Édouard Manet (1832-1883) - Le vieux musicien

Édouard Manet (1832-1883)
Le vieux musicien (1862)
Huile sur toile, 186 x 247 cm.
National Gallery, Washington DC (Chester Dale Collection).

Édouard Manet, est un peintre et graveur français majeur de la fin du 19e siècle. Précurseur de la peinture moderne, qu'il affranchit de l'académisme, Édouard Manet est à tort considéré comme l'un des pères de l'impressionnisme: il s'en distingue en effet par une facture soucieuse du réel qui n'utilise pas (ou peu) les nouvelles techniques de la couleur et le traitement particulier de la lumière. Il s'en rapproche cependant par certains thèmes récurrents comme les portraits, les paysages marins, la vie parisienne ou les natures mortes, tout en peignant de façon personnelle, dans une première période, des scènes de genre : sujets espagnols notamment d'après Vélasquez et odalisques d'après Le Titien.
Il refuse de suivre des études de droit et il échoue à la carrière d'officier de marine militaire. Le jeune Manet entre en 1850 à l'atelier du peintre Thomas Couture où il effectue sa formation de peintre, le quittant en 1856. En 1860, il présente ses premières toiles, parmi lesquelles le Portrait de M. et Mme Auguste Manet.
Ses tableaux suivants, Lola de Valence, La Femme veuve, Combat de taureau, Le Déjeuner sur l'herbe ou Olympia, font scandale. Manet est rejeté des expositions officielles et joue un rôle de premier plan dans la « bohème élégante ». Il y fréquente des artistes qui l'admirent, comme Henri Fantin-Latour ou Edgar Degas, et des hommes de lettres comme le poète Charles Baudelaire ou le romancier Émile Zola, dont il peint un portrait, Portrait d'Émile Zola. Zola prend activement la défense du peintre au moment où la presse et les critiques s'acharnent sur Olympia. À cette époque, il peint Le Joueur de fifre (1866), le sujet historique de L'Exécution de Maximilien (1867) inspiré de la gravure de Francisco de Goya. Son œuvre comprend des marines comme Clair de lune sur le port de Boulogne (1869) ou des courses : Les Courses à Longchamp en 1864, qui valent au peintre un début de reconnaissance. Après la guerre franco-allemande de 1870, à laquelle il participe, Manet soutient les impressionnistes, parmi lesquels il a des amis proches comme Claude Monet, Auguste Renoir ou Berthe Morisot, laquelle devient sa belle-sœur et dont sera remarqué le célèbre portrait, parmi ceux qu'il fera d'elle, Berthe Morisot au bouquet de violettes (1872). À leur contact, il délaisse en partie la peinture d'atelier pour la peinture en plein air à Argenteuil et Gennevilliers, où il possède une maison. Sa palette s'éclaircit, comme en témoigne Argenteuil de 1874. Il conserve cependant son approche personnelle faite de composition soignée et soucieuse du réel, et continue à peindre de nombreux sujets, en particulier des lieux de loisirs comme Au Café (1878), La Serveuse de Bocks (1879) et sa dernière grande toile, Un bar aux Folies Bergère (1881-1882), mais aussi le monde des humbles dans Paveurs de la Rue Mosnier ou des autoportraits (Autoportrait à la palette, 1879).
Manet parvient à donner des lettres de noblesse aux natures mortes, genre qui occupait jusque-là dans la peinture une place décorative, secondaire. Vers la fin de sa vie (1880-1883), il s'attache à représenter fleurs, fruits et légumes en leur appliquant des accords de couleur dissonants, à l'époque où la couleur pure meurt, ce qu'André Malraux est un des premiers à souligner dans Les Voix du silence. Le plus représentatif de cette évolution est L'Asperge, qui témoigne de sa faculté à dépasser toutes les conventions. Manet multiplie aussi les portraits de femmes (Nana, La Blonde aux seins nus, Berthe Morisot) ou d'hommes qui font partie de son entourage. À partir des années 1880, il est de plus en plus reconnu. Il reçoit la Légion d'honneur le 1er janvier 1882. Cependant, victime de syphilis et de rhumatismes, il souffre, depuis 1876, de sa jambe gauche, qu'il faudra finalement amputer.
En 1883, Édouard Manet meurt à 51 ans de la syphilis et d'une gangrène qu'il a contractée à Rio de Janeiro, et laisse plus de quatre cents toiles, des pastels, des esquisses et des aquarelles. Ses plus grandes œuvres sont visibles dans la plupart des musées du monde, particulièrement au musée d'Orsay à Paris.
Ni impressionniste, ni réaliste, Manet adresse aux critiques d'art des questions restant sans réponse

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Annibale Carracci (1560-1609) - Allegorie du fleuve

 

Annibale Carracci (1560-1609)
Allegorie du fleuve c.1592.

