Jacques Réattu (1760-1833) - Etude de nu

Jacques Réattu (1760-1833)

Etude de nu

Musée Réattu, Arles.

Le peintre français Jacques Réattu fut grand prix de l'Académie royale de peinture et sculpture en 1790. Dès 1775, il entra à l'Académie royale de peinture et de sculpture, il est d'abord l'élève de Simon Julien (Toulon 1735 - Paris 1800) puis de Jean-Baptiste Regnault.

Son grand prix en 1790 lui ouvre les portes d'un séjour en Italie en tant que pensionné du Roi, année où le concours fut tout de même ouvert malgré les évènements révolutionnaires. Le contexte politique ne lui permet pas de séjourner comme prévu quatre années dans la capitale pontificale. Ce séjour sera néanmoins l'occasion pour Jacques Réattu de réaliser une œuvre majeure, Prométhée protégé par Minerve et élevé au Ciel par le Génie de la Liberté, dérobe le feu, première œuvre à discours révolutionnaire de l'artiste. De retour en France en 1793, il séjourne d'abord à Marseille où il obtient en 1795 la commande pour le décor du Temple de la Raison de dix tableaux monumentaux peints en grisaille à l’imitation de bas reliefs illustrant les idéaux révolutionnaires. En 1798, il revient définitivement en Arles où il acquiert la commanderie de Saliers puis la totalité des lots du Grand Prieuré de l'Ordre de Malte dont les biens furent confisqués et vendus dès 1793.

 C'est là qu'il installe son atelier et que se trouve aujourd'hui le musée Réattu qui abrite une grande partie de son oeuvre.

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Andrea del Sarto (1486-1530)

Andrea del Sarto (1486-1530)

Etude pour la tête de Jules César, vers 1520 

The Metropolitan Museum of Art  New York

Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867)

Jean-Auguste-Dominique  Ingres (1780-1867)

Torse masculin ou demi figure  (1800)

Ecole nationale supérieure des beaux-arts, Paris 

Peter Paul Rubens (1577-1640) - Etude anatomique

Peter Paul Rubens (1577-1640)

Etude anatomique 

Homme marchant avec les mains derrière le dos  

 Collection privée

Leonard de Vinci (1452-1519) - Tête de soldat

Leonard de Vinci  (1452-1519)

Tête de soldat

Musée des beaux-arts. Budapest 

Gustave Caillebotte (1848-1894) - Homme au bain

Gustave Caillebotte (1848-1894)

Homme au bain, 1866

Huile sur toile, 144,8 cm x114, 3 cm

Museum of Fine Arts Boston

Cette toile a été peinte  en 1884 et exposée en 1888 à Bruxelles à l'« exposition des Vingt », mais les organisateurs, à cause du traitement trop vériste du sujet, décident de ne pas la montrer au simple public, mais aux experts, dans une autre salle. Après la mort en 1894 de l'artiste, la toile est en possession de la famille de son frère Martial, dont les descendants, la famille Chardeau, la vendent en 1967 à la galerie Lorenceau de Paris. Elle est revendue la même année au collectionneur Samuel Josefowitz1 (demeurant à Lausanne). Elle est achetée en juin 2011 par le Musée des beaux-arts de Boston où elle est toujours visible.
Ce tableau est le pendant de L'Homme s'essuyant la jambe (1884) beaucoup moins connu,  figurant le même homme dans la même salle de bains avec sa baignoire en cuivre et sa chaise paillée.

Sculpture antique - Hercule Farnèse

Sculpture antique

Hercule Farnèse 

Musée archéologique national de Naples.

Sandro Boticelli (1445-1510)- Saint Jean-Baptiste

Sandro Boticelli (1445-1510)

Saint Jean-Baptiste
Détail de la Madone Bardi (1485)
Gemäldegalerie, Berlin

Le style de Botticelli connait plusieurs évolutions au fil du temps, mais conserve certains traits fondamentaux qui le rendent encore reconnaissable aujourd'hui, même pour le vaste public. Les apports fondamentaux de sa formation artistique sont essentiellement ceux de Filippo Lippi, Andrea del Verrocchio et Antonio del Pollaiolo.
De Lippi, son premier véritable maître, il apprend à peindre des visages élégants et une beauté idéale raréfiée, le goût pour la prédominance du dessin et du contour, des formes lâches, des couleurs délicatement assorties, la chaleur domestique des figures sacrées. De Pollaiolo, il a acquiert un dessin à la ligne dynamique et énergique, la capacité de construire des formes expressives et vivantes grâce à la force du contour et du mouvement. De Verrocchio, il apprend à peindre des formes solennelles et monumentales, fusionnées avec l'atmosphère grâce aux beaux effets de lumière, et dotées d'effets de matière dans le rendu des différents matériaux.

