Anselm Feuerbach (1829-1880)

Anselm Feuerbach (1829-1880) 

Torse masculin

Anselm Feuerbach  est un peintre allemand, l'un des représentants, avec Bцcklin et Hans von Maries, du courant idéaliste qui apparait, entre 1850 et 1880, dans la peinture allemande. Après des études peu profitables à l'Académie des beaux-arts de Dusseldorf, alors très célèbre (1845-1848), et un bref séjour а Munich (1848-1850), où la rencontre avec Rahl l'amène à s'orienter vers une peinture brillante et colorée, il se rend à Anvers (1850), puis à Paris (1851-1854). 

Ses lettres et ses souvenirs, publiés après sa mort sous le titre Ein Vermдchtnis (Un testament), le montrent à la recherche d'un maître qu'il croit trouver en Thomas Couture, peintre français, dans l'atelier duquel il travaille un temps et qui exerce sur lui une forte influence. Il peint, en 1852, sa première oeuvre importante, Hafiz à l'auberge (Kunsthalle, Mannheim). En 1855, il part pour l'Italie, qui deviendra sa patrie d'élection. Il se lie à Rome avec une femme qui incarne à ses yeux l'idйal de la beauté classique et qu'il a maintes fois représentée (Nana). Mais son art est peu apprécié en Allemagne, et sa situation matérielle reste difficile, jusqu'à ce que le grand collectionneur et mécène Schack lui achète plusieurs toiles (coll. de peintures de l'Etat de Bavière, galerie Schack, Munich). 

Nommé, en 1872, professeur а Vienne, il peint un plafond pour le grand amphithéâtre de l'Académie des beaux-arts (La Chute des Titans). Cependant, sa renommée ne s'établira vraiment qu'après sa mort, à la grande exposition de peinture allemande du XIXe siècle organisée à Berlin en 1906. 

Outre des portraits (dont un grand nombre d'autoportraits), Feuerbach a surtout traité des sujets tirés de la mythologie et de l'histoire antiques (Médée, 1870, Nouvelle Pinacothèque, Munich ; Le Festin de Platon, 1869, Kunsthalle, Karlsruhe) ou de l'histoire italienne (Dante et les nobles dames de Ravenne, 1858...

Adèle Romany (1769-1846) - Portrait du danseur Auguste Vestris

Adèle Romany (1769-1846) 

Portrait du danseur Auguste Vestris, 1793

 Rhode Island School of Design Museum

Adèle de Romance ou Adèle Romany  également connue sous le nom de Madame Romany ou Madame Romanée est une artiste peintre française, considérée en son temps comme une grande portraitiste.

À l'occasion de son mariage avec François Antoine Romany elle devient l'élève de Jean-Baptiste Regnault (1754-1829) dont l'atelier pour élèves féminines est dirigé par son épouse. 

Il n'existe pas d'autres détails sur l' éducation artistique d'Adèle Romany.

 Elle participe à son premier Salon en 1793, en tant qu’élève de Regnault. Elle en reprend la manière précise et excelle dans les rendus de matières et les détails des costumes.

 Pendant quarante ans, entre 1793 à 1833, quatre-vingts de ses œuvres sont exposées aux Salons !   Elle a représenté beaucoup d'acteurs, d'actrices et de musiciens en particulier ; c'est pourquoi la plus importante collection de ses œuvres se trouve à la Comédie-Française.

De 1800 à la fin du Premier Empire, elle recueille un certain nombre de commentaires approbateurs de journalistes. Au Salon de 1808, elle reçoit une médaille de seconde classe, d'une valeur de 250 Francs. Parmi ses œuvres les plus admirées, figurent son Autoportrait avec ses enfants (1800),  Portrait de Mlle A. P., exposé au Salon de 1806, et les portraits des actrices Mlle Raucourt (Salons de 1812 et 1814) et Mlle Emilie Leverd (Salons de 1808 et 1814).

Son excellent Portrait de Talma (1818) a longtemps été attribué par erreur à François Gérard. 

Elle a aussi réalisé un portrait d'Elizabeth Vigée Le Brun, grande peintre-portraitiste du 18e siècle s'il en fut,  et qui était son amie. 

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2018 - Men Portraits 

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Henri-Pierre Danloux (1753-1809) - Portrait du jeune de Vignier,

Henri-Pierre Danloux (1753-1809) 

Portrait du jeune de Vignier,  1796 

Private collection

Le peintre, dessinateur et graveur français Henri-Pierre Danloux fut l’élève de Nicolas-Bernard Lépicié puis de Joseph-Marie Vien qu’il suivit à Rome où fit la connaissance de Jacques-Louis David.