La grande œuvre d'Annibale Carracci (dit aussi Le Carrache) à Rome est un travail à fresque, exécuté pour le décor du Camerino et de la galerie du palais Farnese. La plupart des historiens d'art estiment que cette galerie pose réellement le premier jalon de la peinture moderne.
L'iconographie de cette galerie est inhabituelle au regard des règles de l'époque. En effet dans ce lieu d’honneur des demeures romaines, qu'est la galerie, on décore habituellement les plafonds par de grands moments de la famille, ou des légendes héroïque. Rien de tout cela dans le Palazzo Farnese dont le propriétaire est alors un cardinal, mais un thème totalement décalé, en l'occurrence : le pouvoir universel de l'amour. Une des interprétations de cette iconographie la lie au mariage entre le duc de Parme et Marguerite Aldobrandini en 1600, mais d'autres interprétations ont cours.
Plusieurs références peuvent être identifiées, comme Michel-Ange (Chapelle Sixtine) pour la monumentalité et Raphaël (Villa Farnesina) pour la grâce des nus féminins. De nombreux procédés illusionnistes, comme la « quadratura » (système proprement Bolonais, prolongeant l’espace réel par un espace fictif dans les angles), ou le « quadririportati » (« tableaux rapportés », avec un cadre, donnant l’impression de toiles de chevalet accrochées) sont utilisées. De même, bien que tout soit entièrement peint, des Hermès et des Atlantes donnent l'illusion de stucs, des médaillons évoquent des bronzes, et l'accumulation d’éléments sur les parois comme les sculptures antiques situées dans des niches participent encore de l'illusion…
La bacchanale qui constitue le tableau central montre clairement plusieurs sources d'inspiration, telles que la Bacchanale de Titien, les Noces de Psyché de Raphaël et des sarcophages antiques (qualités sculpturales, frise, fluidité, jeu de contraposto). On y note la présence d’humour et de sarcasme, comme dans les léopards un peu ridicules, et une complexité savante. Cette galerie inspirera fortement de nombreux peintres dont Poussin et Rubens.
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Felix Michal Wygrzywalski (1875 -1944) - Pêcheur

 

Felix Michal Wygrzywalski (1875 -1944)
Nad ciepłym morzem (Au bord de la mer chaude)
Musée de Cracovie

Feliks Michał Wygrzywalski se forme de 1893 à 1898 à l'Académie des beaux-arts de Munich (Kunstakademie) et à l'Académie Julian à Paris. En 1900, il s'installe à Rome, où il rencontre une jeune Italienne, Rosa Imassa, qu'il épouse. Au cours de son séjour à Rome, pour compléter sa formation, il effectue des copies d'œuvres d'un certain nombre de maîtres de la Renaissance, en particulier du Caravage, de Raphaël, du Guerchin, de Vélasquez ou de Titien. Il y peint également des paysages et des nus. En 1906, à la recherche de nouveaux thèmes et de nouvelles couleurs, il se rend en Égypte, où il peint de nombreuses scènes orientalistes. En 1908, il s'installe à Lviv, dans l'ouest de l'Ukraine, où il est chargé de décorer les murs de la Chambre de commerce et d'industrie de la ville. C'est à cette époque qu'il commence à s'intéresser à la scénographie et à concevoir des décors de théâtre. Au cours de la Première Guerre mondiale, il reste en Russie, à Rostov-sur-le-Don, où il est professeur de dessin. Son fils, Feliks Kazimierz Wygrzywalski (1903-1966) était également peintre.

