Nils von Dardel (1888 - 1943 - Un sicilien, 1937

Nils von Dardel (1888 - 1943)
Un sicilien, 1937
Collection Privée 

 

Un portrait du même modèle a aussi été dessiné par Dardel et déjà publié sur ce blog  en 2019

Le peintre suédois Dardel voyageait beaucoup et a toujours vécu une vie nomade sans vraiment jamais s'installer quelque part. Un grand nombre de ses portraits et de ses paysages reflètent ses déplacements. Il était souvent sujet à des crises d'auto-dépréciation, que le peu de succès qu'il rencontra dans son pays de son vivant accentuait quelquefois jusqu'à la dépression. Il fallut attendre les années 1950, pour que le Liljevalchs konsthall organise une rétrospective, de son oeuvre et pour que le public commence à s'y s'intéresser.
Après avoir habité trois ans à Paris, Dardel et Rolf de Maré tissent des liens d'amitié... et même plus. Maré fonda un peu plus tard à Paris Les Ballets Suédois qui rencontrèrent un grand succès entre 1920 et 1925. Maré devint alors une sorte de mécène pour Dardel et ce dernier lui fournit l'inspiration pour ses ballets. Au début des années 1920, Dardel travailla beaucoup sur des compositions inspirées de drames ou de films et créa des décors pour le théâtre ou le cinéma.
A côté de son propre style très étrange et très personnel, immédiatement reconnaissable, il explora aussi le pointillisme, avec des couleurs fortes et des motifs clairs.
Ses dessins assez académiques à première vue (cf. ci-dessus) comportent toujours des éléments qui interrogent comme ci dessus la grosseur disproportionnée des poings serrés du modèle. par exemple.

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Paul Cézanne (1839-1906) - Jeune homme à la tête de mort

Paul Cézanne (1839-1906)
Jeune homme à la tête de mort. 1896–1898.
Huile sur toile, 130 x 97.5 cm
The Barnes Foundation

Paul Cézanne a peint environ 300 tableaux sur lesquels 54 sont parvenus jusqu'à nos jours. Il a également détruit une partie de son œuvre.
Cézanne a peint de nombreux portraits d'hommes, critiques et amis collectionneurs servant à tour de rôle, de modèles d'un archétype masculin. Mais en dehors de ses amis et des membres de sa famille, Paul Cézanne aime aussi peindre les paysans, les bonnes et les ouvriers agricoles du Jas-de-Bouffan. Il peint ainsi plusieurs portraits de son jardinier et celui d'une femme solide aux mains lourdes devant une simple cafetière. Des gens simples avec lesquels il aime vivre et manger un peu de fromage, des figues et des noix ou comme ici un abricot et un verre de vin ...

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Paul Cadmus (1904-1999) - Two dancers # 2

Paul Cadmus (1904-1999)
Two dancers # 2
Conte crayon on hand-toned paper, 59.7 x 47 cm.
Private collection 

 

 

Paul Cadmus est un peintre, pastelliste et dessinateur américain. De son vivant, il connaît la célébrité avec une série de tempera sur toile figurant des scènes de genre urbaines, inscrites dans le mouvement réaliste social alors dominant, mêlant satire, ironie, goût du grotesque, et reçut de nombreuses commandes.
Dans les années 1960, son œuvre révèla plus franchement aux yeux du public une forme d'homoérotisme affirmé, entre autres à travers une série de dessins de nus masculins (ci-dessus), tandis que son style évolue vers le réalisme magique.
Dans la seconde moitié de sa vie, Cadmus ralentit sa production de peinture et donna plus de place au dessin. L’œuvre dessiné de Paul Cadmus est très important, constitué surtout de nus masculins, et de femmes et d'hommes du monde de la danse pendant leurs exercices. Sa technique de dessin est académique, référée à l’époque baroque. Il travaille beaucoup sur papier teinté (ci dessus), et mélange les techniques et outils pour aboutir à un style personnel. Son utilisation de la hachure large et par petites zones superposées pour le modelé des corps en est une caractéristique importante.

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Nicolai Ivanovich Fechin (1881-1955) - Portrait de V. S. Bogatyrev

Nicolai Ivanovich Fechin (1881-1955)
Portrait de V. S. Bogatyrev
Private collection 

Nicolai Ivanovich Fechin (Николай Иванович Фешин) est un peintre américain, d'origine russe. Né à Kazan, il est décédé à Santa Monica (Californie). Fechin est essentiellement connu comme portraitiste et aussi pour quelques unes de ses oeuvres représentant les peuples amérindiens.
À 13 ans, il entre dans une école d'art de Kazan puis poursuit ses études à l'Académie russe des beaux-arts de Saint-Pétersbourg. En 1904, il voyage en Sibérie où il est fasciné par les paysages et les indigènes.
En 1909, il obtient le Prix de Rome et parcourt plusieurs capitales d'Europe.
À Munich, il reçoit une médaille d'or à l'Exposition internationale. En 1910, il est alors invité à exposer à l'Institut Carnegie à Pittsburgh (Pennsylvanie). De retour à Kazan, il y devient professeur. En 1923, devant la famine en Russie, il émigre avec sa famille à New York et enseigne à la New York Academy of Art. Il expose aussi à la National Academy of Design où il remporte, en 1924, le premier prix. En 1926, il obtient de même une médaille à l'Exposition internationale de Philadelphie.
En 1926, atteint par la tuberculose il part s'installer à Taos au Nouveau-Mexique puis commença à voyager eu Mexique, au Japon, à Java et Bali et à travers le Pacifique.
 

