Pablo Picasso (1881-1973) - L'Arlequin de Barcelone

Pablo Picasso (1881-1973) 

L'Arlequin de Barcelone (1917)  

Oil on canvas, 116 x 90 cm. 

Museu de Picasso, Barcelona

En Mai 1916 Jean Cocteau présente Diaghilev à Picasso. Il travaille comme décorateur pour le ballet Parade de Léonide Massine et les Ballets russes de Serge de Diaghilev, sur une musique d’Erik Satie.

Fin mars 1917, il voyage à Naples et à Pompéi et revient à Paris, fin avril. Le 18 mai, la première de Parade a lieu au Châtelet. En juin, Picasso part pour Madrid avec la troupe de Diaghilev.

Le 12 juillet, un banquet est offert en son honneur à Barcelone. 

Picasso réalise cette peinture à l'huile lors de ce séjour à Barcelone qui dura de  juin ànovembre 1917, avec l'idée de la présenter au Théâtre Liceu en même temps que  le ballet Parade, le modèle de cet Arlequin étant Léonide Massine (1896 - 1979), le premier danseur de la compagnie de Diaghilev.
Le personnage arlequin - peint fréquemment par Picasso - apparaît ici au-dessus d'une scène avec une balustrade, partiellement recouverte d'un grand rideau rouge foncé contrastant avec la chair ocre et les bleus, verts et roses des vêtements typiques en forme de diamant que le personnage porte. La couleur terreuse de la peau et les grandes mains charnues révèlent l’intérêt de Picasso de donner du volume aux formes.

C’est la première œuvre de Picasso  qui  entra dans les collections muséales de la ville de Barcelone
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Pablo Picasso (1881-1973) - La flûte de Pan, 1923

 

Pablo Picasso (1881-1973)
La flûte de Pan, 1923
Musée Picasso, Paris

 

 

La Flûte de Pan  a été peinte en 1923 pendant la période classique (1919 à 1929) de Picasso. 

Le tableau représente deux hommes sculpturaux d'origine mythologique.  

 Au moment où il peint cette toile  Picasso voyage beaucoup en Italie et s'inspire de  l'art gréco-romain qu'il voyait sous ses yeux.
Peu avant la peinture de cette toile en 1921,  Picasso rencontre Sara Murphy, une belle et riche expatriée américaine avec laquelle il noue une  brève idylle. Des photographies infrarouges de La Flute de Pan  prises dans les années 1990, ont révélé une composition initiale comprenant quatre personnages. Les spécialistes  pensent qu'une des figures celle de Vénus  aurait pu eêre représentée par Sara,  et qu'une autre  celle être Mars, par Picasso lui-même. Il semblerait que sa rupture avec Sara soit à l'origine du " repenti  " qui nous permet de voir aujourd'hui cette toile avec deux personnages uniquement.

 

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Pablo Picasso (1881-1973) - Arlequín con espejo (Arlequin au miroir)

 

 

Pablo Picasso (1881-1973)
Arlequín con espejo, 1923
(Arlequin au miroir, 1923)
Museo nacional Thyssen Bornemisza.

 

