans Floris (1519-1570)
Tête d'homme casqué (Mars? )
Huile sur panneau
Collection privée (Christie’s Oct. 2019)

Audacieux, vif et résolu, il comprit qu’il serait facile de gagner sa vie et d’acquérir un nom en dessinant pour les graveurs et en peignant à grande échelle à la manière de Vasari. Il ouvre rapidement une école de laquelle, dit-on, sortirent 120 disciples
Il a été surnommé par ses compatriotes « le Raphaël flamand ». Peu de ses travaux parvinrent jusqu'à nous, en partie parce qu'ils ont été condamnés à cause de leurs défauts, en partie parce qu'ils furent bientôt dépassés par les nouvelles normes qui allaient bientôt surgir.
Frans Floris peint de grandes peintures pour les maisons de campagne de nobles Espagnols et pour les villas de patriciens d'Anvers. Il est connu pour avoir illustré la fable d'Hercule en dix compositions et les arts libéraux en sept, pour Claes Jongeling, un marchand d'Anvers, et il orna le palais de Beaumont de Philippe de Croÿ, duc d’Arschot, de quatorze panneaux colossaux. Il jouit de l'estime de Charles Quint et de Philippe II d'Espagne, et amasse par son talent une grande fortune. La plus ancienne toile connue de Floris est le Mars et Venus pris au collet par Vulcain au musée de Berlin (1547), le dernier un Jugement dernier (1566) est à Bruxelles.

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Johannes Grützke (1937-2017) - Monument, 1977

 

 

Johannes Grützke (1937-2017)
Monument, 1977

Collection privée

Johannes Michael Wilhelm Grützke, né le 30 septembre 1937 à Berlin, mort le 17 mai 2017, dans la même ville, est un peintre, dessinateur, graphiste et scénographe allemand.
Sa peinture évoque, dans un style figuratif, l’hyperréalisme et le cinéma, utilisant comme l’art cinématographique des cadrages en contre-plongée ou en gros plan qui, quelquefois, attirent l’œil du côté du faux-semblant. Les représentations des personnages sont souvent ironiquement exagérées. 

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James Ensor (1860-1949) - Autoportrait avec un chapeau fleuri

James Ensor (1860-1949),
Autoportrait avec un chapeau fleuri
Huile sur toile, 50 x 70 cm,
Royal Academy of Arts, London, UK

Le peintre belge James Ensor se revendiquait du mouvement anarchiste et a laissé une œuvre expressionniste très importante. Il est un des membres fondateurs du groupe bruxellois d'avant garde Les Vingt. En 1898, il est l'un des instigateurs du bal du Rat mort qui a lieu à la fin du carnaval d'Ostende. Ensor doit attendre le début du 20e siècle pour assister à la reconnaissance de son œuvre : expositions internationales, visite royale, anoblissement avec titre de baron, Légion d'honneur ... on le surnomme alors le prince des peintres. Et c'est précisément ce moment qu'il choisit pour abandonner la peinture et consacrer les dernières années de sa vie exclusivement à la musique !
Dans beaucoup de ses tableaux Ensor est fasciné par la lumière d'Ostende, sa ville natale, qui lui inspire des pâleurs secrètes : « La lumière déforme le contour. Je vis là-dedans un monde énorme que je pouvais explorer, une nouvelle manière de voir que je pouvais représenter. »
C'est entre 1887 et 1893 qu'il peint ses plus beaux tableaux : la gamme chromatique prend feu au milieu des nacres translucides des ciels et des marines. Contemporaine de Vincent Van Gogh et d'Edvard Munch, son œuvre contient beaucoup des futures révolutions du Fauvisme au Mouvement Cobra.
Il va s'appliquer à mettre en évidence les aspects grotesques des choses, et s'orienter vers une vision radicale, sarcastique et insolente du monde. Comme chez Pieter Brueghel l'Ancien ou Jérôme Bosch, l'inanimé respire et crie. Ses obsessions et ses peurs jouent un rôle manifeste dans les traits menaçants qu'il attribue aux objets utilitaires, aux revenants et aux masques. Ces derniers, à partir des années 1880 dominent son inspiration et renvoient au carnaval, ce « monde à l'envers », anarchique où les rapports sociaux sont démontrés par l'absurde.
Artiste pluraliste, il l'est également dans son style et ses techniques: toile, bois, papier, carton, couteau à palette, pinceau fin ou spatule… : « Chaque œuvre devrait présenter un procédé nouveau », écrit-il.
Dans un but purement alimentaire, il édite des eaux-fortes, les fameux « biftecks d'Ensor », œuvres purement commerciales mais qui ont fait alors la fierté des marchands de souvenirs. Il réalise aussi des caricatures à la manière de Bruegel et de Bosch.
Par sa prédilection pour les personnages masqués, les squelettes, qui, dans ses tableaux, grouillent dans une atmosphère de carnaval, Ensor est le père d'un monde imaginaire et fantastique qui annonce le surréalisme.
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Antonio Mancini (1852 -1930) - Autoportrait 1878

Antonio Mancini (1852 -1930)
Autoportrait, 1878
Philadelphia Museum of Art

Antonio Mancini est un peintre italien rattaché au mouvement pictural des Macchiaioli.  Sa précocité et son habilité artistique lui permettent d'être admis à l'âge de douze ans à l'Académie des beaux-arts de Naples, où il est l'élève de Domenico Morelli, de Stanislao Lista et de Filippo Palizzi. Il se consacre au portrait et à la peinture de genre anecdotique. Son art s'identifie avec le courant du vérisme.
Pendant son séjour parisien, il fait la connaissance des impressionnistes Edgar Degas et Édouard Manet. Il devient aussi l'ami de John Singer Sargent qui le considère comme le meilleur peintre vivant.
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Johann Friedrich Overbeck (1789-1869) - Portrait du peintre Franz Pforr

Johann Friedrich Overbeck  (1789-1869)
Portrait du peintre Franz Pforr, 1810
Huile sur toile  62 x 47cm
Alte Nationalgalerie, Berlin

