LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 166 - Jean-Dominique Ingres et l'art de la pose

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 143 - Degas et son homme nu allongé

 

 

Edgar Degas (1834-1917)
Homme nu allongé, 1856
 The MET, New York

Cette peinture  inachevée fait partie des toutes  premières oeuvres  d’Edgar Degas, qui n’a pas peint que des danseuses et des jockeys…
  Ce tableau a été peint  en manière d’esquisse  d’on ne sait pas trop quelle œuvre d’ailleurs, à l’époque où il était qu'étudiant en art à Paris sous Louis Lamothe, (et oui c’est l’expression consacrée) Lamothe  presque totalement inconnu aujourd’hui mais qui avait été lui même élève sous Ingres et sous les  frères Flandrin. 

Ecoutez le podcast pour savoir la suite  

LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 140 - Œdipe, son complexe, son sphinx et son petit doigt

 

 

Jean Auguste Dominique Ingres .(1780-1867)
Oedipe explique l’énigme  the Sphinx (version de 1827).
Musée du  Louvre.

Mais ? Mais  que vois je ? Qu’est-ce que c’est que ce doigt ? Ben oui !
Ce doigt tendu vers le Sphinx genre doigt d’honneur. Non mais je rêve ou quoi?  Oedipe lui fait un doigt d’honneur ?  Au Sphinx.
Il est gonflé cet Oedipe. Cela serait il possible ?

 Eh bien oui,  on ne rêve pas, on pourrait le croire en tout cas. Même si il y  a peu de chances que Jean Auguste Dominique Ingres ai t voulu donné cette signification à ce geste, les codes gestuelles - qui évoluent sans cesse  - n’étant plus tout a fait les mêmes depuis le début du 19e. Ne pratiquons pas l’anachronisme gestuelles…. ouh non surtout pas  !
Même si en donnant au Sphinx la  bonne réponse à la fameuse énigme qui ouvre le passage vers la ville de Thèbes, et que je ne vous ferai pas l’injure de vous la rappeler… c’est sans conteste une sorte de doigt d’honneur intellectuel qu’Oedipe fait au Sphinx.
Contentons nous de constater ce doigt d’honneur au Sphinx que nous interprèterons, en se rapportant à sa signification à l’époque ou il fut peint,  c’est  un doigt tendu entre autorité et manque d’assurance au moment de la réponse…du style  « mais est ce que ce ne serait pas… par hasard » .    A défaut o n peut aussi le ranger dans la catégorie chaffouine des chatouilles sous le menton pour ne pas dire entre les deux tétons, une signification intemporelle ! .  

En réalité bien entendu, c’est une posture  qui  cherche l’approbation de son interlocuteur.
Sauf que là, si Oedipe ne répond pas, ben il n’aura pas de seconde chance et la créature à la poitrine en obus de grossen  Bertha, aux  ailes d’aigle et aux griffes de lions le déchiquètera comme un vulgaire…. machin à trois balles.
En témoigne le pied coupé du pauvre bougre qui git dans le charnier au  bas de la toile à gauche et l’air effrayé du compagnon d’Oedipe qui n’ose même pas s’approcher et file doux dans le lointain
(ah bon alors il avait un compagnon oedipe?…)   
Ce geste du doigt reproduit sur plusieurs représentations mme anciennes d’œdipe et du Sphinx peut aussi signifier « J’ai trouvé » montrant ainsi son cheminement  laborieux vers la connaissance.  
Qu ‘elle que soit sa signification exacte en réalité, le geste est indissociable de la posture antique un rien précieuse issu de la tragédie grecque et de Sophocle qui le premier mis en en scène la tragédie dOedipe et des Atrides…
 Pasolini dans son Oedipe ne prendra pas tant de gants, si je peux dire, et même déjà Cocteau avant lui d’ailleurs.
Pour écouter la suite cliquer sur l'image....

