Yiannis Moralis (1916 -2009) - Autoportrait avec Nikos Nikolaou

Yiannis Moralis (1916 -2009)
Autoportrait avec Nikos Nikolaou,1937
Collection privée

Yiannis Moralis est né à Arta en 1916, sa famille s'installe à Athènes en 1927. En 1931, il s'inscrit à l'École des beaux-arts d'Athènes, où il étudie la peinture sous Constantinos Parthenis et Umbertos Argyros. Après avoir obtenu son diplôme en 1936, il reçut une bourse pour étudier à Rome pendant un an. Il s'installe ensuite à Paris et suit des cours de peinture et de fresque à l'École des Beaux Arts ainsi que des cours de mosaïque à l'École des Arts et Métiers. En 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale, Moralis revient en Grèce et rejoint les forces armées.
Il participe pour la première fois à une exposition en 1940. De nombreuses autres expositions suivent tant au niveau national qu'international.
A partir de 1947, Yiannis Moralis enseigne à l'École des beaux-arts d'Athènes jusqu'à sa retraite en 1983. En 1949, il forme « Armos », un groupe avec d'autres artistes dont : Nikos Hadjikyriakos-Ghikas, Yannis Tsarouchis, Nikos Nikolaou, Nikos Engonopoulos et Panayiotis Tetsis. ‘Armos’ a tenu sa première exposition en 1950 à Zappeion, Athènes.
À partir des années 1950, il évolue vers un style géométrique incorporant des formes courbes, s'éloignant des représentations figuratives réalistes de ses premiers travaux.
Au cours de sa carrière, Moralis a également participé à des décors de théâtre et à la conception de costumes pour le Théâtre national grec et le Ballet national grec. Il a également décoré des architectures telles que la façade du Hilton d'Athènes, la station de métro "Panepistimiou" et la gare centrale d'Athènes.
Il avait été nommé Commandeur de l'Ordre royal du Phénix en 1965 et de l'Ordre d'honneur en 1999.
Son travail est conservé à la National Gallery, Grèce, à la Municipal Gallery, Athènes, à la Municipal Gallery, Rhodes, à la Leventis Gallery, à la Averoff Gallery, au Vorres Museum, au Benaki Museum et dans de nombreuses autres collections publiques et privées.

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Anton Romako (1832-89) - Autoportrait

Anton Romako (1832-89)
Autoportrait, 1860
Musée du Belvédère, Vienne

Anton Romako est un peintre autrichien. Bien qu'il ait peint un grand nombre de paysages, il est principalement connu pour ses portraits et ses scènes historiques, peintes dans un style académique qui peut confinier à la mièvrerie ...par instant !  Ce merveilleux autoportrait au regard perdu dans le vague, fait exception à ses productions habituelles. Plusieurs de ses peintures sont aujourd'hui exposées au musée du Belvédère, à Vienne.
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Edmund Archer (1904-1986) - Howard Patterson of the Harlem Yankees

Edmund Archer (1904-1986)
Howard Patterson of the Harlem Yankees. 1940
Huile sur toile, 86, 7 x 74,1 cm
Whitney Museum of American Art

Edmund Archer fut un artiste américain surtout connu pour ses portraits d'Afro-Américains.Née dans uen famille de notables de Virginie, il suivra  continuellement des cours d'ar, t de l'enfance à l'âge adulte. Sa longue carrière comprenait des périodes passées à Richmond, Paris, New York et Washington, DC En plus de la peinture, il a été conservateur adjoint au Whitney Museum of American Art et instructeur à la Corcoran School of Art . Son style de portrait tendait vers une planéité semblable à celle des affiches qu'il fit  au début de sa carrière et plus tard vers un style modélisé plus traditionnel. Il a peint avec un haut degré de réalisme et a rarement expérimenté un quelconque degré d'abstraction. Les galeries et les musées lui offrirent de fréquentes expositions et les collectionneurs individuels et institutionnels lui procurèrent de confortables  revenus. En 1938, un critique a dit  de lui qu'il était considéré comme « l'un des meilleurs des jeunes artistes aux États-Unis ». Quelques mois plus tard, un autre critique a attribué son succès à un travail acharné : "Edmund Minor Archer a su  porfiter de quelques avantages, mais son succès est l'histoire d'un artiste sérieux et profondément talentueux qui a travaillé et étudié dans l'humilité et la dévotion, et a atteint tôt le sommet'.
En 1941, Archer fut photographié en train d'utiliser une technique inhabituelle dans laquelle il plaçait son chevalet à côté de son modèle et peignait à l'aide d'un pinceau attaché à une longue perche.
Certains de ses derniers portraits étaient exceptionnellement grands tout en affichant le style sculptural pour lequel il était devenu connu, approximativement grandeur nature, avec une individualité convaincante et une solide connaissance de l'anatomie dans ses peintures de personnages. 

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Jacob-Ferdinand Voët (1639-1700) - Autoportrait en buste

Jacob Ferdinand Voet (1639-1700)
Autoportrait en buste
Huile sur toile,73x58cm \ avec cadre 91x77cm
Collection,privée, courtesy Sotheby's New York 01.2022

Jacob Ferdinand Voet a peint cet autoportrait presque monochrome en juillet 1681 à Milan. Il est très étroitement lié à deux autres autoportraits, dont l'un date d'environ 1673 et se trouve aujourd'hui à la Galleria degli Uffizi, Florence, et l'autre, qui est également inscrit et datable de 1682/6, se trouve à la Pinacothèque Brera, Milan. Celui-ci se situe entre les deux et présente Voet comme un artiste magistral ainsi qu'un homme de statut et de richesse. Voet fut célébré à Rome dans les années 1670 comme portraitiste de la noblesse, bien qu'il ait été contraint de partir lorsque le pape Innocent XI eût désapprouvé ses portraits de femmes un peut trop suggestifs. Il arrive à Milan en 1680 et en 1681, année de cet autoportrait, il est également enregistré au service des Médicis à Florence. L'accent mis sur le modèle sur un fond uni et l'accent mis sur les yeux sont les caractéristiques de ses portraits de modèles de l'élite, et ici il se présente comme tout aussi important. 

 

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Portrait d'un Jeune Homme

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Portrait d'un Jeune Homme, 1966
Collection privée

Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées, au point de devenir après sa mort une vertiable icône de "l'art gay"

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Pieter Christoffel Wonder (1780-1852) - Portrait de Laurens van Schaik

Pieter Christoffel Wonder (1780-1852)
Portrait de Laurens van Schaik
Kroller-Muller Museum, Otterlo

Wonder fut en grande partie autodidacte. Il apprit son art principalement grâce à la copie des Maîtres anciens  bien qu'entre 1802 et 1804, il ait suivi quelques cours à la Kunstakademie Düsseldorf.  En 1807, il fonde la " Genootschap Kunstliefde " (Société de l'Amour de l 'Art) à Utrecht avec d'autres artistes. Jan Kobell en est le directeur. De 1823 à 1831, il travailla en Angleterre, où il se fit connaître comme portraitiste. Il  peignit aussi quelques scènes d'intérieur et des copies d'œuvres de Raphaël.

