Charles-Joseph Flipart (1721-1797) - Le castrat Carlo degli Scalzi

Charles-Joseph Flipart (1721-1797)
Le castrat Carlo degli Scalzi, dans le rôle de Sirbace dans Rosbale de Porpora, c.173
Wadsworth Atheneum Museum of Art

Charles-Joseph Flipart  est issu d'une dynastie d'artistes parisiens . Son père le graveur français Jean-Charles Flipart lui apprend l'art de la gravure. Son frère aîné est Jean-Jacques Flipart également graveur. À dix-huit ans il se rend à Venise où il travaille dans l'atelier de Jacopo Amigoni. Il se forme ensuite dans l'atelier de Joseph Wagner où il reproduit plusieurs composition de Pietro Longhi. En 1748 il se rend en Espagne probablement avec Jacopo Amigoni. Il est nommé peintre-graveur de Ferdinand VI. Le musée du Prado conserve plusieurs de ses toiles.

Carlo degli Scalzi (vers 1700 - après 1738) est un castrat italien dont la carrière se déroula dans les grands opéras en Italie à partir de 1718 jusqu'en 1738. Il a également été entendu à Londres en 1733-1734 où il a notamment créé le rôle d'Alceste dans la première mondiale d'Arianna in Creta pour Haendel. Le librettiste Métastase a décrit Scalzi comme un « très unique chanteur » et a comparé sa voix à celle du célèbre castrat Farinelli.
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Médaille d'or olympique à l'effigie d'Alexandre Le Grand

 

Médaille d'or olympique à l'effigie d'Alexandre Le Grand
Recto-verso, entre 215-243, 5.34 x 0.75 cm
The Walters Art Museum 

 

Cette médaille a été découverte en Égypteà Aboukir. Elle fait partie d'un trésor qui comprenait une vingtaine de médailles similaires aujourd'hui dispersés dans divers musées) dix-huit lingots d'or et six cents pièces d'or émises par les empereurs romains de Severus Alexander à Constantin Ier. L'un des médaillons, maintenant au musée Calouste Gulbenkian à Lisbonne, porte une inscription qui  peut être traduite comme ;  "Jeux olympiques de l'année 274", une date correspondant à 242-243 de notre calendrier actuel. 

Il est possible que ces médailles aient été conçues exactement comme c'est le cas de nos jours omme des prix à remettre lors de cet événement. Alternativement, ils peuvent avoir été émis par l'empereur Caracalla  qui est représenté sur certains d'entre eux. Caracalla aimait être comparé au grand roi et conquérant Alexandre de Macédoine. Comme Alexandre, cet empereur romain fit la guerre en Orient et mourut au cours de sa campagne contre les Parthes. 

Ce médaillon particulier montre Alexandre le Grand regardant vers le ciel et portant un bouclier orné de signes du zodiaque. Ce portrait le montre les cheveux tirés en arrière. Il porte une armure décorée avec une figure d'Athéna sur la bandoulière et, sur la poitrine, une scène de la Gigantomachie (Guerre des Géants). Le verso représente Alexandre et Niké, déesse de la victoire, montés sur un char, flanqués des divinités Roma et Mars.

Alexandre le Grand ( Ἀλέξανδρος ὁ Μέγας) ou Alexandre III  (356 av. J.-C. -  323 av. J.-C.) fut un roi de Macédoine et l'un des personnages les plus célèbres de l'Antiquité. Fils de Philippe II, élève d'Aristote et roi de Macédoine à partir de 336, il devient l'un des plus grands conquérants de l'Histoire en prenant possession de l'immense empire perse et en s'avançant jusqu'aux rives de l'Indus.

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Art arabe Arabie du Sud - Visage masculin Stèle en albâtre

Art arabe
Visage Masculin
Stèle en albâtre, 20.3 cm
Arabie du Sud, 1e millénaire av. J.C.

