Mosaïques Antiques - Portraits d'Athlètes romains

 

Portraits d'athlètes romains
Mosaïques (restaurées) provenant du sol des Thermes de Caracalla.
1ere moité du 4e siècle 
Musées du Vatican. Musée profane Grégorien, Rome

La mosaïque est une forme d'art romain par excellence car ni la Grèce classique ni les Grecs d'Alexandrie n'avaient su lui donner la richesse du répertoire iconographique qu'elle a eue sous l'Empire romain et encore moins la répandre dans tout le bassin méditerranéen comme le fit Rome. La mosaïque polychrome est totalement maitrisée par les Romains dès le IIe siècle av. J.-C.
Grâce à l'activité de ses ateliers itinérants, toutes les provinces situées autour du mare nostrum, ont connu dès les débuts de l'expansion romaine cet art qui a trouvé un terrain d'élection dans les pays où la lumière est reine.
On distingue plusieurs types de mosaïques : « l’opus vermiculatum » consiste à imiter le plus fidèlement possible les effets de la peinture et ses nuances, les tesselles sont alors d’une extrême finesse (quelques millimètres de côté). Dans « l’opus tesselatum » les cubes sont un peu plus gros (8 à 10 mm de côté) mais la rapidité d’exécution permet de recouvrir de grandes surfaces. Différentes tendances se distinguent : les ateliers de Rome et d’Ostie qui connaissent leur apogée au IIe siècle, sous les règnes de Trajan et d’Hadrien, privilégient les figures noires sur fond blanc et les effets graphiques crées par ce contraste.
Les ateliers africains, qui témoignent du succès de la mosaïque dans tout l’empire, préfèrent les compositions polychromes avec un goût marqué pour les scènes de chasse ou d’amphithéâtre. Dans la partie orientale de l’Empire, on privilégie les scènes mythologiques dans un rendu plus proche de la peinture.
L'exposition, organisée en 2001 par l'Union Latine au musée archéologique de Madrid, a mis l'accent sur l'art de la mosaïque tel qu'il est illustré dans les pays du bassin méditerranéen.
L'une de ses particularités majeures est l'abondance et l'extrême diversité des représentations animale.

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2021- Men Portraits
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Mosaïques antiques - Esclave servant des pains

 

Mosaïques antiques
Esclave servant des pains
Détail d'une mosaïque tunisienne, IIe siècle
Musée du Louvre, Paris
Département des antiquités grecques, romaines et étrusques 

Cette mosaïque du IIe siècle représente un banquet à l 'époque des premiers chrétiens, banquet dans lequel servent des esclaves. Ceci indique de façon clair que malgré les préceptes charitables et fraternels prônés par le Christ, la société paléochrétienne continuait de fonctionner sur le modèle socio-économique de l’Empire romain, basé sur l’utilisation d’esclaves. Quelques textes du Nouveau Testament présentent d'ailleurs l’esclavage, comme allant de soi, et recommandent même aux esclaves d’être bons avec leur maitres !

" Esclaves, obéissez à vos maîtres d’ici-bas avec crainte et tremblement, d’un cœur simple, comme au Christ, non parce que l’on vous surveille, comme si vous cherchiez à plaire aux hommes, mais comme des esclaves du Christ qui s’empressent de faire la volonté de Dieu.
Servez de bon gré, comme si vous serviez le Seigneur, et non des hommes.
Vous le savez : ce qu’il aura fait de bien, chacun le retrouvera auprès du Seigneur, qu’il soit esclave ou qu’il soit libre.
Et vous, maîtres, faites de même à leur égard. Laissez de côté la menace : vous savez que, pour eux comme pour vous, le Maître est dans les cieux et qu’il ne fait aucune différence entre les hommes."
Ephésiens 6,5-9

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2021- Men Portraits
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Mosaïques antiques - Masques de théâtre et lyre

Mosaïques romaines
Nature morte aux masques de théâtre et lyre, 1e siècle av. JC
Musées du Vatican