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Camée de Chartes représentant Jupiter (41 - 45)

 

Camée de Chartres représentant Jupiter
Italie, Latium, Rome (entre 41 et 45)
Monture or et émaux :14e siècle
BnF. Médailles et Antiques, Paris

Ce somptueux camée antique en Sardonyx (c. 45 ap. JC) représente Jupiter debout de face, la tête à gauche, à demi-drapé, tenant le sceptre d’une main, le foudre de l’autre, l'aigle à ses pieds. Il porte la couronne de chêne des empereurs, signe du pouvoir civique.
La monture en or émaillée de rouge et de noir date du XIVe siècle et porte une inscription à l’avers et au revers. Des fleurs de lys et des dauphins ont été adaptés plus tard au pourtour de la monture, remplaçant les perles et les pierres précieuses qui l'ornait. En dessous, un écu émaillé de fleurs de lys, surmonté d’un bandeau porte l'inscription : "Charles Roy de France, fils du roi Jehan donna ce jouyau l’an MCCCLXVII, le quart an de son règne."
L'objet fut offert en 1367 par Charles V, lors d'un pèlerinage à la cathédrale de Chartres, pour orner la châsse de la chemise de la Vierge selon la coutume qui voulait que les plus belles pièces et pierres précieuses de l'Antiquité ornent les statues des vierges.

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Rembrandt (1607-1669) - Tronie d'un Jeune Homme avec un Chaîne en Or, c. 1625-30

Rembrandt (1607-1669)
Jeune homme avec un chaîne en or, c. 1625-30
Huile sur toile , 57, 8 x 43, 8 cm
Cleveland Museum of Art 

Cette peinture est un  tronie, un mot néerlandais signifiant «tête» ou «expression faciale», et que l'on pourrait traduire en français par le mot d'argot " tronche ".  Les tronies n'étaient pas destinés à être des portraits de quelqu'un en particulier, mais plutôt des recherches sur l'apparence du visage  en général et  sur le rendu des costumes. Dans les années 1630, Rembrandt utilisa beaucoup ce format  très populaire pour explorer différents effets de lumière et expressions faciales. Ici, le fort contraste de la lumière et de l’ombre façonne les contours du visage du jeune homme ; des accessoires insolites tels que l'écharpe rayée et le pendentif brillant sur une chaîne en or  ajoutent une touche d'exotisme. Bien que ce tableau porte le monogramme de Rembrandt, la paternité n’est pas certaine. Certains experts l'ont attribué à Isaac de Joudreville (1613–1648), un élève et associé de Rembrandt qui a peint des tronies comparables dans un style tout aussi lisse et élégant. 

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Sculpture anonyme d'Alexandre Le Grand

 
 

Sculpture anonyme d'Alexandre Le Grand
Bronze, Grec ou romain,
entre 150 av. JC et 138
The Metropolitan Museum of Art

Le culte divin lié à Alexandre le Grand est né de son vivant et s'est poursuivi après sa mort en 323 av.JC. Il était adoré dans les villes grecques, souvent en association avec ses successeurs, les rois hellénistiques qui s 'étaient partagés la gestion du vaste empire  qu'il avait créé. Le culte d'Alexandre s'est poursuivi à l'époque romaine en particulier en Macédoine, sa patrie, et en Asie Mineure, où beaucoup de villes ont été fondée sous son règne. Ce bronze posthume, aux longs cheveux «léonins» rappelle la divine  parenté d'Alexandre censée le lier à Hercule, était  probablement destiné au culte.
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Jan Cornelisz Verspronck (1697-1662) - Portrait masculin

Jan Cornelisz Verspronck (1697-1662)
Portrait masculin, 1646
Huile sur toile 86 x 65.5 cm.
Rijksmuseum, Amsterdam.

Jan Cornelisz. Verspronck  était un peintre portraitiste néerlandais,formé à l'art du portrait par son père, le peintre Cornelis Engelsz de Gouda. En 1632, il est membre de la guilde de Saint-Luc de Haarlem et mène une carrière de portraitiste. Il travailla dans ses débuts dans l'atelier de Frans Hals par lequel il est fortement influencé. Dans ses portraits, il se détache vite de l'influence de son maître et s'y opposa même par la sagesse et le raffinement de leur exécution. En 1642, il remporte contre Frans Hals le concours pour un portrait de groupe des régentes de l'Heilige Geesthuis, une des plus riches institutions charitables de Haarlem. Vingt ans plus tard, il réalise le portrait des régentes de la Saint Elisabeth Gasthuis.