De la synthèse de ces enseignements, Botticelli puise l'expression originale et autonome de son propre style, caractérisé par la physionomie particulière des personnages, à la beauté intemporelle subtilement voilée de mélancolie, par un grand intérêt réservé à la figure humaine par rapport aux arrière-plans et à l'environnement, et à la linéarité qui modifie parfois les formes selon le sentiment recherché (« expressionnisme »), ce dernier point étant remarquable surtout dans la phase tardive de son activité.
De temps en temps, selon les sujets et la période, des composantes linéaires ou coloristes, ou enfin expressionnistes, prévalent.
Dans sa dernière production, le dilemme s'est posé dans le contraste entre le monde de la culture humaniste, avec ses composantes courtoises et paganisées, et celui de la rigueur ascétique et réformatrice de Savonarole, qui conduit l'artiste à repenser et à une crise mystique qui se lit même dans ses œuvres. Les sujets deviennent de plus en plus introspectifs, presque exclusivement religieux ; les scènes sont plus irréelles, avec la renaissance consciente d'archaïsmes tels que le fond d'or ou une perspective signifiante. Dans cette crise, cependant, il y a aussi le germe de la rupture de l'idéal de la rationalité géométrique du début de la Renaissance au profit d'une disposition plus libre des sujets dans l'espace qui prélude à la sensibilité du xvie siècle.

Sculpture antique - Kouros de Mozia

Kouros di Mozia ou le  Mozia Charioteer  ou l'Ephèbe de Mozia 

Marsala (Sicily)

Marble (500 b.c)

The Whitaker of Mozia, Marsala

 Le Kouros de Mozia connu sous les appellations aussi diverses  que Mozia Charioteer  ou l'Ephèbe de Mozia  ou Il Giovane ou Giovinetto di Mozia est une statue en marbre réalisée entre environ 450 à 440 av . J.-C. , et conservée au musée Whithaker de Mozia (Marsala), dans la province de Trapani.

La statue représente un homme drapé (un éphèbe) au déhanchement  très prononcé,  dont on a estimé qu'il pouvait être un conducteur de char, d'lautres hypothèses suggèrant qu’il pourrait s'agir d' un dieu (Mlkart / Ercole ) ou  d'un magicien punique (suffète) à en juger par la position de ses bras (déjà perdus au moment de sa découverte). Son  bras droit est levé (peut-être pour tenir un fouet  et son  bras gauche  est posé sur la hanche,  sur laquelle l'on peut voit toujours voir les restes de sa main.

La  statue  aurait probablement été amenée sur l'île de Mozia par les Carthaginois après le limogeage de Sélinonte en 409 av.

Il a été découvert le 26 octobre 1979 lors d’une série de fouilles archéologiques de l’Université de Palerme commencées en 1977.

Le Kouros de Mozia, enterré dans une gangue de boue argileuse, a été mis au jour lors de la campagne de fouilles de 1979. Il avait été enterré pendant des siècles sous un flot d'argile et de marma délibérément placé là , selon les experts,  par les Moziesi même.  La statue a été trouvée à l'intérieur de la gangue de boue,  placé dans une zone inhabitée de l'île, au cours de la dernière période historique de Mozia. D'autres objets de l'époque classique y ont été trouvés, y compris plusieurs pointes de flèche. La statue a été trouvée avec la tête détachée de la nuque, le visage défiguré et les bras et les pieds manquants.

La hauteur est de 1,81 mètre, sans les extrémités inférieures, manquantes.

En 1988, elle a été exposée à Venise, au Palazzo Grassi , pour l'exposition "I Fenici".

En 2012, la statue était aux Jeux olympiques de Londres, exposée au British Museum de Londres, puis au Getty Museum de Los Angeles. 