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El Greco (1541-1614) - Portrait du Frère Felix Hortensio Paravicino

El Greco (1541-1614)
Portrait du Frère Felix Hortensio Paravicino, c.1605.
Huile sur toile 112.1 x 86.1cm
Museum of Fine Arts, Boston

Comme ses maitres Titien et Tintoret, El Greco était un excellent portraitiste. Paravicino, un ami proche de l'artiste, était un important théologien, orateur et poète. Limitant les couleurs presque entièrement au noir et blanc de l'habit du frère, El Greco a créé une image subtile et convaincante qui met l'accent sur la présence psychologique plutôt que physique. L'œuvre fut achetée en 1904 par le Musée de Boston sur la recommandation de John Singer Sargent, autre grand portraitiste et admirateur de l'art espagnol.

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Giovanni Battista Moroni (1520-1579) - Portrait de buste d'un jeune homme portant inscription

 

 

Giovanni Battista Moroni (1520-1579),
Portrait de buste d'un jeune homme portant inscription
Huile sur toile, 1560, 47, 2 x 39, 8cm
National Portrait Gallery, London

 

 

Entre le années 1550 et 1562, Moroni est le portraitiste à la mode de la bonne société de Bergame. C'est l'époque où il rencontra Titien, le plus grand portraitiste de son temps. Les portraits du Titien montrent des personnages qui appartiennent aux plus hautes sphères du pouvoir. Ceux de Moroni, très précis dans l'aspect physique et l'attitude psychologique, invitent au dialogue avec des êtres davantage plongés dans leurs occupations quotidiennes. A partir des années 1560-1579, Moroni se retire dans son bourg natal d'Albino. Il adopte alors un style plus sévère, une palette plus austère aux « habits noirs, mines contrites, attitudes pieuses ». Il est le fondateur de ce que l'on nommait alors " la peinture de la réalité " qui a marqué les arts plastiques de Bergame et de Brescia jusqu'au 18^e siècle.

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Nicolas Neufchâtel ou Lucidel (1524 -1567) - Portrait d'un notable de Niuremberg

Nicolas Neufchâtel ou Lucidel (1524 -1567)
Portrait d'un notable de Niuremberg, c. 1560 – 1570.
Huile sur toile , 81 x 65cm
Kunsthistorisches Museum, Vienna

 
Nicolas Neufchâtel, aussi appelé Lucidel, est un peintre probablement originaire de Mons en Belgique.  La première mention documentée concernant Nicolas Neufchâtel date de 1539, année où un certain Colyn van Nieucasteel figure dans les registres de la guilde de Saint-Luc d'Anvers en tant qu'élève de Pieter Coecke van Aelst. L'année suivante, il est signalé à Mons. Il aurait ensuite travaillé à Malines et à Bruges. De 1561 à 1567, il vit à Nuremberg, où il semble qu'il se soit réfugié en raison de ses convictions calvinistes. On ne sait rien de sa biographie après 1567. Portraitiste réputé, il réalise des portraits de notables de Nuremberg qui associent le lyrisme italien d'un Titien, la profondeur psychologique de l'école allemande et un souci du détail typiquement flamand. 

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Hyacinthe Rigaud (1659-1743) - Portrait de Pierre-Vincent Bertin

Hyacinthe Rigaud (1659-1743),
Portrait de Pierre-Vincent Bertin, 1685
Collection particulière

Hyacinthe Rigaud, né Jacinto Francisco Honorat Matias Rigau-Ros i Serra né dans la province du Roussillon, (et dont l'orthographe du nom fut francisée en Hyacinthe Rigaud) est considéré comme l’un des plus célèbres portraitistes français de la période classique. Pour Jacques Thuillier, professeur au Collège de France : « Hyacinthe Rigaud fut l’un de ces peintres français qui sous l’Ancien Régime connurent comme portraitistes la plus haute célébrité. Cette admiration était méritée à la fois par l’abondance de l’œuvre et par sa constante perfection1. » Dans le portrait ci-dessus, à l'arrière plan duquel apparait une magnifique Montage Sainte-Victoire, le peintre laisse volontiers transparaitre la suffisance et le ridicule du modèle que même son chien semble désapprouver ! 