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Mosaïques antiques - Masques de théâtre et lyre

Mosaïques romaines
Nature morte aux masques de théâtre et lyre, 1e siècle av. JC
Musées du Vatican

Pendant l'Antiquité romaine, les acteurs jouaient avec des masques. Les acteurs étaient tous des hommes, la scène étant interdite aux femmes. Les masques romains servaient à amplifier la voix des acteurs et à définir clairement par des traits caricaturaux leur caractère de façon à ce que chaque spectateur puisse les entendre, même ceux qui étaient placés loin de la scène. Il existe deux sortes de masques : ceux destinés à la comédie et ceux destinés à la tragédie. Les masques de tragédie, au nombre de 32 caractères différents étaient très réalistes, avec barbe, oreilles pointues et crâne chauve. Les masques au nombre de 44 mais presque tous les originaux, en chiffons et plâtres ont tous disparu. Ces mosaïques les représentant sont donc les dernières traces que l'on en ait de nos jours.
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Niccolò dell'Abbate (1510-1571) - Homme au Perroquet

Niccolò dell'Abbate (1510-1571)
Homme au Perroquet, 1540
Huile sur toile, 125 x 109 cm
Kunsthistorisches Museum, Vienna.

Nicolò dell'Abbate ou Niccolò dell'Abbate ou Niccolo dell'Abate est un peintre italien de la Renaissance tardive qui travailla en Italie et en France.
En 1540 il entre au service des seigneurs de Scandiano, pres de Modène
Entre 1540 et 1543, il décora également la Rocca des princes Meli Lupi à Soragna au nord-ouest de Parme.
Entre 1548 et 1552, il travailla ensuite à Bologne au service d'une clientèle fortunée d'ecclésiastiques et de banquiers.
Invité en France en 1552 au service d'Henri II pour seconder Primatice, il y passa le reste de sa vie. Il participa au projet de la galerie d'Ulysse. Il fut un précurseur de Nicolas Poussin et de Claude Lorrain grâce à ses paysages avec des personnages de la mythologie. Il décora la grotte du château de Meudon pour le cardinal de Lorraine.
Nicolò dell'Abbate mourut en 1571 à Fontainebleau.

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Magnus Enckell (1877-1923) - Lukusali

Magnus Enckell (1877-1923)
Lukusali, 1899
Ateneum Museum of Arts, Helsinki 

Le peintre finlandais Knut Magnus Enckell, naît dans une famille de six enfants, dans la minorité suédophone du grand-duché de Finlande, rattaché à la couronne russe. Il est le premier peintre de Finlande à rompre de manière décisive avec les idéaux naturalistes de ses années de formation à Helsingfors de 1889 à 1891. Il fait à partir de 1891 un premier séjour à Paris, où il est l'élève de Jules Lefebvre et de Benjamin Constant à l'Académie Julian. Influencé tout d'abord par Puvis de Chavannes, il adopte les idées symbolistes et s'intéresse au spiritualisme très en vogue à cette époque. Lors d'un séjour en Bretagne, il réalise deux peintures au chromatisme ascétique, Autoportrait et Femme bretonne. Il se passionne pour la haute Renaissance et adhère aux conceptions idéalistes et mystiques de Peladan, dont il intègre dans ses toiles l'idéal de beauté, la figure de l'androgyne. Le garçon adolescent incarne dans de nombreux cercles de pensées de la fin du 19e siècle et du début du 20e siècle, l'androgynie et l'idéal de l'amour platonicien. Dans L'Éveil, qu'il peint pendant son second séjour à Paris en 1893, il se sert de la rigueur de la composition et de la transparence des couleurs pour tenter de parvenir au spirituel. En 1894 et 1895, il séjourne à Milan, Florence, Ravenne, Sienne et Venise. Ces années-là sont celles d'un douloureux conflit intérieur et ses œuvres une réflexion sur la relation entre l'art et la vie. Les mois passés en Italie lui apportent la couleur, une atmosphère plus optimiste. Dans les premières années du xxe siècle, il s'intéresse à une peinture plus colorée, lumineuse, proche du postimpressionnisme, qui annonce la série des Baignades aux couleurs intenses et vivantes. Avec Willy Finch, Verner Thomé et Ellen Thesleff, il fonde en 1912 le Groupe Septem qui réunit les peintres partageant ses idées.
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Mariano Salvador de Maella (1739-1819) - Etude d'homme blessé

Mariano Salvador de Maella (1739-1819)
Etude d'homme blessé
The Morgan Library `

Mariano Salvador Maella est un peintre espagnol  élu en 1756 à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando dont il deviendra directeur général. Il fait partie de l'entourage de Mengs qui l'aide et le protège. Il travaille pour la Fabrique royale de tapisserie et en 1774 devient "Pintor de Camara" (peintre de la chambre du roi), puis Premier Peintre en 1799, en même temps que Goya.