Marié à Antoinette de Saint-Redan, fille adoptive de l'intendant Antoine Mégret d'Étigny, il commença une carrière de peintre de genre et de portraitiste notamment pour sa belle-famille et ses proches les Thomas de Pange : portrait du baron d'Étigny, de son frère et de sa belle-sœur, le comte et la comtesse de Sérilly avec leurs enfants, de François de Pange. En compagnie de son épouse, il retourne en Italie juste avant la Révolution.

D'un milieu libéral, il condamne rapidement les débordements jacobins et émigre en Angleterre en 1792 où il réside jusqu'en 1802. Durant ce séjour il connaît un succès indéniable qui dépasse largement les cercles français.Une grande partie de sa belle famille est guillotinée le 10 mai 1794 avec la sœur du roi qui s'entremet pour permettre à la comtesse de Sérilly de garder la vie sauve.

Influencé par John Singleton Copley et par Henry Raeburn, il peint le portrait de nombreux anglais et écossais. Il expose régulièrement à la Royal Academy et devient le peintre attitré du comte d'Artois en émigration à Holyrood.

De retour en France, il expose de nouveau au Salon, mais ne rencontre pas le succès qu'il espérait.

Pour le Baron Portalis  qui publia son journal « Distinguée, sincère, de couleur harmonieuse, encore parée des dernières élégances d’un siècle enchanteur, telle s’affirme, dans son incontestable originalité, la peinture de Danloux… Sous son pinceau, les coiffures prennent une ampleur qui ajoutent à la beauté… Son goût des attitudes imprévues propres à donner l’illusion de la vie, sa recherche du geste, la préoccupation d’animer la physionomie de ses modèles, sont autant de signes qui le font reconnaître à première vue. »

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2018 - Men Portraits 

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Valentin de Zubiaurre (1879-1963)

Valentin de Zubiaurre (1879-1963)   

Campesinos vascos  

Carmen Thyssen Museum, Malaga.

Fils du compositeur de musique Valentín de Zubiaurre Urinobarrenechea (1837-1914), il naît à Madrid en 1879. Il est sourd-muet de naissance, tout comme son frère Ramón, avec lequel il créera de nombreux tableaux. Après des études à l’Académie des beaux-arts de San Fernando en 1894, il poursuit sa formation auprès de peintres tels que Muñoz Degrain, Alejandro Ferrant et Carlos de Haes.

 En 1898, il se rend aux Pays-Bas, en France et en Italie pour parfaire sa technique. Il vit pendant un temps à Ségovie, attiré par le paysage de la Castille qu’il dépeindra souvent au fil de sa carrière. 

Entre 1909 et 1916, sa période la plus faste, il remporte plusieurs prix internationaux à Munich, Buenos Aires, Barcelone, San Francisco, San Diego et Panama. De nombreuses commandes s’ensuivent. En 1945, il intègre l’Académie des beaux-arts de San Fernando de Madrid. 

Il meurt à Madrid en 1963.

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783) - Portrait of a Man

Jean-Baptiste Perronneau (1715-1783)

Portrait d'homme
Huile sur toile,  1766

Dublin National Gallery

Perronneau a produit une œuvre variée où il insiste sur la psychologie de ses personnages et transmet un peu de l'esprit des Lumières, comme en témoignent l'expressivité des visages qu'il dépeint, la vivacité des regards, les demi-sourires que l'on devine. Souvent proches des harmonies du camaïeu, ses pastels et ses huiles jouent volontiers sur des variations monochromes : les ocres du portrait de Mme de Sorquainville, les gris de Pierre Bouguer, de François-Hubert Drouais ou de Laurent Cars, les bleu-gris de la Fillette au chat de la National Gallery de Londres. Georges Brunel note que « les pastels de Perronneau ont toujours l'air quelque peu inachevés, ou altérés par le temps », et ajoute : « Impression trompeuse, car il s'agit vraisemblablement d'un parti de style et de technique délibéré. Perronneau cherche avant tout la solidité et la force […] ».
À la différence de Quentin de La Tour, les clients de Perronneau font moins partie de l'aristocratie que de la bourgeoisie (commerçants ou financiers) ou du monde des sciences et des arts : l'écrivain Jacques Cazotte, le physicien Pierre Bouguer, le juriste Daniel Jousse, le peintre François-Hubert Drouais, l'architecte Jean-Michel Chevotet et son épouse, l'architecte Robert Soyer, le collectionneur Charles Le Normant du Coudray, le bourgmestre (Pays-Bas) d'Amsterdam Joachim Rendorp, l'échevin Raguenet de Saint-Albin... Parfois aussi, il reçoit des commandes pour peindre des célébrités de son temps.
Fait rare pour son époque, Perronneau représente également des chats en premier plan, c'est-à-dire en tant qu'animaux de compagnie. Tel est le cas pour Magdaleine Pinceloup de La Grange, pour Mlle Huquier ou encore pour la Fillette au chat (1745) de la National Gallery de Londres.