Existe-t-il un art « arabe » ?  c'est la question que se pose l'Institut du monde Arabe de Paris ! Au tournant du XIXe et du XXe siècle, alors que l’histoire de l’art commence à s’intéresser au monde arabe, la question passionne les savants européens. Un art a-t-il pu naître « du sol stérile de l’Arabie » (Henry Wallis), où vivaient de frustes populations bédouines, de « race » sémite ? Si le sujet fait autant débat, c’est sans doute que le terme « arabe » lui-même est polysémique. Pour certains, il ne s’applique qu’aux habitants « originels » de la péninsule Arabique, c’est-à-dire essentiellement des Bédouins nomades, peuples du désert, dont la principale tradition artistique est poétique. Pour d’autres, il englobe, de manière plus vaste, toutes les populations, à l’origine de productions riches et diversifiées, qui ont adopté l’arabe comme langue vernaculaire.

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Henriette Wyeth (1907-1997) - Portrait de Peter Hurd, 1936

 

Henriette Wyeth (1907-1997)
Portrait de Peter Hurd, 1936
Hurd La Rinconada Gallery, San Patricio

 
Henriette Wyeth(1907-1997) était une artiste américaine connue pour ses portraits et ses natures mortes . Fille aînée de l'illustrateur NC Wyeth, elle a étudié la peinture avec son père et son frère Andrew Wyeth dans leur maison et leur studio à Chadds Ford, en Pennsylvanie .
Après son mariage avec l'artiste Peter Hurd  (ci-dessus), ils ont déménagé à San Patricio, au Nouveau-Mexique, au milieu des années 1930 et y ont élevé leurs trois enfants dans un ranch. Ils ont tous deux été inspirés par le paysage. L'une de ses citations bien connues est : " Comme je ne sais pas ce qui est important et ce qui ne l'est pas, alors j'econsidère que tout est immensément important."

Une grande partie de son travail est conservée au Roswell Museum and Art Center , à Roswell et à la Hurd La Rinconada Gallery à San Patricio, tous deux au Nouveau-Mexique. Ses peintures se trouvent également dans les collections permanentes du Brandywine River Museum en Pennsylvanie, du Los Angeles Athletic Club  de la National Portrait Gallery,  du New Mexico Museum of Art à Santa Fe et du Texas Tech University Fine Art Museum.  Le travail de Wyeth a également été exposé dans des institutions aussi remarquables que le Metropolitan Museum of Art de New York, le Carnegie Institute de Pittsburgh, Art Institute of Chicago et Roswell Museum of Art du Nouveau-Mexique. 

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Achille Zo (1826-1901) - Vendeur de fruits à Séville

Achille Zo (1826-1901)
Vendeur de fruits à Séville, 1864.
Huile sur toile 116.3 x 89.6 cm
Colección BBVA, Espagne

Achille Zo, est considéré comme l'un des peintres hispano-orientalistes les plus remarquables de la seconde moitié du XIXe siècle. Ses voyages dans le sud de l'Espagne ont contribué à consolider sa carrière car, en plus de lui fournir un important répertoire iconographique, ils lui ont permis de façonner son style personnel. Au cours de son voyage à travers l'Andalousie en 1860, l'artiste visita Séville, Cordoue et Grenade et dessina des croquis d'après nature qu'il utilisera plus tard pour ses peintures. Son œuvre était essentiellement composée de scènes de genre traditionnelles, ce qui lui a valu un succès et un prestige considérables tout au long de sa carrière.
C'est le cas de vendeur de fruits à Séville, un superbe exemple de sa période de mi-carrière, définie par l'équilibre compositionnel et les prouesses techniques. Tout dans ce travail a été minutieusement exécuté : de l'agencement de la scène à l'emplacement de la signature. Il révèle un intérêt pour l'étude de la figure et de ses éléments environnants, définis par une palette colorée et une grande luminosité, très en phase avec la gamme de couleurs locale. L'artiste tire le meilleur parti de la simplicité de la scène, créant un ensemble harmonieux avec une touche romantique qui s'intensifie encore à l'image du marchand de fruits andalou. On peut retrouver l'influence de Dominique Ingres (1780-1867) dans la maîtrise du dessin de la figure et dans sa qualité technique. Exécuté avec un coup de pinceau affirmé, c'est un exemple évident de portrait réaliste qui capture non seulement la physionomie du personnage, mais aussi son charisme et sa psychologie individuelle.
Exposé pour la première fois au 1864 Salon de Paris, ce tableau est devenu populaire après que Théophile Gautier en ait fait l'éloge dans sa critique de l'exposition. L'écrivain français, également épris d'Espagne, considérait Zo comme l'un des peintres qui traduisait le mieux l'essence de l'Espagne. Dans son rapport sur le salon, le critique d'art Edmond About a également salué la qualité de ce travail et mentionné le numéro d'inventaire (1992), dont l'étiquette est conservée sur le devant du cadre. Après sa présentation à Paris, l'œuvre fut exposée à l'Exposição Internacional do Porto en 1865, où elle fut achetée par le roi Ferdinand II du Portugal (1816-1885) pour sa collection privée et exposée dans la salle de musique de Palácio das Necessidades à Lisbonne. Le roi était fasciné par ce type de composition, très en phase avec le pittoresque Post- romantisme