Le 18 janvier 2014, la statue a été ramenée à son emplacement d'origine à Mozia.

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Gervasio Gatti (1550-1631) - Man in Armor 1590

Gervasio Gatti (1550-1631)

Man in Armor 1590 

Blanton Museum of arts, Austin Texas

Raphaël /Rafaello Sanzio (1443-1520)

Raphaël /Rafaello Sanzio (1443-1520)
Doppio ritratto realizzato da  Rafaello (1518)

 Musée du Louvre, Paris.

Sculpture antique- Hercule Farnese

Sculpture antique

Hercule Farnese

(Détail) 

Dans sa main droite dans son dos, Hercule tient les pommes du jardin des Hespérides, 

qu'il vient juste de cueillir  

Musée archéologique national de Naples.

Piero della Francesca (1412-1492) - Deux anges portant des bijoux

Piero della Francesca (1412-1492)

Deux anges portant des bijoux

Détail de la "Madone à l'enfant priant les saints avec Federico da Montefeltro " (1472)

Pinacoteca di Brera, Milano

 Piero della Francesca, de son nom complet Piero di Benedetto de Franceschi ou encore Pietro Borghese, est un artiste peintre et un mathématicien biturgens du Quattrocento. Il est vu surtout comme un peintre, mais à son époque il était aussi connu comme géomètre et mathématicien, maître de la perspective et de la géométrie euclidienne. Figure majeure de la Renaissance italienne, Piero fait partie de la deuxième génération des peintres-humanistes. Sa peinture imprégnée de son goût pour la géométrie propose une iconographie à la confluence de questions théologiques, philosophiques et d'actualité. Son travail s'inspire de la perspective géométrique inventée par Brunelleschi et théorisée par Alberti, la plasticité de Masaccio, la lumière intense qui éclaire les ombres et sature les couleurs de Fra Angelico et Domenico Veneziano et la description précise et réaliste flamande de Rogier van der Weyden. Les autres clés de son expression poétique sont la simplification géométrique des volumes, l'immobilité des gestes cérémoniaux, et l'attention à la vérité humaine.

Son activité peut être considérée comme un processus qui va de la pratique de la peinture aux mathématiques. Sa production artistique est considérée comme une recherche rigoureuse de la perspective, de la monumentalité plastique des personnages, de l'utilisation expressive de la lumière. Il est profondément influencé par la peinture de la Renaissance au Nord de l'Italie, notamment par les écoles de Ferrare et de Venise.

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Baccio Bandinelli (1493-1560)- Hercules & Cacus

Baccio Bandinelli (1493-1560)

Hercules & Caccus (back)

Piazza della Signoria (Firenze)

Carlo Baldassare Simelli (1811-1877)

Carlo Baldassare Simelli (1811-1877)

Pifferari (vers 1858)

(Epreuve sur papier albuminé)

Sculpture antique- Menelas

Sculpture antique

Menelas

Emile Friant (1863-1932)

Emile Friant (1863-1932)

Autoportrait à 15 ans

Émile Friant naît à Dieuze en Moselle dans une famille modeste. Son père est serrurier et sa mère couturière. Une cliente de cette dernière, madame Parisot, s’intéresse au jeune Émile et lui permettra par la suite de poursuivre ses études.

A la suite de la guerre franco-prussienne de 1870, une partie du territoire français est annexée par l’Allemagne (« l’Alsace-Lorraine »). Dieuze se situant dans les territoires annexés, la famille se réfugie à Nancy, restée française. 

De 1874 à 1879, Émile Friant fréquente l’école des Beaux-arts de Nancy. Son professeur, Théodore Devilly (1818-1886) est un peintre du courant romantique, ami d’Eugène Delacroix (1798-1863), le chef de file du mouvement. Friant rencontre à l’école Victor Prouvé (1858-1943) et Camille Martin (1861-1898), deux peintres nancéiens avec lesquels il se lie d’amitié. 

Friant est aussi un grand sportif qui pratique l’escrime, la marche et le canotage.

Friant n’a que 15 ans lorsqu’il expose pour la première fois au Salon de Nancy. Ses œuvres sont immédiatement remarquées. Un critique du Progrès de l’Est relève la précocité de son talent :

« Être déjà soi-même quand on est encore élève, voir la nature d’une façon originale quand on quitte à peine les bancs est le meilleur des pronostics. [...] ».