 

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Alexandre Lafond (1815-1901) - Pêcheur Endormi

Alexandre Lafond (1815-1901)
Pêcheur Endormi
Collection privée 

François Henri Alexandre Lafond, est un peintre et chef d'établissement scolaire français. Fils de Marie Rose Lafond (1786-1874), François Henri Alexandre Lafond  est reçu le 27 septembre 1830 à l'École des beaux-arts de Paris dans l'atelier de Jean-Auguste Dominique Ingres et échoue au prix de Rome de 1838 lors de la dernière épreuve, le sujet étant Saint Pierre guérissant un boiteux aux portes du temple. Il se lie d'amitié avec son condisciple Paul Flandrin et ses deux frères Auguste et Hippolyte.
Il participe au Salon dès 1836 et obtient une médaille de 2e classe en 1857.
En 1867, il est nommé professeur à l'école des beaux-arts de Limoges dont il prendra la direction un an plus tard, poste qu'il quitte en 1873.

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Henry Moore (1898–1986) - Pink and Green Sleepers

Henry Moore (1898–1986)
Pink and Green Sleepers (1941)
Graphite, ink, gouache & wax on paper, 38.1 x 55.9 cm.
The Tate Gallery, London.

Henry Spencer Moore est un sculpteur britannique. Il devient célèbre grâce à ses grandes sculptures abstraites en bronze et en marbre taillé. Solidement soutenu par la communauté artistique britannique, Moore contribue à introduire une forme particulière de modernisme au Royaume-Uni, en s'inspirant des styles dits primitifs de civilisations anciennes tels que le style minoen, assyrien, babylonien, romano-gothique, observés au British Museum, et plus tard, de l'art maya.

Moore a apporté un soin tout particulier à la conservation des dessins qu'il a réalisés au Royal College of Art de Londres. Mais on connaît très peu ceux qu'il a fait à l'école de Leeds. C'est principalement Alice Goldsticks qui a conservé ceux qu'il lui envoyait du camp militaire proche de Winchester.
Moore a reconnu sa dette envers un camarade de cours nommé Albert Wainwright, qui lui avait fait connaître l'œuvre d'Aubrey Beardsley dont Moore s'est inspiré. Mais aussi l'importance de l'enseignement de Monsieur Pearson qui aimait à citer un mot d'Ingres : « le dessin est la probité dans l'art ». Mais c'est au Royal College de Londres que Moore a été le plus influencé par les dessins de Michel Ange qu'il a pu observer au British Museum. Quatre siècles séparent les deux artistes et pourtant, selon Ann Garrould, leurs points de vue sont très proches. De 1921 à 1926, Moore a rempli six carnets de croquis d'après des sculptures primitives, choisissant pour thème le corps humain. Toutefois les premiers dessins de l'artiste relèvent de deux catégories : ceux dont le propos est d'étudier un objet en trois dimensions, et ceux qui, de 1921 à 1925 ne représentent ni des croquis de sculpture, ni des figures humaines, mais des thèmes qu'il traitera à nouveau dans les années 1970-1980 : chèvres, paysages, arbres, principalement exécutés lors de son séjour en Italie en 1925.

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N° 72 - Alexander Deïneka : le héros a bon dos !

 

 

C'est le portrait d'un dos. En voyant le dos du héros soviétique qui est assis au premier plan et qui semble avoir plus de vertèbres à son actif qu'il ne devrait (un peu comme les médailles sur le torse des apparatchiks), on ne peut s'empêcher de penser à Ingres. et à son odalisque nue avec son surplus déraisonnable de vertèbres, dont près de la moitié sont inutiles. Ici, ces 7 vertèbres saillants entre les muscles de façon presque menaçante comme la queue d'un chien ou celle d'une raie manta, ou celle du bébé créature d'Alien de Ridley Scott, ce lot de vertèbres donc apparaissent juste au dessus d'une autre raie, celles des fesses du colosse écrasées sur le cube de bois qui sert de siège, Pour savoir la suite, écouter ce podcast....