Pendant l'Antiquité romaine, les acteurs jouaient avec des masques. Les acteurs étaient tous des hommes, la scène étant interdite aux femmes. Les masques romains servaient à amplifier la voix des acteurs et à définir clairement par des traits caricaturaux leur caractère de façon à ce que chaque spectateur puisse les entendre, même ceux qui étaient placés loin de la scène. Il existe deux sortes de masques : ceux destinés à la comédie et ceux destinés à la tragédie. Les masques de tragédie, au nombre de 32 caractères différents étaient très réalistes, avec barbe, oreilles pointues et crâne chauve. Les masques au nombre de 44 mais presque tous les originaux, en chiffons et plâtres ont tous disparu. Ces mosaïques les représentant sont donc les dernières traces que l'on en ait de nos jours.
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2021- Men Portraits
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Anon. antique sculptures - La Tombe du Plongeur (paroi sud)

 

La Tombe du Plongeur
Fresque 480-470 av. J.-C
Paroi latérale sud (ensemble et détail)
Musée archéologique national de Paestum

La fresque dite de la Tombe du Plongeur est composée d'une série de scènes peintes dans une tombe à caisson datant de la Grande-Grèce, découverte le 3 juin 1968 par l'archéologue Mario Napoli, pendant les fouilles d'une petite nécropole située à 1,5 km au sud de Paestum (Poseidonia, Italie), cité fondée par des colons de Sybaris. La tombe comporte 4 parois et une dalle peinte qui représente chacune une scène différente. La dalle représente un plongeur alors que les parois représentent des scènes de banquet ou des personnages en action.
Comme sur la paroi latérale sud, on peut voir sur la paroi nord une autre scène de banquet représentant cinq convives disposés en klinai  Le couple situé à droite, pris dans une « scène amoureuse », renvoie peut-être à la paideia ou aux joutes érotiques. Ce couple est observé par un des personnages situés au centre, tandis que les deux autres, à gauche, s'amusent au jeu du cottabe dont le signifiant est également érotique. C'est le « couple amoureux » qui est situé au plus près de la tête du défunt et qui s'apprête à être servi par l'œnochoé. Napoli et Rouveret notent que le dessin préparatoire est beaucoup plus soigné ici que pour la paroi latérale sud. Le jeune homme tenu par la nuque et dont l'habit est particulièrement soigné (ceinture rouge, motifs ondulés) occupe la place d'honneur selon l'ordonnancement du symposium. On y a vu une représentation du défunt.
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2021 - Men Portraits
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Tête de Jupiter (Zeus) couronné de lauriers et de lierre

 

Tête de Jupiter (Zeus) couronné de lauriers et de lierre

Camée en sardonyx

Musée du Louvre, Paris 

Ce célèbre camée en Sardonyx conservé au Louvre ) Paris représente le dieu Jupiter couronné de lauriers et de lierre et portant une armure d'écailles  appartitnt à un empereur romain avant de faire partie des collections royales française.

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2020 - Men Portraits
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Le plongeur - Tombe du Plongeur de Paestum

 

Le plongeur

Tombe du Plongeur de Paestum, c.480 av..J.-C

Musée archéologique national de Paestum

La fresque de la Tombe du Plongeur est composée d'une série de scènes peintes dans une tombe à caisson datant de la Grande-Grèce, découverte le 3 juin 1968 par l'archéologue Mario Napoli, pendant les fouilles d'une petite nécropole située à 1,5 km au sud de Paestum (Poseidonia, Italie), cité fondée par des colons de Sybaris. Elle se trouve actuellement exposée au Musée archéologique national de Paestum. Elle daterait de 480-470 av. J.-C.
Une des dalles décrit un motif d'homme plongeant dans l'eau, connu sous le nom de motif du Plongeur..Ce motif, situé sur la voûte céleste et face au mort, peut éventuellement symboliser le saut vers l'inconnu. L'homme plonge vers une étendue d'eau à surface convexe, représentant la mer (Okéanos). On remarque également la récurrence du chiffre 7, présent dans la représentation du jeu de colonnes d'où saute le plongeur ainsi que dans les branches des arbres, qui sont des oliviers. Ce chiffre symbolise la régénération. Les branches des arbres peuvent aussi témoigner d'une possible amélioration de la vie une fois le défunt dans « l'au-delà » (l'Hadès, « l'invisible ») : on peut observer que l'arbre situé à droite et localisé derrière le plongeur, connaît par endroits des cassures au niveau de ses branches tandis que l'autre arbre, situé à gauche, est entièrement redressé. Par ce saut situé sur la face intérieure du couvercle du caisson, l'artiste a voulu peut-être tout à la fois rendre hommage aux qualités athlétiques du défunt et symboliser dans un même geste le passage du temps et le changement d'état, la vie donc. L’au-delà, le monde de l’Hadès, est possiblement représenté par ce qui est sous l’eau (où est le non-visible, l'inconnu), la limite entre le monde des vivants et celui des morts étant représentée par cette colonne d’où plonge le personnage.