Johann Friedrich Overbeck est un peintre allemand. Issu d'une famille de Lübeck où ses ancêtres, durant trois générations, ont été pasteurs protestants,  il suit une scolarité classique et une formation d'initiation à l'art dans un établissement situé près du manoir familial, dans la Konigstraße, où son oncle, docteur en théologie et auteur prolifique, enseigne. En 1810, il fuit litteralement l'Allemagne et s'installe à Rome  dans l'ancien couvent franciscain désaffecté de San Isidoro où la Confrérie de saint Luc  qu'il a fondé aàVienne vit en communauté ; il demeure dans cette ville durant 59 ans, y travaille activement en compagnie d'autres peintres, Peter von Cornelius, Carl Sieg, Friedrich Wilhelm von Schadow et Philipp Veit, qui l'ont rejoint, fondateurs avec lui de la Künstlerhilfskasse et du Mouvement nazaréen. Leurs préceptes sont une vie d'ascète, un travail dur et honnête : ils évitent l'antiquité car païenne, la Renaissance car fausse et promeuvent la redécouverte de Le Pérugin, Pinturicchio, Francesco Francia et Raphaël jeune. De ces principes découlent les caractéristiques d'un style qui vise à la représentation d'une idée noble et transcendante, à travers des contours précis, des compositions scolastiques, avec l'emploi modéré du clair-obscur et de la couleur dans le seul but de souligner le thème du motif. Plus tard, Barthold Georg Niebuhr, Karl Wilhelm Friedrich Schlegel rejoignent également le Mouvement nazaréen. En 1813, Overbeck se convertit au catholicisme et, pratiquement en même temps, lui et son mouvement acquièrent une notoriété ; ils sont appelés nazaréens, artistes romains allemands, peintres romantiques de l'Église, peintres religieux et patriotiques allemands.

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Franz von Matsch (1861-1942) - Portrait d'un Africain

Franz von Matsch (1861-1942)
Portrait d'un Africain
Huile sur toile, 65.4 x 53.3 cm.
Collection  privée (Sotheby's)

Franz von Matsch a rencontré les frères Gustav et Ernst Klimt pendant leurs études à la Kunstgewerbeschule de Vienne. Le trio partage un studio et, en 1880, lance une entreprise, la Künstler Compagnie, qui est parfaitement positionnée pour répondre au boom économique de la ville et à l'essor de la construction de bâtiments. Les artistes  commencent  dès lors à recevoir des commandes pour la décoration de grandes résidences privées telles que la Villa Hermès, qu'ils ont décorée avec des scènes du Songe d'une nuit d'été de Shakespeare (1884-1884), et des espaces publics, comme le Burgtheater et ses fresques sur  l'Histoire.du théâtre (1886) ou encore le Kunsthistorisches Museum, avec quarante peintures illustrant l'Histoire de l'art de l'Egypte ancienne à la Renaissance (1890-1890). Alors que ces commandes ont établi la réputation des artistes et leur ont valu des distinctions, en 1894, Matsch décide de quitter l'atelier en partie à cause du désintérêt croissant de Gustav Klimt pour la peinture académique et se tourne vers l'enseignement à la Kunstgewerbeschule (École des arts et métiers de Vienne).
Ce portrait  assez énigmatique s'aligne sur le travail audacieux et brillant de Matsch toujours exposé au Burgtheater et aux musées de Vienne. Bien que l'on ne sache  pas exactement quand il a été peint,  il attire l'œil du spectateur et oblige à une étude plus approfondie du style de l' artiste.
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Jean-François Raffaëlli (1850-1924) - Chez le fondeur, 1886

 

 
Jean-François Raffaëlli (1850-1924)
Chez le fondeur, 1886
Huile sur toile, 1,68 x1,58 m
Musée des Beaux-Arts de Lyon

La scène représente le fondeur Eugène Gonon (à gauche) dirigeant les préparatifs de la fonte en bronze du haut-relief Mirabeau répondant à Dreux-Brézé de Jules Dalou, dont le plâtre avait été exposé au Salon de 1883. Le bronze se trouve maintenant au Palais Bourbon à Paris.
Jean-François Raffaëlli est un peintre, sculpteur et graveur français. Peintre naturaliste, il cherche surtout à évoquer dans ses toiles et ses dessins des scènes de la banlieue parisienne, des intérieurs et des portraits souvent dramatiques. On lui doit également des gravures de sites parisiens : Notre-Dame, les Invalides et des illustrations des écrits de Joris-Karl Huysmans. Il est associé au mouvement impressionniste.

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J. Carroll Beckwith (1852-1917) - Portrait of John Leslie Breck, 1891

James Carroll Beckwith (1852-1917)
Portrait of John Leslie Breck, 1891
Oil on canvas, 33.7 x 43.8.
National Gallery, Washington DC (Margaret & Raymond Horowitz Collection)

James Carroll Beckwith étudie son art à la National Academy of Design de New York, dont il devient par la suite l'un des membres, puis à Paris (1873-1878) sous la direction d'Adolphe Yvon et Carolus Duran.
Carolus-Duran recevait ses élèves de manière régulière le mardi et le vendredi. L'enseignement était gratuit, hors une participation au chauffage de l'atelier et à la location des modèles. Carolus-Duran adhèrait  à la maxime : « Exprimer le maximum avec le minimum de moyens ». Selon lui, "un portrait devait être réalisé à partir d'une ébauche, directement sur la toile, sans dessin préparatoire. Les cinq ou six surfaces principales du visage devaient être posées d'abord, sans être fusionnées, et les détails construits à même la toile. L'attention devait porter sur les effets de lumière à la surface plutôt qu'à une construction de masses et de volumes".  C'est ce que l'on retrouve dans ce portait deu peintre impressionniste  Breck par Beckwitt, l'un des élèves les plus doués de Carolus Duran. C 'était une vision de la peinture déjà totalement opposée aux règles académiques alors en vigueur.
De retour aux États-Unis, Beckwirr s'impose rapidement comme un peintre moderne majeur et l'un des grands précurseurs du mouvement impressionniste américain.  Il prend une part importante dans la création de la Fine Arts Society, et devient président de la National Free Art League. Parmi ses œuvres, on compte des portraits de William Merritt Chase (1882), Miss Jordan (1883), Mark Twain et William Walton. Il a également décoré l'une des coupoles du bâtiment des manufactures à l'Exposition universelle de 1893 à Chicago.