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Andrew Wyeth (1917-2009) - Nogeeshik

Andrew Wyeth (1917-2009)
Nogeeshik, 1972
Tempera, 62.5 × 54.3 cm
Seatle Art museum 

 

 

On  sait  très peu de choses sur Nogeeshik né en 1941, si ce n'est qu'il était Alconquin, membre de la tribu Ojibwa. Dans les années 60-70, il  fit profession d'être un artiste Ojibwe à Walpole Island, au Canada, tout en clamant haut et fort avait son désir d'un meilleur sort pour les peuples autochtones. Désir qui le mena à Boston où ils devient une figure politique des communautés autochtones et rencontra Andrew Wyeth. qui peignit de lui ce magnifique portrait.  De nombreux portraits de lui ont été réalisés à cette époque là.  Beaucoup voyait en lui une sorte de Martin Luther King de la cause des peuples autochtones. La fin de sa vie fut tragique, pris dans un incendie (probablement d'origine criminelle, comme il y en avait beaucoup à cette époque) dont il ne put s'extirper.

Le peintre aquarelliste américain Andrew Newell Wyeth, classé parmi les peintres « régionalistes » et réalistes américains est issu d'une dynastie d'artistes dont son propre père Newell Convers Wyeth (1882-1945), illustrateur connu qui fréquenta des célébrités de son temps comme Francis Scott Fitzgerald et Mary Pickford. Décidant de ne pas confronter son fils aux systèmes de l'éducation nationale ou privée, c'est lui même qui se charge de son éducation à la maison, l’initie à l’art, et tout particulièrement à l'art du paysage rural américain. À cette époque, il admire et est sensible à l'œuvre du peintre Winslow Homer. Plus tard, il apprend à maîtriser les techniques associées à l’aquarelle à base d'œuf, la tempera. Andrew Wyeth commence à peindre dans des nuances de bruns et de gris seulement. Il s’inspire de son entourage pour réaliser ses tableaux. Ses sujets préférés sont la terre et les habitants de sa ville natale, ainsi que ses proches. Sa grande maîtrise picturale lui permet de montrer sa réflexion mélancolique sur le temps qui passe et la faillibilité humaine.
Son fils Jamie, né en1946, est également un peintre et portraitiste reconnu. ____________________________________________
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Paul Cadmus (1904-1999) - Reclining Male Nude

Paul Cadmus (1904-1999)
Reclining Male Nude
Crayon sur papier teinté

Private collection  

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. dont ce blog publi, depuis 2016, l'intégralité des dessins connus De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et il reçut de nombreuses commandes. Dans les années 1960, son œuvre révéla plus franchement aux yeux du public une forme d'homo-érotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évoluait vers ce qui fut appelé le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, très référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté, et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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Alexander Deïneka (1899-1969) - Les conquérants de l'Espace

Alexander Deïneka (1899-1969)
Les conquérants de l'Espace, 1961
Collection privée 

 Alexandre Alexandrovitch Deïneka (Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка) est un peintre, graphiste et sculpteur soviétique. Membre fondateur des groupes Ost (Être) et Octobre, il réalisa la première grande œuvre historique révolutionnaire en 1928 : La Défense de Petrograd.
Vers 1931, il devient membre de l'Association des artistes prolétariens (AKhRR).
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il réalise des peintures monumentales et dramatiques, dont Banlieue de Moscou. Novembre 1941 constitue la première œuvre. Il parvient à transmettre une grande souffrance à travers son travail (Le Village brûlé, 1942), autant que l'enthousiasme héroïque (La Défense de Sébastopol, 1942).
Après la guerre, il continue de peindre et reprend son travail de mosaïque, notamment pour le palais des congrès du Kremlin.
Pour Les Joueurs de hockey (1960), il est récompensé du prix Lénine en 1964.
Certaines de ses oeuvres, notamment ses représentations de sportifs ou de soldats, comme dans Après la Bataille , sont d'une étonnante liberté et légèreté malgré le contexte répressif de l'URSS.

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Agustín Esteve Marqués (1753-1830) - Etude de nus masculins

Agustín Esteve Marqués (1753-1830)
Etude de nus masculins, 1795
Complutense, Madrid

 
Ce dessin qui rappelle beaicup celui des  Baigneurs, 1920  de Picasso, a été fait par Agustín Esteve y Marqués, peintre espagnol, principalement actif à la cour royale de Madrid. Agustín Esteve était un portraitiste de la couronne espagnole, il a été influencé par Francisco Goya et de nombreuses copies des portraits du grand maître. Le portrait de la marquise de San Andrés de Parme est l'un de ses chefs d'œuvre. Esteve est né et a grandi à Valence avant  d'étudier à l'Académie des beaux arts de San Carlos.  Comme Goya, Esteve s'est établi lorsque le néoclassicisme de Raphaël Mengs était encore dominant à Madrid. Cependant, à la fin du xviiie siècle, Esteve a aussi été influencé par Goya. Le 14 juin 1800, le roi a nommé Esteve ,peintre de la cour. Il recevait un salaire de 6 000 réals, à comparer aux 15 000 que les peintres recevaient à l'époque et aux 65 000 perçus par Francisco Goya.

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Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) - Portrait d'un jeune artiste

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806)
Portrait d'un jeune homme, censé être Jacques-André Naigeon
Huile sur toile, 81, 5 x 65 cm
Musée du Louvre, Paris

Jacques-André Naigeon (1735-1810)  est un homme de lettres, traducteur et philosophe français presque totalement inconnu de nos jours et qui traversa la période troublée de la Révolution française avec un certain brio pour ne pas dire avec talent ! Avant d’écrire et de publier des livres pour son propre compte, Naigeon en publia pour le compte d’autrui. Familier de la maison d’Holbach et de l’officine philosophique qui s’y tenait, il a pour emploi de revoir les manuscrits du baron, d’en augmenter la dose d’athéisme, quand il ne la trouve pas suffisante, puis de les faire recopier et imprimer. Prudent, le baron d’Holbach ne voulait pas que son écriture soit livrée à  éditeur ; et ses manuscrits, quoique fort lisibles, étaient tous recopiés avant de passer à l’imprimerie. C’est ainsi qu'a été préparée et disposées pour la publication la plus grande part des productions philosophiques du baron d’Holbach, et en particulier son Système de la nature, qui parut sous le pseudonyme de feu Mirabaud.
 lus tard, ce sont ses propres œuvres que publie Naigeon. Agréé, comme disciple de d’Holbach et de Diderot, dans le groupe des philosophes et des encyclopédistes, il prend une part active, à côté de ses maîtres, à cette guerre sans relâche, dirigée non seulement contre les dogmes, les mystères et les rites de la religion révélée, mais encore contre les principes essentiels de la religion naturelle, tels que l’existence de Dieu, la Providence, les peines et les récompenses à venir, l’immatérialité et l’immortalité de l’âme, le libre arbitre. Chargé de la partie philosophique de l’Encyclopédie méthodique, Naigeon y prêche le fatalisme, le matérialisme, l’athéisme, notamment dans les articles consacrés à Collins, à Campanella, à Vanini et au curé Meslier. Il trouve pourtant mauvais, à une époque où il voulait devenir membre du Corps législatif, en 1804, que Sylvain Maréchal et Lalande lui aient donné place dans leur Dictionnaire des Athées. À défaut du Corps législatif, Naigeon devient membre de l’Institut de France en 1795, section de morale de la classe des sciences morales et politiques où il fut entièrement passif.