L'Arlequin est une figure récurrente dans l'œuvre de Picasso.  Il en a peint preès d'une cinquantaine qui prennent pour modèles  soit son fils Paul enfant soit des amis peintres mais toujours des personnages qui lui sont proches.  Ce personnage de la Commedia dell’arte a été pour l'artiste espagnol une représentation de son double. Arlequin incarnait pour Picasso une image de solitude et de mélancolie.
Avec ces Arlequins, on est loin du Picasso cubiste. Les personnages ont souvent des expressions réalistes. Il en a beaucoup en peindre durant sa période rose, et bleue. Certains des Arlequins de l'artiste ont une allure inachevée. On a l'impression que la toile n'est pas terminée, ce qui donne un aspect de technique du collage.  La fonction d'Arlequin était celle d'un valet comique, célèbre pour ses pirouettes et ses acrobaties. On ne s'étonnera pas que Picasso ait été attiré par ce personnage complexe, tant l'artiste était lui-même difficile à cerner. Ce thème connut  un succès  immédiat auprès du public et des collectionneurs.   Dans une lettre datée de janvier 1921, son marchand Paul Rosenberg lui réclame "mes Arlequins !!!!".  La profusion des tableaux de Picasso sur ce thème démontrent en tout cas l'influence du   marché dans la fabrication de chefs-d'œuvres, mais  aussi celui du goût du public. Ainsi par exemple ,c'est grâce à l'engouement et la mobilisation du public  que l'"Arlequin" de Bâle, en dépôt au musée de la ville, a pu y rester. A la suite de cette manifestation du public en faveur d'une de ses oeuvres, Picasso, touché, fit même un don important au Kunstmuseum.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Matador Luis Miguel Dominguin

Pablo Picasso (1881-1973)

 Matador Luis Miguel Dominguin, 1897

Private collection

Grand matador, Dominguin  fut également grand séducteur : Ava Gardner, María Félix, Lana Turner, Rita Hayworth, Lauren Bacall notamment, comptent parmi ses innombrables conquêtes...

Pablo Picasso se rend souvent à Arles pour voir toréer Luis Miguel Dominguín dont il appréciait la compagnie comme celle de son épouse : l’actrice italienne Lucia Bosé. Le peintre lui dessina un costume de lumières et il dessina également le portrait du matador à l'encre de Chine(ci-dessus) Pourtant, si les deux hommes sont très proches (Luis Miguel rédige pour Picasso un texte pour le livre de gravures Toros y toreros 1961), le matador refusera de faire avec le peintre une nouvelle Tauromachie à la manière de Pepe Hillo.

« Picasso me proposait en échange de me faire cadeau de tous ses dessins originaux. Je lui ai répondu que je ne voulais pas faire une tauromachie. Quoi que je dise, si je suis honnête, il faudra que je confesse au bout du compte que ça ne sert à rien. » 

Particulièrement arrogant,  Luis Miguel Dominguin finira par dire de Pablo Picasso, :

« Picasso était passionné par les taureaux, ce qui ne veut pas dire qu'il était connaisseur. Tout est relatif évidemment. Comparé à un professionnel, il ne connaissait rien du taureau. Il ne savait pas distinguer, quand l'animal chargeait, si celui-ci donnait de la pointe ou restait court sur sa charge. »

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2017 - Men Portraits 

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Pablo Picasso (1881-1973) - Jongleur à la Nature morte

Pablo Picasso (1881-1973)
Jongleur à la Nature morte
Gouache sur carton, 1905
The National Gallery of Art, Washington

Selon la notice de la National Gallery of Art de Washington, contrairement à la majeure partie des oeuvres de la série des Saltimbanques de Picasso, Le jongleur à la Nature morte, est une œuvre d'atelier, le modèle tenant une pose sur un arrière-plan rde rideau attaché , à côté d'une nature morte posé esur un carton. Cette dernier est composés de manière plutôt désinvolte, mais comprend  un vase lié déjà vu dans le tableau  La famille des Saltimbanques. Le jongleur  lui même  a pu être identifié comme un modèle utilisé par Picasso pour plusieurs tableaux à l'automne 1905. Sa physionomie et la position de ses mains se retrouvent dans celles du Garçon à la pipe. Bien qu'il soit cousin des acrobates de la Famille des Saltimbanques, Le Jongleur en diffère par la frontalité très formelle de sa posture. 