John Leslie Breck  (1860-1899) , fils d’un capitaine de la Marine américaine, naît en mer et grandit à Boston. En 1877, il part étudier en Allemagne, à l’Académie royale des beaux-arts de Munich. Il suit également l’enseignement du peintre belge Charles Verlat, à Anvers. De retour à Boston en 1882, il peint des natures mortes et des paysages dans le style sombre appris à Munich. Il retourne en Europe en 1886, pour poursuivre sa formation, choisissant cette fois Paris, et l’Académie Julian,  L'année suivante,  Breck visite Giverny en compagnie d’un groupe d’autres artistes américains, parmi lesquels Theodore Robinson et Willard Metcalf. Au cours des années suivantes, il fait de longs séjours dans le village. Tout en présentant encore des œuvres plus traditionnelles au Salon de Paris, il expérimente la touche libre et les couleurs vives de l’impressionnisme. Il se lie d’amitié avec Claude Monet et les sœurs Hoschedé et devient l’un des rares artistes américains à entrer dans le cercle intime du maître impressionniste.
De retour à Boston, Breck expose ses toiles impressionnistes. Leur nouveauté déconcertent la critique américaine. En 1891, séjournant de nouveau à Giverny, Breck s’inspire des premières séries de Monet et peint douze études représentant des meules de foin à différents moments de la journée. La même année, il quitte définitivement le village lorsque Monet refuse d’accepter son attachement romantique envers sa belle-fille Blanche. Breck passe quelque temps en Angleterre avant de retourner aux Etats-Unis. Il peint la campagne du Massachusetts et fait un voyage à Venise, où il représente la ville au clair de lune. Ses œuvres sont régulièrement exposées à Boston et à New York. Il meurt prématurément, à l’âge de 39 ans, reconnu par ses pairs comme l’un des pionniers de l’impressionnisme aux Etats-Unis.
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Maurice Quentin de La Tour (1704-1788) - Autoportrait vieux et riant , c. 1770

Maurice Quentin de La Tour (1704-1788)
Autoportrait vieux et riant , c. 1770
Collection privée

Le style du portraitiste pastelliste français Maurice Quentin de La Tour est facilement identifiable. Généralement traité en grand format, le sujet est bien placé dans la lumière, toujours de façon à estomper les disgrâces, toujours le coin des lèvres relevé pour évoquer un sourire. Le regard est toujours franc et les carnations parfaites dans leurs teintes et leurs nuances. Sa technique évoluera peu, plus ou moins estompée selon les périodes. Un élément important de sa méthode est la préparation du portrait qui se fait par des croquis rapides au pastel, généralement en série, destinés à trouver le cadrage et l'éclairage qui met le mieux en valeur son sujet.
La série des préparations pour le portrait de la Pompadour est édifiante de savoir-faire. Souvent seules ses préparations sont conservées.
De même ses thématiques sont récurrentes : lui-même (série continue d'autoportraits souvent rieurs ou comme dans celui ci à la fois  "vieux et rieur" ), les grands de ce monde, les artistes et comédiens, les religieux et intellectuels. Parmi les portraits célèbres de Maurice Quentin de la Tour, on citera : Voltaire, Louis XV, D’Alembert, Jean-Jacques Rousseau, la dauphine Marie-Josèphe, le Prince François-Xavier de Saxe, le Prince Clément-Wenceslas de Saxe, Madame de Pompadour, Marie-Christine de Saxe, Choderlos de Laclos, Grimod de La Reynière, Belle de Zuylen, Justine Favart, etc..C
Lors des nostalgiques retours en grâce du siècle des Lumières, de La Tour sera recherché par les plus grands collectionneurs (Wildenstein, Gulbelkian, Getty, etc.)
À la fin du 19e siècle, beaucoup de pastels lui étaient aveuglément attribués, ce qui fait que beaucoup de faux de La Tour ou de faussement attribués circulent encore de nos jorus.
Indépendamment du personnage représenté, les portraits de de La Tour virent leur valeur fluctuer considérablement. Payés des fortunes de son vivant, ils devinrent invendables après la Révolution.
Il n'en reste pas moins vrai que la grande rétrospective, organisée à Versailles en 2004 pour le 300e anniversaire de sa naissance, a mis en évidence une remarquable cohérence stylistique et une incontestable maîtrise technique, qui le placent au premier plan de l'art européen sous Louis XV.

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Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) - Tête de paysan italien et Diogène

     

  
Jean Honoré Fragonard (1732-1806)
1. Tête de paysan italien,1774.
Pinceau et lavis de craie noire, 31 x 24 cm
The MET

2. Diogène
Pinceau et lavis gris-brun, traces de craie noire, 35,5 x 27,9 cm)
Collection privée

 

Il s 'agit de deux œuvres jumelles réalisées la même annéespar Fragonard  :

Tête de paysan italien  a été réalisée à Rome en 1774, alors que l'artiste effectuait une tournée d'un an à travers l'Italie et l'Europe de l'Est en compagnie de son riche ami et mécène Pierre Jacques Onésyme Bergeret de Grancourt. Fragonard avait déjà visité l'Italie dans sa jeunesse, mais ce voyage laissait à l'artiste la liberté de choisir ses propres sujets. Plutôt que de copier les vestiges de l'Antiquité et les chefs-d'œuvre de la Renaissance italienne, comme les étudiants étaient chargés de le faire, il  se concentra sur les habitants vivants de la Ville éternelle. Ses dessins au cours de cette période comprennent de nombreux portraits d'amis et de compagnons parfaitement observés, mais ils enregistrent également les personnages colorés qu'il aurait rencontrés dans les rues : nains, pêcheurs, vendeurs et amuseurs. La vocation de l'homme barbu dans ce dessin n'est pas claire. Fragonard semble avoir été attiré par la qualité vieillie de son visage, de ses sourcils plissés et de ses cheveux. L'homme est présenté avec sympathie, avec une intensité psychologique inhabituelle pour cette période.