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Anthony Van Dyck (1599-1641) - Portrait des princes palatins

Anthony Van Dyck (1599-1641)
Portrait des princes palatins, 1637
Musée du Louvre, Paris

Anthony van Dyck est un peintre et graveur baroque flamand, surtout portraitiste, qui a été le principal peintre de cour en Angleterre, après avoir connu un grand succès en Italie et en Flandre. Il est notamment réputé pour les portraits qu'il réalisa du roi Charles Ier d'Angleterre, de sa famille et de la cour, peints avec une élégance décontractée qui influencera notablement les portraitistes anglais pendant près d'un siècle et demi. Il peignait également des sujets religieux et mythologiques, et était aussi un maître de la gravure à l'eau-forte.

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Anthonis Mor (1520-1575) - Alessandro Farnese en armure, 1561

Anthonis Mor (1520-1575)
Alessandro Farnese en armure, 1561
Collection privée

Antonio Moro, ou Anthonis Mor (est un peintre flamand. On le connait sous divers noms : son prénom est tantôt Anthonis, Antoon, Antonis, Anthony, Anthonius ou Antonio, son nom est tantôt Mor, More ou Moro, et il est également identifié par son titre acquis au cours de sa vie : Van Dashorst. Portraitiste très apprécié, il fait une carrière internationale, qui le mène а Bruxelles, Madrid, Lisbonne, Londres, Utrecht et Anvers.

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Albin Egger-Lienz (1868–1926) - Finale, 1918

Albin Egger-Lienz (1868–1926)
Finale, 1918
Sammlung Leopold, Vienna

Fils illégitime d'une jeune paysanne et de Georg Egger, peintre d'église et photographe, Albin Egger-Lienz est initié à la peinture par son père. Il poursuit ensuite ses études à l'Académie des beaux-arts de Munich entre 1884 et 1893. Son style subit alors principalement l'influence de Franz Defregger et de Jean-François Millet. En 1899, il s'installe à Vienne où il participe à la formation du mouvement Hagenbund. Dans les années qui suivent, il est particulièrement impressionné par l'œuvre de Ferdinand Hodler et son style évolue vers l'expressionnisme monumental. En 1911 et 1912, il enseigne à l'École des beaux-arts de Weimar. Mobilisé en 1914, il devient peintre de guerre jusqu'en 1917. À la fin de la Première Guerre mondiale, il s'installe définitivement dans la province de Bolzano.

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Adriaen Brouwer (1605?-1638) - La potion amère

Adriaen Brouwer (1605?-1638)
La potion amère,
Städel Museum, Frankfurt

Reprenant des sujets chers à Pieter Brueghel l'Ancien (vie paysanne), qu'il traite dans le style influencé par Frans Hals, et Pierre-Paul Rubens par l’intensité lumineuse et la transparence de ses couleurs, Brouwer excella dans les scènes de genre. Il peignit exclusivement des scènes de la vie paysanne et de tavernes – danses paysannes, joueurs de cartes, fumeurs, buveurs et bagarres –, caractérisés par une grande vivacité des caractères et par un sens de l’observation remarquable. Il exerça une influence significative non seulement sur Josse van Craesbeeck, que Brouwer aurait connu en prison et formé, mais également sur David Rijckaert, David Teniers le Jeune et les Hollandais Adriaen Van Ostade, Cornelis et Herman Saftleven. Rubens estimait hautement ses peintures au point d’en acheter un certain nombre pour sa collection d’œuvres d’art. Plusieurs dizaines de tableaux ainsi que plusieurs dessins sont à l'heure actuelle attribués à Adriaen Brouwer. Ces attributions sont la plupart du temps incertaines, étant donné que l'artiste ne signait et ne datait qu'extrêmement rarement ses œuvres – elles portent éventuellement ses initiales : un monogramme (qui ne constitue pas pour autant une garantie d'authenticité) –, et que bon nombre d'artistes de cette époque ou des suivantes ont donné dans le même genre. Ces attributions font parfois l'objet de révision.

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Albrecht Dürer (1471-1528) - Bildnis eines Geistlichen

Albrecht Dürer (1471-1528)
Bildnis eines Geistlichen (Un homme d'église)
National Gallery of Art, Wahsington DC

 Ce tableau fut considéré à Nuremberg (au 18 e siècle, comme etant le portrait de  Johann Dorsch, un frère augustin qui s'était converti assez tôt au porstestantisme. Cette identification fut cependant contestée par divers critiques, puisque Dorsch devint curé de la paroisse Saint-Jean de Nuremberg en 1528. D'autres ont émis l'hypothèse qu'il s'agissait d'un portrait de Huldrych Zwingli, le grand réformateur suisse ; mais seuls existent de lui des portraits de profil, qui ne permettent pas  à une comparaison raisonnable ou à une attribution fiable. La plupart des critiques opteraient pour la première identification, aussi parce que, selon des études plus récentes, la rencontre entre Zwingli et Dürer n'aurait pas pu avoir lieu avant 1519, à l'occasion d'une mission à Zurich à laquelle il participa avec son ami Pirckheimer et Martin Tucher.
Comme dans le portrait de Wolgemut (Germanisches Nationalmuseum, Nuremberg), Dürer réussit à exprimer efficacement la personnalité vigoureuse du sujet, modelant la tête avec une légère rotation vers la gauche, vers la lumière, et l'encadrant d'un sévère vêtement noir sur fond vert. Les coups de pinceau fins, notamment pour les cheveux et les cils, sont très bien conservés

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James Hart Dyke (b.1966) - Soldier, Camp Bastion, Afghanistan, 2007

James Hart Dyke (b.1966)
Soldier, Camp Bastion, Afghanistan, 2007
Oil on canvas 45 x 45 cm
Courtesy John Mitchell Fine Arts, London

James Hart Dyke’s work is centred on landscape painting, from the domesticity of paintings of country houses to paintings generated from physically demanding expeditions over remote mountains. James has also undertaken a series of projects including accompanying HRH The Prince of Wales as the official artist on royal tours, working as ‘artist in residence’ for The British Secret Intelligence Service, working as an artist embedded with the British Forces in war zones, working for the producers of the James Bond films and working as ‘artist in residence’ for Aston Martin. These projects required him to respond in many different ways and have allowed him to experiment with more graphic forms of painting influenced by his studies as an architect at the Royal College of Art. His portraits have been shown at the National Portrait Gallery and at the Royal Society of Portrait Painters exhibitions.
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Gustave Caillebotte (1848-1894) - Portrait d'un collegien

Gustave Caillebotte (1848-1894)
Portrait d'un collégien, 1879.
Collection privée

Le peintre français Gustave Caillebotte réalisa tout au long de sa vie plusieurs autoportrait de lui dont certains dans des cadrages très nouveaux et photographiques pour l'époque. Celui ci est plus traditionnelle si ce n'est que le parasol, véritable deuxième personnage de la toile occupe un bon quart de l'espace total. Peut-être même occupe-t-il la première place avec cette magnifique lumière rose et jaune que le tissu laisse filtrer en touches mi impressionniste mi pointilliste. Le chien, lui, fait la sieste à l'ombre du parasol.

