Giambologna (1529-1608) - Il Ratto delle Sabine

Giambologna ou Jean de Bologne (1529-1603)

Il Ratto delle Sabine (marbre-détail)

Loggia dei Lanzi, Piazza della Signoria, Firenze

Giambologna est le nom contracté et italianisé de Jean Bologne né Jehan Boulongne, anciennement Jean de Bologne, Jean Boulogne, un sculpteur maniériste d'origine flamande né а Douai Flandre romane en 1529 et mort à Florence en1608. 

À Florence, il participe au concours pour la fontaine monumentale de la Piazza della Signoria, mais on lui préfère Bartolomeo Ammannati pour la fontaine de Neptune qui y est encore érigée. 

Il est cependant sur cette même place l'auteur célèbre de la statue équestre de Cosme Ier de Médicis, ainsi que des groupes de L'Enlèvement des Sabines et d’Hercule luttant avec le Centaure situées sous la Loggia dei Lanzi.

   

Cette oeuvre a été réalisée entre 1579 et 1583. 

Elle représente trois figures (un homme soulevant une femme au-dessus d’un deuxième homme accroupi) et fut sculptée à partir d'un unique bloc de marbre. e, exécutée en 1582, est présentée à la Galerie de l'Académie de Florence.

L'artiste  a réussi la prouesse technique  de faire tenir sur une seule base trois personnages dont les corps sont organisés sous une ligne serpentine. On y retrouve toute une série de spirales et de mouvements giratoires. Il n'y aucune tension même chez la sabine enlevée par les romains et aucun élément ne sort de l'espace de la base. Ce groupe est une œuvre du mouvement artistique maniériste.

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Sculpture antique - Le faune Barberini

Sculpture antique

Le faune Barberini (détail) 

Glyptothèque de Munich, Inv. 218

Giovanni-Battista Moroni (1520-1579) - Portrait of a Nobleman in Armour

Giovanni-Battista Moroni (1520-1579) 

Portrait of a Nobleman in Armour (1540 -1560)

Rijksmuseum, Amsterdam

Giovanni Battista Moroni ou Giambattista est un peintre italien.  Entre le années 1550 et 1562, Moroni est le portraitiste à la mode de la bonne société de Bergame. C'est l 'époque où il rencontra Titien, le plus grand portraitiste de son temps. Les portraits du Titien montrent des personnages qui appartiennent aux plus hautes sphères du pouvoir. Ceux de Moroni,  très précis dans l'aspect physique et l'attitude psychologique, invitent au dialogue avec des êtres davantage plongés dans leurs occupations quotidiennes. A partir des années 1560-1579, Moroni se retire dans son bourg natal d'Albino. Il adopte alors un style plus sévère, une palette plus austère aux « habits noirs, mines contrites, attitudes pieuses ». Il est le fondateur de ce que l'on nommait alors " la peinture de la réalité " qui a marqué les arts plastiques de Bergame et de Brescia jusqu'au XVIII^e siècle.

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Antonio Canova (1757-1822) - Hercules

Antonio Canova (1757-1822)

Hercule et Lycas (1815)  (Détail)

GNAM, Roma 

Ce marbre  a été réalisé entre 1795 et 1815 et se trouve dans  Salle de l'Hercule de  Galerie nationale d'art moderne (GNAM) de Rome. 

 Dans la mythologie grecque, Lichas est un compagnon d'Hercule. Envoyé par Hercule à Trachis, c'est Lycas qui apprend à Déjanire l'amour de son maitre pour Iole, fille du roi Eurytos. Déjanire le charge alors de remettre à Hercule la tunique  de Nessos, dont elle pense qu'elle contiennent un philtre puissant alors qu'elle contient en réalité un poison morte. Sitôt qu' Hercule la revêt, il sent son corps se consumer. Pensant à une perfidie de Lichas, il l'attrape par le pied, le fait tournoyer et le précipite dans la mer Eubée.

Selon Ovide, un rocher se forme à l'endroit de sa chute, auquel on donne son nom.

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Norman Rockwell (1894-1978) - Freedom of Speech

Norman Rockwell  (1894-1978) 

Freedom of Speech, 1942 

Norman Rockwell Museum Stockbridge (Massachusetts)

Freedom of Speech (La liberté de parole) est un tableau peint en 1942 par Norman Rockwell. 