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2019 - Men Portraits 

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Carl Moon (1878-1948)

Carl Moon (1878-1948) 

Pedro Begay, Navajo, Arizona. ca. 1900

Private Collection

 

 

Il existe peu de biographies de Carl Moon pourtant photographe reconnu des peuples premiers du continent américain. Il semblerait que ce soit les romans de James Fenimore Cooper qui aient éveillé très tôt l'intérêt du jeune Carl Moon pour les Indiens d'Amérique. Plus tard il fut parmi les premiers américains à les regarder et à les photographier, dans un contexte social qui leur était particulièrement hostile. Étudiant la photographie dès sa sortie du lycée, Carl Moon déménage en 1903 dans le sud-ouest des Etats-Unis et commence d'abord à peindre puis à photographier les Amérindiens qu'il croise au Nouveau-Mexique. Ses portraits frappants, très personnalisés, cédant peu au folklore, attirèrent rapidement l'attention des autorités à tel point que le président Théodore Roosevelt l'invita à la Maison Blanche pour s'entretenir avec lui des peuples amérindiens. En 1907, Moon décide de se fixer dans la région du Grand Canyon en Arizona, et se fait embaucher comme photographe pour la société Fred Harvey. Sept ans plus tard, Moon et sa femme Grace décide d'aller habiter à Pasadena (Californie) où ils se lancent dans les livres pour enfants : Grace écrit les texte et Carl s'occupe des illustrations. En 1936, il publia un coffret en 4 volumes Indians of the Southwest, illustré de ses nombreuses photographies, qu'il vendit pour la somme alors astronomique de... 3 500 $. À la fin de sa carrière, Moon avait photographié vingt-neuf tribus et villages de tout le sud-ouest américain. Son œuvre considérable reste une des plus importantes consacrées aux amérindiens.

Dmitry Zhilinsky (1927-2015) - Gymnast Viktor Lisicki

Dmitry Zhilinsky (1927-2015) 

 Gymnast Viktor Lisicki, 1984

Dmitry Zhilinsky (1927-2015) is rightly considered a key figure in the history of Russian art. His unique artistic method emerged as a truly extraordinary reflection of its time and provided a new direction for the Soviet school of painting for decades to come. When, soon after he painted them in the mid-1960s, Zhilinsky first showed his "Group Portrait of Student Sculptors", "By the Sea. Family", and particularly "Gymnasts of the USSR", he was acclaimed as one of the principal innovators among Soviet artists of his time.

Augustin Ferrando (1880 - 1957)

Augustin Ferrando (1880-1957)

Portrait d'homme, pastel  

Baccio Bandinelli (1493–1560) - Homme nu assis

Baccio Bandinelli (1493–1560)

Homme nu assis 

 

Bartolomeo Bandinelli (dit Baccio) était le fils d'un éminent orfèvre florentin dont il devint rapidement le premier apprenti. Dans le domaine de la sculpture, c'est avec Giovanni Francesco Rustici, ami de Leonardo da Vinci qu'il fit ses classes. Parmi ses premières œuvres réalisées par Bandinelli : un Saint Jérôme en cire, commande de Giuliano de Medici. Les Medicis deviennent ses commanditaires principaux sachant mettre à profit la rivalité maladive qui oppose Bandinelli à Michel Ange, les disciples de Michelangelo ne voyant dans les sculptures de Bandinelli qu'emphase et mauvais gout. La jalousie de Bandinelli envers Michel Ange finira par se transformer en haine véritablement pathologique ui occupera une grande partie de sa vie. La postérité et la destinée ont choisi de réconcilier ces deux grands artistes d'une façon assez ironique, sur la Piazza della Signoria de Florence, où le David de Michel Ange fait face depuis plus d'un demi millénaire à l'Hercule de Bandinelli pour le meilleur et ...non plus pour le pire !
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Kishida Ryûsei (1891-1929) - Portrait of Kawabata Masamitsu

Kishida Ryûsei (1891-1929) 

Portrait of Kawabata Masamitsu, 1918, oil on canvas

National Museum of Modern Art, Tokyo

A peu près inconnu en occident, Ryūsei Kishida est considéré dans son pays  comme l’un des plus grands peintres du 20e siècle. Lié au mouvement Shirakaba (1910-1923), il symbolise, dans les manuels scolaires par exemple, la modernité de l’ère Taishō (1912-1926). 

Plusieurs grands historiens de l’art japonais moderne ont mis en évidence dans son travail, la spécificité de son réalisme et sa critique des avant-gardes.

 Kishida a réalisé de nombreux portraits, ainsi que des paysages terreux, dévoilant un goût qui lui est propre pour une texture à la fois fluide et grasse.