Diogène  a été  dessiné dans des circonstances très différentes. Fin août de la même année, alors qu'ils rentraient à Paris, Fragonard, Bergeret et le reste de leur entourage s'arrêtèrent à Dresde. Ils passèrent plus d'une semaine dans la ville, visitant régulièrement les collections princières de l'électeur de Saxe, qui ouvrait ses galeries de peinture aux visiteurs.  Une toile retint alors particulièrement  l'attention de l'artiste : la  représentation en buste du philosophe cynique Diogène (mort en 323 av. J.-C.) par Jusepe de Ribera . Dans l'œuvre obsédante du peintre espagnol, Diogène, qui cherchait à échapper à la corruption de la civilisation, est représenté avec une barbe très négligée et enveloppé dans un manteau sombre. Il tient en main sa célèbre  lanterne, un attribut qui fait allusion à sa recherche, en plein jour,  "d'un seul honnête homme dans la cité".

Texte établi d'après la Notice du Metropolitan Museum of Art, New York
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José Mongrell y Torrent (1890-1937) - Pêcheur

José Mongrell y Torrent (1890-1937)
Pêcheur
Collection privée

Le peintre espagnol   José Mongrell y Torrent  a étudié à l' école des beaux-arts San Carlos de Valence, où il était un disciple d' Ignacio Pinazo et de Joaquín Sorolla y Batisda . Sa participation à divers concours et expositions à Madrid et à Barcelone, lui vaut une certaine notoriété dans les milieux artistiques. Il réalise une affiche pour la Foire de San Jaime à Valence en 1897, devenue célèbre depuis.
Il obtint un poste d'enseignant à l'école des beaux-arts San Jorge de Barcelone, où il vécut le reste de sa vie. Sur la façade de la salle San Jorge du palais de la Generalitat de Catalogne, il a réalisé une grande œuvre, commandée par le président du Conseil provincial de Barcelone, le comte de Montseny, représentant la Vierge de Montserrat avec des saints et des rois l'adorant. Il réalisa une peinture de genre, des portraits et des thèmes traditionnels dans un environnement valencien, tout à fait dans la lignée de Sorolla, où l'on perçoit des réminiscences de l'art du XIXe siècle et un certain immobilisme dans les figures. On peut voir ses œuvres au Musée National de la Céramique et des Arts Somptuaires "González Martí", au San Pio V, à Valence, et au Musée des Beaux-Arts des Asturies.

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Hans Holbein the Younger ( 1497-1543) - Gentilhomme inconnu avec Livres de Musque et Luth

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Hans Holbein the Younger ( 1497-1543),
Gentilhomme inconnu avec Livres de Musque et Luth, c. 1534
Huile sur panneau de bois, 43.5 x 40,5 cm.
Gemäldegalerie, Berlin.

Le plus étrange chez ce gentilhomme musicien est que les pages de son livre de musique soient blanches ? Le luth pisé hors cadre, serait il a la recherche d'une inspiration qui ne vient pas 

Hans Holbein le Jeune est un peintre et graveur allemand, l'un des peintres les plus importants de la Renaissance.Spécialisé dans les portraits, il devint à partir de 1536peintre-valet de chambre d'Henri VIII, puis très rapidement peintre officiel de la cour d'Angleterre. Entre 1538 et 1539, il voyagea en Europe afin de faire le portrait des princesses candidates au mariage avec Henri VIII après la mort de Jeanne Seymour. En 154, c'est Anne de Clèves que le roi épouse. En 1543, entre le 7 octobre et le 29 novembre, en pleine gloire, Holbein Le Jeune meurt de maladie à l'âge de 46 ans environ. Beaucoup de ses œuvres se trouvent encore dans les collections royales britanniques. Recherchant derrière les apparences les expressions marquantes des visages, il fait lsouvent a synthèse entre les traditions gothiques et les nouvelles tendances humanistes.

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Sculpture antique / Sculpture anonyme -- Statue Lihyanite, al-’Ul, Arabie pré-islamique

 

Sculpture antique / Sculpture anonyme
Arabie pré-islamique -Statue Lihyanite, al-’Ulâ,
Musée du département d’Archéologie, Université du Roi al Saoud / Musée du Louvre

 
L'ancien royaume de Lihyan, ou Lihyân, des Lihyanites, se trouvait dans l'oasis d'Al-'Ula d'aujourd'hui, à environ 150 km au sud-ouest de Tayma au nord-ouest de l'Arabie saoudite , sur la route de l'encens.  Les inscriptions retrouvées remontent aux VIe et IVe siècles av. J.-C. La capitale de ce royaume pré-islamique est nommée dans la Bible sous le nom de" Dedan ".  La langue lihyanique est considérée comme un dialecte du nord-arabique.  Après l'établissement du califat, ces dialectes ont été supplantés par le haut-arabe, également un dialecte nord-arabe.
L'Arabie préislamique désigne la péninsule arabique avant le VIIe siècle, soit avant l'apparition de l'islam, incluant la préhistoire et l'histoire de cette région. Dans l'Antiquité, à l'époque de l'Empire romain, les auteurs gréco-latins divisent l'Arabie en trois régions distinctes : l'Arabie Heureuse, au Sud, qui correspond au Yémen actuel ; l'Arabie centrale, peuplée de nomades et de sédentaires et qui vivent dans l'orbite de l'Arabie Heureuse ; et l'Arabie pétrée, sous influence des Empires byzantin et perse.

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2022 - Men Portraits
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Gustave Van de Woestijne (1881-1947) - Le mauvais semeur

 

Gustave Van de Woestijne (1881-1947)
Le mauvais semeur, 1908
Huile sur panneau de bois doré à la feuille
Collection De Bode, Berlin,

Dans une interview datant de 1919, il déclarait : « Chaque œuvre est un recommencement. Si deux toiles se ressemblent, cela devient du métier et non de l'art (...) Je n'aime pas les peintres qui se répètent. »
Son frère Karel propose de traiter son œuvre par tranches : le groupe paysan, le groupe religieux et le groupe des expériences personnelles ; dans ce dernier il range surtout les portraits.
Inventif, Gustave Van de Woestijne suggère des méthodes picturales délaissées (comme sur ce panneau de bois doré à la feuille) , défend des points de vue inattendus mais féconds.
Le modernisme qui dans l'entre-deux-guerres secoue l'art européen atteint aussi Van de Woestijne. Des éléments de composition cubiste (comme dans Les buveuses de liqueur) et véristes (Portrait de M. De Zutterou  ou Double portrait de M. et Mme van Herrewege) apparaissent dans son oeuvre. Sa production picturale est évaluée à 400 œuvres dont certaines ont disparu...