En dehors des tableaux qu'il a peint et a laissé dans de nombreux musées et collections américaines, Gustave Caillebotte fut aussi mécène, collectionneur et organisateur des expositions impressionnistes de 1877, 1879, 1880 et 1882. Le talent de Caillebotte fut longtemps méconnu (sauf aux États-Unis) au profit de son rôle de « mécène éclairé ». Le peintre fut redécouvert dans les années 1970 à l'initiative de collectionneurs américains. Les rétrospectives de ses œuvres sont désormais fréquentes. Certains de ses tableaux se trouvent au musée d'Orsay à Paris.
Caillebotte est l'un des premiers grands peintres français à exposer régulièrement aux États-Unis, où il rencontra un vif succès, et où se trouvent aujourd'hui nombre de ses toiles. Il est l'un des fondateurs du courant « réaliste », qu'illustrera par exemple au 20e siècle l'américain Edward Hopper.
Fortuné, il n'a pas besoin de vendre ses toiles pour vivre, si bien que ses descendants possèdent encore près de 70 % de ses œuvres. À sa mort, Martial et Auguste Renoir son exécuteur testamentaire, prennent les dispositions pour que l’État accepte le legs de ses tableaux impressionnistes.
Les historiens d'art qualifient volontiers cet artiste « d’original et audacieux ». Sa technique ne l'est pas moins assez proche de l'art photographique, mais, par de puissants effets de perspectives tronquées, les distances et les premiers plans sont écrasés et l'horizon absent, d'où la perception instable et plongeante (Caillebotte invente la vue en plongée dans la peinture). Les effets de vue plongeante s'imposent dans son art à travers les personnages au balcon et ses vues en surplomb des rues et des boulevards.


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Constant Troyon (1810 - 1865) - Cavalier en Camargue

Constant Troyon (1810 - 1865)
Cavalier en Camargue
Huile sur panneau parqueté, 23 x 29.3 cm
Collection Privée ( via Christie's)

 
Constant Troyon est le fils de Jean-Marie-Dominique Troyon (1780-1817), peintre d'ornement et doreur à la Manufacture de Sèvres, et de son épouse Jeanne Pracht, ouvrière plumassière. Après avoir étudié les bases de son art avec Denis Désiré Riocreux (1791-1872), peintre, conservateur du musée de Sèvres, et Camille Roqueplan, il rencontre en 1830 le peintre Paul Huet avec qui il travaille. Dès ses débuts, il s'intéresse à la peinture de paysage et multiplie les études dans les bois de Meudon, de Compiègne ou de Saint-Cloud. Il présente ses premières oeuvres, encore imprégnées de l'enseignement néo-classique, au Salon de 1833. Sa rencontre avec le peintre Jules Dupré est décisive. Ce dernier l'encourage à travailler en plein air et lui apprend à voir et à apprécier les sites chaotiques de la forêt de Fontainebleau ainsi que l'esthétique des Théodore Rousseau, Camille Corot ou Narcisse Diaz de la Peña.
Tout en restant fidèle à ses amis, il s'oriente cependant de plus en plus vers la peinture animalière grâce à laquelle il rencontre un vif succès. Il aime peindre les chiens et met en œuvre dans ses tableaux de chasse un talent de coloriste exceptionnel.
En 1846-1847, il découvre les peintres paysagistes du siècle d'or néerlandais comme Paulus Potter ou Aelbert Cuyp. Troyon fait alors des animaux domestiques le sujet principal de ses tableaux. Il est d'un talent réaliste convaincu. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur après le Salon de 1849 et commence enfin à recevoir des commandes. Comme ses amis de l'école de Barbizon, il ne connaît la consécration qu'au Salon de 1855. Théophile Gautier vanta son style large et ample. En 1863, il entreprend un voyage à travers le Berry, le Limousin (École de Crozant) et la Bretagne avec les peintres Jules Dupré et Louis Cabat.  Eugène Boudin, a travaillé dans son atelier. Atteint par la folie, il peint, durant ses derniers mois, des vaches dans des arbres,  dont aucun tableau ne semble avoir été conservé. Il est inhumé à Paris au cimetière de Montmartre.

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Vintage photo of men - Un charbonnier de la Compagnie Transatlantique

 

 

Photo anonyme
Un charbonnier de la Compagnie Transatlantique de Fort de France, Martinique, 1900

Leonard de Vinci (1452-1519) Le prisonnier

 

 

 

Leonard de Vinci  (1452-1519)  

Le prisonnier  

Collection privée

 

Léonard de Vinci n'a pas été un peintre prolifique (seule une quinzaine de peintures de Leonard de Vinci sont parvenues jusqu'à nous) mais il l'a été comme dessinateur, remplissant ses journaux de petits croquis et de dessins détaillés afin de garder une trace de tout ce qui avait attiré son attention.
Son premier dessin daté est un paysage, Paysage de la vallée de l'Arno (1473), qui montre la rivière, les montagnes, le château Montelupo et les exploitations agricoles au-delà de celui-ci dans le plus grand détail.
Il existe de nombreuses études de beaux jeunes hommes, souvent associées à Salai, avec le visage rare, très admiré et caractéristique que l'on appelle le « profil grec » . Ces visages sont souvent en contraste avec ceux d'un guerrier. Salai est souvent dépeint dans des costumes et des déguisements. Léonard est connu pour avoir conçu des décors pour des processions traditionnelles. D'autres dessins, souvent minutieux, montrent des études de draperies. Le Musée Léon-Bonnat de Bayonne conserve un dessin de Léonard de Vinci représentant Bernardo di Bandino Baronchelli (l'un des assassins de Julien de Médicis lors de la conjuration des Pazzi), après sa pendaison à l’une des fenêtres du Palazzo del Capitano di Giustizia à Florence...

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Karl Olof Lindeqvist (1858 -1927) - Portrait d'Akseli Gallen-Kallela en 1906

Karl Olof Lindeqvist (1858 -1927)
Portrait d'Akseli Gallen-Kallela en 1906
Collection privée

Karl Olof (Kaarle Olavi) Lindeqvist (1858 -1927 ) était un docteur finlandais en philosophie, historien et chargé de cours qui fut un mai du peintre finlandais Akseli Gallen-Kallela, qu'il photographia sur ses skis en train d'arpenter la campagne finlandaise portant son matériel de dessin et de peinture en bandoulière.