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Anon. antique sculptures - La Tombe du Plongeur (paroi sud)

 

La Tombe du Plongeur
Fresque 480-470 av. J.-C
Paroi latérale sud (ensemble et détail)
Musée archéologique national de Paestum

La fresque dite de la Tombe du Plongeur est composée d'une série de scènes peintes dans une tombe à caisson datant de la Grande-Grèce, découverte le 3 juin 1968 par l'archéologue Mario Napoli, pendant les fouilles d'une petite nécropole située à 1,5 km au sud de Paestum (Poseidonia, Italie), cité fondée par des colons de Sybaris. La tombe comporte 4 parois et une dalle peinte qui représente chacune une scène différente. La dalle représente un plongeur alors que les parois représentent des scènes de banquet ou des personnages en action.
Comme sur la paroi latérale sud, on peut voir sur la paroi nord une autre scène de banquet représentant cinq convives disposés en klinai  Le couple situé à droite, pris dans une « scène amoureuse », renvoie peut-être à la paideia ou aux joutes érotiques. Ce couple est observé par un des personnages situés au centre, tandis que les deux autres, à gauche, s'amusent au jeu du cottabe dont le signifiant est également érotique. C'est le « couple amoureux » qui est situé au plus près de la tête du défunt et qui s'apprête à être servi par l'œnochoé. Napoli et Rouveret notent que le dessin préparatoire est beaucoup plus soigné ici que pour la paroi latérale sud. Le jeune homme tenu par la nuque et dont l'habit est particulièrement soigné (ceinture rouge, motifs ondulés) occupe la place d'honneur selon l'ordonnancement du symposium. On y a vu une représentation du défunt.
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Glyn Warren Philpot (1884 -1937) -Anonymous sitter

Glyn Warren Philpot (1884 -1937)
Anonymous sitter
Private collection 

 
Glyn Warren Philpot, est un peintre et sculpteur anglais, surtout connu pour ses portraits à l'huile.
Il étudie à la Lambeth School of Art en 1900, puis à l'académie Julian de Paris auprès de Jean-Paul Laurens.

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Jeptha Homer Wade (1811-1890) Portrait de Nathaniel Ods

Jeptha Homer Wade (1811-1890)
Portrait de Nathaniel Ods, 1857
Huile sur toile, 76,5 x 21,2 cm
Cleveland Museum of Art.

Les lunettes teintées de vert portées par Olds ont été conçues pour protéger les yeux de l'intensité des lampes Argand, un type d'éclairage intérieur utilisé au début des années 1800. Ces lampes brûlaient de l'huile de baleine et de nombreuses personnes craignaient que ses flammes vives n'endommagent la vue.
Le peintre de ce portrait a fondé la Western Union Telegraph Company en 1854 et est rapidement devenu l'un des industriels les plus riches de Cleveland. Son petit-fils, Jeptha Wade II, était l'un des fondateurs du Cleveland Museum of Art et a fait don du terrain sur lequel il se trouve comme cadeau de Noël à la ville en 1892 !
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Paolo Pagani (1661-1716) - Etude de trois hommes nus

Paolo Pagani (1661-1716)
Etude de trois hommes nus 1700-1710.
Plume et encre brune, brosse et lavis brun, 41,8 x 29,4 cm
The Metropolitan Museum of Art

Pagani fait ses études de nus masculins, en les mettant en scène dans des groupes de corps étroitement entrelacés, vus sous une lumière particulièrement intense qui révéle  mieux leur musculature et leur grande masse sculpturale. Originaire de Lombardie, cet artiste du XVIIe siècle a été formé à Venise et a ensuite été actif en Autriche et en Moravie. Son style très personnel se remarque ici évident dans l'exagération  des contours et l'utilisation de lavis transparents. En bas à droite, l'artiste a testé sa calligraphie avec des exercices de calligraphie et a également esquissé une petite composition au lavis violet. 

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Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) - L'homme sur un escalier

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
L'homme sur un escalier (c. 1876)
Huile sur toile 167.5 x 65.3 cm.
Hermitage Museum, St. Petersbourg

C'est en 1855 que le père de Renoir, un modeste tailleur de pierres de Limoges établi à Paris depuis 1845, met son fils Auguste âgé de 14 ans en apprentissage dans une fabrique de porcelaine, rue du Temple, où l'adolescent est initié à la peinture sur porcelaine. L'introduction d'une machine mettra fin à cette expérience et plusieurs autres suivront, dont la peinture de tentures d'Eglise pour des missionnaires d'outre-mer.
Huit ans plus tard, en avril 1862, le jeune Renoir disposait d'assez d'argent pour entrer à l'École des Beaux-Arts. Parallèlement aux cours de l'Ecole, il fréquente aussi l'Atelier privé de Charles Gleyre où il se liera d'amitié avec ses condisciples Alfred Sisley, Frédéric Bazille et Claude Monet.
Avec ses amis du Café Guerbois, en particulier Bazille et Monet, il poursuit sls recherches sur la lumière naturelle, il travaille souvent «sur le motif» dans la forêt de Fontainebleau.
Ses recherches artistiques vont alors couvrir un large éventail, étant moins sûr que d'autres peintres de la direction à prendre, tenu qu'il est par la double nécessité de vendre des tableaux pour vivre et de se tailler une place sur la scène parisienne. En plus de belles oeuvres de vues citadines et de paysages, comme les vues de Paris qu'il peint avec Monet au printemps 1867 ("Le Pont des Arts"), son propos artistique s'exprime aussi dans de nombreuses scènes de genre, des portraits en plein air, comme "Les Fiancés", qui séduisent le spectateur par leur luminosité et leur expressivité.
À partir de 1864, il expose ou tente d'exposer au Salon. Accepté en 1864, refusé malgré l'intervention de Camille Corot en 1866, il n'eut pas davantage de chance l'année suivante, avec une "Diane chasseresse" qui permet de discerner l'influence qu'exerçait Gustave Courbet sur la production de Renoir à cette époque.
Il peut montrer sa "Lise à l'ombrelle" (1867) au Salon de 1868, œuvre influencée par Courbet.
Si Renoir, avec "La Grenouillère" et quelques autres toiles datées de 1869 et 1870, affirme les composantes essentielles de la peinture impressionniste, en particulier la division des tons, sa recherche délibérée d'une clarté accrue par une couche légère de peinture qui apparaît dès 1872, va caractériser l'exécution de la plupart des œuvres traditionnellement rattachées à sa période impressionniste: "La loge" (1874), "Le chemin montant dans les herbes" (1875), "Le Moulin de la Galette" (1876), "La balançoire" (1876), "Portrait de Jeanne Samary" (1877), "Les canotiers à Chatou".et son Autoportrait où son oeil vif ne perd aucun détail.
Ce parti pris semble bien constituer l'élément capital sur lequel s'appuient alors ses recherches plastiques et, petit à petit, naît une œuvre que certains n'hésiteront pas à qualifier d'anti-impressionniste.
Sa caractéristique principale est l'emploi d'une pâte plus ou moins épaisse mais toujours résineuse, c'est-à-dire, contrairement à la pâte d'un Monet, fort peu diluée dans l'essence de térébenthine, donc peu dégraissée.
Pendant ces années "misère", Renoir aura peint de fabuleuses toiles impressionnistes, aujourd'hui des chefs d'œuvres connus dans le monde entier.