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2020 - Men Portraits
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Sculpture antique anonyme - Gaulois blessé de Délos

Gaulois blessé de Délos

Marbre, circa 100 av. JC

Musée national archéologique, Athènes

Statue d'un guerrier gaulois trouvée dans l'Agora des Italiens à Délos. 

Ce thème du guerrier blessé est apparu dans la statuaire grecque à la suite de la victoire d’Attale Ier de Pergame sur les Gaulois  en 237 av. J.-C.,

Le guerrier, blessé à la cuisse, est tombé à terre sur son genou droit et tente de se défendre avec son bras gauche. Sur le sol repose а côté de lui un casque galate. 

Cette oeuvre est présentée par le Musé qui al conserve comme un exemple typique de la sculpture hellénistique tardive, caractéristique de l'Ecole  de Pergame

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2019 - Men Portraits 

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Apollonius et Tariscus de Tralles (-300 / 250 av J.C) - Le Taureau Farnese

Apollonius et Tariscus de Tralles ( -300 / 250 av JC)

Le Taureau Farnese 

Museo Archeologico di Napoli.

Vue d'ensemble

Le Taureau Farnèse est l'un des groupes les plus monumentaux de l'Antiquité classique.
Sculpté en ronde-bosse dans un seul bloc de marbre, il mesure plus de 5 mètres de hauteur avec une assise de 3,30 m sur 3,30 m et un poids de 24 tonnes.

Figurant le supplice de Dircé, ce groupe importé de Rhodes à Rome par le riche Asinius Pollio qui vécut dans la période entre la République et le Principat fut retrouvé lors des fouilles archéologiques entreprises par le pape Paul III (Farnese) dans les thermes de Caracalla, à Rome, en 1546.
Il fut immédiatement déplacé dans la cour du Palais Farnèse (qui lui donna ainsi son nom).

Il s 'agit en réalité d'une copie romaine antique adaptée d'un original grec hellénistique que Pline l'Ancien attribue aux frères jumeaux Apollonius et Tauriscus de Tralles à la fin du IIe siècle av. J.-C.
Très célèbre pendant tout la fin fin du 16 et le 17e siècle, l'oeuvre suscita de nombreuses convoitises au point que Louis XIV lui même, fit une offre d'achat... en vain.
En 1788, le groupe est donné en dot à l'héritière de la famille Farnèse, Élisabeth, mariée au roi Philippe V d'Espagne, et il est ensuite transporté à Naples. Leur fils Charles de Bourbon, roi de Naples et de Sicile et, plus tard, roi d'Espagne, en hérite en 1826 et le groupe est transféré au Musée archéologique de Naples où il est toujours visible depuis cette date.

Le groupe sculptural représente un moment précis d'une scène mythique où Dircé, femme de Lycos, régent de Thèbes, est en train d'être attachée par les cheveux à un taureau sauvage par Amphion et Zéthos, les fils d'Antiope que Dircé avait maltraitée pendant sa captivité.

 Le taureau indompté, traina Dircé attachée sur des rochers où elle fut mise en pièces.
Les dieux, touchés de son malheur, la changèrent en une source qui porta son nom et qui coulait près de Thè bes 

Détail - Tête du taureau sauvage

      

A l'arrière de la sculpture, une autre femme un peu en retrait, une déesse peut être, 

assiste aussi à la scène en spectatrice.

 Une multitude de figures animales apparaissent sous le rocher sur les côtés et l'arrière de la sculpture ; on peut y voir un cerf et une biche dans une forêt, un mouton escaladant un rocher, un lion attaquant une biche, des chiens, un aigle, et quelques interprétations d'animaux exotiques difficiles à identifiés aujourd'hui. 

Un petit garçon (peut être le fils de Dircé et de Lycos) accompagné d'un chien assiste à ce spectacle, cachés sous un rocher en contrebas de la scène.

Détail des pieds et du drapé de l'habit de Dircé.

Dircé sous les sabots du taureau



Détail du visage de Dircé sous les sabots du taureau

 Zethos, le frère jumeau d''Amphion, tient l'autre corne de la tête du taureau auquel Dircé va être attachée.