Il fait partie d'une série de quatre célèbres tableaux, connus sous le titre collectif Les Quatre Libertés et publiés au début de 1943 dans le Saturday Evening Post.

Le tableau représente un homme (visiblement de condition très modeste) se levant lors d'une réunion pour prendre la parole, alors que ses proches voisins (tous en costumes cravates) lèvent la tête dans sa direction pour l'écouter.

L'objectif de Rockwell était  de faire mieux connaître au grand public le thème des quatre libertés détaillé par le président Roosevelt en 1941 :  Freedom of Worship (La liberté de culte); Freedom from Want (La liberté de posséder) ;  Freedom for fear (Libéré de toute peur)  et ce Freedom of Speech (La liberté de parole)

Ref biblio  : Ben Sonder (trad. M. Garène), Norman Rockwell, Éditions de l'Olympe, 1998

Otto Dix (1891-1969) - Self portrait 1912

Otto Dix (1891-1969)

 Self portrait 1912 

Le peintre et graveur allemand Otto Dix est issu d'un milieu ouvrier (son père, Franz Dix, travaillait dans une mine de fer), mais reçoit une éducation artistique grâce à sa mère, Pauline Louise Dix, qui s'intéressait à la musique et à la peinture. 

Après avoir suivi les cours du professeur de dessin Ernst Schunke pendant sa jeunesse, Otto Dix prend des cours à Gera de 1905 à 1909 auprès de Carl Senff, qui doute de l'avenir de son élève en tant que peintre. Une bourse d'étude fournie par le prince de Reuss lui permet d'entrer à l'École des arts appliqués de Dresde, où il étudie entre 1909 et 1914.  C'est de cette époque là que date cet autoportrait à l'oeillet alors que ses professeurs sont Johann Nikolaus Türk et Richard Guhr. 

Un peu plus tard Otto Dix s'essaya au cubisme, au futurisme et plus tard au dadaïsme.

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Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) - Il Salvador mundi

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) 

 * Il Salvador mundi 1679)

Basilica di San Sebastiano, Roma.

* Sa dernière  oeuvre 

Un des ses biographes écrit : « En 1679, Le Bernin, désormais très proche de la mort voulut illustrer sa vie en représentant un œuvre de sorte qu’il terminât avec elle ses jours. Cette œuvre fut l’Image de notre Sauveur, en buste, mais plus grande que nature, avec la main droite légèrement levée, comme dans l’acte de bénir. Il résuma et condensa en elle tout son Art ».
Le Bernin meurt à quatre-vingt-deux ans, le 28 novembre 1680. 

La sculpture est alors laissée en héritage à la reine Christine de Suède, sa grande amie. La reine qui mourut elle-même en 1689, la laissa en héritage au pape Innocent XI Odescalchi. 

Malgré ses successions trans frontalières, la statue ne quitta, en fait, jamais Rome.

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Sculpture antique- Menelas and Pratrocles

Sculpture antique
Ménélas portant Patrocle - IVe siècle
Loggia dei Lanzi, Firenze

La loggia dei Lanzi sur la piazza della signoria de Florence possède un célèbre groupe sculpté intitulé Ménélas soutenant le corps de Patrocle. Il s'agit d'une reconstitution artistique du XVIIe siècle menée par Pietro Tacca et Lodovico Salvetti à partir d'un buste antique du IIIe siècle av. J.-C., découvert à Rome au XVe siècle et appelé le Pasquino, visible sur la Piazza Pasquino à Rome.
Sans attendre les représentations scupturales, on peut, à travers les auteurs antiques comme Homère avoir une idée assez de l'apparence physique de Ménélas, aussi impressionnante que celle de la plupart des héros grecs. Anténor se souvient de lui quand il vint à Troie avec Ulysse : « Quand tous deux se mêlaient aux Troyens assemblés, Ménélas était d'une taille plus élevée ; mais, s'ils s'asseyaient, Ulysse semblait être le plus majestueux. »  Homère insiste sur la   blondeur de ses cheveux, à tel point que dans l'ensemble de l’Iliade et l'Odyssée, c'est l'épithète qui revient le plus couramment . Ils semble qu'il ait eu les cheveux longs comme les autres grecs, ce qui lui donnait l'aspect d'une crinière de lion. Homère évoque aussi « les fortes cuisses » et les « belles chevilles » de Ménélas qu'il compare à de l'ivoire.
Homère insiste aussi sur le caractère guerrier de Ménélas : « aimé d'Arès », « comme Arès », « bon à lancer le cri de guerre », « célèbre pour sa lance », « le vaillant ».
Sa voix possède une certaine force puisque son cri de guerre est dit « fameux ». Il s'exprime bien et clairement mais sans atteindre l'éloquence d'Ulysse qui captive son auditoire.