Pierre-Vincent Bertin (1653-1711)  était un financier français et collectionneur avisé. De son cabinet de curiosités, on ne connaît que peu de choses sinon qu’il contenait plusieurs tableaux qui font la gloire de plusieurs collections mondiales. Ainsi, aux côtés d'une Adoration des Mages de Véronèse on pouvait voir la Judith de Giorgione (Saint-Pétersbourg, musée de l’Ermitage) ainsi que le Noli me tangere du Titien. Bertin avait également acquis, du propre cabinet de Colbert de Seignelay, un Christ apparaissant à la Madeleine toujours par le Titien ainsi que la Léda de Paul Véronèse que lui racheta le Régent.

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Lorenzo Lotto (1480-1557) - Portrait d'un jeune homme, 1526

Lorenzo Lotto (1480-1557)
Portrait d'un jeune homme, 1526
Gemäldegalerie, Berlin

 

Lorenzo Lotto fut un très grand portraitiste parce qu’il considérait chaque individu non comme le protagoniste d’une histoire, mais comme une personne quelconque, une parmi tant d’autres, avec laquelle on parle et on se comprend. À l'opposé de ceux du Titien, les portraits de Lotto sont les premiers psychologiques : ce ne sont évidemment pas des portraits d’empereurs ou de papes, mais des gens de la petite noblesse ou de la bonne bourgeoisie. Dans le nombre, figurent aussi ceux d’artistes, d’hommes de lettres ou d’ecclésiastiques.
Sa grande découverte, qui fait la modernité de Lotto, est précisément celle du portrait comme dialogue, échange de confidence et de sympathie, entre un « soi » et un « autre ». Ils sont des témoignages authentiques et crédibles, même si la description physionomique n’est pas plus minutieuse que dans les portraits du Titien. Car, plutôt que de fixer le personnage tel qu’il est objectivement, Lotto préfère le montrer à l’instant où il se qualifie, où il s’adresse à un autre, et se prépare à un rapport humain sincère. Il ne dit pas : « admire-moi, je suis le roi, le pape, le doge, je suis le centre du monde » ; il dit plutôt : « voilà comment je suis fait à l’intérieur, voilà quels sont les raisons de ma mélancolie ou les fondements de ma foi, voilà quelles sont mes sympathies ».
Dans le portrait-dialogue, l’attitude du peintre est celle d’un confesseur, d’un interlocuteur qui pose les questions et interprète les réponses. […] La beauté qui irradie, comme une lumière intérieure, de ses personnages n’est pas une beauté naturelle, ni même une beauté spirituelle ou morale, mais simplement la beauté intérieure trahie, plus que révélée, par un regard, un sourire, la pâleur transparente d’un visage ou la molle attitude d’une main » (Argan).
Ses portraits montrent tous son respect de la nature, ses dons innés de dessinateur et une personnalité artistique remarquable. Il parvient toujours à une silhouette hardie, à un placement imposant du modèle dans la toile., au choix d'un geste parlant ou d'une nature morte évocatrice. La palette est superbe : ses bleu ardoise, ses rouges rutilants, ses vert olive et ses riches contrastes d'ombre et de lumière donnent vie et mouvement à ses portraits aussi animés et magistraux que ceux de Titien, mais très différents1.

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Annibale Carracci (1560-1609) (attribué à) - Autoportrait à l'âge de 20 ans

Annibale Carracci (1560-1609) (attribué à)
Autoportrait à l'âge de 20 ans
Collection privée 

 