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Pablo Picasso (1881-1973) - La Science et la Charité

Pablo Picasso (1881-1973) 

La Science et la Charité  (1897) 

Huile sur toile, 197 x 249.5 cm 

Museu Picasso, Barcelona

Picasso a donc 16 ans quand il peint cette toile curieuse, très éloignée de tout ce qu'il pourra jamais peindre dans le reste de sa carrière : un sujet convenu au possible,  une mise en scène compassée, une facture très conventionnelle...  on peut s'étonner qu'il n'est jamais détruit cette oeuvre. Peut être que s'il ne la' pas fait c'est justement parce qu'au-delà de la technique déjà parfaitement maitrisée à 16 ans, il y a quelque chose d'inexplicablement émouvant dans tout cela. Le rendu  du mur délabré et de la fenêtre  fermée constituent déjà un petit chef d'oeuvre en soi ...

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Pablo Picasso (1881-1973) - Les Baigneurs, 1920 (dessin + toile)

 

Pablo Picasso (1881-1973)
Les  Baigneurs, 1920
Collection privée

Le thème des baigneurs à la plage a été traité à de nombreuses reprises par Picasso comme dans La flûte de Pan publié dans ce blog. Ce beau dessin des années 20 est un dessin préparatoire à la toile qu'il peignit l'année suivante et que voici :

Pablo Picasso (1881-1973) - Torero. Etude pour "Le Tricorne"

Pablo Picasso (1881-1973),
Torero. Etude pour "Le Tricorne"
Gouache, 1919
Collection privée

Une étude à mi-chemin entre l'arlequin, figure emblématique de l'oeuvre de Picasso au début du 20e siècle et le Torero.

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2022 - Men Portraits
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Pablo Picasso (1881-1973) - Homme Nu Observant une Femme Endormie

Pablo Picasso (1881-1973)

Homme Nu Observant une Femme Endormie, 1922

Collection privée 

Pendant cette période des années 1920, Picasso, dans un climat de reconnaissance mondaine généralisée, fait dans ses tableaux un retour à la figuration et au classicisme : Trois femmes à la fontaine (1921), et certaines œuvres comme les Flûtes de Pan (1923), s'inspirent de la mythologie. Le tableau ci-dessus, inachevée et laissé volontairement en l'état, entre dessin et peinture,  fait partie de ce retour voulu au classicisme.  En décembre, de la meme année 1922,  il réalise le décor pour L'Antigone de Cocteau, créée par Charles Dullin au théâtre de l'Atelier.

Il est alors marié avec Olga depuis 1918 et son fil Paulo est né un ana plus tôt. 

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2018 - Men Portraits 

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Pablo Picasso (1881-1973) - Autoportrait face à la mort

Pablo Picasso (1881-1973) 

Autoportrait face  à la mort   (1972)

Crayon à la cire sur papier 

65,7x50,5 cm

Fuji Television Gallery, Tokyo

C'est le dernier autoportrait que Picasso réalisa environ 9 mois avant sa mort.
Il lui fallut plusieurs mois avant de pouvoir le finir.
La série d’autoportraits qui l’encadrent ici  a été réalisée en rafales, à quelques jours d'intervalle pendant l’été 1972.

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2019 - Men Portraits 

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Pablo Picasso (1881-1973) - Bibi la Purée

Pablo Picasso (1881-1973) 

Bibi la Purée, 1901
Collection privée

Bibi-la-Purée de son vrai nom André-Joseph Salis (1848-1903) était un acteur français devenu une figure emblématique de la vie de bohème de Montmartre et de Pigalle. 

Vivant d'une petite pension de 315 francs versée annuellement par la compagnie d'assurances La Nationale, il se présente volontiers comme exerçant la profession de rentier.  A l'occasion, pour arrondir les fins de mois, il cire également des chaussures, vend des journaux et des cartes postales ou pose comme modèle. Bien connu des services de police, il est régulièrement condamné en correctionnelle pour des vols, des filouteries ou des troubles à l'ordre public.