Patrocle  est un des guerriers grecs de la guerre de Troie,  décrit dans l’Iliade.
Dans le récit d'Homère Patrocle « Ménœtiade »  est l'ami intime d'Achille, et également son cousin qui l'accompagne à Troie. Quand les Troyens menacent d'envahir le camp grec, il parvient pendant un temps à mettre en déroute l'ennemi, escaladant  les murs et abattant courageusement plusieurs guerriers, dont Sarpédon, fils de Zeus, ... mais  par trois fois il rencontre Apollon qui le fait chuter de son char avant de rencontrer Euphorbe qui, a son tour,  le blesse mortellement,  le livrant ainsi affaibli à Hector qui l'achève d'un coup de lance dans le dos et le deéouille de  ses armes.
C'est alors que le roi Ménélas et Ajax le Grand protègent le corps de Patrocle (le sujet de la scuplture ci dessus) avant de le  rendre à Achille qui décide alors de reprendre les armes pour venger son ami Patrocle, sans se soucier du danger. À partir du Ve siècle av. J.-C., les deux jeunes gens deviennent également un symbole des relations homosexuelles, dont se réclament par exemple Alexandre le Grand et Héphæstion. Platon loue son courage.

Emile Friant (1863-1932)

Emile Friant (1863-1932)

La Lutte, 1889 

Musée Fabre, Montpellier. 

Emile Friant est un sportif accompli qui représente ici ses camarades au bord d’une rivière, s’entraînant à la lutte. Pour un jeune peintre, l’exercice est difficile : les lutteurs du premier plan doivent s’accorder au paysage. Les baigneurs constituent un élément narratif permettant de situer la scène du premier plan. L’essentiel réside dans le réalisme maîtrisé du mouvement des lutteurs. 

Friant connait son sujet.

Sculpture antique

Sculpture antique
Les deux coureurs (détail) 

Emile Friant (1863-1932),

Emile Friant (1863-1932)

Les buveurs
Musée des Beaux arts de Nancy

Notice du Musée des Beaux arts  Nancy concernant ce tableau : 

" Une coutume populaire, dite Saint Lundi, voulait que les ouvriers chôment volontairement le lundi. Ils pouvaient alors passer la journée en dehors de l’atelier. Friant représente ici deux ouvriers s’adonnant à la boisson. La Saint Lundi a mauvaise réputation et sera remplacée à la fin du 19e siècle par le dimanche chômé, normalement consacré à la religion et à la famille. La scène a donc une connotation morale : le désœuvrement conduit au vice." 

Antonio Canova (1757-1822) - Hercules 2

ANTONIO CANOVA (1757-1822)

Hercule et Lycas (1815) - Détail

Galleria d'Arte Modern - Roma 

Sebastiano del Piombo (1485-1547)- Portrait of a Man in Armor

Sebastiano del Piombo (1485-1547)

Portrait of a Man in Armor (1512-13)

Andrea del Brescianino (1487-1525) - Young Man

Andrea del Brescianino  (1487-1525)

Young Man, 1520

 oil on canvas 61,8 x 46,2 cm 

 Hermitage Museum

Andrea Piccinelli dit Andrea del Brescianino ou encore Il Brescianino  est un peintre italien du 16ie siècle qui a été actif surtout à Sienne.  Sa présence à Sienne est documentée de 1506 à 1524, et à Florence en 1525. Il a peint de nombreuses Madone et Sainte Famille et son style emprunte à ceux de Girolamo del Pacchia, de Le Sodoma, du Pérugin et de Pinturicchio.

Ses œuvres sont présentes dans de nombreux musées italiens et étrangers : Museo d’Arte Sacra della Valdarbia (Buonconvento), Collection Chigi Saracini (Sienne), Villa Borghese, Musées de Palazzo Farnese (Plaisance), Museo Diocesano de Plaisance et National Gallery (Londres).