La grande œuvre d'Annibale Carracci (dit aussi Le Carrache) à Rome est un travail à fresque, exécuté pour le décor du Camerino et de la galerie du palais Farnese. La plupart des historiens d'art estiment que cette galerie pose réellement le premier jalon de la peinture moderne.
L'iconographie de cette galerie est inhabituelle au regard des règles de l'époque. En effet dans ce lieu d’honneur des demeures romaines, qu'est la galerie, on décore habituellement les plafonds par de grands moments de la famille, ou des légendes héroïque. Rien de tout cela dans le Palazzo Farnese dont le propriétaire est alors un cardinal, mais un thème totalement décalé, en l'occurrence : le pouvoir universel de l'amour. Une des interprétations de cette iconographie la lie au mariage entre le duc de Parme et Marguerite Aldobrandini en 1600, mais d'autres interprétations ont cours.
Plusieurs références peuvent être identifiées, comme Michel-Ange (Chapelle Sixtine) pour la monumentalité et Raphaël (Villa Farnesina) pour la grâce des nus féminins. De nombreux procédés illusionnistes, comme la « quadratura » (système proprement Bolonais, prolongeant l’espace réel par un espace fictif dans les angles), ou le « quadririportati » (« tableaux rapportés », avec un cadre, donnant l’impression de toiles de chevalet accrochées) sont utilisées. De même, bien que tout soit entièrement peint, des Hermès et des Atlantes donnent l'illusion de stucs, des médaillons évoquent des bronzes, et l'accumulation d’éléments sur les parois comme les sculptures antiques situées dans des niches participent encore de l'illusion…
La bacchanale qui constitue le tableau central montre clairement plusieurs sources d'inspiration, telles que la Bacchanale de Titien, les Noces de Psyché de Raphaël et des sarcophages antiques (qualités sculpturales, frise, fluidité, jeu de contraposto). On y note la présence d’humour et de sarcasme, comme dans les léopards un peu ridicules, et une complexité savante. Cette galerie inspirera fortement de nombreux peintres dont Poussin et Rubens.
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Titien (1490-1516) (attribué à) - Portrait de Soliman 1er

 

 

Titien (1490-1516) (attribué à...)
Portrait de Soliman 1er,  vers 1530.
Kunsthistorisches Museum, Vienna 

Plusieurs portraits de Soliman 1er, à plusieurs ages de sa vie, ont été peint de son vivant.   On l'attribue à Titien qui peignit plusieurs le sultan et notamment dans un double portrait aujourd'hui célèbre avec le roi de France François 1er de la dynastie des Valois.  Le portrait  ci dessus, réalisé alors le sultan avait 36 ans est  pour l'instant, toujours attribué à Titien...

Soliman Ier est probablement né le 6 novembre 1494 à Trébizonde (Trabzon) dans l'actuelle Turquie et mort le 6 septembre 1566 à Szigetvár dans l'actuelle Hongrie. Fils de Sélim Ier Yavuz, il fut le dixième sultan de la dynastie ottomane de 1520 à sa mort en 1566. On le nomme Soliman le Magnifique en Occident et le Législateur en Orient en raison de sa reconstruction complète du système juridique ottoman. Soliman devint l'un des monarques les plus éminents du XVIe siècle et présida à l'apogée de la puissance économique, militaire, politique et culturelle de l'Empire ottoman. Il mena ses armées à la conquête des bastions chrétiens de Belgrade, de Rhodes et de la Hongrie avant de devoir s'arrêter devant Vienne en 1529. Il annexa la plus grande partie du Moyen-Orient lors de ses guerres contre les Séfévides d'Iran ainsi que de larges portions de l'Afrique du Nord jusqu'en régence d'Alger. Sous son règne, la marine ottomane, menée notamment par l'amiral Barberousse, domina la mer Méditerranée, la mer Rouge et le golfe Persique. À la tête de son empire en pleine expansion, Soliman instaura des changements législatifs concernant la société, l'éducation, l'économie et le système judiciaire. Son code civil (Kanun) fixa la forme de l'empire pour plusieurs siècles. Soliman était non seulement un poète et un orfèvre, mais également un mécène qui supervisa l'âge d'or de l'art, de la littérature et de l'architecture ottomanes. Il parlait quatre langues : le turc ottoman, l'arabe, le tchaghataï et le persan. En rupture avec les traditions ottomanes, Soliman épousa l'une des filles de son harem, Roxelane, qui devint Hürrem Sultan ; ses intrigues en tant que reine à la cour et son influence sur le sultan assurèrent sa renommée. Le règne de près de 46 ans de Soliman demeure le plus long de l'histoire de l'Empire ottoman.

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Vincenzo Catena (1470-1531) - Portrait d'un jeune homme

Vincenzo Catena (1470-1531)
Portrait d'un jeune homme, 1510
Huile sur panneau de bois, 30,5 x 23,5cm
The National Gallery, London.