Ss tableaux, d'un format assez petit, sont les plus cotés sur le marché nippon. En 2000, sa toile Reiko un châle sur les épaules (1920) a été adjugée 360 millions de yens, établissant le record pour une œuvre moderne japonaise.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) - Portrait of K.B. Kustodiev

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) 

Portrait of K.B. Kustodiev, 1922
Private owner

Le peintre russe et décorateur de théâtre Boris Mikhaпlovitch Koustodiev ( Борис Михайлович Кустодиев) fit  d'abord carrière dans la Russie impériale et continua de travailla pendant les premières années de la révolution russe. 

En 1909, alors qu'il vient d'être élu à l'Académie impériale des beaux-arts, une maladie grave — la tuberculose de la colonne vertébrale — requiert son attention urgente. Sur le  conseil des médecins docteurs, il passe une année en Suisse, y suivant un traitement dans une clinique privée. Sa patrie lui manque, et les thèmes russes continuent d'être à la base de toutes les œuvres qu'il exécute pendant cette année.

 En 1916, il devient paraplégique et écrit :  « Maintenant ma chambre est mon monde entier. »
Sa capacité de rester joyeux et vif en dépit de sa paralysie est étonnante. Ses peintures pleines de couleurs vives ne révèlent pas sa souffrance physique ; au contraire, elles donnent l'impression d'une vie heureuse et sans soucis. Son Mardi de Maslenitsa (1916) et Fontanka (1916) sont peints à partir de ses souvenirs. En 1918, il termine La femme du marchand,  que devient très vite son œuvre la plus connue.

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Gustave Caillebotte (1848-1894) - La partie de Bézique

Gustave Caillebotte (1848-1894),

La partie de Bézique, 1880

Collection privée 

Antonio-Manuel da Fonseca (1796-1890) - Auto-retrato

Antonio-Manuel da Fonseca (1796-1890) 

Auto-retrato, 1828

 MNAA

Agnolo Bronzino (1503-1572) - Homme nu dormant

Agnolo Bronzino (1503-1572)

Homme nu dormant

Angelo di Cosimo ou Agnolo di Cosimo dit le Bronzino ou Agnolo Bronzino est un peintre maniériste italien, fils adoptif et apprenti de Pontormo, et élève de Girolamo Genga. Il devrait son surnom à son teint sombre ou à la couleur de ses cheveux. Son disciple et fils adoptif, Alessandro Allori, était également surnommé « il Bronzino ». Il a eu sa part dans les débats qui ont animé les artistes de l'époque sur la supériorité de la peinture ou de la sculpture. Ardent défenseur de la peinture, le Bronzino réalise un tableau à deux faces, le Nain Morgante, où il représente un homme de face et de dos, pour démontrer la capacité de la peinture à faire sentir les volumes de la chair. L'activité du Bronzino en tant que poète est moins reconnue. Il a néanmoins composé quelques recueils.

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Charles Lebrun (1619-1690)

Charles Lebrun (1619-1690)

Etude de deux hommes nus

Carel Fabritius (1622-1654) - Autoportrait

Carel Fabritius (1622-1654) 

Self Portrait 

 Musée Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

 

Carel Fabritius, n est un peintre néerlandais (Provinces-unies) du siècle d’or.
Moins d’une vingtaine de ses œuvres ont été conservées, dont deux autoportraits actuellement au musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam et à la National Gallery de Londres(. Un troisième autoportrait, présumé, figure parmi les collections de l'Alte Pinakothek de Munich. Fabritius était sans nul doute doué de grands talents picturaux. Ses premières œuvres témoignent d’un très nette influence du style de Rembrandt. Aussi n’est-il n’est pas étonnant que beaucoup parmi celles-ci furent d’abord attribuées à ce dernier. Fabritius, cependant, parmi les élèves de Rembrandt, est l’un des rares qui soient parvenus au fil du temps à se dégager de son exemple : il abandonna les couleurs sombres et employa progressivement des teintes plus claires et plus chaleureuses. À côté de cela, il se préoccupa surtout de l’harmonie des couleurs et de la perspective. Ses dernières œuvres, à Delft, montrent une créativité et une recherche exceptionnelles. Il exerça alors une forte influence sur Johannes Vermeer, qui fut probablement son élève, et sur Pieter De Hooch, notamment en ce qui concerne la perspective et la composition ; cependant, c’est surtout son rendu de la lumière qui fascinèrent ces derniers. On ignore comment Fabritius en est arrivé à un changement de style aussi frappant. La force d’attraction de Delft y est sans doute pour beaucoup[: la ville inspira également d’autres peintres talentueux de cette époque, comme Gerard Terborch, Jan Steen et Paulus Potter.  La peinture de Carel Fabritius n'a été redécouverte qu'au 19e siècle par le travail du critique d'art Théophile Thoré-Bürger.