Henri-Achille Zo est d'abord l'élève de son père Achille Zo, qui dirigeait l'Ecole des beaux-arts de Bordeaux, puis est admis en 1894 dans les ateliers des peintres Léon Bonnat et Albert Maignan à l'École des beaux-arts de Paris. Avec son père, qui fut le co-initiateur de l'Ecole de Bayonne, il partage une thématique commune : des scènes d'Espagne et de tauromachies. Il obtient une médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1900 et l’État lui octroie une bourse de voyage en 1901. Il expose au Salon des artistes français à partir de 1897 et remporte le prix national en 1905. Il expose régulièrement des oeuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1896 à 1934. Il travaille à Paris aux peintures du théâtre national de l'Opéra-Comique, à celles de la chapelle Notre-Dame-de-Consolation construite en hommage aux victimes de l'incendie du Bazar de la Charité, et devient professeur à l'Académie Julian à Paris. En 1903, il reçoit le prix Rosa Bonheur, puis le prix Trémont décerné par l'Institut. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1910, sous le parrainage de son maître Léon Bonnat. Il a illustré le Ramuntcho de Pierre Loti et les Nouvelles Impressions d'Afrique de Raymond Roussel (1932). 

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Jean Decourt ( 1530-1584) - Portrait de Charles IX

Jean Decourt (1530-1584)
Portrait de Charles IX, 1572
Bibliothèque nationale de France (BnF), Paris 

 

Charles IX (1550 -1574) fut roi de France pendant 14 ans, de 1560 à 1574, règne tragique encadré par la régence éclairée de sa mère, Catherine de Medicis.  Quatrième roi de la famille des Valois-Angoulême, fils d'Henri II, il succède à son frère François II à l'âge de 10 ans et meurt sans enfant mâle légitime à même pas 24 ans !
Sous son règne, le Royaume de France est déchiré par les guerres de religions, malgré un grand nombre d' efforts déployés par sa mère Catherine pour les empêcher. Après plusieurs tentatives de réconciliation, son règne déboucha sur le massacre de la Saint-Barthélemy, de sinistre mémoire.

 

 

La première mention dans les archives de Jean Decourt, appelé aussi Jehan De Court, remonte à 1553, dans un contrat d'apprentissage. Il est signalé comme « painctre de Monseigneur le prince de la Rochesurion suyvant la court »
 En 1562, il est mentionné comme peintre ordinaire de la reine Marie Stuart. Il est en effet probable qu'il ait effectué un voyage en Angleterre vers 1565 et se retrouve désigné comme valet de chambre de la reine, en 1566 et 1567. On conserve deux lettres de Jean Decourt adressées à William Cecil, grand trésorier d'Angleterre, datant de 1570 et 1571 dans lesquels il se présente comme peintre de Charles IX. Il a effectivement remplacé François Clouet à cette fonction quelque temps auparavant. En 1574, il prend officiellement la fonction de portraitiste officiel de la cour, toujours en remplacement de Clouet. Il apparaît ainsi dans les comptes royaux en 1578, 1580 et 1584 et disparaît probablement l'année suivante. Plusieurs œuvres de sa main sont mentionnées dans les textes : une miniature représentant Charles IX (1569), une effigie de Catherine de Médicis (1565), une image de Henri de France posée sur le lit de mort de Charles IX notamment, mais sans avoir été conservées. Aucune œuvre actuelle n'est attribuée avec certitude au peintre2. Il n'est sans doute pas apparenté à Jean Court dit Vigier, émailleur à Limoges.
Le fils de Jean Decourt, Charles (1555-1614), également peintre et portraitiste, l’a remplacé en tant que peintre ordinaire du roi en 1574 