Amphion tient la tête du taureau sauvage auquel il va attacher Dircé.

Dessin fait d'après le groupe romain découvert au 16 e siècle. 

On constate que les animaux présents sous le rocher sont moins nombreux et moins détaillés que ceux de la sculpture d'aujourd'hui. Sans doute ont ils été ajoutés au 20e siècle au moment de sa restauration sou l'ère de Mussolini.

Anon. antique sculptures - Hercule dit "Flavien" (68- 98 AC)

Anon. antique sculptures 

Hercule dit  "Flavien" (68- 98 AC) 

Metropolitan Museum of Art, New York 

Anon. antique sculptures - Hercule ivre

Anonymus antique scupltures 

Hercule ivre

Herculanum - 1e  siècle après J. C. 

Sculpture antique - Le Faune Barberini

Sculpture antique 

Le Faune Barberini

3e siècle av JC 

Glyptothèque de Munich  (Inv. 218)

Le Faune Barberini, statue grecque antique de l'époque hellénistique, représenteun satyre endormi.
La statue fut découverte de façon assez mystérieuse sous le pontificat d'Urbain VIII (1623-1643) au château Saint-Ange, à Rome. Elle entra aussitôt dans les collections de la famille du pape, les Barberini, qui lui donna son nom. Le cardinal Maffeo Barberini commissionne alors le Bernin pour restaurer la statue, dont la jambe droite, une partie des mains et de la tête. On ignore si le travail a été effectué par le Bernin lui-même ou l'un de ses disciples mais  selon la tradition, le Bernin aurait accentué l'aspect homo-érotique de la statue.
La statue acquiert rapidement de la notoriété.

En 1700, elle est citée comme le « Faune du palais Barberin » illustrant le « sommeil naturel », par l'abbé Raguenet dans ses Monuments de Rome.
Elle est vendue par les Barberini dans la deuxième moitié du 18e siècle, lors du grand dispersement de leurs collections. 

Elle appartient un temps à un sculpteur et marchand, Vincenzo Pacetti, avant d'être achetée dans les années 1810 par le roi Louis Ier de Bavière alors prince héritier,  puis elle est  installée à Munich dans la Glyptothèque, musée spécialement créé pour accueillir ses nouvelles collections de sculpture grecque. Elle y est toujours conservée de nos jours.

Haute de 2 m 15, la statue est en marbre blanc a l'origine mais qui a acquis une patine jaune sombre. au cours des siècles. On ignore dans quel contexte antique cette statue  s'insérait : était-ce un élément d'un groupe ou une statue isolée ? S'agissait-il d'une offrande religieuse ou d'une œuvre décorative ? La puissance de l'expression, rappelant l'école de Pergame et la maîtrise de la représentation en trois dimensions, accorde  les experts à rattacher cette œuvre à l'Asie mineure de la fin du 3e siècle av. J.-C. On ne connaît pas de copies antiques du Faune Barberini, mais l'existence d'une variante en bronze découverte dans la Villa des Papyrus d'Herculanum, antérieure au 1er siècle av. J.-C.
De nombreuses copies modernes du Faune Barberini sont connues, souvent l'œuvre de pensionnaires de la Villa Médicis. Parmi celles-ci, on peut citer :
- celle d'Edmé Bouchardon, prix de Rome en 1722, exposée successivement au parc Monceau, au parc de Saint-Cloud et au Jardin du Luxembourg, actuellement conservée au musée du Louvre ;
- celle d'Eugène-Louis Lequesne, prix de Rome en 1844, actuellement conservée à l'École nationale supérieure des beaux-arts (Paris).

La queue du Faune  Barberini dépassant de l'assise de la statue

Sculpture antique - Les deux coureurs

Sculpture antique

I due corridori (Les deux coureurs)

Villa dei Papiri di Ercolano

Museo Archeologico di Napoli.

Sculpture antique - Hercule Farnèse

Sculpture antique

Hercule Farnèse 

Musée archéologique national de Naples.