Francis Frith (1822-1898)

Francis Frith (1822-1898) 

L'Egypte à la chambre

Pierre Subleyras (1699-1749)

Pierre Subleyras (1699-1749) 

Charon passant les ombres (1735-40)

 Musée du Louvre, Paris 

Diego Velasquez (1599-1660) - L'Apôtre saint Thomas

Diego Velásquez (1599-1660) 

L'Apôtre saint Thomas, vers 1619-20. 

Musée des beaux-arts d'Orléans.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, dit Diego Velázquez, ou Diego Vélasquez en français, est un peintre baroque espagnol, considéré comme l'un des principaux représentants de la peinture espagnole et l'un des maîtres de la peinture universelle. Il passa ses premières années à Séville, où il développa un style naturaliste à base de clairs-obscurs. À 24 ans, il s'installa à Madrid, où il fut nommé peintre du roi Philippe IV et, quatre ans après, il devint peintre de la Chambre du roi, charge la plus importante parmi les peintres royaux. Comme artiste de ce rang, il réalisa essentiellement des portraits du roi, de sa famille et des Grands d’Espagne ainsi que des toiles destinées à décorer les appartements royaux. Comme surintendant des travaux royaux, il acquit en Italie de nombreuses œuvres pour les collections royales, des sculptures antiques et des tableaux de maître, et organisa les déplacements du roi d'Espagne. Sa présence à la cour lui permit d'étudier les collections de peintures royales. L'étude de ces collections ajoutée à l'étude des peintres italiens lors de son premier voyage en Italie, eut une influence déterminante sur l'évolution de son style, caractérisé par une grande luminosité et des coups de pinceau rapides. À partir de 1631, il atteignit sa maturité artistique et peignit de grandes œuvres comme la Reddition de Bréda. Pendant les dix dernières années de sa vie, son style se fit plus schématique, arrivant à une domination notable de la lumière. Cette période commença avec le Portrait du pape Innocent Xpeint lors de son second voyage en Italie, et vit la naissance de deux de ses œuvres maîtresses : Les Ménines et les Fileuses. Son catalogue contient de 120 à 125 œuvres peintes et dessinées. Célèbre bien après sa mort, la réputation de Vélasquez atteignit un sommet de 1880 à 1920, période qui coïncide avec les peintres impressionnistes français pour qui il fut une référence. Manet fut émerveillé par sa peinture et il qualifia Vélasquez de « peintre des peintres » puis du « plus grand peintre qui eût jamais existé ». La majeure partie de ses toiles, qui faisaient partie de la collection royale, est conservée au musée du Prado à Madrid. 

 

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Giambologna (1529-1608) - Il Ratto delle Sabine

Giambologna ou Jean de Bologne (1529-1603)

Il Ratto delle Sabine (marbre-détail)

Loggia dei Lanzi, Piazza della Signoria, Firenze

Giambologna est le nom contracté et italianisé de Jean Bologne né Jehan Boulongne, anciennement Jean de Bologne, Jean Boulogne, un sculpteur maniériste d'origine flamande né а Douai Flandre romane en 1529 et mort à Florence en1608. 

À Florence, il participe au concours pour la fontaine monumentale de la Piazza della Signoria, mais on lui préfère Bartolomeo Ammannati pour la fontaine de Neptune qui y est encore érigée. 

Il est cependant sur cette même place l'auteur célèbre de la statue équestre de Cosme Ier de Médicis, ainsi que des groupes de L'Enlèvement des Sabines et d’Hercule luttant avec le Centaure situées sous la Loggia dei Lanzi.

   

Cette oeuvre a été réalisée entre 1579 et 1583. 

Elle représente trois figures (un homme soulevant une femme au-dessus d’un deuxième homme accroupi) et fut sculptée à partir d'un unique bloc de marbre. e, exécutée en 1582, est présentée à la Galerie de l'Académie de Florence.

L'artiste  a réussi la prouesse technique  de faire tenir sur une seule base trois personnages dont les corps sont organisés sous une ligne serpentine. On y retrouve toute une série de spirales et de mouvements giratoires. Il n'y aucune tension même chez la sabine enlevée par les romains et aucun élément ne sort de l'espace de la base. Ce groupe est une œuvre du mouvement artistique maniériste.