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Matthias Grunewald (1475-1528) - Self Portrait as St John

Matthias Grunewald (1475-1528)

Self Portrait as St John  the  Evangelist,  1512-1514  

University Library of Erlangen-Nürnberg 

L'identité de  Matthias Grünewald  reste incertaine et ses autoportraits  sont aussi sujets à caution...

Ce nom lui fut donné, de manière assez arbitraire, par Joachim von Sandrart (1606–1688), « le Giorgio Vasari allemand », qui, après environ un siècle d'oubli quasi total du nom sinon de l'œuvre, le redécouvre et en parle dans sa volumineuse Teutsche Academie der Edlen Bau-, Bild- und Mahlerey-Künste (Encyclopédie des architectes, sculpteurs et peintres allemands) de 1675.

Pour ce que l'on peut en savoir à travers ses diverses signatures,  Matthias Grünewald correspondrait au personnage connu sous le vrai nom de Mathis Gothart Nithart, qui était peintre et ingénieur hydraulique allemand de la Renaissance, contemporain d'Albrecht Dürer.

Au 21e siècle, les experts attribuent avec certitude à Matthias Grünewald 10 œuvres dont plusieurs polyptyques et 35 dessins, répartis dans des collections européennes et américaines. 

Sa première toile incontestée est l'émouvant Christ outragé, datant de 1503, conservé à la Alte Pinakothek de Munich, qui est très proche de la peinture du gothique tardif dans la vallée du Rhin.

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Francesco Salviati (1510-1563) - Portrait d'un joueur de luth

Francesco Salviati (1510-1563)

Portrait d'un joueur de luth, 1529 

 Huile sur bois (96 x 77cm)

Musée Jacquemart-André - Institut de France, Paris  

Ce  Portrait d'un luthiste fut apprécié comme l'une des œuvres les plus séduisantes du XVIe siècle. 

Cette œuvre appartient au début du séjour romain de Francesco Salviati, époque à laquelle il entre au service du cardinal Giovanni Salviati. Ce mécène cultivait une  passion pour la musique et s'occupait de l'éducation d'un luthiste, Jacquet du Pont ; il est tout à fait probable que ce jeune homme soit celui que Salviati a représenté ici.

Le jeune homme, vu de face, regarde le spectateur.

Salviati a exécuté ce portrait après sa formation artistique dans l'atelier d'Andrea del Sarto à Florence. Il avait certainement vu les études de visages de son maître mais surtout le Portrait d'Andrea Quaratesi (Londres, British Museum) de Michel-Ange, qui fut connu très tôt à Florence et qui frappa immédiatement l'esprit des artistes. 

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Gottfried Lindauer (1839–1926) - Aenana, 1897 - From the Maori portraits series

Gottfried Lindauer (1839–1926)
Aneana  (detail and  full picture)

Oil on canvas, 1897 

From the Maori portraits series
Auckland Museum of Art 

Gottfried Lindauer (1839- 1926) d'origine tchèque commença par étudier dès 1855, la peinture à
l'Académie des beaux-arts de Vienne (Autriche). Après avoir commencé une honnête carrière de sujets religieux en Autriche, il quitte soudainement la Bohême où il résidait pour aller s'installer en Moravie pendant trois ans. De là, pour éviter d'être enrôlé dans les troupes de l'empire austro-hongrois, il part pour l'Allemagne et, en 1874, embarque sur un bateau en partance pour la Nouvelle-Zйlande, une terre lointaine et réputée sauvage dont l 'éloignement suffisant lui convient.
C'est sur cette terre de Nouvelle Zélande, que Lindauer va devenir célèbre en peignant les portraits de tous les grands chefs Maoris de son temps. Les chefs maoris appréciant hautement que Lindauer, peignent avec une précision jamais atteintes jusqu'alors leur tatouage rituels (les mokos) aussi bien que leur costumes, leurs ornements et leurs armes, défilèrent littéralement dans son atelier lui passant commande de ce qui allait devenir la plus grande collection de portraits maoris de tous les temps.
Cette série de spectaculaires portraits grandeur nature des chefs maoris et des guerriers fut exposée par Sir Walter Buller à l' Exposition coloniale et indienne de 1886, propulsant ainsi Lindauer sur la scène artistique coloniale comme le spécialiste incontesté des "Maoris at home", qui devint un sujet d'étude particulier.
L'un de ces portraits représentant un jeune danseur Poi (sans moko sur le visage), était tellement admiré par le prince de Galles que Sir Walter Buller le lui offrit.
Les portraits maoris de Lindauer, comme beaucoup de ceux que peignirent aussi Ellen von Meyern et Frances Hodgkins, ne représentaient pas seulement des hommes mais aussi des femmes symbolisant souvent une maternité primitive heureuse. Son portrait de femme maori le plus célèbre est celui de Heeni Hirini, aussi connue sous le nom d’Ana Rupene, portant un bébé sur le dos et que Lindauer a peint plus de 30 fois !
Après être revenu une seule fois dans son pays natal en 1886–1887, Lindauer choisit de retourner s'installer définitivement en Nouvelle Zélande et de s'établir à Woodville, près de Wellington, après qu'il eut épousé Rebecca, fille de Benjamin Prance Petty.
Lindauer est est enterré dans le cimetière Old Gorge de Woodville en Nouvelle Zélande.
Depuis son décès ses portraits maoris ont fait le tour du monde et l'ont établi comme un portraitiste sans équivalent des maori au tournant des 19 et 20e siècle.