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Gottfried Lindauer (1839- 1926) - Portrait of Paora Tuhaere

Gottfried Lindauer (1839- 1926)
Portrait of Paora Tuhaere.
Auckland Gallery, New Zealand

Paora Tuhaere, converti assez tot au christianisme, fut élu en 1888 dans comité national pour représenter les intérêts maoris auprès du gouvernement. Tūhaere souhaitait obliger le gouvernement à respecter les termes du traité de Waitangi et à utiliser les terres maories restantes comme ressource économique pour le seul peuple maori tout en acceptant que les Maoris vivent sous la domination du gouvernement européen. Il travailla à réconcilier le mouvement King avec le gouvernement après les guerres des années 1860. Lors de la conférence du mouvement King à Whatiwhatihoe en 1882, Tūhaere encouragea Tāwhiao, le roi maori, à renoncer à son isolement. Le roi s'embarqua peu après pour une tournée de l'île du Nord et fit appel à la Grande-Bretagne pour qu'elle accorde aux Maoris la sécurité de la propriété foncière et l'autonomie.

Gottfried Lindauer (1839- 1926) d'origine tchèque commença par étudier dès 1855, la peinture à
l'Académie des beaux-arts de Vienne (Autriche). Après avoir commencé une honnête carrière de sujets religieux en Autriche, il quitte soudainement la Bohême où il résidait pour aller s'installer en Moravie pendant trois ans. De là, pour éviter d'être enrôlé dans les troupes de l'empire austro-hongrois, il part pour l'Allemagne et, en 1874, embarque sur un bateau en partance pour la Nouvelle-Zйlande, une terre lointaine et réputée sauvage dont l 'éloignement suffisant lui convient.
C'est sur cette terre de Nouvelle Zélande, que Lindauer va devenir célèbre en peignant les portraits de tous les grands chefs Maoris de son temps. Les chefs maoris appréciant hautement que Lindauer, peignent avec une précision jamais atteintes jusqu'alors leur tatouage rituels (les mokos) aussi bien que leur costumes, leurs ornements et leurs armes, défilèrent littéralement dans son atelier lui passant commande de ce qui allait devenir la plus grande collection de portraits maoris de tous les temps.
Cette série de spectaculaires portraits grandeur nature des chefs maoris et des guerriers fut exposée par Sir Walter Buller à l' Exposition coloniale et indienne de 1886, propulsant ainsi Lindauer sur la scène artistique coloniale comme le spécialiste incontesté des "Maoris at home", qui devint un sujet d'étude particulier.
L'un de ces portraits représentant un jeune danseur Poi (sans moko sur le visage), était tellement admiré par le prince de Galles que Sir Walter Buller le lui offrit.
Les portraits maoris de Lindauer, comme beaucoup de ceux que peignirent aussi Ellen von Meyern et Frances Hodgkins, ne représentaient pas seulement des hommes mais aussi des femmes symbolisant souvent une maternité primitive heureuse. Son portrait de femme maori le plus célèbre est celui de Heeni Hirini, aussi connue sous le nom d’Ana Rupene, portant un bébé sur le dos et que Lindauer a peint plus de 30 fois !
Après être revenu une seule fois dans son pays natal en 1886–1887, Lindauer choisit de retourner s'installer définitivement en Nouvelle Zélande et de s'établir à Woodville, près de Wellington, après qu'il eut épousé Rebecca, fille de Benjamin Prance Petty.
Lindauer est est enterré dans le cimetière Old Gorge de Woodville en Nouvelle Zélande.
Depuis son décès ses portraits maoris ont fait le tour du monde et l'ont établi comme un portraitiste sans équivalent des maori au tournant des 19 et 20e siècle.
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Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548), (attribué à) - Portrait d'un homme avec un faucon

Giovanni Girolamo Savoldo (1480-1548), (attribué à)
Portrait d'un homme avec un faucon
Royal Collection, UK

Faucon que l'on devine à sa griffe sur le gant, plus qu'on ne le voit réellement. Il est comme fondu dans l'ombre, prêt à bondir du néant qui lui sert de refuge....Tous les portraits de Savoldo recèlent leur étrangeté et celui ci n'échappe pas à la règle...
Giovanni Gerolamo Savoldo est un peintre lombard de la haute Renaissance. Quoique surtout actif à Venise, où il vit durant une longue période, il est toujours resté fidèle à la fibre naturaliste de l'art lombard, finissant par être considéré comme l'un des trois grands maîtres de la première Renaissance bresciane avec Il Romanino et Il Moretto.
Ses « nocturnes » (scènes de nuit aveclumière intérieure à la peinture) furent une source d'inspiration et probablement un point de départ dans la formation du Caravage.

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Giovanni Bellini (1426-1516) - Portrait d'une homme barbu

 

Giovanni Bellini (1426-1516)
Portrait d'une homme barbu
Tempera sur panneau de bois, 1485
Philbrook Museum of Art, Tulsa

Il se trouve que celui ci est non seulement barbu mais extrêmement chevelu, la rousseur de sa chevelure s'éteignant soudain sous un chapeau que l'on devine plus qu'on ne le voit et qui tient le rôle de l'éteignoir !
Giovanni Bellini dit Giambellino et, en vénitien, Zambellin ( est un peintre italien de la Renaissance, considéré comme le précurseur de l'école vénitienne, dont l'œuvre marque la rupture définitive avec le style gothique, par son attachement à la rigueur géométrique , à travers des peintures qui effacent la différence entre monde sacré et profane.
Fils ou peut-être frère de Iacopo Bellini (1400-1470), Giovanni Bellini incarne avec un talent extraordinaire l’esprit de la Renaissance italienne, mais toujours d’une manière adaptée aux traditions et aux goûts du milieu local.