Dmitry Zhilinsky (1927-2015) - Gymnasts of the USSR

Dmitry Zhilinsky (1927-2015) 

Gymnasts of the USSR, 1964-65
Tempera on harboard
Russian Museum

Dmitry Zhilinsky (1927-2015) is rightly considered a key figure in the history of Russian art. His unique artistic method emerged as a truly extraordinary reflection of its time and provided a new direction for the Soviet school of painting for decades to come. When, soon after he painted them in the mid-1960s, Zhilinsky first showed his "Group Portrait of Student Sculptors", "By the Sea. Family", and particularly "Gymnasts of the USSR" (above), he was acclaimed as one of the principal innovators among Soviet artists of his time.

Giovanni Francesco Barbieri, dit Guercino ou Le Guerchin (1591-1666)

Giovanni Francesco Barbieri, dit Guercino ou Le Guerchin (1591-1666) 

Young Boy in Bust Length 

The MET

Vintage photo of men - Soldiers skiing

Soldiers skiing

Hieronymus Bosch (1450-1516)

Hieronymus Bosch  (1450-1516) 

Bathazar detail and  full triptych  

The Adoration of Magi

oil on oak panel, ca. 1494 

Museo del Prado, Madrid

Vintage photo of men - Le peintre André Devambez

Vintage photo of men

 Le peintre André Devambez (1867-1944) en 1900

David Hockney (bn.1937)

David Hockney (bn.1937)

 Peter Alberdo, La Flora, 1967.

Vintage photo of movie stars - Yul Brynner (4)

Vintage photo of movie stars

 Yul Brynner as Ramsesbefore the Egyptian shave down

in The Ten Commandments
a film by Cecil B. de Mille (1956)
Shot in Vista Vision Color by technicolor

En 1956, Yul Brynner connut un succès immense  en apparaissant  à la fois dans la version cinéma de King and I  (Le Roi et Moi), mais aussi dans Les Dix Commandements avec Charlton Heston, et dans Anastasia avec Ingrid Bergman. Concernant les Dix commandements, la légende veut que  Yul Brynner ait été si  préoccupé par sa présence à l'écran face à  Charlton Heston qu'il se serait astreint  à un programme de musculation intensive ! 

Après le succès des Dix Commandements ou il jouait le rôle du Pharaon Ramses II  (ci-dessus), il continua a collaborer à quelques  peplum bibliques et a un grand nombre de films d'aventures exotiques ou même de western. Parmi els plus célèbres :  Salomon et la Reine de Saba en 1959, Les Sept Mercenaires en 1960, Taras Boulba en 1962 et Les Rois du soleil en 1963. 

Jusqu’à sa mort Juli Borissovitch Bryner dit Yul Brynner ne cessa d’alimenter la légende de ses origines, si bien que celles-ci restèrent nimbées de mystère. Etait-il né en 1915 ou 1920, sur l’île de Sakhaline ou sur le continent, à l’extrême pointe orientale de la Russie ? Avait-il des ascendances mongoles et tsiganes ? S'appelait -il réellement Taidje Khan ? 

Plus probablement  fils d’un ingénieur d’ascendance suisse et d'une mère juive issue de l'intelligentsia russe, petite-fille d'un médecin converti à l’orthodoxie, l’acteur serait né à Vladivostok en 1920. Après que son père ait abandonné le foyer familial, en 1927, il suit sa mère en Chine, à Harbin (Mandchourie), où sa sœur et lui fréquentent une école de la YMCA.

 En 1934, la famille émigre en Europe et s’installe à Paris. Pour gagner sa vie, le jeune homme chante et joue de la guitare la nuit dans les cabarets, se liant notamment aux musiciens tsiganes qu’il accompagne.  On le retrouve ensuite trapéziste au Cirque d’Hiver, puis, après un grave accident qui l’éloigne de la carrière d’acrobate, machiniste et acteur au théâtre des Mathurins dirigé par George Pitoëff. 

En 1941, nouveau départ, aux Etats-Unis cette fois, où le futur acteur, francophone, travaille dans un premier temps comme speaker auprès du US Office of War Information, lequel diffuse des programmes à destination de la France occupée. Il étudie également le théâtre, pose comme modèle et commence à se produire à Broadway.

Vintage photo of movie stars - Yul Brynner (3)

Vintage photo of movie stars

 Yul Brynner as Ramses

in The Ten Commandments
a film by Cecil B. de Mille (1956)
Shot in Vista Vision Color by technicolor

En 1956, Yul Brynner connut un succès immense  en apparaissant  à la fois dans la version cinéma de King and I  (Le Roi et Moi), mais aussi dans Les Dix Commandements avec Charlton Heston, et dans Anastasia avec Ingrid Bergman. Concernant les Dix commandements, la légende veut que  Yul Brynner ait été si  préoccupé par sa présence à l'écran face à  Charlton Heston qu'il se serait astreint  à un programme de musculation intensive !
Après le succès des Dix Commandements ou il jouait le rôle du Pharaon Ramses II  (ci-dessus), il continua a collaborer à quelques  peplum bibliques et a un grand nombre de films d'aventures exotiques ou même de western. Parmi els plus célèbres :  Salomon et la Reine de Saba en 1959, Les Sept Mercenaires en 1960, Taras Boulba en 1962 et Les Rois du soleil en 1963.