Son nom apparaît dans diverses pièces (Verlaine, Jehan Rictus, Raoul Ponchon, Paul Fort, Léo Larguier). Plusieurs peintres le dessinent ; c'est notamment le cas de Pablo Picasso qui réalise en 1901 Portrait de Bibi-la-Purée,   Bibi-la-Purée assis, Portrait d'homme, et  (ci dessus), Bibi la purée.  Steinlen et Jacques Villon s'inspirent également du personnage en tant que roi de la Bohème.

En 1925 Georges Biscot interprète ce rôle dans Bibi-la-Purée, un film de Maurice Champreux, rôle qu'il reprend en 1935 dans un remake de ce film portant le même titre réalisé par Léo Joannon.

Son nom apparaît également dans des chansons de Brassens (L'enterrement de Verlaine texte de Paul Fort) et ses aventures inspirèrent James Joyce.

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2018 - A Still Life Collection 

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Santiago Rusiñol i Prats (1861-1931) - Portrait of Miquel Utrillo

Santiago Rusiñol i Prats  (1861-1931) 

Portrait of Miquel Utrillo, 1890 

Museu Nacional d'Art de Catalunya

Santiago Rusiñol est un peintre espagnol symboliste et post-impressionniste, aussi auteur et dramaturge. Fils rebelle d'un riche industriel, il se tourne très tôt vers le milieu artistique et part pour Paris. À la fin des années 1880, il revient à Barcelone pour développer la vie culturelle de la ville en créant, entre autres, le cabaret Els Quatre Gats, avec Pere Romeu, Ramon Casas et Miquel Utrillo, qui ouvre ses portes en 1897. Dans ce café se regroupent de jeunes artistes dont Pablo Picasso. Rusiñol exerce, à l'époque, une grande influence sur Picasso qui commence sa carrière, en lui définissant la place de l'artiste moderne dans le monde.

 Entre 1899 et 1903, Picasso fait 21 portraits de Santiago Rusiñol.
Rusiñol est aussi un organisateur d'événements comme le Festival modernista dans le port de pêche de Sitges où il a laissé de nombreux bâtiments, dont le Musée Cau Ferrat
Artiste complet, il a écrit aussi des nouvelles et joué dans des pièces.

Miquel Utrillo i Morlius (1862-1934) (ne pas confondre avec le peintre français Maurice Utrillo- Valadon fut un ingénieur, peintre, décorateur et critique d'art espagnol d'origine catalane, proche à ses débuts du modernisme catalan.

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2019 - Men Portraits 

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Santiago Rusiñol i Prats (1861-1931) - Carles Mani i Roig et Pere Ferran, 1895

 

Santiago Rusiñol i Prats (1861-1931)
Carles Mani  i Roig et Pere Ferran, 1895
Dessin 31 x47,5 cm
MNAC, Barcelona 

 
Santiago Rusiñol est un peintre espagnol symboliste et post-impressionniste, aussi auteur et dramaturge. Fils rebelle d'un riche industriel, il se tourne très tôt vers le milieu artistique et part pour Paris. À la fin des années 1880, il revient à Barcelone pour développer la vie culturelle de la ville en créant, entre autres, le cabaret Els Quatre Gats, avec Pere Romeu, Ramon Casas i Carbo et Miquel Utrillo, qui ouvre ses portes en 1897. Dans ce café se regroupent de jeunes artistes dont Pablo Picasso. Rusiñol exerce, à l'époque, une grande influence sur Picasso qui commence sa carrière, en lui définissant la place de l'artiste moderne dans le monde.
Entre 1899 et 1903, Picasso fait 21 portraits de Santiago Rusiñol.
Rusiñol est aussi un organisateur d'événements comme le Festival modernista dans le port de pêche de Sitges où il a laissé de nombreux bâtiments, dont le Musée Cau Ferrat
Artiste complet, il a écrit aussi des nouvelles et joué dans des pièces.