George Richmond (1809-1896) - Self-portrait

George Richmond (1809-1896) 

Self-portrait, c. 1830, 

Graphite and white chalk on buff paper

The Fitzwilliam Museum, Cambridge

Daté par Lister autour de  1855, ce dessins montrerait Richmond à l'âge de 46 ans. 

Ce dessin montre un homme beaucoup plus jeune et une date de c. 1830 semble beaucoup plus probable.  En croisant d'autres sources, il semblerait selon le Fitzwilliam Museum que l'apparence de George Richmond sur ce dessin corresponde à sa description lorsqu'il fut invité à dîner par Sir Robert Inglis peu de temps après son mariage en 1831 le décrivant comme « d'apparence Byronesque » (Lister, 1981).

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2011 - Men Portraits 

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Reginald G. Eves (1876-1941) - Portait de Leslie Howard

Reginald G. Eves (1876-1941) 

Portait de Leslie Howard

Le peintre britannique Reginald Grenville Eves réalisa de nombreux  portraits de personnalités militaires, politiques et culturelles de l'entre-deux-guerres.  

En 1901, il montre son premier travail à la Royal Academy avant d' y être élu "associé"en 1933 et académicien royal en 1939. Au moment où la Seconde Guerre mondiale éclate, Eves est  l'un des premiers artistes auquel on propose un contrat  à temps plein au Comité consultatif des artistes de guerre ( WAAC); A ce titre Il fut envoyé en France en 1940. avec le corps expéditionnaire britannique  et peignit principalement peint des portraits de militaires alors qu’il était basé dans un hôtel à Arras.

En 1939  Leslie Howard devient célèbre avec son  rôle d'Ashley Wilkes dans Autant en emporte le vent,. Mal à l'aise à Hollywood au début de la Seconde Guerre mondiale, il retourne au Royaume-Uni et participe à l'effort de guerre au travers de films, d'articles et d'émissions radiophoniques.

Le 1er juin 1943, de retour de Lisbonne, l'avion dans lequel il se trouve (le vol BOAC 777) est abattu par la Luftwaffe au-dessus du Golfe de Gascogne1. Il fait partie des dix-sept victimes de l'attaque.

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Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564) - Ritratto d'Andrea Quaratesi

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simon dit Michel- Ange (1475-1564)

Portrait d'Andrea Quaratesi 

Craie noire sur papier 1530,  (41 x2 9 cm)  

The British Museum, London 

Ce dessin de Michel Ange représente Andrea Quaratesi (1512-1585), un jeune noble florentin dont l’amitié avec Michel-Ange, dont il a pris des cours de dessin, est documentée dans de nombreuses  échanges epsitolaires. 

On sait que Michel-Ange entreprenait toujours de faire des portraits à contrecoeur et probablement seulement sur l'insistance du sujet.  Ici Le regard de Quaratesi capte immédiatement l'attention du spectateur. Sa tunique est rendue avec une extrême attention dans les détails, comme en témoignent les boutons de la chemise portée sous la tunique. 

Il y a des pentimenti  ou repenti visibles dans le contour de la face, avec des lignes parallèles inhabituelles qui s'étendent d'une extrémité de la coiffe à l'encolure de la tunique et à l' épaule.  On ne sait toujours pas si ses repenti sont de la main de Michel Ange ou de celle de Bronzino comme l'ont dit quelques experts. 