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Peter Paul Rubens (1577-1640) - Tête masculine

Peter Paul Rubens (1577-1640)
Tête masculine
Craie noire et carie blanche sur papier, 264 × 203 mm.
Rijksmuseum, Amsterdam.

Peter Paul Rubens avait la réputation de travailler à un rythme très soutenu, réalisant 1403 peintures selon le catalogue de Michel Jaffé. Il réalisa surtout de grands projets religieux, des peintures mythologiques, et d'importantes séries de peintures historiques. L' 'un des peintres l'ayant le plus admiré, Delacroix le surnommait l'« Homère de la peinture ».
Rubens fut non seulement un artiste de renom mais aussi un diplomate et un habile négociant, ce qui fit de lui un personnage connu dans toute l'Europe de son temps. Sa fortune artistique fut immense. Prisé des Grands pour l'érudition et le charme de sa conversation, il joue également un rôle diplomatique important à son époque et jouit d'une position sociale sans égale chez les artistes de son temps.
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Lucian Freud (1922-2011) - Portrait of Duke of Devonshire

 

Lucian Freud (1922-2011)
Portrait of Duke of Devonshire
Private collection 

Il s 'agit ici du portrait d'Andrew Robert Buxton Cavendish (1920-2004),  connut pour son soutien à l'art contemporain britannique et notamment à Lucian Freud. 11e duc de Devonshire (le premier ayant été William Cavendish (1640-1707, titré Lord Andrew Cavendish jusqu'en 1944 et marquis de Hartington de 1944 à 1950, Andrew Robert Buxton Cavendish fut un homme politique conservateur britannique qui passa ensuite au Parti social-démocrate. Il fut ministre du gouvernement du premier ministre Harold Macmillan (son oncle par mariage), mais il fut surtout connu pour avoir ouvert Chatsworth House au public. Sa belle-sœur était Kathleen Kennedy, sœur du président américain John F. Kennedy et des sénateurs américains, Robert Kennedy et Ted Kennedy. Le duc suivit la tradition familiale de posséer des chevaux de course, dont le plus célèbre fut Park Top, le sujet du premier livre publié par le duc, A Romance of The Turf: Park Top, en 1976. Son autobiographie, Accidents of Fortune fut publiée juste avant sa mort en 2004. Le duc eut de nombreuses disputes au fil des ans avec les randonneurs qui empruntaient les chemins près de Chatsworth. Finalement, en 1991, il signe un accord avec la Peak National Park Authority ouvrant 1 300 acres (5 km 2) de son domaine aux promeneurs. Il proclame alors non sans humour :   " Tout le monde est le bienvenu dans mon arrière cour ".  Les biens immobiliers du duc sont vastes. En plus de Chatsworth, il possède également le château de Lismore en Irlande et l'abbaye de Bolton dans le Yorkshire du Nord. Il est également propriétaire de la librairie Heywood Hill et du gentleman's club Pratt's.
 Il est l'un des fondateurs et le principal patron de La Next Century Foundation, où il accueille les pourparlers privés de Chatsworth entre les représentants des gouvernements du monde arabe et d'Israël. Le duc était  la 73e fortune britannique selon le Sunday Times en 2004. Après  son décès en 2004,  le titre de duc de Devonshire est passé à  Peregrine Cavendish, son  fils ainsi que celui de Deborah Mitford  et  passera à son petit fils  William Cavendish (né en 1969).