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Raymond Rochette (1906-1993) - Le Grand Brasero

Raymond Rochette (1906-1993)
Le Grand Brasero
Huile sur bois, 1956.
130 x 110 cm.
Eco Musée Creusot Monceau, Collection Rochette. 

 

Le peintre français Raymond Rochette a commencé à peindre des tableaux représentant les paysages de son Morvan natal  des scènes de la vie rurale et de nombreux portraits.

Dès son enfance, il est fasciné par l’univers de la métallurgie lourde. Du Maroc, où il réalise son service national, il rapportera des paysages lumineux, mais dès cette époque il écrit à ses parents

 « Je crois qu’il serait intéressant de peindre les hommes au travail, suant, rouges avec les énormes machines, la poussière et la vapeur ».

En 1949, (13 ans après sa première demande), il obtient l’autorisation d’entrer dans l’usine du Creusot et d’y peindre. Rapidement accepté par les ouvriers, il les représente de plus en plus souvent, minuscules à côté des machines qu’ils dominent.  À partir des années 1980, l’homme apparaît au premier plan et de nombreux tableaux représentent soudeurs, meuleurs, chauffeurs, lamineurs... Le feu des coulées et du métal rougeoyant a toujours capté l’attention de Raymond Rochette.

 
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Paolo Veronese (1528-1588) - Portrait d' Alessandro Vittoria

Paolo Veronese (1528-1588)
Portrait d' Alessandro Vittoria,
Huile sur toile, 110, 5 x 81, 9cm
The MET, New York 

Paolo Caliari, dit Il Veronese, en référence à sa ville de naissance, Vérone, est un peintre vénitien qui eut une réelle popularité de son vivant. Connu comme un grand coloriste mais aussi comme un fresquiste hors pair surtout dans le domaine du trompe-l’œil, ses travaux les plus célèbres sont des cycles narratifs raffinés, d'inspiration religieuse, mythologique ou allégorique, exécutés selon un style dramatique et coloré, avec des arrangements majestueux et scintillants.qu'amplifie encore plus la dimension monumentale des œuvres.
Sa palette claire, ses ombres colorées, son univers poétique, la grâce sensuelle de ses personnages et son sens du décor en font un maître incontournable de la peinture du 16e siècle.
Il est également célèbre pour sa série de portraits aux visages éblouissants de naturel.
À sa mort, en 1588, Véronèse ne laisse pas d’école, mais son œuvre va influencer toute la peinture postérieure et de nombreux artistes comme Vélasquez ou Rubens puis, au 19e siècle, Eugène Delacroix et Paul Cézanne.

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Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891-1967) - Marin de la Flotte Rouge

Vladimir Vasilyevich Lebedev (1891-1967)
Marin de la Flotte Rouge, 1937
Collection privée

Vladimir Vasilyevich Lebedev (Влади́мир Васи́льевич е́бедев) a commencé sa carrière à l'age de 14 ans en peignant des cartes postales vendues dans une boutique de Saint-Pétersbourg. Sa première exposition à l'Académie des Beaux-Arts a eu lieu cinq ans plus tard. En 1913, il commence à travailler comme caricaturiste politique pour plusieurs journaux satiriques, dont le célèbre Satirikon (Сатирикон). À ce moment-là, il était déjà un illustrateur prolifique pour les magazines pour enfants Jackdaw ( Галчонок ), Le Journal Bleu (Синий Журнал), Le Jounnal de Tout le Monde (Журнал для всех) et Argus (Аргус) et, en 1917, il avait également illustré le livre pour enfants Le Lion et le Taureau.
Entre 1920 et 1922, quelques années seulement après la Révolution, Lebedev a été embauché pour créer plus de 500 affiches, ou pancartes, pour l'Agence télégraphique russe ( ROSTA ) et le Département de l'Agitation et de la Propagande (Agitprop ). Le but dans les deux cas était de promouvoir la solidarité de la classe ouvrière. Étant donné que les journaux et l'alphabétisation étaient limités, les affiches étaient stratégiquement affichées dans des vitrines vides - connues sous le nom de fenêtres ROSTA - qui fonctionnaient comme une forme grossière de communication de masse. Les affiches de Lebedev se distinguaient par leur imagerie austère et simplifiée : une seule figure, aux couleurs vives, construite à partir de formes géométriques épargnées et engagée dans divers types de travail.
Dans les années 1910 et 1920, il côtoyait bon nombre des personnalités les plus influentes du mouvement artistique d' avant-garde soviétique radical, parmi lesquelles le constructiviste Vladimir Tatline le cubo-futuriste Ivan Puni, le suprématiste Kazimir Malevitch le futuriste Vladimir Maïakovski et l' acméiste et formaliste littéraire. critique Nikolaï Pounine. Au milieu des années 1920, il s'associe au poète Samuil Marshak pour créer à la fois des livres d'images et des « livres de production » politiquement conscients. Cette dernière forme, unique à l'Union soviétique, racontait des histoires qui enseignaient aux enfants « le monde des travailleurs et comment les choses sont faites ». Vladimir Vasilyevich Lebedev faisait lui même partie intégrante de l' avant-garde russe : peintre, un caricaturiste politique et affichiste, avec un style expérimental influencé par l'art populaire russe, le lubki, le futurisme, le constructivisme, le suprématisme, le productionnisme et le cubisme. Pionnier dans le domaine de l'illustration pour enfants, il reconnaîtra plus tard son rôle dans l'invention d'un nouveau style d'illustration.

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Jean-Pierre Saint Ours. (1752-1809) - Etude de nu

Jean-Pierre Saint Ours (1752-1809).
Etude de nu pour
“Le Choix des Enfants de Sparte : le Père présentant son fils au juge," c. 1785.
Crayon su papier
Collection privée

Jean-Pierre Saint-Ours, est un peintre et dessinateur genevois. D’une famille de réfugiés huguenots établis à Genève à la fin du XVIIe siècle, Saint-Ours fut l’élève de son père, Jacques, avant de se rendre à Paris en 1769, est formé à l'Académie des beaux-arts dans l’atelier de Joseph-Marie Vien. Peintre d'histoire néoclassique, portraitiste d’effigies historiées et créateur de tableaux dessinés,  il a subi l'influence de Poussin et  du nouveau classicisme. Bien que lauréat du Prix de Rome en 1780, il se voit refuser une bourse d'étude à l’Académie de Rome car il n’est pas français et entreprend le voyage à ses frais. Après 12 ans passés à Rome, il retourne à Genève en 1792, en pleins troubles politiques, pour défendre sa patrie et ses idées. Il préfère cependant, se consacrer aux portraits historiés de notables culturels, scientifiques et politiques.