Liens complémentaires à consulter pendant la lecture du podcast - 

Alexander Deïneka, 

Autoportrait, 1948 https://menportraits.blogspot.com/202...

- Les soldats nus https://menportraits.blogspot.com/201... https://menportraits.blogspot.com/201... 

 - Les conquérants de l'espace https://menportraits.blogspot.com/202... 

 - Le gardien de but https://menportraits.blogspot.com/201... 

- Les joueurs de Football https://menportraits.blogspot.com/202...

  - Travailleurs italiens de déplaçant en vélo https://menportraits.blogspot.com/202...

Jean-Théodore Géricault (1791-1824) - Etude de dos pour " Le Radeau de La Méduse" (d'après le modèle Joseph)

Jean-Théodore Géricault (1791-1824)
Etude de dos pour " Le Radeau de La Méduse" (d'après le modèle Joseph)
Huile sur toile, 56 x 46 cm
Musée Ingres-Bourdelle, Montauban 

 

Pour plus  de détails sur cette œuvre, consulter le podcast 

LES  TABLEAUX QUI PARLENT 

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Achille Zo (1826-1901) - Vendeur de fruits à Séville

Achille Zo (1826-1901)
Vendeur de fruits à Séville, 1864.
Huile sur toile 116.3 x 89.6 cm
Colección BBVA, Espagne

Achille Zo, est considéré comme l'un des peintres hispano-orientalistes les plus remarquables de la seconde moitié du XIXe siècle. Ses voyages dans le sud de l'Espagne ont contribué à consolider sa carrière car, en plus de lui fournir un important répertoire iconographique, ils lui ont permis de façonner son style personnel. Au cours de son voyage à travers l'Andalousie en 1860, l'artiste visita Séville, Cordoue et Grenade et dessina des croquis d'après nature qu'il utilisera plus tard pour ses peintures. Son œuvre était essentiellement composée de scènes de genre traditionnelles, ce qui lui a valu un succès et un prestige considérables tout au long de sa carrière.
C'est le cas de vendeur de fruits à Séville, un superbe exemple de sa période de mi-carrière, définie par l'équilibre compositionnel et les prouesses techniques. Tout dans ce travail a été minutieusement exécuté : de l'agencement de la scène à l'emplacement de la signature. Il révèle un intérêt pour l'étude de la figure et de ses éléments environnants, définis par une palette colorée et une grande luminosité, très en phase avec la gamme de couleurs locale. L'artiste tire le meilleur parti de la simplicité de la scène, créant un ensemble harmonieux avec une touche romantique qui s'intensifie encore à l'image du marchand de fruits andalou. On peut retrouver l'influence de Dominique Ingres (1780-1867) dans la maîtrise du dessin de la figure et dans sa qualité technique. Exécuté avec un coup de pinceau affirmé, c'est un exemple évident de portrait réaliste qui capture non seulement la physionomie du personnage, mais aussi son charisme et sa psychologie individuelle.
Exposé pour la première fois au 1864 Salon de Paris, ce tableau est devenu populaire après que Théophile Gautier en ait fait l'éloge dans sa critique de l'exposition. L'écrivain français, également épris d'Espagne, considérait Zo comme l'un des peintres qui traduisait le mieux l'essence de l'Espagne. Dans son rapport sur le salon, le critique d'art Edmond About a également salué la qualité de ce travail et mentionné le numéro d'inventaire (1992), dont l'étiquette est conservée sur le devant du cadre. Après sa présentation à Paris, l'œuvre fut exposée à l'Exposição Internacional do Porto en 1865, où elle fut achetée par le roi Ferdinand II du Portugal (1816-1885) pour sa collection privée et exposée dans la salle de musique de Palácio das Necessidades à Lisbonne. Le roi était fasciné par ce type de composition, très en phase avec le pittoresque Post- romantisme