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Ilya Repin (1844-1930) - Portrait de Korney Ivanovich Chukovsky

Ilya Repin (1844-1930)
Portrait de Korney Ivanovich Chukovsky, 1910.
Collection privée

Dès le début de son activité créatrice, dans les années 1870, Ilya Repin devient une des figures clés du réalisme russe. Il réussit à refléter dans sa production picturale la diversité de la vie qui l'entoure, à embrasser dans son œuvre toutes les dimensions de son époque, à aborder les thèmes qui traversent la société et à réagir vivement à l'actualité . Son langage pictural a une plasticité qui lui est personnelle, et il s'approprie différents styles, depuis celui des peintres espagnols et hollandais du 17e siècle jusqu'à ceux d'Alexandre Ivanov ainsi que des éléments des impressionnistes français qui lui sont contemporains, mais qu'il n'a jamais vénérés.
L'œuvre de Répine s'épanouit dans les années 1880. Il compose alors une galerie de portraits de ses contemporains, travaille comme peintre d'histoire et de scènes de genre.
Selon Vladimir Stassov, l'œuvre de Répine est ainsi une « encyclopédie de la Russie d'après l'abolition du servage ». Il passe les 30 dernières années de sa vie en Finlande, dans sa propriété des Pénates à Kuokkala. Il continue à y travailler, bien que moins intensément qu'avant. Il écrit des mémoires, dont une partie est publiée dans le livre de souvenir «Далёкое близкое» (Loin et proche). 

 

Korneï Ivanovitch Tchoukovski (Корне́й Ива́нович Чуко́вский),  (1882-1969) est un journaliste, poète, critique littéraire, traducteur et professeur de littérature russe, plutôt célèbre comme auteur de poèmes pour enfants, et père du fameux Docteur Aïbolit. Il a reçu le prix Lénine en 1962 pour ses études critiques sur Nikolaï Nekrassov.

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Candido Portinari (1902-1963) - Portrait de Celso Kelly à Rio de Janeiro

Candido Portinari (1902-1963),
Portrait de Celso Kelly à Rio de Janeiro,
Huile sur toile, 120 x 120cm
Collection privée 

Le peintre brésilien Candido Portinari,  qui a réalisé plus de 6000 œuvres, est surtout célèbre pour ses immenses fresques Guerre et paix (1952-1956), conservées au siège des Nations-Unies à New York, inaugurées en 1957 mais en l'absence de l'artiste en raison de ses sympathies pour le Parti communiste, à une époque où les Etats-Unis étaient  marqués par le maccarthysme.

Celso Otavio do Prado Kelly  quant a lui est né à Niterói, Rio de Janeiro, le 6 juin 1906. Avocat diplômé de l'Université Fédérale de Rio de Janeiro (UFRJ) il fut un brillant intellectuel de son temps. C'est à lui que l'on dit la premiere exposition des oeuvre de Portinari en 1929 de même que la  biographie de ce peintre qui fit son ami. Kelly été critique de théâtre pour le journal de Rio de Janeiro "A Noite" pendant plusieurs décennies. Éducateur et homme de grande culture, il fut président du Pen Clube do Brasil entre 1956 et 1961, apportant au pays le XXXIe Congrès mondial du Pen Clube en 1960, qui se tint à Rio de Janeiro. Il est décédé à Rio de Janeiro en 1979 et a été honoré du nom de la Bibliothèque publique d'État située près de la gare centrale du Brésil.

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Yiannis Moralis (1916 -2009) - Autoportrait avec Nikos Nikolaou

Yiannis Moralis (1916 -2009)
Autoportrait avec Nikos Nikolaou,1937
Collection privée