Sur le plan iconographique, Saint-Ours se distingua de ses contemporains en peignant des sujets rares représentant « les traits de mœurs de peuples différents de l'Antiquité » : Le choix des enfants de Sparte,(ci dessus)  Les Mariages germains et Les jeux olympiques sont trois œuvres importantes avec leurs dessins et études préparatoires. Bon peintre et excellent dessinateur, sa proximité d'inspiration avec François-André Vincent peut se voir, dans son Amour et Psyché dont un dessin et tableau qui évoquent l'Orithye enlevée par Borée vers 17812de son ami. Aux feuilles à la Sanguine proche de celle de Fragonard et d'Hubert Robert, s'ajoutent des œuvres comparables à Jacques-Louis David, et d'autres témoignant déjà d'une sensibilité préromantique. Influencé par la série du Lévite d'Éphraïm, d'après Jean-Jacques Rousseau, qui fut profonde sur Saint-Ours. Les quatorze épisodes de cette histoire, peints à l'huile puis exécuté au Lavis, s'étalent entre 1799 et 1806. Dans la galerie des portraits, ceux de notable genevois, montrent dans ce genre que le peintre n'avait rien a envier à ses collègues européens. Le Portrait de Jacques Tremblay dans la campagne genevoise évoque celui de Goethe par Johann Heinrich Wilhelm Tischbein, et certains tableaux de François-Xavier Fabre.

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Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666) - Homme Tarairiu

 

Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666)
Homme Tarairiu
Huile sur toile, 1641, 2,72 x 1,73cm
National Museum of Denmark

 

Précisons tout de suite qu'aucun graffiti n'a été ajouté sur cette toile et que tout le dessin est original, fruit de la transcription exacte de ce que le peintre a vu !

Le peintre hollandais Albert Eckhout, est connu pour ses toiles de la flore, de la faune et des habitants du Brésil. Eckhout et Frans Post étaient les artistes les plus célèbres de l'entourage de Johan Maurits de Nassau alors qu'il était gouverneur général du Brésil néerlandais de 1637 à 1644. On sait peu de choses sur la formation d'Eckhout, ses débuts de carrière et les raisons de sa nomination, et on ne sait pas exactement quand il est arrivé au Brésil. Parce que certaines peintures attribuées à Eckhout représentaient des peuples Araucano et africains ainsi que des lamas, des plantes et des arbres, certains ont suggéré qu'Eckhout aurait pu faire partie de l'expédition de Hendrick Brouwer au Chili en 1643 ou aurait pu visiter l'Afrique de l'Ouest avec les forces du colonel Hans Coen qui a capturé Elmina en 1637. D'autres pensent qu'il faisait partie de l'expédition de l'amiral Cornelis Jol et du colonel James Henderson qaund ils ont occupé l'Angola en 1641. Enfin, on ne sait pas exactement quand Eckhout est revenu en Europe ou combien de temps il est resté au service de Maurits, masi l'on sait qu'en 1645, Eckhout était de retour à Groningen. Entre 1648 à 1652, il vécut à Amersfoort avant de s'installer à Dresde, où il passa dix ans (1653 à 1663) comme peintre à la cour de l'électeur de Saxe, Johann Georg II. On pense qu'Eckhout est mort à Groningen en 1665.

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Andrea del Castagno (1417-1457) - Portrait masculin

 

 

 

Andrea del Castagno (1417-1457)
Portrait masculin (c. 1450)
Tempera on panel, 54 x 40.5 cm.
National Gallery, Washington DC (Andrew W. Mellon Collection)  

L'identité de ce monsieur a l'air un peu hautain et dégoûté semble être celle d'un membre de la famille florentine  Del Nero, dans les collections de laquelle   le portrait dut répertorié au 19e siècle, comme  "portrait de famille". D'autre pensent qu'il s'agit d'un membre de la famille Torrigiani sans que rien ne vienne le prouver vraiment.  Ce portrait dépeint en tout cas a merveille le type de personnage assez charismatique que l'on pouvait rencontrer à Florence sous la Renaissance : raffiné mais roublard, esthète mais un peu bandit !
Andrea del Castagno né Andrea di Bartolo di Bargilla est quant à lui, un peintre florentin de la Renaissance qui, par ses forts et minutieux clairs-obscurs a influencé l'école de Ferrare.

Antoine Chazal (1793-1854) - Portrait en buste d'un jeune homme

Antoine Chazal (1793-1854)
Portrait en buste d'un jeune homme,1829
Dessin à la pierre noire et craie blanche, 22,7 x 19,1cm
Collection privée (Sotheby's)

La compétition avec la photographie à peine balbutiante est déjà rude dans ce portrait de Chazal !
Antoine Chazal est un peintre et graveur français. Élève de Sébastien-Joseph Misbach, Jean-Joseph-Xavier Bidauld et Gérard van Spaendonck, il se spécialisa essentiellement dans les sujets floraux, mais eut aussi dans les sujets religieux et les portraits. Il exposa au Salon de 1822 à sa mort. Il dessina les planches anatomiques pour plusieurs traités de médecine. Peintre attitré et professeur de dessin du Museum national d'Histoire naturelle, il fut nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1838. Il est le grand-oncle du peintre Paul Gauguin.

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Nicolas Mignard dit Mignard d'Avignon (1606-1668) - Portait de Moliere dans le rôle de Julius César...

Nicolas Mignard dit Mignard d'Avignon (1606-1668)
Portait de Molière (1622-1673) dans le rôle de Julius César
dans "La Mort de Pompée" de Corneille, 1658
Comédie Française, Paris 

 

" De juin à l’automne 1655, tandis que le prince de Conti, croisé dans son château de Pézenas à la fin de l’été 1653 - il y purgeait brièvement dans cet « exil » sa révolte durant la Fonde - et devenu le protecteur de la troupe, était reparti guerroyer en Roussillon à la tête de l’armée de Catalogne, Molière et les siens avaient à nouveau quitté le Languedoc pour s’en retourner dans la vallée du Rhône, résidant à Lyon durant tout le printemps, où la troupe créa L’Étourdi, la première comédie en cinq actes et en vers de Molière, et faisant des excursions ici et là, et jusque dans la capitale de la Bourgogne. Revenus à Lyon, ils redescendirent ensuite doucement par le fleuve jusqu’à Avignon, traînant avec eux désormais le musicien et poète burlesque Dassoucy, qui a fait le récit coloré de ses aventures durant cette période8. Malheureusement, tout en louant l’abondance dans laquelle vivaient les comédiens et leur générosité envers lui, Dassoucy a réussi le tour de force de ne rien dire des spectacles, des activités, des distractions, des amours de ses généreux compagnons, auxquels pourtant il devait payer une partie de ses dettes en jouant du théorbe et du luth pendant certains spectacles et durant les entractes. On ne regrettera jamais assez qu’il ait consacré la totalité de son récit avignonnais à la manière dont il s’acharna à perdre tout son argent au jeu sans dire un mot sur Molière et la troupe. Car c’est vers ce temps que Nicolas Mignard devait être en train de parfaire son tableau de « César ». On aurait rêvé d’un récit montrant Molière posant dans la tranquillité de l’atelier du peintre, au second étage du bâtiment qui jouxtait le jeu de paume où jouaient les comédiens. Et l’on regrette l’absence de quelques lignes racontant comment les Avignonnais ont reçu L’Étourdi, quelques mois après sa création lyonnaise."
 