Carles Mani i Roig (1867-1911) (à droite dans le dessin ci -essus)  est un sculpteur catalan. Il fut à contre-courant des mouvements de son époque et chercha un style personnel qui ne fut pas compris de ses contemporains qui fit que son œuvre fut très restreinte. Artiste indépendant et solitaire, sa personnalité étrange selon les mots de qui l'a approché l'empêcha de s'intégrer à la vie de Barcelone où il s'était installé dans les années 1890. Il eut une vie difficile, pleine de désillusions.

Helmut Kolle (1899-1931)- Boy Putting on Shirt

Helmut Kolle (1899-1931)

Boy Putting on Shirt, 1924

Le peintre allemand Helmut Kolle, connu aussi sous le pseudonyme d'Helmut von Hügel, passa une grande partie de sa vie en France.  À Paris il visita le Louvre, étuda les grands maîtres, Géricault, Manet et on peut reconnaitre dans son travail les influences de Pablo Picasso, Georges Braque et même Henri Rousseau. Ses peintures figuratives sont la combinaison d'une tradition française classique, du cubisme et de l'expressionnisme  allemand agrégé par son pinceau d'une façon très  personnelle. Kolle a surtout peint des  portraits de hommes jeunes forts et en bonne santé  sans doute en reaction à son état maladif.  Picasso ne tarissait pas d'éloges sur  " la grande vitalité et la beauté de sa peinture. "

Kolle fut sans doute  le peintre allemand le plus exposé dans les galeries parisiennes pendant l'entre-deux-guerres, et   acheté régulierement pour alimenter les collections des avant-gardes françaises et allemandes (Cocteau, Noailles, Rothschild, René Gaffé, Hessel, Roques, Uhde, Hürlimann, Waldemar George, H.P. Roché... 

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Pablo Picasso (1881-1973)

Pablo Picasso

 Un acrobat 1922

Vladimir Evgrafovich Tatlin (1885-1953) - Le marin. Autoportrait, 1911

Vladimir Evgrafovich Tatlin (1885-1953)
Le marin. Autoportrait, 1911.
Musée d'Etat Russe, Saint-Pétersbourg