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Gerardo Sacristán Torralba (1907-1964) - Compañero de Montmatre

Gerardo Sacristán Torralba (1907-1964)
Compañero de Montmatre (Compagnon de Montmartre)
Dessin au fusain en couleurs, 1929
Collection privée 

 

Ce dessin au titre assez énigmatique ne l'est, en réalité, pas du tout. Il date de l 'époque où  Gerardo Sacristán Torralba  obtient de la Mairie et du  Conseil provincial de Logroño, iune bourse pour aller à Paris. Il av 23 ans. Il s'installe dans un grenier spacieux à Montmartre, qu'il partage avec un danseur amérindien de cabaret - dont il  a laissé le  dessin ci-dessus.  A Paris, il a vécu à fond la fièvre du dadaïsme, du surréalisme, des premiers abstraits, du néo-impressionnisme, du fauvisme, du futurisme et du cubisme.... Sacristán étudia et observa ces mouvements avec intérêt et curiosité, mais il préférait Cézanne et admirait Nonell, respectant les tendances avant-gardistes et iconoclastes. En 1931, il rentre en Espagne et expose pour la première fois son travail fait à Paris à Logroño ;  dans sa petite ville natale de province, ces corps nus qu'il expose font scandale...

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Thomas Hardy (1757–1804) - Portrait de William Augustus Bowles en tenue de Chef Indien Creek

Thomas Bush Hardy (1757–1804)
Portrait de William Augustus Bowles en costume de Chef Indien Creek, 1790
Huile sur toile ,74,9 x 62,2 cm
National Trust UK

William Augustus Bowles (1763-1805), également connu sous le nom d'Estajoca, était un soldat et aventurier du Maryland. Se rangeant du coté des  loyalistes pendant la guerre d'indépendance,de la colonie anlahise des ameriques,  Bowles forma une alliance avec le peuple Muscogee et  tenta d'établir un État indigène américain indépendant avec le soutien britannique.
Alors qu'il vivait avec la tribu Creek, un corps expéditionnaire espagnol s'est rassemblé et a commencé à assiéger les forts britanniques le long de la côte du golfe. Bowles convainc les Creeks de soutenir la garnison britannique stationnée à Pensacola contre les envahisseurs espagnols, mais la garnison se rend lorsque la poudrière de la forteresse est touchée par les tirs d'artillerie d'un navire de guerre espagnol. Les survivants de la garnison ont été faits prisonniers de guerre, mais Bowles s'est échappé dans le désert avec ses alliés Creek. Cela se  produisit le 9 mai 1781, alors que Bowles avait 16 ou 17 ans. Après cette bataille, il réintégra l'armée britannique et fut stationné aux Bahamas. Après quelques mois là-bas, le gouverneur des Bahamas, Lord Dunmore, renvoya Bowles chez les Muscogee  dont il aprlait la langue avec pour mission d'établir une maison de commerce parmi eux. Bowles  établi un poste de commerce de peua  le long de la rivière Chattahoochee.

Thomas Hardy  qui possède plusieurs homonymes peintre était un portraitiste né dans le Derbyshire, en Angleterre. Peu d'informations sont parvenues sur sa vie et sa carrière. Il s'est inscrit à la Royal Academy Schools à la fin de 1778, à l'age de 21 ans selon les archives de cette institution. Il expose quelque 31 tableaux à la Royal Academy de 1778 à 1798 — pratiquement tous des portraits — et quatre portraits à l'exposition de la Society of Artists en 1790.  La plupart des portraits de Hardy ont été peints pour le vendeur de musique et éditeur britannique John Bland. qui r commanda à Hardy des portraits à l'huile de plusieurs grands musiciens de l'époque dont Joseph Haydn dont le le célèbre portrait  par Thomas Hardy  aest ujourd'hui accroché au Royal College of Music. Il est également connu pour le portrait remarqué du compositeur et pianiste Muzio Clementi qui est conservé au British Museum. 

podcast LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 24  sur You tube

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Henry Inman (1801-1846) - Yoholo-Micco (Creek)

Henry Inman (1801-1846)
Yoholo-Micco (Creek), 1832-1833
Oil on canvas, 30 x 25 inches.
from History of the Indian Tribes of North America  after Charles Bird King
High Museum of Art, Atlanta

Excellent portraitiste, Henry Inman peint aussi des peintures de genre et des paysages. Mais ce sont ses portraits qui l'ont rendu célèbre. Il a notamment réalisé plus de 30 portraits d'indiens, parmi lesquels une douzaine font partie des collections de la Maison-Blanche.
Henry Inman est arrivé à New York en 1812 avec sa famille. Il a commencé par travailler come apprenti pendant sept ans dans l'atelier de John Wesley Jarvis,. Devenu son associé, ils effectuent un voyage en Louisiane en 1821. En 1822, Inman ouvre son propre atelier à New York avec Thomas Geir Cummings. Il se spécialise dans le portrait et atteint rapidement une certaine notoriété. En 1826, il est l'un des fondateurs de la National Academy of Design dont il fut le premier vice-président, jusqu'en 1831. Il s'installa ensuite dans les environs de Philadelphie où il s'associe à Cephas Grier Childs pour la publication de lithographies. Il enseigna alors à la Pennsylvania Academy of Fine Arts, dont il devient directeur en 1834. En 1844-45, il effectue un séjour d'une année en Grande-Bretagne où il exécute de nombreux portraits de célébrités.


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Jean-Louis Forain (1852-1931) - Le Pêcheur

 

Jean-Louis Forain (1852-1931)
Le Pêcheur, 1884
Huile sur toile
Southampton City Art Gallery

Fils d'un peintre en bâtiment, Jean-Louis Forain s'établit à Paris vers les années 1860 et étudie la peinture et le dessin auprès de Louis Jacquesson de la Chevreuse, Jean-Baptiste Carpeaux et André Gill. Entré à l'École des beaux-arts de Paris, il a pour professeur Jean-Léon Gérôme.
Il participe à la guerre de 1870, puis devient l'ami de Paul Verlaine et d'Arthur Rimbaud. Il habite avec ce dernier dans une chambre louée par Verlaine à Paris, rue Campagne-Première, de janvier à mars 1872.
À cette époque on le surnomme Gavroche.
Il est un familier des salons de Nina de Callias et de la comtesse de Loynes, où il fréquente Edgar Degas et Édouard Manet. Il commence sa carrière de peintre aux côtés des impressionnistes avec qui il participe à plusieurs expositions entre 1879 en 1886. Il est très proche de son aîné Degas, qui, évoquant ses futures funérailles, dira un jour : « Je ne veux pas de discours. Si ! Forain vous en ferez un, vous direz : il aimait le dessin » Il débute comme illustrateur en 1876 dans la revue La Cravache parisienne et publie quelques caricatures dans différents journaux tels que Le Scapin en 1876, puis La Vie moderne, Le Monde parisien et La République des lettres, où il fait preuve d’une ironie pleine de verve. Découvrant le monde de l'opéra avec ses danseuses et ses abonnés, il en fait son thème de prédilection.
Jean-Louis Forain participe à quatre des huit expositions impressionnistes (1879, 1880, 1881 et 1886)
En 1921, par attachement à sa ville natale de Reims, il offre au musée municipal un lot important de dessins préparatoires. Certains de ses dessins de guerre sont d'ailleurs conservés au musée des beaux-arts de Reims.
Forain est élu membre de l'Académie des beaux-arts en 1923. La même année, il devient président de la fantaisiste République de Montmartre et le restera jusqu'à la fin de sa vie.
Il est membre de la Royal Academy en 1931 et commandeur de la Légion d'honneur.