 
Vincenzo Catena a été influencé d'abord par Cima da Conegliano, Giovanni Bellini (1506),  Giorgione (1510), Le Titien et Palma il Vecchio sur la fin de sa vie. Le premier document lui faisant référence est le texte figurant au dos de la Laura de Vienne, où il est aussi  cité sous le nom de Vincenzo de Biagio  et où Giorgione, est cité comme cholega de maistro Vincenzo Chatena. En 1530, il est inscrit à la corporation des peintres, dont il semble être l'un des membres influents. En mars 1531, il se rend à Rome et meurt le 29 septembre de la même année.

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Paris Bordone (1500-1571) - Tête d'Homme Barbu, Yeux Clos, ca. 1533

 

 

Paris Bordone (1500-1571)
Tête d'Homme Barbu, Yeux Clos, ca. 1533
Morgan Library and Museum

Bordone est né à Trévise  et il entra dans l'atelier du Titien probablement de 1508 à 1518. Vasari, à qui on doit presque tout ce qu'on sait de lui, affirme qu'il n'a pas passé beaucoup d'années avec le Titien, et qu'il s'est efforcé d'imiter la manière de Giorgione. On dit qu'il excita la jalousie de son maître par son talent et que ce denier ne souhaita trop longtemps qu'il lui fasse de l'ombre ! Bordone se fixa alors à Venise, mais fut appelé en France en 1528 par François Ier, qui lui commanda son portrait. Devant le succès du portrait, il reçut commande de  plusieurs dames de la cour de François 1er et revint en Italie comblé de richesses.
À son retour, vers 1540 il se consacra à l'art du retable. 

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Annibale Carracci (1560-1609) - Nu masculin

Annibale Carracci (1560-1609)
Nu masculin, 1597-1602
Palazzo Farnese, Roma

La grande œuvre d'Annibal Carrici (dit aussi Le Carrache) à Rome est un travail à fresque, exécuté pour le décor du Camerino et de la galerie du palais Farnese. La plupart des historiens d'art estiment que cette galerie pose réellement le premier jalon de la peinture moderne.
L'iconographie de cette galerie est inhabituelle au regard des règles de l'époque. En effet dans ce lieu d’honneur des demeures romaines, qu'est la galerie, on décore habituellement les plafonds par de grands moments de la famille, ou des légendes héroïque. Rien de tout cela dans le Palazzo Farnese dont le propriétaire est alors un cardinal, mais un thème totalement décalé, en l'occurrence : le pouvoir  universel de l'amour. Une des interprétations de cette iconographie la lie au mariage entre le duc de Parme et Marguerite Aldobrandini en 1600, mais d'autres interprétations ont cours.
Plusieurs références peuvent être identifiées, comme Michel-Ange (Chapelle Sixtine) pour la monumentalité et Raphaël (Villa Farnesina) pour la grâce des nus féminins. De nombreux procédés illusionnistes, comme la « quadratura » (système proprement Bolonais, prolongeant l’espace réel par un espace fictif dans les angles), ou le « quadririportati » (« tableaux rapportés », avec un cadre, donnant l’impression de toiles de chevalet accrochées) sont utilisées. De même, bien que tout soit entièrement peint, des Hermès et des Atlantes donnent l'illusion de stucs, des médaillons évoquent des bronzes, et l'accumulation d’éléments sur les parois comme les sculptures antiques situées dans des niches participent encore de l'illusion…
La bacchanale qui constitue le tableau central montre clairement plusieurs sources d'inspiration, telles que la Bacchanale de Titien, les Noces de Psyché de Raphaël et des sarcophages antiques (qualités sculpturales, frise, fluidité, jeu de contraposto). On y note la présence d’humour et de sarcasme, comme dans les léopards un peu ridicules, et une complexité savante. Cette galerie inspirera fortement de nombreux peintres dont  Poussin et Rubens.
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Charles Fairfax Murray (1849-1919) - Self Portrait

Charles Fairfax Murray (1849-1919)
Self Portrait
Brush and brown wash and pencil, some extraneous blue watercolor, on paper
36.2 x 25.4 c, avant 191
Morgan Library & Museum