Henri-Achille Zo est d'abord l'élève de son père Achille Zo, qui dirigeait l'Ecole des beaux-arts de Bordeaux, puis est admis en 1894 dans les ateliers des peintres Léon Bonnat et Albert Maignan à l'École des beaux-arts de Paris. Avec son père, qui fut le co-initiateur de l'Ecole de Bayonne, il partage une thématique commune : des scènes d'Espagne et de tauromachies. Il obtient une médaille d'argent à l'Exposition universelle de 1900 et l’État lui octroie une bourse de voyage en 1901. Il expose au Salon des artistes français à partir de 1897 et remporte le prix national en 1905. Il expose régulièrement des oeuvres à la Société des amis des arts de Bordeaux de 1896 à 1934. Il travaille à Paris aux peintures du théâtre national de l'Opéra-Comique, à celles de la chapelle Notre-Dame-de-Consolation construite en hommage aux victimes de l'incendie du Bazar de la Charité, et devient professeur à l'Académie Julian à Paris. En 1903, il reçoit le prix Rosa Bonheur, puis le prix Trémont décerné par l'Institut. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1910, sous le parrainage de son maître Léon Bonnat. Il a illustré le Ramuntcho de Pierre Loti et les Nouvelles Impressions d'Afrique de Raymond Roussel (1932). 

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Théodore Chassériau (1819-1856) - Etude d'un homme noir, titré "Etude de Nègre"

 

 

Théodore Chassériau (1819-1856)
Etude d'un homme noir, titré "Etude de Nègre", 1838
Musée de Montauban, France

 
Cette œuvre fut commandée à Chassériau, jeune homme, par Ingres par l'intermédiaire de Gatteaux à qui il adressa ces mots : " Il me faut mon cher, que vous me fassiez le plaisir de me seconder dans une chose qui me fait le plus grand besoin. Le calque ci-joint vous indiquera ce que je veux. Il faut donc trouver parmi mes élèves celui qui sait le mieux faire le portrait d'un modèle, et, si ne me trouvez mieux, je crois pouvoir désigner le jeune Chassériau. Je vous prie donc de me l'envoyer et de lui faire-part de votre proposition. Surtout qu'il copie le type de l'individu le plus possible. Je vous pris de lui recommander le plus grand secret. Qu'il ferme son atelier aux désoeuvrés pendant ce temps. Comme je ne dois rien vous cacher, le sujet est le seigneur chassant le démon du haut de la montagne. Quant à l'élève, il n'a pas besoin de le savoir : je lui demande une simple figure de nègre dans cette attitude."
Le modèle fut un modèle connu dans le monde artistique parisien comme  " le nègre Joseph " qui avait déjà posé pour Le Radeau de la Méduse de Géricault.
Le jeune élève mis du temps à réaliser la commande car la pose étant très fatigante, les séances durent être écourtées. Il respecta en tous points la commande changeant cependant la couleur du fond, utilisant le bleu plutôt que le blanc.
Le projet d'Ingres auquel se rattache cette étude ne vit jamais le jour.

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Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) - Etude (2) pour Le Martyre de Saint Symphorien

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867)
Le Martyre de Saint Symphorien
Huile et graphite sur toile, 49.5 x 60.3 cm
Harvard Art Museums

Tableau  religieux, peint par Jean-Auguste-Dominique Ingres en 1834, Le Martyre de saint Symphorien fut commandé dix ans plus tôt,  par Roch-Étienne de Vichy, évêque d'AutunL L'évêque répondait  ainsi à une supplique des habitants d'Autun exigeant la réalisation, aux frais de l'État, d'une œuvre de grande ampleur en dédommagement du départ, en 1800, de deux tableaux de grande valeur qui se trouvaient dans la ville et dont le Directoire décida le transfert à Paris : La Vierge du chancelier Rolin de Jan van Eyck et le Mariage mystique de sainte Catherine de Sienne de Fra Bartolomeo. Fruit d'un travail laborieux qui commença l'année même de sa commande et préparé par un nombre important d'études (près de 200 dessins dont celle-dessus fait partie de même que celle déjà postée dans ce blog), l'œuvre représente Symphorien d'Autun premier martyr chrétien gaulois. Présentée comme l'œuvre maîtresse du peintre, et l'aboutissement de ses recherches formelles, la peinture qui devait être le clou du Salon de 1834, fut un échec critique retentissant, soulevant des réactions hostiles. Ingres à la suite de cet échec décida de ne plus participer au Salon de peinture, et de refuser les commandes publiques. Il s'expatria à Rome en acceptant le poste de directeur de l'Académie de France.  Le tableau, remis à la ville d'Autun le 30 juin 1834, est accroché dans l'une des chapelles latérales de la cathédrale Saint-Lazare d'Autun, après avoir été longtemps exposé dans une salle de l'évêché. Une trentaine d'années plus tard, Ingres a peint une réplique à petite échelle conservée au Philadelphia Museum of Art.