Sculpture antique - Le faune Barberini

Sculpture antique

Le faune Barberini (détail) 

Glyptothèque de Munich, Inv. 218

Sculpture antique- Menelas and Pratrocles

Sculpture antique
Ménélas portant Patrocle - IVe siècle
Loggia dei Lanzi, Firenze

La loggia dei Lanzi sur la piazza della signoria de Florence possède un célèbre groupe sculpté intitulé Ménélas soutenant le corps de Patrocle. Il s'agit d'une reconstitution artistique du XVIIe siècle menée par Pietro Tacca et Lodovico Salvetti à partir d'un buste antique du IIIe siècle av. J.-C., découvert à Rome au XVe siècle et appelé le Pasquino, visible sur la Piazza Pasquino à Rome.
Sans attendre les représentations scupturales, on peut, à travers les auteurs antiques comme Homère avoir une idée assez de l'apparence physique de Ménélas, aussi impressionnante que celle de la plupart des héros grecs. Anténor se souvient de lui quand il vint à Troie avec Ulysse : « Quand tous deux se mêlaient aux Troyens assemblés, Ménélas était d'une taille plus élevée ; mais, s'ils s'asseyaient, Ulysse semblait être le plus majestueux. »  Homère insiste sur la   blondeur de ses cheveux, à tel point que dans l'ensemble de l’Iliade et l'Odyssée, c'est l'épithète qui revient le plus couramment . Ils semble qu'il ait eu les cheveux longs comme les autres grecs, ce qui lui donnait l'aspect d'une crinière de lion. Homère évoque aussi « les fortes cuisses » et les « belles chevilles » de Ménélas qu'il compare à de l'ivoire.
Homère insiste aussi sur le caractère guerrier de Ménélas : « aimé d'Arès », « comme Arès », « bon à lancer le cri de guerre », « célèbre pour sa lance », « le vaillant ».
Sa voix possède une certaine force puisque son cri de guerre est dit « fameux ». Il s'exprime bien et clairement mais sans atteindre l'éloquence d'Ulysse qui captive son auditoire.

Patrocle  est un des guerriers grecs de la guerre de Troie,  décrit dans l’Iliade.
Dans le récit d'Homère Patrocle « Ménœtiade »  est l'ami intime d'Achille, et également son cousin qui l'accompagne à Troie. Quand les Troyens menacent d'envahir le camp grec, il parvient pendant un temps à mettre en déroute l'ennemi, escaladant  les murs et abattant courageusement plusieurs guerriers, dont Sarpédon, fils de Zeus, ... mais  par trois fois il rencontre Apollon qui le fait chuter de son char avant de rencontrer Euphorbe qui, a son tour,  le blesse mortellement,  le livrant ainsi affaibli à Hector qui l'achève d'un coup de lance dans le dos et le deéouille de  ses armes.
C'est alors que le roi Ménélas et Ajax le Grand protègent le corps de Patrocle (le sujet de la scuplture ci dessus) avant de le  rendre à Achille qui décide alors de reprendre les armes pour venger son ami Patrocle, sans se soucier du danger. À partir du Ve siècle av. J.-C., les deux jeunes gens deviennent également un symbole des relations homosexuelles, dont se réclament par exemple Alexandre le Grand et Héphæstion. Platon loue son courage.

Sculpture antique

Sculpture antique
Les deux coureurs (détail) 

Sculpture antique - Galateo tombant

Galatée tombant. 

Copie romaine en marbre blanc d'un original grec en bronze.

Museo Archeologico Nazionale (Venezia).

The Meroe Head - The head of Augustus

A

The Meroe Head - The head of Augustus  bronze head 

from an over-life-sized statue,likely made in Egypt, C.27-25 BC. 

Height: 46.2 centimetres , Width: 26.5 centimetres Depth: 29.4 centimetres Weight: 17 kilograms 

© Trustees of the British Museum

Tête en bronze provenant d'une statue monumentale d'Auguste : la tête, brisée au niveau du cou  est, par ailleurs, dans un excellent état de conservation. 

Les yeux sont incrustés, avec des pupilles en verre fixées sur des anneaux en métal ;  les iris sont en calcite. Les sourcils sont rendus par saillie de la sculpture.

La tête de l'empereur est tournée vers la  droite, avec une torsion prononcée du cou typique du travail hellénistique. Les cheveux tombent sur le front dans une coupe divisée et incurvée qui est la  marque de la plupart des portraits d'Auguste dans sa période impériale.
La bouche est légèrement tournée vers le bas, caractéristique du portrait hellénistique tardif.
 Les oreilles font nettement saillie, les lobes supérieurs se penchant en avant.

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