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Philipp Otto Runge (1777-1810) - Nu Masculin agenouillé

 

Philipp Otto Runge (1777-1810)
Männlicher Akt, kniend nach rechts, 1800
(Nu Masculin agenouillé, 1800)
Collection privée 

Avec Caspar David Friedrich, Philipp Otto Runge, est considéré comme l'un des plus importants représentants du courant romantique allemand et comme un des meilleurs portraitiste de son époque.
Fils d'un charpentier de marine, c'est après une lecture des poèmes de Tieck qu'il décide décide de devenir artiste.
En 1810, après plusieurs années de recherche sur les couleurs et de correspondance il publie Die Farbenkugel (La sphère des couleurs), un traité dans lequel il organise toutes les couleurs dans un schéma en trois dimensions. Cette sphère préfigure les études psychologiques de Hering et les espaces de description des couleurs par luminosité, teinte et saturation du siècle suivant, mais, comme Goethe, Runge prétend atteindre, par l'ordre des couleurs, une réalité supérieure, en quoi il se sépare de Johann Heinrich Lambert et de Tobias Mayer autant que de Isaac Newton.
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Joseph Christian Leyendecker (1874-1951) - Football Hero

Joseph Christian Leyendecker (1874-1951)
Football Hero,1916.
Colliers, November-18-1916

 
Joseph Christian Leyendecker fut l'un des plus importants illustrateurs américains du début du xxe siècle. Il est surtout connu pour ses affiches, livres, illustrations publicitaires, ainsi que la création de la figure du « Arrow Collar Man » pour la marque Arrow, et ses couvertures pour The Saturday Evening Post
Entre 1896 et 1950, Leyendecker a peint plus de 400 couvertures de magazines. Pendant l'âge d'or de l'illustration américaine, pour The Saturday Evening Post seul, J. C. Leyendecker a produit 322 couvertures, ainsi que plusieurs publicités pour ses pages intérieures. Aucun autre artiste jusqu'à l'arrivée de Norman Rockwell deux décennies plus tard, ne fut plus étroitement identifié avec cette revue3. Leyendecker a pratiquement inventé l'idée du concept moderne de l'illustration de magazine.
Il a beaucoup collaboré aussi au magazine hebdomadaire Collier's dont il réalisé de très nombreuses et célèbres couvertures... comme celle ci. Le magazine Collier's fut fondé en 1888 par le journaliste Peter Fenelon Collier (1849-1904) qui y développa pour la première fois de l'Histoire le journalisme d'investigation. Le magazine continua de paraitre longtemps après la mort de son créateur ruiné, puis cessa toute parution en janvier 1957. Une brève tentative de réédition eut lieu en 2012, en vain.

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Léon Bakst (1866-1924) - Autoportrait

Léon Bakst (1866-1924)
Autoportrait, 1906
Collection particulière

Lev Samoïlovitch Rosenberg, dit Léon Bakst (Лев Самойлович Бакст), est un peintre, décorateur et costumier russe. Bakst est un pseudonyme tiré du nom de famille de sa grand-mère, Bakster ou Baxter. Marcel Proust, dans une lettre à Reynaldo Hahn, le 4 mai 1911, lui écrit : « Dites mille choses à Bakst que j’admire profondément, ne connaissant rien de plus beau que Schéhérazade ». En effet Bakst devient, dès la naissance des Ballets Russes, leur collaborateur privilégié pour lesquels il conçoit et réalise costumes et décors entre 1909 et 1921. En tant que peintre, portraitiste et dessinateur, Léon Bakst affirme une personnalité puissante et raffinée : d’une part grâce à une diversité d'inspiration - puisée tour à tour en Orient, dans la vieille Russie ou la Grèce archaïque comme dans le romantisme français et allemand ou l’Italie de Carlo Goldoni -, d’autre part grâce au désir de participer de façon originale au renouveau de l’art contemporain, tout en refusant la dissociation de la forme humaine pratiquée par le cubisme. Véritables tableaux finis, ses œuvres et ses dessins, où l'audace chromatique se conjugue avec le jeu subtil des plumes et des joyaux, du dissimulé et du dévoilé, mettent en valeur la présence physique des danseurs. Quant à ses décors, somptueux et sensuels, ils mêlent érotisme et violence. Parmi ses réalisations les plus fameuses, on compte Schéhérazade, L'Oiseau de feu, Jeux, Daphnis et Chloé, La Valse, Le Spectre de la rose ou L’Après-midi d’un faune. Léon Bakst peint aussi, en parallèle, de nombreux paysages et des portraits d’artistes du monde des lettres et des arts dont ceux de Vaslav Nijinski (ci-dessus), Anna Pavlova, Claude Debussy, Ida Rubinstein..
Les dons exceptionnels de Léon Bakst comme coloriste et graphiste se sont déployés librement sur la scène jusqu’à sa mort prématurée, en raison d'un œdème du poumon : ils ont contribué au triomphe des Ballets russes - influençant même la mode à travers, notamment, les grands couturiers Worth, Paul Poiret ou Paquin, avec qui il collabora -, ainsi qu’à une nouvelle conception du décor de peintre et de la mise en scène, en opposition avec l'esthétique de Jacques Copeau.
Le premier, Léon Bakst a osé des coloris éclatants, un mélange de fantaisie et de symétrie qui, par l’audace des lignes et des plans, élargissaient le plan scénique et prolongeaient les perspectives. Ainsi a-t-il marqué de son empreinte la peinture, les arts décoratifs et scénographiques de son temps.
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John Minton (1917-1957) - Ricky Stride

 

 

John Minton (1917-1957)
Ricky Stride
Maas Gallery 

Francis John Minton était un peintre, illustrateur, scénographe et enseignant anglais. Après des études en France, il devint professeur à Londres tout en maintenant une production importante d'œuvres. En plus des paysages, portraits et autres peintures, dont certains peints à une très grande échelle , il s'est forgé une réputation d'illustrateur de livres. Au milieu des années 1950, Minton s'est retrouvé en désaccord avec la tendance abstraite qui devenait alors à la mode et se sentait de plus en plus marginalisé. Souffrant de problèmes psychologiques, il se soigna lui-même avec de l'alcool avant de suicider en 1957.