Paru dans Cahiers Jean Vilar, n°118, 2015, p. 4-9. Molière l’Avignonnais et Mignard d’Avignon par Georges Forestier


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James Jebusa Shannon (1862-1923) - The Cricket player

James Jebusa Shannon (1862-1923)
The Cricket player, 1900
Private collection

Sir James Jebusa Shannon, est un peintre anglo-américain.  James Jebusa Shannon était le fils de parents irlandais. En 1870, alors qu´il y 8 ans, sa famille déménagea vers St. Catherines, dans l´Ontario, au Canada. Ses parents se rendirent compte rapidement que James possédait un talent artistique, et il suivit des cours privés de peinture et de dessin chez un peintre local, E. William Wright, qui l´incita à aller poursuivre ses études à Londres. A l´âge de 16 ans, il partit étudier en Angleterre, à South Kensington (Londres), à la South Kensington School of Art (aujourd´hui le Royal College of Art)1 sous la direction de Sir Edward Poynter. Rapidement, Shannon est réputé être le meilleur élève de Sir Poynter. Au bout de trois ans d´études, il reçut la médaille d´or pour la peinture de portraits, lors d´un concours annuel mettant en compétition toutes les écoles d´art d´Angleterre. Il obtint alors une commande de la Reine pour réaliser des portraits d´Horatio Stopford et de Mrs Henry Bourke. En 1881, son portrait d´Horatio Stopford, l´une des demoiselles d´honneur de la Reine, attira l´attention à la Royal Academy, et en 1887, son portrait d´ Henry Vigne en costume de chasse fut un grand succès de l´exposition à laquelle il prenait part. Ce portrait lui permit d´obtenir des médailles à Paris, Berlin, et Vienne. À cause de son succès en Europe, il repousse sans cesse son départ pour le Canada. Il devint rapidement l´un des portraitistes les plus importants de Londres, avec son collègue américain John Singer Sargent. À partir de 1892, il fit l´acquisition d´un atelier qui se situait sur Holland Park Road à Londres.
Il fut l´un des premiers membres du New English Art Club, il fonda la Royal Society of Portrait Painters, et en 1897, il fut élu membre associé de la Royal Academy. Son tableau "The Flower Girl" (la Fille aux Fleurs) fut acheté en 1901 pour la National Gallery de Londres.
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Frederic Remington (1861-1909) - The Love Call

Frederic Remington (1861-1909)
The Love Call, 1909
Oil on canvas, (31 x 28 in.)
Sid Richardson Museum, Fort Worth, Texas

The Love Call (L'Appel de l'Amour) représente un indien solitaire jouant de la flûte à côté d'un arbre, ans la pénombre grandissante du crépuscule Appelle-t-il ainsi son amour ? À l'époque où il fut peint, les critiques divergeaient sur l'aspect romantique du tableau, les uns soulignant son attrait poétique et féminin tandis que d'autres préféraient y voir un "paysage intéressant"‚ produit de manière réaliste. On pourrait tout aussi bine la qualifier de Cézannienne dans l'usage de ses bleus. Un indéniable itair de famille aussi avec certains Picasso de la "période bleue".
Remington termina The Love Call, en juillet 1909, en une seule séance alors qu'il traversait une période intensément créative en juillet 1909 : " J'ai travaillé dans d'excellentes conditions techniques: la couleur vibrait littéralement tout autour de moi ", écrit-il dans son journal le 6 juillet 1909. Il a noté qu'il avait également travaillé sur deux autres peintures ce jour-là mais qu'il restait encore du temps pour ses occupations quotidiennes et même pour parler avec ses voisins. Le tableau a servi de toile de fond à la rencontre du pape Paul VI et du président Lyndon Johnson en octobre 1965 au Waldorf Astoria à New York. The Love Call n'a été exposé que deux fois à partir du moment où il a été peint et est ensuite resté dans des collections privées jusqu'en 1996, date à laquelle il a été acquis par le Sid Richardson Museum qui conserve plusieurs toiles parmi les belles de Remington. 

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Hans Namuth (1915-1990) - Portrait de Jasper Johns à 30 ans.

Hans Namuth (1915 - 1990)
Portrait de Jasper Johns à 30 ans.

Hans Namuth (1915 - 1990) est un photographe allemand.
En 193, Hans Namuth émigre à Pars à la suite de son arrestation pour propagande anti-nazi dans son pays. Ses premiers reportages portent sur la guerre d'Espagne. Il s'engage dans la légion étrangère. En 1941, il s'établit aux États-Unis où il s'engage dans l'armée américaine. En 1945, il étudie la photographie avec Alexey Brodovitch et Joseph Breitenbach. Il travaille ensuite pour de grands magazines, tel Harper's Bazaar. Il réalise de nombreux portraits de grandes figures du monde culturel américain, dont Jackson Pollock, Andy Warhol. pi encore ce saisissant portrait de Jasper Johns. Les séries de photographies puis les deux courts films qu'il a réalisés en 1950 montrant Pollock au travail, dans son atelier, ont largement contribué à l'image de l'artiste moderne américain et, par voie de conséquence, au succès de l'école de New York.

Jasper Johns (né le 15 mai 1930) est un peintre, sculpteur et graveur américain dont le travail est associé à l'expressionnisme abstrait, au néo-dadaïsme et au pop art. Il est bien connu pour ses représentations du drapeau américain et d'autres sujets liés aux États-Unis. Les œuvres de Johns se vendent régulièrement pour des millions de dollars dans les  ventes et aux enchères, la dernière  importante eut lieu en 2010 pour  110 millions de dollars.

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Natori Shunsen ( 1886-1960) - Portrait d'Ichimura Uzaemon XV

Natori Shunsen (1886-1960)
Portrait d'Ichimura Uzaemon XV
(extrait de 36 portraits portraits d'acteurs de Kabuki)
Collection privée

Extrait de la série "Shunsen Nigaoe Shu" ("Collection de portraits de Shunsen") qui contient les plus beaux portraits Okubi-e de Shunsen. Ils ont été vendus par souscription entre 1925 et1929.
Cette estampe montre l'acteur Ichimura Uzaemon XV dans le rôle d'Iriya Naozamurai dans la pièce de kabuki "Kochiyama to Naozamurai". C'est l'un des modèles les plus populaires de la série.

Natori Shunsen / 名取春仙 est considéré aujourd'hui comme le dernier maître de l'art du kabuki yakusha-e, l'art des images d'acteurs, un genre très spécifique de la culture nippone. Il est né dans la préfecture de Yamanashi mais sa famille s'installe à Tokyo peu après sa naissance et il demeure dans la capitale jusqu'à sa mort en 1960. Shunsen s'intéresse aux portraits d'acteurs kabuki alors qu'il travaille en tant qu'illustrateur pour le journal Asahi Shimbun. À cette époque, il a l'occasion de rencontrer l'éditeur Shozaburo Watanabe. En 1925, Shunsen et Watanabe travaillent ensemble sur une série de 36 portraits d'acteurs. Cette série contient quelques-uns des plus beaux dessins de kabuki de Shunsen. Watanabe produit luxueusement chaque estampe avec un tirage limité à 150 exemplaires et ne les vend que par souscription. La série dure jusqu'en 1929, suivie d'une série supplémentaire de 15 autres portraits d'acteur publiée jusqu'en 1931. Les portraits d'acteurs de Shunsen ressortent principalement du genre ōkubi-e (grande tête), format qui lui permet de se concentrer sur les expressions et les émotions du visage du sujet. Shunsen continue de travailler en tant qu 'artiste pour artiste pour le théâtre kabuki mais ne dessine plus aucune tête d'acteur avant le début des années 1950. De 1951 à 1954, il collabore de nouveau avec Watanabe à une autre série de 30 portraits d'acteurs. Comme dans la précédente série, ces dessins sont magnifiquement imprimés et très expressifs, particulièrement les portraits ōkubi-e.