Il existe trois copies documentées de ce portrait :  une  est au Louvre  (Paris),  la deuxième au  Boymans Museum  (Rotterdam) et  la troisième aux Offices (Florence). 

La copie d des Offices est réalisée à la craie rouge par  de Carlo Dolci (1616-1687), grand peintre et portraitiste du baroque florentin, avec une inscription autographe écrite par Giovanni Quaratesi :  "Questo disegno è copiato dall' originale de Michelangleo Buonarotti quale è in casa del sig. Gio:  Ritratto d´Andrea di Rinieri Quaratesi mio nonno ".

La copie conservée au Louvre  est également à la craie rouge, un support choisi sans doute pour se différencier clairement de l'original. 

La version du Boymans Museum est la seule - selon  l'expert Wilde - dans laquelle il existe « une harmonie complète entre la forme et le style graphique » et constitue donc sans doute l'original à partir duquel Dolci a fait sa copie à la craie. 

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2011 - Men Portraits 

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Titien (1490–1576) - Portrait du cardinal Filippo Archinto

Titien (1490–1576) 

Portrait du cardinale Filippo Archinto

oil on canvas, 1558  

(114.8 x 88.7 cm)  

 Philadelphia Museum of Art 

Ce portrait assez étrange puisque voilé sur plus de la moitié de sa surface  s'explique par  les circonstances de la vie du  personnage au moment où le portrait a été peint.  En effet Filippo Archinto a été nommé archevêque de Milan en 1556, mais des troubles politiques l' empêchèrent de prendre immédiatement possession de ce poste. Le voile qui le dissimule symbolise ces difficultés. La bague épiscopale, que l'artiste révèle soigneusement  à l'extérieur du voile, symbolise le droit légal à la fonction d'archevêque d'Archinto. Il s'agit donc à la fois du portrait d'un homme et de celui d'une circonstance historique précise  que ce voile symbolise.

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2010 - Men Portraits 
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Paolo Veronese (1528-1588) - Selfportrait

Paolo Veronese (1528-1588) 

Selfportrait, 1558-1563 

oil on canvas 63 x 51cm 

Hermitage Museum 

Paolo Caliari, dit  Il Veronese, en référence à sa ville de naissance, Vérone, est un peintre vénitien qui eut une réelle popularité de son vivant.  Connu comme un grand coloriste mais aussi comme un fresquiste hors pair surtout dans le domaine  du  trompe-l’œil, ses travaux les plus célèbres sont des cycles narratifs raffinés, d'inspiration religieuse, mythologique ou allégorique,  exécutés selon un style dramatique et coloré, avec des arrangements majestueux et scintillants.qu'amplifie encore plus la  dimension  monumentale des oeuvres.
Sa palette claire, ses ombres colorées, son univers poétique, la grâce sensuelle de ses personnages et son sens du décor en font un maître incontournable de la peinture du16e siècle.
Il est également célèbre pour sa série de portraits aux visages éblouissants de naturel.
À sa mort, en 1588, Véronèse ne laisse pas d’école, mais son œuvre va influencer toute la peinture postérieure et de nombreux artistes comme Vélasquez ou Rubens puis, au 19e siècle, Delacroix et Cézanne.

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2010 - Men Portraits 

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Sculpture antique - Galateo tombant

Galatée tombant. 

Copie romaine en marbre blanc d'un original grec en bronze.

Museo Archeologico Nazionale (Venezia).

Valentin Serov (1865-1911) - Self portrait 1880

Valentin Serov (1865-1911)
Self portrait 1880

Le peintre russe Valentin Aleksandrovitch Serov (Валентин Александрович Серов) fut un peintre de commande très apprécié de la bonne société russe de son temps. . Nombre de ses portraits sont ceux d'artistes alors en vogue (Ida Rubinstein, Isaac Levitan, Diaghilev), de personnalités de la cour impériale,  de grands bourgeois, de notables et de leurs épouses Serov fut un graphiste remarquable et, au cours de ses dernières années, il fit aussi des décors pour le théâtre.
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2010 - Men Portraits 
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Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) - Ugolin et ses fils

Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875),

Ugolin entouré de ses quatre enfants

marbre 1857- 1861

The MET 

Ugolin entouré de ses quatre enfants, appelée aussi "Ugolin et ses fils," ou simplement "Ugolin"  est une sculpture de Jean-Baptiste Carpeaux, imaginée entre 1857 et 1861, à la villa Médicis à Rome. 