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John Koch (1909-1978) - The painter and his model

John Koch (1909-1978)
The painter and his model
Private collection

John Koch fut l’un des principaux peintres réalistes américains du 20e siècle. Il peignit des tableaux issus de son univers personnel aussi bien que des représentations fidèles du quotidien de la vie américaine peuplées de modèles, de musiciens, de vues de son atelier ou de son appartement de New York. À travers ses oeuvres Koch fut un porte parole aussi discret que possible du mouvement réaliste, tout en assurant une présence constante et respectée.
Les compositions de Koch étaient élégantes. Ses tons chauds et ses couleurs invitent à entrer dans son monde où l'on peut découvrir de véritables trésors. Dans ces tableaux, les objets eux-mêmes sont choisis avec un soin soin particulier.
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Marià Fortuny (1836-1874) - Il contino

Marià Fortuny (1836-1874)
Il contino, 1861.
Museu Nacional d’Art de Catalunya

Marià Josep Bernat Fortuny i Marsal (1838-1874) est un peintre catalan, connu sous le nom espagnolisé de Mariano Fortuny. Ses tableaux de genre ont connu un succès énorme vers 1870, le sommet de sa gloire coïncidant avec les débuts de l'impressionnisme sans qu'il ait fait partie de ce mouvement pictural1. À mi-chemin entre ces deux courants, il est aussi classé dans les orientalistes par les peintures qu'il a effectuées après son voyage au Maroc (1860-1862). Son ami le baron Jean Charles Davillier a publié une étude sur la vie et le travail du peintre. Il est le père de Mariano (1871-1949), futur peintre mondain et créateur de tissus (un musée à Venise lui est consacré

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Pablo Picasso (1881-1973) - Arlequín con espejo (Arlequin au miroir)

 

 

Pablo Picasso (1881-1973)
Arlequín con espejo, 1923
(Arlequin au miroir, 1923)
Museo nacional Thyssen Bornemisza.

 

L'Arlequin est une figure récurrente dans l'œuvre de Picasso.  Il en a peint preès d'une cinquantaine qui prennent pour modèles  soit son fils Paul enfant soit des amis peintres mais toujours des personnages qui lui sont proches.  Ce personnage de la Commedia dell’arte a été pour l'artiste espagnol une représentation de son double. Arlequin incarnait pour Picasso une image de solitude et de mélancolie.
Avec ces Arlequins, on est loin du Picasso cubiste. Les personnages ont souvent des expressions réalistes. Il en a beaucoup en peindre durant sa période rose, et bleue. Certains des Arlequins de l'artiste ont une allure inachevée. On a l'impression que la toile n'est pas terminée, ce qui donne un aspect de technique du collage.  La fonction d'Arlequin était celle d'un valet comique, célèbre pour ses pirouettes et ses acrobaties. On ne s'étonnera pas que Picasso ait été attiré par ce personnage complexe, tant l'artiste était lui-même difficile à cerner. Ce thème connut  un succès  immédiat auprès du public et des collectionneurs.   Dans une lettre datée de janvier 1921, son marchand Paul Rosenberg lui réclame "mes Arlequins !!!!".  La profusion des tableaux de Picasso sur ce thème démontrent en tout cas l'influence du   marché dans la fabrication de chefs-d'œuvres, mais  aussi celui du goût du public. Ainsi par exemple ,c'est grâce à l'engouement et la mobilisation du public  que l'"Arlequin" de Bâle, en dépôt au musée de la ville, a pu y rester. A la suite de cette manifestation du public en faveur d'une de ses oeuvres, Picasso, touché, fit même un don important au Kunstmuseum.

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Hugh G. Riviere (1869-1956) - In The Golden Days

Hugh G. Riviere (1869-1956)
In The Golden Days
New College, Oxford.

Hugh Goldwin Rivière (1869–1956) fut un portraitiste britannique réputé qui peignit quelques toiles évoquant les scènes quotidiennes de la vie a son époque, comme la scène de sports ci-dessus à Oxford, mêlant jogging, entrainement aàcheval et aviron au coucher du soleil.
Ses toiles l sont conservées dans de nombreuses collections publiques britanniques, notamment à la Victoria Art Gallery de Bath, à la Guildhall Art Gallery et au Victoria and Albert Museum de Londres, à la Royal Shakespeare Company, à la Cheltenham Art Gallery, au Gloucestershire County Council et au Royal Albert Memorial Museum, d'Exeter. Saon portrait de Sir Squire Bancroft et plusieurs dessins et gravures sont dans la collection de la National Portrait Gallery. Un de ses meilleurs portraits est celui de William Archibald Spooner, qui est suspendu dans la salle du New College, à Oxford.