Charles Fairfax Murray est un peintre, marchand d'art, collectionneur d'art, mécène et historien de l'art anglais qui est associé à la deuxième vague du préraphaélisme. Repéré par John Ruskin à l'âge de 16 ans, Fairfax Murray est engagé en 1867 comme premier assistant d'atelier chez Edward Burne-Jones. Il devient rapidement l'un des membres du cercle de Dante Gabriel Rossetti, co-fondateur du mouvement préraphaélite ; il noue également des amitiés avec William Morris et Philip Webb. Il travaille pour l'entreprise d'art décoratif que dirige Morris, où il contribue à exploiter les dessins de Burne Jones ; il enlumine également des manuscrits de Morris.  À partir de 1888, il se lie d'intimité avec Blanche Richmond, qui posait pour lui et avec qui il va avoir plusieurs enfants. Murray est alors très respecté comme connaisseur et conseiller de collectionneurs privés. Il possède également un nombre considérable et croissant de tableaux de maîtres anciens, dont Portrait de son frère de Rembrandt, Enfant Jésus avec la Vierge et Saint Jean de Botticelli et Lucas Vosterman de van Dyck.
Son but a toujours été de mettre les œuvres qu'il possédait dans les collections publiques ; en 1904, il vend sa collection de plus de 800 dessins préraphaélites au Birmingham Museum and Art Gallery. Il donne son Titien Tarquin et Lucrèce, plus d'une douzaine de Constable, les quatre premiers Gainsborough et un Corot au Fitzwilliam Museum à Cambridge ainsi que des épreuves Morris et des manuscrits de la collection de William Morris. 

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El Greco (1541-1614) - Etude de tête

El Greco (1541-1614)
Etude de tête, c.1600
Museum of Fine Arts, Budapest

Comme ses maitres Titien et Tintoret, El Greco était un excellent portraitiste. Cette étude d'une tête légèrement tournée vers la droite et regardant hors de la toile est peinte avec de larges coups de pinceau et semble être très peu détaillée, comme esquissée alors que le rendu du visage lui-même, les cheveux hérissés, la barbe et l'oreille, montre toutes les caractéristiques d'un travail très détaillé. Cette peinture est considérée comme une étude ou peut-être comme un exemplaire rescapé d'une série perdue concernant les apôtres (la toile est en effet dans le même format de demi-longueur que la série des apôtres). La spécialiste hongroise de Greco, Marianna Haraszti-Takács a suggéré qu'il pourrait s'agir d'un autoportrait en costume d'apôtre, ce qui plaide en ce sens, étant la représentation pensive du personnage.  Bien qu'il  n'ait  jamais été possible jusqu'à aujourdh'ui de trouver un autoportrait authentique d'El Greco, on fait souvent référence comme unique exemple à un autoportrait de jeunesse visible  dans le tableau intitulé Le Christ chassant les Marchands du Temple (The Minneapolis Institute of Art) datant de 1570-1575. 

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2021 - Men's Portrait
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Jacob Jordaens (1593-1678) - Trois Musiciens

Jacob Jordaens  (1593-1678)
Trois Musiciens, 1645- 1650
Huile sur panneau, 49 x 64 cm
Museo del Prado, Madrid

La peinture de Jacob Jordaens, ses dessins et ses cartons s'inspirent des scènes bibliques, mythologiques et des thèmes empruntés à la vie populaire, ou bien illustrent fables et proverbes. Il fait parfois appel à Frans Snyders spécialisé dans les scènes animalières. Il s'efforce de dénicher des œuvres de la main des meilleurs maîtres, tels que Titien, Véronèse, le Caravage, Bassano et autres, afin de les étudier et de s'en inspirer lors de son travail. Ses tableaux les plus connus représentent des scènes de table, telles les différentes versions du « Roi boit ! ». Pour ce faire, Jordaens n'hésite pas à prendre comme modèles ses proches ou lui-même, afin de réaliser les portraits des différents personnages d'une composition, comme dans la toile ci-dessus. Jordaens fut  le peintre le plus renommé d'Anvers après la mort en 1640 de Rubens, dont il a achevé au moins deux œuvres. À aucun moment de sa carrière, Jordaens n'a souffert d'un manque d'estime. La grande réputation dont il a pu jouir sa vie durant est mise en évidence par les nombreuses commandes qu'il a reçues et quantité de documents. Après la mort de Rubens, il est considéré par Balthasar Gerbier, le chargé d'affaires du roi d'Angleterre à Bruxelles, comme le plus important peintre des Pays-Bas méridionaux. Les louanges qu'il recueille semblent interminables et l'estime pour son œuvre est telle qu'on lui attribue toutes les qualités. C'est au moins le cas jusqu'au début du 18e siècle, lorsque s'annonce un nouveau goût artistique mettant surtout l'accent sur l'idéal ainsi que l'esthétique noble et classique.