La figure d'Ugolin constitue le dernier envoi de Jean-Baptiste Carpeaux en tant que pensionnaire à la villa Médicis, à Rome, après le Petit boudeur et le Pêcheur à la coquille. 

Il y représente le héros entouré de ses enfants mais ne correspond pas aux demandes de l'Académie, qui préfère une ou deux figures uniques plutôt qu'un groupe de personnages; d'autrespart  il prend comme sujet une figure médiévale plutôt qu'antique, ce que l'Académie n'apprécie pas non plus.. 

Un premier modèle voit le jour en 1860. Un plâtre est fait en 1862.
La meme année 1862, Carpeaux rentre à Paris, etest introduit à la cour impériale par son ami et mécène, Eugène d'Halwin de Piennes, bientôt chambellan de l'impératrice. Il sculpte la même année un buste de la princesse Mathilde qui lui permet d'obtenir plusieurs commandes de la part de Napoléon III.
L'année suivante , en 1863n Carpeaux tire un modèle en bronze  de son Ugolin. Ce dernier a été exposé un temps au jardin des Tuileries, en face d'une réplique en bronze de Laocoon, et il est aujourd'hui visible au Musée d'Orsay à Paris.
Une version en marbre est éditée en 1867 ; c'est celle qui est détaillée ci-dessus et qui est aujourd'hui  conservée au MET à New York.

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2009 - Men Portraits 
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James Pradier (1790-1852) - Prométhée

James Pradier ( 1790-1852) 

Prométhée, 1827, 

Marbre Blanc, 

 Musée du Louvre 

Προμηθεύς /(Promêtheús) « le Prévoyant » est un Titan, condamné par Zeus à être enchainé pour l 'éternité pour avoir dérobé le savoir divin (sous forme de feu) dans l'Olylmpe et l'avoir transmis aux humains auxquels Zeus l'avait retiré. Pour cette trahison Zeus condamne Prométhe à être enchainé à un rocher sur le mont Caucase (aujourd'hui Mont Elbrus) et à avoir le foie dévoré par l'Aigle du Caucase chaque jour, pour l'éternité, après chaque renaissance nocturne. 

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Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) - David

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

David

Galeria Borghese, Roma

Le Bernin sculpte le héros biblique David juste un instant avant qu'il ne lance la pierre qui frappera le géant Goliath, que les Philistins ont appelé pour combattre l'armée du roi Saul. 

Au pieds de David,  se trouvent l'armure que le roi lui a donnée ainsi qu' une harpe, attribut habituel du héros, qui se termine ici par une tête d'aigle, hommage de Bernini à son mécène la famille Borghèse.  L'arrière  de la sculpture n'est pas fini car il avait été initialement placé contre un mur de la salle Vase, qui est maintenant la chambre 1.  La statue était à l'origine supportée par un socle plus petit, une solution technique pour accroître la participation du spectateur dans l'espace de l'action dramatique.

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2009 - Men Portraits 

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The Meroe Head - The head of Augustus

A

The Meroe Head - The head of Augustus  bronze head 

from an over-life-sized statue,likely made in Egypt, C.27-25 BC. 

Height: 46.2 centimetres , Width: 26.5 centimetres Depth: 29.4 centimetres Weight: 17 kilograms 

© Trustees of the British Museum

Tête en bronze provenant d'une statue monumentale d'Auguste : la tête, brisée au niveau du cou  est, par ailleurs, dans un excellent état de conservation. 

Les yeux sont incrustés, avec des pupilles en verre fixées sur des anneaux en métal ;  les iris sont en calcite. Les sourcils sont rendus par saillie de la sculpture.

La tête de l'empereur est tournée vers la  droite, avec une torsion prononcée du cou typique du travail hellénistique. Les cheveux tombent sur le front dans une coupe divisée et incurvée qui est la  marque de la plupart des portraits d'Auguste dans sa période impériale.
La bouche est légèrement tournée vers le bas, caractéristique du portrait hellénistique tardif.
 Les oreilles font nettement saillie, les lobes supérieurs se penchant en avant.

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2009 - Men Portraits 
Un blog de Francis Rousseau