Jean-Auguste-Dominique Ingres commence ses études de peinture à Montauban, sa ville natale. Une fois à Paris, il devient élève de Jacques-Louis David. Prix de Rome en 1801, il ne se rend en Italie, faute d’argent, qu'en 1806, et y reste jusqu'en 1824. De retour à Paris, il connaît la reconnaissance officielle, apparaissant comme le champion de la doctrine du beau et de la primauté du dessin sur la couleur, en opposition successive aux courants romantiques et réalistes. Nommé directeur de l'Académie de France à Rome, il y retourne de 1835 à 1842.
Ingres a d'abord et à plusieurs étapes de sa carrière vécu de ses portraits, peints ou dessinés. Réputé peu sociable, il fut souvent mal traité par la critique. Les tenants d'un style plus libre et d'une exécution plus rapide condamnaient sa manière tout comme les académiques, qui lui reprochaient notamment les déformations expressives qu'il faisait subir aux corps dans ses nus.Les déformations n'étaient pas uniquement expressives d'ailleurs puisqu'il lui arrivait fréquemment de rajouter une ou deux vertèbres à ses personnages pour les grandir ou d'allonger leur visage.  _________________________________________
 

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Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) - Etude (1) pour le martyre de Saint-Symphorien

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867)
Etude pour le martyre de Saint-Symphorien, 1833
Huile et graphite sur toile,49.5 x 60.3 cm
Harvard Art Museums

Tableau  religieux, peint par Jean-Auguste-Dominique Ingres en 1834, Le Martyre de saint Symphorien fut commandé dix ans plus tôt,  par Roch-Étienne de Vichy, évêque d'AutunL L'évêque répondait  ainsi à une supplique des habitants d'Autun exigeant la réalisation, aux frais de l'État, d'une œuvre de grande ampleur en dédommagement du départ, en 1800, de deux tableaux de grande valeur qui se trouvaient dans la ville et dont le Directoire décida le transfert à Paris : La Vierge du chancelier Rolin de Jan van Eyck et le Mariage mystique de sainte Catherine de Sienne de Fra Bartolomeo. Fruit d'un travail laborieux qui commença l'année même de sa commande et préparé par un nombre important d'études (près de 200 dessins dont celle-dessus fait partie), l'œuvre représente Symphorien d'Autun premier martyr chrétien gaulois. Présentée comme l'œuvre maîtresse du peintre, et l'aboutissement de ses recherches formelles, la peinture qui devait être le clou du Salon de 1834, fut un échec critique retentissant, soulevant des réactions hostiles. Ingres à la suite de cet échec décida de ne plus participer au Salon de peinture, et de refuser les commandes publiques. Il s'expatria à Rome en acceptant le poste de directeur de l'Académie de France.  Le tableau, remis à la ville d'Autun le 30 juin 1834, est accroché dans l'une des chapelles latérales de la cathédrale Saint-Lazare d'Autun, après avoir été longtemps exposé dans une salle de l'évêché. Une trentaine d'années plus tard, Ingres a peint une réplique à petite échelle conservée au Philadelphia Museum of Art.