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Sculpture antique - Le faune Barberini

Sculpture antique

Le faune Barberini (détail) 

Glyptothèque de Munich, Inv. 218

Giovanni-Battista Moroni (1520-1579) - Portrait of a Nobleman in Armour

Giovanni-Battista Moroni (1520-1579) 

Portrait of a Nobleman in Armour (1540 -1560)

Rijksmuseum, Amsterdam

Giovanni Battista Moroni ou Giambattista est un peintre italien.  Entre le années 1550 et 1562, Moroni est le portraitiste à la mode de la bonne société de Bergame. C'est l 'époque où il rencontra Titien, le plus grand portraitiste de son temps. Les portraits du Titien montrent des personnages qui appartiennent aux plus hautes sphères du pouvoir. Ceux de Moroni,  très précis dans l'aspect physique et l'attitude psychologique, invitent au dialogue avec des êtres davantage plongés dans leurs occupations quotidiennes. A partir des années 1560-1579, Moroni se retire dans son bourg natal d'Albino. Il adopte alors un style plus sévère, une palette plus austère aux « habits noirs, mines contrites, attitudes pieuses ». Il est le fondateur de ce que l'on nommait alors " la peinture de la réalité " qui a marqué les arts plastiques de Bergame et de Brescia jusqu'au XVIII^e siècle.

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Antonio Canova (1757-1822) - Hercules

Antonio Canova (1757-1822)

Hercule et Lycas (1815)  (Détail)

GNAM, Roma 

Ce marbre  a été réalisé entre 1795 et 1815 et se trouve dans  Salle de l'Hercule de  Galerie nationale d'art moderne (GNAM) de Rome. 

 Dans la mythologie grecque, Lichas est un compagnon d'Hercule. Envoyé par Hercule à Trachis, c'est Lycas qui apprend à Déjanire l'amour de son maitre pour Iole, fille du roi Eurytos. Déjanire le charge alors de remettre à Hercule la tunique  de Nessos, dont elle pense qu'elle contiennent un philtre puissant alors qu'elle contient en réalité un poison morte. Sitôt qu' Hercule la revêt, il sent son corps se consumer. Pensant à une perfidie de Lichas, il l'attrape par le pied, le fait tournoyer et le précipite dans la mer Eubée.

Selon Ovide, un rocher se forme à l'endroit de sa chute, auquel on donne son nom.

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Norman Rockwell (1894-1978) - Freedom of Speech

Norman Rockwell  (1894-1978) 

Freedom of Speech, 1942 

Norman Rockwell Museum Stockbridge (Massachusetts)

Freedom of Speech (La liberté de parole) est un tableau peint en 1942 par Norman Rockwell. 

Il fait partie d'une série de quatre célèbres tableaux, connus sous le titre collectif Les Quatre Libertés et publiés au début de 1943 dans le Saturday Evening Post.

Le tableau représente un homme (visiblement de condition très modeste) se levant lors d'une réunion pour prendre la parole, alors que ses proches voisins (tous en costumes cravates) lèvent la tête dans sa direction pour l'écouter.

L'objectif de Rockwell était  de faire mieux connaître au grand public le thème des quatre libertés détaillé par le président Roosevelt en 1941 :  Freedom of Worship (La liberté de culte); Freedom from Want (La liberté de posséder) ;  Freedom for fear (Libéré de toute peur)  et ce Freedom of Speech (La liberté de parole)

Ref biblio  : Ben Sonder (trad. M. Garène), Norman Rockwell, Éditions de l'Olympe, 1998

Otto Dix (1891-1969) - Self portrait 1912

Otto Dix (1891-1969)

 Self portrait 1912 

Le peintre et graveur allemand Otto Dix est issu d'un milieu ouvrier (son père, Franz Dix, travaillait dans une mine de fer), mais reçoit une éducation artistique grâce à sa mère, Pauline Louise Dix, qui s'intéressait à la musique et à la peinture. 