Jusqu’à sa mort Juli Borissovitch Bryner dit Yul Brynner ne cessa d’alimenter la légende de ses origines, si bien que celles-ci restèrent nimbées de mystère. Etait-il né en 1915 ou 1920, sur l’île de Sakhaline ou sur le continent, à l’extrême pointe orientale de la Russie ? Avait-il des ascendances mongoles et tsiganes ? S'appelait -il réellement Taidje Khan ?
Plus probablement  fils d’un ingénieur d’ascendance suisse et d'une mère juive issue de l'intelligentsia russe, petite-fille d'un médecin converti à l’orthodoxie, l’acteur serait né à Vladivostok en 1920. Après que son père ait abandonné le foyer familial, en 1927, il suit sa mère en Chine, à Harbin (Mandchourie), où sa sœur et lui fréquentent une école de la YMCA.
 En 1934, la famille émigre en Europe et s’installe à Paris. Pour gagner sa vie, le jeune homme chante et joue de la guitare la nuit dans les cabarets, se liant notamment aux musiciens tsiganes qu’il accompagne.  On le retrouve ensuite trapéziste au Cirque d’Hiver, puis, après un grave accident qui l’éloigne de la carrière d’acrobate, machiniste et acteur au théâtre des Mathurins dirigé par George Pitoëff.
En 1941, nouveau départ, aux Etats-Unis cette fois, où le futur acteur, francophone, travaille dans un premier temps comme speaker auprès du US Office of War Information, lequel diffuse des programmes à destination de la France occupée. Il étudie également le théâtre, pose comme modèle et commence à se produire à Broadway.

Mel Ramos (bn.1935)

Mel Ramos (bn.1935) 

Superman, 1962. 

Fine Arts Museums of San Francisco

Vintage photo of men - Unknown Skaters

Vintage photo of men 

Unknown Skaters

Sandro Boticelli (1445-1510) - Portrait d'homme avec médaille de Cosme l'Ancien

Sandro Boticelli (1445-1510) 

Portrait d'homme avec médaille de Cosme l'Ancien

Uffizi, Firenze

 

Le style de Botticelli connait plusieurs évolutions au fil du temps, mais conserve certains traits fondamentaux qui le rendent encore reconnaissable aujourd'hui, même pour le vaste public. Les apports fondamentaux de sa formation artistique sont essentiellement ceux de Filippo Lippi, Andrea del Verrocchio et Antonio del Pollaiolo.
De Lippi, son premier véritable maître, il apprend à peindre des visages élégants et une beauté idéale raréfiée, le goût pour la prédominance du dessin et du contour, des formes lâches, des couleurs délicatement assorties, la chaleur domestique des figures sacrées. De Pollaiolo, il a acquiert un dessin à la ligne dynamique et énergique, la capacité de construire des formes expressives et vivantes grâce à la force du contour et du mouvement. De Verrocchio, il apprend à peindre des formes solennelles et monumentales, fusionnées avec l'atmosphère grâce aux beaux effets de lumière, et dotées d'effets de matière dans le rendu des différents matériaux.

De la synthèse de ces enseignements, Botticelli puise l'expression originale et autonome de son propre style, caractérisé par la physionomie particulière des personnages, à la beauté intemporelle subtilement voilée de mélancolie, par un grand intérêt réservé à la figure humaine par rapport aux arrière-plans et à l'environnement, et à la linéarité qui modifie parfois les formes selon le sentiment recherché (« expressionnisme »), ce dernier point étant remarquable surtout dans la phase tardive de son activité.
De temps en temps, selon les sujets et la période, des composantes linéaires ou coloristes, ou enfin expressionnistes, prévalent.
Dans sa dernière production, le dilemme s'est posé dans le contraste entre le monde de la culture humaniste, avec ses composantes courtoises et paganisées, et celui de la rigueur ascétique et réformatrice de Savonarole, qui conduit l'artiste à repenser et à une crise mystique qui se lit même dans ses œuvres. Les sujets deviennent de plus en plus introspectifs, presque exclusivement religieux ; les scènes sont plus irréelles, avec la renaissance consciente d'archaïsmes tels que le fond d'or ou une perspective signifiante. Dans cette crise, cependant, il y a aussi le germe de la rupture de l'idéal de la rationalité géométrique du début de la Renaissance au profit d'une disposition plus libre des sujets dans l'espace qui prélude à la sensibilité du xvie siècle.