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Kazimierz Pochwalski (1855-1940) - Henryk Sienkiewicz et Kazimierz Pochwalski sur un bateau

Kazimierz Pochwalski (1855-1940)
Henryk Sienkiewicz i Kazimierz Pochwalski na statku
(Henryk Sienkiewicz et Kazimierz Pochwalski sur un bateau)
National Museum, Kielce

Kazimierz Teofil Pochwalski  était un peintre polonais connu principalement pour ses portraits, bien qu'il ait produit des œuvres d' une grande variété .
Pochwalski est né à Cracovie le 25 décembre 1855 et est issu d'une famille qui a produit plusieurs générations de peintres et son frère cadet Władysław est également devenu un artiste connu.  De 1871 à 1879, il a étudié à l' Académie des Beaux - Arts de Cracovie sous Jan Matejko  puis a assisté à l' Académie des Beaux - Arts, Munich , de 1879 à 1888. Elle a été suivie par des études à Vienne et à Paris, où il a été influencé par l'oeuvre de Léon Bonnat.
Il a été directeur de la Société des amis des beaux-arts de Cracovie et a beaucoup voyagé, visitant la Grèce, l'Italie, la Turquie et l'Égypte.
De 1893 à 1918, il est professeur à l' Académie des beaux-arts de Vienne, où il peint de nombreux portraits à la cour impériale et devient membre de la Sécession viennoise.
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Stanisław Wyspiański (1869-1907) - Autoportrait (3)

 

 

Stanisław Wyspiański  (1869-1907) 

Autoportrait (3)

Collection privée

Stanisław Mateusz Ignacy Wyspiański, est un dramaturge, poète, peintre, metteur en scène, architecte et ébéniste polonais. Il fut l'un des artistes européens les plus prolifiques et remarquables de son époque. La production artistique de Wyspiański est pour le moins éclectique comprenant aussi bien des pièces de théâtre que des recueils de poésie, des dessins, croquis, peintures à l'huile de paysages pastel, portraits et autoportraits, (nombreux) vitraux, illustrations, affiches et mêmes dessins de meubles et d'intérieurs....
Ses dessins, tels que son autoportrait de 1890 et les notes ses Voyages en Europe et en Pologne, font partie des œuvres les plus connues de Wyspiański.

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Eugène Girardet (1853 1907) - Homme portant un Burnous

 

 

Eugène Girardet (1853 1907)
Homme portant un Burnous
Noté "Bel Arbi- El Kantara" Un Arabe d'El - Kanthara)
Huile sur toile 43 x 32 cm, Algérie, 1885
Collection privée

Eugène Girardet, né Eugène Alexis Girardet est un peintre orientaliste français, considéré comme 'un des plus sesnibles.  Issu d'une famille suisse huguenote, Eugène Girardet est le fils du graveur Paul Girardet (1821-1893), et le frère des peintres Jules Girardet et Léon Girardet. Il étudie à l’École des beaux-arts de Paris dans l'atelier de Jean-Léon Gérôme 1(824-1904). Gérôme l’incite à visiter l’Afrique du Nord dès 1874, notamment  au Maroc et la Tunisie. A partir de 1879,  c'est cependant en Algérie qu'il effectue de nombreux séjours, essentiellement dans le Sud aux alentours des oasis de Biskra, Bou Saâda et El Kantara où il rencontre l'autre grand peintre orientaliste de son temps,  Étienne Dinet. En 1898, il se rend en Égypte et en Palestine. Il représente des scènes de la vie nomade ou du désert. Son œuvre est influencée par la lumière et l’atmosphère de l’Orient. Il expose au Salon de la Société nationale des beaux-arts, au Salon de la Société des peintres orientalistes français, au Salon de Paris, à l’Exposition universelle de 1900 et à l’Exposition coloniale de Marseille (1906). Eugène Girardet meurt en 1907 à Paris et est enterré au cimetière du Père-Lachaise
Ses œuvres sont conservées à Paris au musée d’Orsay, au musée des beaux-arts de Dijon, au musée des beaux-arts de Nantes, au musée des beaux-arts de Troyes, à Bayonne au musée Bonnat-Helleu,  et au Musée des beaux-arts d'Alger.
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Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) - Etude (2) pour Le Martyre de Saint Symphorien

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867)
Le Martyre de Saint Symphorien
Huile et graphite sur toile, 49.5 x 60.3 cm
Harvard Art Museums

Tableau  religieux, peint par Jean-Auguste-Dominique Ingres en 1834, Le Martyre de saint Symphorien fut commandé dix ans plus tôt,  par Roch-Étienne de Vichy, évêque d'AutunL L'évêque répondait  ainsi à une supplique des habitants d'Autun exigeant la réalisation, aux frais de l'État, d'une œuvre de grande ampleur en dédommagement du départ, en 1800, de deux tableaux de grande valeur qui se trouvaient dans la ville et dont le Directoire décida le transfert à Paris : La Vierge du chancelier Rolin de Jan van Eyck et le Mariage mystique de sainte Catherine de Sienne de Fra Bartolomeo. Fruit d'un travail laborieux qui commença l'année même de sa commande et préparé par un nombre important d'études (près de 200 dessins dont celle-dessus fait partie de même que celle déjà postée dans ce blog), l'œuvre représente Symphorien d'Autun premier martyr chrétien gaulois. Présentée comme l'œuvre maîtresse du peintre, et l'aboutissement de ses recherches formelles, la peinture qui devait être le clou du Salon de 1834, fut un échec critique retentissant, soulevant des réactions hostiles. Ingres à la suite de cet échec décida de ne plus participer au Salon de peinture, et de refuser les commandes publiques. Il s'expatria à Rome en acceptant le poste de directeur de l'Académie de France.  Le tableau, remis à la ville d'Autun le 30 juin 1834, est accroché dans l'une des chapelles latérales de la cathédrale Saint-Lazare d'Autun, après avoir été longtemps exposé dans une salle de l'évêché. Une trentaine d'années plus tard, Ingres a peint une réplique à petite échelle conservée au Philadelphia Museum of Art.