Yiannis Moralis est né à Arta en 1916, sa famille s'installe à Athènes en 1927. En 1931, il s'inscrit à l'École des beaux-arts d'Athènes, où il étudie la peinture sous Constantinos Parthenis et Umbertos Argyros. Après avoir obtenu son diplôme en 1936, il reçut une bourse pour étudier à Rome pendant un an. Il s'installe ensuite à Paris et suit des cours de peinture et de fresque à l'École des Beaux Arts ainsi que des cours de mosaïque à l'École des Arts et Métiers. En 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale, Moralis revient en Grèce et rejoint les forces armées.
Il participe pour la première fois à une exposition en 1940. De nombreuses autres expositions suivent tant au niveau national qu'international.
A partir de 1947, Yiannis Moralis enseigne à l'École des beaux-arts d'Athènes jusqu'à sa retraite en 1983. En 1949, il forme « Armos », un groupe avec d'autres artistes dont : Nikos Hadjikyriakos-Ghikas, Yannis Tsarouchis, Nikos Nikolaou, Nikos Engonopoulos et Panayiotis Tetsis. ‘Armos’ a tenu sa première exposition en 1950 à Zappeion, Athènes.
À partir des années 1950, il évolue vers un style géométrique incorporant des formes courbes, s'éloignant des représentations figuratives réalistes de ses premiers travaux.
Au cours de sa carrière, Moralis a également participé à des décors de théâtre et à la conception de costumes pour le Théâtre national grec et le Ballet national grec. Il a également décoré des architectures telles que la façade du Hilton d'Athènes, la station de métro "Panepistimiou" et la gare centrale d'Athènes.
Il avait été nommé Commandeur de l'Ordre royal du Phénix en 1965 et de l'Ordre d'honneur en 1999.
Son travail est conservé à la National Gallery, Grèce, à la Municipal Gallery, Athènes, à la Municipal Gallery, Rhodes, à la Leventis Gallery, à la Averoff Gallery, au Vorres Museum, au Benaki Museum et dans de nombreuses autres collections publiques et privées.

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Anton Romako (1832-89) - Autoportrait

Anton Romako (1832-89)
Autoportrait, 1860
Musée du Belvédère, Vienne

Anton Romako est un peintre autrichien. Bien qu'il ait peint un grand nombre de paysages, il est principalement connu pour ses portraits et ses scènes historiques, peintes dans un style académique qui peut confinier à la mièvrerie ...par instant !  Ce merveilleux autoportrait au regard perdu dans le vague, fait exception à ses productions habituelles. Plusieurs de ses peintures sont aujourd'hui exposées au musée du Belvédère, à Vienne.
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Edmund Archer (1904-1986) - Howard Patterson of the Harlem Yankees

Edmund Archer (1904-1986)
Howard Patterson of the Harlem Yankees. 1940
Huile sur toile, 86, 7 x 74,1 cm
Whitney Museum of American Art

Edmund Archer fut un artiste américain surtout connu pour ses portraits d'Afro-Américains.Née dans uen famille de notables de Virginie, il suivra  continuellement des cours d'ar, t de l'enfance à l'âge adulte. Sa longue carrière comprenait des périodes passées à Richmond, Paris, New York et Washington, DC En plus de la peinture, il a été conservateur adjoint au Whitney Museum of American Art et instructeur à la Corcoran School of Art . Son style de portrait tendait vers une planéité semblable à celle des affiches qu'il fit  au début de sa carrière et plus tard vers un style modélisé plus traditionnel. Il a peint avec un haut degré de réalisme et a rarement expérimenté un quelconque degré d'abstraction. Les galeries et les musées lui offrirent de fréquentes expositions et les collectionneurs individuels et institutionnels lui procurèrent de confortables  revenus. En 1938, un critique a dit  de lui qu'il était considéré comme « l'un des meilleurs des jeunes artistes aux États-Unis ». Quelques mois plus tard, un autre critique a attribué son succès à un travail acharné : "Edmund Minor Archer a su  porfiter de quelques avantages, mais son succès est l'histoire d'un artiste sérieux et profondément talentueux qui a travaillé et étudié dans l'humilité et la dévotion, et a atteint tôt le sommet'.
En 1941, Archer fut photographié en train d'utiliser une technique inhabituelle dans laquelle il plaçait son chevalet à côté de son modèle et peignait à l'aide d'un pinceau attaché à une longue perche.
Certains de ses derniers portraits étaient exceptionnellement grands tout en affichant le style sculptural pour lequel il était devenu connu, approximativement grandeur nature, avec une individualité convaincante et une solide connaissance de l'anatomie dans ses peintures de personnages. 