 

Samouraï portraits

Samouraï portraits 1880

Pedro Pascual Munoz

Pedro Pascual Munoz, 

Seated Male Nude, 1771

 Complutense University Library of Madrid

Vintage photo of men - Portrait of the painter Carl von Piloty

Portrait of the painter Carl von Piloty

Arthur Kampf (1864-1950)

Arthur Kampf (1864-1950)

Der Zeitungselser

Vintage photo of movie stars,

Gary Grant and Randolph Scott at home

CHAUDET (1763-1810) - CARTELLIER (1757-1831) - DUPATY ( 1771-1825) - Oedipe et Phorbas

    

Denis-Antoine Chaudet (1763-1810) 

Pierre Cartellier (1757–1831) 

Louis-Marie Dupaty (1771–1825)

« Oedipe enfant ramené à la vie par le berger Phorbas qui l'a détaché de l'arbre »

marbre, 1801 

Musée du Louvre, Paris

Le modèle en plâtre exécuté par Denis-Antoine Chaudet fut exposé au Salon de 1801.
Au décès de ce dernier, la statue en marbre fut achevée par Pierre Cartellier (1757–1831) et Louis-Marie Dupaty (1771–1825)

Fils de Laïos et de Jocaste, Oedipe fait partie de la dynastie des Labdacides, les rois légendaires de la ville de Thèbes.
Avant sa naissance, ses parents Laïos et Jocaste consultent l'oracle de Delphes qui leur prédit que s'ils avaient un fils celui-ci tuerait son père et épouserait sa mère. De peur que cet effrayant oracle ne s’accomplisse, lorsque Laïos et Jocaste ont un fils, ils le font exposer encore nouveau-né sur le mont Cithéron, après lui avoir fait percer les chevilles pour l’accrocher à un arbre .
Contre toute attente, Oedipe est trouvé par le berger Eupghorbos ou Phorbas qui le sauve de la mort en le détachant de l'arbre et en le nourrissant pendant un temps. Puis Phorbas embarrassé par cet enfant le confie au roi de Corinthe (Polybos) et à la reine (Përiboia ou Mérope) qui l'élèvent comme leur fils.

Le chapeau rond de paille tressée du berger Phorbas s''appelle un " pétase" (πέτασος) - ne pas 

confondre please :-) 

Œdipe signifie en grec ancien selon les versions: - 0dipaïs =enfant de la mer gonflée
- Oidípous ="pieds enflés.

Santa Klaus Skying

Santa Klaus Skying 

Late XIXth century 

Giambologna (1529-1608)

Giambologna (1529-1608)

Oceano, 1572-76. 

Bargello museo. Firenze

Michael-Peter Ancher (1849-1927)

Michael Peter Ancher (1849-1927)

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Fishermen pushing the boar on the beach, 1881.

Skagens Museum

Michael Peter Ancher était un artiste danois réaliste appartenant au courant réaliste qui peignit des scènes de la vie quotidienne de la  petite communauté de Skagen parmi lesquelles beaucoup de scènes de  pêche et de portraits de pêcheurs. Un des tableaux qui l'ont rendu célèbre est celui qu'il réalisa en  1879 Vil han klare pynten (Va-t-il contourner le point ?) qui représente un moment dramatique de la vie des heroïques pêcheurs de Skagen confrontés à la dure réalité du travail en mer  dans dans un environnement souvent hostile.  Ses oeuvres principales ont  pour noms explicites : Transport du bateau de sauvetage  à travers  les dunes (1883)  ou encore L'équipage est sauvé (1894) ou encore Le noyé (1896).  Michael Ancher a été très influencé par sa formation classique à l'Académie royale danoise des beaux-arts qui imposait des règles strictes de composition.  En combinant cette composition classique stricte avec les enseignements du naturalisme, Michael Ancher a créé un art très unique que l'on a voulu qualifier un  peu maladroitement  d' art  moderne figuratif monumental et qui vaut beaucoup plus que ces catégorisations pompeuses. 

Vassili Andreevich Tropinin (1776-1857)

Vassili Andreevich Tropinin  (1776-1857) 

The Guitarist. 1823  

Tretyakov Gallery.

Frédéric Bazille (1841-1870)

Frédéric Bazille (1841-1870)

Etude d'homme nu

Thomas Eakins (1844-1916) - Self portrait

Thomas Eakins (1844-1916)

Self portrait

Thomas Cowperthwaite Eakins est un peintre, sculpteur et photographe américain, associé au courant moderniste du réalisme américain. Admis à l'École des beaux-arts de Paris dans les ateliers de Jean-Léon Gérôme, puis de Léon Bonnat de 1866 à 1868, il séjourne ensuite quelque temps à Pont-Aven à l'instigation de Robert Wylie. Il voyage ensuite en Espagne avant de retourner aux États-Unis où il commence une brillante carrière de peintre réaliste et se spécialise dans la peinture des sportifs (boxeurs, lutteurs, rameurs, joueurs de base ball... ). Amoureux de la vérité optique, il s'intéresse aussi à la photographie. En 1882, il devient professeur à l'académie des beaux-arts de Pennsylvanie, une école d'art avant-gardiste où l'on enseigne notamment la photographie. En 1886, il perd son poste de professeur à l'académie pour avoir admis un public féminin lors d'un cours d'anatomie d'après modèle masculin... 