Jean-Auguste-Dominique Ingres commence ses études de peinture à Montauban, sa ville natale. Une fois à Paris, il devient élève de Jacques-Louis David. Prix de Rome en 1801, il ne se rend en Italie, faute d’argent, qu'en 1806, et y reste jusqu'en 1824. De retour à Paris, il connaît la reconnaissance officielle, apparaissant comme le champion de la doctrine du beau et de la primauté du dessin sur la couleur, en opposition successive aux courants romantiques et réalistes. Nommé directeur de l'Académie de France à Rome, il y retourne de 1835 à 1842.
Ingres a d'abord et à plusieurs étapes de sa carrière vécu de ses portraits, peints ou dessinés. Réputé peu sociable, il fut souvent mal traité par la critique. Les tenants d'un style plus libre et d'une exécution plus rapide condamnaient sa manière tout comme les académiques, qui lui reprochaient notamment les déformations expressives qu'il faisait subir aux corps dans ses nus.Les déformations n'étaient pas uniquement expressives d'ailleurs puisqu'il lui arrivait fréquemment de rajouter une ou deux vertèbres à ses personnages pour les grandir ou d'allonger leur visage.  _________________________________________
 

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Paul Cadmus (1904-1999) - Going South

      

Paul Cadmus (1904-1999)
Going South, 1936
Oil on canvas - Private collection
Etching -  Smithsonian American Art Museum

Un dessin préliminaire de ce tableau au titre très explicite indiquant la direction que prend un des cyclistes, existe. Il est conservé au Smithsonian American Art Museum, et reprodtuit ici. 

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publi, depuis 2016, l'intégralité des dessins connus De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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Pedro Berruguete (1450-1504) - Ezechias

Pedro Berruguete (1450-1504)
Ezechias 1482
Oleo sobre tabla, 110 x 80 cm.
Museo Parroquial de Santa Eulalia de Paredes de Nava

Pedro Berruguete est un peintre espagnol. Francisco de Holanda le désigne comme l'un des quatre « Aigles » de la Renaissance espagnole, avec Diego de Siloé, Bartolomé Ordóñez et Pedro Machuca. Formé dans l'atelier du peintre Fernando Gallego, son œuvre montre l'influence flamande de Van Eyck. De 1474 à 1483, à Urbino (Italie), où il voit, parmi d'autres, les œuvres de Melozzo da Forlì, il collabore avec Juste de Gand à la décoration du palais du duc Frédéric de Montefeltre. Il y peint en particulier un portrait de Frédéric de Montefeltre avec son fils Guidobaldo. De retour en Espagne, et peintre à la cour de Ferdinand II d'Aragon et d'Isabelle de Castille, il renoue avec la tradition de préciosité de la peinture espagnole et réalise des œuvres religieuses. Sa dernière œuvre inachevée, le retable du maître-autel de la cathédrale d'Ávila montre néanmoins son intérêt pour l'art italien et la maîtrise de la perspective et de la lumière. Il enseigna la sculpture et la peinture à son fils, Alonso (v. 1488-1561), qui deviendra peintre à la cour de Charles Quint.

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Lorenzo Sabatini (1530-1576) - L'Aveuglement de Polyphème

 

Lorenzo Sabatini (1530-1576)
L'Aveuglement de Polyphème. 1570.
plume, encre, rehaussée de blanc sur papier préparé bleu
Collection particulière

L'aveuglement du Cyclope Polyphème est l'épisode de l'Odyssée qui apparaît, comme le premier à avoir été représenté. Dans la Grèce antique,l a scène figure  très tôt sur des vases peints. La tendance à illustrer l'épisode non pas dans un seul de ses moments mais dans sa forme la plus complète possible, ce qu'on appelle une "représentation synthétique", est d'ailleurs typique de la période archaïque.
Dans cette représentation du XVIe siècle les grands principes antiques sont conservés. Trois personnages en armure s'agitent autour de la tête du géant enivré pour pointer un épieu dans le troisième œil qu'il a au milieu de son front, le seul avec lequel il voit vraiment.  ses pieds git le corps démembré et à moitié dévoré d'une des compagnon d'Ulysse. (en fait il ne reste que l'armure !!!).  Traditionnellement, Ulysse est représenté comme un homme barbu, placé à l'extrémité de l'épieu, position qui est celle que lui attribue Homère. La scène illustre parfaitement le Chant IX de l'Odyssée en résumant les trois passages : vers 287-346, Polyphème dévore plusieurs compagnons ; vers 346-370, il est enivré ; vers 375-400, il est aveuglé.

Lorenzo Sabatini, parfois appelé Lorenzino da Bologna est un peintre maniériste italien actif à Bologne, Florence et Rome. Il étudie à Florence, dans les années 1560, auprès de Prospero Fontana, son maître puis collaborateur, et de Giorgio Vasari. Son style subit l'influence de ce dernier et de Parmigianino. Il s'inscrit ensuite à l'Académie du dessin de Florence. Il sejourne à Rome sous le pontificat de Grégoire XIII (1572-1585). Sans être membre de son école, il imite Raphaël. Le pape le charge de peindre les parois de la Chapelle Pauline, de part et d'autre des deux grandes fresques de Michel-Ange (alors que Federico Zuccari décore le plafond) et de la Sala Regia.  Ces travaux recueillent la satisfaction du pontife, qui le nomme surintendant des décorations du Vatican. Retourné à Bologne, il y décore, entre 1566 et 1572, les églises Santa Maria delle Grazie, la Chiesa della Morte, San Martino Maggiore et San Giacomo.  Il revient à Rome pour travailler avec Vasari, en 1572-1573, à la Sala Regia du Vatican. Après la mort de son collègue, il devient surintendant des travaux sous Grégoire XIII.

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