Après avoir suivi les cours du professeur de dessin Ernst Schunke pendant sa jeunesse, Otto Dix prend des cours à Gera de 1905 à 1909 auprès de Carl Senff, qui doute de l'avenir de son élève en tant que peintre. Une bourse d'étude fournie par le prince de Reuss lui permet d'entrer à l'École des arts appliqués de Dresde, où il étudie entre 1909 et 1914.  C'est de cette époque là que date cet autoportrait à l'oeillet alors que ses professeurs sont Johann Nikolaus Türk et Richard Guhr. 

Un peu plus tard Otto Dix s'essaya au cubisme, au futurisme et plus tard au dadaïsme.

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Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) - Il Salvador mundi

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) 

 * Il Salvador mundi 1679)

Basilica di San Sebastiano, Roma.

* Sa dernière  oeuvre 

Un des ses biographes écrit : « En 1679, Le Bernin, désormais très proche de la mort voulut illustrer sa vie en représentant un œuvre de sorte qu’il terminât avec elle ses jours. Cette œuvre fut l’Image de notre Sauveur, en buste, mais plus grande que nature, avec la main droite légèrement levée, comme dans l’acte de bénir. Il résuma et condensa en elle tout son Art ».
Le Bernin meurt à quatre-vingt-deux ans, le 28 novembre 1680. 

La sculpture est alors laissée en héritage à la reine Christine de Suède, sa grande amie. La reine qui mourut elle-même en 1689, la laissa en héritage au pape Innocent XI Odescalchi. 

Malgré ses successions trans frontalières, la statue ne quitta, en fait, jamais Rome.

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Sculpture antique- Menelas and Pratrocles

Sculpture antique
Ménélas portant Patrocle - IVe siècle
Loggia dei Lanzi, Firenze

La loggia dei Lanzi sur la piazza della signoria de Florence possède un célèbre groupe sculpté intitulé Ménélas soutenant le corps de Patrocle. Il s'agit d'une reconstitution artistique du XVIIe siècle menée par Pietro Tacca et Lodovico Salvetti à partir d'un buste antique du IIIe siècle av. J.-C., découvert à Rome au XVe siècle et appelé le Pasquino, visible sur la Piazza Pasquino à Rome.
Sans attendre les représentations scupturales, on peut, à travers les auteurs antiques comme Homère avoir une idée assez de l'apparence physique de Ménélas, aussi impressionnante que celle de la plupart des héros grecs. Anténor se souvient de lui quand il vint à Troie avec Ulysse : « Quand tous deux se mêlaient aux Troyens assemblés, Ménélas était d'une taille plus élevée ; mais, s'ils s'asseyaient, Ulysse semblait être le plus majestueux. »  Homère insiste sur la   blondeur de ses cheveux, à tel point que dans l'ensemble de l’Iliade et l'Odyssée, c'est l'épithète qui revient le plus couramment . Ils semble qu'il ait eu les cheveux longs comme les autres grecs, ce qui lui donnait l'aspect d'une crinière de lion. Homère évoque aussi « les fortes cuisses » et les « belles chevilles » de Ménélas qu'il compare à de l'ivoire.
Homère insiste aussi sur le caractère guerrier de Ménélas : « aimé d'Arès », « comme Arès », « bon à lancer le cri de guerre », « célèbre pour sa lance », « le vaillant ».
Sa voix possède une certaine force puisque son cri de guerre est dit « fameux ». Il s'exprime bien et clairement mais sans atteindre l'éloquence d'Ulysse qui captive son auditoire.

Patrocle  est un des guerriers grecs de la guerre de Troie,  décrit dans l’Iliade.
Dans le récit d'Homère Patrocle « Ménœtiade »  est l'ami intime d'Achille, et également son cousin qui l'accompagne à Troie. Quand les Troyens menacent d'envahir le camp grec, il parvient pendant un temps à mettre en déroute l'ennemi, escaladant  les murs et abattant courageusement plusieurs guerriers, dont Sarpédon, fils de Zeus, ... mais  par trois fois il rencontre Apollon qui le fait chuter de son char avant de rencontrer Euphorbe qui, a son tour,  le blesse mortellement,  le livrant ainsi affaibli à Hector qui l'achève d'un coup de lance dans le dos et le deéouille de  ses armes.
C'est alors que le roi Ménélas et Ajax le Grand protègent le corps de Patrocle (le sujet de la scuplture ci dessus) avant de le  rendre à Achille qui décide alors de reprendre les armes pour venger son ami Patrocle, sans se soucier du danger. À partir du Ve siècle av. J.-C., les deux jeunes gens deviennent également un symbole des relations homosexuelles, dont se réclament par exemple Alexandre le Grand et Héphæstion. Platon loue son courage.