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Zinaida Serebriakova (1884-1967) - Portrait of Boris Serebriakov

Zinaida Serebriakova  (1884-1967) 

 Portrait of Boris Serebriakov,  1913

Zinaïda Evguenievna Serebriakova (Зинаи́да Евге́ньевна Серебряко́ва), née Lanceray est une artiste peintre russe. Son nom de jeune fille, d'origine française se transcrit parfois directement du russe en Lansere (Лансере). Elle signait habituellement ses toiles : Z. Serebriakova en caractères latins ou cyrilliques. Elle se faisait aussi appeler à l'ancienne manière française de transcription des noms russes (usitée jusque dans les années 1960) Serebriakoff avec deux f. Ses intimes l'appelaient affectueusement Zika ou Zina . Elle fut la première femme russe à être reconnue comme peintre important.Elle est enterrée au cimetière russe de Sainte-Geneviève-des-Bois, à côté de Paris.

Nicolas de Largilliere (1656-1746) - Jeune homme inconnu

Nicolas de Largilliere (1656-1746) 

 Jeune homme inconnu, c. 1695

Nicolas de Largilliere (qui s'écrit aussi Largillierre) est  sans doute l’artiste le plus complet de sa génération. Ce peintre aux talents multiples était à l’aise aussi bien avec les natures mortes, qu’avec les tableaux historiques, les paysages ou les portraits, sa maîtrise technique lui permettant de jouer avec les matières, les couleurs et les lumières sans jamais  en faire un exercice froid. S’il s’était signalé par quelques tableaux historiques, il s’adonna plus particulièrement, sans renoncer à la grande peinture, au genre du portrait, dans lequel il excellait, surtout ceux des femmes où il savait démêler, dans leur physionomie, les traits constituant à la fois la beauté et le caractère. Il pouvait, sans s’écarter du modèle, y découvrir des grâces inaperçues et faire valoir les beautés apparentes, de façon que les femmes étaient d’autant plus sensibles aux flatteries de son pinceau, qu’il semblait n’avoir exprimé que la vérité, et qu’ainsi en regardant leur portrait, en les trouvait ressemblantes avant de les trouver belles. La ville de Paris ayant donné un repas à Louis XIV à l’occasion de sa convalescence, en 1687, voulut consacrer le souvenir de ce repas mémorable. Largillierre fut choisi pour le peindre, et, comme s’il eut compris ce que désiraient, au fond, les officiers du corps de ville, il fit leur portrait de grandeur naturelle au premier plan, leur prêta quelques gestes insignifiants, pour avoir l’occasion de peindre de belles mains à la Van Dyck, et rejeta Louis XIV et sa cour dans le vaporeux de la perspective. Cette représentation des échevins parisiens en costume et perruque s’appelle néanmoins la Convalescence de Louis XIV. 

Ses portraits, dans la tradition flamande de Rubens et van Dyck, gardent toujours une vie et une sensibilité qui font de lui l’un des plus grands peintres du règne de Louis XIV et de la Régence. 

Il laissa, à sa mort, 4 500 portraits.

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Peder Severin Kroyer (1851-1909) - Self portrait

Peder Severin Kroyer (1851-1909)

Self portrait, 1897

Collection Hirschsprung

Le peintre et sculpteur Peder Severin Krøyerst est aàla fois  danois et norvégien. Il est l'un des peintres de Skagen, une communauté d'artistes danois et nordiques qui vécurent, se réunirent et travaillèrent à Skagen au Danemark, à la fin du 19e siècle.

L’œuvre la plus connue de Krøyer est sans doute la Soirée d'été sur la plage du sud de Skagen avec Anna Ancher et Marie Krøyer (Sommeraften ved Skagen Sønderstrand med l'og Marie Krøyer d'Anna Ancher) peinte en 1893. Il a peint beaucoup de scènes de plage.

Une autre œuvre assez connue est le Feu de la veille de Saint-Jean sur la plage de Skagen (Rive de Sankthansbål på Skagen) de 1903. Ce grand format dépeint un ensemble de personnalités de la communauté artistique et influente de Skagen autour d'un grand feu sur la plage la veille de la Saint-Jean. Ces deux œuvres sont conservées au musée de Skagen, lequel est consacré à cette communauté artistique.

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Paul Cadmus (1904-1999) - Nude of an old man

Paul Cadmus (1904-1999) 

 Nude of an old man

Paul Cadmus  est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et reçoit de nombreuses commandes.

Dans les années 1960, son œuvre révèle plus franchement aux yeux du public une forme d'homoérotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins, tandis que son style évolue vers le réalisme magique.

Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donne plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nu masculins, et de filles et garçons du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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