Jean-Auguste-Dominique Ingres commence ses études de peinture à Montauban, sa ville natale. Une fois à Paris, il devient  élève de Jacques-Louis David. Prix de Rome en 1801, il ne se rend  en Italie, faute d’argent, qu'en 1806, et y reste jusqu'en 1824. De retour à Paris, il connaît la reconnaissance officielle, apparaissant comme le champion de la doctrine du beau et de la primauté du dessin sur la couleur, en opposition successive aux courants romantiques et réalistes. Nommé directeur de l'Académie de France à Rome, il y retourne de 1835 à 1842.
Ingres a d'abord et à plusieurs étapes de sa carrière vécu de ses portraits, peints ou dessinés. Réputé peu sociable, il fut souvent mal traité par la critique. Les tenants d'un style plus libre et d'une exécution plus rapide condamnaient sa manière tout comme les académiques, qui lui reprochaient notamment les déformations expressives qu'il faisait subir aux corps dans ses nus.Les déformations n'étaient pas uniquement expressives d'ailleurs puisqu'il lui arrivait fréquemment de rajouter une ou deux vertèbres à ses personnages pour les grandir ou d'allonger leur visage.
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Lucian Freud (1922-2011) - Leigh on a Green Sofa

Lucian Freud (1922-2011)
Leigh on a Green Sofa, 1993
Private collection

Lucian Freud est considéré comme un des peintres figuratifs les plus importants du 20e et du 21e siècle, l'« Ingres de l'existentialisme » selon la formule de l'historien de l'art, Herbert Read.
Il est notamment célèbre pour avoir peint, en 2001, le portrait de la reine Élisabeth II à l'occasion de son jubilé d'or, tableau qui a soulevé une polémique en Grande-Bretagne. Petit-fils du médecin et fondateur de la psychanalyse, Sigmund Freud, Lucian naît à Berlin. Son père, l'architecte Ernst Freud (1892-1970), est le plus jeune fils de Sigmund Freud. En 1934, pour échapper à l'antisémitisme nazi, Ernst Freud emmène sa famille à Londres.En 1938, à la suite de l'Anschluss, leur grand-père Sigmund les y rejoint.
Lucian Freud peint face à des modèles vivants dans le huis-clos de son atelier. Les vues de Londres ou de son jardin sont réalisées à partir du point d'ancrage de l'atelier. Il travaille toute la journée et les séances de pose qu'il inflige à ses modèles sont interminables.
À la fin de sa vie, les portraits de nus dominent sa peinture révélant l'intimité crue de ses modèles, celle de Leigh Bowery (Leigh on a Green Sofa ci-dessus)  de Sue Tilley ou de son fidèle assistant David Dawson (Sunny Morning-Eight Legs, 1997). Mais même les modèles habillés révèlent au spectateur leur nudité, la vérité de l'être qui perce toute apparence « Quand je peins des vêtements, je peins vraiment des gens nus couverts de vêtements » expliquait-t-il. 

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Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) - Etude pour Don Pedro de tolede baisant l'épe d'Henry IV

 

 

 

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867)
Etude pour Don Pedro de Tolède baisant l'épée d'Henry IV
Musée Ingres, Montauban

Conformément à la volonté de l'artiste de léguer à sa ville natale une grande partie de ses dessins
(4 500) ainsi que certains objets personnels, le musée Ingres ouvre ses portes au milieu du 19e siècle dans l'enceinte de l'ancien palais épiscopal de Montauban ; Armand Cambon, Montalbanais élève d'Ingres, fut son exécuteur testamentaire et le premier conservateur du musée. Alors que la Seconde Guerre mondiale se prépare, un grand nombre d’œuvres quittent le musée du Louvre pour être cachées. C'est ainsi que le musée Ingres a servi de cachette pour la Joconde et un grand nombre d'œuvres du Louvre entre 1939 et 1945.