Emile Friant (1863-1932)

Emile Friant (1863-1932)

La Lutte, 1889 

Musée Fabre, Montpellier. 

Emile Friant est un sportif accompli qui représente ici ses camarades au bord d’une rivière, s’entraînant à la lutte. Pour un jeune peintre, l’exercice est difficile : les lutteurs du premier plan doivent s’accorder au paysage. Les baigneurs constituent un élément narratif permettant de situer la scène du premier plan. L’essentiel réside dans le réalisme maîtrisé du mouvement des lutteurs. 

Friant connait son sujet.

Sculpture antique

Sculpture antique
Les deux coureurs (détail) 

Emile Friant (1863-1932),

Emile Friant (1863-1932)

Les buveurs
Musée des Beaux arts de Nancy

Notice du Musée des Beaux arts  Nancy concernant ce tableau : 

" Une coutume populaire, dite Saint Lundi, voulait que les ouvriers chôment volontairement le lundi. Ils pouvaient alors passer la journée en dehors de l’atelier. Friant représente ici deux ouvriers s’adonnant à la boisson. La Saint Lundi a mauvaise réputation et sera remplacée à la fin du 19e siècle par le dimanche chômé, normalement consacré à la religion et à la famille. La scène a donc une connotation morale : le désœuvrement conduit au vice." 

Antonio Canova (1757-1822) - Hercules 2

ANTONIO CANOVA (1757-1822)

Hercule et Lycas (1815) - Détail

Galleria d'Arte Modern - Roma 

Sebastiano del Piombo (1485-1547)- Portrait of a Man in Armor

Sebastiano del Piombo (1485-1547)

Portrait of a Man in Armor (1512-13)

Andrea del Brescianino (1487-1525) - Young Man

Andrea del Brescianino  (1487-1525)

Young Man, 1520

 oil on canvas 61,8 x 46,2 cm 

 Hermitage Museum

Andrea Piccinelli dit Andrea del Brescianino ou encore Il Brescianino  est un peintre italien du 16ie siècle qui a été actif surtout à Sienne.  Sa présence à Sienne est documentée de 1506 à 1524, et à Florence en 1525. Il a peint de nombreuses Madone et Sainte Famille et son style emprunte à ceux de Girolamo del Pacchia, de Le Sodoma, du Pérugin et de Pinturicchio.

Ses œuvres sont présentes dans de nombreux musées italiens et étrangers : Museo d’Arte Sacra della Valdarbia (Buonconvento), Collection Chigi Saracini (Sienne), Villa Borghese, Musées de Palazzo Farnese (Plaisance), Museo Diocesano de Plaisance et National Gallery (Londres).

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Matthias Grunewald (1475-1528) - Self Portrait as St John

Matthias Grunewald (1475-1528)

Self Portrait as St John  the  Evangelist,  1512-1514  

University Library of Erlangen-Nürnberg 

L'identité de  Matthias Grünewald  reste incertaine et ses autoportraits  sont aussi sujets à caution...

Ce nom lui fut donné, de manière assez arbitraire, par Joachim von Sandrart (1606–1688), « le Giorgio Vasari allemand », qui, après environ un siècle d'oubli quasi total du nom sinon de l'œuvre, le redécouvre et en parle dans sa volumineuse Teutsche Academie der Edlen Bau-, Bild- und Mahlerey-Künste (Encyclopédie des architectes, sculpteurs et peintres allemands) de 1675.

Pour ce que l'on peut en savoir à travers ses diverses signatures,  Matthias Grünewald correspondrait au personnage connu sous le vrai nom de Mathis Gothart Nithart, qui était peintre et ingénieur hydraulique allemand de la Renaissance, contemporain d'Albrecht Dürer.

Au 21e siècle, les experts attribuent avec certitude à Matthias Grünewald 10 œuvres dont plusieurs polyptyques et 35 dessins, répartis dans des collections européennes et américaines. 