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Jacob-Ferdinand Voët (1639-1700) - Autoportrait en buste

Jacob Ferdinand Voet (1639-1700)
Autoportrait en buste
Huile sur toile,73x58cm \ avec cadre 91x77cm
Collection,privée, courtesy Sotheby's New York 01.2022

Jacob Ferdinand Voet a peint cet autoportrait presque monochrome en juillet 1681 à Milan. Il est très étroitement lié à deux autres autoportraits, dont l'un date d'environ 1673 et se trouve aujourd'hui à la Galleria degli Uffizi, Florence, et l'autre, qui est également inscrit et datable de 1682/6, se trouve à la Pinacothèque Brera, Milan. Celui-ci se situe entre les deux et présente Voet comme un artiste magistral ainsi qu'un homme de statut et de richesse. Voet fut célébré à Rome dans les années 1670 comme portraitiste de la noblesse, bien qu'il ait été contraint de partir lorsque le pape Innocent XI eût désapprouvé ses portraits de femmes un peut trop suggestifs. Il arrive à Milan en 1680 et en 1681, année de cet autoportrait, il est également enregistré au service des Médicis à Florence. L'accent mis sur le modèle sur un fond uni et l'accent mis sur les yeux sont les caractéristiques de ses portraits de modèles de l'élite, et ici il se présente comme tout aussi important. 

 

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Portrait d'un Jeune Homme

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Portrait d'un Jeune Homme, 1966
Collection privée

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une vertiable icône de "l'art gay"

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Pieter Christoffel Wonder (1780-1852) - Portrait de Laurens van Schaik

Pieter Christoffel Wonder (1780-1852)
Portrait de Laurens van Schaik
Kroller-Muller Museum, Otterlo

Wonder fut en grande partie autodidacte. Il apprit son art principalement grâce à la copie des Maîtres anciens  bien qu'entre 1802 et 1804, il ait suivi quelques cours à la Kunstakademie Düsseldorf.  En 1807, il fonde la " Genootschap Kunstliefde " (Société de l'Amour de l 'Art) à Utrecht avec d'autres artistes. Jan Kobell en est le directeur. De 1823 à 1831, il travailla en Angleterre, où il se fit connaître comme portraitiste. Il  peignit aussi quelques scènes d'intérieur et des copies d'œuvres de Raphaël.

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Andrew Wyeth (1917-2009) - Nogeeshik

Andrew Wyeth (1917-2009)
Nogeeshik, 1972
Tempera, 62.5 × 54.3 cm
Seatle Art museum 

 

 

On  sait  très peu de choses sur Nogeeshik né en 1941, si ce n'est qu'il était Alconquin, membre de la tribu Ojibwa. Dans les années 60-70, il  fit profession d'être un artiste Ojibwe à Walpole Island, au Canada, tout en clamant haut et fort avait son désir d'un meilleur sort pour les peuples autochtones. Désir qui le mena à Boston où ils devient une figure politique des communautés autochtones et rencontra Andrew Wyeth. qui peignit de lui ce magnifique portrait.  De nombreux portraits de lui ont été réalisés à cette époque là.  Beaucoup voyait en lui une sorte de Martin Luther King de la cause des peuples autochtones. La fin de sa vie fut tragique, pris dans un incendie (probablement d'origine criminelle, comme il y en avait beaucoup à cette époque) dont il ne put s'extirper.

Le peintre aquarelliste américain Andrew Newell Wyeth, classé parmi les peintres « régionalistes » et réalistes américains est issu d'une dynastie d'artistes dont son propre père Newell Convers Wyeth (1882-1945), illustrateur connu qui fréquenta des célébrités de son temps comme Francis Scott Fitzgerald et Mary Pickford. Décidant de ne pas confronter son fils aux systèmes de l'éducation nationale ou privée, c'est lui même qui se charge de son éducation à la maison, l’initie à l’art, et tout particulièrement à l'art du paysage rural américain. À cette époque, il admire et est sensible à l'œuvre du peintre Winslow Homer. Plus tard, il apprend à maîtriser les techniques associées à l’aquarelle à base d'œuf, la tempera. Andrew Wyeth commence à peindre dans des nuances de bruns et de gris seulement. Il s’inspire de son entourage pour réaliser ses tableaux. Ses sujets préférés sont la terre et les habitants de sa ville natale, ainsi que ses proches. Sa grande maîtrise picturale lui permet de montrer sa réflexion mélancolique sur le temps qui passe et la faillibilité humaine.
Son fils Jamie, né en1946, est également un peintre et portraitiste reconnu. ____________________________________________
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