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Jared French (1905-1988) - Homesickness

Jared French (1905-1988)
Homesickness, 1942
Huile sur toile
Collection Privée 

 

Jared French était un peintre américain appartenant au courant dit du Réalisme magique.
Il faisait partie d’un groupe d’artistes et amis qui s’était spécialisé dans l’utilisation de l’ancienne technique de la tempera à l’œuf, et qui comprenait notamment George Tooker et Paul Cadmus.
De la fin des années 1930 jusqu'au début des années 1940, French réalise des peintures murales pour le Works Progress Administration. Ces peintures de French sont souvent décrites comme sinistres et inquiétantes, avec leur défilé de silhouettes immobiles et silencieuses inspirées des statues grecques de la période archaïque. Par la suite, son travail s'orienta vers une sorte de " bio-morphisme classique" avec des formes organiques étranges, colorées, suggestives.
En 1937, French se maria à Margaret Hoening. Pendant 8 ans, Paul Cadmus et le couple French passent leurs étés sur Fire Island et forment le collectif de photographe PaJaMa pour Paul, Jared et Margaret. Ils se mettent en scène dans diverses photographies en noir et blanc avec leurs amis, à la fois nus et vêtus. La plupart de ces amis présentés dans les photographies étaient parmi les jeunes artistes, danseurs et écrivains de New York, et la plupart étaient beaux et gays.
French et Cadmus posent en 1938 pour une série du photographe George Platt Lynes, qui ne sera publiée qu'après la mort de Lynes.
À la fin des années 1940, French et sa femme ont une relation avec Cadmus et son compagnon George Tooker. Quand les French achètent une maison à Hartland dans le État du Vermont, ils offrent à Cadmus une maison sur leur propriété.
French la reprendra plus tard pour l'offrir à son amant Roberto Gianatta.

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Gerrit Dou (1613-1675) - L'Arracheur de dents

 

Gerrit Dou (1613-1675)
L'Arracheur de dents (1630-1635)
Huile sur bois, 32 × 26 cm
Musée du Louvre, Paris

Gérard Dou ou Gerrit Dou ou Dow, est un artiste-peintre néerlandais. Il est le principal représentant de l’école de Leyde, dite de la « peinture fine » (Fijnschilderei), dont la technique s'apparente à la miniature (enluminure). Formé par Rembrandt, il est si proche du style de son maître que l’on attribue certaines œuvres à un travail commun entre les deux artistes. Les tableaux de Gérard Dou ont la particularité d’être toujours de petit format, dans un style extrêmement minutieux, représentations de scènes souvent surmontées d’un encadrement en forme d’arc en trompe-l'œil. Sa technique, proche de l'émail, lui value une renommée internationale, mais il déclina l'invitation de Charles II qui lui proposait de s'installer en Angleterre. Il préféra rester dans sa ville natale où il fonda l'école des fijnschilders (peintres fins), constituée en guilde à partir de 16481, et qui perdurera jusqu'au XIXe siècle. Il préférait peindre sur des panneaux de bois qui offraient une surface plus lisse que la toile, et se servait d’une loupe pour le fini des détails.
 

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Pietro Perugino (1448-1523) - Apollo and Marsyas

  

Pietro Perugino (1448-1523)
Apollon et le berger Daphni (Apollo and Marsyas), c1490
Huile sur bois de peuplier : 39,0x 29,0 cm
Musée du Louvre, Paris (non exposé) 

Marsyas était un Silène, dieu de la rivière Marsyas, un affluent du Méandre en Anatolie. Pindare raconte comment la déesse Athéna, une fois inventé l'aulos, le jeta, ennuyée qu'il déforme son visage quand elle en joue. Marsyas le ramassa, et commença à en jouer avec une telle grâce que tous les auditeurs furent captivés, déclarant qu'il avait plus de talent qu'Apollon lui-même. Marsyas, très fier, ne les contredit pas, jusqu'à ce qu'un jour sa renommée parvienne à Apollon, qui le défia (selon d'autres versions ce fut Marsyas qui lança le défi). Les Muses déclarèrent Apollon vainqueur. Pour punir Marsyas de sa démesure (ὓϐρις / hubris, fait d'avoir défié un dieu), Apollon le fait écorcher vif et cloue sa peau à un pin (l'arbre de la déesse).

Pietro di Cristoforo Vannucci, dit le Pérugin (il Perugino), est un peintre italien de la Renaissance appartenant à l'école ombrienne, qui est l'un des maîtres de Raphaël. Formé en Ombrie, loin de l'effervescence florentine, il crée de grandes formes simples, avec quelques figures aux gestes retenus et à l'expression un peu rêveuse, soigneusement liées dans un calme ordonné.

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Rembrandt (1607-1669) - Homme en armure

 

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1607-1669)
Homme en armure, 1655
Huile sur toile
Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow.

Rembrandt a peint de nombreux portraits d'hommes en armure. Celui-ci est très proche de celui intitulé Minerva, conservée à Lisbonne, ainsi appelé à cause de 'important du heaume  en forme de Victoire ailée qui coiffe sa tête.   

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