Sa première toile incontestée est l'émouvant Christ outragé, datant de 1503, conservé à la Alte Pinakothek de Munich, qui est très proche de la peinture du gothique tardif dans la vallée du Rhin.

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Francesco Salviati (1510-1563) - Portrait d'un joueur de luth

Francesco Salviati (1510-1563)

Portrait d'un joueur de luth, 1529 

 Huile sur bois (96 x 77cm)

Musée Jacquemart-André - Institut de France, Paris  

Ce  Portrait d'un luthiste fut apprécié comme l'une des œuvres les plus séduisantes du XVIe siècle. 

Cette œuvre appartient au début du séjour romain de Francesco Salviati, époque à laquelle il entre au service du cardinal Giovanni Salviati. Ce mécène cultivait une  passion pour la musique et s'occupait de l'éducation d'un luthiste, Jacquet du Pont ; il est tout à fait probable que ce jeune homme soit celui que Salviati a représenté ici.

Le jeune homme, vu de face, regarde le spectateur.

Salviati a exécuté ce portrait après sa formation artistique dans l'atelier d'Andrea del Sarto à Florence. Il avait certainement vu les études de visages de son maître mais surtout le Portrait d'Andrea Quaratesi (Londres, British Museum) de Michel-Ange, qui fut connu très tôt à Florence et qui frappa immédiatement l'esprit des artistes. 

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2012 - Men Portraits 

Un blog de Francis Rousseau

Gottfried Lindauer (1839–1926) - Aenana, 1897 - From the Maori portraits series

Gottfried Lindauer (1839–1926)
Aneana  (detail and  full picture)

Oil on canvas, 1897 

From the Maori portraits series
Auckland Museum of Art 

Gottfried Lindauer (1839- 1926) d'origine tchèque commença par étudier dès 1855, la peinture à
l'Académie des beaux-arts de Vienne (Autriche). Après avoir commencé une honnête carrière de sujets religieux en Autriche, il quitte soudainement la Bohême où il résidait pour aller s'installer en Moravie pendant trois ans. De là, pour éviter d'être enrôlé dans les troupes de l'empire austro-hongrois, il part pour l'Allemagne et, en 1874, embarque sur un bateau en partance pour la Nouvelle-Zйlande, une terre lointaine et réputée sauvage dont l 'éloignement suffisant lui convient.
C'est sur cette terre de Nouvelle Zélande, que Lindauer va devenir célèbre en peignant les portraits de tous les grands chefs Maoris de son temps. Les chefs maoris appréciant hautement que Lindauer, peignent avec une précision jamais atteintes jusqu'alors leur tatouage rituels (les mokos) aussi bien que leur costumes, leurs ornements et leurs armes, défilèrent littéralement dans son atelier lui passant commande de ce qui allait devenir la plus grande collection de portraits maoris de tous les temps.
Cette série de spectaculaires portraits grandeur nature des chefs maoris et des guerriers fut exposée par Sir Walter Buller à l' Exposition coloniale et indienne de 1886, propulsant ainsi Lindauer sur la scène artistique coloniale comme le spécialiste incontesté des "Maoris at home", qui devint un sujet d'étude particulier.
L'un de ces portraits représentant un jeune danseur Poi (sans moko sur le visage), était tellement admiré par le prince de Galles que Sir Walter Buller le lui offrit.
Les portraits maoris de Lindauer, comme beaucoup de ceux que peignirent aussi Ellen von Meyern et Frances Hodgkins, ne représentaient pas seulement des hommes mais aussi des femmes symbolisant souvent une maternité primitive heureuse. Son portrait de femme maori le plus célèbre est celui de Heeni Hirini, aussi connue sous le nom d’Ana Rupene, portant un bébé sur le dos et que Lindauer a peint plus de 30 fois !
Après être revenu une seule fois dans son pays natal en 1886–1887, Lindauer choisit de retourner s'installer définitivement en Nouvelle Zélande et de s'établir à Woodville, près de Wellington, après qu'il eut épousé Rebecca, fille de Benjamin Prance Petty.
Lindauer est est enterré dans le cimetière Old Gorge de Woodville en Nouvelle Zélande.
Depuis son décès ses portraits maoris ont fait le tour du monde et l'ont établi comme un portraitiste sans équivalent des maori au tournant des 19 et 20e siècle.