Vladimir Ievgrafovitch Tatline ( Владимир Евграфович Татлин), est un peintre et sculpteur soviétique constructiviste. Vladimir Tatlin est né le 16 (28) décembre 1885 à Moscou dans la famille d'un ingénieur ferroviaire. Après la mort de sa mère, la famille a déménagé à Kharkiv. Il s'enfuit de chez lui à 14 ans et s'engage comme mousse pour deux ans à bord d'un vapeur de la Mer Noire : il découvre la France, la Palestine, la Turquie et le Maroc. En 1902, il fréquente l'Ecole des Beaux Arts de Penza puis en 1907–1908 celle de Moscou, où il est l'élève de Michel Larionov. En 1912, il expose des peintures et des dessins dont il trouve l'inspiration dans les pays traversés (Égypte, Turquie, Grèce). Il joue du bandoura dans un orchestre folklorique ukrainien en 1913, à Berlin, puis vient à Paris avec une seule idée en tête : rencontrer Picasso. Pour pouvoir rester à Paris, Tatline demande au maître espagnol de l'engager comme domestique ; mais Picasso refuse et Tatline rentre en Russie où il exécute son premier relief peint : La Bouteille. Le peintre est dès lors sculpteur. Ce sens de l'espace, il l'a découvert dans les scénographies auxquelles il a travaillé entre 1911 et 1913. L'objet est représenté d'une manière dissociée en trois éléments métalliques : le premier, une plaque de métal pour la forme ; le deuxième, un morceau de métal arrondi en cylindre pour le volume, et le troisième, un grillage métallique pour la transparence. La suppression du cadre attribue dès lors à l'espace réel la fonction de "contre-relief ".  En 1914, il s'engage ainsi dans la réalisation de tels « contre-reliefs », premiers jalons de la sculpture abstraite, qui s'appuie sur les principes de la construction et la culture des matériaux dans laquelle la masse et le volume s'éclipsent, pour laisser place à une intersection de plans où l'air circule. « De vrais matériaux dans le vrai espace », telle est sa devise. À la sculpture, classique et académique par la taille et la fonte s'est substitué l'art de coller, de souder, d'emboîter des pièces les unes dans les autres. Il passe par plusieurs mouvements artistiques, fasciné particulièrement par le fauvisme et le cubisme. Mais il veut selon son expression que « l'art soit descendu de son piédestal ». Il transpose le cubisme dans l'espace et abandonne bientôt la peinture de chevalet. Il participera à la fameuse exposition suprématiste de décembre 1915 à janvier 1916, intitulée « Exposition 0,10 », avec un de ses premiers « contre-reliefs ». Il voulait matérialiser l'art avec des montages, des assemblages. Il recherchait la mort de l'œuvre d'art de musée : l'œuvre doit participer à la vie et à la construction du monde. Son œuvre la plus célèbre est son projet pour un Monument à la Troisième Internationale, datant de 1919-1920 mais qui ne sera jamais construit (ce devait être une véritable tour habitée). Elle constitue également l'œuvre la plus emblématique du constructivisme, dont Tatline fut le principal inspirateur. Dan Flavin a rendu hommage à cette œuvre dans sa série Monuments for V. Tatlin, qui comprend une cinquantaine de pièces constituées de sept néons blancs. En 1920, l'artiste dadaïste Raoul Hausmann, pionnier du photomontage, réalise un portrait intitulé Tatlin at home, un collage composé de photos, papiers et gouache considéré comme une œuvre emblématique du mouvement dada, conservé au musée national de Stockholm. Il s'agit de représenter le portrait intime de Vladimir Tatline, lui-même spécialiste du collage.  Entre 1925 et 1928, Tatlin est professeur à l'Institut d'art de Kiev (maintenant NAOMA), à la tête de la faculté des disciplines formelles et techniques.
En 2012, le musée Tinguely à Bâle consacre à l'œuvre de Tatline une exposition intitulée Tatlin. Un nouvel art pour un monde nouveau.



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Helmut Kolle (1899-1931) - Soldat assis

 

Helmut Kolle (1899-1931) 

Soldat assis, 1926

Collection privée

Le peintre allemand Helmut Kolle, connu aussi sous le pseudonyme d'Helmut von Hügel, passa une grande partie de sa vie en France. À Paris, il visita le Louvre, étudia les grands maîtres, Géricault, Manet et on peut reconnaitre dans son travail les influences de Pablo Picasso, Georges Braque et même Henri Rousseau. Ses peintures figuratives sont la combinaison d'une tradition française classique, du cubisme et de l'expressionnisme allemand agrégé par son pinceau d'une façon très personnelle. Kolle a surtout peint des portraits de hommes jeunes forts et en bonne santé sans doute en réaction à son état maladif. Picasso ne tarissait pas d'éloges sur " la grande vitalité et la beauté de sa peinture. "
Kolle fut sans doute le peintre allemand le plus exposé dans les galeries parisiennes pendant l'entre-deux-guerres, et acheté régulièrement pour alimenter les collections des avant-gardes françaises et allemandes : Cocteau, Noailles, Rothschild, René Gaffé, Hessel, Roques, Uhde, Hürlimann, Waldemar George, H.P. Roché... furent ses collectionneurs.

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Pablo Picasso (1881-1973)

Pablo Picasso  (1881-1973) 

Deux baigneurs 1920

Helmut Kolle (1899-1931) - Self Portrait in Hunting Attire

Helmut Kolle (1899-1931)