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2020 - Men Portraits
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Girolamo Romani detto Romanino ( c.1484 – c.1566) - Homme nu

Girolamo Romani detto  Il Romanino ( c.1484 – c.1566)
Homme nu 1531-1532
Castello del Buonconsiglio, Trente

Girolamo di Romano, dit Romanino est un peintre italien de Venise et de Brescia dont la longue carrière lui a permis d'expérimenter plusieurs styles différents. A l'époque où il peint ce portrait à l'étrange luminosité sans doute voulue pour rendre la somptuosité du précieux manteau de fils d'orde ce gentilhomme de Brescia, Romanino subit très fortement est très fortement les influences de Pordenone et de Titien.
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Pietro della Vecchia (1603-1678) - Tête de jeune guerrier

Pietro della Vecchia (1603-1678)
Tête de jeune guerrier, 1630.
Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg

Pietro della Vecchia ou Pietro della Vècchia, appelé à tort Pietro Muttoni, est un peintre vénitien de l'époque baroque et un éminent représentant de l'école vénitienne. Pietro della Vecchia étudia auprès d'Alessandro Varotari (Il Padovanino), duquel il hérita de l'intérêt pour la peinture vénitienne du XVIe siècle en particulier de celle du Titien et de Giorgione. Reconnu pour l'habilité avec laquelle il reproduisait le style des maîtres du xvie siècle, il est aussi reconnu comme peintre de scènes de genre et de portraits. En tant que peintre officiel de la République de Venise, il reçut commande pour la réalisation des cartons des mosaïques de la basilique Saint-Marc, qui l'occupa de 1640 à 1673.
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Anton Raphaël Mengs (1728-1779) - Nu masculin debout,

 

Anton Raphaël Mengs (1728-1779) 

Nu masculin debout, après 1750

Collection privée 

Anton Raphaël Mengs est un peintre et un écrivain d'art allemand, le plus représentatif de la peinture néoclassique.
Dans ses écrits, rédigés en espagnol, en italien et en allemand, Mengs met en avant sa théorie éclectique de l'art, où il considère que la perfection peut être atteinte par une habile combinaison des diverses excellences de la conception grecque avec l'expression de Raphaël, le chiaroscuro du Corrège, et la couleur de Titien. Son intimité avec Winckelmann, qui a constamment écrit sous sa dictée, est d'une importance historique, car il n'a formé aucun disciple, et le critique doit maintenant faire appel au Jugement de Mengs par Winckelmann et son siècle de Goethe.
Mengs était célèbre pour sa rivalité avec son contemporain italien, le peintre Pompeo Batoni.
Parmi ses élèves, on note Anton von Maron (1731 - 1808), arrivé à Rome en 1755; le sculpteur Ivan Martos et Giacomo Quarenghi (1744-1817), architecte de Saint-Pétersbourg.
Stendhal est particulièrement cruel à propos de Mengs dans ses Promenades dans Rome (1829) :
« (...) Raphaël Mengs, qui, pendant un demi-siècle, a passé pour un grand peintre, grâce au charlatanisme adroit de M. d'Azara.  En 1802, on admirait encore le Moïse de Mengs." 

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Titien (1488-1576) - Portrait d'un homme à la casquette rouge

 

Titien (1488-1576)

Portrait d'un homme avec une casquette rouge, 1510 

The Frick Collection,  New-York

Œuvre de jeunesse du Titien, ce portrait illustre bien le style de la peinture lyrique et lumineuse qui caractérisait les artistes vénitiens du XVIe siècle. Le rendu de textures est magistral surtout concernant la douceur de la fourrure, le du satin doré et le tissu rouge (peut-être du feutre) de ce qui apparait être une casquette (avec sa visière) et non un chapeau. Avec ses yeux sombres qui portent son  regard au loin, le visage de ce  jeune homme exprime une profonde intériorité. Une main gantée s'attarde sur la poignée de son épée.

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