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Philippe Thomassin (1562- 1622) - Hercule Commode

 

 

Philippe Thomassin (1562- 1622)
Hercule Commode
Gravure d'après une sculpture du Parc de Versailles

Philippe Thomassin, est un graveur buriniste français établi à Rome en 1585. Il est le premier maître de Jacques Callot, qui apprend le métier de graveur dans l'atelier de Thomassin à son arrivée à Rome en 1609, à l'âge de 17 ans. Au-delà d'un certain nombre de belles pièces qu'exécuta Philippe Thomassin au cours de sa carrière, il produisait également des gravures purement commerciales, pour lesquelles il faisait travailler des graveurs débutants payés à la journée ; il s'agissait bien souvent de copies bon marché d'œuvres connues. Ce furent là les premiers travaux dont il chargea Jacques Callot, lorsque celui-ci vint travailler chez lui, du début de 1609 à la fin de 1611. C'est à cette date que Callot quitta Philippe Thomassin, celui-ci étant, selon Félibien, jaloux de « la familiarité, peut-être trop grande, que Callot, alors jeune et bien fait, avait avec sa femme ». Jacques Callot partit alors travailler à Florence, chez Giulio Parigi.

Concernant cet Hercule Commode,  il s 'agit du dessin de la sculpture  en marbre de  Nicolas Coustou faite  pour du parc du château de Versailles, parterre de Latone, 1686-1687. Elle est  conservée aujourd 'hui au Louvre. Cette oeuvre  fut exécutée d'après une sculpture antique des collections du Vatican,  vue lors du séjour du graveur  à l'Académie de France à Rome.

Renato Guttuso (1911-1987) - Football players

Renato Guttuso (1911-1987)
Football players
Private collection

Renato Guttuso est un peintre italien, représentant du réalisme. Résistant, antifasciste, très tôt engagé aux côtés des communistes, Guttuso se caractérise toutefois par un art qui transcende toute considération politique et par une identité sicilienne qui se situe aux antipodes du régionalisme. ________________________________________

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Toussaint Dubreuil (1561–1602) - Le Christ bénissant, vu en buste

Toussaint Dubreuil (1561–1602)
Le Christ bénissant, vu en buste
Plume et encre brune, tracé préparatoire à la piierre noire.
Collé en plein. 40.5 x 27 cm
Musée du Louvre, Paris.

Toussaint Dubreuil est le fils du sellier Toussaint Dubreuil. Capable de jouer de la lance aussi bien qu'un jeune aristocrate, il conserva la passion du cheval jusqu'à sa mort qui survint justement au cours d'une chevauchée débridée. Il a été formé à la peinture à Paris par Médéric Fréminet. avant d'entamer une formation d'orfèvre. Il dessina ses premiers projets pour les quatre bas-reliefs de la masse de l'ordre du Saint-Esprit réalisée par François II Dujardin. Il étudia l'anatomie avec un barbier et illustra le livre Historia anatomica humani corporis d'André du Laurens (1558-1609). Sa surprenante « manie du muscle » le fit devenir un spécialiste du nu.
On ne sait pas s'il a été se former en Italie, mais il a subi l'influence des maniéristes italiens, Michel-Ange, Pellegrino Tibaldi, Bartolomeo Passarotti, Nicolò dell'Abbate, Le Primatice. On n'a plus de trace de lui entre 1585 et 1593. Il s'est peut-être formé à Fontainebleau avec les artistes italiens maniéristes comme Ruggiero de Ruggieri, dont il épousa la fille. Ce dernier possédait deux caisses de rittratti de Michel-Ange. Il est devenu avec Martin Fréminet et Ambroise Dubois l'un des promoteurs de la seconde école de Fontainebleau, expression française du maniérisme tardif.
Toussaint Dubreuil fut le peintre d’Henri IV pour qui il réalisa avec son atelier de vastes campagnes de décors.
Ses œuvres furent massivement détruites, et peu d'éléments de ses décors nous sont parvenus. Le Louvre en conserve cinq vestiges dont trois toiles issues du cycle de La Franciade, sur les 78 compositions qu'il avait faites pour décorer le château de Saint-Germain-en-Laye (détruit en 1777), illustrant le poème de Pierre de Ronsard.
Il exécuta notamment de grandes commandes royales au château de Fontainebleau, comme les décors du pavillon des poêles (avec des scènes de l'histoire d'Hercule, tel Le jeune Hercule apprenant à tirer à l'arc). Tous ses décors sont aujourd'hui presque entièrement détruits, hormis quelques fragments attribuables à Dubreuil. Henri IV lui a aussi confié la décoration de la galerie des Chevreuils
Pour la petite galerie du palais du Louvre, il exécuta des portraits des prédécesseurs d'Henri IV (afin d'asseoir le pouvoir de celui-ci en tant que roi, et fondateur d'une nouvelle lignée). Les plafonds étaient quant à eux décorés de sujets allégoriques comme Jupiter écrasant les géants, et Hercule terrassant l'hydre de Lerne, le dieu et le héros prenant les traits du monarque lui-même. Ces décors ont été détruits par l'incendie de 1661.
Dubreuil a également fourni des cartons de tapisseries sur l'histoire de Diane, dont les œuvres tissées furent réalisées par la manufacture du faubourg Saint-Marcel à Paris. Elles sont aujourd'hui conservées au mobilier national, à Paris.
L'art de Dubreuil, bien que peintre français, allie aux inspirations maniéristes de la première école de Fontainebleau, une méticulosité dans la représentation et un goût des détails que l'on retrouve dans les écoles du Nord. S'il avait l'habitude de réaliser les "cartons" de ses compositions, il laissait à son atelier (composé notamment d'artistes nordiques) le soin de réaliser l'œuvre peinte.
Lestoile a écrit dans son Registre-journal : « Le vendredy 22 novembre... Ce jour, Dubreuil, peintre de sa Majesté, singulier en son art, et qui avoit et devisé tous ces beaux tableaux de Saint-Germain ; en revenant dudit Saint-Germain, à Paris, sur un cheval qui étoit rétif, et alloit fort dur, à son retour surpris d'un renversement de boyaux que les médecins appellent un mesirere, qui en moins de vingt-quatre heures l'envoya en l'autre monde. "
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