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Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) - Portrait de Lorenzo Bartolini

 

Jean-Auguste-Dominique  Ingres (1780-1867)
Portrait de Lorenzo Bartolini, 1805
Musée Ingres, Montauban

Le sculpteur italien Lorenzo Bartolini était un ami intime d'Ingres en même temps que et son condisciple à l'atelier de Jacques-Louis David. Avec le Portrait de Jean-François Gilibert et l'Autoportrait à vingt-quatre ans, ce tableau fait partie d'un groupe de portraits à mi-longueur représentant les trois amis  les plus proches d'Ingres.
Le portrait fait directement référence au style des portraits de la Renaissance italienne, et plus particulièrement au Portrait d'un sculpteur d'Agnolo Bronzino, témoignant chez Ingres d'un recul de l'influence de son maître David dans la conception de ses portraits, pour se référer aux artistes de la Renaissance des écoles florentines et lombardes.
En 1820 Ingres fit un second portrait de Bartolini qui est conservé au Musée du Louvre.
 

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Paul Flandrin (1811- 1902) - Tête d'un africain

 

Paul  Flandrin  (1811- 1902)

Tête d'un africain 1830 

Collection privée

Paul-Jean Flandrin, dit Paul Flandrin, ne pas confondre avec ses frères également peintres, Auguste Flandrin et Hippolyte Flandrin fit ses études  à  l'École des beaux-arts de Lyon, puis à celle de Paris et  dans l'atelier de Dominique Ingres.
Il échoue cependant à deux reprises au concours du prix de Rome mais rejoint néanmoins à ses frais son frère Hippolyte, lauréat de cette épreuve, en Italie. Ils demeurent quatre années à Rome, durant lesquelles Paul se spécialise dans la peinture de paysage. Il réalise des études d'après nature, qui lui servent à entreprendre des compositions historiques qu'il présente aux Salons parisiens. Il collabore également régulièrement aux paysages des tableaux de son frère aîné.
Flandrin perpétue jusque tard dans le XIX siècle cette tradition du paysage classique dont il est l'un des meilleurs représentants, aux côtés d'Édouard Bertin ou de son beau-père Alexandre Desgoffe.
Paul Flandrin est également l'auteur de portraits peints et dessinés, ainsi que de caricatures.

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Jean-Baptiste Frénet (1814 -1889) - Autoportrait

Jean-Baptiste Frénet (1814 -1889)

Autoportrait, 1850

L'homme politique  Jean-Baptiste Frénet  était aussi peintre, photographe et sculpteur. hFils d'un fabricant de soie de Lyon, il a appris les aspects artistiques du commerce de la soie auprès de son père et a fréquenté l'Ecole des Beaux-Arts de Lyon, étudiant la peinture et le dessin vivant. A 21 ans, il s'installe à Paris pour poursuivre sa formation dans l'atelier d'Ingres. Peu de temps après, Ingres est nommé directeur de l'Académie française de Rome ; Frénet et un groupe de collègues artistes  le suivent  formant la petite colonie d'Ingres à la Villa Médicis.
Il revient à Lyon en 1837 et durant toutes années qui suivent  il voyage entre la France et l'Italie. Il a exposé mais cela n'a pas été un succès. Il retente sa chance au Salon de 1841 à Paris mais, ne remportant aucun prix, décide de s'installer à Charly, un village près de Lyon, où il achète une maison.  Il a poursuivi son travail, choisissant principalement des sujets religieux, et ses autres efforts créatifs, y compris la gravure et la sculpture. Et il était une figure importante dans le nouveau domaine de la photographie, bien que la plupart de ses contributions étaient inconnues du public jusqu'à récemment.
Il est enfin devenu maire de Charly, mais quand il a postulé pour devenir professeur à l'École des Beaux-Arts de Lyon, avec le soutien d'Ingres, il a été refusé. A partir de 1850, il travaille sur un grand projet de fresque pour la Basilique Saint-Martin d'Ainay à Lyon, mais l'humidité détériore son travail et ses commanditaires refusent de payer. L'œuvre a finalement été détruite. Aigri, il semble que Frénet n'ait rien peint d'autre avant sa mort à l'âge de75 ans, presque quarante ans plus tard.
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Jean-Léonard Lugardon (1801-1884) - Étude pour le tableau "Guillaume Tell sauve Baumgarten"

Jean-Léonard Lugardon (1801-1884)   

Étude pour le tableau "Guillaume Tell sauve Baumgarten" 

Collection privée  

Jean-Léonard Lugardon est un artiste peintre suisse né à Genève.