Self Portrait in Hunting Attire, 1930

Private collection 

Le peintre allemand Helmut Kolle, connu aussi sous le pseudonyme d'Helmut von Hügel, passa une grande partie de sa vie en France. À Paris il visita le Louvre, étudia les grands maîtres, Géricault, Manet et on peut reconnaitre dans son travail les influences de Pablo Picasso, Georges Braque et même Henri Rousseau. Ses peintures figuratives sont la combinaison d'une tradition française classique, du cubisme et de l'expressionnisme allemand agrégé par son pinceau d'une façon très personnelle. Kolle a surtout peint des portraits de hommes jeunes forts et en bonne santé sans doute en reaction à son état maladif. Picasso ne tarissait pas d'éloges sur " la grande vitalité et la beauté de sa peinture. "
Kolle fut sans doute le peintre allemand le plus exposé dans les galeries parisiennes pendant l'entre-deux-guerres, et acheté régulièrement pour alimenter les collections des avant-gardes françaises et allemandes : Cocteau, Noailles, Rothschild, René Gaffé, Hessel, Roques, Uhde, Hürlimann, Waldemar George, H.P. Roché...  furent ses collectionneurs.
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William Bouguereau (1825-1905)

William Bouguereau (1825-1905)

Demi-figure

Ecole Nationale Supérieures des Beaux Arts, Paris

Considéré comme le peintre de la femme, les portraits masculins  (et encore plus les nus) de Bouguereau sont extrêmement rares.  Représentant de la peinture " académique", Bouguereau a été déconsidéré en Europe jusque vers la fin du xx^e siècle.  Pourtant de son vivant, les toiles de Bouguereau étaient très recherchées par de riches Américains qui les achètaient à des prix élevés, de sorte qu'une grande partie de ses œuvres  quitta la France.

Au xx^e siècle, l'influence du modernisme aidant, l'art académique se trouve discrédité, dévalué, sévèrement critiqué et raillé par une partie de la pensée moderniste favorable à l'art d'avant-garde. Bouguereau est a alors mis, purement et simplement, à l'index. Tout le courant académique du XIXe siècle dont il est le représentant connait  une dévaluation très significative et incomprehensible pour les collectionneurs américains du peintre. Entre 1920 et 1980, le nom de Bouguereau a même carrément disparu des encyclopédies généralistes. Pire : les enseignements artistiques le mentionnait comme l'exemple à ne pas suivre, objet de moqueries (souvent appuyées sur des citations de Zola ou de Huysmans) et entaché par des rumeurs diffamantes. 

On reprochait notamment au peintre sa participation aux jurys des Salons officiels de peinture du XIX^e siècle qui furent majoritairement opposés à l'admission des œuvres relevant des mouvements modernes de la peinture 

А partir des années cinquante, Salvador Dali manifeste son admiration pour l'art de Bouguereau, qu'il oppose à Picasso, et contribue à sa redécouverte. Dans Les cocus du vieil art moderne,  Dali écrit : « Picasso qui a peur de tout, fabriquait du laid par peur de Bouguereau. Mais, lui, à la diffйrence des autres, en fabriquait exprès, cocufiant ainsi ces critiques dithyrambiques qui prétendaient retrouver la beauté » 

Depuis l'exposition rétrospective de ses œuvres organisée au Petit Palais à Paris en 1984, la réputation de Bouguereau s'est rétablie sur fond de controverse entre partisans et opposants au retour en grâce de la peinture académique. Ainsi, à l'ouverture du musée d'Orsay, а Paris en 1986, l'exposition d'œuvres académiques est sévèrement critiquée par une majorité de critiques d'art.

 En 2001, Fred Ross, président du Art Renewal Center qui milite pour la réhabilitation de Bouguereau, fustige ce qu'il estime être une « propagande » du modernisme ayant conduit au « système de pensée le plus oppressif et restrictif de toute l'histoire de l'art ». Il édite un catalogue raisonné de l'œuvre peint de Bouguereau écrit par Damien Bartoli.

En 2006-2007 a lieu au Philbrook Museum of Art une exposition consacrée au peintre et а ses élèves américains. La cote élevée de ses peintures témoigne du regain d'intérêt des collectionneurs d'art pour son œuvre et du goыt du public pour ses peintures dans les musées.