 Il a été élève d'Antoine-Jean Gros à Paris et d'Ingres à Florence.

 Il a exposé а Genève а partir de 1823 et fut présent aux Salons du Louvre dès 1827.

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2019 - Men Portraits 
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Lucian Freud (1922-2011)- Interior at Paddington

Lucian Freud (1922-2011)

Interior at Paddington, 1951

Walker art gallery

Lucian Freud est considéré comme un des peintres figuratifs les plus importants du 20e et du 21e siècle, l'« Ingres de l'existentialisme » selon la formule de l'historien de l'art, Herbert Read.
Il est notamment célèbre pour avoir peint, en 2001, le portrait de la reine Élisabeth II à l'occasion de son jubilé d'or, tableau qui a soulevé une polémique en Grande-Bretagne.

Petit-fils du médecin et fondateur de la psychanalyse, Sigmund Freud, Lucian naît à Berlin. Son père, l'architecte Ernst Freud (1892-1970), est le plus jeune fils de Sigmund Freud. En 1934, pour échapper à l'antisémitisme nazi, Ernst Freud emmène sa famille à Londres.En 1938, à la suite de l'Anschluss, leur grand-père Sigmund les y rejoint.
Lucian Freud peint face à des modèles vivants dans le huis-clos de son atelier. Les vues de Londres ou de son jardin sont réalisées à partir du point d'ancrage de l'atelier. Il travaille toute la journée et les séances de pose qu'il inflige à ses modèles sont interminables.
À la fin de sa vie, les portraits de nus dominent sa peinture révélant l'intimité crue de ses modèles, celle de Leigh Bowery, de Sue Tilley ou de son fidèle assistant David Dawson (Sunny Morning-Eight Legs, 1997). Mais même les modèles habillés révèlent au spectateur leur nudité, la vérité de l'être qui perce toute apparence « Quand je peins des vêtements, je peins vraiment des gens nus couverts de vêtements » expliquait-t-il.

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Jean-Hippolyte Flandrin (1809-1864) - Nu masculin

Jean-Hippolyte Flandrin  (1809-1864)

Nu masculin, 1830-38

Collection privée

« Hippolyte Flandrin complétait Monsieur Ingres ; il était son côté spiritualiste, le transformateur de l’idée païenne de l’enseignement du maître en idée chrétienne : plus préoccupé de l’idéalisation de la pensée que de celle de la forme même, plus amoureux du sens que de la lettre, plus saisi par le sentiment psychologique que par le sens matériel, adonné à ces vagues aspirations mystiques des âmes religieuses qui trouvent les lois de leur esthétique dans les plus profonds et les plus secrets abîmes de leurs croyances. »

 Charles Lahure, Histoire populaire contemporaine de la France, Hachette, Paris, t. IV, 1866, p. 412.

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Edgar Degas (1834-1917) - Tête d'homme

Edgar Degas (1834-1917)

 'Tête d'homme,  1860

crayon et mine sur papier, (38, 4x 24, 4cm) 

Collection privée 

 De la même façon qu’il préparait ses tableaux d’histoire, Degas a souvent recours au dessin pour ses dernières scènes de la vie moderne. Ce faisant, il continuait ainsi à appliquer les préceptes d’Ingres. 

L’influence d’Ingres fut certainement prépondérante dans sa jeunesse. À 21 ans, le jeune Degas obtint de rencontrer le vieux maître dans son atelier. La même année, il copiait avec passion des œuvres présentées dans la rétrospective consacrée à Ingres. Peint à cette époque, le premier grand autoportrait de Degas fait clairement référence à celui d’Ingres datant de 1804.

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